_2.jpg/1280px-Albrecht_D%C3%BCrer_-_Adam_and_Eve_(Prado)_2.jpg)
.jpg/1280px-Tiziano_-_Amor_Sacro_y_Amor_Profano_(Galer%C3%ADa_Borghese,_Roma,_1514).jpg)
Искусство Возрождения (1350–1620 гг. н. э. [1] ) — это живопись, скульптура и декоративное искусство периода европейской истории, известного как Возрождение , которое возникло как отдельный стиль в Италии примерно в 1400 г. н. э., параллельно с произошедшими событиями. в философии , литературе , музыке , науке и технике . Искусство Возрождения взяло за основу искусство классической античности , воспринимавшееся как благороднейшая из древних традиций, но преобразовало эту традицию, впитав последние достижения в искусстве Северной Европы и применив современные научные знания. Наряду с гуманистической философией эпохи Возрождения она распространилась по всей Европе, затронув как художников, так и их покровителей развитием новых техник и новых художественных чувств. Для искусствоведов искусство Возрождения знаменует собой переход Европы от средневековья к раннему Новому времени.
Совокупность произведений искусства, включая живопись, скульптуру, архитектуру, музыку и литературу, идентифицированную как «искусство эпохи Возрождения», в основном создавалась в Европе в XIV, XV и XVI веках под совместным влиянием растущего понимания природы и возрождения классического искусства. обучение и более индивидуалистический взгляд на человека. Ученые больше не верят, что эпоха Возрождения ознаменовала резкий разрыв со средневековыми ценностями, как предполагает французское слово « ренессанс» , буквально означающее «возрождение». Во многих частях Европы искусство раннего Возрождения создавалось параллельно с искусством позднего средневековья .
Появление искусства эпохи Возрождения оказало большое влияние на развитие мужчин и женщин эпохи Возрождения в начале 15 века; они такие же, как те, которые повлияли на философию, литературу, архитектуру, теологию, науку, правительство и другие аспекты жизни общества. В следующем списке представлено краткое изложение изменений социальных и культурных условий, которые были определены как факторы, способствовавшие развитию искусства эпохи Возрождения. Каждый из них более подробно рассматривается в основных статьях, цитированных выше. Ученые эпохи Возрождения сосредоточили внимание на современной жизни и путях улучшения жизни человека. Они не обращали особого внимания на средневековую философию и религию. В этот период ученые и гуманисты, такие как Эразм, Данте и Петрарка, критиковали суеверные верования, а также подвергали их сомнению. [2] Концепция образования также расширила свой спектр и больше сосредоточилась на создании «идеального человека», который имел бы хорошее понимание искусства, музыки, поэзии и литературы и имел бы способность ценить эти аспекты жизни.
_adj.jpg/1280px-Giotto_-_Scrovegni_-_-36-_-_Lamentation_(The_Mourning_of_Christ)_adj.jpg)
В Италии конца 13 — начала 14 веков скульптура Николы Пизано и его сына Джованни Пизано , работавших в Пизе , Сиене и Пистойе , демонстрирует заметно классифицирующие тенденции, вероятно, под влиянием знакомства этих художников с древнеримскими саркофагами . Их шедеврами являются кафедры Баптистерия и Пизанского собора .
Современник Джованни Пизано, флорентийский художник Джотто разработал манеру фигуративной живописи, которая была беспрецедентно натуралистической, трехмерной, реалистичной и классицистической по сравнению с манерой его современников и учителя Чимабуэ . Джотто, величайшим произведением которого является цикл «Жизнь Христа в капелле Арены в Падуе », биограф XVI века Джорджио Вазари рассматривал его как «спасение и восстановление искусства» от «грубого, традиционного, византийского стиля», преобладающего в Италии. в 13 веке.
Хотя и у Пизано, и у Джотто были ученики и последователи, первые настоящие художники эпохи Возрождения появились во Флоренции только в 1401 году, когда был объявлен конкурс на создание набора бронзовых дверей Баптистерия Флорентийского собора , на который были приглашены семь молодых скульпторов, включая Брунеллески . , Донателло и победитель Лоренцо Гиберти . Брунеллески, наиболее известный как архитектор купола Флорентийского собора и церкви Сан-Лоренцо , создал ряд скульптурных произведений, в том числе распятие в натуральную величину в Санта-Мария-Новелла , известное своим натурализмом . Считается, что его исследования перспективы оказали влияние на художника Мазаччо . Донателло прославился как величайший скульптор Раннего Возрождения, его шедеврами являются гуманистическая и необычайно эротичная статуя Давида , одна из икон Флорентийской республики , и его великий памятник Гаттамелате , первая большая конная бронза, созданная со времен Римской империи. раз.
Современник Донателло, Мазаччо, был живописным потомком Джотто и начал Раннее Возрождение в итальянской живописи в 1425 году, продолжая тенденцию к твердости формы и натурализму лица и жестов, которую Джотто начал веком ранее. В 1425–1428 годах Мазаччо выполнил несколько панно, но наиболее известен циклом фресок, который он начал в капелле Бранкаччи вместе со старшим художником Мазолино и который оказал глубокое влияние на более поздних художников, включая Микеланджело . Разработки Мазаччо были продолжены в картинах Фра Анджелико , особенно в его фресках в монастыре Сан-Марко во Флоренции.
Обработка элементов перспективы и света в живописи вызывала особое беспокойство у флорентийских художников 15 века. Уччелло был настолько одержим попыткой добиться видимости перспективы, что, по словам Джорджо Вазари , это мешало ему спать. Его решения можно увидеть в его шедевральном наборе из трех картин « Битва при Сан-Романо» , который, как полагают, был завершен к 1460 году. Пьеро делла Франческа провел систематические и научные исследования как световой, так и линейной перспективы, результаты которых можно видел в его цикле фресок «История Истинного Креста» в Сан-Франческо, Ареццо .
В Неаполе художник Антонелло да Мессина начал использовать масляные краски для портретов и религиозных картин в дату, предшествовавшую другим итальянским художникам, возможно, около 1450 года. Он принес эту технику на север и оказал влияние на художников Венеции . Одним из самых значительных художников Северной Италии был Андреа Мантенья , который украсил интерьер комнаты « Камера дельи Спози» для своего покровителя Людовико Гонзага , поместив портреты семьи и двора в иллюзионистское архитектурное пространство.
Конец периода Раннего Возрождения в итальянском искусстве, как и его начало, отмечен особой комиссией, которая объединила художников, на этот раз в сотрудничестве, а не в соревновании. Папа Сикст IV перестроил Папскую капеллу, назвал ее Сикстинской капеллой в свою честь и поручил группе художников Сандро Боттичелли , Пьетро Перуджино , Доменико Гирландайо и Козимо Росселли украсить ее стены циклами фресок, изображающими Жизнь Христа и Жизнь Христа. Моисея. В шестнадцати больших картинах художники, хотя каждый работал в своем индивидуальном стиле, согласовали принципы формата и использовали методы освещения, линейной и атмосферной перспективы, анатомии, ракурса и характеризации, которые были доведены до высшей точки в крупные флорентийские студии Гиберти, Верроккьо, Гирландайо и Перуджино.
Среди художников Нидерландов в этот период были Ян ван Эйк , его брат Хуберт ван Эйк , Роберт Кампин , Ганс Мемлинг , Рогир ван дер Вейден и Хьюго ван дер Гус . Их живопись развивалась отчасти независимо от живописи раннего итальянского Возрождения, без влияния целенаправленного и сознательного стремления к возрождению античности.
Стиль живописи вырос непосредственно из средневековой живописи темперой , на панелях и иллюминированных рукописях , а также в других формах, таких как витражи ; Фреска была менее распространена в Северной Европе . В качестве материала использовалась масляная краска , которая долгое время использовалась для окраски кожаных церемониальных щитов и амуниции, поскольку она была гибкой и относительно прочной. Самые ранние нидерландские картины маслом тщательно и детализированы, как картины темперой. Материал позволял изображать вариации тонов и текстуры, что облегчало детальное наблюдение за природой.
Нидерландские живописцы не подходили к созданию картины через рамки линейной перспективы и правильных пропорций. Они придерживались средневекового взгляда на иерархические пропорции и религиозную символику, наслаждаясь реалистичным обращением с материальными элементами, как природными, так и искусственными. Ян ван Эйк вместе со своим братом Губертом написал «Алтарь мистического агнца» . Вероятно, Антонелло да Мессина познакомился с творчеством Ван Эйка, находясь в Неаполе или на Сицилии. В 1475 году алтарь Портинари Хуго ван дер Гуса прибыл во Флоренцию, где он оказал глубокое влияние на многих художников, в первую очередь на Доменико Гирландайо , который нарисовал алтарь, имитируя его элементы.
Очень значительным нидерландским художником конца этого периода был Иероним Босх , который использовал тип причудливых форм, которые часто использовались для украшения границ и букв в иллюминированных рукописях, сочетая растительные и животные формы с архитектурными. Вырванные из контекста освещения и населенные людьми, эти формы придают картинам Босха сюрреалистическое качество, не имеющее аналогов в творчестве любого другого художника эпохи Возрождения. Его шедевр — триптих «Сад земных наслаждений» .
Художники Франции (включая такие герцогства, как Бургундия ) часто были связаны с дворами, создавая иллюминированные рукописи и портреты для знати, а также религиозные картины и запрестольные образы. Среди наиболее известных были братья Лимбург , фламандские иллюминаторы и создатели иллюстраций рукописей Très Riches Heures du Duc de Berry . Жан Фуке , художник королевского двора, посетил Италию в 1437 году и отражает влияние флорентийских художников, таких как Паоло Уччелло. Хотя Фуке наиболее известен своими портретами, такими как портрет французского короля Карла VII , Фуке также создавал иллюминации и считается изобретателем портретной миниатюры .
В то время было несколько художников, написавших знаменитые запрестольные образы, стилистически совершенно отличающиеся как от итальянских, так и от фламандских. К ним относятся две загадочные фигуры: Ангерран Картон , которому приписывают Пьету Вильнев-ле-Авиньон , и Жан Эй , также известный как «Мастер Мулена» после его самой известной работы, Алтаря Мулена. В этих работах реализм и внимательное наблюдение за человеческой фигурой, эмоциями и освещением сочетаются со средневековой формальностью, включающей позолоченный фон.
«Универсальный гений» Леонардо да Винчи должен был еще больше усовершенствовать аспекты изобразительного искусства (освещение, линейная и атмосферная перспектива, анатомия, ракурс и характеризация), которые занимали художников Раннего Возрождения, на протяжении всей жизни изучая и тщательно записывая свои наблюдения. мира природы. Использование масляных красок в качестве основного средства массовой информации означало, что он мог изображать свет и его воздействие на пейзаж и объекты более естественно и с большим драматическим эффектом, чем когда-либо прежде, как это было продемонстрировано в «Моне Лизе» (1503–1506). Его вскрытие трупов продвинуло понимание скелетной и мышечной анатомии, как это видно из незаконченного «Святого Иеронима в пустыне» (ок. 1480 г.). Его изображение человеческих эмоций в «Тайной вечере» , завершенное в 1495–1498 годах, установило эталон религиозной живописи.
Искусство младшего современника Леонардо Микеланджело приняло совершенно иное направление. Микеланджело ни в своей живописи, ни в своей скульптуре не проявляет никакого интереса к наблюдению за каким-либо природным объектом, кроме человеческого тела. Он усовершенствовал свою технику изображения, когда ему было чуть больше двадцати, создав огромную мраморную статую Давида и группу Пьета в базилике Святого Петра в Риме. Затем он приступил к исследованию выразительных возможностей человеческой анатомии. По заказу Папы Юлия II роспись потолка Сикстинской капеллы привела к созданию высшего шедевра фигуративной композиции, который должен был оказать глубокое влияние на каждое последующее поколение европейских художников. [6] Его более поздняя работа « Страшный суд» , написанная на алтарной стене Сикстинской капеллы между 1534 и 1541 годами, демонстрирует стиль маньеризма (также называемый поздним Возрождением) с обычно удлиненными телами, который пришел на смену стилю Высокого Возрождения между 1520 и 1520 годами. 1530.
Рядом с Леонардо и Микеланджело третьим великим художником Высокого Возрождения стоял младший Рафаэль , который за короткую жизнь написал большое количество реалистичных и интересных портретов, в том числе портреты Папы Юлия II и его преемника Папы Льва X , и многочисленные изображения Мадонны и Младенца Христа, в том числе Сикстинская Мадонна . Его смерть в 1520 году в возрасте 37 лет многие историки искусства считают концом периода Высокого Возрождения, хотя некоторые отдельные художники продолжали работать в стиле Высокого Возрождения в течение многих лет после этого.
В Северной Италии Высокое Возрождение представлено прежде всего представителями венецианской школы, особенно поздними работами Джованни Беллини , особенно религиозными картинами, которые включают несколько больших алтарных образов типа, известного как « Священный разговор », на которых изображена группа святые вокруг Мадонны на троне. Его современник Джорджоне , умерший примерно в возрасте 32 лет в 1510 году, оставил небольшое количество загадочных произведений, в том числе « Бурю» , тема которой до сих пор остается предметом спекуляций. Самые ранние работы Тициана относятся к эпохе Высокого Возрождения, в том числе массивный алтарь « Успение Богородицы» , сочетающий в себе человеческое действие и драму с захватывающим цветом и атмосферой. Тициан продолжал рисовать в стиле Высокого Возрождения почти до конца своей карьеры в 1570-х годах, хотя для определения своих фигур он все чаще использовал цвет и свет поверх линий.
Искусство немецкого Возрождения попадает в более широкую категорию Возрождения в Северной Европе, также известную как Северное Возрождение . Влияние Возрождения начало проявляться в немецком искусстве в 15 веке, но это направление не получило широкого распространения. В книге Гарднера «Искусство сквозь века» Михаэль Пахер , художник и скульптор, назван первым немецким художником, в работах которого начинает проявляться влияние итальянского Возрождения. Согласно этому источнику, картина Пахера « Святой Вольфганг заставляет дьявола держать свой молитвенник» (ок. 1481 г.) выполнена в стиле поздней готики, но также демонстрирует влияние итальянского художника Мантеньи . [7]
В 1500-х годах искусство эпохи Возрождения в Германии стало более распространенным, поскольку, по словам Гарднера, «искусство Северной Европы шестнадцатого века характеризуется внезапным осознанием достижений итальянского Возрождения и желанием ассимилировать этот новый стиль. как можно быстрее». [8] Одним из самых известных практиков немецкого искусства эпохи Возрождения был Альбрехт Дюрер (1471–1528), чье увлечение классическими идеями привело его в Италию для изучения искусства. И Гарднер, и Рассел признали важность вклада Дюрера в немецкое искусство в привнесении в Германию стилей и идей итальянского Возрождения. [9] [10] Рассел называет это «открытием готических окон немецкого искусства», [9] а Гарднер называет это «жизненной миссией» Дюрера. [10] Важно отметить, что, как указывает Гарднер, Дюрер «был первым северным художником, который полностью понял основные цели южного Возрождения», [10] хотя его стиль не всегда отражал это. В том же источнике говорится, что Ганс Гольбейн Младший (1497–1543) успешно усвоил итальянские идеи, сохранив при этом «северные традиции близкого реализма». [11] Это контрастирует с тенденцией Дюрера работать в «своем родном немецком стиле» [10] вместо того, чтобы сочетать немецкий и итальянский стили. Другими важными художниками немецкого Возрождения были Матиас Грюневальд , Альбрехт Альтдорфер и Лукас Кранах Старший . [12]
Ремесленники, такие как граверы, стали больше заботиться об эстетике, а не просто о совершенствовании своего ремесла. В Германии были мастера-граверы, такие как Мартин Шонгауэр , который гравировал по металлу в конце 1400-х годов. Гарднер связывает это мастерство в графическом искусстве с развитием печати , произошедшим в Германии, и говорит, что гравюра по металлу начала заменять гравюру на дереве в эпоху Возрождения. [13] Однако некоторые художники, такие как Альбрехт Дюрер, продолжали делать гравюры на дереве. И Гарднер, и Рассел описывают прекрасное качество гравюр Дюрера на дереве, а Рассел в « Мире Дюрера» заявляет , что Дюрер «возвел их в высокие произведения искусства». [9]
Британия очень поздно развила особый стиль эпохи Возрождения, и большинство художников при дворе Тюдоров были импортированы иностранцами, обычно из Нидерландов , включая Ганса Гольбейна Младшего , который умер в Англии. Единственным исключением была портретная миниатюра , которую художники, в том числе Николас Хиллиард, развили в отдельный жанр задолго до того, как она стала популярной в остальной Европе. Искусство эпохи Возрождения в Шотландии также зависело от импортированных художников и в основном ограничивалось двором.
Художники эпохи Возрождения рисовали самые разнообразные темы. Религиозные алтари , циклы фресок и небольшие произведения для частного поклонения были очень популярны. За вдохновением художники как в Италии, так и в Северной Европе часто обращались к « Золотой легенде » Якоба де Ворагина (1260 г.), весьма влиятельному справочнику о житиях святых , который уже оказал сильное влияние на средневековых художников. Возрождение классической античности и гуманизма эпохи Возрождения также привело к созданию многих мифологических и исторических картин . Истории Овидия , например, были очень популярны. Декоративный орнамент , часто используемый в расписных архитектурных элементах, находился под особым влиянием классических римских мотивов.
