Натюрморт ( мн. ч .: still lifes ) — произведение искусства, изображающее в основном неодушевлённые предметы, как правило, обычные предметы, которые являются либо природными (еда, цветы, мёртвые животные, растения, камни, ракушки и т. д.), либо созданными человеком (стаканы, книги, вазы, ювелирные изделия, монеты, трубки и т. д.) [1] .
Натюрморт, берущий свое начало в Средних веках и древнегреческо -римском искусстве, к концу XVI века стал отдельным жанром и профессиональной специализацией в западной живописи и с тех пор остается значимым. Одним из преимуществ натюрморта является то, что он дает художнику большую свободу экспериментировать с расположением элементов в композиции картины. Натюрморт как особый жанр начался с нидерландской живописи XVI и XVII веков, а английский термин still life происходит от голландского слова stilleven . Ранние натюрморты, особенно до 1700 года, часто содержали религиозную и аллегорическую символику, связанную с изображенными объектами. Более поздние натюрморты производятся с использованием различных медиа и технологий, таких как найденные объекты, фотография, компьютерная графика , а также видео и звук.
Термин включает в себя живопись мертвых животных, особенно дичь. Живые считаются анималистическим искусством , хотя на практике их часто рисовали с мертвых моделей. Из-за использования растений и животных в качестве объекта, категория натюрморта также имеет общие черты с зоологической и особенно ботанической иллюстрацией . Однако в визуальном или изобразительном искусстве работа не предназначена только для правильной иллюстрации объекта.
Натюрморт занимал низшую ступень в иерархии жанров , но пользовался огромной популярностью у покупателей. Помимо независимого предмета натюрморта, натюрмортная живопись охватывает другие типы живописи с заметными элементами натюрморта, обычно символическими, и «изображения, которые опираются на множество элементов натюрморта, якобы для воспроизведения «кусочка жизни » ». [2] Картина -обманка , которая призвана обмануть зрителя, заставив его думать, что сцена реальна, является специализированным типом натюрморта, обычно показывающим неодушевленные и относительно плоские предметы. [3]
Натюрморты часто украшают интерьер древнеегипетских гробниц. Считалось, что съедобные предметы и другие предметы, изображенные там, в загробной жизни станут реальными и доступными для использования умершими. Древнегреческие вазовые росписи также демонстрируют большое мастерство в изображении повседневных предметов и животных. Плиний Старший упоминает Пирейкоса как художника-панно «низких» сюжетов, таких как сохранившиеся в мозаичных версиях и провинциальных настенных росписях в Помпеях : «парикмахерские, стойла сапожников, ослы, съедобные предметы и подобные сюжеты». [4]
Похожие натюрморты, более просто декоративные по замыслу, но с реалистичной перспективой, также были найдены в римских настенных росписях и напольных мозаиках, найденных в Помпеях, Геркулануме и Вилле Боскореале , включая более поздний знакомый мотив стеклянной чаши с фруктами. Декоративные мозаики, называемые «эмблема», найденные в домах богатых римлян, демонстрировали ассортимент еды, которой наслаждались высшие классы, а также функционировали как знаки гостеприимства и как празднования времен года и жизни. [5]
К XVI веку еда и цветы снова стали символами времен года и пяти чувств. Также со времен Римской империи зародилась традиция использования черепа в картинах как символа смертности и земных останков, часто с сопровождающей фразой Omnia mors aequat (Смерть делает всех равными). [6] Эти изображения vanitas были переосмыслены на протяжении последних 400 лет истории искусств, начиная с голландских художников около 1600 года. [7]
Популярное признание реализма натюрморта связано с древнегреческой легендой о Зевксисе и Паррасии , которые, как говорят, когда-то соревновались в создании наиболее реалистичных объектов, самых ранних описаний trompe-l'œil живописи в истории. [8] Как записал Плиний Старший в древнеримские времена, греческие художники столетиями ранее уже были продвинуты в искусстве портретной живописи , жанровой живописи и натюрморта. Он выделил Пирейка , «чье мастерство превзойдено лишь очень немногими... Он рисовал парикмахерские и лавки сапожников, ослов, овощи и тому подобное, и по этой причине его стали называть «художником вульгарных сюжетов»; тем не менее, эти работы в целом восхитительны, и они продавались по более высоким ценам, чем величайшие [картины] многих других художников». [9]
.jpg/1280px-Memling,_Hans_%E2%80%94_Flowers_in_a_Jug_(reverse).jpg)
К 1300 году, начиная с Джотто и его учеников, натюрмортная живопись возродилась в форме вымышленных ниш на религиозных настенных росписях, которые изображали повседневные предметы. [11] В Средние века и эпоху Возрождения натюрморт в западном искусстве оставался в первую очередь дополнением к христианским религиозным сюжетам и вызывал религиозный и аллегорический смысл. Это было особенно верно в творчестве североевропейских художников, чье увлечение высокодетализированным оптическим реализмом и символизмом привело их к тому, что они уделяли большое внимание общему посланию своих картин. [12] Такие художники, как Ян ван Эйк, часто использовали элементы натюрморта как часть иконографической программы. [ требуется ссылка ]
В позднем Средневековье элементы натюрморта, в основном цветы, но также животные и иногда неодушевленные предметы, рисовались с возрастающим реализмом в границах иллюминированных рукописей , развивая модели и технические достижения, которые использовались художниками больших изображений. Существовало значительное совпадение между художниками, создававшими миниатюры для рукописей, и теми, кто рисовал панели, особенно в ранней нидерландской живописи . « Часослов Екатерины Клевской» , вероятно, созданный в Утрехте около 1440 года, является одним из выдающихся примеров этой тенденции, с границами, изображающими необычайный диапазон объектов, включая монеты и рыболовные сети, выбранных для дополнения текста или основного изображения в этой конкретной точке. Фламандские мастерские позже в этом веке развили натурализм элементов границ еще дальше. Готические гобелены «мильфлер» являются еще одним примером всеобщего растущего интереса к точным изображениям растений и животных. Набор «Дама и единорог» является самым известным примером, разработанным в Париже около 1500 года, а затем сотканным во Фландрии . [ необходима ссылка ]
Развитие техники масляной живописи Яном ван Эйком и другими североевропейскими художниками сделало возможным рисовать повседневные предметы в этой гиперреалистичной манере благодаря медленному высыханию, смешиванию и наслаиванию масляных красок. [13] Среди первых, кто освободился от религиозного смысла, были Леонардо да Винчи , создававший акварельные этюды фруктов (около 1495 года) в рамках своего неутомимого изучения природы, и Альбрехт Дюрер, который также делал точные цветные рисунки флоры и фауны. [14]
Портрет невесты и жениха, посещающих ювелира, работы Петруса Кристуса является типичным примером переходного натюрморта, изображающего как религиозное, так и светское содержание. Хотя в основном аллегорическое по своему содержанию, фигуры пары реалистичны, а показанные предметы (монеты, сосуды и т. д.) точно прорисованы, но ювелир на самом деле является изображением Святого Элигия, а предметы в значительной степени символичны. Другой похожий тип живописи — семейный портрет, сочетающий фигуры с хорошо накрытым столом с едой, что символизирует как благочестие человеческих персонажей, так и их благодарность за Божье изобилие. [15] Примерно в это же время простые натюрмортные изображения, отделенные от фигур (но не аллегорического значения), начали рисовать на внешней стороне ставен частных религиозных картин. [9] Еще одним шагом к автономному натюрморту стала живопись символических цветов в вазах на обороте светских портретов около 1475 года. [16] Якопо де Барбари пошел еще дальше со своим «Натюрмортом с куропаткой и перчатками» (1504), одним из самых ранних подписанных и датированных натюрмортов с эффектом trompe-l'œil , содержащим минимальное религиозное содержание. [17]
Хотя большинство натюрмортов после 1600 года были относительно небольшими картинами, решающим этапом в развитии жанра была традиция, в основном сосредоточенная в Антверпене , «монументального натюрморта», которые представляли собой большие картины, включавшие большие развороты натюрмортного материала с фигурами и часто животными. Это было развитие Питера Артсена , чья картина «Мясной ларек со Святым семейством, раздающим милостыню» (1551, ныне Уппсала ) представила тип с картиной, которая до сих пор поражает. Другим примером является «Мясная лавка» племянника Артсена Иоахима Бейкелера (1568) с ее реалистичным изображением сырого мяса, доминирующего на переднем плане, в то время как фоновая сцена передает опасности пьянства и разврата. Тип очень большой кухонной или рыночной сцены, разработанный Питером Артсеном и его племянником Иоахимом Бейкелером, обычно изображает изобилие еды с натюрмортом с кухонной утварью и крепкими фламандскими кухарками. Небольшая религиозная сцена часто может быть различима вдалеке, или тема, такая как Четыре Времена года , добавляется, чтобы возвысить предмет. Этот вид крупномасштабного натюрморта продолжал развиваться во фламандской живописи после разделения Севера и Юга, но редок в голландской живописи, хотя другие работы в этой традиции предвосхищают тип жанровой живописи « веселая компания » . [18]
Постепенно религиозное содержание уменьшилось в размере и размещении в этом типе живописи, хотя моральные уроки продолжались как подконтексты. [19] Одна из относительно немногих итальянских работ в этом стиле, трактовка того же предмета Аннибале Карраччи в 1583 году, Мясная лавка , начинает удалять моральные послания, как и другие натюрморты «кухня и рынок» этого периода. [20] Винченцо Кампи, вероятно, познакомил Италию с антверпенским стилем в 1570-х годах. Традиция продолжалась и в следующем столетии, с несколькими работами Рубенса , который в основном передавал элементы натюрморта и животных на субподряд мастерам-специалистам, таким как Франс Снейдерс и его ученик Ян Фит . Ко второй половине XVI века автономный натюрморт развился. [21]
.jpg/1280px-Canestra_di_frutta_(Caravaggio).jpg)
XVI век стал свидетелем взрыва интереса к миру природы и создания роскошных ботанических энциклопедий, описывающих открытия Нового Света и Азии. Он также побудил к началу научной иллюстрации и классификации образцов. Природные объекты начали цениться как отдельные объекты изучения, не связанные с какими-либо религиозными или мифологическими ассоциациями. Ранняя наука о лекарственных травах также началась в это время, что было практическим продолжением этих новых знаний. Кроме того, богатые покровители начали финансировать коллекцию образцов животных и минералов, создавая обширные кабинеты редкостей . Эти образцы служили моделями для художников, которые искали реализма и новизны. Ракушки, насекомые, экзотические фрукты и цветы начали собирать и продавать, а новые растения, такие как тюльпан (импортированный в Европу из Турции), были воспеты в натюрмортах. [22]
Садоводческий взрыв вызвал широкий интерес в Европе, и художники воспользовались этим, чтобы создать тысячи натюрмортов. Некоторые регионы и дворы имели особые интересы. Изображение цитрусовых, например, было особой страстью двора Медичи во Флоренции, Италия. [23] Это большое распространение природных образцов и растущий интерес к иллюстрации природы по всей Европе привели к почти одновременному созданию современных натюрмортов около 1600 года. [24] [25]
На рубеже веков испанский художник Хуан Санчес Котан стал пионером испанского натюрморта, создав строгие и спокойные картины с изображением овощей. В 1603 году, в возрасте сорока лет, он ушел в монастырь, после чего начал писать картины на религиозные темы. [ необходима цитата ]
_-_Still_life_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Jacopo_da_Dmpoli_(Jacopo_Chimenti)_-_Still_life_-_Google_Art_Project.jpg)
Выдающиеся академики начала XVII века, такие как Андреа Сакки , считали, что жанровая и натюрмортная живопись не обладают «серьезностью», необходимой для того, чтобы живопись считалась великой. Влиятельная формулировка 1667 года Андре Фелибьена , историографа, архитектора и теоретика французского классицизма, стала классическим изложением теории иерархии жанров для XVIII века:
Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des Fruits, des Fleurs или des Coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est плюс достойная похвалы que ceux qui ne représentent que des Chooses mortes & sans mouvement; & comme la shape de l'homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il est some aussi que celui qui se rend l'imitateur de Dieu en peignant des humanaines, est beaucoup plus превосходно que tous les autres... [26]
Тот, кто создает совершенные пейзажи, выше того, кто создает только фрукты, цветы или морепродукты. Тот, кто рисует живых животных, более достоин уважения, чем те, кто изображает только мертвые вещи без движения, и поскольку человек является самым совершенным творением Бога на земле, также несомненно, что тот, кто становится подражателем Бога в изображении человеческих фигур, гораздо более превосходен, чем все остальные...".
Натюрморт развился как отдельная категория в Нидерландах в последней четверти XVI века. [27] Английский термин still life происходит от голландского слова stilleven, в то время как романские языки (а также греческий, польский, русский и турецкий) склонны использовать термины, означающие мертвую природу . Ранняя нидерландская живопись XV века разработала высоко иллюзионистские приемы как в живописи на панелях , так и в иллюминированных рукописях , где границы часто представляли собой сложные изображения цветов, насекомых и, в такой работе, как « Часослов Екатерины Клевской» , большого разнообразия предметов. Когда иллюминированная рукопись была вытеснена печатной книгой, те же навыки позже были использованы в научной ботанической иллюстрации; Нидерландские страны лидировали в Европе как в ботанике , так и в ее изображении в искусстве. Фламандский художник Йорис Хуфнагель (1542–1601) создавал акварелью и гуашью картины цветов и другие натюрморты для императора Рудольфа II , а также создавал множество гравированных иллюстраций для книг (часто затем раскрашенных вручную), таких как «Florilegium» Ганса Колларта , изданный Плантеном в 1600 году. [28]
Около 1600 года цветочные картины маслом стали чем-то вроде повального увлечения; Карел ван Мандер сам написал несколько работ и отмечает, что другие художники -маньеристы , такие как Корнелис ван Харлем, также делали то же самое. Неизвестно ни одной сохранившейся цветочной работы, написанной ими, но многие сохранились благодаря ведущим специалистам, Яну Брейгелю Старшему и Амброзиусу Босхарту , которые оба работали в Южных Нидерландах. [29]
В то время как художники на Севере находили ограниченные возможности для создания религиозной иконографии, которая долгое время была их основным продуктом — изображения религиозных сюжетов были запрещены в Голландской реформатской протестантской церкви — продолжающаяся северная традиция детального реализма и скрытых символов привлекала растущий голландский средний класс, который заменял церковь и государство в качестве главных покровителей искусства в Нидерландах. К этому добавилась голландская мания садоводства, особенно тюльпанов . Эти два взгляда на цветы — как на эстетические объекты и как на религиозные символы — слились, чтобы создать очень сильный рынок для этого типа натюрморта. [30] Натюрморт, как и большинство голландских произведений искусства, обычно продавался на открытых рынках или дилерами, или художниками в их студиях, и редко заказывался; поэтому художники обычно выбирали сюжет и композицию. [31] Этот тип натюрморта был настолько популярен, что большая часть техники голландской цветочной живописи была систематизирована в трактате 1740 года « Groot Schilderboeck» Жерара де Лересса, в котором давались обширные советы по цвету, аранжировке, кисти, подготовке образцов, гармонии, композиции, перспективе и т. д. [32]
Символика цветов развивалась с ранних христианских времен. Наиболее распространенные цветы и их символические значения включают: розу (Дева Мария, быстротечность, Венера, любовь); лилию (Дева Мария, девственность, женская грудь, чистота ума или справедливости); тюльпан (показуемость, благородство); подсолнечник (верность, божественная любовь, преданность); фиалку (скромность, сдержанность, смирение); водосбор (меланхолия); мак (сила, сон, смерть). Что касается насекомых, бабочка олицетворяет трансформацию и воскрешение, в то время как стрекоза символизирует быстротечность, а муравей — упорный труд и внимание к урожаю. [33]
Фламандские и голландские художники также разветвились и возродили древнегреческую традицию натюрморта trompe-l'œil , в частности, имитацию природы или mimesis , которую они называли bedriegertje («маленький обман»). [8] В дополнение к этим типам натюрморта голландские художники выделили и отдельно разработали картины «кухни и рынка», натюрморты завтрака и еды, картины vanitas и аллегорические коллекционные картины. [34]
В католических Южных Нидерландах жанр картин-гирлянд получил развитие. Около 1607–1608 годов антверпенские художники Ян Брейгель Старший и Хендрик ван Бален начали создавать эти картины, которые состояли из изображения (обычно религиозного), окруженного пышным венком натюрморта. Картины были совместной работой двух специалистов: художника-натюрморта и художника-фигуриста. Даниэль Сегерс развил жанр дальше. Первоначально выполнявшие религиозную функцию, картины-гирлянды стали чрезвычайно популярными и широко использовались в качестве украшения домов. [35]
Особым жанром натюрморта был так называемый pronkstilleven (голландский, «показной натюрморт»). Этот стиль витиеватой натюрмортной живописи был разработан в 1640-х годах в Антверпене фламандскими художниками, такими как Франс Снейдерс и Адриан ван Утрехт . Они писали натюрморты, которые подчеркивали изобилие, изображая разнообразие предметов, фруктов, цветов и мертвой дичи, часто вместе с живыми людьми и животными. Стиль вскоре переняли художники из Голландской республики . [36]
Особенно популярны в этот период были картины vanitas , в которых роскошные композиции из фруктов и цветов, книг, статуэток, ваз, монет, ювелирных изделий, картин, музыкальных и научных инструментов, военных знаков отличия, чистого серебра и хрусталя сопровождались символическими напоминаниями о бренности жизни. Кроме того, череп, песочные или карманные часы, догорающая свеча или книга с перелистываемыми страницами служили морализаторским посланием о мимолетности чувственных удовольствий. Часто некоторые из фруктов и цветов сами изображались начинающими портиться или увядать, чтобы подчеркнуть тот же момент. [ необходима цитата ]
Другой тип натюрморта, известный как ontbijtjes или «картины завтрака», представляет собой как буквальное представление деликатесов, которыми мог наслаждаться высший класс, так и религиозное напоминание о необходимости избегать обжорства. [37] Около 1650 года Самуэль ван Хогстратен написал одну из первых картин на стене, натюрморты в стиле trompe-l'œil , на которых изображены предметы, привязанные, прибитые или прикрепленные каким-либо другим способом к настенной доске, тип натюрморта, очень популярный в Соединенных Штатах в 19 веке. [38] Другой разновидностью натюрморта в стиле trompe-l'œil были изображены предметы, связанные с определенной профессией, как в картине Корнелиса Норбертуса Гисбрехта «Мольберт художника с кусочком фруктов», на которой представлены все инструменты ремесла художника. [39] Также в первой половине XVII века была популярна живопись с большим количеством образцов в аллегорической форме, таких как «пять чувств», «четыре континента» или «четыре времени года», изображающая богиню или аллегорическую фигуру, окруженную соответствующими природными и созданными человеком объектами. [40] Популярность картин vanitas и этих других форм натюрморта вскоре распространилась из Голландии во Фландрию и Германию, а также в Испанию [41] и Францию.
Производство натюрмортов в Нидерландах было огромным, и они очень широко экспортировались, особенно в Северную Европу; Британия сама их почти не производила. Немецкий натюрморт следовал голландским образцам; Георг Флегель был пионером чистого натюрморта без фигур и создал композиционное новшество, размещая детализированные объекты в шкафах, буфетах и витринах, и создавая одновременно несколько видов. [42]
В испанском искусстве бодегон — это натюрморт , изображающий предметы кладовой, такие как еда, дичь и напитки, часто расположенные на простой каменной плите, а также картина с одной или несколькими фигурами, но значительными элементами натюрморта, обычно расположенная на кухне или в таверне. Начиная с эпохи барокко , такие картины стали популярны в Испании во второй четверти XVII века. Традиция натюрморта, по-видимому, зародилась и была гораздо более популярна в современных Нидерландах , сегодня Бельгия и Нидерланды (тогда фламандские и голландские художники), чем когда-либо в Южной Европе. Северные натюрморты имели много поджанров; часть завтрака была дополнена trompe-l'œil , цветочным букетом и vanitas . [ необходима цитата ]
В Испании было гораздо меньше посетителей для такого рода вещей, но тип завтрака стал популярным, показывая несколько предметов еды и столовых приборов, разложенных на столе. Натюрморт в Испании, также называемый bodegones , был строгим. Он отличался от голландского натюрморта, который часто содержал богатые банкеты, окруженные богато украшенными и роскошными предметами из ткани или стекла. Дичь в испанской живописи часто представляет собой просто мертвых животных, все еще ожидающих снятия шкуры. Фрукты и овощи не приготовлены. Фон представляет собой мрачные или простые деревянные геометрические блоки, часто создающие сюрреалистическую атмосферу. Даже несмотря на то, что и голландский, и испанский натюрморт часто имел встроенную моральную цель, строгость, которую некоторые находят родственной мрачности некоторых испанских плато, по-видимому, отвергает чувственные удовольствия, полноту и роскошь голландских натюрмортов. [44]
.jpg/1280px-Bodeg%C3%B3n_de_recipientes_(Zurbar%C3%A1n).jpg)
Несмотря на то, что итальянская натюрмортная живопись (по-итальянски называемая natura morta , «мертвая природа») набирала популярность, она оставалась исторически менее уважаемой, чем живопись «великолепной манеры» исторических, религиозных и мифических сюжетов. С другой стороны, успешные итальянские художники натюрморта нашли в свое время достаточное покровительство. [45] Кроме того, женщины-художники, какими бы немногочисленными они ни были, обычно выбирали или ограничивались живописью натюрморта; Джованна Гарцони , Лаура Бернаскони , Мария Тереза ван Тилен и Феде Галиция являются яркими примерами. [ требуется цитата ]
Многие ведущие итальянские художники других жанров также создавали натюрморты. В частности, Караваджо применял свою влиятельную форму натурализма к натюрморту. Его « Корзина с фруктами» ( ок. 1595–1600 ) является одним из первых примеров чистого натюрморта, точно переданного и расположенного на уровне глаз. [46] Хотя эта картина не является откровенно символической, она принадлежала кардиналу Федерико Борромео и, возможно, ценилась как по религиозным, так и по эстетическим причинам. Ян Брейгель также написал свой «Большой миланский букет» (1606) для кардинала, утверждая, что он написал его «fatta tutti del natturel» (сделанным полностью с натуры), и он брал дополнительную плату за дополнительные усилия. [47] Это были одни из многих натюрмортов в коллекции кардинала, в дополнение к его большой коллекции редкостей. Среди других итальянских натюрмортов « Повар » Бернардо Строцци представляет собой «кухонную сцену» в голландской манере, которая одновременно является подробным портретом кухарки и дичи, которую она готовит. [48] В похожей манере один из редких натюрмортов Рембрандта « Девочка с мертвыми павлинами» сочетает в себе похожий симпатичный женский портрет с изображениями дичи. [49]
В католической Италии и Испании чистая живопись vanitas была редкостью, и было гораздо меньше специалистов по натюрмортам. В Южной Европе больше используется мягкий натурализм Караваджо и меньше акцента на гиперреализм по сравнению с североевропейскими стилями. [50] Во Франции художники натюрмортов ( nature morte ) находились под влиянием как северной, так и южной школ, заимствуя из живописи vanitas Нидерландов и сдержанных аранжировок Испании. [51]
XVIII век в значительной степени продолжал совершенствовать формулы XVII века, и уровень производства снизился. В стиле рококо цветочный декор стал гораздо более распространенным на фарфоре , обоях , тканях и резной деревянной мебели, так что покупатели предпочитали, чтобы их картины имели фигуры для контраста. Одним из изменений стал новый энтузиазм среди французских художников, которые теперь составляют большую часть самых известных художников, в то время как англичане по-прежнему довольствовались импортом. Жан-Батист Шарден рисовал небольшие и простые композиции из еды и предметов в самом тонком стиле, который как основывался на голландских мастерах Золотого века, так и оказал большое влияние на композиции XIX века. Темы с убитой дичью продолжали быть популярными, особенно для охотничьих домиков; большинство специалистов также рисовали живых животных. Жан-Батист Удри сочетал превосходные изображения текстур меха и перьев с простым фоном, часто с простым белым цветом стены кладовой, побеленной известью, который выгодно их демонстрировал. [ необходима цитата ]
К XVIII веку во многих случаях религиозные и аллегорические коннотации натюрмортов были отброшены, и картины кухонных столов превратились в рассчитанные изображения разнообразных цветов и форм, демонстрирующие повседневную еду. Французская аристократия нанимала художников для создания картин с обильными и экстравагантными сюжетами натюрмортов, которые украшали их обеденный стол, также без моралистического послания vanitas их голландских предшественников. Любовь рококо к искусственности привела к росту признания во Франции trompe-l'œil (по-французски: «обман зрения») живописи. Натюрморты Жана-Батиста Шардена используют различные техники от реализма в голландском стиле до более мягких гармоний. [52]
Основная часть работ Анны Валлайер-Костер была посвящена языку натюрморта, который развивался в течение семнадцатого и восемнадцатого веков. [53] В течение этих столетий жанр натюрморта находился на самом низком месте в иерархической лестнице. У Валлайер-Костер был свой подход к своим картинам, который делал их привлекательными. Именно «смелые, декоративные линии ее композиций, богатство ее цветов и имитированных фактур, а также подвиги иллюзионизма, которых она достигала в изображении самых разных объектов, как естественных, так и искусственных» [53] , привлекли внимание Королевской академии и многочисленных коллекционеров, которые покупали ее картины. Это взаимодействие между искусством и природой было довольно распространено в голландских , фламандских и французских натюрмортах. [53] В ее работах прослеживается явное влияние Жана-Батиста-Симеона Шардена , а также голландских мастеров XVII века, чьи работы ценились гораздо выше, но то, что выделяло стиль Валлайер-Костер среди других художников-натюрмортов, — это ее уникальный способ объединения изобразительного иллюзионизма с декоративными композиционными структурами. [53] [54]
Конец восемнадцатого века и падение французской монархии закрыли двери для натюрморта Валлайер-Костер и открыли их для ее нового стиля цветочных композиций. [55] Утверждалось, что это был пик ее карьеры и то, чем она наиболее известна. Однако также утверждалось, что цветочные картины были бесполезны для ее карьеры. Тем не менее, эта коллекция содержала цветочные этюды маслом, акварелью и гуашью . [55]
С возникновением европейских академий, в первую очередь Французской академии , которая играла центральную роль в академическом искусстве , натюрморт начал терять популярность. Академии проповедовали доктрину « Иерархии жанров » (или «Иерархии сюжетов»), которая гласила, что художественные достоинства картины в первую очередь основаны на ее сюжете. В академической системе высшая форма живописи состояла из изображений исторического , библейского или мифологического значения, а сюжеты натюрморта были отнесены к самому низшему порядку художественного признания. Вместо того чтобы использовать натюрморт для прославления природы, некоторые художники, такие как Джон Констебл и Камиль Коро , выбирали для этой цели пейзажи. [ необходима цитата ]
Когда неоклассицизм начал приходить в упадок к 1830-м годам, жанровая и портретная живопись стали центром реалистической и романтической художественных революций. Многие великие художники того периода включали натюрморт в свои работы. Натюрморты Франсиско Гойи , Гюстава Курбе и Эжена Делакруа передают сильный эмоциональный поток и меньше озабочены точностью и больше настроены на настроение. [56] Хотя натюрморты Эдуарда Мане были созданы по образцу более ранних натюрмортов Шардена , они сильно тональны и явно направлены в сторону импрессионизма. Анри Фантен-Латур , использовавший более традиционную технику, был известен своими изысканными цветочными картинами и зарабатывал на жизнь почти исключительно написанием натюрмортов для коллекционеров. [57]
Однако только с окончательным упадком академической иерархии в Европе и подъемом художников- импрессионистов и постимпрессионистов техника и цветовая гармония восторжествовали над сюжетом, и натюрморт снова стал жадно практиковаться художниками. В своем раннем натюрморте Клод Моне демонстрирует влияние Фантена-Латура, но он одним из первых нарушил традицию темного фона, от которой Пьер-Огюст Ренуар также отказывается в «Натюрморте с букетом и веером» (1871) с его ярко-оранжевым фоном. В натюрморте импрессионистов аллегорическое и мифологическое содержание полностью отсутствует, как и тщательно детализированная работа кистью. Вместо этого импрессионисты сосредоточились на экспериментах с широкими, мазковыми мазками, тональными значениями и размещением цветов. Импрессионисты и постимпрессионисты вдохновлялись цветовыми схемами природы, но переосмысливали природу с помощью своих собственных цветовых гармоний, которые иногда оказывались поразительно ненатуралистичными. Как сказал Гоген, «Цвета имеют свое собственное значение». [58] Также пробуются вариации перспективы, такие как использование плотного кадрирования и высоких углов, как в картине «Фрукты, выставленные на подставке» Гюстава Кайботта , которую в то время высмеивали как «демонстрацию фруктов с высоты птичьего полета». [59]
Картины Винсента ван Гога «Подсолнухи» являются одними из самых известных натюрмортов 19 века. Ван Гог использует в основном оттенки желтого и довольно плоскую визуализацию, чтобы внести запоминающийся вклад в историю натюрморта. Его « Натюрморт с чертежной доской» (1889) — это автопортрет в форме натюрморта, на котором Ван Гог изобразил множество предметов своей личной жизни, включая трубку, простую еду (лук), вдохновляющую книгу и письмо от брата, все разложенное на его столе, без его собственного изображения. Он также написал свою собственную версию картины ванитас « Натюрморт с открытой Библией, свечой и книгой » (1885). [58]
В Соединенных Штатах во времена Революции американские художники, обучавшиеся за границей, применяли европейские стили к американской портретной живописи и натюрморту. Чарльз Уилсон Пил основал семью выдающихся американских художников и, как главный лидер американского художественного сообщества, также основал общество по обучению художников и знаменитый музей природных редкостей. Его сын Рафаэль Пил был одним из группы ранних американских художников-натюрмортов, в которую также входили Джон Ф. Фрэнсис , Чарльз Берд Кинг и Джон Джонстон. [60] Ко второй половине XIX века Мартин Джонсон Хед представил американскую версию картины среды обитания или биотопа, которая помещала цветы и птиц в имитируемую среду на открытом воздухе. [61] Американская живопись trompe-l'œil также процветала в этот период, созданная Джоном Хаберле , Уильямом Майклом Харнеттом и Джоном Фредериком Пето . Пето специализировался на ностальгической настенной живописи, в то время как Харнетт достиг высочайшего уровня гиперреализма в своих живописных празднованиях американской жизни с помощью знакомых предметов. [62]
Первые четыре десятилетия 20-го века сформировали исключительный период художественного брожения и революции. Авангардные течения быстро развивались и пересекались в движении к нефигуративной, тотальной абстракции. Натюрморт и другие репрезентативные виды искусства продолжали развиваться и корректироваться до середины века, когда тотальная абстракция, примером которой являются картины Джексона Поллока , устранила все узнаваемое содержание. [ необходима цитата ]
Век начался с того, что в искусстве закрепилось несколько тенденций. В 1901 году Поль Гоген написал «Натюрморт с подсолнухами» , посвящение своему другу Ван Гогу, умершему одиннадцатью годами ранее. Группа, известная как « Les Nabis» , в которую входили Пьер Боннар и Эдуар Вюйар , переняла гармонические теории Гогена и добавила в свои натюрморты элементы, вдохновленные японской гравюрой на дереве. Французский художник Одилон Редон также написал примечательные натюрморты в этот период, особенно цветы. [63]
Анри Матисс еще больше сократил визуализацию объектов натюрморта до чуть более чем смелых, плоских контуров, заполненных яркими цветами. Он также упростил перспективу и ввел многоцветный фон. [64] В некоторых из его натюрмортов, таких как « Натюрморт с баклажанами» , его стол с предметами почти теряется среди других красочных узоров, заполняющих остальную часть комнаты. [65] Другие представители фовизма , такие как Морис де Вламинк и Андре Дерен , еще больше исследовали чистый цвет и абстракцию в своих натюрмортах. [ необходима цитата ]
Поль Сезанн нашел в натюрморте идеальное средство для своих революционных исследований в области геометрической пространственной организации. Для Сезанна натюрморт был основным средством отхода живописи от иллюстративной или миметической функции к функции, демонстрирующей независимо элементы цвета, формы и линии, что стало важным шагом к абстрактному искусству . Кроме того, эксперименты Сезанна можно рассматривать как непосредственно ведущие к развитию кубистского натюрморта в начале 20 века. [66]
Адаптировав смещение плоскостей и осей Сезанна, кубисты подчинили цветовую палитру фовистов и вместо этого сосредоточились на деконструкции объектов в чистые геометрические формы и плоскости. Между 1910 и 1920 годами художники-кубисты, такие как Пабло Пикассо , Жорж Брак и Хуан Грис , написали множество композиций натюрмортов, часто включающих музыкальные инструменты, выведя натюрморт на передний план художественных инноваций, почти впервые. Натюрморт также был предметом первых коллажных работ синтетического кубизма, таких как овальный «Натюрморт с плетеным стулом» Пикассо (1912). В этих работах объекты натюрморта перекрываются и смешиваются, едва сохраняя идентифицируемые двухмерные формы, теряя индивидуальную текстуру поверхности и сливаясь с фоном, достигая целей, почти противоположных целям традиционного натюрморта. [67] Натюрморты Фернана Леже ввели использование обильного белого пространства и цветных, резко очерченных, перекрывающихся геометрических форм для создания более механистического эффекта. [68]
Отвергнув уплощение пространства кубистами, Марсель Дюшан и другие члены движения дадаистов пошли в радикально ином направлении, создав 3-D «готовые» скульптуры натюрмортов. В рамках восстановления некоторого символического значения натюрморта футуристы и сюрреалисты помещали узнаваемые предметы натюрморта в свои фантастические пейзажи. В натюрмортах Жоана Миро предметы кажутся невесомыми и парят в слегка предполагаемом двухмерном пространстве, и даже горы нарисованы простыми линиями. [66] В Италии в это время Джорджо Моранди был выдающимся художником натюрморта, исследуя широкий спектр подходов к изображению повседневных бутылок и кухонных принадлежностей. [69] Голландский художник М. К. Эшер , наиболее известный своей подробной, но неоднозначной графикой, создал «Натюрморт и улицу» (1937), свою обновленную версию традиционного голландского настольного натюрморта. [70] В Англии Элиот Ходжкин использовал темперу для своих очень подробных натюрмортов. [ необходима цитата ]
Когда американские художники 20-го века узнали о европейском модернизме , они начали интерпретировать натюрморты, сочетая американский реализм и абстракцию, происходящую от кубизма. Типичными для американских натюрмортов этого периода являются картины Джорджии О'Киф , Стюарта Дэвиса и Марсдена Хартли , а также фотографии Эдварда Уэстона . Сверхкрупные планы цветочных картин О'Киф раскрывают как физическую структуру, так и эмоциональный подтекст лепестков и листьев беспрецедентным образом. [ требуется цитата ]
В Мексике, начиная с 1930-х годов, Фрида Кало и другие художники создали свой собственный стиль сюрреализма, изображая в своих натюрмортах блюда местной кухни и культурные мотивы. [71]
Начиная с 1930-х годов абстрактный экспрессионизм резко свел натюрморт к сырым изображениям формы и цвета, пока к 1950-м годам в мире искусства не доминировала полная абстракция. Однако поп-арт в 1960-х и 1970-х годах изменил тенденцию и создал новую форму натюрморта. Большая часть поп-арта (например, «Банки супа Campbell's» Энди Уорхола ) основана на натюрморте, но его истинным предметом чаще всего является товаризированный образ представленного коммерческого продукта, а не сам физический объект натюрморта. « Натюрморт с аквариумом для золотых рыбок» Роя Лихтенштейна ( 1972) сочетает в себе чистые цвета Матисса с поп-иконографией Уорхола. « Обеденный стол » Уэйна Тибо ( 1964) изображает не обед одной семьи, а конвейер стандартизированных американских блюд. [72]
Движение неодадаистов, включая Джаспера Джонса , вернулось к трехмерному изображению Дюшаном повседневных предметов домашнего обихода, чтобы создать свой собственный стиль натюрмортов, как в работах Джонса « Раскрашенная бронза» (1960) и «Дом дураков» (1962). [73] Авигдор Ариха , начинавший как абстракционист , интегрировал уроки Пита Мондриана в свои натюрморты, как и в другие свои работы; воссоединяясь с традициями старых мастеров, он достиг модернистского формализма , работая за один сеанс и при естественном освещении, благодаря которому предмет часто проявлялся в неожиданной перспективе. [ необходима ссылка ]
Значительный вклад в развитие натюрморта в XX веке внесли русские художники, среди которых Сергей Очипов , Виктор Тетерин , Евгения Антипова , Геворк Котьянц , Сергей Захаров , Таисия Афонина , Майя Копыцева и другие. [74]
Напротив, подъем фотореализма в 1970-х годах восстановил иллюзионистское представление, сохранив при этом часть послания Попа о слиянии объекта, изображения и коммерческого продукта. Типичными в этом отношении являются картины Дона Эдди и Ральфа Гоингса . [ необходима цитата ]
В течение 20-го и 21-го веков понятие натюрморта было расширено за пределы традиционных двухмерных форм искусства живописи в видеоарт и трехмерные формы искусства, такие как скульптура, перформанс и инсталляция. Некоторые смешанные работы натюрморта используют найденные объекты, фотографию, видео и звук, и даже выливаются от потолка до пола и заполняют целую комнату в галерее. С помощью видео художники натюрморта включили зрителя в свою работу. Следуя за компьютерным веком с компьютерным искусством и цифровым искусством , понятие натюрморта также включало цифровые технологии. Компьютерная графика потенциально расширила методы, доступные художникам натюрморта. 3D компьютерная графика и 2D компьютерная графика с 3D фотореалистичными эффектами используются для создания синтетических изображений натюрморта. Например, программное обеспечение для графического искусства включает фильтры, которые можно применять к 2D векторной графике или 2D растровой графике на прозрачных слоях. Художники копировали или визуализировали 3D эффекты, чтобы вручную визуализировать фотореалистичные эффекты без использования фильтров. [ необходима цитата ]
Медиа, связанные с натюрмортами на Wikimedia Commons
_-_Still_Life_with_Bowl_of_Citrons_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Giovanna_Garzoni_(Italian)_-_Still_Life_with_Bowl_of_Citrons_-_Google_Art_Project.jpg)
_Prunkstillleben.jpg/1280px-Carlo_Manieri_(attr)_Prunkstillleben.jpg)
_-_Edouard_Manet_(Mus%C3%A9e_d'Orsay,_Paris).jpg/1280px-Oeillets_et_cl%C3%A9matite_dans_un_vase_de_cristal_(ca.1882)_-_Edouard_Manet_(Mus%C3%A9e_d'Orsay,_Paris).jpg)
.jpg/1280px-Matisse_-_Dishes_and_Fruit_(1901).jpg)
