stringtranslate.com

Рококо

Рококо , реже рококо ( / r ə ˈ k oʊ k oʊ / rə- KOH -koh , в США также / ˌ r oʊ k ə ˈ k oʊ / ROH -kə- KOH ; французский: [ʁɔkɔko] или [ʁokoko] ⓘ ), также известный какпозднее барокко, является исключительно орнаментальным и драматичным стилем архитектуры, искусства и декора, который сочетает в себе асимметрию, закручивающиеся кривые, позолоту, белые и пастельные цвета, скульптурные лепные украшения иtrompe-l'œilдля создания неожиданности и иллюзии движения и драмы. Его часто описывают как окончательное выражение движениябарокко.[1]

Стиль рококо зародился во Франции в 1730-х годах как реакция на более формальный и геометрический стиль Людовика XIV . Он был известен как «стиль рокайль » или «стиль рокайль». [2] Вскоре он распространился в других частях Европы, особенно в северной Италии, Австрии, южной Германии, Центральной Европе и России. [3] Он также оказал влияние на другие виды искусства, в частности, на скульптуру, мебель, столовое серебро, изделия из стекла, живопись, музыку, театр [4] и литературу. [5] Хотя изначально рококо был светским стилем, в основном использовавшимся для интерьеров частных резиденций, в нем был и духовный аспект, что привело к его широкому использованию в церковных интерьерах, особенно в Центральной Европе, Португалии и Южной Америке. [6]

Этимология

Интегрированная резьба в стиле рококо, лепнина и фрески в аббатстве Цвифальтен (1739–1745)

Слово рококо впервые было использовано как юмористическая вариация слова рокайль Пьером -Морисом Куэйсом . [7] [8] Рокайль изначально был методом украшения с использованием гальки, ракушек и цемента, который часто использовался для украшения гротов и фонтанов со времен Ренессанса. [9] [10] В конце 17-го и начале 18-го века рокайль стал термином для обозначения вида декоративного мотива или орнамента, который появился в позднем стиле Людовика XIV , в виде морской ракушки, переплетенной с листьями аканта . В 1736 году дизайнер и ювелир Жан Мондон опубликовал Premier Livre de forme rocquaille et cartel , коллекцию дизайнов для украшений мебели и внутреннего убранства. Это было первое появление в печати термина рокайль для обозначения стиля. [11] Резной или лепной мотив морской ракушки сочетался с пальмовыми листьями или извилистыми лозами для украшения дверных проемов, мебели, настенных панелей и других архитектурных элементов. [12]

Термин рококо впервые был использован в печати в 1825 году для описания декора, который был «вышедшим из моды и старомодным». В 1828 году он был использован для декора, «принадлежащего стилю XVIII века, перегруженного витыми орнаментами». В 1829 году автор Стендаль описал рококо как «стиль рокайль XVIII века». [13]

Столица аббатства Энгельсцелль , Австрия (1754 – 1764)

В 19 веке этот термин использовался для описания архитектуры или музыки, которые были чрезмерно декоративными. [14] [15] С середины 19 века этот термин был принят историками искусства . Хотя все еще ведутся споры об исторической значимости стиля, рококо теперь часто рассматривается как отдельный период в развитии европейского искусства .

Характеристики

Рококо характеризуется пышным декором с обилием изгибов, контр-изгибов, волн и элементов, смоделированных по образцу природы. Внешние облики зданий в стиле рококо часто просты, в то время как интерьеры полностью подчинены их орнаменту. Стиль был очень театральным, призванным впечатлять и вызывать благоговение с первого взгляда. Планы этажей церквей часто были сложными, с переплетенными овалами; Во дворцах парадные лестницы становились центральными элементами и предлагали различные точки зрения на декор. [1] Главные орнаменты рококо: асимметричные ракушки, аканты и другие листья, птицы, букеты цветов, фрукты, музыкальные инструменты, ангелы и шинуазри ( пагоды , драконы, обезьяны, причудливые цветы и китайцы). [16]

Стиль часто включал в себя живопись, лепную лепнину, резьбу по дереву и квадратуру , или иллюзионистскую потолочную живопись, которая была разработана для того, чтобы создать впечатление, что входящие в комнату смотрят на небо, где херувимы и другие фигуры смотрят на них сверху вниз. Используемые материалы включали лепнину, окрашенную или оставленную белой; комбинации разноцветных пород дерева (обычно дуба, бука или ореха); лакированное дерево в японском стиле, орнамент из позолоченной бронзы и мраморные столешницы комодов или столов. [17] Целью было создать впечатление удивления, благоговения и изумления с первого взгляда. [18]

Различия между барокко и рококо

Рококо, как правило, обладает следующими характеристиками, которых нет в стиле барокко :

Франция

Стиль рокайль , или французский рококо, появился в Париже во время правления Людовика XV и процветал примерно между 1723 и 1759 годами. [21] Стиль использовался, в частности, в салонах, новом стиле помещений, предназначенных для того, чтобы впечатлять и развлекать гостей. Наиболее ярким примером был салон принцессы в Hôtel de Soubise в Париже, спроектированный Жерменом Боффраном и Шарлем-Жозефом Натуаром (1735 – 1740). Характеристики французского рококо включали исключительную артистичность, особенно в сложных рамах для зеркал и картин, которые были вылеплены из гипса и часто позолочены; и использование растительных форм (виноградных лоз, листьев, цветов), переплетенных в сложных узорах. [22] Мебель также отличалась извилистыми изгибами и растительными узорами. Ведущими дизайнерами мебели и мастерами этого стиля были Жюст-Орель Мейссонье , Шарль Крессан и Николя Пино . [23] [24]

Стиль рокайль просуществовал во Франции до середины XVIII века, и хотя он стал более изогнутым и растительным, он так и не достиг экстравагантного изобилия рококо в Баварии, Австрии и Италии. Открытия римских древностей, начавшиеся в 1738 году в Геркулануме и особенно в Помпеях в 1748 году, повернули французскую архитектуру в сторону более симметричного и менее вычурного неоклассицизма .

Италия

Художники в Италии, особенно Венеции , также создали пышный стиль рококо. Венецианские комоды имитировали изогнутые линии и резной орнамент французского рокайля, но с особой венецианской вариацией; предметы были расписаны, часто пейзажами или цветами или сценами из Гварди или других художников, или шинуазри , на синем или зеленом фоне, соответствуя цветам венецианской школы художников, чьи работы украшали салоны. Известными декоративными художниками были Джованни Баттиста Тьеполо , который расписывал потолки и фрески как церквей, так и палаццо, и Джованни Баттиста Крозато , который расписал потолок бального зала Ка' Реццонико в манере квадратуро , создавая иллюзию трехмерности. Тьеполо путешествовал в Германию со своим сыном в 1752 - 1754 годах, украшая потолки резиденции Вюрцбург , одной из главных достопримечательностей баварского рококо. Ранее известным венецианским художником был Джованни Баттиста Пьяццетта , который расписал несколько известных церковных потолков. [25]

Венецианский рококо также отличался исключительными стеклянными изделиями, особенно муранским стеклом , часто гравированным и раскрашенным, которое экспортировалось по всей Европе. Работы включали многоцветные люстры и зеркала с чрезвычайно богато украшенными рамами. [25]

Южная Германия

В церковном строительстве, особенно в южном немецко-австрийском регионе, гигантские пространственные творения иногда создаются исключительно из практических соображений, которые, однако, не кажутся монументальными, но характеризуются уникальным слиянием архитектуры, живописи, лепнины и т. д., часто стирающим границы между жанрами искусства, и характеризуются наполненной светом невесомостью, праздничной веселостью и движением. Декоративный стиль рококо достиг своего пика в южной Германии и Австрии с 1730-х по 1770-е годы. Там он доминирует в церковном ландшафте по сей день и глубоко укоренился там в массовой культуре. Он был впервые завезен из Франции через публикации и работы французских архитекторов и декораторов, включая скульптора Клода III Одрана , дизайнера интерьеров Жиля-Мари Оппенорда , архитектора Жермена Боффрана , скульптора Жана Мондона и рисовальщика и гравера Пьера Лепотра . Их творчество оказало важное влияние на немецкий стиль рококо, но не достигло уровня построек в Южной Германии. [26]

Немецкие архитекторы адаптировали стиль рококо, но сделали его гораздо более асимметричным и нагруженным более богатым декором, чем французский оригинал. Немецкий стиль характеризовался взрывом форм, которые каскадом ниспадали по стенам. Он включал в себя лепнину, сформированную в кривые и контр-кривые, скручивающиеся и поворачивающиеся узоры, потолки и стены без прямых углов и лепную листву, которая, казалось, ползла по стенам и по потолку. Декор часто позолочивали или серебрили, чтобы придать ему контраст с белыми или бледно-пастельными стенами. [27]

Архитектор и дизайнер бельгийского происхождения Франсуа де Кювилье был одним из первых, кто создал здание в стиле рококо в Германии, с павильоном Амалиенбург в Мюнхене (1734 – 1739), вдохновленным павильонами Трианон и Марли во Франции. Он был построен как охотничий домик с площадкой на крыше для охоты на фазанов. Зеркальный зал в интерьере, созданный художником и скульптором по лепнине Иоганном Баптистом Циммерманом , был гораздо более пышным, чем любое французское рококо. [28]

Другим ярким примером раннего немецкого рококо является резиденция Вюрцбурга (1737–1744), построенная для принца-епископа Иоганна Филиппа Франца фон Шёнборна Вюрцбургского Бальтазаром Нойманном . Нойманн ездил в Париж и консультировался с французскими декоративными художниками рокайля Жерменом Боффраном и Робертом де Коттом . В то время как экстерьер был в более сдержанном стиле барокко, интерьер, особенно лестницы и потолки, был гораздо более светлым и декоративным. В 1750–1753 годах принц-епископ пригласил итальянского художника рококо Джованни Баттиста Тьеполо, чтобы создать фреску над трехуровневой церемониальной лестницей. [29] [30] [31] Нойманн описал интерьер резиденции как «театр света». Лестница также была центральным элементом в резиденции, которую Нойманн построил во дворце Аугустусбург в Брюле (1743 – 1748). В этом здании лестница вела посетителей через лепную фантазию картин, скульптур, изделий из железа и декора, с удивительными видами на каждом шагу. [29]

В 1740-х и 1750-х годах в Баварии было построено несколько примечательных паломнических церквей , интерьеры которых были оформлены в характерном варианте стиля рококо. Одним из самых примечательных примеров является Вискирхе (1745–1754), спроектированная Доминикусом Циммерманном . Как и большинство баварских паломнических церквей, внешний вид очень прост, с пастельными стенами и небольшим количеством орнамента. Войдя в церковь, посетитель сталкивается с удивительным театром движения и света. В ней есть овальное святилище и деамбулаторий такой же формы, заполняющий церковь светом со всех сторон. Белые стены контрастируют с колоннами из голубой и розовой лепнины в хоре, а куполообразный потолок окружен гипсовыми ангелами под куполом, представляющим небеса, заполненные красочными библейскими фигурами. Другие известные паломнические церкви включают Базилику Четырнадцати Святых Помощников , построенную Бальтазаром Нойманном (1743 – 1772). [32] [33]

Иоганн Михаэль Фишер был архитектором аббатства Оттобойрен (1748 – 1766), еще одной достопримечательности баварского рококо. Церковь, как и большая часть архитектуры рококо в Германии, отличается примечательным контрастом между регулярностью фасада и обилием декора в интерьере. [29]

Британия

В Великобритании рококо называли «французским вкусом», и он оказал меньшее влияние на дизайн и декоративно-прикладное искусство, чем в континентальной Европе, хотя его влияние ощущалось в таких областях, как изделия из серебра, фарфора и шелка. Уильям Хогарт помог разработать теоретическую основу красоты рококо. Хотя он и не упоминал рококо по имени, в своем «Анализе красоты» (1753) он утверждал, что волнообразные линии и S-образные изгибы, характерные для рококо, были основой изящества и красоты в искусстве или природе (в отличие от прямой линии или круга в классицизме ). [34]

Рококо медленно проникало в Англию. До того, как войти в рококо, британская мебель некоторое время следовала неоклассической палладианской модели под руководством дизайнера Уильяма Кента , который проектировал для лорда Берлингтона и других важных покровителей искусств. Кент путешествовал в Италию с лордом Берлингтоном между 1712 и 1720 годами и привез много моделей и идей из Палладио. Он проектировал мебель для дворца Хэмптон-Корт (1732), Чизвик-хауса лорда Берлингтона (1729), Лондон, Холкхэм-холла Томаса Кока , Норфолк, Хоутон-холла Роберта Уолпола , для Девоншир-хауса в Лондоне и для Раушэм-хауса . [23]

Красное дерево появилось в Англии около 1720 года и сразу же стало популярным для изготовления мебели, наряду с ореховым деревом. Рококо начало появляться в Англии между 1740 и 1750 годами. Мебель Томаса Чиппендейла была ближе всего к стилю рококо. В 1754 году он опубликовал «Справочник джентльменов и краснодеревщиков», каталог проектов мебели в стиле рококо, шинуазри и даже готики, который приобрел широкую популярность, выдержав три издания. В отличие от французских дизайнеров, Чиппендейл не использовал маркетри или инкрустацию в своей мебели. Преобладающими дизайнерами инкрустированной мебели были Вайл и Коб, краснодеревщики короля Георга III . Другой важной фигурой в британской мебели был Томас Джонсон , который в 1761 году, очень поздно в этот период, опубликовал каталог проектов мебели в стиле рококо. К ним относится мебель, основанная на довольно фантастических китайских и индийских мотивах, включая кровать с балдахином, увенчанную китайской пагодой (сейчас в Музее Виктории и Альберта ). [25]

Среди других выдающихся деятелей британского рококо был мастер по серебру Чарльз Фридрих Кандлер.

Россия

Большая церковь Зимнего дворца сегодня сохраняет свое первоначальное убранство в стиле рококо. Луковичная глава над ней — одна из немногих уступок старой русской архитектуре, которую разрешено видеть снаружи. Картина Эдуарда Гау .

Русский стиль рококо был в основном введен императрицей Елизаветой и Екатериной Великой [ нужна ссылка ] в XVIII веке придворными архитекторами, такими как Франческо Бартоломео Растрелли .

Работы Растрелли в таких дворцах, как Зимний дворец в Санкт-Петербурге и Екатерининский дворец в Царском Селе, включали в себя многие черты западноевропейской архитектуры рококо, включая величественные комнаты, украшенные сусальным золотом, зеркала и большие окна для естественного освещения внутри, а также мягкие пастельные тона, обрамленные большими окнами с капюшонами и карнизами снаружи с рокайльными мотивами, такими как асимметричные ракушки и камни. [35] Плафоны часто имели рококо-завитки, окружающие аллегорические картины древнегреческих и римских богов и богинь. [36] Полы часто инкрустировались паркетными узорами, выполненными из разных пород дерева, чтобы создавать сложные узоры в деревянной отделке.

Русская православная церковная архитектура также находилась под сильным влиянием рококо в XVIII веке, часто с квадратным греческим крестом с четырьмя равноудаленными крыльями. Внешние части были окрашены в светлые пастельные тона, такие как голубой и розовый, а колокольни часто были увенчаны позолоченными луковичными куполами. [37]

рококо в стиле фридриха

Фридрих Великий , от Иоганна Х. К. Франке, около 1781 г.

Фредериковское рококо — форма рококо, которая развивалась в Пруссии во время правления Фридриха Великого и объединила влияния Франции, Германии (особенно Саксонии ) и Нидерландов . [38] Самым известным его приверженцем был архитектор Георг Венцеслаус фон Кнобельсдорф . Кроме того, художник Антуан Песне и даже сам король Фридрих оказали влияние на проекты Кнобельсдорфа. Известные здания в стиле Фредерика включают дворец Сан-Суси , [39] Потсдамский городской дворец и части дворца Шарлоттенбург .

Отклонить и закончить

Сравнение гравюры XVIII века , изображающей чашечку-кратер в стиле рококо, работы Жака де Лажу , и римской чашечки-кратер I века , которая имеет точно такую ​​же форму, как садовая ваза из камня в стиле неоклассицизма.

Искусство Франсуа Буше и других художников того периода, с его акцентом на декоративной мифологии и галантности, вскоре вызвало реакцию и спрос на более «благородные» темы. В то время как рококо продолжало существовать в Германии и Австрии, Французская академия в Риме начала преподавать классический стиль. Это было подтверждено назначением Жана Франсуа де Труа директором академии в 1738 году, а затем в 1751 году Шарля-Жозефа Натуара .

Мадам де Помпадур , любовница Людовика XV, способствовала упадку стиля рококо. В 1750 году она отправила своего брата, Абеля-Франсуа Пуассона де Вандьера , в двухлетнюю миссию по изучению художественных и археологических разработок в Италии. Его сопровождали несколько художников, включая гравера Шарля-Николя Кошена и архитектора Суффло . Они вернулись в Париж со страстью к классическому искусству. Вандьер стал маркизом Мариньи и был назначен генеральным директором Королевских зданий . Он повернул официальную французскую архитектуру в сторону неоклассицизма. Кошен стал важным художественным критиком; он осудил мелкий стиль Буше и призвал к великому стилю с новым акцентом на античности и благородстве в академиях живописи и архитектуры. [40]

Начало конца рококо наступило в начале 1760-х годов, когда такие фигуры, как Вольтер и Жак-Франсуа Блондель, начали высказывать свою критику поверхностности и вырождения искусства. Блондель порицал «смешную мешанину ракушек, драконов, тростника, пальм и растений» в современных интерьерах. [41]

К 1785 году рококо вышло из моды во Франции, уступив место порядку и серьезности неоклассических художников, таких как Жак-Луи Давид . В Германии рококо конца 18 века высмеивалось как Zopf und Perücke («косичка и парик»), и эту фазу иногда называют Zopfstil . Рококо оставалось популярным в некоторых немецких провинциальных государствах и в Италии, пока вторая фаза неоклассицизма, « стиль ампир », не пришла с наполеоновским правительством и не смела рококо.

Мебель и декор

Орнаментальный стиль, называемый рокайль, появился во Франции между 1710 и 1750 годами, в основном во время регентства и правления Людовика XV ; стиль также назывался Louis Quinze . Его основными характеристиками были живописные детали, изгибы и контр-изгибы, асимметрия и театральное изобилие. На стенах новых парижских салонов извилистые и вьющиеся узоры, обычно выполненные из позолоченной или расписной лепнины, обвивали дверные проемы и зеркала, как виноградные лозы. Одним из самых ранних примеров был отель Субиз в Париже (1704–1705) с его знаменитым овальным салоном, украшенным картинами Буше и Шарля-Жозефа Натуара . [42]

Самым известным французским дизайнером мебели того периода был Жюст-Орель Мейсонье (1695 – 1750), который также был скульптором, художником и ювелиром королевского двора. Он носил титул официального дизайнера Палаты и Кабинета Людовика XV. Его работы сегодня хорошо известны благодаря огромному количеству гравюр, сделанных с его работ, которые популяризировали этот стиль по всей Европе. Он проектировал работы для королевских семей Саксонии и Португалии .

Италия была еще одним местом, где рококо процветал, как на ранних, так и на поздних этапах. Мастера Рима, Милана и Венеции производили щедро украшенную мебель и декоративные предметы.

Скульптурные украшения включали в себя флеретты, пальметты, ракушки и листву, вырезанные из дерева. Самые экстравагантные формы рокайля были обнаружены в консолях , столах, предназначенных для установки у стен. Комоды , или сундуки, которые впервые появились при Людовике XIV, были богато украшены рокайльным орнаментом из позолоченной бронзы. Они были сделаны мастерами, включая Жан-Пьера Лаца , и также имели маркетри из разноцветного дерева, иногда помещенного в шашечные кубические узоры, выполненные из светлого и темного дерева. В этот период также появилось шинуазри , часто в форме лакированных и позолоченных комодов, называемых falcon de Chine Верни- Мартена , в честь эбениста, который представил эту технику во Франции. Ормолу , или позолоченная бронза, использовалась мастерами, включая Жан-Пьера Лаца . Лац сделал особенно богато украшенные часы, установленные на картоньере для Фридриха Великого для его дворца в Потсдаме [ требуется разъяснение ] . Части импортного китайского фарфора часто устанавливались в оправы рококо из ормолу (позолоченной бронзы) для демонстрации на столах или консолях в салонах. Другие мастера имитировали японскую лакированную мебель и производили комоды с японскими мотивами. [18]

Британский рококо был более сдержанным. Мебельные проекты Томаса Чиппендейла сохраняли изгибы и ощущение, но не дотягивали до французских высот причудливости. Самым успешным представителем британского рококо, вероятно, был Томас Джонсон , талантливый резчик и дизайнер мебели, работавший в Лондоне в середине XVIII века.

Рисование

Элементы стиля рокайль появились в творчестве некоторых французских художников, включая вкус к живописности в деталях; кривые и контркривые; и асимметрию, которая заменила движение барокко изобилием, хотя французский рокайль так и не достиг экстравагантности германского рококо. [43] Ведущим сторонником был Антуан Ватто , особенно в «Погрузке на Киферу» (1717), Лувр , в жанре под названием «Галантный праздник», изображающем сцены молодых дворян, собравшихся вместе, чтобы отпраздновать в пасторальной обстановке. Ватто умер в 1721 году в возрасте тридцати семи лет, но его работы продолжали оказывать влияние на протяжении всего оставшегося столетия. Версия картины Ватто под названием « Паломничество на Киферу» была куплена Фридрихом Великим из Пруссии в 1752 или 1765 году для украшения его дворца Шарлоттенбург в Берлине. [43]

Продолжателем Ватто и Féte Galante в декоративной живописи был Франсуа Буше (1703 – 1770), любимый художник мадам де Помпадур . Среди его работ – чувственный Toilette de Venus (1746), который стал одним из самых известных образцов стиля. Буше участвовал во всех жанрах того времени, создавая гобелены, модели для фарфоровой скульптуры, декорации для Парижской оперы и Опера-Комик , а также декор для Ярмарки Сен-Лорана . [44] Другими важными художниками стиля Fête Galante были Николя Ланкре и Жан-Батист Патер . Стиль особенно повлиял на Франсуа Лемуана , который расписал роскошный потолок Салона Геркулеса в Версальском дворце , завершенный в 1735 году. [43] Картины с галантными празднествами и мифологическими сюжетами Буше, Пьера-Шарля Тремольера и Шарля-Жозефа Натуара украшали знаменитый салон отеля Субиз в Париже (1735 – 1740). [44] Среди других художников в стиле рококо: Жан Франсуа де Труа (1679–1752), Жан-Батист ван Лоо (1685–1745), два его сына Луи-Мишель ван Лоо (1707–1771) и Шарль-Амеде-Филипп ван Лоо (1719–1795), его младший брат Шарль-Андре ван Лоо (1705 – 1765), Николя Ланкре (1690–1743) и Жан Оноре Фрагонар (1732–1806).

В Австрии и Южной Германии наибольшее влияние на стиль рококо оказала итальянская живопись. Венецианский художник Джованни Баттиста Тьеполо , которому помогал его сын Джованни Доменико Тьеполо , был приглашен для росписи фресок для Вюрцбургской резиденции (1720–1744). Самым выдающимся художником баварских церквей в стиле рококо был Иоганн Баптист Циммерман , который расписал потолок Вискирхе ( 1745–1754).

Скульптура

Скульптура рококо была театральной, чувственной и динамичной, создавая ощущение движения во всех направлениях. Чаще всего ее можно было встретить в интерьерах церквей, обычно тесно связанных с живописью и архитектурой. Религиозная скульптура следовала стилю итальянского барокко, примером чего является театральный алтарь Карлскирхе в Вене.

Ранняя скульптура рококо или рокайль во Франции была легче и предлагала больше движения, чем классический стиль Людовика XIV. Это поощрялось, в частности, мадам де Помпадур , любовницей Людовика XV, которая заказала много работ для своих замков и садов. Скульптор Эдме Бушардон изобразил Купидона , занимающегося вырезанием своих стрел любви из дубины Геркулеса . Фигуры рококо также заполнили более поздние фонтаны в Версале , такие как Фонтан Нептуна Ламбера-Сигизберта Адама и Николя-Себастьяна Адама (1740). Основываясь на их успехе в Версале, они были приглашены в Пруссию Фридрихом Великим , чтобы создать скульптуру фонтана для парка Сан-Суси , Пруссия (1740-е годы). [45]

Этьен-Морис Фальконе (1716 – 1791) был еще одним ведущим французским скульптором того периода. Фальконе был наиболее известен своей статуей Медного всадника Петра Великого в Санкт-Петербурге, но он также создал серию небольших работ для богатых коллекционеров, которые могли быть воспроизведены в серии из терракоты или отлиты в бронзе. Французские скульпторы Жан-Луи Лемуан , Жан-Батист Лемуан , Луи-Симон Буазо , Мишель Клодион , Ламбер-Сигибер Адам и Жан-Батист Пигаль все создавали скульптуры сериями для коллекционеров. [46]

В Италии Антонио Коррадини был одним из ведущих скульпторов стиля рококо. Венецианец, он путешествовал по Европе, работая для Петра Великого в Санкт-Петербурге, для дворов в Австрии и Неаполе . Он предпочитал сентиментальные темы и создал несколько искусных работ женщин с лицами, закрытыми вуалями, одна из которых сейчас находится в Лувре . [47]

Наиболее сложные примеры скульптуры рококо были найдены в Испании, Австрии и южной Германии, в декоре дворцов и церквей. Скульптура была тесно интегрирована с архитектурой; невозможно было понять, где заканчивается одна и начинается другая. Во дворце Бельведер в Вене (1721 – 1722) сводчатый потолок Зала Атлантов держится на плечах мускулистых фигур, спроектированных Иоганном Лукасом фон Хильдебрандтом . Портал Дворца маркиза де Дос Агуас в Валенсии (1715 – 1776) был полностью покрыт скульптурой, вырезанной из мрамора по проектам Иполито Ровиры Броканделя. [48]

Алтарь El Transparente в главной часовне собора Толедо представляет собой возвышающуюся скульптуру из полихромного мрамора и позолоченной лепнины, в сочетании с картинами, статуями и символами. Он был создан Нарцисо Томе (1721 – 1732). Его конструкция позволяет свету проходить сквозь него, и при изменении света он, кажется, движется. [49]

Фарфор

Появилась новая форма мелкомасштабной скульптуры — фарфоровая фигурка или небольшая группа фигурок, изначально заменившая сахарные скульптуры на больших обеденных столах, но вскоре ставшая популярной для размещения на каминных полках и мебели. Количество европейских фабрик неуклонно росло в течение столетия, и некоторые из них производили фарфор, который мог себе позволить расширяющийся средний класс. Количество красочной надглазурной отделки , используемой на них, также увеличивалось. Обычно их моделировали художники, обучавшиеся скульптуре. Распространенными сюжетами были фигуры из комедии дель арте , уличные торговцы города, влюбленные и фигуры в модной одежде, а также пары птиц.

Иоганн Иоахим Кендлер был самым важным модельером мейсенского фарфора , самой ранней европейской фабрики, которая оставалась самой важной примерно до 1760 года. Немецкий скульптор швейцарского происхождения Франц Антон Бустелли изготовил множество разнообразных красочных фигурок для Нимфенбургской фарфоровой мануфактуры в Баварии, которые продавались по всей Европе. Французский скульптор Этьен-Морис Фальконе (1716 – 1791) последовал этому примеру. Создавая также крупномасштабные работы, он стал директором Севрской фарфоровой мануфактуры и изготавливал мелкомасштабные работы, как правило, о любви и веселье, для серийного производства.

Музыка

Период рококо существовал в истории музыки , хотя он не так хорошо известен, как ранние барочные и более поздние классические формы. Сам стиль музыки рококо развился из барочной музыки как во Франции, где новый стиль назывался style galant («галантный» или «элегантный» стиль), так и в Германии, где его называли empfindsamer Stil («чувственный стиль»). Его можно охарактеризовать как легкую, интимную музыку с чрезвычайно сложными и изысканными формами орнаментации . Примерами являются Жан Филипп Рамо , Луи-Клод Дакен и Франсуа Куперен во Франции; в Германии основными сторонниками стиля были К. Ф. Э. Бах и Иоганн Христиан Бах , два сына И. С. Баха .

Во второй половине XVIII века произошла реакция против стиля рококо, в первую очередь против его предполагаемого чрезмерного использования орнамента и декора. Возглавляемая Кристофом Виллибальдом Глюком , эта реакция возвестила о наступлении классической эпохи . К началу XIX века католическое мнение отвернулось от пригодности стиля для церковных контекстов, поскольку он «никоим образом не способствовал возникновению чувств преданности». [50]

Русский композитор эпохи романтизма Пётр Ильич Чайковский написал « Вариации на тему рококо» (соч. 33) для виолончели и оркестра в 1877 году. Хотя тема не рококо по происхождению, она написана в стиле рококо.

Мода

Платье с отложным воротником и нижняя юбка, 1775–1780 гг. Музей Виктории и Альберта, № T.180&A-1965

Мода рококо основывалась на экстравагантности, элегантности, утонченности и декоре. Женская мода семнадцатого века контрастировала с модой восемнадцатого века, которая была богато украшенной и утонченной, истинным стилем рококо. [51] Эта мода распространилась за пределы королевского двора в салоны и кафе восходящей буржуазии. [52] Пышный, игривый, элегантный стиль декора и дизайна, который мы теперь знаем как «рококо», тогда был известен как le style rocaille, le style moderne, le gout. [53]

Стиль, появившийся в начале восемнадцатого века, был robe volante [51] , струящееся платье, которое стало популярным к концу правления короля Людовика XIV. Это платье имело черты лифа с большими складками, ниспадающими по спине на землю по закругленной нижней юбке. Цветовая палитра была насыщенной, темные ткани сопровождались сложными, тяжелыми элементами дизайна. После смерти Людовика XIV стили одежды начали меняться. Мода повернулась к более легкому, более легкомысленному стилю, перейдя от периода барокко к известному стилю рококо [ 54] . Более поздний период был известен своими пастельными тонами, более открытыми платьями и обилием оборок, рюшей, бантов и кружев в качестве отделки. Вскоре после этого было введено типичное женское платье в стиле рококо, robe à la Française [51] , платье с обтягивающим лифом, глубоким вырезом, обычно с большим бантом из ленты по центру спереди, широкими панье и щедро отделанное большим количеством кружев, лент и цветов.

Складки Ватто [51] также стали более популярными, названными в честь художника Жана- Антуана Ватто , который с огромной точностью рисовал детали платьев вплоть до стежков кружева и других отделок. Позже, около 1718 года, в моду вошли «панье» и «мантуя ». Они представляли собой широкие обручи под платьем, чтобы расширить бедра в стороны, и вскоре они стали основным элементом официальной одежды. Это дало периоду рококо культовое платье с широкими бедрами в сочетании с большим количеством украшений на одежде. Широкие панье носили для особых случаев, и они могли достигать 16 футов (4,9 метра) в диаметре, [55] а меньшие обручи носили для повседневной обстановки. Эти особенности изначально пришли из испанской моды семнадцатого века, известной как guardainfante , изначально предназначенной для того, чтобы скрыть беременный живот, а затем переосмысленной позже как панье. [55] 1745 год стал Золотым веком рококо с появлением во Франции более экзотической восточной культуры, называемой a la turque . [51] Это направление стало популярным благодаря фаворитке Людовика XV, мадам де Помпадур , которая заказала художнику Шарлю-Андре ван Лоо нарисовать ее в образе турецкой султанши.

В 1760-х годах появился стиль менее формальных платьев, и одним из них был полонез , вдохновленный Польшей. Он был короче французского платья, позволяя видеть нижнюю юбку и лодыжки, что облегчало движения. Другим платьем, вошедшим в моду, было robe a l'anglais , которое включало элементы, вдохновленные мужской модой: короткий жакет, широкие лацканы и длинные рукава. [54] У него также был облегающий лиф, пышная юбка без панье, но все еще немного длинная сзади, чтобы сформировать небольшой шлейф, и часто какой-то вид кружевного платка, надеваемого на шею. Еще одним изделием был «редингот», нечто среднее между накидкой и пальто.

Аксессуары также были важны для всех женщин в это время, поскольку они добавляли роскоши и декора телу, чтобы соответствовать их платьям. На любой официальной церемонии дамы должны были прикрывать свои руки и кисти перчатками, если их одежда была без рукавов. [54]

Литература

В литературе этот термин «бесполезно расплывчат, но обычно подразумевает весёлую лёгкость и интимность тона, а также элегантную игривость». [5] Основными литературными жанрами рококо были малые формы, такие как лёгкая эротическая поэзия ( французское : poésie légère или poésie fugitive ), сонет , мадригал и другие песни, пастораль , волшебная сказка, новелла , но были и длинные повествовательные поэмы , например, шедевр на немецком языке Кристофа Мартина Виланда « Оберон» .

Преимущественно французский литературный стиль XVIII века , на который оказала влияние школа пресьезов XVII века , представлен Анной Клодом де Кайлюсом , автором « Искусства любви» П. Ж. Бернара, Александром Массоном де Пезе (повествовательная поэма «Купание Зелиса» ), аббатом де Фавром (поэма « Les quatre heures de la toilette des dames »), Эваристом де Парни , Жаном-Батистом Луве де Кувре и другими писателями. У рококо также были последователи в Италии ( Паоло Ролли , Пьетро Метастазио ) и Германии ( Фридрих фон Хагедорн , Иоганн Вильгельм Людвиг Глейм , Иоганн Уц , Иоганн Николаус Гётц ), [56] и в меньшей степени в английской и русской ( Ипполит Богданович ) литературе.

Галерея

Архитектура

Гравюры

Рисование

Живопись эпохи рококо

Смотрите также

Примечания и цитаты

  1. ^ ab Hopkins 2014, стр. 92.
  2. ^ Дюшер 1988, стр. 136.
  3. ^ "Письменный стол в стиле рококо". Музей Виктории и Альберта. Архивировано из оригинала 21 октября 2018 года . Получено 20 октября 2018 года .
  4. ^ "Стиль рококо (дизайн)". Encyclopaedia Britannica Online . Архивировано из оригинала 28 августа 2012 года . Получено 24 апреля 2012 года .
  5. ^ ab Baldick 2015.
  6. ^ Бейли 2014.
  7. ^ Словарь Merriam-Webster в Интернете
  8. ^ Моник Вагнер, От Галлии до Де Голля: Очерк французской цивилизации. Питер Ланг, 2005, стр. 139. ISBN 0-8204-2277-0 
  9. ^ Словарь Ларусса онлайн
  10. ↑ Мэрилин Стокстад, ред. История искусств. 4-е изд. Нью-Джерси: Prentice Hall, 2005. Печать.
  11. ^ де Морант 1970, стр. 355.
  12. ↑ Renault 2006, стр. 66.
  13. ^ "Этимология рококо" (на французском). Ortolong: сайт Centre National des Resources Textuelles et Lexicales . Получено 12 января 2019 г.
  14. ^ Ancien Regime Rococo Архивировано 11 апреля 2018 года на Wayback Machine . Bc.edu. Получено 29.05.2011.
  15. ^ "Рококо (1700–1760)". HuntFor.com. 2007. Архивировано из оригинала 7 октября 2009 года . Получено 8 февраля 2023 года .{{cite web}}: CS1 maint: неподходящий URL ( ссылка )
  16. ↑ Граур 1970, стр. 193–194.
  17. ↑ Граур 1970, стр. 194.
  18. ^ ab Ducher 1988, стр. 144.
  19. ↑ Граур 1970, стр. 160–163.
  20. ↑ Граур 1970, стр. 192.
  21. ^ Ловреглио, Аурелия и Анна, Dictionnaire des Mobiliers et des Objets d'art , Le Robert, Париж, 2006, с. 369
  22. ^ Хопкинс 2014, стр. 92–93.
  23. ^ ab de Morant 1970, стр. 382.
  24. ^ Кляйнер, Фред (2010). Искусство Гарднера сквозь века: западная перспектива. Cengage Learning. С. 583–584. ISBN 978-0-495-57355-5. Получено 21 февраля 2011 г.
  25. ^ abc de Morant 1970, стр. 383.
  26. ^ де Морант 1970, стр. 354–355.
  27. ^ Дюшер 1988, стр. 150–153.
  28. ^ Дюшер 1988, стр. 150.
  29. ^ abc Prina & Demartini 2006, стр. 222–223.
  30. ^ "Вюрцбургская резиденция". Бавария . Архивировано из оригинала 30 октября 2018 года.
  31. ^ Филд, Б. М. (2001). Величайшая архитектура мира: прошлое и настоящее . Regency House Publishing Ltd.
  32. ^ Дюшер 1988, стр. 152.
  33. ↑ Кабанн 1988, стр. 89–94.
  34. ^ "Влияние рококо на британское искусство – чайники". чайники . Получено 23 июня 2017 г. .
  35. ^ «Биография Растрелли, Франческо Бартоломео в веб-галерее искусств». www.wga.hu .
  36. ^ "Бартоломео Франческо Растрелли". Государственный музей-заповедник «Царское Село» .
  37. ^ «Архитектура Русской Православной Церкви». Университет Оберн .
  38. ^ Локер, Тобиас (2017). «Фридриховское рококо на службе Германской империи: Всемирная выставка 1900 года в Париже и декоративное искусство». ACTA ARTIS: Estudis d'Art Modern (4–5): 89–97. doi : 10.1344/actaartis.4-5.2017.19634 . ISSN  2014-1912.
  39. ^ Майкл Шерф; Ганс Бах; Джоан Клаф (2012). Дворец Сан-Суси (2-е изд.). Берлин. ISBN 978-3-422-04036-6. OCLC  796240061.{{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка )
  40. ^ Кабанн 1988, стр. 106.
  41. ^ "Die aufgerufene Seite exitiert nicht auf dem Server" . UB Гейдельберг . Архивировано из оригинала 17 марта 2020 года . Проверено 8 апреля 2013 г.
  42. ^ Кабанн 1988, стр. 102.
  43. ^ abc Cabanne 1988, стр. 98.
  44. ^ ab Cabanne 1988, стр. 104.
  45. ^ Дуби и Даваль 2013, стр. 789–791.
  46. ^ Дуби и Давал 2013, стр. 819.
  47. ^ Дуби и Даваль 2013, стр. 781–832.
  48. ^ Дуби и Даваль 2013, стр. 782–783.
  49. ^ Дуби и Даваль 2013, стр. 802–803.
  50. ^ Гитманн, Г. (1912). «Католическая энциклопедия: стиль рококо». Новое пришествие . Транскрибировано Германи, Ферруччо . Получено 8 февраля 2023 г.
  51. ^ abcde Фукуи, А. и Суо, Т. (2012). Мода: история с XVIII по XX век .
  52. ^ "Барокко/Рококо 1650–1800". История костюма .
  53. ^ Коффин, С. (2008). Рококо: продолжающаяся кривая, 1730–2008 . Нью-Йорк.{{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка )
  54. ^ abc "Революция стиля Марии-Антуанетты". National Geographic . Ноябрь 2016. Архивировано из оригинала 1 апреля 2017. Получено 22 апреля 2018 .
  55. ^ ab Glasscock, J. "Eighteenth-Century Silhouette and Support". Музей Метрополитен . Получено 22 апреля 2018 г.
  56. ^ Эрматингер 1928.
  57. ^ Хосе Кампече (1796). «Донья Мария де лос Долорес Гутьеррес дель Масо и Перес». Сайт Бруклинского музея . Нью-Йорк.

Библиография

Дальнейшее чтение

Внешние ссылки

На Викискладе есть медиафайлы по теме «Архитектура рококо» .
На Викискладе есть медиафайлы по теме «Искусство рококо» .
Найдите значение слова «рококо» в Викисловаре, бесплатном словаре.