Классическое голливудское кино — это термин, используемый в кинокритике для описания как повествовательного, так и визуального стиля кинопроизводства, который впервые развился в 1910-1920-х годах, в последние годы эпохи немого кино . Затем он стал характерным для американского кино во время Золотого века Голливуда , примерно между 1927 (с появлением звукового кино ) и 1960 годами . [1] В конечном итоге он стал самым мощным и распространенным стилем кинопроизводства во всем мире. [2]
Подобные или связанные термины включают классическое голливудское повествование , Золотой век Голливуда , Старый Голливуд и классическую преемственность . [3] Этот период также называют студийной эрой , которая также может включать в себя фильмы поздней немой эпохи. [1]
На протяжении тысячелетий единственным визуальным эталоном повествовательного искусства повествования был театр . Начиная с первых повествовательных фильмов в середине-конце 1890-х годов, кинематографисты стремились передать силу живого театра на экране кинотеатра. Большинство из этих режиссеров начинали как режиссеры на сцене конца XIX века, и аналогичным образом большинство киноактеров имели корни в водевиле (например, « Братья Маркс» [4] ) или театральных мелодрамах. Визуально ранние повествовательные фильмы мало адаптировались со сцены, а их повествования очень мало адаптировались из водевиля и мелодрамы. До появления визуального стиля, который стал известен как «классическая непрерывность», сцены снимались полностью и использовали тщательно поставленную постановку для изображения сюжета и отношений персонажей. Техника редактирования была крайне ограничена и в основном состояла из написания объектов крупным планом для их разборчивости.
_2.jpg/1280px-The_Birth_of_a_Nation_(1915)_2.jpg)
Несмотря на отсутствие реальности, присущей сцене, фильм (в отличие от сцены) предлагает свободу манипулировать видимым временем и пространством и, таким образом, создавать иллюзию реализма – то есть временной линейности и пространственной непрерывности. К началу 1910-х годов, когда «потерянное поколение» достигло совершеннолетия, кинопроизводство начало реализовывать свой художественный потенциал. В Швеции и Дании этот период позже будет известен как «Золотой век» фильма; В Америке этот художественный сдвиг приписывается таким режиссерам, как Д. У. Гриффит, который наконец разорвал хватку Edison Trust и стал снимать фильмы независимыми от производственной монополии. Фильмы во всем мире начали заметно перенимать визуальные и повествовательные элементы, которые можно найти в классическом голливудском кино. 1913 год был особенно плодотворным для этого жанра, поскольку режиссеры-новаторы из нескольких стран сняли такие фильмы, как « Материнское сердце» (Д. У. Гриффит), «Ингеборг Хольм» ( Виктор Шёстрём ) и «Парижский ребенок» ( Леонс Перре ), которые установили новые стандарты для киноиндустрии. фильм как форма повествования. Это был также год, когда Евгений Бауэр (первый настоящий кинохудожник, по мнению Жоржа Садуля [5] ) начал свою короткую, но плодотворную карьеру. [6]
В мире в целом и в Америке в частности влияние Гриффита на кинопроизводство было непревзойденным. Не менее влиятельными были его актеры, адаптировавшие свои выступления к новой среде. Лилиан Гиш , звезда короткометражного фильма «Материнское сердце» , особенно известна своим влиянием на технику исполнения на экране. Эпос Гриффита 1915 года «Рождение нации», в котором также снимался Гиш, стал новаторским для кино как средства повествования – шедевр литературного повествования с многочисленными инновационными визуальными приемами. [7] Этот фильм положил начало столь большим достижениям в американском кино, что через несколько лет он устарел. [8] Хотя 1913 год стал мировой вехой в кинопроизводстве, 1917 год был в первую очередь американским; Эпоха «классического голливудского кино» отличается повествовательным и визуальным стилем, который начал доминировать в киноиндустрии Америки к 1917 году .
Повествовательный и визуальный стиль классического голливудского стиля получили дальнейшее развитие после перехода к звуковому кинопроизводству. Основные изменения в американском кинопроизводстве произошли в самой киноиндустрии, с развитием студийной системы . Этот способ производства, с его господствующей звездной системой, продвигаемой несколькими ключевыми студиями, [10] опередил звук на несколько лет. К середине 1920-х годов большинству выдающихся американских режиссеров и актеров, работавших независимо с начала 1910-х годов, пришлось стать частью новой студийной системы, чтобы продолжить работу.
Само начало звуковой эры определяется неоднозначно. Для некоторых все началось с «Певца джаза» , вышедшего в 1927 году, когда « Межвоенные поколения» достигли совершеннолетия и увеличили кассовые сборы фильмов, поскольку в художественные фильмы был введен звук. [11] Для других эра началась в 1929 году, когда эпоха молчания окончательно закончилась. [12] [ нужен лучший источник ] Большинство голливудских картин с конца 1920-х по 1960-е годы тесно придерживались определенного жанра — вестерн, фарс , мюзикл, мультфильм и биографический фильм (биографическая картина) — и над фильмами часто работали одни и те же творческие группы. той же студией. Например, Седрик Гиббонс и Герберт Стотхарт всегда работали над фильмами MGM ; Альфред Ньюман проработал в 20th Century Fox двадцать лет; Почти все фильмы Сесила Б. Демилля были сняты на студии Paramount Pictures ; [13] и фильмы режиссера Генри Кинга в основном были сняты для Twentieth Century Fox. Точно так же актеры в основном были игроками по контракту. Историки кино и критики отмечают, что фильмам потребовалось около десяти лет, чтобы адаптироваться к звуку и вернуться к уровню художественного качества немого кино, что они и сделали в конце 1930-х годов, когда Величайшие поколения достигли совершеннолетия. [ нужна цитата ]
Многие великие произведения кино, появившиеся в этот период, представляли собой строго регламентированное кинопроизводство. Одна из причин, по которой это стало возможным, заключается в том, что, поскольку было снято так много фильмов, не каждый из них должен был иметь большой успех. Студия могла бы сделать ставку на среднебюджетный фильм с хорошим сценарием и относительно неизвестными актерами. Так было с «Гражданином Кейном» (1941), снятым Орсоном Уэллсом и считающимся одним из величайших фильмов всех времен . Другие волевые режиссеры, такие как Говард Хоукс , Альфред Хичкок и Фрэнк Капра , боролись со студиями, чтобы реализовать свои художественные замыслы. Апогеем студийной системы, возможно, стал 1939 год, когда были выпущены такие классические произведения, как « Волшебник страны Оз» ; Унесенные ветром ; Горбун из Нотр-Дама ; Дилижанс ; Г-н Смит едет в Вашингтон ; Дестри снова едет ; Молодой мистер Линкольн ; Грозовой перевал ; Только у ангелов есть крылья ; Ниночка ; Бо Жесте ; Малышки на руках ; Гунга Дин ; Женщина ; До свидания, мистер Чипс ; и «Ревущие двадцатые» . [14]
Визуально-повествовательный стиль классического голливудского кино, разработанный Дэвидом Бордуэллом , [15] находился под сильным влиянием идей Возрождения и его возрождения человечества в качестве фокуса. Его выделяют на трех общих уровнях: устройства, системы и отношения систем.
Приемы, наиболее присущие классическому голливудскому кино, — это приемы непрерывного монтажа . Сюда входит правило 180 градусов , один из основных визуально-пространственных элементов монтажа непрерывности. Правило 180 градусов соответствует стилю «сфотографированной игры», создавая воображаемую ось в 180 градусов между зрителем и кадром, что позволяет зрителям четко ориентироваться в положении и направлении действия в сцене. Согласно правилу 30 градусов , сокращение угла, под которым просматривается сцена, должно быть достаточно значительным, чтобы зритель мог понять цель изменения перспективы. Монтажные работы, не соответствующие правилу 30 градусов, известные как монтажные работы в прыжке , разрушают иллюзию временной непрерывности между кадрами. Правила 180 и 30 градусов — это элементарные рекомендации в кинопроизводстве, которые более чем на десять лет предшествовали официальному началу классической эры, как это видно из новаторского французского фильма 1902 года « Путешествие на Луну ». Техники вырезания в классическом монтаже непрерывности служат для того, чтобы помочь установить или сохранить непрерывность, как в поперечном монтаже , который устанавливает совпадение действий в разных местах. Допускаются переходные монтажи в виде осевого разреза , который вообще не меняет угол съемки, но имеет четкую цель показать перспективу ближе или дальше от объекта съемки и, следовательно, не нарушает временную непрерывность. [16]
Классическое повествование всегда идет посредством психологической мотивации, т. е. воли человеческого персонажа и его борьбы с препятствиями на пути к определенной цели. Этот элемент повествования обычно состоит из основного повествования (например, любовного романа), переплетенного со вторичным повествованием или повествованиями. Это повествование имеет четко выраженное начало, середину и конец, и, как правило, имеет четко выраженную развязку. Использование действующих лиц, событий, причинно-следственных связей, основных и второстепенных моментов — основные характеристики этого типа повествования. Персонажи классического голливудского кино обладают ярко выраженными чертами характера, активны и очень целеустремленны. Они являются причинными агентами, движимыми скорее психологическими, чем социальными проблемами. [2] Повествование представляет собой причинно-следственную цепочку с причинными агентами – в классическом стиле события не происходят случайно.
Время в классическом Голливуде непрерывно, линейно и однородно, поскольку нелинейность привлекает внимание к иллюзорной работе среды. Единственная допустимая манипуляция временем в этом формате — флэшбэк . Чаще всего он используется для представления последовательности символов в памяти, например , Касабланка . [17]
Величайшим правилом классической непрерывности пространства является постоянство объекта: зритель должен верить, что сцена существует вне кадра кинематографического кадра, чтобы сохранить реалистичность картины. Обработка пространства в классическом Голливуде стремится преодолеть или скрыть двумерность фильма («невидимый стиль») и в значительной степени сосредоточена на человеческом теле. Большинство кадров в классическом фильме сосредоточено на жестах или мимике (средне-длинные и средние планы ). Андре Базен однажды сравнил классический фильм с сфотографированной пьесой в том смысле, что события кажутся существующими объективно, а камеры дают нам только лучшее представление о всей пьесе. [18]
Такая трактовка пространства состоит из четырех основных аспектов: центрирование, балансировка, фронтальность и глубина. Значимые люди или объекты находятся в основном в центральной части кадра и никогда не выходят за рамки фокуса. Балансировка относится к визуальной композиции, т. е. персонажи равномерно распределены по кадру. Действие тонко обращено к зрителю (фронтальность) и декорации , освещение (преимущественно трехточечное освещение , особенно светотеневое ), а костюмы призваны отделить передний план от заднего (глубина).
Новый Голливуд середины 1960-х - начала 1980-х годов находился под влиянием романтизма классической эпохи [19] , как и французская Новая волна . [20]
Они были включены в список Американского института кино, включающий 25 величайших легенд кино среди мужчин и 25 женщин в истории американского кино. [21] По состоянию на 2024 год Софи Лорен (89) является единственной живой звездой в списке.
Кинопортал
Портал 1920-х годов
Портал 1930-х годов_burning_after_the_Japanese_attack_on_Pearl_Harbor_-_NARA_195617_-_Edit.jpg/1280px-The_USS_Arizona_(BB-39)_burning_after_the_Japanese_attack_on_Pearl_Harbor_-_NARA_195617_-_Edit.jpg){kind=small}
Портал 1940-х годов
Портал 1950-х годов
Портал 1960-х годов