.jpg/1280px-Enguerrand_Quarton,_Le_Couronnement_de_la_Vierge_(1454).jpg)
Католическое искусство — это искусство , созданное членами Католической церкви или для них . Оно включает в себя изобразительное искусство ( иконопись ), скульптуру , декоративно-прикладное искусство , прикладное искусство и архитектуру . В более широком смысле католическая музыка и другие виды искусства также могут быть включены. Выражения искусства могут или не могут пытаться иллюстрировать, дополнять и изображать в осязаемой форме католическое учение. Католическое искусство играло ведущую роль в истории и развитии западного искусства по крайней мере с 4-го века. Главной темой католического искусства была жизнь и времена Иисуса Христа , а также люди, связанные с ним, включая его учеников , святых и мотивы из католической Библии .
Самые ранние сохранившиеся произведения искусства — это расписные фрески на стенах катакомб и молитвенных домов преследуемых христиан Римской империи . Римская церковь находилась под влиянием римского искусства и религиозных художников того времени. Каменные саркофаги римских христиан демонстрируют самые ранние сохранившиеся резные статуи Иисуса, Марии и других библейских персонажей. Легализация христианства Миланским эдиктом (313 г.) преобразила католическое искусство, которое приняло более богатые формы, такие как мозаики и иллюминированные рукописи . Иконоборческий спор на короткое время разделил Западную церковь и Восточную церковь , после чего художественное развитие пошло в разных направлениях. Романское и готическое искусство расцвели в Западной церкви, поскольку стиль живописи и скульптуры двигался во все более натуралистическом направлении.
Протестантская Реформация в XVI веке породила новые волны разрушения образов, на которые Католическая церковь ответила драматичными, сложными эмоциональными стилями барокко и рококо, чтобы подчеркнуть красоту как трансцендентное . В XIX веке лидерство в западном искусстве отошло от Католической церкви, которая, приняв историческое возрождение, все больше подвергалась влиянию модернистского движения, движения, которое в своем «бунте» против природы противостоит акценту церкви на природе как на благом творении Бога .
Христианское искусство почти так же старо, как и само христианство. Самые старые христианские скульптуры находятся в римских саркофагах , датируемых началом II века. Однако, как преследуемая секта, самые ранние христианские изображения были загадочными и должны были быть понятны только посвященным. Ранние христианские символы включают голубя, рыбу, ягненка, крест, символическое изображение четырех евангелистов в виде зверей и Доброго Пастыря . Ранние христиане также адаптировали римские декоративные мотивы , такие как павлин, виноградные лозы и доброго пастыря. Именно в катакомбах Рима впервые в большом количестве появляются узнаваемые изображения христианских фигур. Недавно раскопанная домашняя церковь Дура-Европос на границе с Сирией датируется примерно 265 годом нашей эры и содержит множество изображений периода гонений. Сохранившиеся фрески баптистерия являются одними из самых древних христианских картин. Мы видим «Доброго Пастыря», «Исцеление парализованного» и «Христа и Петра, идущих по воде». На гораздо большей фреске изображены две Марии, посещающие гробницу Христа. [2]
В IV веке Миланский эдикт разрешил публичное христианское богослужение и привел к развитию монументального христианского искусства. Христиане смогли построить здания для богослужения, более крупные и красивые, чем тайные места встреч, которые они использовали ранее. Существующие архитектурные формулы для храмов были непригодны, потому что языческие жертвоприношения происходили на открытом воздухе на глазах у богов, а храм, в котором размещались культовые фигуры и сокровищница, был фоном. В качестве архитектурной модели для больших церквей христиане выбрали базилику , римское общественное здание, используемое для правосудия и администрации. Эти базиликальные церкви имели центральный неф с одним или несколькими проходами с каждой стороны и округлую апсиду на одном конце: на этой возвышенной платформе сидели епископ и священники , а также алтарь . Хотя, по-видимому, ранние алтари были построены из дерева (как в церкви Дура-Европос), алтари этого периода были построены из камня и начали становиться более богато оформленными. Теперь для создания произведений искусства можно было использовать более ценные материалы, например, мозаики , украшающие Санта-Мария-Маджоре в Риме, и базилики V века в Равенне , где начинают развиваться повествовательные последовательности.
Многое в христианском искусстве заимствовано из императорских образов, включая Христа в величии и использование нимба как символа святости. Позднеантичное христианское искусство заменило классический эллинистический натурализм более абстрактной эстетикой. Основной целью этого нового стиля было передать религиозный смысл, а не точно передать предметы и людей. Реалистичная перспектива, пропорции, свет и цвет были проигнорированы в пользу геометрического упрощения, обратной перспективы и стандартизированных условностей для изображения людей и событий. Иконы Христа, Марии и святых, резьба по слоновой кости [3] и иллюминированные рукописи стали важными средствами массовой информации — еще более важными с точки зрения современного понимания, поскольку почти все из немногих сохранившихся произведений, за исключением зданий, того периода состоят из этих переносных предметов.
Посвящение Константинополя в качестве столицы в 330 году нашей эры создало новый великий христианский художественный центр для Восточной Римской империи , которая вскоре стала отдельной политической единицей. Основные константинопольские церкви, построенные при императоре Константине и его сыне Констанцие II , включали первоначальные основания Святой Софии и церкви Святых Апостолов . [4] Когда Западная Римская империя распалась и была захвачена «варварскими» народами, искусство Византийской империи достигло уровней утонченности, мощи и артистизма, ранее не наблюдавшихся в христианском искусстве, и установило стандарты для тех частей Запада, которые все еще поддерживали связь с Константинополем.
Это достижение было остановлено спорами об использовании идолов и правильном толковании Второй заповеди, что привело к кризису иконоборчества или уничтожения религиозных изображений, потрясшему Империю между 726 и 843 годами. Восстановление ортодоксального иконопочитания привело к строгой стандартизации религиозных образов в Восточной Православной Церкви . Византийское искусство становилось все более консервативным, поскольку сама форма изображений, многие из которых имели божественное происхождение или считались написанными святым Лукой или другими деятелями, считалась имеющей статус, не далекий от статуса библейского текста. Их можно было копировать, но не улучшать. В качестве уступки иконоборческим настроениям монументальная религиозная скульптура была фактически запрещена. Ни одно из этих мнений не поддерживалось в Западной Европе, но византийское искусство, тем не менее, имело там большое влияние вплоть до Высокого Средневековья и оставалось очень популярным еще долгое время после этого, причем огромное количество икон Критской школы экспортировалось в Европу вплоть до эпохи Возрождения . Где это было возможно, византийские художники были заимствованы для таких проектов, как мозаики в Венеции и Палермо . Загадочные фрески в Кастельсеприо могут быть примером работы греческого художника, работавшего в Италии.
Искусство восточного католицизма всегда было довольно близко к православному искусству Греции и России, а в странах, близких к православному миру, особенно в Польше , католическое искусство имеет много православных влияний. Черная Мадонна из Ченстоховы, возможно, имела византийское происхождение — ее перерисовали, и это трудно сказать. Другие изображения, которые, безусловно, имеют греческое происхождение, такие как Salus Populi Romani и Богоматерь Неустанной Помощи , обе иконы в Риме, были предметами особого почитания на протяжении веков.
Хотя влиянию часто сопротивлялись, особенно в России, католическое искусство также повлияло на православные изображения во многих отношениях, особенно в таких странах, как Румыния , и в поствизантийской критской школе , которая возглавляла греческое православное искусство под венецианским владычеством в XV и XVI веках. Эль Греко покинул Крит, когда был относительно молодым, но Михаил Дамаскинос вернулся после краткого периода в Венеции и смог переключаться между итальянским и греческим стилями. Даже традиционалист Феофан Критянин , работавший в основном на горе Афон , тем не менее демонстрирует несомненное западное влияние.
Католическая теологическая позиция относительно священных изображений осталась фактически идентичной той, что изложена в Libri Carolini , хотя это, наиболее полное средневековое выражение западных взглядов на изображения, было фактически неизвестно в Средние века. Оно было подготовлено около 790 года для Карла Великого после того, как плохой перевод заставил его двор поверить, что Второй византийский собор в Никее одобрил поклонение изображениям, что на самом деле было не так. Католический контрбюрократ изложил средний курс между крайними позициями византийского иконоборчества и иконопочитания , одобряя почитание изображений за то, что они представляли, но не принимая то, что стало православной позицией, что изображения в некоторой степени разделяют природу того, что они представляли (вера, которая позже возродилась на Западе в ренессансном неоплатонизме ).
Для западной церкви изображения были просто предметами, созданными мастерами, которые использовались для стимуляции чувств верующих и которые уважались ради представленного предмета, а не сами по себе. Хотя в популярной религиозной практике часто присутствовала тенденция выходить за эти рамки, церковь, до появления идеи коллекционирования старого искусства, обычно была жестокой в утилизации изображений, которые больше не были нужны, к большому сожалению историков искусства. Большинство монументальной скульптуры первого тысячелетия, которая сохранилась, были разбиты и повторно использованы в качестве щебня при восстановлении церквей.
В практических вопросах, касающихся использования изображений, в отличие от их теоретического места в теологии, Libri Carolini находились на антииконическом конце спектра католических взглядов, например, довольно неодобрительно относились к зажиганию свечей перед изображениями. Такие взгляды часто выражались отдельными церковными лидерами, такими как известный пример святого Бернарда Клервоского , хотя многие другие склонялись к другому и поощряли и заказывали искусство для своих церквей. Бернард фактически выступал против декоративных изображений в монастырях, которые не были специально религиозными, а популярные проповедники, такие как святой Бернардино Сиенский и Савонарола, регулярно нападали на светские изображения, принадлежавшие мирянам.
В то время как политическая структура Западной Римской империи рухнула после падения Рима, Церковь продолжала финансировать искусство там, где могла. Наиболее многочисленными сохранившимися произведениями раннего периода являются иллюминированные рукописи, на данный момент все они, предположительно, созданы духовенством, часто включая аббатов и других высокопоставленных лиц. Монастырский гибрид между «варварскими» декоративными стилями и книгой в островном искусстве Британских островов с VII века должен был оказать огромное влияние на европейское искусство на протяжении оставшейся части Средних веков , предоставив альтернативный путь к классицизму, переданный на континент ирландско -шотландской миссией . В этот период Евангелие , с фигуративным искусством, ограниченным в основном портретами евангелистов , обычно было типом книги, наиболее щедро украшенной; Келлская книга является самым известным примером.
Император IX века Карл Великий намеревался создать произведения искусства, соответствующие статусу его возрожденной империи. Каролингское и Оттоновское искусство в основном ограничивалось кругом императорского двора и различными монастырскими центрами, каждый из которых имел свой собственный особый художественный стиль. Каролингские художники сознательно пытались подражать таким образцам византийского и позднеантичного искусства, которые были им доступны, копируя рукописи, такие как Хронография 354 года , и создавая такие работы, как Утрехтская Псалтырь , которая до сих пор разделяет историков искусства относительно того, является ли она копией гораздо более ранней рукописи или оригинальным творением Каролингов. Она, в свою очередь, была скопирована трижды в Англии, последний раз в раннем готическом стиле.
Резьба по слоновой кости, часто для обложек книг, была навеяна диптихами поздней античности . Например, передняя и задняя обложки Евангелий Лорша представляют собой императорский триумф VI века, адаптированный к триумфу Христа и Девы Марии. Однако они также опирались на островную традицию, особенно в декоративных деталях, при этом значительно улучшив ее с точки зрения изображения человеческой фигуры. Копии писаний или литургических книг, иллюстрированные на пергаменте и украшенные драгоценными металлами, изготавливались в аббатствах и женских монастырях по всей Западной Европе. Такая работа, как Стокгольмский кодекс Ауреус («Золотая книга»), могла быть написана золотым листом на пурпурном пергаменте , в подражание римским и византийским императорским рукописям. [5] Англосаксонское искусство часто было более свободным, в нем больше использовалось живое линейное рисование, и существовали другие особые традиции, такие как группа выдающихся мосарабских рукописей из Испании, включая Saint-Sever Beatus , а также рукописи в Жироне и библиотеке Моргана .
У Карла Великого было распятие в натуральную величину с фигурой Христа из драгоценного металла в его Палатинской капелле в Аахене , и многие подобные предметы, все теперь исчезнувшие, зарегистрированы в крупных англосаксонских церквях и в других местах. Золотая Мадонна Эссена и несколько меньших фигур-реликвариев теперь являются всем, что осталось от этой впечатляющей традиции, полностью выходящей за рамки византийских норм. Как и фигура Эссена, они, предположительно, были сделаны из тонких листов золота или серебра, поддерживаемых деревянной основой.
Романское искусство , которому задолго предшествовало дороманское , развивалось в Западной Европе примерно с 1000 г. н. э. до возникновения готического стиля. Строительство церквей характеризовалось увеличением высоты и общего размера. Сводчатые крыши поддерживались толстыми каменными стенами, массивными колоннами и округлыми арками. Темные интерьеры освещались фресками Иисуса, Марии и святых, часто основанными на византийских образцах.
Резьба по камню украшала экстерьеры и интерьеры, особенно тимпан над главным входом, на котором часто изображался Христос в величии или на суде, а большое деревянное распятие было немецким новшеством в самом начале периода. Капители колонн также часто были искусно вырезаны с образными сценами. Ансамбль больших и хорошо сохранившихся церквей в Кельне , тогда крупнейшем городе к северу от Альп, и Сеговии в Испании, являются одними из лучших мест сегодня, чтобы оценить влияние новых больших церквей на городской пейзаж, но существует много отдельных зданий, от соборов Дарема , Эли и Турне до большого количества отдельных церквей, особенно в Южной Франции и Италии. В более благополучных районах многие романские церкви сохранились, скрытые барочным ремонтом, сделать это гораздо проще, чем готическая церковь.
Немногие из больших настенных росписей, которые изначально покрывали большинство церквей, сохранились в хорошем состоянии. Страшный суд обычно изображался на западной стене, с Христом в Величестве в полукуполе апсиды. Были разработаны обширные повествовательные циклы Жизни Христа , и Библия, с Псалтырем , стала типичным фокусом иллюминации, с большим использованием историзированных инициалов . Металлообработка, включая декор из эмали , стала очень сложной, и сохранилось много впечатляющих святилищ, сделанных для хранения реликвий, из которых самым известным является святилище Трех Королей в Кельнском соборе Николая Верденского и других (около 1180–1225).
Готическое искусство возникло во Франции в середине XII века. Базилика в Сен-Дени, построенная аббатом Сугерием, была первым крупным зданием в готическом стиле. Новые монашеские ордена , особенно цистерцианцы и картезианцы , были важными строителями, которые разработали отличительные стили, которые они распространили по всей Европе. Францисканские монахи построили функциональные городские церкви с огромными открытыми нефами для проповедей большим прихожанам. Однако региональные различия оставались важными, даже когда к концу XIV века сформировался единый универсальный стиль, известный как международная готика , который продолжался до конца XV века и позже во многих областях. Основными средствами готического искусства были скульптура, панельная живопись , витражи , фрески и иллюминированные рукописи , хотя религиозные образы также выражались в изделиях из металла, гобеленах и вышитых облачениях. Архитектурные новшества стрельчатой арки и аркбутана позволили построить более высокие и легкие церкви с большими площадями застекленных окон. Готическое искусство в полной мере использовало эту новую среду, рассказывая повествовательную историю через картины, скульптуры, витражи и возвышенную архитектуру. Шартрский собор является ярким примером этого.
Готическое искусство часто было типологическим по своей природе, отражая веру в то, что события Ветхого Завета предвосхищали события Нового, и что это действительно было их главным значением. Сцены Ветхого и Нового Завета были показаны бок о бок в таких работах, как Speculum Humanae Salvationis и украшение церквей. Готический период совпал с большим возрождением поклонения Марии , в котором изобразительное искусство играло главную роль. Изображения Девы Марии развивались от византийских иератических типов, через Коронацию Девы Марии , к более человечным и интимным типам, и циклы Жития Девы Марии были очень популярны. Такие художники, как Джотто , Фра Анджелико и Пьетро Лоренцетти в Италии, и ранняя нидерландская живопись , привнесли реализм и более естественную человечность в искусство. Западные художники и их покровители стали гораздо более уверенными в новаторской иконографии , и наблюдается гораздо больше оригинальности, хотя скопированные формулы по-прежнему использовались большинством художников. Часослов был разработан, в основном, для мирян, которые могли себе это позволить — самый ранний известный пример , по-видимому, был написан для неизвестной мирянки, жившей в небольшой деревне недалеко от Оксфорда примерно в 1240 году — и теперь королевские и аристократические образцы стали типом рукописи, которая чаще всего была щедро украшена. Большая часть религиозного искусства, включая иллюминированные рукописи, теперь создавалась мирскими художниками, но заказчик часто подробно указывал, что должно было содержать произведение.
Иконография была затронута изменениями в теологии, с изображениями Успения Марии , набирающими силу по сравнению со старой Смертью Девы Марии , и в религиозных практиках, таких как Devotio Moderna , которые создали новые трактовки Христа в предметах andachtsbilder , таких как Муж скорбей , Задумчивый Христос и Пьета , которые подчеркивали его человеческие страдания и уязвимость, в параллельном движении с тем, что было в изображениях Девы Марии. Многие такие изображения теперь были небольшими картинами маслом, предназначенными для личной медитации и молитвы в домах богатых. Даже в Страшном суде Христос теперь обычно изображался обнажающим свою грудь, чтобы показать раны его Страстей . Святые изображались чаще, и алтарные образы показывали святых, имеющих отношение к конкретной церкви или жертвователю, присутствовавшими на Распятии или на троне Девы Марии с Младенцем , или сами занимающими центральное пространство (обычно это было для работ, предназначенных для боковых часовен). В течение этого периода многие древние иконографические черты, возникшие в апокрифах Нового Завета, были постепенно устранены под давлением духовенства, как, например, повивальные бабки на Рождестве , хотя другие были слишком устоявшимися и считались безвредными. [6]
В ранней нидерландской живописи, из самых богатых городов Северной Европы, новый мелкий реализм в масляной живописи сочетался с тонкими и сложными теологическими намеками, выраженными именно через очень подробные декорации религиозных сцен. Примерами являются Алтарь Мероде (1420-е годы) Робера Кампена и Благовещение или Мадонна Вашингтона ван Эйка канцлера Ролена (обе 1430-е годы, Ян ван Эйк ). [7]
В XV веке появление дешевых гравюр , в основном в виде ксилографии , позволило даже крестьянам иметь дома религиозные изображения. Эти изображения, крошечные на дне рынка, часто грубо раскрашенные, продавались тысячами, но сейчас они чрезвычайно редки, большинство из них наклеены на стены. Сувениры паломничества к святыням, такие как глиняные или свинцовые значки, медали и ампулы с отпечатанными изображениями, также были популярны и дешевы. С середины века ксилографии , с текстом и изображениями, вырезанными в виде ксилографии, по-видимому, были доступны приходским священникам в Нидерландах , где они были наиболее популярны. К концу века печатные книги с иллюстрациями, все еще в основном на религиозные темы, быстро становились доступными для зажиточного среднего класса, как и гравюры довольно высокого качества таких граверов , как Израэль ван Мекенем и Мастер ES
Для богатых все большую популярность приобретали небольшие картины на панелях , даже полиптихи в масляной живописи , часто изображавшие портреты доноров рядом с Богоматерью или святыми, хотя часто и гораздо меньше их. Обычно их выставляли дома.
.jpg/1280px-Leonardo_Da_Vinci_-_Vergine_delle_Rocce_(Louvre).jpg)
Искусство эпохи Возрождения , находившееся под сильным влиянием «возрождения» (фр. renaissance ) интереса к искусству и культуре классической античности, изначально продолжало тенденции предшествующего периода без принципиальных изменений, но используя классическую одежду и архитектурные обстановки, которые в конце концов очень подходили для сцен Нового Завета. Однако явная потеря религиозной интенсивности очевидна во многих религиозных картинах раннего Возрождения — знаменитые фрески в часовне Торнабуони Доменико Гирландайо (1485–1490) кажутся более заинтересованными в детальном изображении сцен буржуазной городской жизни, чем их фактических сюжетов, Жизнь Девы Марии и Иоанна Крестителя , а Капелла Волхвов Беноццо Гоццоли (1459–1461) — это скорее празднование статуса Медичи , чем Прибытие волхвов . Оба эти примера (которые все еще использовали современную одежду) происходят из Флоренции , сердца Раннего Возрождения, и места, где харизматичный доминиканский проповедник Савонарола начал свою атаку на мирскую жизнь и искусство горожан, достигнув кульминации в своем знаменитом Костре тщеславия в 1497 году; на самом деле другие проповедники проводили подобные мероприятия в течение десятилетий, но в меньших масштабах. Многие художники Раннего Возрождения , такие как Фра Анджелико и Боттичелли, были чрезвычайно набожными, и последний был одним из многих, кто попал под влияние Савонаролы.
Кратковременное Высокое Возрождение ( ок. 1490–1520 ) Леонардо да Винчи , Микеланджело и Рафаэля преобразило католическое искусство более фундаментально, порвав со старой иконографией, которая была тщательно интегрирована с теологическими условностями для оригинальных композиций, которые отражали как художественные императивы, так и влияние гуманизма эпохи Возрождения . И Микеланджело, и Рафаэль работали почти исключительно для папства большую часть своей карьеры, включая год 1517, когда Мартин Лютер написал свои Девяносто пять тезисов . Связь между событиями была не только хронологической, поскольку индульгенции , которые спровоцировали Лютера, помогли финансировать папскую художественную программу, как указывали многие историки.
Большинство картин пятнадцатого века этого периода были религиозными картинами. Это само собой разумеется, в каком-то смысле, но «религиозные картины» относятся не только к определенному кругу тем; это означает, что картины существовали для достижения институциональных целей. Церковь заказывала произведения искусства по трем основным причинам: во-первых, это была идеологическая обработка, четкие изображения могли передавать смысл необразованному человеку. Во-вторых, это была легкость запоминания, изображения святых и других религиозных деятелей позволяют создать точку ментального контакта. В-третьих, это было вызвано благоговением в сердце зрителя, Иоанн Генуэзский считал, что это было легче сделать с помощью изображения, чем с помощью слов. Принимая во внимание эти три принципа, можно предположить, что золото использовалось для того, чтобы вызвать благоговение в уме и сердце смотрящего, где позже, во время протестантской Реформации, способность передавать золото с помощью простых пигментов продемонстрировала мастерство художника таким образом, как нанесение листового золота на панель не демонстрирует [9]
Протестантская Реформация была холокостом искусства во многих частях Европы. Хотя лютеранство было готово жить с большим количеством существующего католического искусства, пока оно не стало центром поклонения, более радикальные взгляды Кальвина , Цвингли и других рассматривали публичные религиозные изображения любого рода как идолопоклонство , и искусство систематически уничтожалось в районах, где господствовали их последователи. Этот разрушительный процесс продолжался до середины 17-го века, поскольку религиозные войны принесли периоды иконоборческого протестантского контроля над большей частью континента. В Англии и Шотландии разрушение религиозного искусства, наиболее интенсивное во времена Английского Содружества , было особенно тяжелым. Некоторые каменные скульптуры, иллюминированные рукописи и витражи (которые было дорого заменить) сохранились, но из тысяч высококачественных произведений живописи и резьбы по дереву, созданных в средневековой Британии, практически ничего не сохранилось. [10]
В Риме разграбление 1527 года католическим императором Карлом V и его в основном протестантскими наемными войсками было чрезвычайно разрушительным как для искусства, так и для художников, многие из биографических записей которых резко обрываются. Другим художникам удалось сбежать в разные части Италии, часто сталкиваясь с трудностями в восстановлении нити своей карьеры. Итальянские художники, за редким исключением, таким как Джироламо да Тревизо , похоже, не испытывали особого влечения к протестантизму. Однако в Германии ведущие фигуры, такие как Альбрехт Дюрер и его ученики, Лукас Кранах Старший , Альбрехт Альтдорфер и Дунайская школа , а также Ганс Гольбейн Младший, последовали за реформаторами. Развитие немецкой религиозной живописи резко остановилось примерно к 1540 году, хотя многие гравюры и книжные иллюстрации, особенно на сюжеты Ветхого Завета, продолжали выпускаться.
.jpg/1280px-Last_Judgement_(Michelangelo).jpg)
Итальянская живопись после 1520 года, за исключением искусства Венеции , развилась в маньеризм , очень сложный стиль, стремящийся к эффекту, который вызывал беспокойство многих церковников, так как он не привлекателен для масс населения. Давление церкви с целью ограничения религиозных образов повлияло на искусство с 1530-х годов и привело к постановлениям последней сессии Тридентского собора в 1563 году, включавшим короткие и довольно неясные отрывки, касающиеся религиозных образов, которые оказали большое влияние на развитие католического искусства. Предыдущие соборы католической церкви редко чувствовали необходимость высказываться по этим вопросам, в отличие от православных , которые часто выносили решения по конкретным типам изображений.
Указ подтвердил традиционную доктрину о том, что изображения представляют только изображенного человека и что почитание должно оказываться самому человеку, а не изображению, и далее предписывалось, что:
...всякое суеверие должно быть удалено... всякое похотение должно быть избегаемо; таким образом, чтобы фигуры не были нарисованы или украшены красотой, возбуждающей похоть... не должно быть видно ничего, что было бы беспорядочным, или что было бы неподобающе или беспорядочно расположено, ничего, что было бы нечестивым, ничего неприличного, поскольку святость подобает дому Божию. И чтобы эти вещи могли быть более верно соблюдены, святой Синод постановляет, что никому не должно быть позволено размещать или заставлять размещать какое-либо необычное изображение, в любом месте или церкви, как бы то ни было исключено, если только изображение не было одобрено епископом... [11]
Спустя десять лет после указа Паоло Веронезе был вызван в инквизицию, чтобы объяснить, почему его «Тайная вечеря» , огромное полотно для трапезной монастыря, содержало, по словам инквизиции: «скоморохов, пьяных немцев, карликов и другие подобные непристойности», а также экстравагантные костюмы и обстановку, что на самом деле является фантастической версией венецианского патрицианского пира. [12] Веронезе было сказано, что он должен изменить свою картину в течение трех месяцев — на самом деле он просто изменил название на « Пир в доме Левия» , по-прежнему эпизод из Евангелия, но менее доктринально центральный, и больше ничего не было сказано. [13] Но количество таких декоративных трактовок религиозных сюжетов резко сократилось, как и «неподобающе или беспорядочно расположенные» произведения маньеризма, поскольку ряд книг, в частности фламандского теолога Молана ( De Picturis et Imaginibus Sacris, pro vero earum usu contra abusus («Трактат о священных изображениях»), 1570), кардинала Федерико Борромео ( De Pictura Sacra ) и кардинала Габриэле Палеотти ( Discorso , 1582), а также инструкции местных епископов, расширили указы, часто вдаваясь в мельчайшие подробности о том, что было приемлемо. Одна из самых ранних из них, Degli Errori dei Pittori (1564), написанная доминиканским теологом Андреа Джилио да Фабриано, присоединилась к хору критики Страшного суда Микеланджело и защищала набожную и простую природу многих средневековых образов. Но другие авторы были менее благосклонны к средневековому искусству, и многие традиционные иконографии, рассматриваемые без адекватного библейского обоснования, были фактически запрещены (например, «Обморок Девы Марии »), как и любое включение классических языческих элементов в религиозное искусство, и почти вся нагота, включая изображение младенца Иисуса. [14] По словам медиевиста Эмиля Маля , это была «смерть средневекового искусства». [15]
Искусство барокко, развивавшееся в течение десятилетий после Тридентского собора, безусловно, отвечало большинству требований собора, особенно на ранних, более простых этапах, связанных с Карраччи и Караваджо , который, тем не менее, столкнулся с церковным противодействием из-за реализма своих священных фигур, хотя степень его влияния на него является предметом споров.
.jpg/1280px-Crucifixion_of_Saint_Peter-Caravaggio_(c.1600).jpg)
Сюжеты были показаны в прямой и драматической манере, с относительно небольшим количеством заумных намеков. Выбор сюжетов был значительно расширен, так как художники барокко наслаждались поиском новых библейских эпизодов и драматических моментов из жизни святых. По мере того, как движение продолжалось в XVII веке, простота и реализм имели тенденцию к уменьшению, более медленно в Испании и Франции, но драма оставалась, созданная изображением экстремальных моментов, драматического движения, цвета и освещения светотени , и при необходимости множества взволнованных херувимов и кружащихся облаков, все это было предназначено для того, чтобы ошеломить верующего. Архитектура и скульптура стремились к тем же эффектам; Бернини (1598–1680) олицетворяет стиль барокко в этих искусствах. Искусство барокко распространилось по католической Европе и в заморских миссиях Азии и Америки, продвигаемое иезуитами и францисканцами , выделяя живопись и/или скульптуру из школ Кито , школ Куско и школ религиозных образов Чилоте .
Новые иконические сюжеты, популяризированные в эпоху барокко, включали Священное Сердце Иисуса и Непорочное Зачатие Марии; окончательная иконография для последнего, по-видимому, была установлена мастером, а затем тестем Диего Веласкеса , художником и теоретиком Франсиско Пачеко , с которым инквизиция в Севилье также заключила контракт на одобрение новых изображений. Вознесение Марии стало очень распространенным сюжетом, и (несмотря на Караваджо в качестве сюжета) Смерть Девы Марии почти исчезла в католическом искусстве; Моланус и другие писали против этого.
В XVIII веке светское барокко развилось в еще более яркий, но легкий стиль рококо , который было трудно адаптировать к религиозным темам, хотя Джанбаттиста Тьеполо смог это сделать. В конце века произошла реакция, особенно в архитектуре, против барокко и возвращение к более строгим классическим и палладианским формам.
К настоящему времени темпы производства религиозного искусства заметно замедлились. После всплеска строительства и перестройки в эпоху барокко католические страны в основном были явно переполнены церквями, монастырями и обителями, в случае некоторых мест, таких как Неаполь , это было почти абсурдно. Церковь теперь была менее важна как покровитель, чем королевская власть и аристократия, и спрос среднего класса на искусство, в основном светское, быстро рос. Художники теперь могли иметь успешную карьеру, рисуя портреты, пейзажи, натюрморты или другие жанровые специализации, никогда не рисуя религиозную тему — что до сих пор было необычно в католических странах, хотя долгое время было нормой в протестантских. Количество продаж картин, металлических изделий и других церковных принадлежностей частным коллекционерам возросло в течение столетия, особенно в Италии, где Гранд-тур породил сети дилеров и агентов. « Мадонна в скалах» Леонардо да Винчи была продана шотландскому художнику и торговцу Гэвину Гамильтону церковью в Милане, для которой она была написана, примерно в 1781 году; версия, находящаяся в Лувре , по-видимому, была перенесена из той же церкви тремя столетиями ранее самим Леонардо для отправки королю Франции.
Войны после Французской революции привели к тому, что большое количество лучших произведений искусства, в частности картин, были тщательно отобраны для присвоения французскими армиями или установленными ими светскими режимами. Многие из них были отправлены в Париж для Лувра (некоторые в конечном итоге были возвращены, другие нет) или в местные музеи, основанные французами, такие как Брера в Милане . Подавление монастырей, которое десятилетиями осуществлялось католическими просвещенными деспотами Старого режима , например, в Эдикте о праздных учреждениях (1780) Иосифа II Австрийского , значительно усилилось. К 1830 году большая часть лучшего католического религиозного искусства была выставлена на всеобщее обозрение в музеях, как это и происходит с тех пор. Это, несомненно, расширило доступ ко многим работам и способствовало повышению осведомленности общественности о наследии католического искусства, но ценой, поскольку объекты стали рассматриваться как имеющие в первую очередь художественное, а не религиозное значение, и рассматривались вне их первоначального контекста и обстановки, для которой они были созданы.
В XIX веке как католические, так и протестантские церкви широко отреклись от классицизма, что было связано с Французской революцией и секуляризмом эпохи Просвещения . Это привело к готическому возрождению , возвращению к готическим формам в архитектуре, скульптуре и живописи, во главе с такими людьми, как Огюст Пьюджин в Англии и Эжен Виолле-ле-Дюк во Франции. По всему миру были построены тысячи готических церквей и соборов в новой волне церковного строительства, а коллегиальный готический стиль стал нормой для других церковных учреждений. Средневековые готические церкви, особенно в Англии и Франции, были восстановлены, часто очень грубо. В живописи схожие взгляды привели к немецкому движению назареев и английским прерафаэлитам . Оба движения охватывали как католиков, так и протестантов, но включали некоторых художников, которые перешли в католицизм.
За пределами этих и подобных движений, мир искусства истеблишмента создал гораздо меньше религиозной живописи, чем когда-либо со времен Римской империи, хотя было создано много видов прикладного искусства для церковной утвари в готическом стиле. Коммерческое популярное католическое искусство процветало, используя более дешевые методы массового воспроизведения. Цветная литография позволила дешево воспроизводить цветные изображения, что привело к гораздо более широкому распространению святых карт . Большая часть этого искусства продолжала использовать разбавленные версии стилей барокко. Непорочное Сердце Марии стало новым сюжетом 19-го века, и новые явления в Лурде и Фатиме , а также новые святые предоставили новые сюжеты для искусства.
Архитекторы начали возрождать другие ранние христианские стили и экспериментировать с новыми, что дало такие результаты, как Сакре-Кёр в Париже, Саграда Фамилия в Барселоне и Вестминстерский собор в Лондоне, находящийся под влиянием византийцев . 20-й век привел к принятию модернистских стилей архитектуры и искусства. Это движение отвергло традиционные формы в пользу утилитарных форм с минимальным декором. Такое искусство, как там, сторонилось натурализма и человеческих качеств, отдавая предпочтение стилизованным и абстрактным формам. Примерами модернизма являются Ливерпульский кафедральный собор Христа Царя и Лос-Анджелесский собор .
Современные католические художники включают Брайана Уилана , Эфрена Ордоньеса , Аде Бетюн , Имоджен Стюарт и Жоржа Руо . [16]
Раннее принятие модернистских стилей на заре 21-го века продолжило тенденции 20-го века. Художники начали экспериментировать с материалами и цветами. Во многих случаях это способствовало упрощениям, которые привели к сходству с ранним христианским искусством. Простота рассматривалась как лучший способ донести до зрителя чистые христианские послания. [ необходима цитата ]
В 21 веке католическое искусство черпало вдохновение из глобальных художественных течений, таких как японский стиль аниме . Люс , официальный талисман юбилея 2025 года , был вдохновлен дизайном персонажей в стиле аниме. [17]
Некоторые из наиболее распространенных сюжетов, изображаемых в католическом искусстве:
Мэри:
Другой:
