Японское искусство состоит из широкого спектра художественных стилей и средств, которые включают древнюю керамику , скульптуру , живопись тушью и каллиграфию на шелке и бумаге, картины укиё-э и гравюры на дереве , керамику , оригами , бонсай и, в последнее время, мангу и аниме . Оно имеет долгую историю, начиная с первых поселений человека в Японии, где-то в 10-м тысячелетии до нашей эры, и до наших дней.
Япония чередовала периоды воздействия новых идей и длительные периоды минимального контакта с внешним миром. Со временем страна впитывала, имитировала и, наконец, ассимилировала элементы иностранной культуры, которые дополняли уже существующие эстетические предпочтения. Самое раннее сложное искусство в Японии было создано в 7-м и 8-м веках в связи с буддизмом . В 9-м веке, когда японцы начали отворачиваться от Китая и развивать местные формы выражения, светское искусство становилось все более важным; до конца 15-го века процветали как религиозное, так и светское искусство. После войны Онин (1467–1477) Япония вступила в период политических, социальных и экономических потрясений, которые длились более столетия. В государстве, возникшем под руководством сёгуната Токугава , организованная религия играла гораздо менее важную роль в жизни людей, и выжившие искусства были в основном светскими. В эпоху Мэйдзи (1868–1912) произошел резкий приток западных стилей, которые продолжают играть важную роль.
Живопись является предпочтительным видом художественного выражения в Японии, практикуемым как любителями, так и профессионалами. До недавнего времени японцы писали кистью, а не пером , и их знакомство с техникой кисти сделало их особенно чувствительными к ценностям и эстетике живописи. С ростом популярной культуры в период Эдо , укиё-э , стиль гравюры на дереве, стал основной формой, и его методы были доработаны для создания массовых, красочных картин; несмотря на традиционное почетное место живописи, эти гравюры оказались полезными в диалоге западного мира с японским искусством в 19 веке . Японцы в этот период обнаружили, что скульптура является гораздо менее симпатичным средством для художественного выражения: большая часть крупной японской скульптуры связана с религией , и использование этого средства уменьшилось с уменьшением важности традиционного буддизма.
Японская керамика входит в число лучших в мире и включает в себя самые ранние известные японские артефакты; японский экспортный фарфор был крупной отраслью промышленности в различные периоды. Японская лакированная посуда также является одним из ведущих мировых видов искусства и ремесел, а работы, великолепно украшенные маки-э, экспортировались в Европу и Китай, оставаясь важными статьями экспорта вплоть до 19 века. [1] [2] В архитектуре явно выражены японские предпочтения в отношении натуральных материалов и взаимодействия внутреннего и внешнего пространства.
Первыми поселенцами Японии были люди Дзёмон ( ок. 10 500 – ок. 300 до н. э. ), [3] названные так из-за маркировки шнура , которая украшала поверхности их глиняных сосудов, были кочевыми охотниками-собирателями, которые позже практиковали организованное земледелие и построили города с населением в сотни, если не тысячи человек. Они строили простые дома из дерева и соломы, установленные в неглубоких земляных ямах, чтобы обеспечить тепло от почвы. Они изготавливали богато украшенные керамические сосуды для хранения , глиняные фигурки, называемые догу , и хрустальные драгоценности.
В период раннего Дзёмона (5000–2500 гг. до н. э.) [3] начали обнаруживаться деревни и находить обычные предметы повседневного обихода, такие как керамические горшки для кипячения воды. Найденные в это время горшки имели плоское дно и сложные конструкции, сделанные из таких материалов, как бамбук. Считается, что некоторые ранние фигурки Дзёмона могли использоваться как объекты плодородия, судя по их груди и широким бедрам. [3]
Средний период Дзёмон (2500–1500 гг. до н. э.) [3] во многом отличался от раннего периода Дзёмон. Эти люди были менее кочевыми и начали селиться в деревнях. Они создали полезные инструменты для обработки пищи, которую они собирали и добывали на охоте, что облегчало жизнь. Благодаря многочисленным эстетически приятным керамическим изделиям, найденным в этот период, очевидно, что у них была стабильная экономика и больше свободного времени. Кроме того, люди среднего периода Дзёмон отличались от своих предков тем, что они разрабатывали сосуды для определенных функций, например, горшки для хранения. [3] Украшения на этих сосудах были более реалистичными, чем на керамике раннего периода Дзёмон. [3]
В период позднего и финального Дзёмона (1500–300 гг. до н. э.) [3] погода стала холоднее, что побудило поселенцев переселиться из гор. Основным источником пищи была рыба, что привело к разработке рыболовных снастей и методов. Кроме того, увеличение количества сосудов предполагает, что у каждого домохозяйства был свой собственный запас. Некоторые сосуды, найденные в период позднего и финального Дзёмона, были повреждены, что может указывать на то, что они использовались для ритуалов. Кроме того, были найдены статуэтки с характерными мясистыми телами и глазами, похожими на очки. [3]
Фигурки Догу
Догу («глиняная фигура») — небольшие фигурки гуманоидов и животных , датируемые концом периода Дзёмон . [4] Их производили по всей Японии, за исключением Окинавы . [4] По мнению некоторых учёных, догу были изображениями людей и могли использоваться в симпатической магии . [5] Догу — небольшие глиняные фигурки, обычно высотой от 10 до 30 сантиметров (от 4 до 12 дюймов). [6] Большинство из них — женщины с большими глазами, тонкой талией и широкими бёдрами. [4] У многих большие животы, что позволяет предположить, что они были богинями-матерями . [6]
Следующей волной иммигрантов был народ Яёй , названный в честь района в Токио , где впервые были обнаружены остатки их поселений. Эти люди, прибывшие в Японию около 300 г. до н. э., [7] принесли с собой свои знания о выращивании риса на водно-болотных угодьях, производстве медного оружия и бронзовых колоколов ( дотаку ), а также гончарной керамике , обожженной в печи .
Третий этап в японской доистории, период Кофун (ок. 300 – 710 гг. н. э.), [3] представляет собой модификацию культуры Яёй , приписываемую либо внутреннему развитию, либо внешней силе. Этот период наиболее примечателен своей культурой гробниц и другими артефактами, такими как бронзовые зеркала и глиняные скульптуры, называемые ханива , которые возводились снаружи этих гробниц. На протяжении периода Кофун характеристики этих гробниц развивались от меньших гробниц, возведенных на вершинах холмов и хребтов, до гораздо больших гробниц, построенных на равнине. [8] Самая большая гробница в Японии, гробница императора Нинтоку , вмещает 46 курганов и имеет форму замочной скважины, [9] отличительная черта, обнаруженная в более поздних гробницах Кофун. [8]
В периоды Асука и Нара , названные так потому, что резиденция японского правительства находилась в долине Асука с 542 по 645 год [3] , а в городе Нара до 784 года, в Японию произошел первый значительный приток континентальной азиатской культуры.
Распространение буддизма дало первоначальный импульс контактам между Китаем и Японией. Японцы распознали грани китайской культуры , которые могли бы быть с пользой включены в их собственную: система преобразования идей и звуков в письменность; историография ; сложные теории управления, такие как эффективная бюрократия ; и, что наиболее важно для искусств, новые технологии, новые методы строительства, более продвинутые методы литья в бронзе , а также новые методы и средства для живописи.
Однако на протяжении VII и VIII веков основным направлением контактов между Японией и азиатским континентом было развитие буддизма. Не все ученые сходятся во мнении относительно значимых дат и соответствующих названий для различных периодов времени между 552 годом, официальной датой внедрения буддизма в Японию, и 784 годом, когда японская столица была перенесена из Нары. Наиболее распространенными обозначениями являются период Суйко, 552–645; период Хакухо , 645–710, и период Тэнпё, 710–784.
Самые ранние японские скульптуры Будды датируются 6-м и 7-м веками. [10] Они в конечном итоге происходят от греко-буддийского искусства Гандхары 1-го-3-го веков н. э. , характеризующегося струящимися узорами одежды и реалистичной визуализацией, [11] на которые были наложены китайские художественные черты. После того, как китайское буддийское искусство Северной Вэй проникло на Корейский полуостров, буддийские иконы были привезены в Японию различными группами иммигрантов. [12] В частности, полусидячая форма Майтреи была адаптирована в высокоразвитый древнегреческий художественный стиль, который был передан в Японию, о чем свидетельствуют статуи Корю-дзи Мироку Босацу и Тюгу-дзи Сиддхартхи . [13] Многие историки изображают Корею просто как передатчика буддизма. [14] Три королевства, и в частности Пэкче, сыграли важную роль в качестве активных агентов внедрения и формирования буддийской традиции в Японии в 538 или 552 году. [15] Они иллюстрируют конечную точку передачи искусства по Шелковому пути в течение первых нескольких столетий нашей эры. Другие примеры можно найти в развитии иконографии японского бога ветра Фудзина , [16] хранителей Нио , [17] и почти классических цветочных узоров в украшениях храмов. [18]
Самые ранние буддийские сооружения, сохранившиеся в Японии, и самые старые деревянные здания на Дальнем Востоке находятся в Хорю-дзи к юго-западу от Нары. Впервые построенный в начале VII века как личный храм наследного принца Сётоку , он состоит из 41 независимого здания. Самые важные из них, главный зал поклонения, или Кондо (Золотой зал), и Годзю-но-то (Пятиэтажная пагода ), стоят в центре открытой площадки, окруженной крытым монастырем. Кондо , в стиле китайских залов поклонения , представляет собой двухэтажное строение столбово-балочной конструкции, увенчанное иримоя или шатровой крышей из керамической плитки.
Внутри Кондо , на большой прямоугольной платформе, находятся некоторые из самых важных скульптур того периода. Центральное изображение — это Троица Шака (623), исторический Будда в окружении двух бодхисаттв , скульптура, отлитая из бронзы скульптором Тори Бусси (расцвет творчества в начале VII века) в честь недавно умершего принца Сётоку. По четырем углам платформы находятся Цари-хранители Четырех Направлений , вырезанные из дерева около 650 года. Также в Хорю-дзи находится святилище Тамамуси , деревянная копия Кондо , которая установлена на высоком деревянном основании, украшенном фигурными картинами, выполненными в среде минеральных пигментов, смешанных с лаком.
Строительство храмов в VIII веке было сосредоточено вокруг Тодай-дзи в Наре. Построенный как штаб-квартира для сети храмов в каждой из провинций, Тодай-дзи является самым амбициозным религиозным комплексом, возведенным в ранние века буддийского поклонения в Японии. Соответственно, 16,2-метровый (53-футовый) Будда (завершен в 752 году), помещенный в главный зал Будды, или Дайбуцудэн , является Рушана Буддой, фигурой, которая представляет собой сущность буддовости, так же как Тодай-дзи представлял собой центр спонсируемого императором буддизма и его распространения по всей Японии. Сохранилось лишь несколько фрагментов оригинальной статуи, а нынешний зал и центральный Будда являются реконструкциями периода Эдо .
Вокруг Дайбуцудэн на пологом склоне холма сгруппировано несколько второстепенных залов: Хоккэ-до (зал Лотосовой сутры) с его главным изображением, Фукукэндзяку Каннон (不空羂索観音立像, самый популярный бодхисаттва), изготовленный из сухого лака (ткань, пропитанная лаком и сформированная на деревянной арматуре); Кайданин (戒壇院, зал посвящения) с его великолепными глиняными статуями Четырех королей-хранителей ; и хранилище, называемое Сёсоин . Это последнее сооружение имеет большое значение как художественно-исторический тайник, потому что в нем хранятся утварь, которая использовалась в церемонии посвящения храма в 752 году, ритуал открытия глаз для изображения Рушаны, а также правительственные документы и многие светские предметы, принадлежавшие императорской семье.
Считается , что искусство гравировки или скульптуры по металлу Choukin (или chōkin ) зародилось в период Нара. [19] [20]
В 794 году столица Японии была официально перенесена в Хэйан-кё (современный Киото ), где она оставалась до 1868 года. Термин «период Хэйан» относится к годам между 794 и 1185 годами, когда в конце войны Гэмпэй был установлен сёгунат Камакура . Период далее делится на ранний Хэйан и поздний Хэйан, или эпоху Фудзивара , поворотной датой является 894 год, год официального прекращения императорских посольств в Китай .
Раннее искусство Хэйан: в ответ на растущее богатство и мощь организованного буддизма в Наре священник Кукай (наиболее известный по своему посмертному титулу Кобо Дайси, 774–835) отправился в Китай, чтобы изучать Сингон , форму буддизма Ваджраяны , которую он ввел в Японию в 806 году. В основе поклонения Сингону лежат мандалы , диаграммы духовной вселенной, которые затем начали влиять на дизайн храмов. Японская буддийская архитектура также переняла ступу , изначально индийскую архитектурную форму , в своей пагоде в китайском стиле.
Храмы, возведенные для этой новой секты, были построены в горах, вдали от Двора и мирян в столице. Неровный рельеф этих мест заставил японских архитекторов переосмыслить проблемы строительства храмов и, таким образом, выбрать более местные элементы дизайна. Крыши из керамической плитки были заменены крышами из кипарисовой коры, вместо земляных полов использовались деревянные доски, а перед главным святилищем была добавлена отдельная зона поклонения для мирян.
Храм, который лучше всего отражает дух ранних храмов Хэйан Сингон, — это Муро-дзи (начало IX века), расположенный в глубине кипарисовой рощи на горе к юго-востоку от Нары. Деревянное изображение (также начало IX века) Шакьямуни , «исторического» Будды, хранящееся во второстепенном здании в Муро-дзи , типично для ранней скульптуры Хэйан с его тяжеловесным телом, покрытым толстыми складками драпировки, вырезанными в стиле хонпа-сики (набегающая волна), и его строгим, отстраненным выражением лица.
Искусство Фудзивары: В период Фудзивары стал популярен буддизм Чистой Земли , который предлагал легкое спасение через веру в Амиду (Будду Западного Рая). Этот период назван в честь семьи Фудзивара , тогда самой могущественной в стране, которая правила как регенты императора, став, по сути, гражданскими диктаторами. Одновременно с этим знать Киото создала общество, преданное изысканным эстетическим поискам. Их мир был настолько безопасным и прекрасным, что они не могли представить себе Рай как нечто иное. Они создали новую форму зала Будды, зал Амиды, который сочетает в себе светское с религиозным и вмещает одно или несколько изображений Будды в структуру, напоминающую особняки знати.
Hō -ō-dō (зал Феникса, завершен в 1053 году) храма Byōdō-in в Удзи к юго-востоку от Киото является образцом залов Амида в Фудзиваре. Он состоит из основного прямоугольного строения, окруженного двумя L-образными коридорами-крыльями и хвостовым коридором, расположенным на краю большого искусственного пруда. Внутри на высокой платформе установлено единственное золотое изображение Амиды ( ок. 1053 года ). Скульптура Амиды была выполнена Дзётё , который использовал новый канон пропорций и новую технику ( ёсэги ), в которой несколько кусков дерева вырезаны как ракушки и соединены изнутри. На стенах зала нанесены небольшие рельефные изображения небожителей, хозяин которых, как полагают, сопровождал Амиду, когда он спустился из Западного Рая, чтобы собрать души верующих в момент смерти и перенести их в цветках лотоса в Рай. Картины Райго на деревянных дверях Ходо-о-до, изображающие Сошествие Будды Амиды, являются ранним примером ямато-э , японской живописи, и содержат изображения пейзажей вокруг Киото.
E-maki : В последнем столетии периода Хэйан на первый план вышел горизонтальный иллюстрированный повествовательный свиток, известный как e-maki (絵巻, досл. «свиток с изображением»). Genji Monogatari Emaki , знаменитая иллюстрированная «Повесть о Гэндзи », датируемая примерно 1130 годом, представляет собой самый ранний сохранившийся свиток ямато-э и одну из вершин японской живописи. Написанный около 1000 года Мурасаки Сикибу , фрейлиной императрицы Сёси , роман повествует о жизни и любви Гэндзи и мире двора Хэйан после его смерти. Художники версии e-maki XII века разработали систему изобразительных условностей, которые визуально передают эмоциональное содержание каждой сцены. Во второй половине века стал популярен другой, более живой стиль непрерывной повествовательной иллюстрации. Свиток «Бан Дайнагон Экотоба» (конец XII века), повествующий об интриге при дворе, подчеркивает активное движение фигур, изображенных быстрыми мазками кисти и тонкими, но яркими цветами.
Э-маки также служат одними из самых ранних и величайших примеров стилей живописи отоко-э («мужские картины») и онна-э («женские картины»). В этих двух стилях есть много тонких различий, апеллирующих к эстетическим предпочтениям полов. Но, возможно, наиболее заметными являются различия в тематике. Онна-э , воплощенная в свитке «Повесть о Гэндзи», обычно повествует о придворной жизни, в частности о придворных дамах, и о романтических темах. Отоко-э часто запечатлевали исторические события, в частности сражения. Осада дворца Сандзё (1160), изображенная в разделе «Ночная атака на дворец Сандзё» свитка «Хэйдзи Моногатари» , является известным примером этого стиля.
В 1180 году началась война между двумя самыми могущественными воинскими кланами: Тайра и Минамото ; пять лет спустя Минамото одержали победу и основали фактическую резиденцию правительства в приморской деревне Камакура , где она оставалась до 1333 года. С переходом власти от дворянства к воинскому классу, искусство должно было удовлетворять новую аудиторию: людей, преданных искусству войны, священников, стремящихся сделать буддизм доступным для неграмотных простолюдинов, и консерваторов, дворян и некоторых членов духовенства, которые сожалели об упадке власти двора. Таким образом, реализм, популяризаторская тенденция и классическое возрождение характеризуют искусство периода Камакура . В период Камакура Киото и Нара оставались центрами художественного производства и высокой культуры.
Скульптура: Школа скульпторов Кэй , в частности Ункэй , создала новый, более реалистичный стиль скульптуры. Два изображения стража Нио (1203) в Великих Южных Воротах Тодай -дзи в Наре иллюстрируют динамичный сверхреалистичный стиль Ункэя. Изображения высотой около 8 м (около 26 футов) были вырезаны из нескольких блоков в течение примерно трех месяцев, что свидетельствует о развитой системе студий ремесленников, работающих под руководством мастера-скульптора. Полихромные деревянные скульптуры Ункэя (1208, Кофуку-дзи , Нара) двух индийских мудрецов, Мучаку и Сэсина , легендарных основателей секты Хоссо , являются одними из самых совершенных реалистичных работ того периода; в исполнении Ункэя они представляют собой удивительно индивидуализированные и правдоподобные образы. Одним из самых известных произведений этого периода является « Триада Амитабхи» (завершенная в 1195 году) в Дзёдодзи в Оно , созданная Кайкэй , преемником Ункэя.
Каллиграфия и живопись: Kegon Engi Emaki , иллюстрированная история основания секты Кэгон , является прекрасным примером популяризаторской тенденции в живописи Камакура. Секта Кэгон, одна из самых важных в период Нара, переживала трудные времена во время господства сект Чистой Земли . После войны Гэмпэй (1180–1185) священник Мёэ из Кодзан-дзи стремился возродить секту, а также предоставить убежище женщинам, овдовевшим из-за войны. Женам самураев не рекомендовалось изучать что-либо, кроме слоговой системы для транскрипции звуков и идей (см. кана ), и большинство из них не могли читать тексты, в которых использовались китайские иероглифы ( кандзи ).
Таким образом, Кэгон Энги Эмаки сочетает в себе отрывки текста, написанные максимально легко читаемыми слогами, и иллюстрации, в которых диалоги между персонажами написаны рядом с говорящими, техника, сравнимая с современными комиксами. Сюжет э-маки , жизни двух корейских священников, основавших секту Кэгон, стремительно развивается и наполнен фантастическими подвигами, такими как путешествие во дворец Короля Океана и трогательная история матери. [ требуется разъяснение ]
Работа в более консервативном ключе — иллюстрированная версия дневника Мурасаки Сикибу . Электронные версии ее романа продолжали выпускаться, но знать, настроенная на новый интерес к реализму, но ностальгирующая по прошлым дням богатства и власти, возродила и проиллюстрировала дневник, чтобы вернуть великолепие времен автора. Один из самых красивых отрывков иллюстрирует эпизод, в котором Мурасаки Сикибу игриво удерживается в плену в ее комнате двумя молодыми придворными, в то время как снаружи лунный свет блестит на мшистых берегах ручья в императорском саду.
В период Муромати (1338–1573), также называемый периодом Асикага, в японской культуре произошли глубокие изменения. Клан Асикага взял под контроль сёгунат и перенес свою резиденцию обратно в Киото, в район Муромати города. С возвращением правительства в столицу популяризаторские тенденции периода Камакура подошли к концу, и культурное выражение приобрело более аристократический, элитарный характер. Дзен -буддизм, секта Чань , традиционно считающаяся основанной в Китае в VI веке, была введена в Японию во второй раз и укоренилась.
Живопись: Из-за светских предприятий и торговых миссий в Китай, организованных храмами Дзэн, многие китайские картины и предметы искусства были импортированы в Японию и оказали глубокое влияние на японских художников, работавших в храмах Дзэн и сёгунате. Этот импорт не только изменил тематику живописи, но и изменил использование цвета; яркие цвета Ямато-э уступили место монохромности живописи в китайской манере, где картины обычно имеют только черный и белый цвет или различные тона одного цвета.
Типичным для ранней живописи Муромати является изображение священником-художником Као (работал в начале XV века) легендарного монаха Кэнсу (китайский Сянь-цзы) в момент достижения им просветления. Этот тип живописи был выполнен быстрыми мазками кисти и минимумом деталей. Ловля сома тыквой (начало XV века, Тайдзо-ин , Мёсин-дзи , Киото) священника-художника Дзёсэцу (работал около 1400 года ) знаменует собой поворотный момент в живописи Муромати. Первоначально выполненная для низкой ширмы, она была перемонтирована в виде подвесного свитка с надписями современных персонажей выше, один из которых ссылается на картину как на произведение «нового стиля». На переднем плане изображен человек на берегу ручья, держащий небольшую тыкву и смотрящий на большого скользкого сома. Туман заполняет средний план, а горы на заднем плане кажутся далекими. Принято считать, что «новый стиль» картины, созданной около 1413 года, относится к более китайскому ощущению глубокого пространства внутри плоскости картины.
Выдающимися художниками периода Муромати являются священники-живописцы Сюбун и Сэссю . Сюбун, монах храма Сёкоку-дзи в Киото , создал на картине «Чтение в бамбуковой роще » (1446) реалистичный пейзаж с глубоким углублением в пространство. Сэссю, в отличие от большинства художников того периода, смог отправиться в Китай и изучить китайскую живопись у ее истоков. «Пейзаж четырех времен года» ( Sansui Chokan ; ок. 1486 ) — одна из самых выдающихся работ Сэссю, изображающая непрерывный пейзаж на протяжении четырех времен года.
В период Адзути-Момояма (1573–1603) череда военачальников, таких как Ода Нобунага , Тоётоми Хидэёси и Токугава Иэясу , пытались принести мир и политическую стабильность в Японию после эпохи почти 100 лет войн. Ода, мелкий вождь, приобрел достаточную власть, чтобы взять под фактический контроль правительство в 1568 году и, пять лет спустя, изгнать последнего сёгуна Асикага. Хидэёси принял командование после смерти Оды, но его планы установить наследственное правление были сорваны Иэясу, который основал сёгунат Токугава в 1603 году.
Живопись: Самой важной школой живописи в период Момояма была школа Кано , а величайшим новшеством этого периода стала формула, разработанная Кано Эйтоку , для создания монументальных пейзажей на раздвижных дверях, ограждающих комнату. Украшение главной комнаты, выходящей на сад Дзюко -ин , подхрамника Дайтоку-дзи (дзэнского храма в Киото), является, пожалуй, лучшим сохранившимся примером работы Эйтоку. Массивное дерево умэ и две сосны изображены на парах раздвижных экранов в диагонально противоположных углах, их стволы повторяют вертикали угловых столбов, а их ветви простираются влево и вправо, объединяя смежные панели. Экран Эйтоку, «Китайские львы» , также в Киото, демонстрирует смелый, яркий стиль живописи, который предпочитали самураи.
Хасэгава Тохаку , современник Эйтоку, разработал несколько иной и более декоративный стиль для крупномасштабных картин на экране. В своей «Кленовой ширме» (楓図), которая сейчас находится в храме Тисяку-ин (яп. 智積院), Киото, он поместил ствол дерева в центр и продлил ветви почти до края композиции, создав более плоскую, менее архитектоническую работу, чем «Эйтоку», но визуально великолепную картину. Его шестистворчатая ширма «Сосновый лес» (松林図) — это мастерское изображение монохромными чернилами рощи деревьев, окутанной туманом.
Сёгунат Токугава получил бесспорный контроль над правительством в 1603 году, взяв на себя обязательство принести мир, экономическую и политическую стабильность в страну; в значительной степени это было успешно. Сёгунат просуществовал до 1867 года, когда он был вынужден капитулировать из-за своей неспособности справиться с давлением западных стран, чтобы открыть страну для иностранной торговли. Одной из доминирующих тем в период Эдо была репрессивная политика сёгуната и попытки художников избежать этих ограничений. Главной из них было закрытие страны для иностранцев и атрибутов их культур, а также введение строгих кодексов поведения, влияющих на каждый аспект жизни, одежду, которую носили, человека, на котором вступали в брак, и виды деятельности, которые можно или не следует осуществлять.
Однако в первые годы периода Эдо влияние политики Токугава еще не было ощутимо в полной мере, и были созданы некоторые из лучших образцов японской архитектуры и живописи: дворец Кацура в Киото и картины Таварая Сотацу , основателя школы Ринпа .
Ксилография: Ксилография изначально использовалась для перевода буддийских писаний в восьмом веке в Японии. Ксилография представляет собой гравировку изображений или картинок на куске дерева, который затем прижимается к листу бумаги. В восьмом веке ксилография считалась удобным методом воспроизведения печатного текста, пока дальнейшие инновации не позволили переводить цвет на бумагу или более известную как гравюры Нисики-э. Ксилография была распространенным методом печати с одиннадцатого по девятнадцатый век. Гравюры Нисики-э производили такие товары, как календари, которые обычно продавались богатым членам общества в период Эдо. В период Эдо эти гравюры изображали события и сцены из жизни выдающихся актеров. Затем укиё было связано с ксилографией в раннем периоде Эдо. Эти картины укиё изображали повседневную жизнь выдающихся членов общества. Укиё сначала начинались как вылепленные вручную свитки, изображавшие жизнь обычного простолюдина.
Архитектура: Отдельный дворец Кацура , построенный по образцу дворца Гэндзи , содержит кластер зданий сёин, которые сочетают элементы классической японской архитектуры с инновационными переосмыслениями. Весь комплекс окружен прекрасным садом с дорожками для прогулок. Многие из могущественных даймё (феодалов) построили японский сад в стиле кольцевой дороги на территории страны и соревновались за красоту.
Живопись: Сотацу развил великолепный декоративный стиль, воссоздавая темы из классической литературы, используя ярко раскрашенные фигуры и мотивы из природного мира на фоне листового золота. Одной из его лучших работ является пара экранов « Волны в Мацусиме » в галерее Фрир в Вашингтоне, округ Колумбия. Спустя столетие Корин переработал стиль Сотацу и создал визуально великолепные работы, уникальные для него. Возможно, его лучшими являются экранные картины « Красные и белые цветки сливы» .
Скульптура: Буддийский монах Энку вырезал 120 000 буддийских изображений в грубом, индивидуальном стиле.
From_Bijin-ga_(Pictures_of_Beautiful_Women),_published_by_Tsutaya_Juzaburo_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-thumbnail.jpg)
,_also_known_as_Red_Fuji,_from_the_series_Thirty-six_Views_of_Mount_Fuji_(Fugaku_sanj%C5%ABrokkei)_MET_DP141062.jpg/1280px-thumbnail.jpg)
Укиё-э и нанга (бундзинга)
Наиболее известная на Западе школа искусства — это живопись укиё-э и гравюры на дереве полусвета, мира театра кабуки и увеселительных кварталов . Гравюры укиё-э начали создаваться в конце XVII века; в 1765 году Харунобу создал первую полихромную гравюру . Художники-графики следующего поколения, включая Тории Киёнагу и Утамаро , создавали элегантные и порой проницательные изображения куртизанок.
В 19 веке доминирующими фигурами были Хокусай и Хиросигэ , последний был создателем романтических и несколько сентиментальных пейзажных гравюр. Странные углы и формы, через которые Хиросигэ часто рассматривал пейзаж, и работы Киёнаги и Утамаро, с их акцентом на плоских плоскостях и сильных линейных контурах, оказали глубокое влияние на таких западных художников, как Эдгар Дега и Винсент Ван Гог . Через произведения искусства, хранящиеся в западных музеях, эти же граверы позже окажут сильное влияние на образность и эстетические подходы, используемые ранними поэтами -модернистами, такими как Эзра Паунд , Ричард Олдингтон и HD [21]
Современной школой живописи укиё-э была нанга , или бундзинга, стиль, основанный на картинах, выполненных китайскими учеными-художниками. Так же, как художники укиё-э предпочитали изображать людей из жизни вне рамок сёгуната Токугава, художники бундзин обратились к китайской культуре. Образцами этого стиля являются Икэ-но Тайга , Ёса Бусон , Таномура Чикудэн и Ямамото Байицу (яп. 山本梅逸).
Керамика
Традиционные, в основном каменные , стили сохранились во многих частях Японии, но японская керамика была преобразована около начала периода Эдо, большим притоком корейских гончаров, захваченных или уговоренных эмигрировать в ходе японских вторжений в Корею в 1590-х годах . Многие из них поселились на южном острове Кюсю , и они принесли с собой опыт версий китайской камерной подъемной печи , называемой в Японии ноборигама , которая позволяла поддерживать высокие температуры с более точным контролем. Примерно к 1620 году они обнаружили месторождения каолинита и начали делать фарфор впервые в Японии. Ранние изделия (называемые «ранними имари») были относительно небольшими и имитировали китайский подглазурный сине-белый фарфор , который Япония импортировала в течение некоторого времени. [22]
Фарфоровая промышленность значительно расширилась в конце 1650-х годов, поскольку крах китайской промышленности из-за гражданской войны привел к очень большим заказам от китайских торговцев и Голландской Ост-Индской компании , к тому времени торговцам было разрешено вести бизнес только в Японии. Первый большой период японского экспорта фарфора продолжался примерно до 1740-х годов, и большая часть японского фарфора была сделана на экспорт, в основном в Европу, но также и в исламский мир к западу и югу от Японии. [23] Японская керамика является одной из лучших в мире. [24] [25]
Лакированные изделия:
С развитием экономики и культуры художественное качество лакированной мебели улучшилось. Хонами Коэцу и Огата Корин привнесли в лаковые изделия дизайн школы живописи Ринпа. С середины периода Эдо инро для переносных медицинских контейнеров начали пышно украшать маки-э и радэн , и они стали популярны среди самураев и богатых торговцев класса тёнин , а в конце периода Эдо они превратились из практичных аксессуаров в художественные коллекции. [26] [27] Экспорт лакированных изделий продолжался и после периода Адзути-Момояма. Мария Антуанетта и Мария Тереза известны как коллекционеры японских лакированных изделий в этот период. [2]
Когда император Японии восстановил свою власть в 1868 году, Япония снова была захвачена новыми и чуждыми формами культуры. В предвоенный период внедрение западных культурных ценностей привело к дихотомии в японском искусстве, а также почти в каждом другом аспекте культуры, между традиционными ценностями и попытками дублировать и ассимилировать множество конфликтующих новых идей. Этот раскол оставался очевидным в конце 20-го века, хотя к тому времени уже произошел большой синтез, создавший международную культурную атмосферу и стимулировавший современное японское искусство к еще более инновационным формам.
Правительство проявляло активный интерес к рынку экспорта произведений искусства, продвигая японское искусство на ряде всемирных выставок , начиная с Всемирной выставки в Вене 1873 года . [28] [29] Помимо значительного финансирования выставок, правительство принимало активное участие в организации того, как японская культура была представлена миру. Оно создало полупубличную компанию — Kiritsu Kosho Kaisha (Первая промышленная производственная компания) — для продвижения и коммерциализации экспорта произведений искусства [30] и основало Hakurankai Jimukyoku (Выставочное бюро) для поддержания стандартов качества. [29] Для Международной выставки столетия 1876 года в Филадельфии японское правительство создало Офис столетия и направило специального посланника для обеспечения места для 30 000 экспонатов, которые должны были быть представлены. [31] Императорский двор также проявлял активный интерес к искусству и ремеслам, заказывая работы («презентационные изделия») в качестве подарков для иностранных высокопоставленных лиц. [32] В 1890 году была создана система Teishitsu Gigeiin ( художник императорского двора ) для признания выдающихся художников; с 1890 по 1944 год было назначено семьдесят человек. [33] Среди них были художник и мастер лаковой живописи Сибата Зешин , керамист Макузу Кодзан , художник Хасимото Гахо и художник по перегородчатой эмали Намикава Ясуюки . [33]
По мере того, как западный импорт становился популярным, спрос на японское искусство в самой Японии падал. [34] В Европе и Америке новая доступность японского искусства привела к увлечению японской культурой; помешательство, известное в Европе как Japonisme . [35] Императорское покровительство, правительственная поддержка, продвижение среди новой аудитории и западные технологии объединились, чтобы способствовать эре японских художественных инноваций. В декоративном искусстве японские художники достигли новых уровней технической сложности. [30]
Сегодня Масаюки Мурата владеет более чем 10 000 произведений искусства Мэйдзи и является одним из самых восторженных коллекционеров. С того времени большинство прекрасных произведений искусства Мэйдзи были куплены иностранными коллекционерами, и только несколько из них остались в Японии, но поскольку он выкупил много произведений из зарубежных стран и открыл Музей Киёмидзу Саннэндзака, [36] изучение и переоценка искусства Мэйдзи быстро продвинулись в Японии с 21-го века. [37] Нассер Халили также является одним из самых преданных коллекционеров искусства Мэйдзи в мире, и его коллекция охватывает многие категории искусства Мэйдзи. Японская императорская семья также владеет прекрасными произведениями искусства Мэйдзи, некоторые из которых были переданы в дар государству и теперь хранятся в Музее императорских коллекций .
К началу 20 века европейские формы искусства были хорошо представлены, и их союз привел к появлению таких известных зданий, как Токийский железнодорожный вокзал и Здание Национального парламента , которые существуют и по сей день. Токийский вокзал, здание архитектуры Гиёфу , полное кирпича и псевдоевропейского стиля. Этот стиль зданий строился в городских районах.
Многие новые художественные японские сады были построены Дзихэем Огавой .
.jpg/1280px-Kume_Keiichiro_by_Kuroda_Seiki_(Kuroda_Kinenkan).jpg)
Первой реакцией японцев на западные формы искусства было открытое принятие, и в 1876 году была открыта Технологическая художественная школа (яп. 工部美術学校), в которой итальянские преподаватели обучали западным методам. Второй реакцией стало колебание маятника в противоположном направлении, возглавляемое Окакурой Какудзо и американцем Эрнестом Феноллозой , которые призывали японских художников сохранять традиционные темы и техники, создавая работы, более соответствующие современному вкусу. Это была стратегия, которая в конечном итоге послужила распространению влияния японского искусства вплоть до Калькутты, Лондона и Бостона в годы, предшествовавшие Первой мировой войне . [38] Из этих двух полюсов художественной теории — полученных из Европы и Восточной Азии соответственно — развились йога («живопись в западном стиле») и нихонга («японская живопись»), категории, которые сохранили свою актуальность.
.jpg/1280px-Vase_LACMA_M.91.251.1_(2_of_2).jpg)
В эпоху Мэйдзи японская перегородчатая эмаль достигла технического пика, создавая предметы, более совершенные, чем любые, существовавшие ранее. [39] Период с 1890 по 1910 год был известен как «Золотой век» японской эмали. [40] Художники экспериментировали с пастами и с процессом обжига, чтобы производить все большие блоки эмали, с меньшей потребностью в перегородках (ограждающих металлических полосах). [39] Таким образом, эмали стали более живописным средством с дизайном, похожим на традиционную живопись или скопированным с нее. [41] Эмали с дизайном, уникальным для Японии, в котором в качестве тем использовались цветы, птицы и насекомые, стали популярными. В частности, работы Намикавы Ясуюки и Намикавы Сосукэ выставлялись на всемирных выставках и завоевали множество наград. [42] [43] [44] [45] Наряду с двумя Намикава, компания Ando Cloisonné Company производила много высококачественных перегородчатых эмалей. Японские эмали считались непревзойденными благодаря новым достижениям в дизайне и окраске. [46]
В эпоху Мэйдзи интерес к лаку возобновился, поскольку художники разрабатывали новые дизайны и экспериментировали с новыми текстурами и отделками. [47] Маки-э (украшение лака золотой или серебряной пылью) было наиболее распространенной техникой для качественных лакированных изделий в этот период. [48] Сибата Зешин был лакировщиком, который получил высокую репутацию за свои работы от Бакумацу до периода Мэйдзи. Лаковые изделия под названием Сибаяма и Сомада , созданные в период Эдо, стали популярными благодаря своему эффектному стилю, инкрустации золотом, серебром, моллюсками, слоновой костью, а также цветным металлом и стеклом, и достигли своего пика в этот период. [49] Лак из японских мастерских был признан технически превосходящим то, что могло быть произведено где-либо еще в мире. [50]
В начале эпохи Мэйдзи японская металлообработка была почти полностью неизвестна за пределами страны, в отличие от лака и фарфора, которые ранее экспортировались. [51] Металлообработка была связана с буддийской практикой, например, в использовании бронзы для храмовых колоколов и котлов для благовоний, поэтому возможностей для мастеров по металлу стало меньше, когда буддизм был вытеснен как государственная религия. [51] Международные выставки представили японскую литую бронзу новой иностранной аудитории, вызвав бурную похвалу. [51] Прошлая история самурайского оружия дала возможность японским мастерам по металлу создавать металлические отделки в широкой цветовой гамме. Сочетая и отделывая медь, серебро и золото в разных пропорциях, они создавали специальные сплавы, включая сякудо и сибуичи . С помощью этого разнообразия сплавов и отделок художник мог создать впечатление полноцветного декора. [52]
В период Мэйдзи японская одежда начала вестернизироваться, и число людей, носивших кимоно, уменьшилось, поэтому мастера, которые делали нэцкэ и кисеру из слоновой кости и дерева, потеряли спрос. Поэтому они попытались создать новую область, скульптуры из слоновой кости для украшения интерьера, и многие сложные работы были экспортированы в зарубежные страны или куплены императорской семьей . В частности, работы Исикавы Комея и Асахи Гёкудзана завоевали похвалу в Японии. [53]
Технические и художественные инновации эпохи Мэйдзи превратили фарфор в одну из самых успешных на международном уровне форм японского декоративного искусства. [54] Изделия Сацума изначально были названием керамики из провинции Сацума , искусно украшенной позолотой и эмалью. Эти изделия высоко ценились на Западе. Рассматриваемый на Западе как отличительно японский, этот стиль на самом деле во многом был обязан импортным пигментам и западным влияниям и был создан с расчетом на экспорт. [55] Мастерские во многих городах спешили производить этот стиль, чтобы удовлетворить спрос из Европы и Америки, часто производя быстро и дешево. Таким образом, термин «изделия Сацума» стал ассоциироваться не с местом происхождения, а с изделиями более низкого качества, созданными исключительно для экспорта. [56] Несмотря на это, такие художники, как Ябу Мэйдзан и Макузу Кодзан, поддерживали самые высокие художественные стандарты, а также успешно экспортировали. [57] С 1876 по 1913 год Кодзан завоевал призы на 51 выставке, включая Всемирную выставку и Национальную промышленную выставку. [58]
В издании Encyclopaedia Britannica 1902 года было написано: «Ни в одной отрасли прикладного искусства декоративный гений Японии не показывает более привлекательных результатов, чем в текстильных тканях, и ни в одной из них не наблюдалось более заметного прогресса за последние годы». [59] Очень большие, красочные живописные работы создавались в Киото. Вышивка стала самостоятельной формой искусства, приняв ряд изобразительных техник, таких как светотени и воздушная перспектива . [59]
Сразу после поражения Японии во Второй мировой войне в 1945 году большое количество японских художников попали под влияние или даже вступили в Коммунистическую партию Японии , которая только что была легализована военной оккупацией Японии под руководством США после многих лет подавления со стороны довоенной и военной японской полиции. [60] Это было связано с успехом Коммунистической партии в распространении в первые послевоенные годы идеи о том, что партия была единственной группой в Японии, которая сопротивлялась военному милитаризму. [61] Кроме того, японское слово «авангард» (前衛, zen'ei ), как в «авангарде коммунистической революции», случайно оказалось тем же словом, которое использовалось для обозначения «авангарда» в художественном авангарде. [62] Японская коммунистическая партия вскоре стала доминировать в основных художественных обществах и выставках в Японии, и, таким образом, преобладающей формой искусства сразу после войны стал социалистический реализм , изображавший страдания бедных и благородство рабочего класса, в соответствии с доктриной Коммунистической партии, что все искусство должно служить цели продвижения дела революции. [61] В 1952 году Коммунистическая партия даже приказала художникам, таким как Хироси Кацурагава и другим членам недавно сформированной Ассоциации авангардного искусства (前衛美術会, Zen'ei Bijutsukai ), отправиться в горы, чтобы создавать произведения искусства в стиле социалистического реализма в поддержку «горных партизанских отрядов», которые пытались разжечь жестокую революцию в Японии. [63]
В течение 1950-х годов многие японские художники все больше разочаровывались в жестком и ограниченном определении «искусства», навязанном Коммунистической партией. [64] Однако из-за постоянного превосходства членов Коммунистической партии и ее сторонников в высших эшелонах художественных обществ и жюри выставок художникам было чрезвычайно трудно даже показывать свое искусство, если они не соответствовали руководящим принципам партии. [65] Некоторые художники избегали официальных публичных выставок. Другие искали признания, финансовой поддержки и возможностей показать свое искусство за рубежом, например, группа концептуальных художников Гутай , основанная в 1954 году. Другие же художники использовали несколько не имеющих жюри, «независимых» выставок в Японии, таких как Независимая выставка Ёмиури, спонсируемая Ёмиури Симбун , в которой мог принять участие любой желающий. [66]
Последней каплей стали массовые протесты Anpo 1960 года против Договора о безопасности между США и Японией (известного как « Anpo » на японском языке) из-за крайне пассивной роли, которую играла якобы «авангардная» Коммунистическая партия. Когда протесты не смогли остановить договор, череда взаимных обвинений привела к дальнейшему разочарованию в Коммунистической партии и искусстве социалистического реализма, в результате чего многие художники вышли из-под влияния партии. [67]
С угасанием господства социалистического реализма, 1960-е годы стали свидетелями взрыва новых форм искусства в Японии, поскольку искусство расширялось в новых направлениях, которые лучше всего можно было бы назвать «постмодерном». [68] Коллективы художников, такие как Neo-Dada Organizers , Zero Dimension и Hi-Red Center, исследовали такие концепции, как «не-искусство» и «анти-искусство», и проводили множество смелых «мероприятий», «хэппенингов» и других форм перформанса, призванных разрушить границы между искусством и повседневной жизнью. Группа Mono-ha аналогичным образом раздвигала границы, разделяющие искусство, пространство, ландшафт и окружающую среду. Другие художники, такие как графический дизайнер Таданори Ёко , черпали вдохновение в контркультуре 1960-х годов и взрыве новых форм комиксов манга , ориентированных на взрослых . В исполнительском искусстве Тацуми Хидзиката стал пионером новой формы постмодернистского танца под названием Буто , а такие драматурги, как Дзюро Кара и Сато Макото, создали стиль радикального «подпольного» театра Ангура . [69] А в фотографии такие фотографы, как Дайдо Морияма, стали пионерами чрезвычайно влиятельной новой школы послевоенной фотографии, которая подчеркивала спонтанность вместо тщательно поставленной композиции и отмечала характеристики « are, bure, боке » (буквально «грубый, размытый, не в фокусе»). [70] [71]
Распространение новых видов искусства поддерживалось колоссальным ростом экономики Японии в 1960-х годах, который вспоминают как « японское экономическое чудо ». В течение 1960-х годов японская экономика росла более чем на 10% в год. Растущее благосостояние создало новый класс потребителей, которые могли позволить себе тратить деньги на искусство и поддерживать различные виды искусства и художников. Впервые в современной истории Японии для значительного числа художников стало возможным зарабатывать на жизнь исключительно за счет продажи своего искусства. Строительный бум 1960-х годов в Японии, который сравнял с землей старую традиционную японскую архитектуру из дерева и бумаги и заменил ее сверкающими мегаполисами из стекла и стали, помог вдохновить совершенно новые школы японской архитектуры, такие как движение метаболизма (архитектуры) во главе с Кэндзо Танге , которое смело освободилось от традиционных моделей и оказалось влиятельным во всем мире.
Однако в то же время в мире искусства по-прежнему доминировали клики, которые продвигали работы определенных (обычно мужчин) художников по сравнению с другими. Поскольку в 1960-х годах японцам стало намного легче путешествовать за границу, некоторые художницы, такие как Яёи Кусама и Йоко Оно, нашли лучший прием за рубежом и отправились в художественные центры, такие как Лондон, Париж и Нью-Йорк, как и многие художники-мужчины.
Триумф новых форм японского искусства был закреплен на Всемирной выставке в Осаке в 1970 году , где десятки авангардных и концептуальных художников были наняты для оформления павильонов и художественных впечатлений для посетителей ярмарки. [72] Японское авангардное искусство стало глобальным и стало тем, что даже консервативное правительство с гордостью демонстрировало миру.
В 1970-х и 1980-х годах японское искусство продолжило развиваться во многих направлениях, начатых в 1950-х и 1960-х годах, но часто с гораздо большими бюджетами и более дорогими материалами, поскольку экономика Японии продолжала быстро расти и в конечном итоге превратилась в один из крупнейших экономических пузырей в истории . С невероятно сильным японским валютным курсом после Plaza Accord 1985 года японские частные лица и учреждения стали крупными игроками на международном рынке искусства. Необычайно богатые японские мегакорпорации начали строить собственные частные художественные музеи и приобретать коллекции современного искусства, и японские художники также получили большую выгоду от этих расходов.
В частности, художественное производство продолжало отходить от традиционной живописи и скульптуры в сторону графического дизайна , поп-арта , носимого искусства , перформанса , концептуального искусства и искусства инсталляции . Различные типы «гибридного» искусства все больше входили в моду. По мере развития технологий художники все больше включали в свое искусство электронику, видео, компьютеры, синтезированную музыку и звуки, а также видеоигры. Эстетика манги и аниме , в которой выросли многие молодые художники, оказывала все большее, хотя иногда и довольно тонкое влияние. Прежде всего, художники избегали всего, что напоминало «высокое искусство» или «изящное искусство», в пользу личного, эклектичного, фантастического или фантасмагорического и игривого. В издании женщины-художники, такие как Мика Ёсидзава, становились все более и более принятыми и поддерживаемыми миром искусства в Японии.
Японское современное искусство принимает столько же форм и выражает столько же различных идей, сколько и мировое современное искусство в целом. Оно варьируется от рекламы, аниме, видеоигр и архитектуры, как уже упоминалось, до скульптуры, живописи и рисунка во всех их бесчисленных формах. Японские художники внесли особенно заметный вклад в мировое современное искусство в области архитектуры, видеоигр, графического дизайна, моды и, возможно, прежде всего, анимации. Хотя аниме изначально возникло в основном из историй манги, [ нужна цитата ] сегодня изобилует разнообразное аниме, и многие художники и студии достигли большой известности как художники; Хаяо Миядзаки и художники и аниматоры Studio Ghibli , как правило, считаются одними из лучших, кого может предложить мир аниме.
В то же время многие японские художники продолжают использовать традиционные японские художественные приемы и материалы, унаследованные от досовременных времен, такие как традиционные формы японской бумаги и керамики и живопись черными и цветными чернилами на бумаге или шелке. Некоторые из этих произведений искусства изображают традиционные сюжеты в традиционных стилях, в то время как другие исследуют новые и различные мотивы и стили или создают гибриды традиционных и современных форм искусства, используя традиционные медиа или материалы. Третьи сторонятся родных медиа и стилей, принимая западные масляные краски или любое количество других форм.
В скульптуре то же самое; некоторые художники придерживаются традиционных методов, некоторые делают это с современным колоритом, а некоторые выбирают западные или совершенно новые методы, стили и медиа. Йо Акияма — лишь один из многих современных японских скульпторов. Он работает в основном с глиняной керамикой и гончарными изделиями, создавая очень простые и понятные работы, которые выглядят так, будто они были созданы из самой земли. Другой скульптор, используя железо и другие современные материалы, построил большую скульптуру современного искусства в израильском портовом городе Хайфа под названием Ханаби (Фейерверк). Нахоко Кодзима — современный художник Кириэ, который стал пионером техники скульптуры из бумаги, которая висит в 3D.
Такаси Мураками , пожалуй, один из самых известных современных японских художников в западном мире. Мураками и другие художники в его студии создают работы в стиле, вдохновленном аниме, который он назвал « суперплоским ». Его работы принимают множество форм, от живописи до скульптуры, некоторые из них действительно огромные по размеру. Но большинство, если не все, очень ясно демонстрируют это влияние аниме, используя яркие цвета и упрощенные детали.
Яёи Кусама , Ёситомо Нара , Хироси Сугимото , Тихару Сиота , Дайдо Морияма , Марико Мори , Ая Такано и Табаймо считаются значимыми художниками в области современного японского искусства. [73] Группа 1965 , коллектив художников, насчитывает среди своих членов современного художника Макото Айду . [74]
Многие традиционные формы японской музыки, танца и театра сохранились в современном мире, пользуясь некоторой популярностью благодаря повторной идентификации с японскими культурными ценностями. Традиционная музыка и танец, которые ведут свое происхождение от древнего религиозного использования — буддийского , синтоистского и народного — были сохранены в драматических представлениях театров Но , Кабуки и Бунраку . Древняя придворная музыка и танцевальные формы, происходящие из континентальных источников, были сохранены через музыкантов императорского дома и храмовые и святилищные труппы. Некоторые из старейших музыкальных инструментов в мире постоянно использовались в Японии с периода Дзёмон , о чем свидетельствуют находки каменных и глиняных флейт и цитр, имеющих от двух до четырех струн, к которым были добавлены металлические колокольчики и гонги периода Яёй для создания ранних музыкальных ансамблей. К раннему историческому периоду (6-7 вв.) существовало множество больших и малых барабанов , гонгов, колокольчиков , флейт и струнных инструментов, таких как импортная мандолиноподобная бива и плоская шестиструнная цитра, которая превратилась в тринадцатиструнную кото . Эти инструменты сформировали оркестры для континентальной церемониальной придворной музыки VII века ( гагаку ), которая вместе с сопровождающим ее бугаку (тип придворного танца) является самой древней из таких форм, все еще исполняемых при императорском дворе, древних храмах и святилищах. Буддизм ввел ритмические песнопения, которые все еще используются, которые лежат в основе Сигин , и которые были объединены с местными идеями, чтобы лечь в основу развития вокальной музыки, такой как в Но .
Японское искусство характеризуется уникальными полярностями. Например, в керамике доисторических периодов за изобилием следовало дисциплинированное и утонченное мастерство. Другой пример — два сооружения XVI века, которые находятся на противоположных полюсах: отдельный дворец Кацура — это упражнение в простоте, с акцентом на натуральные материалы, грубые и необработанные, и тягой к красоте, достигнутой случайно; Никко Тосё-гу — это строго симметричное сооружение, изобилующее яркой рельефной резьбой, покрывающей каждую видимую поверхность. Японское искусство, ценимое не только за свою простоту, но и за красочное изобилие, оказало значительное влияние на западную живопись XIX века и западную архитектуру XX века .
Эстетические концепции Японии, происходящие из различных культурных традиций, были формирующими в производстве уникальных форм искусства. На протяжении столетий широкий спектр художественных мотивов развивался и совершенствовался, становясь наполненными символическим значением. Подобно жемчужине , они приобрели многослойность смысла и высокий блеск. Японская эстетика дает ключ к пониманию художественных произведений, заметно отличающихся от тех, что исходят из западных традиций.
В рамках восточноазиатской художественной традиции Китай был признанным учителем, а Япония — преданным учеником. Тем не менее, несколько японских искусств разработали свой собственный стиль, который можно отличить от различных китайских искусств. Монументальный, симметрично сбалансированный, рациональный подход китайских художественных форм стал миниатюрным, нерегулярным и тонко намекающим в руках японцев. Миниатюрные сады камней , миниатюрные растения ( бонсай ) и икебана (цветочные композиции), в которых избранные представляли сад, были любимыми занятиями утонченных аристократов на протяжении тысячелетия, и они остались частью современной культурной жизни.
Диагональ, отражающая естественный поток, а не фиксированный треугольник, стала излюбленным структурным приемом, будь то живопись, архитектурный или садовый дизайн, танцевальные шаги или музыкальные нотации. Нечетные числа заменяют четные числа в регулярности китайского мастерского узора, а оттягивание в одну сторону позволяет мотиву повернуть угол трехмерного объекта, тем самым придавая непрерывность и движение, которых не хватает в статическом фронтальном дизайне. Японские художники использовали приемы среза, крупного плана и затухания к 12 веку в ямато-э , или японском стиле, свитковой живописи, возможно, одна из причин, почему современное кинопроизводство стало такой естественной и успешной формой искусства в Японии. Используется предположение, а не прямое утверждение; косвенные поэтические намеки и иносказательные и неокончательные мелодии и мысли оказались разочаровывающими для западного человека, пытающегося проникнуть в смыслы литературы, музыки, живописи и даже повседневного языка.
Японцы начали определять такие эстетические идеи в ряде вызывающих воспоминания фраз по крайней мере в 10 или 11 веке. Придворные изыски аристократического периода Хэйан превратились в элегантную простоту, рассматриваемую как сущность хорошего вкуса в сдержанном искусстве, которое называется сибуи . Два термина, происходящие из медитативных практик дзен- буддизма, описывают степени спокойствия: один — покой, обретаемый в скромной меланхолии ( ваби ), другой — безмятежность, сопровождающая наслаждение сдержанной красотой ( саби ). Дзенская мысль также внесла свой вклад в склонность к объединению неожиданного или поразительного, используемого для того, чтобы подтолкнуть сознание к цели просветления. В искусстве этот подход был выражен в комбинациях таких нетипичных материалов, как свинец, инкрустированный лаком, и в сталкивающихся поэтических образах. Неожиданно юмористические и иногда гротескные образы и мотивы также происходят из дзен- коана (головоломки). Хотя со времен периода Эдо искусство было в основном светским , традиционная эстетика и методы обучения, в основном имеющие религиозные корни, продолжают лежать в основе художественных произведений.
Современное японское искусство часто находится под сильным влиянием уникальных отношений нации с технологиями , часто сочетая традиционные формы и концепции с новой эстетикой и тревогами технологического настоящего, а также находясь под сильным влиянием разнообразной экономической истории страны после Второй мировой войны. Современное японское искусство активно занимается темами изоляции и деперсонализации , а также растущей силой и влиянием цифровых технологий и степенью, в которой японская культура подвержена влиянию и оказывает влияние на все более глобализированный и взаимосвязанный мир.
Поскольку Япония была одной из первых стран, которая была подключена к Интернету в больших масштабах , и одной из первых стран, принявших широкое использование сотовой связи, японское искусство было среди первых форм искусства, критически оценивших драматические социальные эффекты, которые повсеместная связь оказала на общество. Напротив, количество японского искусства, распространенного в Интернете, означало, что японское искусство и эстетика, включая искусство массовой культуры, такое как манга и аниме , оказали огромное влияние на интернет-культуру на протяжении 1990-х и 2000-х годов, влияние, которое не только ощущается сегодня, но и побуждало японских художников продолжать критически исследовать природу онлайн-жизни.
Японское искусство также находилось под влиянием растущей роли искусства массовой культуры страны в глобальной поп-культуре. Манга, аниме, видеоигры, фильмы массового рынка и связанные с ними культурные продукты продолжали становиться все более крупными и влиятельными в мире японского искусства с 1970-х годов, и темы, выраженные в этих работах, часто отражали текущие тревоги нации. Эстетический язык и условности этих медиа все больше стали представлять совокупность японского искусства и культуры за рубежом; эстетика каваий , например, изначально была получена из традиционных концепций в японском искусстве, датируемом 15-м веком, [75] но была исследована в популярных манга и аниме-сериалах в послевоенной Японии, и сегодня обычно рассматривается как центральная для современной японской культуры. [76]
Традиционная японская эстетика — это формы красоты в японской культуре, которые берут начало в самых ранних веках. По крайней мере, более двухсот лет назад. Некоторые из этих ранних эстетик составляют японскую эстетику в целом: синкретическое буддийское искусство, ваби-саби, мияби, сибуи и дзё-ха-кю.
Эта эстетика в японской культуре известна многими вещами, такими как красота во всем, даже в том, что несовершенно. Скромность и нетрадиционные вещи - это то, что рассматривается как эстетика ваби-саби. Ваби и саби вместе составляют эстетику красоты в незавершенности. Когда они разделены, они служат разными терминами. Ваби означает свежую, простую работу, обозначая всю сложность и имея очень деревенское ощущение во всем, что с ней связано. Будучи сделанным из природы и сделанным из самого человека в тандеме. Если это сделано случайно, это привносит определенную уникальность в работу. Саби - это красота и то, как она возникает из возраста. Цикл жизни играет большую роль в саби, добавляя к эстетике то чувство красоты в работах, которые получают починку повреждений от старения с течением времени. При объединении ваби и саби создается эстетика, что каждая простая разработанная часть не требует сложного дизайна. Также не требуется абсолютной завершенности, чтобы найти в ней красоту, и с возрастом приходит более утонченная красота.
В японской культуре ваби-саби всегда была связана с чайными церемониями. Говорят, что эти церемонии являются глубокими событиями ваби-саби. Ваби-саби также связано с такими видами деятельности, как архитектура, мода и философия. Все эти части ваби-саби разделяют веру в одну и ту же тему: все несовершенства, такие как незавершенная работа, содержат неоспоримую красоту. Однако, конечно, не все одобряют идею, лежащую в основе ваби-саби. Хотя это и правда, есть много тех, кто хочет сохранить веру живой, несмотря на то, во что верят другие. В целом ваби-саби кажется очень осознанным подходом к повседневной жизни. Спокойный способ видеть вещи и способ жить, не выглядя осуждающим. При понимании ваби-саби есть термины, которые также тесно связаны с эстетикой.
Каждый из этих терминов используется для того, чтобы разбить полное понимание ваби-саби. Это больше относится к философскому аспекту всей эстетики и к тому, как рассматривать свое окружение. Они могут намекать на несколько вещей, включая идеи в людях, темы, лежащие в основе определенных аспектов жизни, или на саму природу. Каждый термин возвращает нас к тому, что ваби-саби — это эстетика, которая заключается в том, чтобы ценить маленькие вещи, которые несовершенны и/или неполны. [ необходима цитата ]
В продолжающейся истории Японии мияби может означать многое. Однако, похоже, что он сосредоточен вокруг концепции элегантности, красоты, утонченности и вежливости. По этой причине это одна из старейших эстетик среди большинства японских эстетик в культуре. Это объясняет, почему она не так популярна, как остальные, которые могут быть более новыми по сравнению с мияби. Это термин, который также используется для выражения аристократической культуры. Мияби устраняет все формы грубости и неотёсанности из культуры. Это создаёт надлежащую картину и форму аристократической культуры. Мияби привносит эти изменения. Мияби гарантирует, что утончённость любви, литературы, чувств и искусства празднуется в японской культуре. Утончённость приветствуется.
Сибуи приходит к пониманию объекта или произведения искусства такими, какие они есть. Нахождение простой и утонченной красоты в определенных вещах является целью, когда дело доходит до проектирования или обзора определенных дизайнов. Во многих отношениях сибуи очень похож на ваби-саби, но не является ваби-саби. Сибуи ценит предметы и объекты просто за то, что они есть. Нет никаких сложностей или иррационального мышления, когда дело доходит до сибуи. Подобно определенной эстетике в японской культуре, есть несколько терминов, связанных с сибуи: сибуми — это вкус сибуи; сибуса — это состояние сибуи.
Оба эти термина относятся к тонкой, ненавязчивой красоте. Есть несколько предметов и объектов, которые можно считать частью эстетики сибуи, а не только искусство или мода. Это могут быть также люди, животные, песни, фильмы, несколько различных типов медиа могут рассматриваться как сибуи. Например, пара обуви, камера, мопед и несколько различных произведений искусства или предметов, используемых в повседневной деятельности, могут рассматриваться как сибуи. Прямой и простой — вот путь сибуи. Ничего чрезмерного или слишком кричащего.
Это эстетика, которая возникла в театре Но и появилась еще в 14 веке. Она используется в различных видах искусства в Японии и по сей день. Это движение, которое применялось в нескольких различных видах искусства, а дзё, ха и кю обозначают отдельные вещи, составляющие его определение: дзё, «начало»; ха, «перерыв», «трещина»; кю: «быстрый», «конец»
По сути, эта эстетика означает, что когда дело доходит до частей, которые имеют дело с движением, все должно начинаться медленно с надлежащим наращиванием. Почти как рассказывают историю. Затем, достигнув кульминации, она ускоряется. Когда она достигает своего конца, тогда все начинает быстро ускоряться, пока внезапно не достигнет финала.
Традиционно художник был средством выражения и был лично сдержан, в соответствии с ролью ремесленника или артиста низкого социального статуса. Каллиграф , член конфуцианского класса литераторов, или класса самураев в Японии, имел более высокий статус, в то время как художники большого гения часто признавались в период Камакура , получая имя от феодала и таким образом поднимаясь в социальном плане. Исполнительское искусство, однако, в целом пользовалось меньшим уважением, и предполагаемая безнравственность актрис раннего театра Кабуки заставила правительство Токугава запретить женщинам появляться на сцене; впоследствии женские роли в Кабуки и Но играли мужчины.
После Второй мировой войны художники обычно собирались в художественные ассоциации, некоторые из которых были давно существующими профессиональными обществами, в то время как другие отражали новейшее движение в искусстве. Например, Японская лига художников отвечала за наибольшее количество крупных выставок, включая престижную ежегодную Nitten (Японская художественная выставка). Японский ПЕН-клуб (PEN означает прозу, эссе и повествование), филиал международной писательской организации, был крупнейшим из примерно тридцати основных авторских ассоциаций. Актеры, танцоры, музыканты и другие артисты-исполнители могли похвастаться своими собственными обществами, включая Общество Кабуки, организованное в 1987 году для поддержания традиционных высоких стандартов этого искусства, которые, как считалось, находились под угрозой из-за современных инноваций. Однако к 1980-м годам авангардные художники и скульпторы сторонились всех групп и были «независимыми» художниками.
В Японии есть ряд специализированных университетов искусств, возглавляемых национальными университетами. Самым важным является Токийский университет искусств , один из самых сложных для поступления из всех национальных университетов. Другим основополагающим центром является Университет искусств Тама , который подготовил многих молодых инновационных художников Японии конца 20-го века. Традиционное обучение искусству, основанное на традиционных китайских методах, сохраняется; эксперты преподают дома или в головных школах, работая в рамках отношений мастер-ученик. Ученик не экспериментирует с личным стилем, пока не достигнет высшего уровня обучения, или не окончит художественную школу, или не станет руководителем школы. Многие молодые художники критиковали эту систему как подавляющую творчество и индивидуальность. Новое поколение авангарда порвало с этой традицией, часто получая свое обучение на Западе. Однако в традиционных искусствах система мастер-ученик сохраняет секреты и навыки прошлого. Некоторые линии мастер-ученик можно проследить до периода Камакура, с которого они продолжают использовать стиль или тему великого мастера. Японские художники считают техническую виртуозность непременным условием своей профессии, и этот факт признается остальным миром как одна из отличительных черт японского искусства.
Национальное правительство активно поддерживало искусство через Агентство по делам культуры , созданное в 1968 году как специальный орган Министерства образования . Бюджет агентства на 1989 финансовый год вырос до 37,8 млрд иен после пяти лет бюджетных сокращений, но все еще составлял гораздо меньше 1 процента от общего бюджета. Отдел по делам культуры агентства распространял информацию об искусстве в Японии и за рубежом, а Отдел по защите культурных ценностей (文化財保護部, теперь 文化財部) защищал культурное наследие страны. Отдел по делам культуры занимается такими областями, как продвижение искусства и культуры, авторские права на произведения искусства и улучшение национального языка . Он также поддерживает как национальные, так и местные фестивали искусств и культуры и финансирует передвижные культурные мероприятия в области музыки, театра, танца, художественных выставок и кинопроизводства. Специальные призы предлагаются для поощрения молодых художников и признанных практиков, а некоторые гранты предоставляются каждый год, чтобы дать им возможность обучаться за границей. Агентство финансирует национальные музеи современного искусства в Киото и Токио и Национальный музей западного искусства в Токио, которые выставляют как японские, так и международные выставки. Агентство также поддерживает Японскую академию искусств , которая чествует выдающихся деятелей искусств и литературы, назначая их членами и предлагая 3,5 миллиона йен в качестве призового фонда. Награды вручаются в присутствии Императора , который лично вручает высшую награду — Орден культуры . Токийский университет искусств также принимал активное участие в нескольких художественных мероприятиях в предыдущие годы. Их другие кампусы также включают различные курсы.
Покровительство и продвижение искусства правительством расширяются, включая новые совместные усилия с корпоративной Японией по предоставлению финансирования, выходящего за рамки жесткого бюджета Агентства по делам культуры. Участвуют многие другие государственные и частные учреждения, особенно в развивающейся области награждения премиями в области искусств. Все большее число крупных корпораций присоединяются к крупным газетам в спонсировании выставок и представлений и в предоставлении ежегодных премий. Наиболее важными из множества присуждаемых литературных премий являются почтенная премия Наоки и премия Акутагавы , последняя из которых является эквивалентом Пулитцеровской премии в Соединенных Штатах.
В 1989 году усилия по содействию межкультурному обмену привели к учреждению Японской ассоциацией искусств японской « Нобелевской премии » по искусству, Premium Imperiale . Эта премия в размере 100 000 долларов США была в основном профинансирована конгломератом средств массовой информации Fujisankei Communications Group и присуждалась на основе всемирного отбора.
В 1980-х годах возник ряд фондов, содействующих развитию искусств, включая Фонд культурных ценностей, созданный для сохранения исторических мест за рубежом, особенно вдоль Шелкового пути во Внутренней Азии и в Дуньхуане в Китае . Еще одно международное соглашение было заключено в 1988 году со Смитсоновским институтом США для кооперативного обмена высокотехнологичными исследованиями азиатских артефактов. Правительство играет важную роль, финансируя Японский фонд , который предоставляет как институциональные, так и индивидуальные гранты, осуществляет научные обмены, присуждает ежегодные премии, поддерживает публикации и выставки и отправляет традиционные японские художественные коллективы выступать за границей. Фестиваль искусств, проводимый в течение двух месяцев каждой осенью для всех исполнительских видов искусства, спонсируется Агентством по делам культуры. Крупные города также оказывают существенную поддержку искусству; все большее число городов в 1980-х годах построили крупные центры для исполнительских видов искусства и, стимулируемые государственным финансированием, предлагали такие призы, как премия Лафкадио Хирна, учрежденная городом Мацуэ . Ряд новых муниципальных музеев также предоставляли примерно на треть больше объектов в 1980-х годах, чем было доступно ранее. В конце 1980-х годов в Токио появилось более двадцати новых культурных залов, в частности, большой Бункамура, построенный Tokyu Group , и реконструкция театра Глобус Шекспира . Все эти усилия отражают растущий энтузиазм населения к искусству. Японские покупатели произведений искусства заполонили западные рынки искусства в конце 1980-х годов, заплатив рекордные суммы за картины импрессионистов и 51,7 млн долларов США только за один голубой период Пикассо .
Безусловно, японские гончары сегодня являются одними из самых выдающихся в мире...
В мастерстве и технике фаянса и керамики в целом Япония является лидером и учителем мира.
Мы сомневаемся, что какая-либо форма искусства эмальера может сравниться с работами, выполненными в Японии, которые отличаются большой свободой дизайна и самыми изысканными градациями цвета.
.jpg/1280px-Ry%C5%ABko-zu_By%C5%8Dbu_by_Hashimoto_Gah%C5%8D(Part_of_the_tiger).jpg)
.jpg/1280px-Ry%C5%ABko-zu_By%C5%8Dbu_by_Hashimoto_Gah%C5%8D(Part_of_the_dragon).jpg)
.jpg/1280px-Osaka_Kawaii_%C3%A0_Japan_Expo_2014_(14692703962).jpg)
{{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link){{cite book}}: CS1 maint: numeric names: authors list (link)
В данной статье использован текст из этого источника, находящегося в общественном достоянии . Country Studies. Federal Research Division .
