Искусство — это разнообразный спектр человеческой деятельности и ее результат, который включает в себя творческий или творческий талант, обычно выражающий техническое мастерство, красоту , эмоциональную силу или концептуальные идеи . [1] [2] [3]
Не существует общепринятого определения того, что представляет собой искусство, [4] [5] [6] , и его интерпретация сильно различалась на протяжении всей истории и в разных культурах. В западной традиции тремя классическими ветвями изобразительного искусства являются живопись , скульптура и архитектура . [7] Театр , танец и другие исполнительские виды искусства , а также литература , музыка , кино и другие средства массовой информации, такие как интерактивные средства массовой информации , включены в более широкое определение искусства . [1] [8] До 17 века искусство относилось к любому навыку или мастерству и не отличалось от ремесел или наук . В современном использовании после 17 века, когда эстетические соображения имеют первостепенное значение, изобразительное искусство отделено и отличается от приобретенных навыков в целом, таких как декоративное или прикладное искусство .
Природа искусства и связанные с ним понятия, такие как творчество и интерпретация , исследуются в отрасли философии, известной как эстетика . [9] Полученные произведения искусства изучаются в профессиональных областях искусствоведения и истории искусства .
С точки зрения истории искусства, [10] художественные произведения существуют почти столько же, сколько и человечество: от раннего доисторического искусства до современного искусства ; однако некоторые теоретики считают, что типичная концепция «художественных произведений» не очень хорошо подходит за пределами современных западных обществ. [11] Одно из ранних значений определения искусства тесно связано со старым латинским значением, которое примерно переводится как «мастерство» или «ремесло», что связано с такими словами, как «ремесленник». Английские слова, производные от этого значения, включают «артефакт» , «искусственный », «искусство », «медицинское искусство » и «военное искусство» . Однако существует множество других разговорных вариантов использования этого слова, все они имеют некоторое отношение к его этимологии .
Со временем такие философы, как Платон , Аристотель , Сократ и Иммануил Кант , среди прочих, поставили под сомнение смысл искусства. [12] Несколько диалогов Платона посвящены вопросам искусства: Сократ говорит, что поэзия вдохновляется музами и не рациональна. Об этом и других формах божественного безумия (опьянение, эротика и сновидения) он говорит одобрительно в «Федре» ( 265a–c), а в « Государстве» хочет объявить вне закона великое поэтическое искусство Гомера , а также смех. В «Ионе» Сократ не дает и намека на неодобрение Гомера, которое он выражает в «Государстве » . Диалог «Ион» предполагает, что «Илиада» Гомера функционировала в древнегреческом мире так же, как Библия действует сегодня в современном христианском мире: как вдохновленное Богом литературное искусство, которое может обеспечить моральное руководство, если только его можно правильно истолковать. [13]
Что касается литературного и музыкального искусства, Аристотель считал эпическую поэзию , трагедию, комедию, дифирамбическую поэзию и музыку миметическим или подражательным искусством, каждое из которых различается по способу подражания в зависимости от средства, объекта и манеры. [14] Например, музыка имитирует ритм и гармонию, тогда как танец имитирует только ритм, а поэзия — язык. Формы различаются и по объекту подражания. Комедия, например, представляет собой драматическое подражание мужчинам хуже среднего; тогда как трагедия подражает мужчинам немного лучше, чем в среднем. Наконец, формы различаются по способу подражания — через повествование или характер, через изменение или без изменения, через драму или без драмы. [15] Аристотель считал, что подражание естественно для человечества и представляет собой одно из преимуществ человечества перед животными. [16]
Более позднее и конкретное значение слова « искусство» как аббревиатуры творческого искусства или изобразительного искусства возникло в начале 17 века. [17] Изобразительное искусство относится к навыкам, используемым для выражения творческих способностей художника, или для вовлечения эстетических чувств аудитории, или для привлечения аудитории к рассмотрению более изысканных или прекрасных произведений искусства.
В этом последнем смысле слово « искусство» может относиться к нескольким вещам: (i) изучению творческого навыка, (ii) процессу использования творческого навыка, (iii) продукту творческого навыка или (iv) Опыт аудитории с творческим мастерством. Творческие искусства ( искусство как дисциплина) представляют собой совокупность дисциплин, которые создают произведения искусства ( искусство как объекты), движимые личным стремлением (искусство как деятельность) и передающие сообщение, настроение или символизм, которые воспринимающий может интерпретировать (искусство как деятельность). опыт). Искусство — это то, что стимулирует мысли, эмоции, убеждения или идеи человека через чувства. Произведения искусства могут быть созданы специально для этой цели или интерпретированы на основе изображений или объектов. Для некоторых ученых, таких как Кант, науки и искусства можно было разделить, рассматривая науку как представляющую область знания, а искусство как представляющую область свободы художественного выражения. [18]
Часто, если навык используется обычным или практическим образом, люди будут считать его ремеслом, а не искусством. Аналогичным образом, если навык используется в коммерческих или промышленных целях, его можно считать коммерческим искусством , а не изобразительным искусством. С другой стороны, ремесла и дизайн иногда считают прикладным искусством . Некоторые последователи искусства утверждают, что разница между изобразительным искусством и прикладным искусством больше связана с оценочными суждениями об искусстве, чем с какой-либо четкой разницей в определениях. [19] Однако даже изобразительное искусство часто преследует цели, выходящие за рамки чистого творчества и самовыражения. Целью произведений искусства может быть передача идей, например, в политически, духовно или философски мотивированном искусстве; создавать ощущение красоты (см. эстетика ); исследовать природу восприятия; ради удовольствия; или вызвать сильные эмоции . Цель также может показаться несуществующей.
Природа искусства была описана философом Ричардом Воллхеймом как «одна из самых неуловимых традиционных проблем человеческой культуры». [20] Искусство определяется как средство выражения или передачи эмоций и идей, средство исследования и оценки формальных элементов ради них самих, а также как мимесис или репрезентация . Искусство как мимесис имеет глубокие корни в философии Аристотеля. [21] Лев Толстой определял искусство как использование косвенных средств общения от одного человека к другому. [21] Бенедетто Кроче и Р.Г. Коллингвуд выдвинули идеалистическую точку зрения, согласно которой искусство выражает эмоции, и поэтому произведение искусства по существу существует в сознании создателя. [22] [23] Теория искусства как формы уходит корнями в философию Канта и была разработана в начале 20 века Роджером Фраем и Клайвом Беллом . Совсем недавно мыслители под влиянием Мартина Хайдеггера интерпретировали искусство как средство, с помощью которого сообщество разрабатывает для себя среду для самовыражения и интерпретации. [24] Джордж Дики предложил институциональную теорию искусства , которая определяет произведение искусства как любой артефакт, которому квалифицированное лицо или лица, действующие от имени социального института, обычно называемого «миром искусства », присвоили «статус кандидат на высокую оценку». [25] Ларри Шайнер описывал изобразительное искусство как «не суть или судьбу, а то, что мы создали. Искусство, как мы его обычно понимаем, является европейским изобретением, которому едва исполнилось двести лет». [26]
Искусство можно охарактеризовать с точки зрения мимесиса (изображения реальности), повествования (рассказа), выражения, передачи эмоций или других качеств. В период романтизма искусство стало рассматриваться как «особая способность человеческого разума, которую можно отнести к религии и науке». [27]
Возраст раковины, на которой был выгравирован Homo erectus, составлял от 430 000 до 540 000 лет. [29] На наборе из восьми когтей орлана-белохвоста возрастом 130 000 лет имеются следы порезов и ссадин, которые указывают на манипуляции со стороны неандертальцев, возможно, с целью использования их в качестве украшений. [30] В южноафриканской пещере была обнаружена серия крошечных просверленных раковин улиток возрастом около 75 000 лет. [31] Контейнеры, которые, возможно, использовались для хранения красок, были обнаружены еще 100 000 лет назад. [32]
Самым старым произведением искусства, найденным в Европе, является Riesenhirschknochen der Einhornhöhle , датируемый 51 000 лет назад и созданный неандертальцами.
Скульптуры, наскальные рисунки , наскальные рисунки и петроглифы эпохи верхнего палеолита , датируемые примерно 40 000 лет назад, были найдены, [33] но точное значение такого искусства часто оспаривается, поскольку так мало известно о культурах, которые их создали.
Первые бесспорные скульптуры и подобные произведения искусства, такие как Венера Холе-Фельс , представляют собой многочисленные объекты, найденные в пещерах и искусстве ледникового периода в Швабской Юре , объекте Всемирного наследия ЮНЕСКО , где были обнаружены самые старые нестационарные произведения человеческого искусства. найденный в виде резных фигурок животных и гуманоидов, а также древнейших музыкальных инструментов, обнаруженных на данный момент, причем артефакты датируются периодом между 43 000 и 35 000 годами до нашей эры, что является первым центром человеческого искусства. [34] [35] [36] [37]
Многие великие традиции в искусстве имеют основу в искусстве одной из великих древних цивилизаций: Древнего Египта , Месопотамии , Персии , Индии, Китая, Древней Греции, Рима, а также инков , майя и ольмеков . Каждый из этих центров ранней цивилизации разработал уникальный и характерный стиль в своем искусстве. Из-за размера и продолжительности существования этих цивилизаций больше их произведений искусства сохранилось, и большая часть их влияния была передана в другие культуры и в более поздние времена. Некоторые также предоставили первые записи о том, как работали художники. Например, в этот период греческого искусства наблюдалось почитание человеческой физической формы и развитие эквивалентных навыков, позволяющих демонстрировать мускулатуру, уравновешенность, красоту и анатомически правильные пропорции. [38]
В византийском и средневековом искусстве западного средневековья большая часть искусства была сосредоточена на выражении сюжетов библейской и религиозной культуры и использовала стили, которые показывали высшую славу небесного мира, например, использование золота на заднем плане картин, или стекло в мозаиках или окнах, которые также представляли фигуры в идеализированных, узорчатых (плоских) формах. Тем не менее, классическая реалистическая традиция сохранялась в небольших византийских произведениях, и реализм неуклонно рос в искусстве католической Европы . [39]
В искусстве эпохи Возрождения значительно возрос акцент на реалистическом изображении материального мира и места человека в нем, отраженном в телесности человеческого тела, а также на разработке систематического метода графической перспективы для изображения рецессии в трехмерном пространстве. пространство изображения. [40]
На востоке отказ исламского искусства от иконографии привел к акценту на геометрические узоры , каллиграфию и архитектуру . [42] Дальше на восток религия также доминировала в художественных стилях и формах. В Индии и Тибете упор делался на расписные скульптуры и танцы, тогда как религиозная живопись заимствовала многие условности из скульптуры и имела тенденцию к ярким контрастным цветам с акцентом на контуры. В Китае наблюдался расцвет многих видов искусства: резьба по нефриту, работа по бронзе, гончарное дело (в том числе потрясающая терракотовая армия императора Цинь [43] ), поэзия, каллиграфия, музыка, живопись, драматургия, художественная литература и т. д. Китайские стили сильно различаются от эпохи к эпохе. эпохи, и каждый из них традиционно назван в честь правящей династии. Так, например, картины династии Тан монохромны и скудны, подчеркивая идеализированные пейзажи, но картины династии Мин насыщены и красочны и сосредоточены на рассказывании историй через обстановку и композицию. [44] Япония также называет свои стили в честь императорских династий, а также видела много взаимодействия между стилями каллиграфии и живописи. Печать на дереве стала важной в Японии после 17 века. [45]
Западная эпоха Просвещения в 18 веке увидела художественные изображения физических и рациональных закономерностей часовой вселенной , а также политически революционные видения постмонархического мира, такие как изображение Блейка Ньютона как божественного геометра [46]. ] или пропагандистские картины Дэвида . Это привело к романтическому отказу от этого в пользу изображений эмоциональной стороны и индивидуальности человека, примером которых являются романы Гете . В конце 19 века появилось множество художественных движений , таких как академическое искусство , символизм , импрессионизм и фовизм . [47] [48]
История искусства XX века — это повествование о бесконечных возможностях и поиске новых стандартов, каждый из которых последовательно разрушается другим. Таким образом, параметры импрессионизма , экспрессионизма , фовизма , кубизма , дадаизма , сюрреализма и т. д. не могут сохраняться после времени их изобретения. Растущее глобальное взаимодействие в это время привело к аналогичному влиянию других культур на западное искусство. Таким образом, японские гравюры на дереве (сами по себе находящиеся под влиянием искусства западного Возрождения) оказали огромное влияние на импрессионизм и его последующее развитие. Позже африканские скульптуры были подхвачены Пикассо и в некоторой степени Матиссом . Точно так же в 19 и 20 веках Запад оказал огромное влияние на восточное искусство, причем мощное влияние оказали изначально западные идеи, такие как коммунизм и постмодернизм . [49]
Модернизм , идеалистический поиск истины, уступил во второй половине XX века осознанию ее недостижимости. Теодор В. Адорно сказал в 1970 году: «Сейчас считается само собой разумеющимся, что ничто из того, что касается искусства, больше не может считаться само собой разумеющимся: ни само искусство, ни искусство по отношению к целому, ни даже право искусства на существование». [50] Релятивизм был принят как неизбежная истина, что привело к периоду современного искусства и постмодернистской критики , когда культуры мира и истории рассматриваются как меняющиеся формы, которые можно оценить и извлечь из них только со скептицизмом и иронией. Более того, разделение культур становится все более размытым, и некоторые утверждают, что теперь более уместно думать в терминах глобальной культуры, а не региональной. [51]
В «Происхождении произведения искусства » Мартин Хайдеггер, немецкий философ и выдающийся мыслитель, описывает сущность искусства с точки зрения понятий бытия и истины. Он утверждает, что искусство — это не только способ выражения элемента истины в культуре, но и средство ее создания и предоставление трамплина, с которого можно раскрыть «то, что есть». Произведения искусства — это не просто изображения того, как обстоят дела, но фактически создают общее понимание сообщества. Каждый раз, когда к какой-либо культуре добавляется новое произведение искусства, смысл его существования по своей сути меняется.
Исторически сложилось так, что искусство, художественные навыки и идеи часто распространялись посредством торговли. Примером этого является Шелковый путь , где могли смешаться эллинистические, иранские, индийские и китайские влияния. Греко-буддийское искусство – один из наиболее ярких примеров такого взаимодействия. Встреча разных культур и мировоззрений также повлияла на художественное творчество. Примером этого является мультикультурный портовый мегаполис Триест в начале 20-го века, где Джеймс Джойс познакомился с писателями из Центральной Европы, а также художественное развитие Нью-Йорка как культурного плавильного котла. [52] [53] [54]
Творческие искусства часто делятся на более конкретные категории, обычно по воспринимаемым категориям, таким как средства массовой информации , жанр, стили и формы. [55] Художественная форма относится к элементам искусства , которые не зависят от его интерпретации или значения. Он охватывает методы, принятые художником, и физическую композицию произведения искусства, в первую очередь несемантические аспекты произведения (например, фигурки ), [56] такие как цвет , контур , размер , среда , мелодия , пространство , текстура и ценить . Форма также может включать в себя принципы дизайна, такие как расположение, баланс , контраст , акцент , гармония , пропорция , близость и ритм. [57]
В целом существует три философские школы искусства, фокусирующиеся соответственно на форме, содержании и контексте. [57] Крайний формализм — это точка зрения, согласно которой все эстетические свойства искусства являются формальными (то есть являются частью художественной формы). Философы почти повсеместно отвергают эту точку зрения и считают, что свойства и эстетика искусства выходят за рамки материалов, техник и форм. [58] К сожалению, существует мало единого мнения по терминологии этих неформальных свойств. Некоторые авторы обращаются к предмету и содержанию, т. е. к денотациям и коннотациям , тогда как другие предпочитают такие термины, как значение и значимость. [57]
Крайний интенционализм считает, что авторский замысел играет решающую роль в значении произведения искусства, передавая содержание или существенную основную идею, в то время как все другие интерпретации могут быть отброшены. [59] Он определяет предмет как представленных людей или идею, [60] и содержание как опыт художника по этому предмету. [61] Например, композиция Наполеона I на императорском троне частично заимствована из статуи Зевса в Олимпии . Как следует из названия, сюжетом является Наполеон , а содержанием является изображение Наполеона Энгра как «Императора-Бога вне времени и пространства» . [57] Подобно крайнему формализму, философы обычно отвергают крайний интенционализм, поскольку искусство может иметь множество неоднозначных значений, а авторский замысел может быть непознаваемым и, следовательно, нерелевантным. Его ограничительная интерпретация «социально нездорова, философски нереальна и политически неразумна». [57]
Наконец, развивающаяся теория постструктурализма изучает значение искусства в культурном контексте, например, идеи, эмоции и реакции, вызванные произведением. [62] Культурный контекст часто сводится к методам и намерениям художника, и в этом случае анализ продолжается в направлении, аналогичном формализму и интенционализму. Однако в других случаях могут преобладать исторические и материальные условия, такие как религиозные и философские убеждения, социально-политические и экономические структуры или даже климат и география. Художественная критика продолжает расти и развиваться вместе с искусством. [57]
Искусство может означать ощущение тренированных способностей или владения медиумом . Искусство также может относиться к развитому и эффективному использованию языка для немедленной или глубокой передачи смысла. Искусство можно определить как акт выражения чувств, мыслей и наблюдений. [63]
Возникает понимание материала в результате его обработки, что облегчает мыслительные процессы. Распространено мнение, что эпитет « искусство» , особенно в его возвышенном смысле, требует от художника определенного уровня творческого опыта, будь то демонстрация технических способностей, оригинальность стилистического подхода или комбинация этих двух. Традиционно мастерство исполнения рассматривалось как качество, неотделимое от искусства и, следовательно, необходимое для его успеха; для Леонардо да Винчи искусство, ни больше, ни меньше, чем другие его занятия, было проявлением мастерства. [64] Работы Рембрандта , ныне восхваляемые за свои эфемерные достоинства, современники больше всего восхищались своей виртуозностью. [65] На рубеже 20-го века ловкие выступления Джона Сингера Сарджента то вызывали восхищение, то рассматривались со скептицизмом из-за их беглости рук, [66] но почти в то же время это был художник, который стал самым признанным и странствующим художником той эпохи. иконоборец Пабло Пикассо завершал традиционную академическую подготовку, в которой он преуспел. [67] [68]
Распространенная современная критика некоторых видов современного искусства выражается в возражении против очевидного отсутствия навыков или способностей, необходимых для создания художественного объекта. В концептуальном искусстве « Фонтан » Марселя Дюшана является одним из первых примеров произведений, в которых художник использовал найденные объекты («реди-мейд») и не использовал традиционно признанный набор навыков. [69] « Моя кровать » Трейси Эмин или « Физическая невозможность смерти в сознании живущего» Дэмиена Херста следуют этому примеру и также манипулируют средствами массовой информации. Эмин спал (и занимался другими делами) в ее постели, прежде чем разместить результат в галерее как произведение искусства. Херст разработал концептуальный дизайн произведения искусства, но оставил большую часть окончательного создания многих произведений нанятым ремесленникам. Слава Херста целиком основана на его способности создавать шокирующие концепции. [70] Фактическое производство многих концептуальных и современных произведений искусства представляет собой сборку найденных объектов. Тем не менее, есть много модернистов и современных художников, которые продолжают преуспевать в навыках рисования и живописи, а также в создании практических произведений искусства. [71]
На протяжении всей своей истории искусство выполняло множество различных функций, поэтому его цель трудно абстрагировать или количественно выразить какой-либо одной концепцией. Это не означает, что цель искусства «неопределенна», но что у него было много уникальных и разных причин для создания. Некоторые из этих функций искусства представлены в следующем обзоре. Различные цели искусства можно сгруппировать по немотивированным и мотивированным ( Леви-Стросс ). [72]
Немотивированные цели искусства — это те, которые являются неотъемлемой частью человеческого бытия, выходят за рамки личности или не выполняют конкретную внешнюю цель. В этом смысле Искусство, как творчество, — это то, что люди должны делать по самой своей природе (т. е. ни один другой вид не создает искусство), и поэтому оно выходит за рамки полезности. [72]
Подражание, таким образом, является одним из инстинктов нашей природы. Далее, есть инстинкт «гармонии» и ритма, причем метры явно являются частями ритма. Таким образом, люди, начиная с этого природного дара, постепенно развивали свои особые способности, пока их грубые импровизации не породили поэзию. - Аристотель [73]
Самое прекрасное, что мы можем испытать, — это таинство. Это источник всего настоящего искусства и науки. – Альберт Эйнштейн [74]
Орел Юпитера [как образец искусства] не является, подобно логическим (эстетическим) признакам предмета, представлением о возвышенности и величии творения, а, скорее, чем-то иным, чем-то, что дает воображению стимул распространить свой полет над пространством. целый ряд родственных представлений, которые вызывают больше размышлений, чем допускают выражение в понятии, определяемом словами. Они дают эстетическую идею, которая служит вышеупомянутой рациональной идее заменой логического представления, но с надлежащей функцией, однако, оживлять ум, открывая ему перспективу в поле родственных представлений, простирающихся за пределы его кругозора. – Иммануил Кант [75]
Большинство ученых, занимающихся наскальными рисунками или предметами, обнаруженными в доисторическом контексте, которые не могут быть объяснены в утилитарных терминах и поэтому отнесены к категории декоративных, ритуальных или символических, осознают ловушку, которую представляет собой термин «искусство». – Сильва Томаскова [76]
Мотивированные цели искусства относятся к преднамеренным, сознательным действиям со стороны художников или творца. Это может быть попытка вызвать политические изменения, прокомментировать какой-либо аспект жизни общества, передать определенную эмоцию или настроение, обратиться к личной психологии, проиллюстрировать другую дисциплину, продать продукт (с коммерческим искусством) или использовать его в качестве формы. коммуникации. [72] [77]
[Искусство — это совокупность] артефактов или изображений с символическим значением как средства коммуникации. – Стив Митэн [78]
Напротив, реалистическая позиция, вдохновленная позитивизмом, от святого Фомы Аквинского до Анатоля Франса, явно кажется мне враждебной любому интеллектуальному или моральному прогрессу. Я ненавижу это, потому что оно состоит из посредственности, ненависти и тупого тщеславия. Именно такое отношение сегодня порождает эти нелепые книги, эти оскорбительные пьесы. Оно постоянно питается и черпает силу из газет и отупляет как науку, так и искусство, усердно льстя самым низким вкусам; ясность, граничащая с глупостью, собачья жизнь. – Андре Бретон (Сюрреализм) [80]
Описанные выше функции искусства не являются взаимоисключающими, поскольку многие из них могут пересекаться. Например, искусство для развлечения может также быть направлено на продажу продукта, например, фильма или видеоигры.
Искусство можно разделить на любое количество этапов, в пользу которых можно привести аргументы. В этом разделе творческий процесс разделен на три широких этапа, но единого мнения относительно их точного количества нет. [98]
_(4528252054).jpg/1280px-Le_penseur_de_la_Porte_de_lEnfer_(mus%C3%A9e_Rodin)_(4528252054).jpg)
На первом этапе художник представляет искусство в уме. Представляя, как будет выглядеть их искусство, художник начинает процесс воплощения искусства в жизнь. Подготовка искусства может включать в себя подход и исследование предмета. Художественное вдохновение является одной из главных движущих сил искусства, и его можно считать проистекающим из инстинктов, впечатлений и чувств. [98]
На втором этапе художник создает свою работу. На создание произведения могут влиять такие факторы, как настроение художника , окружение и психическое состояние . Например, «Черные картины» Франсиско де Гойи , созданные в старшие годы его жизни, считаются такими мрачными, потому что он был в изоляции и из-за своего опыта войны. Он рисовал их прямо на стенах своей квартиры в Испании и, скорее всего, никогда ни с кем не обсуждал. [99] The Beatles заявили, что такие наркотики, как ЛСД и каннабис, повлияли на некоторые из их лучших хитов, таких как Revolver . [100] [101] Метод проб и ошибок считается неотъемлемой частью творческого процесса. [98]
Последний шаг — оценка искусства , которая имеет подтему критики. В одном исследовании более половины студентов, изучающих изобразительное искусство, согласились, что размышление является важным этапом художественного процесса. [98] Согласно образовательным журналам, отражение искусства считается неотъемлемой частью опыта. [102] [103] Однако важным аспектом искусства является то, что другие тоже могут его увидеть и оценить. Хотя многие сосредотачиваются на том, являются ли те, кто смотрит/слушает/и т. д. Независимо от того, является ли искусство хорошим/успешным или нет, искусство имеет глубокую ценность, выходящую за рамки его коммерческого успеха в качестве поставщика информации и здоровья общества. [104] Наслаждение искусством может вызвать широкий спектр эмоций благодаря красоте . Некоторое искусство должно быть практичным, с его прилежным анализом, призванным стимулировать дискурс. [105]
.jpg/1280px-Metropolitan_Museum_1_(4675714481).jpg)
С древних времен большая часть лучших произведений искусства представляла собой преднамеренную демонстрацию богатства или власти, часто достигаемую с использованием огромных размеров и дорогих материалов. Большая часть произведений искусства была заказана политическими правителями или религиозными учреждениями, а более скромные версии доступны только самым богатым слоям общества. [106]
Тем не менее, было много периодов, когда искусство очень высокого качества было доступно с точки зрения собственности широким слоям общества, прежде всего в виде дешевых материалов, таких как керамика, которая сохраняется в земле, и скоропортящихся материалов, таких как текстиль и дерево. . Во многих различных культурах керамика коренных народов Америки встречается в столь широком спектре могил, что она явно не ограничивалась социальной элитой , [107] хотя могли быть и другие формы искусства. Репродуктивные методы, такие как использование форм , облегчили массовое производство и использовались для вывода на очень широкий рынок высококачественной древнеримской керамики и греческих фигурок Танагры . Цилиндрические печати были одновременно художественными и практичными и очень широко использовались людьми, которых можно условно назвать средним классом на Древнем Ближнем Востоке . [108] Когда монеты стали широко использоваться, они также стали формой искусства, которая достигла самых широких слоев общества. [109]
Еще одно важное нововведение произошло в 15 веке в Европе, когда гравюра началась с небольших гравюр на дереве , в основном религиозных, которые часто были очень маленькими, раскрашенными вручную и доступными даже крестьянам , которые приклеивали их к стенам своих домов. Печатные книги изначально были очень дорогими, но постепенно падали в цене, пока к 19 веку даже самые бедные люди не смогли позволить себе книги с печатными иллюстрациями. [110] Популярные гравюры самых разных видов украшали дома и другие места на протяжении веков. [111]
В 1661 году в городе Базель в Швейцарии открылся первый в мире публичный художественный музей — Kunstmuseum Basel . Сегодня его коллекция отличается впечатляюще широким историческим охватом: с начала 15 века до наших дней. Различные области его деятельности придают ему международный статус одного из самых значительных музеев такого рода. К ним относятся: картины и рисунки художников, работавших в регионе Верхнего Рейна между 1400 и 1600 годами, а также искусство XIX–XXI веков. [112]
Общественные здания и памятники , светские и религиозные, по своей природе обычно обращены ко всему обществу, а посетители – как к зрителям, и показ широкой публике уже давно является важным фактором при их проектировании. Египетские храмы типичны тем, что самые большие и роскошные украшения размещались на тех частях, которые могли быть видны широкой публике, а не на тех местах, которые видели только священники. [113] Многие помещения королевских дворцов, замков и домов социальной элиты часто были общедоступны, и большую часть коллекций произведений искусства таких людей часто мог увидеть либо кто угодно, либо те, кто мог заплатить небольшую цену. или те, кто носил правильную одежду, независимо от того, кем они были, как в Версальском дворце , где соответствующие дополнительные аксессуары (серебряные пряжки для обуви и меч) можно было взять напрокат в магазинах снаружи. [114]
Были приняты специальные меры, чтобы позволить публике увидеть многие королевские или частные коллекции, размещенные в галереях, как, например, Орлеанская коллекция, которая в основном размещалась в крыле Пале-Рояль в Париже, которую можно было посещать на протяжении большей части 18 века. [115] В Италии арт-туризм в рамках Гранд-тура стал основной отраслью промышленности начиная с эпохи Возрождения, и правительства и города прилагали усилия, чтобы сделать свои ключевые произведения доступными. Британская королевская коллекция остается отдельной, но из нее были сделаны крупные пожертвования, такие как Старая королевская библиотека , Британскому музею , основанному в 1753 году. Уффици во Флоренции полностью открылось как галерея в 1765 году, хотя эта функция постепенно переходила к зданию. уже давно покинули первоначальные офисы государственных служащих. [116] Здание, которое сейчас занимает музей Прадо в Мадриде, было построено до Французской революции для публичного показа частей королевской коллекции произведений искусства, и подобные королевские галереи, открытые для публики, существовали в Вене , Мюнхене и других столицах. Открытие Музея Лувра во время Французской революции (в 1793 году) в качестве публичного музея для большей части бывшей французской королевской коллекции, безусловно, ознаменовало важный этап в развитии общественного доступа к искусству, передав право собственности республиканскому государству, но было продолжение уже устоявшихся тенденций. [117]
Большинство современных общественных музеев и программ художественного образования для детей в школах возникли из стремления сделать искусство доступным для всех. Однако, как показали исследования, музеи не только обеспечивают доступ к искусству, но и влияют на то, как искусство воспринимается публикой. [118] Таким образом, музей сам по себе является не только тупой площадкой для презентации искусства, но играет активную и жизненно важную роль в общем восприятии искусства в современном обществе.
Музеи в Соединенных Штатах, как правило, являются подарками от очень богатых масс массам. ( Например, Метрополитен-музей в Нью-Йорке был создан Джоном Тейлором Джонстоном , руководителем железной дороги, чья личная коллекция произведений искусства легла в основу музея.) Но, несмотря на все это, по крайней мере одна из важных функций искусства в 21-м веке века остается показателем богатства и социального статуса. [119]
Художники предпринимали попытки создать искусство, которое богатые не смогут купить в качестве статусного объекта. Одним из главных оригинальных мотивов большей части искусства конца 1960-х и 1970-х годов было создание произведений искусства, которые нельзя было покупать и продавать. «Необходимо представить нечто большее, чем просто объекты» [120], говорил крупнейший послевоенный немецкий художник Йозеф Бойс . В этот период времени наблюдался рост таких вещей, как перформанс, видеоарт и концептуальное искусство . Идея заключалась в том, что если произведение искусства представляло собой перформанс, который ничего не оставит после себя, или было идеей, его нельзя было покупать и продавать. «Демократические заповеди, вращающиеся вокруг идеи о том, что произведение искусства является товаром, стимулировали эстетические инновации, которые зародились в середине 1960-х годов и были пожинаны на протяжении 1970-х годов. для взаимодействия как с материальными, так и с материалистическими проблемами живописных или скульптурных форм... [пытались] подорвать объект искусства как объект». [121]
За прошедшие десятилетия эти идеи были несколько утрачены, поскольку арт-рынок научился продавать ограниченные выпуски DVD с видеопроизведениями, [122] приглашения на эксклюзивные перформансы и объекты, оставшиеся от концептуальных произведений. Многие из этих перформансов создают произведения, которые понятны только элите, которая знает, почему идея, видео или кажущийся мусор могут считаться искусством. Маркером статуса становится понимание произведения, а не обязательное владение им, а произведение искусства остается занятием высшего класса. «Благодаря широкому использованию технологии записи DVD в начале 2000-х художники и система галерей, получающая прибыль от продажи произведений искусства, получили важные средства контроля над продажей коллекционерам видео- и компьютерных произведений искусства ограниченными тиражами». [123]
.jpg/1280px-JEAN_LOUIS_TH%C3%89ODORE_G%C3%89RICAULT_-_La_Balsa_de_la_Medusa_(Museo_del_Louvre,_1818-19).jpg)
Искусство уже давно вызывает споры, то есть его не любят некоторые зрители по самым разным причинам, хотя большинство досовременных противоречий смутно зафиксировано или полностью потеряно для современного взгляда. Иконоборчество — это уничтожение искусства, которое не нравится по разным причинам, в том числе религиозным. Аниконизм — это общая неприязнь ко всем образным изображениям, а зачастую и только к религиозным, которая была красной нитью во многих основных религиях. Это стало решающим фактором в истории исламского искусства , где изображения Мухаммеда остаются особенно противоречивыми. Многие произведения искусства не нравились просто потому, что они изображали или иным образом поддерживали непопулярных правителей, партии или другие группы. Художественные традиции часто были консервативными и очень серьезно воспринимались искусствоведами , хотя более широкая публика зачастую гораздо меньше относилась к ним. Иконографическое содержание искусства могло вызвать споры, как и в случае с позднесредневековыми изображениями нового мотива Обморока Богородицы в сценах Распятия Иисуса . «Страшный суд» Микеланджело вызвал споры по разным причинам, включая нарушение приличий из-за наготы и позу Христа, подобную Аполлону . [124] [125]
Содержание большей части формального искусства на протяжении всей истории диктовалось покровителем или комиссаром, а не только художником, но с приходом романтизма и экономическими изменениями в производстве искусства видение художников стало обычным определяющим фактором содержания его произведений. искусства, увеличивая частоту противоречий, хотя зачастую и уменьшая их значимость. Сильные стимулы к воспринимаемой оригинальности и публичности также побуждали художников разжигать споры. « Плот Медузы » Теодора Жерико ( около 1820 г. ) был отчасти политическим комментарием к недавнему событию. Картина Эдуарда Мане « Женщина на траве» (1863) считалась скандальной не из-за обнаженной женщины, а потому, что она сидит рядом с мужчинами, полностью одетыми в одежду того времени, а не в мантии античного мира. [126] [127] Картина Джона Сингера Сарджента « Мадам Пьер Готро (Мадам X)» (1884) вызвала споры по поводу красновато-розового цвета, используемого для окраски мочки уха женщины, который считается слишком многообещающим и предположительно разрушает репутацию модели из высшего общества. . [128] [129] Постепенный отказ от натурализма и изображение реалистичных изображений внешнего вида предметов в 19 и 20 веках привели к постоянным спорам, продолжавшимся более века.
В 20 веке в картине Пабло Пикассо « Герника» (1937) использовались захватывающие кубистские техники и яркие монохроматические масла , чтобы изобразить душераздирающие последствия современной бомбардировки небольшого древнего баскского города. В фильме Леона Голуба « Допрос III » (1981) изображена обнаженная заключенная в капюшоне, привязанная к стулу, с раздвинутыми ногами, обнажающими половые органы, в окружении двух мучителей, одетых в повседневную одежду. « Моча Христа » Андреса Серрано (1989) — это фотография распятия, священного для христианской религии и изображающего жертву и последние страдания Христа , погруженного в стакан с собственной мочой художника. Возникший шум привел к комментариям в Сенате США по поводу государственного финансирования искусства. [130] [131]
До модернизма эстетика западного искусства была в значительной степени озабочена достижением соответствующего баланса между различными аспектами реализма или истины природы и идеала ; Идеи о том, что такое правильный баланс, менялись взад и вперед на протяжении веков. Эта проблема практически отсутствует в других традициях искусства. Эстетический теоретик Джон Раскин , который отстаивал то, что он считал натурализмом Дж. М. У. Тернера , видел роль искусства в искусственном сообщении важной истины, которую можно найти только в природе. [132]
Определение и оценка искусства стали особенно проблематичными с 20 века. Ричард Воллхейм выделяет три подхода к оценке эстетической ценности искусства: реалистический , согласно которому эстетическое качество является абсолютной ценностью, независимой от какого-либо человеческого взгляда; объективистский , согласно которому он также является абсолютной ценностью, но зависит от общего человеческого опыта; и релятивистская позиция , согласно которой она не является абсолютной ценностью, а зависит от человеческого опыта разных людей и варьируется в зависимости от него. [133]
Приход модернизма в конце 19 века привел к радикальному перелому в концепции функции искусства, [134] а затем снова в конце 20 века с появлением постмодернизма . В статье Клемента Гринберга «Модернистская живопись» 1960 года современное искусство определяется как «использование характерных методов дисциплины для критики самой дисциплины». [135] Гринберг первоначально применил эту идею к движению абстрактных экспрессионистов и использовал ее как способ понять и оправдать плоскую (неиллюзионистскую) абстрактную живопись:
Реалистическое, натуралистическое искусство скрыло среду, используя искусство, чтобы скрыть искусство; модернизм использовал искусство, чтобы привлечь внимание к искусству. Ограничения, составляющие среду живописи — плоская поверхность, форма подложки, свойства пигмента — трактовались старыми мастерами как негативные факторы, которые можно было признать лишь имплицитно или косвенно. В эпоху модернизма эти же ограничения стали рассматриваться как положительные факторы и открыто признавались. [135]
После Гринберга появилось несколько важных теоретиков искусства, таких как Майкл Фрид , Ти Джей Кларк , Розалинд Краусс , Линда Нохлин и Гризельда Поллок среди других. Хотя определение Гринберга современного искусства изначально задумывалось только как способ понять определенную группу художников, оно важно для многих идей искусства в различных художественных движениях 20-го и начала 21-го века. [136] [137]
Поп-артисты, такие как Энди Уорхол, стали заслуживающими внимания и влиятельными благодаря своей работе, включающей и, возможно, критику популярной культуры , а также мира искусства . Художники 1980-х, 1990-х и 2000-х годов распространили эту технику самокритики за пределы высокого искусства на все виды культурного имиджмейкинга, включая модные изображения, комиксы, рекламные щиты и порнографию. [138] [139]
Дюшан однажды предположил, что искусство — это любая деятельность любого рода, все. Однако то, что сегодня только определенные виды деятельности классифицируются как искусство, является социальной конструкцией. [140] Есть свидетельства того, что в этом может быть доля истины. В книге «Изобретение искусства: история культуры » Ларри Шайнер исследует построение современной системы искусств, то есть изобразительного искусства. Он находит доказательства того, что более старая система искусств, предшествовавшая нашей современной системе (изобразительное искусство), считала искусством любую квалифицированную человеческую деятельность; например, древнегреческое общество обладало не термином искусство , а техне . Технэ нельзя понимать ни как искусство или ремесло, поскольку различия между искусством и ремеслом являются историческими продуктами, возникшими позже в истории человечества. Технэ включало в себя живопись, скульптуру и музыку, а также кулинарию, медицину, верховую езду , геометрию , столярное дело, пророчество , земледелие и т. д. [141]
Вслед за Дюшаном в первой половине 20-го века произошел значительный сдвиг в общей эстетической теории, которая попыталась применить эстетическую теорию между различными формами искусства, включая литературное искусство и изобразительное искусство, друг к другу. Это привело к появлению школы новой критики и дебатам по поводу преднамеренной ошибки . Спорным стал вопрос о том, должны ли эстетические намерения художника при создании произведения искусства, какова бы ни была его конкретная форма, быть связаны с критикой и оценкой конечного продукта произведения искусства, или же произведение искусства следует оценивать по существу, независимо от намерений художника. [142] [143]
В 1946 году Уильям К. Уимсат и Монро Бердсли опубликовали классическое и противоречивое новое критическое эссе под названием « Намеренная ошибка », в котором они решительно выступили против значимости замысла автора или «предполагаемого значения» при анализе литературного произведения. . Для Уимсатта и Бердсли слова на странице были единственным, что имело значение; импорт значений извне текста считался неуместным и потенциально отвлекающим. [144] [145]
В другом эссе, « Аффективное заблуждение », которое послужило своего рода родственным эссе «Намеренному заблуждению», Уимсатт и Бердсли также не учитывали личную/эмоциональную реакцию читателя на литературное произведение как действенное средство анализа текста. Это заблуждение позже будет отвергнуто теоретиками школы литературной теории, основанной на реакции читателя . По иронии судьбы, один из ведущих теоретиков этой школы, Стэнли Фиш , сам обучался у «Новых критиков». Фиш критикует Уимсатта и Бердсли в своем эссе 1970 года «Литература в читателе». [146] [147]
Как резюмировали Берис Гаут и Пейсли Ливингстон в своем эссе «Создание искусства»: «Теоретики и критики-структуралисты и постструктуралисты резко критиковали многие аспекты новой критики, начиная с акцента на эстетическом признании и так называемой автономии. искусства, но они повторили атаку на предположение биографической критики о том, что деятельность и опыт художника являются привилегированной критической темой». [148] Эти авторы утверждают, что: «Анти-интенционалисты, такие как формалисты, считают, что намерения, вовлеченные в создание искусства, не имеют значения или являются второстепенными для правильной интерпретации искусства. Поэтому детали процесса создания произведения, хотя и могут представлять интерес сами по себе не имеют никакого отношения к правильной интерпретации произведения». [149]
Гаут и Ливингстон определяют интенционалистов в отличие от формалистов, заявляя, что: «Интенционалисты, в отличие от формалистов, считают, что ссылка на намерения необходима для установления правильной интерпретации произведений». Они цитируют заявление Ричарда Воллхейма : «Задача критики — это реконструкция творческого процесса, причём творческий процесс, в свою очередь, должен мыслиться как нечто, не останавливающееся перед самим произведением искусства, а заканчивающееся им». [149]
Конец 20-го века способствовал обширным дебатам, известным как полемика о лингвистическом повороте или «дебаты невинных глаз» в философии искусства. В ходе этой дискуссии обсуждалось, что встреча с произведением искусства определяется относительной степенью, в которой концептуальная встреча с произведением искусства доминирует над перцептивной встречей с произведением искусства. [150]
Решающими для дискуссии о лингвистическом повороте в истории искусства и гуманитарных науках стали работы еще одной традиции, а именно структурализма Фердинанда де Соссюра и последовавшего за ним движения постструктурализма . В 1981 году художник Марк Тэнси создал произведение искусства под названием « Невинный глаз» как критику преобладающей атмосферы разногласий в философии искусства в последние десятилетия 20-го века. В число влиятельных теоретиков входят Джудит Батлер , Люси Иригарей , Джулия Кристева , Мишель Фуко и Жак Деррида . Силу языка, а точнее некоторых риторических образов, в истории искусства и историческом дискурсе исследовал Хейден Уайт . Тот факт, что язык не является прозрачным средством мышления, был подчеркнут совершенно другой формой философии языка , которая возникла в работах Иоганна Георга Хамана и Вильгельма фон Гумбольдта . [151] Эрнст Гомбрих и Нельсон Гудман в своей книге « Языки искусства: подход к теории символов» пришли к выводу, что концептуальная встреча с произведением искусства преобладала исключительно над перцептивной и визуальной встречей с произведением искусства в 1960-е годы. и 1970-е годы. [152] Ему бросили вызов на основании исследования, проведенного психологом, лауреатом Нобелевской премии Роджером Сперри , который утверждал, что визуальное взаимодействие человека не ограничивается понятиями, представленными только в языке (лингвистический поворот), и что другие формы психологических репрезентаций произведения искусства были одинаково защитимы и доказуемы. К концу 20-го века точка зрения Сперри в конечном итоге возобладала: такие эстетические философы, как Ник Зангвилл, решительно защищали возврат к умеренному эстетическому формализму среди других альтернатив. [153]
Споры о том, относить ли что-либо к произведениям искусства или нет, называются классификационными спорами об искусстве. Классификационные споры в 20 веке включали картины кубистов и импрессионистов , « Фонтан Дюшана » , фильмы, превосходные имитации банкнот Дж.С.Г. Боггса , концептуальное искусство и видеоигры . [155] Философ Дэвид Новиц утверждал, что разногласия по поводу определения искусства редко являются сутью проблемы. Скорее, «страстные заботы и интересы, которые люди вкладывают в свою социальную жизнь», являются «важной частью всех классификационных споров об искусстве». [156] По мнению Новица, классификационные споры чаще представляют собой споры о социальных ценностях и о том, куда общество пытается идти, чем о собственно теории. Например, когда газета Daily Mail раскритиковала работу Херста и Эмина , заявив: «В течение 1000 лет искусство было одной из наших великих цивилизаторских сил. Сегодня маринованные овцы и грязные грядки угрожают сделать всех нас варварами», они не продвигая определение или теорию искусства, но ставя под сомнение ценность работ Херста и Эмина. [157] В 1998 году Артур Данто предложил мысленный эксперимент, показывающий, что «статус артефакта как произведения искусства обусловлен идеями, которые культура применяет к нему, а не присущими ему физическими или ощутимыми качествами. Культурная интерпретация (теория искусства) некоторого рода), следовательно, является составной частью художественности объекта». [158] [159]
Антиискусство — это ярлык искусства, который намеренно бросает вызов устоявшимся параметрам и ценностям искусства; [160] это термин, связанный с дадаизмом и приписываемый Марселю Дюшану незадолго до Первой мировой войны, [160] когда он создавал произведения искусства из найденных предметов . [160] Один из них, «Фонтан» (1917), обычный писсуар, приобрел значительную известность и влияние на искусство. [160] Антиискусство является характерной чертой работ Ситуационистского Интернационала , [161] лоу-файного движения Mail art и « Молодых британских художников» , [160] хотя эта форма до сих пор отвергается «Стакистами » , [160] которые называют себя противниками антиискусства . [162] [163]
Архитектуру часто включают в число изобразительных искусств; однако, как и декоративное искусство или реклама, оно предполагает создание объектов, в которых практические соображения использования важны, чего обычно нет, например, в живописи. [164]
В некоторой степени по отношению к вышеизложенному слово « искусство» также используется для применения ценностных суждений, например, в таких выражениях, как «эта еда была произведением искусства» (повар — художник) или «искусство обмана» (повар — художник). хвалится высоко достигнутый уровень мастерства обманщика). Именно такое использование этого слова как меры высокого качества и высокой ценности придает этому термину оттенок субъективности. Для вынесения ценностных суждений необходима основа для критики. На самом простом уровне способ определить, соответствует ли воздействие объекта на чувства критериям, позволяющим считать его искусством , заключается в том, воспринимается ли он привлекательным или отталкивающим. Хотя восприятие всегда окрашено опытом и обязательно субъективно, общепринято понимать, что то, что не приносит эстетического удовлетворения, не может быть искусством. Однако «хорошее» искусство не всегда и даже не всегда эстетически привлекательно для большинства зрителей. Другими словами, основной мотивацией художника не обязательно должно быть стремление к эстетике. Кроме того, искусство часто изображает ужасные образы, созданные по социальным, моральным или заставляющим задуматься причинам. Например, картина Франсиско Гойи, изображающая расстрел в Испании 3 мая 1808 года, представляет собой графическое изображение расстрела нескольких умоляющих гражданских лиц. Но в то же время ужасающие образы демонстрируют острые художественные способности Гойи в композиции и исполнении и вызывают соответствующее социальное и политическое возмущение. Таким образом, продолжаются дебаты о том, какой способ эстетического удовлетворения, если таковой имеется, необходим для определения «искусства». [165] [166]
Принятие новых ценностей или бунт против общепринятых представлений об эстетическом превосходстве не обязательно должны происходить одновременно с полным отказом от стремления к тому, что эстетически привлекательно. На самом деле часто верно обратное: пересмотр того, что обычно считается эстетически привлекательным, позволяет возродить эстетическую чувствительность и по-новому оценить стандарты самого искусства. Бесчисленные школы предложили свои собственные способы определения качества, но все они, кажется, согласны по крайней мере в одном: как только их эстетический выбор принят, ценность произведения искусства определяется его способностью выходить за пределы выбранного им средства массовой информации. Чтобы вызвать некую универсальную струну редкостью мастерства художника или его точным отражением в так называемом духе времени . Искусство часто призвано апеллировать к человеческим эмоциям и связываться с ними. Оно может вызывать эстетические или моральные чувства и может пониматься как способ передачи этих чувств. Художники выражают что-то так, что их аудитория в какой-то степени возбуждается, но им не обязательно делать это сознательно. Искусство можно рассматривать как исследование человеческого состояния ; то есть, что значит быть человеком. [167] В более широком смысле, Эмили Л. Спратт утверждала, что развитие искусственного интеллекта , особенно в отношении его использования с изображениями, требует переоценки эстетической теории в истории искусства сегодня и пересмотра границ человеческое творчество. [168] [169]
Существенной юридической проблемой являются подделки произведений искусства , плагиат , копии и произведения, которые во многом основаны на других произведениях искусства.
Закон об интеллектуальной собственности играет важную роль в мире искусства. Авторское право предоставляется художникам на их оригинальные произведения, предоставляя им исключительные права на воспроизведение, распространение и показ своих творений. Эта гарантия дает художникам возможность контролировать использование своих произведений и защищать их от несанкционированного копирования или нарушения прав. [170]
Торговля произведениями искусства или их экспорт из страны могут регулироваться правовым регулированием. На международном уровне также предпринимаются обширные усилия по защите созданных произведений искусства. ООН , ЮНЕСКО и Blue Shield International стараются обеспечить эффективную защиту на национальном уровне и напрямую вмешиваться в случае вооруженных конфликтов или стихийных бедствий . Это может особенно затронуть музеи, архивы, коллекции произведений искусства и места раскопок. Это также должно обеспечить экономическую основу страны, особенно потому, что произведения искусства часто имеют туристическое значение. Президент-основатель Blue Shield International Карл фон Габсбург объяснил дополнительную связь между уничтожением культурных ценностей и причиной бегства во время миссии в Ливане в апреле 2019 года: «Культурные ценности являются частью идентичности людей, которые живут в Ливане. определенное место. Если вы уничтожаете их культуру, вы также разрушаете их идентичность. Многие люди покидают свои места, часто больше не имеют никаких перспектив и в результате бегут со своей родины». [171] [172] [173] [174] [175] [ 176] В целях сохранения разнообразия культурной самобытности ЮНЕСКО защищает живое человеческое достояние посредством Конвенции об охране нематериального культурного наследия .
Незападные изображения плохо описаны с точки зрения искусства, как и средневековые картины, созданные в отсутствие гуманистических идей, имеющих художественную ценность.
Определения из Викисловаря
СМИ из Commons
Новости из Викиновостей
Цитаты из Wikiquote
Тексты из Wikisource
Учебники из Wikibooks
Ресурсы из Викиверситета
