Поп-арт — это художественное движение , возникшее в Соединенном Королевстве и Соединенных Штатах в середине-конце 1950-х годов . [1] [2] Движение бросило вызов традициям изящного искусства , включив в себя образы из популярной и массовой культуры , такие как реклама , комиксы и обыденные предметы массового производства. Одна из его целей — использовать образы популярной культуры в искусстве, подчеркивая банальные или безвкусные элементы любой культуры, чаще всего с помощью иронии . [3] Оно также связано с использованием художниками механических средств воспроизведения или методов визуализации. В поп-арте материал иногда визуально удаляется из его известного контекста, изолируется или комбинируется с несвязанным материалом. [2] [3]
Среди ранних художников, сформировавших движение поп-арта, были Эдуардо Паолоцци и Ричард Гамильтон в Великобритании , а также Ларри Риверс , Рэй Джонсон , Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс среди других в Соединенных Штатах . Поп-арт широко интерпретируется как реакция на господствовавшие в то время идеи абстрактного экспрессионизма , а также как расширение этих идей. [4] Благодаря использованию найденных объектов и изображений он похож на дадаизм . Поп-арт и минимализм считаются художественными движениями, которые предшествуют постмодернистскому искусству , или сами являются одними из самых ранних примеров постмодернистского искусства. [5]
Поп-арт часто берет образы, которые в настоящее время используются в рекламе. Маркировка продуктов и логотипы занимают видное место в образах, выбранных поп-художниками, например, на этикетках банок супа Campbell's работы Энди Уорхола . Даже этикетка на внешней стороне транспортной коробки, содержащей продукты питания для розничной торговли, использовалась в качестве предмета в поп-арте, как это продемонстрировано в работе Уорхола « Коробка томатного сока Campbell's» , 1964 (на фото).
Истоки поп-арта в Северной Америке развивались иначе, чем в Великобритании. [3] В Соединенных Штатах поп-арт был ответом художников; он ознаменовал возвращение к жесткой композиции и изобразительному искусству . Они использовали безличную, обыденную реальность, иронию и пародию , чтобы «разрядить» личный символизм и « живописную распущенность» абстрактного экспрессионизма . [4] [6] В США некоторые работы Ларри Риверса , Алекса Каца и Ман Рэя предвосхитили поп-арт. [7]
Напротив, истоки поп-арта в послевоенной Британии, хотя и использовали иронию и пародию, были более академичными. Британия сосредоточилась на динамичных и парадоксальных образах американской поп-культуры как на мощных, манипулятивных символических приемах, которые влияли на целые модели жизни, одновременно улучшая благосостояние общества. [6] Ранний поп-арт в Британии был вопросом идей, подпитываемых американской популярной культурой , если смотреть издалека . [4] Аналогично поп-арт был как расширением, так и отречением от дадаизма . [4] В то время как поп-арт и дадаизм исследовали некоторые из тех же самых тем, поп-арт заменил деструктивные, сатирические и анархические импульсы движения дадаизма отстраненным утверждением артефактов массовой культуры. [4] Среди тех художников в Европе, которые, как считается, создали работы, ведущие к поп-арту, можно назвать: Пабло Пикассо , Марсель Дюшан и Курт Швиттерс .
Хотя и британский, и американский поп-арт зародился в 1950-х годах, Марсель Дюшан и другие европейцы, такие как Франсис Пикабиа и Ман Рэй, появились раньше этого движения; кроме того, существовали некоторые более ранние американские протопоп- источники, которые использовали «найденные» культурные объекты. [4] В 1920-х годах американские художники Патрик Генри Брюс , Джеральд Мерфи , Чарльз Демут и Стюарт Дэвис создавали картины, которые содержали образы поп-культуры (обыденные объекты, взятые из американских коммерческих продуктов и рекламного дизайна), что почти «предвосхищало» движение поп-арта. [8] [9]
Independent Group (IG), основанная в Лондоне в 1952 году, считается предшественником движения поп-арта. [2] [10] Они представляли собой собрание молодых художников, скульпторов, архитекторов, писателей и критиков, которые бросали вызов преобладающим модернистским подходам к культуре, а также традиционным взглядам на изобразительное искусство. Их групповые дискуссии были сосредоточены на влиянии на поп-культуру таких элементов, как массовая реклама, фильмы, дизайн продукта, комиксы, научная фантастика и технологии. На первом заседании Independent Group в 1952 году один из основателей, художник и скульптор Эдуардо Паолоцци выступил с лекцией, используя серию коллажей под названием Bunk!, которые он собрал во время своего пребывания в Париже между 1947 и 1949 годами. [2] [10] Этот материал из «найденных объектов», таких как реклама, персонажи комиксов, обложки журналов и различная массовая графика, в основном представлял американскую популярную культуру. Одним из коллажей в этой презентации был коллаж Паолоцци «Я был игрушкой богатого человека » (1947), в котором впервые было использовано слово «поп», появившееся в облаке дыма, вырывающегося из револьвера. [2] [11] После основополагающей презентации Паолоцци в 1952 году IG сосредоточился в первую очередь на образах американской популярной культуры, в частности, на массовой рекламе. [6]
По словам сына Джона Макхейла , термин «поп-арт» был впервые придуман его отцом в 1954 году в разговоре с Фрэнком Корделлом [12] , хотя другие источники приписывают его происхождение британскому критику Лоуренсу Эллоуэю [13] [14] (Обе версии сходятся во мнении, что термин использовался в дискуссиях Независимой группы к середине 1955 года.)
Термин «поп-арт» впоследствии использовался в дискуссиях членов IG на Второй сессии IG в 1955 году, а конкретный термин «поп-арт» впервые появился в печатном издании в статье «But Today We Collect Ads» членов IG Элисон и Питера Смитсон в журнале Ark в 1956 году. [15] Однако этот термин часто приписывают британскому критику и куратору искусства Лоуренсу Аллоуэю за его эссе 1958 года под названием «Искусство и средства массовой информации» , хотя точный язык, который он использует, — «популярная массовая культура». [16] «Более того, то, что я подразумевал под этим тогда, не то, что оно означает сейчас. Я использовал этот термин, а также «Поп-культуру» для обозначения продуктов средств массовой информации, а не произведений искусства, которые черпают вдохновение из популярной культуры. В любом случае, где-то между зимой 1954–55 и 1957 годами эта фраза приобрела хождение в разговоре...» [17] Тем не менее, Аллоуэй был одним из ведущих критиков, защищавших включение образов массовой культуры в изобразительное искусство. Аллоуэй разъяснил эти термины в 1966 году, когда поп-арт уже перешел от художественных школ и небольших галерей к главной силе в мире искусства. Но его успех не был в Англии. Практически одновременно и независимо, Нью-Йорк стал рассадником поп-арта. [17]
В Лондоне ежегодная выставка молодых талантов Королевского общества британских художников (RBA) в 1960 году впервые продемонстрировала влияние американской поп-музыки. В январе 1961 года самая известная выставка RBA -Young Contemporaries из всех вывела на новый уровень Дэвида Хокни , американца Р. Б. Китая , новозеландца Билли Эппла , Аллена Джонса , Дерека Бошира , Джо Тилсона , Патрика Колфилда , Питера Филлипса , Полин Боти и Питера Блейка ; Эппл разработала плакаты и приглашения для выставок Young Contemporaries 1961 и 1962 годов. [18] Хокни, Китай и Блейк в том же году выиграли призы на выставке Джона Мурса в Ливерпуле. Эппл и Хокни вместе отправились в Нью-Йорк во время летних каникул в Королевском колледже в 1961 году, и именно тогда Эппл впервые познакомилась с Энди Уорхолом — позже оба переехали в Соединенные Штаты, и Эппл вовлеклась в нью-йоркскую поп-арт-сцену. [18]
Хотя поп-арт зародился в начале 1950-х годов, в Америке он получил наибольший импульс в 1960-х годах. Термин «поп-арт» был официально введен в декабре 1962 года; поводом стал «Симпозиум по поп-арту», организованный Музеем современного искусства . [19] К этому времени американская реклама переняла многие элементы современного искусства и функционировала на очень сложном уровне. Следовательно, американским художникам пришлось искать более глубокие драматические стили, которые бы дистанцировали искусство от хорошо продуманных и умных коммерческих материалов. [6] Поскольку британцы рассматривали образы американской популярной культуры с несколько отстраненной точки зрения, их взгляды часто были наполнены романтическими, сентиментальными и юмористическими оттенками. Напротив, американские художники, ежедневно бомбардируемые разнообразием изображений массового производства, создавали работы, которые были в целом более смелыми и агрессивными. [10]
По словам историка, куратора и критика Генри Гельдзалера , « коллажи Рэя Джонсона Элвис Пресли № 1 и Джеймс Дин являются Плимутским роком поп-движения». [20] Автор Люси Липпард писала, что «Элвис ... и Мэрилин Монро [коллажи] ... возвестили о попе Уорхола». [21] Джонсон работал графическим дизайнером, познакомился с Энди Уорхолом к 1956 году и оба разработали несколько обложек книг для New Directions и других издательств. Джонсон начал рассылать причудливые листовки, рекламирующие его дизайнерские услуги, напечатанные методом офсетной литографии. Позже он стал известен как отец мейл-арта как основатель своей «Нью-Йоркской школы корреспонденции», работая понемногу, запихивая вырезки и рисунки в конверты, а не работая побольше, как его современники. [22] В заметке об изображении на обложке в журнале Art News за январь 1958 года отмечалось, что «первая персональная выставка [Джаспера] Джонса... ставит его в один ряд с такими известными коллегами, как Раушенберг, Твомбли, Капроу и Рэй Джонсон». [23]
Действительно, двумя другими важными художниками в создании американского словаря поп-арта были художники Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг . [10] Раушенберг, который, как и Рэй Джонсон, учился в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине после Второй мировой войны , находился под влиянием ранних работ Курта Швиттерса и других художников- дадаистов , и его убеждение в том, что «живопись связана как с искусством, так и с жизнью», бросило вызов доминирующей модернистской точке зрения его времени. [24] Его использование выброшенных готовых объектов (в его Combines ) и образов поп-культуры (в его картинах, выполненных методом шелкографии) связывало его работы с актуальными событиями повседневной Америки. [10] [25] [26] Картины, выполненные методом шелкографии 1962–64 годов, сочетали экспрессивную работу кистью с вырезками из журналов, выполненными методом шелкографии, из Life , Newsweek и National Geographic . Картины Джонса с флагами, целями, цифрами и картами США, а также трехмерные изображения банок с элем привлекли внимание к вопросам репрезентации в искусстве. [27] Работы Джонса и Раушенберга 1950-х годов часто называют неодадаизмом , и они визуально отличаются от прототипичного американского поп-арта, который процветал в начале 1960-х годов. [28] [29]
Рой Лихтенштейн имеет такое же значение для американского поп-арта. Его работа и ее пародийность , вероятно, определяют основную предпосылку поп-арта лучше, чем любая другая. [10] Выбрав старомодный комикс в качестве предмета, Лихтенштейн создает жесткую, точную композицию, которая документирует, а также пародирует в мягкой манере. Лихтенштейн использовал масло и краску Magna в своих самых известных работах, таких как «Утопающая девушка» (1963), которая была заимствована из основной истории в DC Comics « Secret Hearts #83. ( Утопающая девушка является частью коллекции Музея современного искусства .) [30] Его работы характеризуются толстыми контурами, смелыми цветами и точками Бен-Дэя для представления определенных цветов, как будто созданными с помощью фотографической репродукции. Лихтенштейн сказал: «[абстрактные экспрессионисты] помещали вещи на холст и реагировали на то, что они сделали, на расположение цветов и размеры. Мой стиль выглядит совершенно иначе, но природа нанесения линий во многом та же самая; мои просто не выглядят каллиграфическими, как у Поллока или Клайна». [31] Поп-арт объединяет популярную и массовую культуру с изящным искусством, привнося в эту смесь юмор, иронию и узнаваемые образы/содержание.
Картины Лихтенштейна, как и работы Энди Уорхола, Тома Вессельмана и других, имеют прямую связь с обыденным образом американской популярной культуры, но также рассматривают тему в безличной манере, что наглядно иллюстрирует идеализацию массового производства. [10]
Энди Уорхол, вероятно, самая известная фигура в поп-арте. Фактически, художественный критик Артур Данто однажды назвал Уорхола «ближайшим к философскому гению, которого породила история искусства». [19] Уорхол пытался вывести поп-арт за рамки художественного стиля и превратить его в стиль жизни, и его работы часто демонстрируют отсутствие человеческой аффектации, что обходится без иронии и пародии многих его коллег. [32] [33]
Клас Олденбург , Джим Дайн и Том Вессельман провели свои первые выставки в галерее Джадсон в 1959 и 1960 годах, а затем в 1960—1964 годах вместе с Джеймсом Розенквистом , Джорджем Сигалом и другими в галерее Грин на 57-й улице в Манхэттене. В 1960 году Марта Джексон показала инсталляции и ассамбляжи , в New Media – New Forms были представлены Ганс Арп , Курт Швиттерс , Джаспер Джонс , Клас Олденбург, Роберт Раушенберг , Джим Дайн и Мэй Уилсон . 1961 год был годом весенней выставки Марты Джексон Environments, Situations, Spaces . [34] [35] Энди Уорхол провел свою первую персональную выставку в Лос-Анджелесе в июле 1962 года в галерее Ferus Ирвинга Блюма , где он показал 32 картины консервных банок супа Campell, по одной на каждый вкус. Уорхол продал набор картин Блюму за 1000 долларов; в 1996 году, когда его приобрел Музей современного искусства, набор был оценен в 15 миллионов долларов. [19]
Дональд Фактор, сын Макса Фактора-младшего , коллекционер произведений искусства и соредактор авангардного литературного журнала Nomad , написал эссе в последнем выпуске журнала Nomad/New York . Эссе было одним из первых о том, что впоследствии стало известно как поп-арт, хотя Фактор не использовал этот термин. Эссе «Четыре художника» было посвящено Рою Лихтенштейну, Джеймсу Розенквисту , Джиму Дайну и Класу Олденбургу. [36]
В 1960-х годах Ольденбург, который стал ассоциироваться с движением поп-арта, создал много хэппенингов , которые были перформансами того времени. Название, которое он дал своим собственным постановкам, было «Театр Ray Gun». В актерский состав его коллег в спектаклях входили: художники Лукас Самарас , Том Вессельман , Кэроли Шнееман , Ойвинд Фальстрём и Ричард Артшвагер ; дилер Аннина Носей; художественный критик Барбара Роуз ; и сценарист Руди Вурлитцер . [37] Его первая жена, Патти Муха, которая сшила многие из его ранних мягких скульптур, была постоянным исполнителем в его хэппенингах. Этот дерзкий, часто юмористический подход к искусству сильно расходился с преобладающей чувствительностью, что по своей природе искусство имеет дело с «глубокими» выражениями или идеями. В декабре 1961 года он арендовал магазин в Нижнем Ист-Сайде на Манхэттене для размещения «Магазина» — месячной инсталляции, которую он впервые представил в галерее Марты Джексон в Нью-Йорке и которая была заполнена скульптурами, по форме напоминающими потребительские товары. [37]
Открывшись в 1962 году, нью-йоркский арт-дилер Виллема де Кунинга , галерея Сидни Джениса , организовала новаторскую Международную выставку новых реалистов , обзор нового американского, французского, швейцарского, итальянского нового реализма и британского поп-арта. Среди представленных пятидесяти четырех художников были Ричард Линднер , Уэйн Тибо , Рой Лихтенштейн (и его картина Blam ), Энди Уорхол, Клас Олденбург, Джеймс Розенквист , Джим Дайн, Роберт Индиана , Том Вессельман , Джордж Сигал , Питер Филлипс, Питер Блейк ( Стена любви 1961 года), Ойвинд Фальстрём , Ив Кляйн , Арман , Даниэль Споэрри , Христо и Миммо Ротеллы . Выставку увидели европейцы Марсьяль Рэйсс , Ники де Сен-Фалль и Жан Тэнгли в Нью-Йорке, которые были ошеломлены размером и видом американского искусства. Также были представлены Марисоль , Марио Шифано , Энрико Бай и Ойвинд Фальстрём . Янис потерял некоторых своих художников-абстрактных экспрессионистов, когда Марк Ротко , Роберт Мазервелл , Адольф Готлиб и Филипп Гастон покинули галерею, но приобрел Дайна, Ольденбурга, Сигала и Вессельмана. [38] На вечере открытия, устроенном коллекционером Бертоном Тремейном, появился Виллем де Кунинг, но был отвергнут Тремейном, который по иронии судьбы владел несколькими работами де Кунинга. Розенквист вспоминал: «В тот момент я подумал, что в мире искусства что-то определенно изменилось». [19] Отказ уважаемому художнику-абстракционисту доказал, что еще в 1962 году движение поп-арт начало доминировать в художественной культуре Нью-Йорка.
Чуть раньше, на Западном побережье , Рой Лихтенштейн, Джим Дайн и Энди Уорхол из Нью-Йорка; Филлип Хеффертон и Роберт Дауд из Детройта; Эдвард Руша и Джо Гуд из Оклахома-Сити; и Уэйн Тибо из Калифорнии были включены в выставку «Новая живопись обычных предметов» . Эту первую музейную выставку поп-арта в Америке курировал Уолтер Хоппс в Художественном музее Пасадены . [39] Поп-арт был готов изменить мир искусства. Нью-Йорк последовал за Пасаденой в 1963 году, когда Музей Гуггенхайма выставил «Шесть художников и предмет» , куратором которой был Лоуренс Аллоуэй . Художниками были Джим Дайн, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн, Роберт Раушенберг, Джеймс Розенквист и Энди Уорхол. [40] Еще одной важной ранней выставкой был Американский супермаркет , организованный галереей Бьянкини в 1964 году. Выставка была представлена как типичная среда небольшого супермаркета, за исключением того, что все в ней — продукты, консервы, мясо, плакаты на стене и т. д. — было создано выдающимися поп-художниками того времени, включая Apple, Уорхола, Лихтенштейна, Вессельмана, Ольденбурга и Джонса. Этот проект был воссоздан в 2002 году как часть выставки галереи Тейт «Шопинг: век искусства и потребительской культуры» . [41]
К 1962 году поп-художники начали выставляться в коммерческих галереях Нью-Йорка и Лос-Анджелеса; для некоторых это была их первая коммерческая персональная выставка. Галерея Ferus представила Энди Уорхола в Лос-Анджелесе (и Эда Руша в 1963 году). В Нью-Йорке галерея Green Gallery показала Розенквиста, Сигала, Ольденбурга и Вессельмана. Галерея Stable Gallery показала Р. Индиану и Уорхола (на его первой выставке в Нью-Йорке). Галерея Leo Castelli представила Раушенберга, Джонса и Лихтенштейна. Марта Джексон показала Джима Дайна, а Аллен Стоун — Уэйна Тибо. К 1966 году, после закрытия галерей Green Gallery и Ferus Gallery, галерея Leo Castelli представляла Розенквиста, Уорхола, Раушенберга, Джонса, Лихтенштейна и Руша. Галерея Sidney Janis представляла Ольденбурга, Сигала, Дайна, Вессельмана и Марисоль, в то время как Аллен Стоун продолжал представлять Тибо, а Марта Джексон — Роберта Индиану. [42]
В 1968 году выставка São Paulo 9 Exhibition – Environment USA: 1957–1967 представила «Кто есть кто» поп-арта. Рассматриваемая как подведение итогов классической фазы американского периода поп-арта, экспозиция была курирована Уильямом Сейтцем. Художниками были Эдвард Хоппер , Джеймс Гилл , Роберт Индиана , Джаспер Джонс , Рой Лихтенштейн , Клас Олденбург , Роберт Раушенберг , Энди Уорхол и Том Вессельман . [43]
Nouveau réalisme относится к художественному движению, основанному в 1960 году художественным критиком Пьером Рестани [44] и художником Ивом Кляйном во время первой коллективной экспозиции в галерее Apollinaire в Милане. Пьер Рестани написал оригинальный манифест для группы под названием «Учредительная декларация нового реализма» в апреле 1960 года, провозгласив: «Nouveau réalisme — новые способы восприятия реальности». [45] Эта совместная декларация была подписана 27 октября 1960 года в мастерской Ива Кляйна девятью людьми: Ивом Кляйном, Арманом , Марсьялем Рэйссом , Пьером Рестани,Даниэлем Споэрри , Жаном Тэнгли и ультралеттристами Франсуа Дюфреном , Раймоном Хайнсом , Жаком де ла Виллегле ;в 1961 году к ним присоединились Сезар , Миммо Ротелла , затем Ники де Сен-Фалль и Жерар Дешам . Художник Христо выступал с группой. Она была распущена в 1970 году. [45]
Современный американский поп-арт — часто понимаемый как его транспонирование во Франции — новый реализм был наряду с Fluxus и другими группами одним из многочисленных направлений авангарда в 1960-х годах. Первоначально группа выбрала Ниццу на Французской Ривьере в качестве своей домашней базы, поскольку Кляйн и Арман оба родились там; таким образом, историки часто ретроспективно считают новый реализм ранним представителем движения École de Nice . [46] Несмотря на разнообразие их пластического языка, они видели общую основу для своей работы; это был метод прямого присвоения реальности, эквивалентный, в терминах, используемых Рестани, «поэтической переработке городской, промышленной и рекламной реальности». [47]
В Испании изучение поп-арта ассоциируется с «новым фигуративом», который возник из корней кризиса неформальности . Эдуардо Арройо можно было бы назвать входящим в тренд поп-арта из-за его интереса к окружающей среде, его критики нашей медиакультуры, которая включает в себя иконы как массовых медиакоммуникаций , так и истории живописи, и его презрения почти ко всем устоявшимся художественным стилям. Однако испанский художник, которого можно считать наиболее подлинно частью «поп»-арта, — это Альфредо Алькаин из-за использования им популярных образов и пустых пространств в своих композициях. [ необходима цитата ]
Также в категорию испанского поп-арта входит «Команда Хроники» ( El Equipo Crónica ), существовавшая в Валенсии с 1964 по 1981 год, образованная художниками Маноло Вальдесом и Рафаэлем Сольбесом. Их движение можно охарактеризовать как «поп» из-за использования комиксов и рекламных изображений, а также упрощения изображений и фотографических композиций. Кинорежиссер Педро Альмодовар вышел из мадридской субкультуры «La Movida» 1970-х годов, снимая малобюджетные поп-арт фильмы в формате Super 8 , и впоследствии СМИ того времени называли его испанским Энди Уорхолом. В книге «Альмодовар об Альмодоваре » он цитируется, говоря, что фильм 1950-х годов «Забавная мордашка» был центральным источником вдохновения для его творчества. Одним из отличительных признаков поп-арта в фильмах Альмодовара является то, что он всегда создает фальшивую рекламу, которая вставляется в сцену. [ требуется ссылка ]
.jpg/1280px-Pisupo_lua_afe_(Corned_beef_2000).jpg)
В Новой Зеландии поп-арт преимущественно процветал с 1990-х годов и часто связывается с кивианой . Кивиана — это идеализированное представление классических символов киви , таких как мясные пироги , киви , тракторы , джандалы , супермаркеты Four Square ; присущая этому манерность часто ниспровергается, чтобы обозначить культурные сообщения. [48] Дик Фриззелл — известный новозеландский поп-художник, известный тем, что использует старые символы кивианы способами, которые пародируют современную культуру. Например, Фриззелл любит подражать работам иностранных художников, придавая их работам уникальный новозеландский взгляд или влияние. Это делается для того, чтобы показать исторически сдержанное влияние Новой Зеландии на мир; таким образом наивное искусство связано с аотеароанским поп-артом. [49]
Это также может быть сделано в грубой и невозмутимой манере, как в знаменитой работе Мишеля Таффри Pisupo Lua Afe (Солонина 2000) . Таффри, имеющий самоанское происхождение, создал работу, которая представляет быка, из консервных банок из-под обработанных продуктов, известных как pisupo . Это уникальное произведение западного поп-арта, потому что Таффри включает темы неоколониализма и расизма по отношению к не-западным культурам (что обозначено консервными банками, из которых сделана работа, которые представляют экономическую зависимость, навязанную самоанцам Западом). Неоспоримая коренная точка зрения выделяет ее на фоне более распространенных некоренных произведений поп-арта. [50] [51]
Одним из самых ранних и известных поп-артистов Новой Зеландии является Билли Эппл , один из немногих небританских членов Королевского общества британских художников . Представленный среди таких, как Дэвид Хокни , американец Р. Б. Китай и Питер Блейк на выставке RBA Young Contemporaries в январе 1961 года , Эппл быстро стал культовым международным художником 1960-х годов. Это было до того, как он придумал себе псевдоним «Билли Эппл», и его работы выставлялись под его именем при рождении Барри Бейтс. Он стремился выделиться как внешним видом, так и именем, поэтому обесцвечивал волосы и брови с помощью Lady Clairol Instant Creme Whip. Позже Эппл был связан с движением концептуального искусства 1970-х годов . [52]
В Японии поп-арт развился из выдающейся авангардной сцены страны . Использование образов современного мира, скопированных из журналов, в картинах в стиле фотомонтажа, созданных Харуэ Кога в конце 1920-х и начале 1930-х годов, предвещало элементы поп-арта. [53] Японское движение Гутай привело к выставке Гутай 1958 года в нью-йоркской галерее Марты Джексон, которая на два года опередила ее знаменитую выставку New Forms New Media, которая вывела поп-арт на новый уровень. [54] Работы Яёи Кусамы внесли вклад в развитие поп-арта и оказали влияние на многих других художников, включая Энди Уорхола. [55] [56] В середине 1960-х годов графический дизайнер Таданори Ёкоо стал одним из самых успешных поп-художников и международным символом японского поп-арта. Он хорошо известен своей рекламой и созданием произведений искусства для икон поп-культуры, таких как заказы от The Beatles , Мэрилин Монро и Элизабет Тейлор , среди прочих. [57] Другим ведущим поп-артистом того времени был Кейити Танаами . Знаковые персонажи японской манги и аниме также стали символами поп-арта, например, Спиди Гонщик и Астробой . Японская манга и аниме также оказали влияние на более поздних поп-артистов, таких как Такаси Мураками и его движение суперплоских художников.
В Италии к 1964 году поп-арт был известен и принимал различные формы, такие как «Скуола ди Пьяцца дель Пополо» в Риме с такими поп-артистами, как Марио Скифано , Франко Анджели , Джозетта Фиорони, Тано Феста, Клаудио Чинтоли и некоторыми произведениями искусства. Пьеро Мандзони , Лучио Дель Пеццо , Миммо Ротелла и Валерио Адами .
Итальянский поп-арт зародился в культуре 1950-х годов — работы художников Энрико Баха и Миммо Ротеллы , если быть точным, справедливо считаются предшественниками этой сцены. Фактически, примерно в 1958–1959 годах Бах и Ротелла отказались от своих предыдущих карьер (которые можно было бы в общем определить как принадлежащие к нерепрезентативному жанру , несмотря на то, что они были полностью постдадаистскими), чтобы катапультироваться в новый мир образов и размышлений о них, которые возникали вокруг них. Разорванные плакаты Ротеллы демонстрировали все более образный вкус, часто явно и намеренно отсылая к великим иконам того времени. Композиции Баха были пропитаны современным китчем , который оказался «золотой жилой» образов и стимулом для целого поколения художников.
Новизна пришла из новой визуальной панорамы, как внутри «домашних стен», так и на открытом воздухе. Автомобили, дорожные знаки, телевидение, весь «новый мир», все может принадлежать миру искусства, который сам по себе является новым. В этом отношении итальянский поп-арт следует тем же идеологическим путем, что и международная сцена. Единственное, что меняется, — это иконография и, в некоторых случаях, наличие более критического отношения к ней. Даже в этом случае прототипы можно проследить до работ Ротеллы и Баджа, которые оба были далеки от нейтральности в своих отношениях с обществом. Однако это не исключительный элемент; Существует длинный ряд художников, среди которых Джанни Руффи, Роберто Барни , Сильвио Пазотти, Умберто Бигнарди и Клаудио Чинтоли, которые воспринимают реальность как игрушку, как огромный источник образов, из которого можно черпать материал с разочарованием и легкомыслием, подвергая сомнению традиционные лингвистические ролевые модели с обновленным духом «дайте мне повеселиться» а-ля Альдо Палаццески . [58]
В Бельгии поп-арт в некоторой степени представлял Пол Ван Хейдонк, чья скульптура «Падший астронавт» была оставлена на Луне во время одной из миссий «Аполлон» , а также другие известные поп-художники. Такие всемирно признанные художники, как Марсель Бродтарс ( 'vous êtes doll? " ), Эвелин Аксель и Панамаренко, обязаны поп-арт-движению; большое влияние на Бродтарса оказал Джордж Сигал . Другой известный художник, Роджер Равиль , установил птичью клетку с настоящим живым голубем в одной из своих картин. К концу 1960-х и началу 1970-х годов отсылки к поп-арту исчезли из работ некоторых из этих художников, когда они начали занимать более критическое отношение к Америке из-за все более ужасающего характера войны во Вьетнаме . Однако Панамаренко сохранил иронию, присущую поп-арт-движению, вплоть до наших дней. Эвелин Аксель из Намюра была плодовитой поп-художницей в период 1964–1972 годов. Аксель была одной из первых женщин-художниц поп-арта, ее наставником был Магритт , а ее самая известная картина — «Мороженое» . [59]
Хотя в Нидерландах не было формального движения поп-арта , была группа художников, которые проводили время в Нью-Йорке в ранние годы поп-арта и черпали вдохновение в международном движении поп-арта. Представители голландского поп-арта включают Даана ван Голдена , Гюстава Ассельбергса, Жака Френкена, Яна Кремера , Вима Т. Шипперса и Вуди ван Амена . Они выступали против голландского мелкобуржуазного менталитета, создавая юмористические работы с серьезным подтекстом. Примерами такого рода являются Sex O'Clock Вуди ван Амена и Crucifix / Target Жака Френкена. [60]
Россия немного опоздала, чтобы стать частью движения поп-арта, и некоторые из произведений искусства, напоминающих поп-арт, появились только в начале 1970-х годов, когда Россия была коммунистической страной, и смелые художественные заявления тщательно отслеживались. Собственная версия поп-арта в России была посвящена советской тематике и называлась соц-артом . После 1991 года Коммунистическая партия утратила свою власть, а вместе с ней и свободу самовыражения. Поп-арт в России принял другую форму, воплощенную Дмитрием Врубелем в его картине под названием « Боже мой, помоги мне пережить эту смертельную любовь» в 1990 году. Можно утверждать, что советские плакаты, созданные в 1950-х годах для пропаганды богатства нации, сами по себе были формой поп-арта. [61]
Раушенберг, 37 лет, вспоминает учителя рисования, который «научил меня думать: «Почему бы и нет?» Поскольку Раушенберг считается пионером поп-арта, вероятно, именно здесь движение пошло по своему особому пути. Почему бы не сделать искусство из старых газет, кусков одежды, бутылок из-под колы, книг, коньков, часов?
