stringtranslate.com

История азиатского искусства

Ли Чэн , Буддийский храм в горах , XI век, Китай, тушь на шелке, Музей искусств Нельсона-Аткинса , Канзас-Сити, Миссури

История азиатского искусства включает в себя широкий спектр искусств из различных культур, регионов и религий по всему континенту Азии. Основные регионы Азии включают Восточную , Юго-Восточную , Южную , Центральную и Западную Азию .

Восточноазиатское искусство включает в себя работы из Китая, Японии и Кореи, в то время как искусство Юго-Восточной Азии включает в себя искусство Брунея, Камбоджи, Восточного Тимора, Индонезии, Лаоса, Малайзии, Мьянмы (Бирмы), Филиппин, Сингапура, Таиланда и Вьетнама. Южноазиатское искусство охватывает искусство индийского субконтинента , в то время как центральноазиатское искусство в основном состоит из работ тюркских народов евразийской степи . Западноазиатское искусство охватывает искусство Ближнего Востока , включая древнее искусство Месопотамии , а в последнее время в нем доминирует исламское искусство .

Во многих отношениях история восточного искусства идет параллельно развитию западного искусства . [1] [2] Истории искусств Азии и Европы тесно переплетены, причем азиатское искусство оказывает большое влияние на европейское искусство, и наоборот; культуры смешиваются посредством таких методов, как передача искусства по Шелковому пути , культурный обмен эпохи Великих географических открытий и колонизации , а также посредством Интернета и современной глобализации . [3] [4] [5]

За исключением доисторического искусства , искусство Месопотамии представляет собой древнейшие формы искусства в Азии.

Верхний палеолит Северо-Восточная Азия

Одна из фигурок Венеры с Мальты , около 21 000 г. до н.э.

Первое современное человеческое поселение в сложных климатических условиях Северо-Восточной Азии датируется примерно 40 000 лет назад, а ранняя янская культура северной Сибири датируется примерно 31 000 годом до н. э. Около 21 000 года до н. э. развились две основные культуры: культура Мальта и немного позже культура Афонтова Гора-Ошурково . [6]

Культура культуры Мальта , сосредоточенная вокруг Мальты , на реке Ангара , недалеко от озера Байкал в Иркутской области , Южная Сибирь , создала некоторые из первых произведений искусства в период верхнего палеолита , с такими объектами, как статуэтки Венеры из Мальты . Эти фигурки чаще всего состоят из бивня мамонта . Фигуркам около 23 000 лет, и они происходят из граветтского периода . Большинство этих статуэток показывают стилизованную одежду. Довольно часто изображено лицо. [7] Традиция переносных статуэток верхнего палеолита была почти исключительно европейской, было высказано предположение, что Мальта имела некую культурную и культовую связь с Европой в тот период времени, но это остается невыясненным. [6] [8]

Восточноазиатское искусство

китайское искусство

Копия портрета Чжао Мэнфу (趙孟頫), Метрополитен-музей.

Китайское искусство (китайский: 中國藝術/中国艺术) менялось на протяжении всей своей древней истории , разделяясь на периоды правящими династиями Китая и меняющимися технологиями. Различные формы искусства находились под влиянием великих философов, учителей, религиозных деятелей и даже политических лидеров. Китайское искусство охватывает изобразительное искусство , народное искусство и исполнительское искусство . Китайское искусство — это искусство, современное или древнее, которое возникло или практикуется в Китае или китайскими художниками или исполнителями.

В эпоху династии Сун поэзия была отмечена лирической поэзией, известной как Цы (詞), которая выражала чувства желания, часто в принятой персоне. Также в эпоху династии Сун появились картины более тонких выражений пейзажей с размытыми очертаниями и контурами гор, которые передавали расстояние через импрессионистическую трактовку природных явлений. Именно в этот период в живописи акцент делался на духовных, а не эмоциональных элементах, как в предыдущий период. Куньцюй , старейшая сохранившаяся форма китайской оперы, развивалась во время династии Сун в Куньшане , недалеко от современного Шанхая. В эпоху династии Юань живопись китайского художника Чжао Мэнфу (趙孟頫) оказала большое влияние на позднюю китайскую пейзажную живопись, и опера династии Юань стала вариантом китайской оперы, которая продолжается и сегодня как кантонская опера .

Китайская живопись и каллиграфия

китайская живопись

Гунби и Сеи — два стиля китайской живописи.

Gongbi означает «тщательный», насыщенные цвета и детали на картине являются ее основными особенностями, ее содержание в основном изображает портреты или повествования. Xieyi означает «свободная рука», ее форма часто преувеличена и нереальна, с акцентом на эмоциональное выражение автора и обычно используется при изображении пейзажей. [9]

В дополнение к бумаге и шелку, на стенах также были сделаны традиционные картины, такие как гроты Могао в провинции Ганьсу. Гроты Дуньхуан Могао были построены во времена династии Северная Вэй (386–534 гг. н. э.). Он состоит из более чем 700 пещер, из которых 492 пещеры имеют фрески на стенах, общая площадь которых составляет более 45 000 квадратных метров. [10] [11] Фрески очень широки по содержанию, включают статуи Будды, рай, ангелов, важные исторические события и даже дарителей. Стили живописи в ранних пещерах получили влияние из Индии и Запада. Со времен династии Тан (618–906 гг. н. э.) фрески начали отражать уникальный стиль китайской живописи. [12]

Панорама « Вдоль реки во время праздника Цинмин» , репродукция XVIII века с оригинала XII века работы китайского художника Чжан Цзэдуаня ; Примечание: прокрутка начинается справа

Китайская каллиграфия

О каллиграфии Ми Фу , династия Сун

Китайская каллиграфия восходит к дачжуань (большой шрифт), который появился во времена династии Чжоу . После того, как император Цинь объединил Китай, премьер-министр Ли Си собрал и составил стиль сяочжуань (маленькая печать) в качестве нового официального текста. Маленький шрифт очень элегантен, но им трудно писать быстро. В Восточной династии Хань начал развиваться тип шрифта, называемый лишу (официальный шрифт). Поскольку он не показывает кругов и имеет очень мало изогнутых линий, он очень подходит для быстрого письма. После этого появился стиль кайшу (традиционный обычный шрифт), и поскольку его структура проще и аккуратнее, этот шрифт до сих пор широко используется. [13] [14]

Древние китайские ремесла

Сине-белая фарфоровая тарелка

Джейд

Ранний нефрит использовался в качестве украшения или жертвенной утвари. Самый ранний китайский резной нефритовый предмет появился в культуре Хэмуду в ранний неолитический период (около 3500–2000 гг. до н. э.). Во время династии Шан (ок. 1600–1046 гг. до н. э.) появились Би (круглый перфорированный нефрит) и Конг (квадратная нефритовая трубка), которые предположительно были жертвенной утварью, олицетворяющей небо и землю. Во время династии Чжоу (1046–256 гг. до н. э.) из-за использования более твердых гравировальных инструментов нефрит стали вырезать более изящно и начали использовать в качестве подвески или украшения в одежде. [15] [16] Нефрит считался бессмертным и мог защитить своего владельца, поэтому резные предметы из нефрита часто хоронили вместе с покойным, как, например, нефритовый погребальный костюм из гробницы Лю Шэна, принца династии Западная Хань . [16] [17]

Фарфор

Фарфор — это вид керамики, изготавливаемый из каолина при высокой температуре. Самая ранняя керамика в Китае появилась во времена династии Шан (ок. 1600–1046 гг. до н. э.). И производство керамики заложило основу для изобретения фарфора. Историю китайского фарфора можно проследить до династии Хань (206 г. до н. э. — 220 г. н. э.). [18] Во времена династии Тан фарфор разделялся на селадоновый и белый фарфор. Во времена династии Сун Цзиндэчжэнь был выбран в качестве королевского центра производства фарфора и начал производить синий и белый фарфор. [19]

Современное китайское искусство

После окончания последней феодальной династии в Китае , с возникновением нового культурного движения , китайские художники начали подвергаться влиянию западного искусства и начали интегрировать западное искусство в китайскую культуру. [20] Под влиянием американского джаза китайский композитор Ли Цзиньхуэй (известный как отец китайской поп-музыки) начал создавать и продвигать популярную музыку, которая произвела огромную сенсацию. [21] В начале 20-го века в Китае появились масляные картины, и все больше китайских художников начали прикасаться к западным техникам живописи и сочетать их с традиционной китайской живописью. [22] Между тем, новая форма живописи, комиксы, также начала расти. Она была популярна среди многих людей и стала самым доступным способом развлечения в то время. [23]

тибетское искусство

Тибетская буддийская песчаная мандала, демонстрирующая свои материалы
Джина Будда Ратнасамбхава, центральный Тибет, монастырь Кадампа , 1150–1225 гг.

Тибетское искусство относится к искусству Тибета ( Тибетский автономный район в Китае) и других нынешних и бывших гималайских королевств ( Бутан , Ладакх , Непал и Сикким ). Тибетское искусство — это прежде всего форма священного искусства , отражающая преобладающее влияние тибетского буддизма на эти культуры. Песчаная мандала ( тиб .: kilkhor ) — это тибетская буддийская традиция, которая символизирует преходящую природу вещей. Согласно буддийскому канону, все материальные вещи рассматриваются как преходящие. Песчаная мандала является примером этого, поскольку после того, как она была построена и сопровождающие ее церемонии и просмотр завершены, она систематически разрушается .

Когда буддизм Махаяны выделился в отдельную школу в IV веке до нашей эры, он подчеркивал роль бодхисаттв , сострадательных существ, которые отказываются от своего личного ухода в Нирвану , чтобы помогать другим. С ранних времен различные бодхисаттвы также были объектами скульптурного искусства. Тибетский буддизм, как потомок буддизма Махаяны, унаследовал эту традицию. Но дополнительное доминирующее присутствие Ваджраяны ( или буддийской тантры) могло иметь первостепенное значение в художественной культуре. Распространенным бодхисаттвой, изображаемым в тибетском искусстве, является божество Ченрезиг (Авалокитешвара), часто изображаемое как тысячерукий святой с глазом в середине каждой руки, представляющее всевидящего сострадательного, который слышит наши просьбы. Это божество также можно понимать как Йидама , или «медитационного Будду» для практики Ваджраяны.

Тибетский буддизм содержит тантрический буддизм , также известный как буддизм Ваджраяны из-за его общей символики ваджры , алмазной молнии (известной на тибетском языке как дордже ). Большую часть типичного тибетского буддийского искусства можно рассматривать как часть практики тантры. Техники Ваджраяны включают в себя множество визуализаций/воображений во время медитации, и большую часть сложного тантрического искусства можно рассматривать как вспомогательные средства для этих визуализаций; от представлений медитативных божеств ( йидамов ) до мандал и всех видов ритуальных принадлежностей.

В Тибете многие буддисты вырезают мантры на камнях в качестве формы преданности.

Визуальным аспектом тантрического буддизма является распространенное представление гневных божеств , часто изображаемых с гневными лицами, кругами пламени или с черепами мертвецов. Эти изображения представляют Защитников ( санскр . дхармапала ), и их устрашающий вид противоречит их истинной сострадательной природе. На самом деле, их гнев представляет их преданность защите учения дхармы , а также защите конкретных тантрических практик, чтобы предотвратить коррупцию или нарушение практики. Они наиболее важны как гневные психологические аспекты, которые могут быть использованы для преодоления негативных установок практикующего.

Историки отмечают, что китайская живопись оказала глубокое влияние на тибетскую живопись в целом. Начиная с 14-го и 15-го века тибетская живопись вобрала в себя множество элементов из китайской, а в течение 18-го века китайская живопись оказала глубокое и далеко идущее влияние на тибетское изобразительное искусство. [24] По словам Джузеппе Туччи , ко времени династии Цин «было разработано новое тибетское искусство, которое в определенном смысле было провинциальным эхом гладкой витиеватой изысканности китайского 18-го века». [24]

японское искусство

Четыре из шестнадцати раздвижных перегородок для комнат ( Птицы и цветы четырех сезонов [25] ), сделанных для японского аббата XVI века. Как правило, для более поздних японских пейзажей основное внимание уделяется объекту на переднем плане.

Японское искусство и архитектура включают в себя произведения искусства, созданные в Японии с момента появления там человека, где-то в 10-м тысячелетии до нашей эры, и до наших дней. Японское искусство охватывает широкий спектр художественных стилей и средств, включая древнюю керамику, скульптуру из дерева и бронзы, живопись тушью на шелке и бумаге и множество других видов произведений искусства; с древних времен до современного 21-го века.

Эта художественная форма приобрела большую популярность в столичной культуре Эдо (Токио) во второй половине XVII века, беря начало с одноцветных работ Хисикавы Моронобу в 1670-х годах. Сначала использовалась только тушь , затем некоторые отпечатки раскрашивались вручную кистью, но в XVIII веке Судзуки Харунобу разработал технику полихромной печати для создания нисики-э .

Хиросигэ , «Снег, падающий на город» , ок. 1833 г., укиё-э- гравюра

Японская живопись (絵画, Kaiga ) — одно из старейших и наиболее изысканных японских искусств , охватывающее широкий спектр жанров и стилей. Как и история японского искусства в целом, история японской живописи — это долгая история синтеза и конкуренции между исконно японской эстетикой и адаптацией импортных идей.

Истоки живописи в Японии восходят к доисторическому периоду Японии . Простые фигурки из палочек и геометрические узоры можно найти на керамике периода Дзёмон и бронзовых колокольчиках дотаку периода Яёй ( 300 г. до н. э. – 300 г. н. э.) . Настенные росписи как с геометрическими, так и с фигуративными узорами были найдены в многочисленных курганах периода Кофун (300–700 г. н. э.).

Древняя японская скульптура в основном произошла от идолопоклонства в буддизме или анимистических обрядов синтоистского божества. В частности, скульптура среди всех искусств стала наиболее прочно центрироваться вокруг буддизма. Традиционно используемыми материалами были металл, особенно бронза , и, чаще всего, дерево, часто лакированное , позолоченное или ярко раскрашенное. К концу периода Токугава такая традиционная скульптура, за исключением миниатюрных работ, в значительной степени исчезла из-за потери покровительства буддийских храмов и знати.

Ukiyo , что означает «плавающий мир», относится к стремительной молодой культуре, которая процветала в городских центрах Эдо (современный Токио), Осака и Киото , которые были миром в себе. Это иронический намек на омофонный термин «Скорбный мир» (憂き世), земной план смерти и возрождения, от которого буддисты искали освобождения.

корейское искусство

Чон Сон , Общий вид на гору Кымган (금강전도, 金剛全圖), Корея, около 1734 г.

Корейское искусство славится своими традициями в гончарном деле, музыке, каллиграфии, живописи, скульптуре и других жанрах, для которых часто характерны смелые цвета, естественные формы, четкие очертания и масштаб, а также декорирование поверхностей.

Хотя между тремя независимыми культурами существуют четкие и отличительные различия, между искусством Кореи , Китая и Японии существуют значительные исторические сходства и взаимодействия.

Изучение и оценка корейского искусства на Западе все еще находится на стадии формирования. Из-за положения Кореи между Китаем и Японией, Корея рассматривалась как простой проводник китайской культуры в Японию. Однако в последнее время ученые начали признавать уникальное искусство, культуру Кореи и важную роль не только в передаче китайской культуры, но и в ее усвоении и создании своей собственной уникальной культуры. Искусство, рожденное и развитое нацией, является ее собственным искусством.

В целом, история корейской живописи датируется примерно 108 г. н. э., когда она впервые появляется как независимая форма. Между этим временем и картинами и фресками, которые появляются на гробницах династии Корё , было мало исследований. Достаточно сказать, что до династии Чосон основное влияние оказывала китайская живопись, хотя и выполненная с корейскими пейзажами, чертами лица, буддийскими темами и акцентом на небесных наблюдениях в соответствии с быстрым развитием корейской астрономии.

На протяжении всей истории корейской живописи наблюдалось постоянное разделение монохромных работ, выполненных черной кистью на шелковой бумаге или шелке, и красочного народного искусства или мин-хва , ритуального искусства, росписи гробниц и праздничного искусства, в котором широко использовался цвет.

Это различие часто было основано на классовой принадлежности: ученые, особенно в области конфуцианского искусства , считали, что можно увидеть цвет в монохромных картинах в пределах градаций, и считали, что фактическое использование цвета огрубляет картины и ограничивает воображение. Корейское народное искусство и роспись архитектурных рам рассматривались как осветление определенных внешних деревянных рам, и снова в рамках традиции китайской архитектуры и ранних буддийских влияний обильного богатого тало и основных цветов, вдохновленных искусством Индии .

Современное искусство в Корее: Первый пример западной масляной живописи в корейском искусстве был в автопортретах корейского художника Ко Ху И-донга (1886–1965). Только три из этих работ сохранились до наших дней. Эти автопортреты передают понимание среды, которое выходит далеко за рамки утверждения стилистических и культурных различий. К началу двадцатого века решение рисовать маслом и холстом в Корее имело две разные интерпретации. Одна из них — чувство просветления из-за западных идей и стилей искусства. Это просветление произошло из интеллектуального движения семнадцатого и восемнадцатого веков. Ко рисовал этим методом в период аннексии Кореи Японией. В то время многие утверждали, что его искусство могло быть политическим, однако он сам заявлял, что он был художником, а не политиком. Ко заявил: «Пока я был в Токио, произошла очень любопытная вещь. В то время в Токио было менее сотни корейских студентов. Все мы впитывали новый воздух и приступали к новым исследованиям, но были некоторые, кто высмеивал мой выбор изучать искусство. Один близкий друг сказал, что мне было неправильно изучать живопись в такое время, как это». [26]

Корейская керамика была признана еще в 6000 году до нашей эры. Эту керамику также называли керамикой с гребенчатым узором из-за декоративных линий, вырезанных на внешней стороне. Ранние корейские общества в основном зависели от рыболовства. Поэтому они использовали керамику для хранения рыбы и других вещей, собранных в океане, таких как моллюски. Керамика имела два основных региональных отличия. Керамика с восточного побережья, как правило, имела плоское основание, тогда как керамика с южного побережья имела круглое основание. [27]

Искусство Юго-Восточной Азии

Брунейское искусство

Серебро — популярный элемент в брунейском искусстве . Серебряных дел мастера изготавливают украшения, цветочные вазы и гонги (металлический диск с выточенным ободом, издающий резонансный звук при застревании). Еще одна популярная утварь — пасигупан, разновидность мини-горшочка с рисунком мандалы , в котором хранится табак.

Навыки ткачества передавались из поколения в поколение. В Брунее производят ткань для пошива платьев и саронгов . «Ткачество и украшение ткани, а также ее ношение, демонстрация и обмен ею на протяжении многих лет были важной частью брунейской культуры (Orr 96)». Ткачество стало значимым в 15 веке. Антонио Пигафетта посетил Бруней во время своих путешествий и наблюдал, как изготавливалась одежда. Одним из примеров был Jongsarat, одежда ручной работы, используемая для свадеб и особых случаев. Обычно она включает в себя нотки серебра и золота. Ее можно использовать для настенных покрытий.

Два типа одежды в Брунее называются батик и икат . Батик — это окрашенная хлопчатобумажная ткань, декорированная с помощью техники, известной как восковое крашение . [28] Икат изготавливается с помощью того же процесса, что и батик. Вместо того, чтобы красить рисунок на готовой ткани, он создается во время ткачества.

камбоджийское искусство

Резьба по камню в Бантей Срей ( Ангкор )

Камбоджийское искусство и культура Камбоджи имеют богатую и разнообразную историю, насчитывающую много веков, и находились под сильным влиянием Индии . В свою очередь, Камбоджа оказала большое влияние на Таиланд , Лаос и наоборот. На протяжении всей долгой истории Камбоджи основным источником вдохновения была религия. На протяжении почти двух тысячелетий камбоджийцы развивали уникальную кхмерскую веру из синкретизма коренных анимистических верований и индийских религий буддизма и индуизма . Индийская культура и цивилизация, включая ее язык и искусство, достигли материковой части Юго-Восточной Азии около 1-го века н. э. [29] Обычно считается, что морские торговцы привезли индийские обычаи и культуру в порты вдоль Сиамского залива и Тихого океана, торгуя с Китаем. Первым государством, которое извлекло из этого выгоду, был Фунан . В разное время камбоджийская культура также впитывала элементы из яванской , китайской , лаосской и тайской культур. [30]

Каменный барельеф в храме Байон , изображающий кхмерскую армию, воюющую с чамами , высеченный около 1200 г. н.э.

История изобразительного искусства Камбоджи уходит корнями в глубину веков к древним ремеслам; кхмерское искусство достигло своего пика в период Ангкора . Традиционные камбоджийские искусства и ремесла включают текстиль, нетекстильное ткачество , серебряное дело , резьбу по камню , лаковые изделия , керамику , фрески в храмах и изготовление воздушных змеев . [31] Начиная с середины 20-го века, в Камбодже зародилась традиция современного искусства, хотя в конце 20-го века как традиционное, так и современное искусство пришло в упадок по нескольким причинам, включая убийство художников Красными кхмерами . Страна пережила недавнее художественное возрождение из-за возросшей поддержки со стороны правительств, НПО и иностранных туристов. [32]

Кхмерская скульптура

Кхмерская скульптура относится к каменной скульптуре Кхмерской империи , которая правила территорией, основанной на современной Камбодже, но гораздо большей, с 9 по 13 век. Самые знаменитые примеры можно найти в Ангкоре , который служил резиденцией империи.

К VII веку кхмерская скульптура начинает отдаляться от индуистских влияний — догуптовских для буддийских фигур, паллавских для индуистских фигур — и посредством постоянной стилистической эволюции она приходит к развитию собственной оригинальности, которую к X веку можно считать полной и абсолютной. Кхмерская скульптура вскоре выходит за рамки религиозного представления, которое становится почти предлогом для того, чтобы изображать придворных деятелей в облике богов и богинь. [33] Но, кроме того, она также становится средством и целью сама по себе для выполнения стилистической утонченности, как своего рода испытательный полигон. Мы уже видели, как социальный контекст кхмерского королевства дает второй ключ к пониманию этого искусства. Но мы также можем представить, что на более эксклюзивном уровне работали небольшие группы интеллектуалов и художников, соревнуясь между собой в мастерстве и утонченности, поскольку они преследовали гипотетическое совершенство стиля. [34]

Рельеф из Ангкора

Боги, которых мы находим в кхмерской скульптуре, являются богами двух великих религий Индии, буддизма и индуизма . И они всегда представлены с большой иконографической точностью, что ясно указывает на то, что за выполнением работ наблюдали ученые священники. [30] Тем не менее, в отличие от тех индуистских изображений, которые повторяют идеализированный стереотип, эти изображения трактуются с большим реализмом и оригинальностью, потому что они изображают живые модели: короля и его двор. Истинной социальной функцией кхмерского искусства было, по сути, прославление аристократии через эти изображения богов, воплощенных в принцах. Фактически, культ «дева-раджи» требовал развития в высшей степени аристократического искусства, в котором люди должны были видеть осязаемое доказательство божественности суверена, в то время как аристократия получала удовольствие, видя себя — если, правда, в идеализированной форме — увековеченной в великолепии замысловатых украшений, элегантных платьев и экстравагантных драгоценностей. [35]

Скульптуры являются восхитительными изображениями богов, королевских и внушительных особ, хотя и не лишенных женской чувственности, заставляющими нас думать о важных персонах при дворе и людях значительной власти. Художники, которые изваяли камни, несомненно, удовлетворили основные цели и требования, предъявляемые лицами, заказавшими их. Скульптуры представляют избранное божество в ортодоксальной манере и преуспевают в изображении, с большим мастерством и опытом, высоких фигур двора во всем их великолепии, в одежде, украшениях и драгоценностях утонченной красоты. [36]

филиппинское искусство

Статуя Мадонны с младенцем из слоновой кости.
Роспись потолка церкви Лила.
Церковь Мягао .

Самыми ранними известными филиппинскими видами искусства являются наскальные рисунки, самые древние из которых — петроглифы Ангоно , созданные в эпоху неолита и датируемые периодом между 6000 и 2000 годами до нашей эры. Возможно, резьба использовалась как часть древней лечебной практики для больных детей. За ними последовали петроглифы Алаба , датируемые не позднее 1500 года до нашей эры, на которых изображены символы плодородия, такие как наружные половые органы. Наскальные рисунки — это петрографы, в том числе наскальные рисунки из угля в Пеньябланке , наскальные рисунки из угля в Сингнапане , наскальные рисунки из красного гематита в Анде [ 37] и недавно обнаруженные наскальные рисунки из Монреаля (Тикао) , изображающие обезьян, человеческие лица, червей или змей, растения, стрекоз и птиц. [38] Между 890 и 710 годами до нашей эры на юге Палавана был изготовлен кувшин Манунггул . Он служил вторичным погребальным сосудом, где верхняя крышка изображает путешествие души в загробную жизнь через лодку с психопомпом . [39] В 100 г. до н.э. в горе были высечены пещеры для захоронения мумий Кабаян . Между 5 г. до н.э. и 225 г. н.э. в Котабато создавалась антропоморфная керамика Майтум . Изделия представляли собой вторичные погребальные сосуды, многие из которых изображали человеческие головы, руки, ноги и грудь. [40]

К IV веку нашей эры, а скорее всего и раньше, древние люди с Филиппин строили гигантские военные корабли, самые ранние известные археологические свидетельства были найдены в Бутуане , где корабль был идентифицирован как балангай и датирован 320 годом нашей эры. [41] Самый старый из найденных в настоящее время артефактов с письменным текстом на нем — это надпись на медной пластине Лагуна , датированная 900 годом нашей эры. На пластине обсуждается уплата долга. [42] Печать из слоновой кости Бутуа — самое раннее известное произведение искусства из слоновой кости в стране, датируемое IX–XII веками нашей эры. Печать содержит вырезанные изображения древнего текста. [43] В этот период были изготовлены различные артефакты, такие как изображение Агусана , золотая статуя божества, возможно, на которую оказали влияние индуизм и буддизм. [44] С XII по XV век был изготовлен серебряный палеограф Бутуа . Надпись на серебре еще предстоит расшифровать. [45] Между 13-м и 14-м веками уроженцы Бантона, Ромблон, изготавливали ткань Бантон , старейшую сохранившуюся ткань икат в Юго-Восточной Азии. Ткань использовалась в качестве погребального одеяла. [46] К 16-му веку, вплоть до конца 19-го века, испанская колонизация оказала влияние на различные формы искусства в стране. [47]

С 1565 по 1815 год филиппинские ремесленники изготавливали манильские галеоны, которые использовались для торговли из Азии в Америку, откуда многие товары отправлялись в Европу. [48] В 1565 году древняя традиция татуировки на Филиппинах была впервые зафиксирована через пинтадо . [49] В 1584 году был завершен форт Сан-Антонио-Абад , а в 1591 году был построен форт Сантьяго . К 1600 году были построены рисовые террасы Филиппинских Кордильер . Пять кластеров рисовых террас были признаны объектами Всемирного наследия . [50] В 1607 году была построена церковь Сан-Агустин (Манила) . Здание было объявлено объектом Всемирного наследия . Это место славится своим расписным интерьером. [51] В 1613 году старейшая сохранившаяся письменность суйат на бумаге была написана в документах Университета Санто-Томаса Байбаина . [52] После 1621 года в Тикао, Масбате были созданы Монреальские камни . [53] В 1680 году была создана Арка Столетий . В 1692 году был написан образ Нуэстра Сеньора де ла Соледад де Порта Вага . [54]

Церковь Манаоаг была основана в 1701 году. В 1710 году была построена церковь Паоай, объект Всемирного наследия . Церковь известна своими гигантскими контрфорсами, частью архитектуры сейсмостойкого барокко. [51] В 1720 году были созданы религиозные картины в Камарин-де-ла-Вирхен в Санта-Ане. [55] В 1725 году была построена историческая церковь Санта-Ана . В 1765 году была построена церковь Санта-Мария , объект Всемирного наследия . Это место примечательно своей горной структурой. [51] Церковь Бакарра была построена в 1782 году. В 1783 году были впервые зарегистрированы иджанги , замки-крепости Батанеса. Точный возраст сооружений до сих пор неизвестен. [56] В 1797 году была построена церковь Миагао , объект Всемирного наследия . Церковь славится своей резьбой на фасаде. [51] Церковь Таюм была построена в 1803 году. В 1807 году были созданы картины «Восстание баси», изображающие революцию илоканцев против испанского вмешательства в производство и потребление баси. В 1822 году был основан исторический парк Пако . ​​В 1824 году был создан бамбуковый орган Лас-Пиньяс , ставший первым и единственным органом, сделанным из бамбука. К 1852 году были завершены картины «Священное искусство» приходской церкви Сантьяго-Апостол . В 1884 году картины « Убийство губернатора Бустаманте и его сына» и «Сполиариум» получили призы на художественном конкурсе в Испании. В 1890 году была создана картина « Кормление курицы ». «Парижская жизнь» была написана в 1892 году, а «Булакенья» — в 1895 году. Глиняная скульптура « Триумф науки над смертью » была создана в 1890 году. [57] В 1891 году была построена первая и единственная полностью стальная церковь в Азии — церковь Сан-Себастьян (Манила) . В 1894 году была создана глиняная скульптура « Месть матери» . [58]

В 20 веке, или, возможно, раньше, был написан Коран Баянга. В то же время посторонние обнаружили Каменный сельскохозяйственный календарь Гуидай, Бесао. В 1913 году был завершен памятник Рисалю . В 1927 году было перестроено главное здание Университета Санто-Томаса , а в 1933 году было построено его Центральное здание семинарии. В 1931 году был разрушен королевский дворец Дарул Джамбанган в Сулу. [59] В том же году был построен Манильский столичный театр . Росписи «Прогресс медицины на Филиппинах» были закончены в 1953 году. Церковь Санто-Доминго была построена в 1954 году. В 1962 году была завершена роспись Международного института исследований риса , а в 1968 году была создана Манильская фреска . В 1993 году был создан памятник Бонифачо . [55] [45]

индонезийское искусство

Балийская картина, изображающая принца Панджи, встречающего трех женщин в джунглях.

Индонезийское искусство и культура формировались в результате длительного взаимодействия между оригинальными местными обычаями и многочисленными иностранными влияниями. Индонезия занимает центральное место на древних торговых путях между Дальним Востоком и Ближним Востоком, в результате чего многие культурные практики находятся под сильным влиянием множества религий , включая индуизм , буддизм , конфуцианство и ислам, все из которых сильны в крупных торговых городах. Результатом является сложная культурная смесь, сильно отличающаяся от оригинальных местных культур. Индонезия в целом не известна живописью, за исключением сложных и выразительных балийских картин, которые часто отображают природные сцены и темы из традиционных танцев.

Кенийская фреска в Лонг-Наванге, Восточный Калимантан .

Другие исключения включают в себя местные рисунки на кенийских рисунках, основанные на эндемичных природных мотивах, которые обычно встречаются в австронезийских культурах, таких как папоротники, деревья, собаки, птицы-носороги и человеческие фигуры. Их до сих пор можно найти на стенах длинных домов Кенийских даяков в регионе Апо-Кайан Восточного Калимантана .

В Индонезии бронзовый и железный века существовали долго , но этот вид искусства особенно расцвел в период с VIII по X век, как в виде отдельных произведений искусства, так и в составе храмов.

Рельефная скульптура из храма Боробудур , ок. 760–830 гг. н.э.

Наиболее примечательными являются сотни метров рельефных скульптур в храме Боробудур в центральной Яве . Примерно две мили изысканных рельефных скульптур рассказывают историю жизни Будды и иллюстрируют его учения. Первоначально в храме находилось 504 статуи сидящего Будды. Это место, как и другие в центральной Яве, демонстрирует явное индийское влияние.

Каллиграфия, в основном основанная на Коране , часто используется в качестве украшения, поскольку Ислам запрещает натуралистические изображения. Некоторые иностранные художники также обосновались в Индонезии . Современные индонезийские художники используют широкий спектр стилей и тем.

балийское искусство

Балийская картина, изображающая сцену из Рамаяны из Керта Гоши, изображающая Раму против Дасамукхи (Раваны).

Балийское искусство — это искусство индуистско - яванского происхождения, которое выросло из работ ремесленников королевства Маджапахит , с их экспансией на Бали в конце 13 века. С 16 по 20 век деревня Камасан, Клунгкунг (Восточный Бали), была центром классического балийского искусства. В первой половине 20 века развивались новые разновидности балийского искусства. С конца двадцатого века Убуд и соседние деревни приобрели репутацию центра балийского искусства. Убуд и Батуан известны своими картинами, Мас — резьбой по дереву, Челук — золотыми и серебряными делами, а Батубулан — резьбой по камню. Коваррубиас [60] описывает балийское искусство как «... высокоразвитое, хотя и неформальное народное искусство барокко, которое сочетает в себе крестьянскую живость с утонченностью классицизма индуистской Явы, но свободное от консервативных предрассудков и с новой жизненной силой, зажженной изобилием демонического духа тропического примитива». Эйсман указал, что балийское искусство на самом деле вырезано, расписано, соткано и подготовлено в объекты, предназначенные для повседневного использования, а не как object d 'art. [61]

В 1920-х годах, с прибытием многих западных художников, Бали стал художественным анклавом (как Таити для Поля Гогена ) для художников-авангардистов, таких как Вальтер Шпис (немец), Рудольф Бонне (голландец), Адриен-Жан Ле Майер (бельгиец), Ари Смит (голландец) и Дональд Френд (австралиец) в более поздние годы. Большинство этих западных художников оказали очень мало влияния на балийцев до периода после Второй мировой войны, хотя некоторые отчеты преувеличивают западное присутствие в ущерб признанию балийского творчества.

Этот новаторский период творчества достиг пика в конце 1930-х годов. Поток известных посетителей, включая Чарли Чаплина и антропологов Грегори Бейтсона и Маргарет Мид , поощрял талантливых местных жителей создавать весьма оригинальные работы. Во время своего пребывания на Бали в середине 1930-х годов Бейтсон и Мид собрали более 2000 картин, в основном из деревни Батуан, но также и из прибрежной деревни Санур. [62] Среди западных художников Спайса и Боннета часто приписывают модернизацию традиционной балийской живописи. Начиная с 1950-х годов балийские художники включили аспекты перспективы и анатомии этих художников. [63] Что еще более важно, они выступали в качестве агентов перемен, поощряя эксперименты и способствуя отходу от традиций. Результатом стал взрыв индивидуального самовыражения, который увеличил скорость изменений в балийском искусстве.

Лаосское искусство

Бронзовый Будда Лан Ксанг , Лаос, 17 век.

Лаосское искусство включает керамику , лаосскую буддийскую скульптуру и лаосскую музыку .

Лаосские буддийские скульптуры создавались из самых разных материалов, включая золото, серебро и, чаще всего, бронзу . Кирпич и известковый раствор также использовались для создания колоссальных изображений, самым известным из которых является изображение Phya Vat (16 век) во Вьентьяне , хотя реконструкция полностью изменила внешний вид скульптуры, и она больше не похожа на лаосского Будду. Дерево популярно для небольших, вотивных буддийских изображений, которые часто оставляют в пещерах. Дерево также очень распространено для больших, стоящих изображений Будды в натуральную величину. Самые известные две скульптуры, вырезанные из полудрагоценного камня, — это Phra Keo ( Изумрудный Будда ) и Phra Phuttha Butsavarat. Phra Keo, которая, вероятно, имеет происхождение от Xieng Sen ( Chiang Saen ), вырезана из цельного куска нефрита. Она покоилась во Вьентьяне в течение двухсот лет, прежде чем сиамцы увезли ее в качестве добычи в конце 18 века. Сегодня он служит палладиумом Королевства Таиланд и находится в Большом дворце в Бангкоке. Phra Phuttha Butsavarat, как и Phra Keo, также хранится в собственной часовне в Большом дворце в Бангкоке. До того, как сиамцы захватили его в начале 19 века, это хрустальное изображение было палладиумом лаосского королевства Чампассак .

Множество прекрасных лаосских буддийских скульптур вырезаны прямо в пещерах Пак Оу . Рядом с Пак Оу (устье реки Оу) находятся Тхам Тинг (нижняя пещера) и Тхам Тхенг (верхняя пещера) недалеко от Луангпхабанга , Лаос. Это великолепная группа пещер, куда можно добраться только на лодке, примерно в двух часах вверх по течению от центра Луангпхабанга , и в последнее время они стали более известными и посещаемыми туристами. Пещеры известны своими впечатляющими скульптурами в буддийском и лаосском стиле, вырезанными на стенах пещер, и сотнями выброшенных буддийских фигур, разложенных на полу и настенных полках. Их поместили туда, потому что их владельцы не хотели их уничтожать, поэтому для размещения там ненужных статуй требуется проделать сложный путь в пещеры.

малазийское искусство

Малазийское искусство в основном состоит из малайского искусства и искусства Борнео , сохраняя сходство с другими стилями Юго-Восточной Азии, такими как Бруней , Индонезия и Сингапур . История искусства в Малайзии восходит к малайским султанатам, с влиянием китайского , индийского и исламского искусств.

Традиционное малазийское искусство в основном сосредоточено на ремеслах резьбы, ткачества и серебряного дела. [64] Традиционное искусство варьируется от плетеных вручную корзин из сельской местности до серебряных изделий малайских дворов. Распространенные произведения искусства включали орнаментальные крисы и наборы из орехов-жуков . Изготавливаются роскошные ткани, известные как сонгкет , а также традиционные узорчатые ткани батик . Коренные жители Восточной Малайзии известны своими деревянными масками. Малазийское искусство расширилось только недавно, так как до 1950-х годов исламские табу на изображение людей и животных были сильны. [65] Такие ткани, как батик , сонгкет , пуа кумбу и текат, используются для украшений, часто вышитых росписью или узором. Традиционные ювелирные изделия изготавливались из золота и серебра, украшенных драгоценными камнями, а в Восточной Малайзии для того же эффекта использовались кожа и бусины. [66]

искусство Мьянмы

Будда на слоновьем троне; ок. 1890; Чикагский институт искусств (США)

Искусство Мьянмы относится к изобразительному искусству, созданному в Мьянме (Бирме). Древнее бирманское искусство находилось под влиянием Индии и часто носило религиозный характер, начиная от индуистских скульптур в королевстве Татон и заканчивая буддийскими изображениями Тхеравады в королевстве Шри Кшетра . [67]

Период Багана ознаменовался значительным развитием многих форм искусства, от настенных росписей и скульптур до лепнины и резьбы по дереву. [67] После нехватки сохранившихся произведений искусства между 14 и 16 веками, [68] художники создали картины и скульптуры, отражающие бирманскую культуру. [69] Бирманские художники подвергались вмешательству правительства и цензуре, что препятствовало развитию искусства в Мьянме. [70] Бирманское искусство отражает центральные буддийские элементы, включая мудру , рассказы Джатаки , пагоду и Бодхисаттву . [71]

сингапурское искусство

Chua Mia Tee , Урок национального языка , 1959, Масло на холсте, 112 x 153 см, Вид инсталляции в Национальной галерее Сингапура

История сингапурского искусства включает в себя местные художественные традиции Малайского архипелага и разнообразные визуальные практики странствующих художников и мигрантов из Китая , Индийского субконтинента и Европы . [72]

Сингапурское искусство включает в себя скульптурные, текстильные и декоративные художественные традиции малайского мира ; портретную живопись , пейзажи , скульптуру , гравюру и рисунки по естественной истории из британского колониального периода страны; наряду с китайским влиянием в стиле Наньян , искусством социального реализма , абстрактным искусством и фотографическими практиками, появившимися в послевоенный период. [72] Сегодня оно включает в себя современные художественные практики Сингапура после обретения независимости, такие как перформанс , концептуальное искусство , инсталляционное искусство , видеоарт , звуковое искусство и новое медиа-искусство . [73] Возникновение современного сингапурского искусства или, более конкретно, «возникновение самосознающего художественного выражения» [72] часто связывают с возникновением художественных ассоциаций, художественных школ и выставок в 20 веке, хотя с тех пор это было расширено и включает в себя более ранние формы визуального представления, например, из исторических периодов Сингапура. [74] [75]

В настоящее время современное искусство Сингапура также циркулирует на международном уровне через художественные биеннале и другие крупные международные выставки. Современное искусство в Сингапуре, как правило, исследует темы «гиперсовременности и застроенной среды; отчуждения и изменения социальных нравов; постколониальной идентичности и мультикультурализма ». [76] Среди этих тенденций «исследование перформанса и перформативного тела» является общей нитью. [76] Сингапур имеет заметную историю перформанса , при этом правительство исторически принимало правило об отсутствии финансирования для этой конкретной формы искусства с 1994 по 2003 год после спорного перформанса в арт-пространстве 5th Passage . [77] [78]

тайское искусство

Носовая часть королевской баржи «Супханнахонг» из Таиланда.

Тайское искусство и изобразительное искусство традиционно и в первую очередь были буддийским и королевским искусством. Скульптура была почти исключительно изображениями Будды , в то время как живопись ограничивалась иллюстрированием книг и украшением зданий, в первую очередь дворцов и храмов. Тайские изображения Будды разных периодов имеют ряд отличительных стилей. Современное тайское искусство часто сочетает традиционные тайские элементы с современными техниками.

Традиционные тайские картины изображали предметы в двух измерениях без перспективы . Размер каждого элемента на картине отражал степень его важности. Основной метод композиции — распределение областей: основные элементы изолируются друг от друга с помощью пространственных трансформаторов. Это устраняло промежуточную основу, которая в противном случае подразумевала бы перспективу. Перспектива была введена только в результате западного влияния в середине 19 века.

Наиболее распространенными сюжетами для картин были и остаются: истории из Джатак , эпизоды из жизни Будды , буддийские небеса и ад , а также сцены повседневной жизни.

Период Сукхотаи начался в 14 веке в королевстве Сукхотаи . Изображения Будды периода Сукхотаи элегантны, с гибкими телами и тонкими овальными лицами. Этот стиль подчеркивал духовный аспект Будды, опуская множество мелких анатомических деталей. Эффект усиливался распространенной практикой литья изображений из металла, а не их вырезания. В этот период появилась поза «идущий Будда».

Художники Сукхотаи пытались следовать каноническим отличительным признакам Будды, изложенным в древних палийских текстах:

В Сукхотае также производилось большое количество глазурованной керамики в стиле Саванкхалок , которая продавалась по всей Юго-Восточной Азии.

тиморское искусство

Искусство в Восточном Тиморе начало популяризироваться после насилия во время восточнотиморского кризиса 2006 года . Дети, живущие в стране, начали разрисовывать стены в виде мирных фресок . [79] [80]

Общество искусств Восточного Тимора содействует развитию искусства в регионе и хранит множество различных произведений искусства, созданных в стране. [81]

вьетнамское искусство

Поверхность бронзового барабана Нгок Лу, II-III вв. до н.э.
На картине Thuận Hóa Hoàng cung hấa thất (順化皇宮畫室) изображена фестивальная сцена в Хюэ.

Вьетнамское искусство относится к одной из старейших культур в регионе Юго-Восточной Азии. Богатое художественное наследие, которое восходит к доисторическим временам и включает: роспись по шелку, скульптуру, гончарное дело, керамику, гравюры на дереве, архитектуру, музыку, танцы и театр.

То Нгок Ван, Тиу ню бен хоа хуу (Молодая женщина с лилией) , 1943, масло

Традиционное вьетнамское искусство — это искусство, практикуемое во Вьетнаме или вьетнамскими художниками, с древних времен (включая сложные барабаны Đông Sơn ) до искусства после китайского господства , на которое сильно повлияло китайское буддийское искусство , а также другие философии, такие как даосизм и конфуцианство . Искусство Чампа и французское искусство также играли меньшую роль позже.

Китайское влияние на вьетнамское искусство распространяется на вьетнамскую керамику , каллиграфию и традиционную архитектуру. В настоящее время вьетнамская лаковая живопись оказалась весьма популярной.

Династия Нгуен , последняя правящая династия Вьетнама (ок. 1802–1945), увидела возобновление интереса к керамике и фарфоровому искусству. Императорские дворы по всей Азии импортировали вьетнамскую керамику.

Несмотря на то, насколько высоко развитыми стали исполнительские искусства (такие как императорская придворная музыка и танцы) во времена династии Нгуен, некоторые считают, что другие области искусства начали приходить в упадок во второй половине правления династии Нгуен.

Начиная с 19-го века современное искусство и французские художественные влияния распространились во Вьетнаме. В начале 20-го века была основана École Supérieure des Beaux Arts de l'Indochine (Индокитайский колледж искусств) для обучения европейским методам и оказывала влияние в основном в крупных городах, таких как Ханой и Хошимин . [82]

Ограничения на поездки, наложенные на вьетнамцев во время 80-летнего правления Франции во Вьетнаме и длительного периода войны за национальную независимость, привели к тому, что очень немногие вьетнамские художники смогли обучаться или работать за пределами Вьетнама. [83] Небольшое количество художников из обеспеченных семей имели возможность поехать во Францию ​​и сделать там свою карьеру в основном. [83] Примерами являются Ле Тхи Луу, Ле Пхо, Май Чунг Ту, Ле Ван Де, Ле Ба Данг и Фам Танг. [83]

Современные вьетнамские художники начали использовать французские техники со многими традиционными материалами, такими как шелк, лак и т. д., создавая таким образом уникальное сочетание восточных и западных элементов.

вьетнамская каллиграфия

Каллиграфия имеет долгую историю во Вьетнаме, ранее использовалось письмо Chữ Hán вместе с Chữ Nôm . Однако большая часть современной вьетнамской каллиграфии вместо этого использует основанное на латинице письмо Chữ Quốc Ngữ , которое оказалось очень популярным.

В прошлом, когда грамотность в старых системах письма на основе иероглифов во Вьетнаме была ограничена учеными и элитой, каллиграфия, тем не менее, по-прежнему играла важную роль в жизни вьетнамцев. В особых случаях, таких как Tết Nguyên Đán , люди шли к деревенскому учителю или ученому, чтобы сделать им каллиграфическую подвеску (часто поэзию, народные поговорки или даже отдельные слова). Люди, которые не умели читать или писать, также часто заказывали ученым писать молитвы, которые они сжигали в храмовых святилищах.

Южноазиатское искусство

буддийское искусство

Мандала Чандры, бога Луны, Непал (долина Катманду) через Метрополитен-музей

Буддийское искусство зародилось на индийском субконтиненте в веках, последовавших за жизнью исторического Гаутамы Будды в 6-5 веке до н. э., прежде чем развиваться через его контакты с другими культурами и его распространение по остальной Азии и миру. Буддийское искусство путешествовало с верующими, поскольку дхарма распространялась, адаптировалась и развивалась в каждой новой принимающей стране. Оно развивалось на север через Центральную Азию и в Восточную Азию, чтобы сформировать северную ветвь буддийского искусства, и на восток до Юго-Восточной Азии, чтобы сформировать южную ветвь буддийского искусства. В Индии буддийское искусство процветало и даже влияло на развитие индуистского искусства, пока буддизм почти не исчез в Индии около 10 века н. э. отчасти из-за энергичной экспансии ислама наряду с индуизмом .

Распространенным визуальным приемом в буддийском искусстве является мандала . С точки зрения зрителя она схематически представляет идеальную вселенную. [84] [85] В различных духовных традициях мандалы могут использоваться для сосредоточения внимания стремящихся и адептов, как духовный инструмент обучения, для установления священного пространства и как помощь в медитации и введении в транс . Ее символическая природа может помочь «получить доступ к более глубоким уровням бессознательного, в конечном счете помогая медитирующему испытать мистическое чувство единства с высшим единством, из которого возникает космос во всех его многообразных формах». [86] Психоаналитик Карл Юнг рассматривал мандалу как «представление центра бессознательного я» [87] и считал, что его картины мандал позволяют ему определять эмоциональные расстройства и работать над целостностью личности. [88]

Бутанское искусство

Бутанская тханка горы Меру и буддийской Вселенной, 19 век, Тронгса Дзонг , Тронгса, Бутан

Бутанское искусство похоже на искусство Тибета . Оба основаны на буддизме Ваджраяны с его пантеоном божественных существ.

Главные ордена буддизма в Бутане — это Друкпа Кагью и Ньингма . Первый является ветвью школы Кагью и известен картинами, документирующими родословную буддийских мастеров и 70 Дже Кхенпо (лидеров бутанского монашеского сообщества). Орден Ньингма известен изображениями Падмасамбхавы , которому приписывают введение буддизма в Бутан в 7 веке. Согласно легенде, Падмасамбхава спрятал священные сокровища для будущих буддийских мастеров, особенно Пема Лингпы , чтобы их нашли. Искатели сокровищ ( тертоны ) также являются частыми персонажами искусства Ньингма.

Каждому божественному существу приписываются особые формы, цвета и/или идентифицирующие объекты, такие как лотос, раковина, молния и чаша для подаяний. Все священные изображения изготавливаются по точным спецификациям, которые остаются удивительно неизменными на протяжении столетий.

Расписная мандала Бутанского Будды Медицины с богиней Праджняпарамитой в центре, XIX век, Музей искусств Рубина .

Бутанское искусство особенно богато бронзовыми изделиями разных видов, которые известны под общим названием Кхам-со (сделано в Кхаме ), хотя они и сделаны в Бутане, потому что техника их изготовления изначально была импортирована из восточной провинции Тибета под названием Кхам. Настенные росписи и скульптуры в этих регионах сформулированы на основе основных нестареющих идеалов буддийских художественных форм. Несмотря на то, что их акцент на деталях происходит от тибетских образцов, их происхождение можно легко различить, несмотря на обильно вышитые одежды и сверкающие украшения, которыми щедро покрыты эти фигуры. В гротескном мире демонов художники, по-видимому, имели большую свободу действий, чем при моделировании образов божественных существ.

Искусство и ремесла Бутана , представляющие исключительный «дух и самобытность гималайского королевства», определяются как искусство Зориг Чосума , что означает «тринадцать искусств и ремесел Бутана»; тринадцать ремесел включают плотницкое дело, живопись, изготовление бумаги, кузнечное дело, ткачество, скульптуру и многие другие ремесла. Институт Зориг Чосума в Тхимпху является ведущим учреждением традиционных искусств и ремесел, созданным правительством Бутана с единственной целью сохранения богатой культуры и традиций Бутана и обучения студентов всем традиционным видам искусства; в восточном Бутане есть еще одно подобное учреждение, известное как Траши Янгце. Сельская жизнь Бутана также представлена ​​в « Музее народного наследия » в Тхимпху. В Тхимпху также есть «Студия добровольных художников», которая поощряет и продвигает виды искусства среди молодежи Тхимпху. [89] [90]

индийское искусство

Якша , держащая балюстраду , Мадхья-Прадеш, Индия, период Шунга (2–1 века до н.э. ). Музей Гиме .
Фреска из пещер Аджанты , ок. 450–500 гг.

Индийское искусство можно классифицировать по определенным периодам, каждый из которых отражает определенные религиозные, политические и культурные события. Самые ранние примеры — это петроглифы , такие как найденные в Бхимбетке , некоторые из них датируются периодом до 5500 г. до н. э. Создание таких произведений продолжалось в течение нескольких тысячелетий.

Затем последовало искусство цивилизации долины Инда . Более поздние примеры включают резные колонны Эллоры , штат Махараштра . Другие примеры — фрески Аджанты и пещер Эллоры .

Вклад империи Великих Моголов в индийское искусство включает могольскую живопись — стиль миниатюрной живописи, на который сильно повлияли персидские миниатюры , а также могольскую архитектуру .

Во времена британского владычества современная индийская живопись развивалась в результате объединения традиционных индийских и европейских стилей. Раджа Рави Варма был пионером этого периода. В этот период развивалась бенгальская школа искусств под руководством Абанидраната Тагора , Гаганендраната Тагора , Джамини Роя , Мукула Дей и Нандалала Боса .

Одной из самых популярных форм искусства в Индии является ранголи . Это форма декорирования песком , которая использует тонко измельченный белый порошок и краски и широко используется снаружи домов в Индии.

Визуальные искусства (скульптура, живопись и архитектура) тесно взаимосвязаны с невизуальными искусствами. По словам Капилы Ватсьяяна , «классическая индийская архитектура, скульптура, живопись, литература (каавья), музыка и танцы развивали свои собственные правила, обусловленные соответствующими средствами, но они разделяли друг с другом не только основные духовные убеждения индийского религиозно-философского ума, но и процедуры, с помощью которых отношения символа и духовных состояний были детально разработаны».

Понимание уникальных качеств индийского искусства лучше всего достигается через понимание философской мысли, широкой культурной истории, социального, религиозного и политического контекста произведений искусства.

Конкретные периоды:

Непальское искусство

Древняя и изысканная традиционная культура Катманду , как и всего Непала , представляет собой непрерывную и исключительную встречу индуистского и буддийского этоса , практикуемого его высокорелигиозным народом. Она также вобрала в себя культурное разнообразие, предоставляемое другими религиями, такими как джайнизм , ислам и христианство .

пакистанское искусство

Пакистанское искусство имеет давнюю традицию и историю. Оно состоит из различных форм искусства, включая живопись , скульптуру , каллиграфию , гончарное дело и текстильное искусство , такое как тканый шелк. Географически оно является частью искусства индийского субконтинента , включая то, что сейчас является Пакистаном . [91]

Центральноазиатское искусство

Искусство в Центральной Азии — это визуальное искусство, созданное в основном тюркскими народами современных Кыргызстана , Казахстана , Узбекистана , Туркменистана , Азербайджана , Таджикистана , Монголии , Тибета , Афганистана и Пакистана , а также частей Китая и России. [92] [93] В последние столетия искусство в регионе находилось под сильным влиянием исламского искусства . Ранее на искусство Центральной Азии влияли китайское, греческое и персидское искусство через передачу искусства по Шелковому пути . [94]

Народное искусство кочевников

Женская статуэтка БМАК ( III-II тыс. до н. э.), греко-бактрийская статуэтка из Ай-Ханума (II в. до н. э.), статуэтка из Кош-Агача (VIII-X в. н. э.).

Народное искусство кочевников является важным аспектом искусства Центральной Азии. Искусство отражает суть образа жизни кочевых групп, проживающих в регионе. Невозможно не восхищаться красотой полудрагоценных камней, стеганых одеял, резных дверей и вышитых ковров, которые отражает это искусство. [95] [96]

Музыка и музыкальные инструменты

Центральная Азия обогащена классической музыкой и инструментами. Некоторые из известных классических музыкальных инструментов возникли в регионе Центральной Азии. Рубаб , домбра и чанг — вот некоторые из музыкальных инструментов, используемых в музыкальном искусстве Центральной Азии. [97]

Возрождение искусства Средней Азии

Жизнь народов Центральной Азии вращалась вокруг кочевого образа жизни. Таким образом, большинство центральноазиатских искусств в настоящее время также вдохновлены кочевым образом жизни, демонстрируя золотую эру. По сути, прикосновение традиции и культуры в центральноазиатском искусстве выступает в качестве основного фактора притяжения для международных художественных форумов. Глобальное признание центральноазиатского искусства, безусловно, добавило ему ценности. [98]

Искусство Западной Азии/Ближнего Востока

Искусство Месопотамии

исламское искусство

Иранское искусство

арабское искусство

Искусство Израиля и еврейской диаспоры

Галерея искусства Азии

Смотрите также

Конкретные темы в азиатском искусстве

Общие темы искусства

Океания

Австралия

Новая Зеландия

Ссылки

  1. ^ Салливан, Майкл (1997). Встреча восточного и западного искусства (мягкая обложка) (пересмотренное и расширенное издание). Беркли: University of California Press . ISBN 0-520-21236-3.
  2. ^ Wichmann, Siegfried (1999). Japonisme: The Japanese Influence on Western Art Since 1858 (мягкая обложка). Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Thames & Hudson. ISBN 0-500-28163-7.
  3. ^ Салливан, Майкл (1989). Встреча восточного и западного искусства (Твердый переплет) (Исправленное и расширенное издание). Беркли: Издательство Калифорнийского университета. ISBN 0-520-05902-6.
  4. ↑ Коттер, Холланд (10 июля 1994 г.). «Взгляд на искусство; Восточное искусство глазами Запада». The New York Times . Получено 27 октября 2007 г.
  5. ^ «Древнее искусство Ближнего Востока». Музей Метрополитен .
  6. ^ аб Тедеско, Лаура Энн. «Мальта (ок. 20 000 до н. э.)». Хронология истории искусств Метрополитен-Хайльбрунна . Метрополитен-музей.
  7. ^ Коэн, Клодин (2003). La femme des origines: образы женщин в западной предистории . Белин-Гершер. п. 113. ИСБН 978-2733503362.
  8. ^ Карен Дайан Дженнетт (май 2008 г.). «Женские фигурки верхнего палеолита» (PDF) . Техасский государственный университет . стр. 32–34 . Получено 26 мая 2016 г. .
  9. ^ Цзян, Шу-Цян; Ду, Цзюнь; Хуан, Цин-Мин; Хуан, Те-Цюнь; Гао, Вэнь (2005). «Построение визуальной онтологии для поиска оцифрованных художественных изображений». Журнал компьютерной науки и технологий . 20 (6): 855–860. doi :10.1007/s11390-005-0855-x. S2CID  12251260.
  10. ^ Ма, Яньтянь; Чжан, Хэ; Ду, Йе; Тянь, Тянь; Сян, Тин; Лю, Сяньдэ; У, Фаси; Ань, Личжэ; Ван, Ваньфу; Гу, Цзи-Дун; Фэн, Хуюань (2015). «Распределение сообществ бактерий и грибков на древних настенных рисунках гротов Могао». Scientific Reports . 5 : 7752. Bibcode :2015NatSR...5E7752M. doi :10.1038/srep07752. PMC 4291566 . PMID  25583346. S2CID  11977268. 
  11. ^ Кендердин, Сара (2013).«Чистая земля»: обитание в пещерах Могао в Дуньхуане. Куратор: The Museum Journal . 56 (2): 199–218. doi :10.1111/cura.12020.
  12. ^ Макинтайр, Дженнифер Н. (nd). "Пещеры Могао в Дуньхуане". Khan Academy . Получено 31 мая 2019 г.
  13. ^ Йи, К. (2019). Китайская каллиграфия | Описание, история и факты. Получено с https://www.britannica.com/art/Chinese-calligraphy
  14. ^ Чианг, И. (1973). Китайская каллиграфия (т. 60). Издательство Гарвардского университета.
  15. ^ Картрайт, М. (2019). Нефрит в Древнем Китае. Получено с [https://www.worldhistory.org/article/1088/jade-in-ancient-china/worldhistory.org]
  16. ^ ab Sullivan, M., & Silbergeld, J. (2019). Китайский нефрит. Получено с https://www.britannica.com/art/Chinese-jade
  17. ^ Шань, Цзюнь (6 декабря 2018 г.). «Значение нефрита в китайской культуре». ThoughtCo . Получено 1 июня 2019 г.
  18. ^ Валенштейн, Сюзанна Г. (1988). Справочник по китайской керамике . Нью-Йорк: Музей Метрополитен.
  19. ^ "Китайский фарфор". Silk Roads . United Nations Educational, Scientific and Cultural Organization. Архивировано из оригинала 30 декабря 2019 года . Получено 31 мая 2019 года .
  20. ^ Эндрюс, Дж. Ф. и Шен, К. (2012). Искусство современного Китая . Издательство Калифорнийского университета.
  21. ^ "История китайской поп-музыки". www.playlistresearch.com . Получено 3 июня 2019 г. .
  22. ^ "Век китайской масляной живописи". chinadaily.com.cn . 13 декабря 2007 г. Получено 3 июня 2019 г.
  23. ^ Лент, JA, и Ин, X. (2017). Искусство комиксов в Китае . Издательство Миссисипи.
  24. ^ ab Маккей, Алекс. История Тибета. Routledge. 2003. стр. 596-597. ISBN 0-7007-1508-8 
  25. ↑ Птицы и цветы четырёх времён года на wikiart.org
  26. ^ Ки, Джоан (апрель 2013 г.). «Современное искусство в ранней колониальной Корее: автопортреты Ко Хидонга». История искусств . 36 (2): 392–417. doi :10.1111/j.1467-8365.2013.00950.x.
  27. ^ "Ранняя корейская история". Ранняя корейская история : 1. 2007.
  28. ^ C, Josiah. "ИСТОРИЧЕСКАЯ ХРОНОЛОГИЯ КОРОЛЕВСКОГО СУЛТАНАТА СУЛУ, ВКЛЮЧАЯ СВЯЗАННЫЕ СОБЫТИЯ СОСЕДНИХ НАРОДОВ". www.seasite.niu.edu . Получено 3 июля 2018 г.
  29. ^ "Камбоджа сталкивается с "темным эпизодом" с возрождением традиционных искусств и культуры". Voice of America . Архивировано из оригинала 3 октября 2019 г. Получено 3 октября 2019 г.
  30. ^ ab "Камбоджийская культура и ее славные традиции художественной практики". Widewalls . Получено 3 октября 2019 г.
  31. ^ "Искусства и ремесла в Камбодже". Asia Highlights . Архивировано из оригинала 3 октября 2019 г. Получено 3 октября 2019 г.
  32. ^ Кори, Памела (2014). «Первый современный камбоджийский художник» (PDF) . Журнал кхмерских исследований . Архивировано из оригинала (PDF) 15 июля 2019 г. – через Корнельский университет.
  33. ^ ЮНЕСКО / Japan Funds-in-Trust (март 2002 г.). Восстановление и сохранение камбоджийского исполнительского искусства (отчет) . Получено 3 октября 2019 г. – через unesdoc.unesco.org.
  34. ^ "Khmer Art and Culture". Туризм Камбоджи . Архивировано из оригинала 3 октября 2019 г. Получено 3 октября 2019 г.
  35. ^ Phungtian, Charuwan. «Культурные связи Таиланда и Камбоджи через искусство» (PDF) . Buddha Dharma Education Association Inc. – через Университет Магадха.
  36. ^ "Камбоджийское искусство и архитектура". Inside Asia Tours . Архивировано из оригинала 3 октября 2019 г. Получено 3 октября 2019 г.
  37. ^ "Петроглифы и петрографы Филиппин". Центр всемирного наследия ЮНЕСКО . Получено 23 ноября 2022 г.
  38. ^ "Официальные лица призывают к защите и сохранению пещерного искусства в Монреале, Масбате". Архивировано из оригинала 7 июля 2020 г. Получено 10 июля 2020 г.
  39. ^ "Manunggul Jar". Национальный музей . Архивировано из оригинала 8 января 2020 г. Получено 10 июля 2020 г.
  40. ^ "Антропоморфные горшки". Национальный музей . Архивировано из оригинала 29 июля 2020 г. Получено 10 июля 2020 г.
  41. ^ "Балангай малайских предков объявлен национальной лодкой Филиппин | mb.com.ph | Новости Филиппин". Manila Bulletin . 8 декабря 2015 г. Архивировано из оригинала 8 декабря 2015 г.
  42. ^ Постма, Антун (апрель–июнь 1992 г.). «Надпись на медной пластине Лагуны: текст и комментарий». Philippine Studies . 40 (2): 182–203. JSTOR  42633308.
  43. ^ "Butuan Ivory Seal". Национальный музей . Архивировано из оригинала 19 ноября 2018 г. Получено 10 июля 2020 г.
  44. ↑ Окампо, Амбет Р. (26 июня 2019 г.). «Золотая Тара Агусана». Inquirer.net .
  45. ^ ab "Национальные культурные сокровища филиппинской археологии". Национальный музей . Архивировано из оригинала 18 октября 2018 г. Получено 10 июля 2020 г.
  46. ↑ Окампо, Амбет Р. (19 октября 2011 г.). «История и дизайн в одеялах смерти». Inquirer.net .
  47. ^ "Испанская колониальная традиция в изобразительном искусстве Филиппин - Национальная комиссия по культуре и искусству". ncca.gov.ph . Архивировано из оригинала 18 апреля 2021 г. . Получено 15 января 2022 г. .
  48. ^ Медильо, Роберт Джозеф П. (19 июня 2015 г.). «Забытая история? Полисты торговли галеонами». Рэплер . Проверено 23 ноября 2022 г.
  49. ↑ Блэр, Эмма Хелен. Филиппинские острова, 1493–1803 . Т. 2: 1521–1569. С. 126.
  50. ^ «Демистификация возраста рисовых террас Ифугао для деколонизации истории». Rappler . 14 апреля 2019 г.
  51. ^ abcd Всемирное наследие. "Барокко церкви Филиппин". Центр всемирного наследия ЮНЕСКО . Получено 23 ноября 2022 г.
  52. ^ Сембрано, Эдгар Аллан М. (25 августа 2014 г.). «Документы UST, написанные древним шрифтом «байбайин», объявлены национальным культурным достоянием». Philippine Daily Inquirer . Архивировано из оригинала 25 августа 2014 г. Получено 26 августа 2014 г.
  53. ^ Поте, Жан-Поль Г. (2019). Байбаин, слоговой алфавит тагалогов. Лулу.com. п. 115. ИСБН 9780244142414. но исследование показывает, что они не могут быть созданы ранее XVII века, поскольку в представленном здесь отрывке буква nga (кадры 1 и 3) имеет крестик-делетор /a/, введенный отцом Лопесом в 1621 году, и этот крест существенно отличается от диакритического знака, размещенного под символом ya для обозначения гласной /u/: /yu/ (кадр 2).
  54. ^ Панлилио, Эрлинда Энрикес (2003). «Всепоглощающие страсти: филиппинские предметы коллекционирования», стр. 70. Хайме К. Лайя. ISBN 9712714004 . 
  55. ^ ab [NCCA guidelines] (PDF) . Архивировано из оригинала (PDF) 28 июля 2018 г. . Получено 24 февраля 2020 г. – через ncca.gov.ph.
  56. ↑ Говард Т. Фрай, «Восточный проход и его влияние на испанскую политику на Филиппинах, 1758–1790», Philippine Studies, т. 33, First Quarter, 1985, стр. 3–21, стр. 18.
  57. ^ Рейес, Ракель АГ (2008). Любовь, страсть и патриотизм: сексуальность и филиппинское пропагандистское движение, 1882–1892. NUS Press, Национальный университет Сингапура (2008). ISBN 9789971693565. Получено 24 ноября 2013 г. .
  58. ^ "Mother's Revenge". Национальный музей . Архивировано из оригинала 27 мая 2020 г. Получено 10 июля 2020 г.
  59. ↑ Лаксон, Ноной Э. (4 июля 2018 г.). «Презентация «Жемчужины моря Сулу»» . Манильский бюллетень . Проверено 22 февраля 2020 г.
  60. ^ Коваррубиас, Мигель (1937). Остров Бали. Кассель. стр. 165.
  61. ^ Эйсман, Фред и Маргарет (1988). Резьба по дереву Бали . Перипл.
  62. ^ Geertz, Hildred (1994). Образы власти: балийские картины, созданные для Грегори Бейтсона и Маргарет Мид . Издательство Гавайского университета. ISBN 978-0-8248-1679-7.
  63. ^ Куто, Жан (1999). Каталог музея Пури Лукисан . Фонд Ратна Варта (т.е. Музей Пури Лукисан). ISBN 979-95713-0-8.
  64. ^ "Деятельность: Современное искусство Малайзии". Tourism.gov.my. Архивировано из оригинала 26 июля 2011 г. Получено 21 марта 2011 г.
  65. ^ Marshall Cavendish Corporation (2008). Мир и его народы: Малайзия, Филиппины, Сингапур и Бруней. Нью-Йорк: Marshall Cavendish Corporation. С. 1218–1222. ISBN 9780761476429.
  66. ^ "О Малайзии: Культура и наследие". Tourism.gov.my. Архивировано из оригинала 28 февраля 2011 г. Получено 21 марта 2011 г.
  67. ^ ab Cooler, Richard. "Глава II. Доязыческий период: городская эпоха мон и пью". Northern Illinois University. Архивировано из оригинала 26 марта 2023 г. Получено 8 января 2023 г.
  68. ^ Кулер, Ричард. «Постязыческий период — с 14 по 20 века. Часть 1». Университет Северного Иллинойса. Архивировано из оригинала 7 марта 2023 г. Получено 8 января 2023 г.
  69. ^ Рэймонд, Кэтрин (1 мая 2009 г.). «Шанское буддийское искусство на рынке: что, где и почему?» (PDF) . Современный буддизм . 10 (1): 141–157. doi :10.1080/14639940902916219. S2CID  144490936.
  70. ↑ Чинг, Изабель (1 июля 2011 г.). «Искусство из Мьянмы: возможности современности?». Третий текст . 25 (4): 431–446. doi :10.1080/09528822.2011.587688. S2CID  142589816.
  71. ^ "Введение и история буддизма и бирманского искусства в Бирме". www.burmese-buddhas.com . Получено 3 августа 2017 г. .
  72. ^ abc Сусанто, Мелинда (2015). «Тропический гобелен». Сиапа Нама Каму? Искусство Сингапура с 19 века . Сингапур: Национальная галерея Сингапура. стр. 30–41. ISBN 9789811405570.
  73. ^ Toh, Charmaine (2015). «Shifting Grounds». В Low, Sze Wee (ред.). Siapa Nama Kamu? Искусство в Сингапуре с 19 века . Национальная галерея Сингапура. стр. 92. ISBN 9789810973841.
  74. ^ Low, Sze Wee, ред. (2015). «Некоторые вступительные замечания». Siapa Nama Kamu? Искусство в Сингапуре с 19 века . Сингапур: Национальная галерея Сингапура. стр. 8–29. ISBN 9789810973520.
  75. ^ "TK Sabapathy". Esplanade Offstage . 12 октября 2016 г. Архивировано из оригинала 27 февраля 2021 г. Получено 27 февраля 2021 г.
  76. ^ ab Teh, David (2017). «Островные видения: заметки о видеоарте в Сингапуре». Японский фонд Азиатский центр исследований искусства . 3 – через Academia.org.
  77. ^ Ли, Венг Чой (1996). «Хронология противоречия». В Кришнан, С. К. Санджай; Ли, Венг Чой; Перера, Леон; Яп, Джимми (ред.). Взгляд на культуру. Сингапур: Artres Design & Communications. ISBN 9810067143. Архивировано из оригинала 8 июня 2020 года.
  78. ^ Lingham, Susie (ноябрь 2011 г.). «Искусство и цензура в Сингапуре: уловка 22?». ArtAsiaPacific (76). Архивировано из оригинала 15 сентября 2014 г. Получено 8 июня 2020 г.
  79. ^ Hooi, Khoo Ying (12 июня 2017 г.). «Как искусство исцеляет и оживляет молодежь Восточного Тимора». The Conversation . Получено 22 мая 2020 г.
  80. ↑ Guardian Staff (18 декабря 2008 г.). «Художественный класс в Восточном Тиморе». The Guardian . ISSN  0261-3077 . Получено 22 мая 2020 г.
  81. ^ "EAST TIMOR ARTS SOCIETY – Art Gallery" . Получено 22 мая 2020 г. .
  82. ^ "История искусств – Краткая история вьетнамского изобразительного искусства". Архивировано из оригинала 4 марта 2010 г.
  83. ^ abc Ngoc, Huu (2000). "Современная живопись: поиск корней". Vietnam Cultural Window . 29. Thế Giới Publishers. Архивировано из оригинала 6 марта 2012 г. Получено 23 апреля 2010 г.Полный текст доступен здесь Архивировано 27 марта 2010 г. на Wayback Machine
  84. ^ Блюм, Нэнси. «Исследование мандалы». Asia Society . Получено 19 ноября 2017 г.
  85. ^ Виолатти, Кристиан. «Мандала». Энциклопедия всемирной истории . Получено 19 ноября 2017 г.
  86. ↑ См. Дэвид Фонтана: «Медитация с мандалами», стр. 10.
  87. ^ "Carl Jung and the Mandala". netreach.net . Архивировано из оригинала 3 июня 2013 г. Получено 14 января 2010 г.
  88. ↑ См. К. Г. Юнг: Воспоминания, сны, размышления , стр. 186–197.
  89. ^ Браун, стр. 104 [ неполная краткая цитата ]
  90. ^ "Bhutan:Arts & Crafts". Совет по туризму Бутана:Правительство Бутана. Архивировано из оригинала 12 июня 2010 г. Получено 7 июня 2010 г.
  91. ^ Wille, Simone (19 сентября 2017 г.). Современное искусство в Пакистане: история, традиция, место. Routledge. ISBN 978-1-317-34136-9.
  92. ^ "Central Asia". Художественная галерея Нового Южного Уэльса . Архивировано из оригинала 3 октября 2019 г. Получено 3 октября 2019 г.
  93. ^ Хакимов, А.А.; Новгородова, Э.; Дани, А.Х. (1996). «Искусства и ремесла» (PDF) . История цивилизаций Центральной Азии . Том 4: Эпоха достижений, 750 г. н.э. до конца пятнадцатого века, часть I: Историческая, социальная и экономическая обстановка. Издательство ЮНЕСКО. С. 424–471. ISBN 978-92-3-103654-5. Архивировано из оригинала (PDF) 13 августа 2016 г.
  94. ↑ Encyclopaedia Britannica (2012). "Искусство Центральной Азии". Encyclopaedia Britannica . Получено 17 мая 2012 г. .
  95. ^ "Современное искусство в Центральной Азии как альтернативная площадка для дискуссий". Voices on Central Asia . 25 июня 2018 г. Получено 3 октября 2019 г.
  96. ^ Карр, Карен (31 мая 2017 г.). «Искусство Центральной Азии». Quatr.us Study Guides . Получено 3 октября 2019 г.
  97. ^ Хейс, Джеффри. «Культура, искусство, ремесла и музыка Центральной Азии». factsanddetails.com . Получено 3 октября 2019 г. .
  98. ^ Berczi, Szaniszlo (2009). «Древнее искусство Центральной Азии». Журнал евразийских исследований . 1 (3): 21–27 – через ResearchGate.

Дальнейшее чтение

Внешние ссылки

На Викискладе есть медиафайлы по теме «Искусство Азии» .