Ар-деко , сокращение от французского Arts décoratifs ( дословно « Декоративные искусства » ), [1] — стиль изобразительного искусства, архитектуры и дизайна продукции , впервые появившийся в Париже в 1910-х годах (незадолго до Первой мировой войны ), [2] и процветавший в Соединенных Штатах и Европе в 1920-х — начале 1930-х годов. Через стилистику и дизайн экстерьера и интерьера чего угодно, от крупных сооружений до небольших объектов, включая то, как выглядят люди (одежда, мода и ювелирные изделия), ар-деко повлиял на мосты, здания (от небоскребов до кинотеатров), корабли, океанские лайнеры , поезда, автомобили, грузовики, автобусы, мебель и предметы повседневного обихода, включая радиоприемники и пылесосы. [3]
Арт-деко получил свое название в честь Международной выставки современных декоративных и промышленных искусств ( Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes ), которая прошла в Париже в 1925 году . [4] Ар-деко берет свое начало в смелых геометрических формах Венского сецессиона и кубизма . С самого начала на него оказали влияние яркие цвета фовизма и Русских балетов , а также экзотические стили искусства Китая , Японии , Индии , Персии , Древнего Египта и майя .
В период своего расцвета ар-деко представляло собой роскошь, гламур, изобилие и веру в социальный и технический прогресс. Движение использовало редкие и дорогие материалы, такие как черное дерево и слоновая кость, а также изысканное мастерство. Оно также представило новые материалы, такие как хромирование , нержавеющая сталь и пластик. В Нью-Йорке Эмпайр-стейт-билдинг , Крайслер-билдинг и другие здания 1920-х и 1930-х годов являются памятниками этого стиля.
В 1930-х годах, во время Великой депрессии , ар-деко постепенно стал более сдержанным. Более изящная форма стиля, называемая Streamline Moderne , появилась в 1930-х годах, отличаясь изогнутыми формами и гладкими, полированными поверхностями. [5] Ар-деко был по-настоящему международным стилем, но его господство закончилось с началом Второй мировой войны и ростом строго функциональных и неукрашенных стилей современной архитектуры и последовавшего за этим международного стиля архитектуры. [6] [7]
Стиль ар-деко получил свое название, сокращенно от Arts Décoratifs , от Международной выставки современных декоративных и промышленных искусств, состоявшейся в Париже в 1925 году [4] , хотя разнообразные стили, характеризующие его, уже появлялись в Париже и Брюсселе еще до Первой мировой войны .
Arts décoratifs впервые был использован во Франции в 1858 году в Bulletin de la Société française de photographie . [8] В 1868 году газета Le Figaro использовала термин objets d'art décoratifs для обозначения предметов декорации, созданных для Театра Оперы . [9] [10] [11] В 1875 году французское правительство официально присвоило статус художников дизайнерам мебели, текстильщикам, ювелирам, стеклодувам и другим мастерам. В ответ на это École royale gratuite de dessin (Королевская бесплатная школа дизайна), основанная в 1766 году при короле Людовике XVI для обучения художников и ремесленников ремеслам, связанным с изящными искусствами, была переименована в École nationale des arts décoratifs ( Национальная школа декоративного искусства). Свое нынешнее название, ENSAD ( Национальная школа декоративного искусства ), она получила в 1920 году.
Фактически термин ар-деко не появлялся в печати до 1966 года в названии первой современной выставки на эту тему, проведенной Музеем декоративного искусства в Париже, Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau , которая охватывала множество основных стилей 1920-х и 1930-х годов. [12] Затем этот термин был использован в газетной статье 1966 года Хиллари Гелсон в The Times (Лондон, 12 ноября), описывающей различные стили на выставке. [13]
Термин «ар-деко» получил распространение как широко применяемый стилистический ярлык в 1968 году, когда историк Бевис Хиллиер опубликовал первую крупную академическую книгу о нем, «ар-деко 20-х и 30-х годов» . [3] Он отметил, что этот термин уже использовался торговцами произведениями искусства, и в качестве примеров приводит The Times (2 ноября 1966 года) и эссе под названием « Les Arts Déco» в журнале Elle (ноябрь 1967 года). [14] В 1971 году он организовал выставку в Институте искусств Миннеаполиса , которую он подробно описывает в своей книге «Мир ар-деко» . [15] [16]
В свое время ар-деко называли другими названиями, такими как style moderne , Moderne , modernistic или style contemporain , и он не был признан отдельным и однородным стилем. [7]
Новые материалы и технологии, особенно железобетон , сыграли ключевую роль в развитии и появлении ар-деко. Первый бетонный дом был построен в 1853 году в пригороде Парижа Франсуа Куанье. В 1877 году Жозеф Монье предложил идею укрепления бетона сеткой из железных прутьев в виде решетки. В 1893 году Огюст Перре построил первый бетонный гараж в Париже, затем многоквартирный дом, дом, а затем, в 1913 году, Театр на Елисейских полях . Один критик осудил театр как «Цеппелин авеню Монтень», предполагаемое германское влияние, скопированное с Венского сецессиона . После этого большинство зданий в стиле ар-деко были построены из железобетона, что давало большую свободу формы и меньшую потребность в укреплении столбов и колонн. Перре также был пионером в покрытии бетона керамической плиткой , как для защиты, так и для украшения. Архитектор Ле Корбюзье впервые узнал о применении железобетона, работая чертежником в студии Перре. [17]
Другими новыми технологиями, которые были важны для ар-деко, были новые методы производства листового стекла , которое было менее дорогим и позволяло делать гораздо более крупные и прочные окна, а также массового производства алюминия , который использовался для строительства и оконных рам, а позднее — Корбюзье, Уорреном МакАртуром и другими — для легкой мебели.
Архитекторы Венского сецессиона (образованного в 1897 году), особенно Йозеф Хоффман , оказали заметное влияние на ар-деко. Его дворец Стокле в Брюсселе (1905–1911) был прототипом стиля ар-деко, отличаясь геометрическими объемами, симметрией, прямыми линиями, бетоном, покрытым мраморными пластинами, тонкими скульптурными орнаментами и роскошными интерьерами, включая мозаичные фризы Густава Климта . Хоффман также был основателем Wiener Werkstätte (1903–1932), ассоциации ремесленников и дизайнеров интерьеров, работающих в новом стиле. Это стало моделью для Compagnie des arts français , созданной в 1919 году, которая объединила Андре Маре и Луи Сю , первых ведущих французских дизайнеров и декораторов ар-деко. [18]
_-_Kirche_am_Steinhof_(2).JPG/1280px-Penzing_(Wien)_-_Kirche_am_Steinhof_(2).JPG)
Возникновение ар-деко было тесно связано с ростом статуса декоративных художников, которые до конца XIX века считались просто ремесленниками. Термин arts décoratifs был изобретен в 1875 году [ нужна цитата ] , дав дизайнерам мебели, текстиля и других предметов декора официальный статус. Société des artistes décorateurs (Общество декоративных художников), или SAD, было основано в 1901 году, и декоративным художникам были предоставлены те же права авторства, что и художникам и скульпторам. Похожее движение развивалось в Италии. Первая международная выставка, полностью посвященная декоративному искусству, Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna , прошла в Турине в 1902 году. Несколько новых журналов, посвященных декоративному искусству, были основаны в Париже, включая Arts et décoration и L'Art décoratif moderne . Секции декоративно-прикладного искусства были введены в ежегодные салоны Sociéte des artistes français , а позднее в Salon d'Automne . Французский национализм также сыграл свою роль в возрождении декоративно-прикладного искусства, поскольку французские дизайнеры чувствовали себя брошенными вызовом растущему экспорту менее дорогой немецкой мебели. В 1911 году SAD предложил провести крупную новую международную экспозицию декоративно-прикладного искусства в 1912 году. Никакие копии старых стилей не допускались, только современные работы. Выставка была отложена до 1914 года; а затем, из-за войны, до 1925 года, когда она дала свое название всему семейству стилей, известному как «Déco». [19]
Парижские универмаги и модельеры также сыграли важную роль в развитии ар-деко. Такие известные компании, как фирма по производству столового серебра Christofle , дизайнер стекла René Lalique и ювелирные дома Louis Cartier и Boucheron, начали разрабатывать продукцию в более современных стилях. [20] [21] Начиная с 1900 года, универмаги нанимали декораторов для работы в своих дизайн-студиях. Оформление Осеннего салона 1912 года было поручено универмагу Printemps , [22] [23] и в том же году он создал собственную мастерскую Primavera . [23] К 1920 году в Primavera работало более 300 художников, стили которых варьировались от обновленных версий мебели в стиле Людовика XIV , Людовика XVI и особенно Луи-Филиппа, изготовленных Луи Сю и мастерской Primavera , до более современных форм из мастерской универмага Au Louvre . Другие дизайнеры, включая Эмиля-Жака Рульмана и Поля Фолло, отказались от массового производства, настаивая на том, чтобы каждое изделие изготавливалось индивидуально. Ранний стиль ар-деко отличался роскошными и экзотическими материалами, такими как черное дерево , слоновая кость и шелк, очень яркими цветами и стилизованными мотивами , особенно корзинами и букетами цветов всех цветов, что придавало модернистский вид. [24]
Зародившись между 1910 и 1914 годами, ар-деко представлял собой взрыв красок, ярких и часто конфликтующих оттенков, часто в цветочных узорах, представленных в обивке мебели , коврах, экранах, обоях и тканях. Множество красочных работ, включая стулья и стол Мориса Дюфрена и яркий ковер-гобелен Поля Фолло, были представлены на Салоне художников-декораторов 1912 года . В 1912–1913 годах дизайнер Адриен Карбовски создал цветочное кресло с рисунком попугая для охотничьего домика коллекционера произведений искусства Жака Дусе . [25] Дизайнеры мебели Луи Сю и Андре Мар впервые появились на выставке 1912 года под названием Atelier français , сочетая полихромные ткани с экзотическими и дорогими материалами, включая черное дерево и слоновую кость. После Первой мировой войны они стали одной из самых известных французских фирм по дизайну интерьера, производя мебель для салонов первого класса и кают французских трансатлантических лайнеров . [26]
Яркие оттенки ар-деко пришли из многих источников, включая экзотические декорации Леона Бакста для Русских балетов , которые произвели сенсацию в Париже незадолго до Первой мировой войны. Некоторые цвета были вдохновлены более ранним движением фовизма во главе с Анри Матиссом ; другие — орфизмом таких художников, как Соня Делоне ; [27] третьи — движением, известным как Les Nabis , и работами художника-символиста Одилона Редона, который проектировал каминные экраны и другие декоративные предметы. Яркие оттенки были характерной чертой работ модельера Поля Пуаре , чье творчество повлияло как на моду ар-деко, так и на дизайн интерьера. [26] [28] [29]
Театр на Елисейских полях (1910–1913) архитектора Огюста Перре был первым знаковым зданием в стиле ар-деко, построенным в Париже. Ранее железобетон использовался только для промышленных и жилых зданий, Перре построил первое современное железобетонное жилое здание в Париже на улице Бенджамина Франклина в 1903–04 годах. Анри Соваж , еще один важный будущий архитектор ар-деко, построил еще одно здание в 1904 году на улице Третень, 7 (1904). С 1908 по 1910 год 21-летний Ле Корбюзье работал чертежником в офисе Перре, изучая методы бетонного строительства. Здание Перре имело чистую прямоугольную форму, геометрический декор и прямые линии, будущие отличительные черты ар-деко. Декор театра также был революционным; Фасад был украшен горельефами Антуана Бурделя , куполом Мориса Дени , картинами Эдуара Вюйара и занавесом в стиле ар-деко Кер-Ксавье Русселя . Театр стал местом проведения многих первых представлений Русских балетов . [30] Перре и Соваж стали ведущими архитекторами ар-деко в Париже в 1920-х годах. [31] [32]
Художественное течение , известное как кубизм, возникло во Франции между 1907 и 1912 годами, оказав влияние на развитие ар-деко. [30] [27] [28] В книге «Ар-деко Полное: Полное руководство по декоративному искусству 1920-х и 1930-х годов » Аластер Дункан пишет: «Кубизм, в той или иной извращенной форме, стал языком общения декоративных художников той эпохи». [28] [33] Кубисты, сами находившиеся под влиянием Поля Сезанна , интересовались упрощением форм до их геометрических основ: цилиндра, сферы, конуса. [34] [35]
В 1912 году художники Section d'Or выставили работы, значительно более доступные для широкой публики, чем аналитический кубизм Пикассо и Брака. Кубистский словарь был готов привлечь дизайнеров моды, мебели и интерьера. [27] [29] [35] [36]
В разделе «Декоративные искусства» Осеннего салона 1912 года была представлена архитектурная инсталляция, известная как La Maison Cubiste . [37] [38] Фасад был спроектирован Раймоном Дюшаном-Вийоном . Декор дома был выполнен Андре Маре . [39] [40] La Maison Cubiste представлял собой меблированную инсталляцию с фасадом, лестницей, коваными перилами, спальней, гостиной — Буржуазным салоном , где висели картины Альбера Глеза , Жана Метценже , Мари Лоренсен , Марселя Дюшана , Фернана Леже и Роже де ла Френе . [41] [42] [43] Тысячи зрителей салона прошли через полномасштабную модель. [44]
Фасад дома, спроектированный Дюшаном-Вийоном, не был слишком радикальным по современным меркам; перемычки и фронтоны имели призматическую форму, но в остальном фасад напоминал обычный дом того периода. Для двух комнат Маре разработал обои, на которых были изображены стилизованные розы и цветочные узоры, а также обивку, мебель и ковры, все с яркими и красочными мотивами. Это был явный отход от традиционного декора. Критик Эмиль Седейн описал работу Маре в журнале Art et Décoration : «Он не смущается простотой, поскольку он умножает цветы везде, где их можно поставить. Эффект, которого он ищет, очевидно, является эффектом живописности и веселья. Он достигает этого». [45] Элемент кубизма был предоставлен картинами. Инсталляция была подвергнута критике некоторыми критиками как чрезвычайно радикальная, что помогло ей добиться успеха. [46] Эта архитектурная инсталляция впоследствии была представлена на выставке Armory Show 1913 года в Нью-Йорке, Чикаго и Бостоне. [27] [35] [47] [48] [49] Во многом благодаря выставке термин «кубизм» стал применяться ко всему современному, от женских стрижек до одежды и театральных постановок. [46]
Влияние кубизма продолжилось в ар-деко, даже когда деко разветвился во многих других направлениях. [27] [28]
Намеченная геометрия кубизма стала монетой королевства в 1920-х годах. Развитие ар-деко избирательной геометрии кубизма в более широкий спектр форм принесло кубизм как изобразительную таксономию гораздо более широкой аудитории и более широкой привлекательности. (Ричард Харрисон Мартин, Музей Метрополитен) [50]
Ар-деко не был единым стилем, а представлял собой совокупность различных и иногда противоречивых стилей. В архитектуре ар-деко был преемником (и реакцией на) ар-нуво, стиля, который процветал в Европе между 1895 и 1900 годами и сосуществовал с боз -ар и неоклассикой , которые преобладали в европейской и американской архитектуре. В 1905 году Эжен Грассе написал и опубликовал «Метод орнаментальной композиции, Éléments Rectilignes» [52], в котором он систематически исследовал декоративные (орнаментальные) аспекты геометрических элементов, форм, мотивов и их вариаций, в отличие от (и в качестве отступления от) волнообразного стиля ар-нуво Гектора Гимара , столь популярного в Париже несколькими годами ранее. Грассе подчеркивал принцип, согласно которому различные простые геометрические формы, такие как треугольники и квадраты, являются основой всех композиционных аранжировок. Железобетонные здания Огюста Перре и Анри Соважа, и в частности Театр на Елисейских полях , предложили новую форму строительства и декора, которая была скопирована во всем мире. [53]
В декоре ар-деко заимствовал и использовал множество различных стилей. Они включали досовременное искусство со всего мира, которое можно увидеть в Лувре , Музее человека и Национальном музее искусств Африки и Океании . Также был популярен интерес к археологии из-за раскопок в Помпеях , Трое и гробнице фараона 18-й династии Тутанхамона . Художники и дизайнеры интегрировали мотивы из Древнего Египта , Африки , Месопотамии , Греции , Рима , Азии, Мезоамерики и Океании с элементами машинного века . [57] [58] [59] [60] [61] [62]
Другие заимствованные стили включали футуризм , орфизм, функционализм и модернизм в целом. Кубизм обнаруживает свой декоративный потенциал в эстетике ар-деко, когда переносится с холста на текстильный материал или обои. Соня Делоне задумывает свои модели платьев в абстрактном и геометрическом стиле, «как живые картины или скульптуры живых форм». Дизайны в стиле кубизма созданы Луи Барриле в витражах американского бара в казино Atrium в Даксе (1926), но также включают названия модных коктейлей. В архитектуре четкий контраст между горизонтальными и вертикальными объемами, характерный как для русского конструктивизма , так и для линии Фрэнка Ллойда Райта - Виллема Маринуса Дудока , становится распространенным приемом в артикуляции фасадов ар-деко, от отдельных домов и многоквартирных домов до кинотеатров или заправочных станций. [69] [35] [57] [70] [71] Ар-деко также использовал конфликтующие цвета и дизайны фовизма, особенно в работах Анри Матисса и Андре Дерена , вдохновил дизайны текстиля, обоев и расписной керамики в стиле ар-деко. [35] Он взял идеи из лексикона высокой моды того периода, который включал геометрические узоры, шевроны, зигзаги и стилизованные букеты цветов. На него повлияли открытия в египтологии и растущий интерес к Востоку и африканскому искусству. С 1925 года он часто вдохновлялся страстью к новым машинам, таким как дирижабли, автомобили и океанские лайнеры, и к 1930 году это влияние привело к стилю, называемому Streamline Moderne . [72]
Событием, ознаменовавшим расцвет стиля и давшим ему название, стала Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств , которая проходила в Париже с апреля по октябрь 1925 года. Она была официально спонсирована французским правительством и охватывала территорию в Париже площадью 55 акров, простирающуюся от Большого дворца на правом берегу до Дома инвалидов на левом берегу и вдоль берегов Сены. Большой дворец, самый большой зал в городе, был заполнен экспонатами декоративно-прикладного искусства из стран-участниц. Было 15 000 экспонентов из двадцати разных стран, включая Австрию, Бельгию, Чехословакию, Данию, Великобританию, Италию, Японию, Нидерланды, Польшу, Испанию, Швецию и новый Советский Союз . Германия не была приглашена из-за напряженности после войны; Соединенные Штаты, неправильно понимая цель выставки, отказались от участия. Мероприятие посетили шестнадцать миллионов человек за семь месяцев его проведения. Правила выставки требовали, чтобы все работы были современными; никакие исторические стили не допускались. Главной целью выставки было продвижение французских производителей роскошной мебели, фарфора, стекла, металлоконструкций, текстиля и других декоративных изделий. Для дальнейшего продвижения продукции все основные парижские универмаги и крупные дизайнеры имели свои павильоны. Вторичной целью выставки было продвижение продукции из французских колоний в Африке и Азии, включая слоновую кость и экзотические породы дерева.
Hôtel du Collectionneur был популярной достопримечательностью на выставке; он демонстрировал новые проекты мебели Эмиля-Жака Рульмана, а также ткани в стиле ар-деко, ковры и картины Жана Дюпа . Дизайн интерьера следовал тем же принципам симметрии и геометрических форм, которые отличали его от ар-нуво, и ярким цветам, тонкой работе, редким и дорогим материалам, которые отличали его от строгой функциональности модернистского стиля. В то время как большинство павильонов были щедро украшены и заполнены роскошной мебелью ручной работы, два павильона, павильон Советского Союза и павильон L' Esprit Nouveau , построенный одноименным журналом, которым руководил Ле Корбюзье, были построены в строгом стиле с простыми белыми стенами и без украшений; они были одними из самых ранних примеров модернистской архитектуры . [73]
В 1925 году в ар-деко сосуществовали две разные конкурирующие школы: традиционалисты, основавшие Общество декоративных художников; в их число входили дизайнер мебели Эмиль-Жак Рульман, Жан Дюнан , скульптор Антуан Бурдель и дизайнер Поль Пуаре; они сочетали современные формы с традиционным мастерством и дорогими материалами. С другой стороны, были модернисты, которые все больше отвергали прошлое и хотели стиль, основанный на достижениях новых технологий, простоте, отсутствии декора, недорогих материалах и массовом производстве. В 1929 году модернисты основали свою собственную организацию, Французский союз современных художников . В ее состав входили архитекторы Пьер Шаро , Франсис Журден , Роберт Малле-Стивенс , Корбюзье и, в Советском Союзе, Константин Мельников ; ирландский дизайнер Эйлин Грей; французский дизайнер Соня Делоне; и ювелиры Жорж Фуке и Жан Пюифорка . Они яростно нападали на традиционный стиль ар-деко, который, по их словам, был создан только для богатых, и настаивали на том, что хорошо построенные здания должны быть доступны всем, и что форма должна следовать за функцией. Красота объекта или здания заключалась в том, идеально ли он подходил для выполнения своей функции. Современные промышленные методы означали, что мебель и здания могли производиться массово, а не вручную. [74] [75] [ нужна страница ]
Дизайнер интерьеров в стиле ар-деко Поль Фолло защищал ар-деко следующим образом: «Мы знаем, что человек никогда не довольствуется необходимым, а лишнее всегда необходимо... Если бы не это, нам пришлось бы избавиться от музыки, цветов и духов...!» [76] Однако Ле Корбюзье был блестящим публицистом модернистской архитектуры; он утверждал, что дом — это просто «машина для жизни», и неустанно продвигал идею о том, что ар-деко — это прошлое, а модернизм — будущее. Идеи Ле Корбюзье постепенно были приняты архитектурными школами, и эстетика ар-деко была заброшена. Те же черты, которые сделали ар-деко популярным в начале, его мастерство, дорогие материалы и орнамент, привели к его упадку. Великая депрессия, которая началась в Соединенных Штатах в 1929 году и вскоре после этого достигла Европы, значительно сократила число богатых клиентов, которые могли платить за мебель и предметы искусства. В экономическом климате депрессии немногие компании были готовы строить новые небоскребы. [35] Даже фирма Ruhlmann прибегла к серийному производству предметов мебели, а не к индивидуальным изделиям ручной работы. Последними зданиями, построенными в Париже в новом стиле, были Музей общественных работ Огюста Перре (ныне Французский экономический, социальный и экологический совет ), Дворец Шайо Луи -Ипполита Буало , Жака Карлю и Леона Азема , а также Дворец Токио Парижской международной выставки 1937 года ; они выходили окнами на грандиозный павильон нацистской Германии, спроектированный Альбертом Шпеером , который противостоял столь же грандиозному павильону социалистического реализма сталинского Советского Союза.
После Второй мировой войны доминирующим архитектурным стилем стал интернациональный стиль, пионерами которого были Ле Корбюзье и Мис ван дер Роэ . Несколько отелей в стиле ар-деко были построены в Майами-Бич после Второй мировой войны, но в других местах стиль в значительной степени исчез, за исключением промышленного дизайна, где он продолжал использоваться в автомобильном дизайне и таких продуктах, как музыкальные автоматы. В 1960-х годах он пережил скромное академическое возрождение, отчасти благодаря трудам историков архитектуры, таких как Бевис Хиллиер. В 1970-х годах в Соединенных Штатах и Европе были предприняты усилия по сохранению лучших образцов архитектуры ар-деко, и многие здания были отреставрированы и перепрофилированы. Постмодернистская архитектура , которая впервые появилась в 1980-х годах, как и ар-деко, часто включает в себя чисто декоративные элементы. [35] [57] [77] [78] Ар-деко продолжает вдохновлять дизайнеров и часто используется в современной моде, ювелирных изделиях и туалетных принадлежностях. [79]
На выставке 1925 года не было выделено ни одного раздела для живописи. Живопись в стиле ар-деко по определению была декоративной, предназначенной для украшения комнаты или архитектурного произведения, поэтому немногие художники работали исключительно в этом стиле, но два художника тесно связаны с ар-деко. Жан Дюпа нарисовал фрески в стиле ар-деко для павильона Бордо на выставке декоративного искусства 1925 года в Париже, а также написал картину над камином в экспозиции Maison du Collectionneur на выставке 1925 года, где была представлена мебель Рульмана и других выдающихся дизайнеров ар-деко. Его фрески также были заметны в декоре французского океанского лайнера SS Normandie . Его работа была чисто декоративной, разработанной как фон или сопровождение к другим элементам декора. [80]
Другой художник, тесно связанный со стилем, — Тамара де Лемпицка . Родилась в Польше, эмигрировала в Париж после русской революции . Она училась у Мориса Дени и Андре Лота и заимствовала многие элементы из их стилей. Она писала портреты в реалистичном, динамичном и красочном стиле ар-деко. [81]
В 1930-х годах в Соединенных Штатах появилась драматическая новая форма живописи в стиле ар-деко. Во время Великой депрессии был создан Федеральный художественный проект Управления общественных работ, чтобы дать работу безработным художникам. Многим было поручено украсить правительственные здания, больницы и школы. Не было определенного стиля ар-деко, используемого в росписях; художники, нанятые для росписи фресок в правительственных зданиях, были представителями многих разных школ, от американского регионализма до социального реализма ; среди них были Реджинальд Марш , Рокуэлл Кент и мексиканский художник Диего Ривера . Фрески были в стиле ар-деко, потому что все они были декоративными и связаны с деятельностью в здании или городе, где они были написаны: Реджинальд Марш и Рокуэлл Кент оба украшали почтовые здания США и изображали почтовых служащих за работой, в то время как Диего Ривера изображал рабочих автомобильного завода для Детройтского института искусств . Фреска Диего Риверы «Человек на перепутье» (1933) для 30 Rockefeller Plaza содержала несанкционированный портрет Ленина . [82] [83] Когда Ривера отказался убрать Ленина, картина была уничтожена, а новая фреска была написана испанским художником Хосепом Марией Сертом . [84] [85] [86]
.jpeg/1280px-Folie_Berg%C3%A8re_Paris_(36268584).jpeg)
Скульптура была очень распространенной и неотъемлемой чертой архитектуры ар-деко. Во Франции аллегорические барельефы, изображающие танец и музыку, работы Антуана Бурделя украсили самую раннюю достопримечательность ар-деко в Париже, Театр на Елисейских полях , в 1912 году. На выставке 1925 года основные скульптурные работы были размещены по всему участку, павильоны были украшены скульптурными фризами, а несколько павильонов были посвящены более мелкой студийной скульптуре. В 1930-х годах большая группа выдающихся скульпторов создала работы для Международной выставки искусств и технологий в современной жизни в Шайо 1937 года. Альфред Жаннио создал рельефные скульптуры на фасаде Дворца Токио. Музей современного искусства в Париже и эспланада перед Дворцом Шайо, обращенная к Эйфелевой башне, были заполнены новыми скульптурами Чарльза Малфрея , Генри Арнольда и многих других. [87]
Публичная скульптура в стиле ар-деко почти всегда была репрезентативной, обычно героических или аллегорических фигур, связанных с назначением здания или комнаты. Темы обычно выбирались покровителями, а не художником. Абстрактная скульптура для украшения встречалась крайне редко. [88] [89]
В Соединенных Штатах самым выдающимся скульптором ар-деко для общественного искусства был Пол Мэншип , который обновил классические и мифологические сюжеты и темы в стиле ар-деко. Его самой известной работой была статуя Прометея в Рокфеллеровском центре в Нью-Йорке, адаптация классического сюжета в 20 веке. Другие важные работы для Рокфеллеровского центра были сделаны Ли Лори , включая скульптурный фасад и статую Атланта .
Во время Великой депрессии в Соединенных Штатах многие скульпторы были заказаны для создания работ по украшению зданий федерального правительства, на средства, предоставленные WPA (Управление по выполнению работ) . Среди них был скульптор Сидни Билер Во, который создал стилизованные и идеализированные образы рабочих и их задач для зданий федеральных правительственных офисов. [90] В Сан-Франциско Ральф Стэкпол предоставил скульптуру для фасада нового здания фондовой биржи Сан-Франциско . В Вашингтоне, округ Колумбия, Майкл Ланц создал работы для здания Федеральной торговой комиссии .
В Великобритании скульптуры в стиле ар-деко для общественных зданий были созданы Эриком Гиллом для BBC Broadcasting House , а Рональд Аткинсон украсил вестибюль бывшего здания Daily Express в Лондоне (1932).
Одной из самых известных и, безусловно, самой большой публичной скульптурой в стиле ар-деко является статуя Христа-Искупителя французского скульптора Поля Ландовски , созданная в период с 1922 по 1931 год и расположенная на вершине горы с видом на Рио-де-Жанейро , Бразилия.
Многие ранние скульптуры в стиле ар-деко были небольшими и предназначались для украшения салонов. Один из жанров этой скульптуры назывался хризелефантинной статуэткой, названной в честь стиля древнегреческих храмовых статуй из золота и слоновой кости. Иногда их делали из бронзы, а иногда из более дорогих материалов, таких как слоновая кость, оникс , алебастр и листовое золото.
Одним из самых известных салонных скульпторов ар-деко был румынского происхождения Деметре Чипарус , который создавал красочные небольшие скульптуры танцоров. Среди других известных салонных скульпторов были Фердинанд Прейсс , Йозеф Лоренцль , Александр Келети, Доротея Шароль и Густав Шмидткассель. [91] Еще одним важным американским скульптором студийного формата была Харриет Уитни Фришмут , которая училась у Огюста Родена в Париже.
Пьер Ле Пагуайс был выдающимся скульптором студии ар-деко, чьи работы были представлены на выставке 1925 года. Он работал с бронзой, мрамором, слоновой костью, ониксом, золотом, алебастром и другими драгоценными материалами. [92]
Франсуа Помпон был пионером современной стилизованной анималистичной скульптуры. Он не был полностью признан за свои художественные достижения до 67 лет на Салоне d'Automne 1922 года с работой Ours blanc , также известной как Белый медведь , которая сейчас находится в Музее Орсе в Париже. [93]
Параллельно с этими скульпторами ар-деко, в Париже и Нью-Йорке работали более авангардные и абстрактные модернистские скульпторы. Наиболее выдающимися были Константин Бранкузи , Жозеф Чаки , Александр Архипенко , Анри Лоренс , Жак Липшиц , Гюстав Миклош , Жан Ламбер-Руки , Ян и Жоэль Мартель , Хана Орлофф и Пабло Гаргалло . [94]
Стиль ар-деко появился рано в графическом искусстве, в годы, непосредственно предшествовавшие Первой мировой войне. Он появился в Париже в афишах и эскизах костюмов Леона Бакста для Ballets Russes, а также в каталогах модельеров Поля Пуаре. [95] Иллюстрации Жоржа Барбье и Жоржа Лепапа, а также изображения в модном журнале La Gazette du bon ton прекрасно передали элегантность и чувственность стиля. В 1920-х годах внешний вид изменился; подчеркнутая мода стала более повседневной, спортивной и смелой, а модели-женщины обычно курили сигареты. Американские модные журналы, такие как Vogue , Vanity Fair и Harper's Bazaar, быстро подхватили новый стиль и популяризировали его в Соединенных Штатах. Он также повлиял на работу американских иллюстраторов книг, таких как Рокуэлл Кент. В Германии самым известным художником-плакатистом того периода был Людвиг Хольвайн , создававший красочные и драматичные плакаты для музыкальных фестивалей, пивных магазинов и, в конце своей карьеры, для нацистской партии. [96]
В период ар-нуво плакаты обычно рекламировали театральную продукцию или кабаре. В 1920-х годах туристические плакаты, созданные для пароходных линий и авиакомпаний, стали чрезвычайно популярными. Стиль заметно изменился в 1920-х годах, чтобы сосредоточить внимание на рекламируемом продукте. Изображения стали проще, точнее, более линейными, более динамичными и часто размещались на одноцветном фоне. Во Франции популярными дизайнерами ар-деко были Шарль Лупо и Поль Колин , который прославился своими плакатами американской певицы и танцовщицы Жозефины Бейкер . Жан Карлю разрабатывал плакаты для фильмов Чарли Чаплина, мыльных опер и театров; в конце 1930-х годов он эмигрировал в Соединенные Штаты, где во время Первой мировой войны он разрабатывал плакаты для поощрения военного производства. Дизайнер Шарль Жесмар прославился, создавая плакаты для певицы Мистингетт и для Air France . Среди самых известных французских дизайнеров плакатов в стиле ар-деко был Кассандр , который создал знаменитый плакат океанского лайнера SS Normandie в 1935 году. [96]
В 1930-х годах в США во время Великой депрессии появился новый жанр плакатов. Федеральный художественный проект нанял американских художников для создания плакатов, рекламирующих туризм и культурные мероприятия.
Архитектурный стиль ар-деко дебютировал в Париже в 1903–04 годах, когда были построены два многоквартирных дома в Париже: один — Огюстом Перре на улице Бенджамина Франклина, а другой — Анри Соважем на улице Третень. Два молодых архитектора впервые использовали железобетон в парижских жилых зданиях; новые здания имели чистые линии, прямоугольные формы и отсутствие декора на фасадах; они ознаменовали собой полный разрыв со стилем ар-нуво . [97] В период с 1910 по 1913 год Перре использовал свой опыт в бетонных многоквартирных домах для строительства Театра на Елисейских Полях, 15 авеню Монтень . В период с 1925 по 1928 год Соваж построил новый фасад в стиле ар-деко универмага La Samaritaine в Париже. [98]
Стиль ар-деко не ограничивался зданиями на суше; океанский лайнер SS Normandie , чье первое плавание состоялось в 1935 году, отличался дизайном ар-деко, включая столовую, потолок и отделка которой были выполнены из стекла компанией Lalique . [99]
Архитектуру ар-деко иногда подразделяют на три типа: зигзагообразный [модерн] (он же джаз-модерн [100] ), классический модерн и стримлайн-модерн [101] .
Стиль зигзаг-модерн (он же джаз-модерн ) был первым стилем, появившимся в Соединенных Штатах. « Зигзаг » относится к ступенчатому контуру небоскреба для преувеличения его высоты, [101] [100] и в основном использовался для крупных общественных и коммерческих зданий, в частности отелей, кинотеатров, ресторанов, небоскребов и универмагов. [102]
Классический модерн имеет более изящный вид и в нем меньше украшений. Классический модерн также иногда называют PWA ( Управление общественных работ ) модерн или Depression Moderne, так как он был предпринят PWA во время Великой депрессии . [102] [100] [101]
В конце 1930-х годов стала распространенной новая разновидность архитектуры ар-деко; она называлась Streamline Moderne или просто Streamline, или, во Франции, Style Paquebot , или стиль океанского лайнера. Здания в этом стиле имели закругленные углы и длинные горизонтальные линии; они были построены из железобетона и почти всегда были белыми; и иногда у них были морские черты, такие как перила и иллюминаторы, которые напоминали те, что на корабле. Закругленный угол не был совсем новым; он появился в Берлине в 1923 году в Mossehaus Эриха Мендельсона , а позже в Hoover Building , промышленном комплексе в лондонском пригороде Перивейл . В Соединенных Штатах он стал наиболее тесно связан с транспортом; Streamline Moderne редко встречался в офисных зданиях, но часто использовался для автобусных станций и терминалов аэропортов, таких как терминал в аэропорту Ла-Гуардиа в Нью-Йорке, который обслуживал первые трансатлантические рейсы на летающих лодках PanAm Clipper; и в придорожной архитектуре, такой как заправочные станции и закусочные. В конце 1930-х годов серия закусочных, смоделированных по образцу обтекаемых железнодорожных вагонов, была произведена и установлена в городах Новой Англии; по крайней мере два примера сохранились и теперь зарегистрированы как исторические здания. [103]
Американские небоскребы ознаменовали вершину стиля ар-деко; они стали самыми высокими и узнаваемыми современными зданиями в мире. Они были спроектированы так, чтобы продемонстрировать престиж своих строителей через свою высоту, форму, цвет и драматическое освещение ночью. [104] Здание American Radiator Building Рэймонда Худа (1924) объединило в дизайне здания элементы готики и деко. Черный кирпич на фасаде здания (символизирующий уголь) был выбран, чтобы дать представление о прочности и придать зданию прочную массу. Другие части фасада были покрыты золотыми кирпичами (символизирующими огонь), а вход был украшен мрамором и черными зеркалами. Еще одним ранним небоскребом в стиле ар-деко было здание Guardian в Детройте , которое открылось в 1929 году. Здание, спроектированное модернистом Виртом К. Роулендом , было первым, в котором в качестве декоративного элемента использовалась нержавеющая сталь, а также широко использовались цветные узоры вместо традиционных орнаментов.
Горизонт Нью-Йорка был радикально изменен зданием Крайслер-билдинг на Манхэттене (завершено в 1930 году), спроектированным Уильямом Ван Аленом . Это была гигантская семидесятисемиэтажная реклама автомобилей Chrysler. Верхушка была увенчана шпилем из нержавеющей стали и украшена декоративными «горгульями» в виде украшений из нержавеющей стали для радиаторных крышек. Основание башни, тридцать три этажа над улицей, было украшено красочными фризами в стиле ар-деко, а вестибюль был украшен символами и изображениями ар-деко, выражающими современность. [105]
Здание Крайслер вскоре превзошло по высоте здание Эмпайр-стейт-билдинг Уильяма Ф. Лэмба (1931) в чуть менее роскошном стиле деко и здание RCA (теперь 30 Rockefeller Plaza) Рэймонда Худа (1933), которые вместе полностью изменили горизонт Нью-Йорка. Верхушки зданий были украшены коронами и шпилями в стиле ар-деко, покрытыми нержавеющей сталью, а в случае здания Крайслер — горгульями в стиле ар-деко, смоделированными по образцу орнаментов радиаторов, в то время как входы и вестибюли были щедро украшены скульптурой, керамикой и дизайном в стиле ар-деко. Похожие здания, хотя и не такие высокие, вскоре появились в Чикаго и других крупных американских городах. Рокфеллеровский центр добавил новый элемент дизайна: несколько высоких зданий, сгруппированных вокруг открытой площади, с фонтаном посередине. [106]
Величественными витринами дизайна интерьера в стиле американского ар-деко были вестибюли правительственных зданий, театров и, в особенности, офисных зданий. Интерьеры были чрезвычайно красочными и динамичными, сочетая скульптуру, фрески и витиеватый геометрический дизайн из мрамора, стекла, керамики и нержавеющей стали. Ранним примером было здание Фишера в Детройте, спроектированное Джозефом Натаниэлем Френчем ; вестибюль был богато украшен скульптурой и керамикой. Здание Guardian (первоначально здание Union Trust Building) в Детройте, спроектированное Виртом Роулендом (1929), украшено красным и черным мрамором и яркой цветной керамикой, подчеркнутой отполированными стальными дверями лифта и стойками. Скульптурные украшения, установленные на стенах, иллюстрировали достоинства промышленности и сбережений; здание сразу же было названо «Собором коммерции». Медицинское и стоматологическое здание под названием 450 Sutter Street в Сан-Франциско, спроектированное Тимоти Пфлюгером, было вдохновлено архитектурой майя в сильно стилизованной форме; В нем использовались пирамидальные формы, а внутренние стены были покрыты стилизованными рядами иероглифов. [107]
Во Франции лучшим примером интерьера в стиле ар-деко в этот период был дворец Пале-де-ла-Порт-Доре (1931) Альбера Лапрада , Леона Жоссели и Леона Базена . Здание (ныне Национальный музей иммиграции с аквариумом в подвале) было построено для Парижской колониальной выставки 1931 года, чтобы прославить людей и продукцию французских колоний. Внешний фасад был полностью покрыт скульптурой, а вестибюль создавал гармонию ар-деко с деревянным паркетным полом с геометрическим узором, фреской, изображающей людей французских колоний; и гармоничной композицией вертикальных дверей и горизонтальных балконов. [107]
Многие из лучших сохранившихся примеров ар-деко — это кинотеатры, построенные в 1920-х и 1930-х годах. Период ар-деко совпал с переходом немого кино на звуковое, и кинокомпании построили большие демонстрационные площадки в крупных городах, чтобы привлечь огромную аудиторию, приходившую смотреть фильмы. Кинодворцы в 1920-х годах часто сочетали экзотические темы со стилем ар-деко; Египетский театр Граумана в Голливуде (1922) был вдохновлен древнеегипетскими гробницами и пирамидами , в то время как театр Fox в Бейкерсфилде, Калифорния, пристроил башню в стиле Калифорнийской миссии к залу ар-деко. Самым большим из всех является Radio City Music Hall в Нью-Йорке, который открылся в 1932 году. Первоначально спроектированный как театральное пространство для представлений, он быстро превратился в кинотеатр, вмещающий 6015 клиентов. В дизайне интерьера Дональда Дески использовались стекло, алюминий, хром и кожа, чтобы создать визуальный побег от реальности. Театр Paramount в Окленде, Калифорния, спроектированный Тимоти Пфлюгером, имел красочный керамический фасад, вестибюль высотой в четыре этажа и отдельные курительные комнаты в стиле ар-деко для мужчин и женщин. Похожие величественные дворцы появились в Европе. Grand Rex в Париже (1932) с его внушительной башней был крупнейшим кинотеатром в Европе после 6000 мест Gaumont-Palace (1931–1973). Gaumont State Cinema в Лондоне (1937) имел башню, смоделированную по образцу здания Empire State, покрытую кремовой керамической плиткой и интерьером в стиле ар-деко-итальянского ренессанса. Театр Paramount в Шанхае, Китай (1933) изначально был построен как танцевальный зал под названием The Gate of 100 pleasures ; он был преобразован в кинотеатр после Коммунистической революции в 1949 году, а сейчас это бальный зал и дискотека. В 1930-х годах итальянские архитекторы построили небольшой дворец кино, Cinema Impero, в Асмэре , что сейчас является Эритреей. Сегодня многие кинотеатры были разделены на мультиплексы, но другие были восстановлены и используются как культурные центры в своих общинах. [108]
![Восьмиугольный медальон – вывеска универмага La Samaritaine в Париже, Анри Соваж (1928)[114]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/19/Paris_La_Samaritaine_374.JPG/1280px-Paris_La_Samaritaine_374.JPG)
Decoration in the Art Deco period went through several distinct phases. Between 1910 and 1920, as Art Nouveau was exhausted, design styles saw a return to tradition, particularly in the work of Paul Iribe. In 1912 André Vera published an essay in the magazine L'Art Décoratif calling for a return to the craftsmanship and materials of earlier centuries and using a new repertoire of forms taken from nature, particularly baskets and garlands of fruit and flowers. A second tendency of Art Deco, also from 1910 to 1920, was inspired by the bright colours of the artistic movement known as the Fauves and by the colourful costumes and sets of the Ballets Russes. This style was often expressed with exotic materials such as sharkskin, mother of pearl, ivory, tinted leather, lacquered and painted wood, and decorative inlays on furniture that emphasized its geometry. This period of the style reached its high point in the 1925 Paris Exposition of Decorative Arts. In the late 1920s and the 1930s, the decorative style changed, inspired by new materials and technologies. It became sleeker and less ornamental. Furniture, like architecture, began to have rounded edges and to take on a polished, streamlined look, taken from the streamline modern style. New materials, such as nickel or chrome-plated steel, aluminium and bakelite, an early form of plastic, began to appear in furniture and decoration.[119]
Throughout the Art Deco period, and particularly in the 1930s, the motifs of the décor expressed the function of the building. Theatres were decorated with sculpture which illustrated music, dance, and excitement; power companies showed sunrises, the Chrysler building showed stylized hood ornaments; The friezes of Palais de la Porte Dorée at the 1931 Paris Colonial Exposition showed the faces of the different nationalities of French colonies. The Streamline style made it appear that the building itself was in motion. The WPA murals of the 1930s featured ordinary people; factory workers, postal workers, families and farmers, in place of classical heroes.[120]
Art Deco, like the complex times that engendered it, can best be characterized by a series of contradictions: minimalist vs maximalist, angular vs fluid, ziggurat vs streamline, symmetrical vs irregular, to name a few. The iconography chosen by Art Deco artists to express the period is also laden with contradictions. Fair maidens in 18th-century dress seem to coexist with chic sophisticated ladies and recumbent nudes, and flashes of lightning illuminate stylized rosebuds.[121]
French furniture from 1910 until the early 1920s was largely an updating of French traditional furniture styles, and the art nouveau designs of Louis Majorelle, Charles Plumet and other manufacturers. French furniture manufacturers felt threatened by the growing popularity of German manufacturers and styles, particularly the Biedermeier style, which was simple and clean-lined. The French designer Frantz Jourdain, the President of the Paris Salon d'Automne, invited designers from Munich to participate in the 1910 Salon. French designers saw the new German style and decided to meet the German challenge. The French designers decided to present new French styles in the Salon of 1912. The rules of the Salon indicated that only modern styles would be permitted. All of the major French furniture designers took part in Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare and Louis Suë took part, presenting new works that updated the traditional French styles of Louis XVI and Louis Philippe with more angular corners inspired by Cubism and brighter colours inspired by Fauvism and the Nabis.[122]
The painter André Mare and furniture designer Louis Süe both participated the 1912 Salon. After the war the two men joined to form their own company, formally called the Compagnie des Arts Française, but usually known simply as Suë and Mare. Unlike the prominent art nouveau designers like Louis Majorelle, who personally designed every piece, they assembled a team of skilled craftsmen and produced complete interior designs, including furniture, glassware, carpets, ceramics, wallpaper and lighting. Their work featured bright colors and furniture and fine woods, such as ebony encrusted with mother of pearl, abalone and silvered metal to create bouquets of flowers. They designed everything from the interiors of ocean liners to perfume bottles for the label of Jean Patou.The firm prospered in the early 1920s, but the two men were better craftsmen than businessmen. The firm was sold in 1928, and both men left.[123]
The most prominent furniture designer at the 1925 Decorative Arts Exposition was Émile-Jacques Ruhlmann, from Alsace. He first exhibited his works at the 1913 Autumn Salon, then had his own pavilion, the "House of the Rich Collector", at the 1925 Exposition. He used only most rare and expensive materials, including ebony, mahogany, rosewood, ambon and other exotic woods, decorated with inlays of ivory, tortoise shell, mother of pearl, Little pompoms of silk decorated the handles of drawers of the cabinets.[124] His furniture was based upon 18th-century models, but simplified and reshaped. In all of his work, the interior structure of the furniture was completely concealed. The framework usually of oak, was completely covered with an overlay of thin strips of wood, then covered by a second layer of strips of rare and expensive woods. This was then covered with a veneer and polished, so that the piece looked as if it had been cut out of a single block of wood. Contrast to the dark wood was provided by inlays of ivory, and ivory key plates and handles. According to Ruhlmann, armchairs had to be designed differently according to the functions of the rooms where they appeared; living room armchairs were designed to be welcoming, office chairs comfortable, and salon chairs voluptuous. Only a small number of pieces of each design of furniture was made, and the average price of one of his beds or cabinets was greater than the price of an average house.[125]
Jules Leleu was a traditional furniture designer who moved smoothly into Art Deco in the 1920s; he designed the furniture for the dining room of the Élysée Palace, and for the first-class cabins of the steamship Normandie. his style was characterized by the use of ebony, Macassar wood, walnut, with decoration of plaques of ivory and mother of pearl. He introduced the style of lacquered Art Deco furniture in the late 1920s, and in the late 1930s introduced furniture made of metal with panels of smoked glass.[126] In Italy, the designer Gio Ponti was famous for his streamlined designs.
The costly and exotic furniture of Ruhlmann and other traditionalists infuriated modernists, including the architect Le Corbusier, causing him to write a famous series of articles denouncing the arts décoratif style. He attacked furniture made only for the rich and called upon designers to create furniture made with inexpensive materials and modern style, which ordinary people could afford. He designed his own chairs, created to be inexpensive and mass-produced.[127]
In the 1930s, furniture designs adapted to the form, with smoother surfaces and curved forms. The masters of the late style included Donald Deskey, who was one of the most influential designers; he created the interior of the Radio City Music Hall. He used a mixture of traditional and very modern materials, including aluminium, chrome, and bakelite, an early form of plastic.[128] Other top designers of Art Deco furniture of the 1930s in the United States included Gilbert Rohde, Warren McArthur, and Kem Weber.
The Waterfall style was popular in the 1930s and 1940s, the most prevalent Art Deco form of furniture at the time. Pieces were typically of plywood finished with blond veneer and with rounded edges, resembling a waterfall.[129]
Streamline was a variety of Art Deco which emerged during the mid-1930s. It was influenced by modern aerodynamic principles developed for aviation and ballistics to reduce aerodynamic drag at high velocities. The bullet shapes were applied by designers to cars, trains, ships, and even objects not intended to move, such as refrigerators, gas pumps, and buildings.[59] One of the first production vehicles in this style was the Chrysler Airflow of 1933. It was unsuccessful commercially, but the beauty and functionality of its design set a precedent; meant modernity. It continued to be used in car design well after World War II.[130][131][132][133]
New industrial materials began to influence the design of cars and household objects. These included aluminium, chrome, and bakelite, an early form of plastic. Bakelite could be easily moulded into different forms, and soon was used in telephones, radios and other appliances.
_interior.jpg/1280px-SS_Normandie_(ship,_1935)_interior.jpg)
Ocean liners also adopted a style of Art Deco, known in French as the Style Paquebot, or "Ocean Liner Style". The most famous example was the SS Normandie, which made its first transatlantic trip in 1935. It was designed particularly to bring wealthy Americans to Paris to shop. The cabins and salons featured the latest Art Deco furnishings and decoration. The Grand Salon of the ship, which was the restaurant for first-class passengers, was bigger than the Hall of Mirrors of the Palace of Versailles. It was illuminated by electric lights within twelve pillars of Lalique crystal; thirty-six matching pillars lined the walls. This was one of the earliest examples of illumination being directly integrated into architecture. The style of ships was soon adapted to buildings. A notable example is found on the San Francisco waterfront, where the Maritime Museum building, built as a public bath in 1937, resembles a ferryboat, with ship railings and rounded corners. The Star Ferry Terminal in Hong Kong also used a variation of the style.[35]
Textiles were an important part of the Art Deco style, in the form of colourful wallpaper, upholstery and carpets, In the 1920s, designers were inspired by the stage sets of the Ballets Russes, fabric designs and costumes from Léon Bakst and creations by the Wiener Werkstätte. The early interior designs of André Mare featured brightly coloured and highly stylized garlands of roses and flowers, which decorated the walls, floors, and furniture. Stylized Floral motifs also dominated the work of Raoul Dufy and Paul Poiret, and in the furniture designs of J.E. Ruhlmann. The floral carpet was reinvented in Deco style by Paul Poiret.[134]
The use of the style was greatly enhanced by the introduction of the pochoir stencil-based printing system, which allowed designers to achieve crispness of lines and very vivid colours. Art Deco forms appeared in the clothing of Paul Poiret, Charles Worth and Jean Patou. After World War I, exports of clothing and fabrics became one of the most important currency earners of France.[135]
Late Art Deco wallpaper and textiles sometimes featured stylized industrial scenes, cityscapes, locomotives and other modern themes, as well as stylized female figures, metallic finishes and geometric designs.[135]
The new woman of pre-WW1 days became the Amazon of the Art Deco era. Fashion changed dramatically during this period, thanks in particular to designers Paul Poiret and later Coco Chanel. Poiret introduced an important innovation to fashion design, the concept of draping, a departure from the tailoring and patternmaking of the past.[136] He designed clothing cut along straight lines and constructed of rectangular motifs.[136] His styles offered structural simplicity[136] The corseted look and formal styles of the previous period were abandoned, and fashion became more practical, and streamlined. With the use of new materials, brighter colours and printed designs.[136] The designer Coco Chanel continued the transition, popularising the style of sporty, casual chic.[137]
A particular typology of the era was the Flapper, a woman who cut her hair into a short bob, drank cocktails, smoked in public, and danced late into the night at fashionable clubs, cabarets or bohemian dives. Of course, most women didn't live like this, the Flapper being more a character present in popular imagination than a reality. Another female Art Deco style was the androgynous garçonne of the 1920s, with flattened bosom, dispelled waist and revealed legs, reducing the silhouette to a short tube, topped with a head-hugging cloche hat.[138]
In the 1920s and 1930s, designers including René Lalique and Cartier tried to reduce the traditional dominance of diamonds by introducing more colourful gemstones, such as small emeralds, rubies and sapphires. They also placed greater emphasis on very elaborate and elegant settings, featuring less-expensive materials such as enamel, glass, horn and ivory. Diamonds themselves were cut in less traditional forms; the 1925 Exposition saw many diamonds cut in the form of tiny rods or matchsticks. Other popular Art Deco cuts include:
The settings for diamonds also changed; More and more often jewellers used platinum instead of gold, since it was strong and flexible, and could set clusters of stones. Jewellers also began to use more dark materials, such as enamels and black onyx, which provided a higher contrast with diamonds.[141]
Jewellery became much more colourful and varied in style. Cartier and the firm of Boucheron combined diamonds with colourful other gemstones cut into the form of leaves, fruit or flowers, to make brooches, rings, earrings, clips and pendants. Far Eastern themes also became popular; plaques of jade and coral were combined with platinum and diamonds, and vanity cases, cigarette cases and powder boxes were decorated with Japanese and Chinese landscapes made with mother of pearl, enamel and lacquer.[141]
Rapidly changing fashions in clothing brought new styles of jewellery. Sleeveless dresses of the 1920s meant that arms needed decoration, and designers quickly created bracelets of gold, silver and platinum encrusted with lapis-lazuli, onyx, coral, and other colourful stones; Other bracelets were intended for the upper arms, and several bracelets were often worn at the same time. The short haircuts of women in the twenties called for elaborate deco earring designs. As women began to smoke in public, designers created very ornate cigarette cases and ivory cigarette holders. The invention of the wristwatch before World War I inspired jewelers to create extraordinary, decorated watches, encrusted with diamonds and plated with enamel, gold and silver. Pendant watches, hanging from a ribbon, also became fashionable.[142]
The established jewellery houses of Paris in the period, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin, and Van Cleef & Arpels all created jewellery and objects in the new fashion. The firm of Chaumet made highly geometric cigarette boxes, cigarette lighters, pillboxes and notebooks, made of hard stones decorated with jade, lapis lazuli, diamonds and sapphires. They were joined by many young new designers, each with his own idea of deco. Raymond Templier designed pieces with highly intricate geometric patterns, including silver earrings that looked like skyscrapers. Gerard Sandoz was only 18 when he started to design jewelry in 1921; he designed many celebrated pieces based on the smooth and polished look of modern machinery. The glass designer René Lalique also entered the field, creating pendants of fruit, flowers, frogs, fairies or mermaids made of sculpted glass in bright colors, hanging on cords of silk with tassels.[142] The jeweller Paul Brandt contrasted rectangular and triangular patterns, and embedded pearls in lines on onyx plaques. Jean Despres made necklaces of contrasting colours by bringing together silver and black lacquer, or gold with lapis lazuli. Many of his designs looked like highly polished pieces of machines. Jean Dunand was also inspired by modern machinery, combined with bright reds and blacks contrasting with polished metal.[142] Suzanne Belperron contributed sculptural designs using materials like rock crystal and semi-precious stones, exploring the period's emphasis on non-traditional elements. Jean Fouquet, influenced by Cubism, worked with materials such as ebony and chrome-plated steel, bringing a distinctly modernist approach to Art Deco jewelry.[143] Other notable names in the Art Deco movement include Boucheron, Lacloche, and Danish silversmith Georg Jensen, known for his work with silver and less expensive gemstones. American jewelry houses such as Tiffany & Co., Black, Starr & Frost, and Marcus & Co. also made significant contributions, producing pieces that included clocks and objets d'art, as well as jewelry.[144]
_by_Ren%C3%A9_Jules_Lalique,_1922,_blown_four_mold_glass_-_Cincinnati_Art_Museum_-_DSC04355.JPG/1280px-Vase_(Perruches)_by_Ren%C3%A9_Jules_Lalique,_1922,_blown_four_mold_glass_-_Cincinnati_Art_Museum_-_DSC04355.JPG)
Like the Art Nouveau period before it, Art Deco was an exceptional period for fine glass and other decorative objects, designed to fit their architectural surroundings. The most famous producer of glass objects was René Lalique, whose works, from vases to hood ornaments for automobiles, became symbols of the period. He had made ventures into glass before World War I, designing bottles for the perfumes of François Coty, but he did not begin serious production of art glass until after World War I. In 1918, at the age of 58, he bought a large glass works in Combs-la-Ville and began to manufacture both artistic and practical glass objects. He treated glass as a form of sculpture, and created statuettes, vases, bowls, lamps and ornaments. He used demi-crystal rather than lead crystal, which was softer and easier to form, though not as lustrous. He sometimes used coloured glass, but more often used opalescent glass, where part or the whole of the outer surface was stained with a wash. Lalique provided the decorative glass panels, lights and illuminated glass ceilings for the ocean liners SS Île de France in 1927 and the SS Normandie in 1935, and for some of the first-class sleeping cars of the French railroads. At the 1925 Exposition of Decorative Arts, he had his own pavilion, designed a dining room with a table setting and matching glass ceiling for the Sèvres Pavilion, and designed a glass fountain for the courtyard of the Cours des Métiers, a slender glass column which spouted water from the sides and was illuminated at night.[146]
Other notable Art Deco glass manufacturers included Marius-Ernest Sabino, who specialized in figurines, vases, bowls, and glass sculptures of fish, nudes, and animals. For these he often used an opalescent glass which could change from white to blue to amber, depending upon the light. His vases and bowls featured molded friezes of animals, nudes or busts of women with fruit or flowers. His work was less subtle but more colourful than that of Lalique.[146]
Other notable Deco glass designers included Edmond Etling, who also used bright opalescent colours, often with geometric patterns and sculpted nudes; Albert Simonet, and Aristide Colotte and Maurice Marinot, who was known for his deeply etched sculptural bottles and vases. The firm of Daum from the city of Nancy, which had been famous for its Art Nouveau glass, produced a line of Deco vases and glass sculpture, solid, geometric and chunky in form. More delicate multi-coloured works were made by Gabriel Argy-Rousseau, who produced delicately shaded vases with sculpted butterflies and nymphs, and Francois Decorchemont, whose vases were streaked and marbled.[146]
The Great Depression ruined a large part of the decorative glass industry, which depended upon wealthy clients. Some artists turned to designing stained glass windows for churches. In 1937, the Steuben glass company began the practice of commissioning famous artists to produce glassware.[146] Louis Majorelle, famous for his Art Nouveau furniture, designed a remarkable Art Deco stained glass window portraying steel workers for the offices of the Aciéries de Longwy, a steel mill in Longwy, France.
Amiens Cathedral has a rare example of Art Deco stained glass windows in the Chapel of the Sacred Heart, made in 1932–34 by the Paris glass artist Jean Gaudin based on drawings by Jacques Le Breton.[147]
Art Deco artists produced a wide variety of practical objects in the Art Deco style, made of industrial materials from traditional wrought iron to chrome-plated steel. The American artist Norman Bel Geddes designed a cocktail set resembling a skyscraper made of chrome-plated steel. Raymond Subes designed an elegant metal grille for the entrance of the Palais de la Porte Dorée, the centre-piece of the 1931 Paris Colonial Exposition. The French sculptor Jean Dunand produced magnificent doors on the theme "The Hunt", covered with gold leaf and paint on plaster (1935).[148]
Art Deco visuals and imagery was used in multiple animated films including Batman, Night Hood, All's Fair at the Fair, Merry Mannequins, Page Miss Glory, Fantasia and Sleeping Beauty.[149] The architecture is featured in the fictitious underwater city of Rapture in the BioShock video game series.
Art Deco architecture began in Europe, but by 1939 there were examples in large cities on every continent and in almost every country. This is a selection of prominent buildings on each continent.
For a comprehensive list of existing buildings by country, see: List of Art Deco architecture.
![Fiat Tagliero Building in Asmara, Eritrea, by Giuseppe Pettazzi (1938)[150]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/45/Fiat_tagliero,_08.JPG/1280px-Fiat_tagliero,_08.JPG)
Most Art Deco buildings in Africa were built during European colonial rule, and often designed by Italian, French and Portuguese architects.
Many Art Deco buildings in Asia were designed by European architects. But in the Philippines, local architects such as Juan Nakpil, Juan Arellano, Pablo Antonio and others were preeminent. Many Art Deco landmarks in Asia were demolished during the great economic expansion of Asia the late 20th century, but some notable enclaves of the architecture still remain, particularly in Shanghai and Mumbai.
The Indian Institute of Architects, founded in Mumbai in 1929, played a prominent role in propagating the Art Deco movement. In November 1937, this institute organised the 'Ideal Home Exhibition' held in the Town Hall in Mumbai which spanned over 12 days and attracted about one hundred thousand visitors. As a result, it was declared a success by the 'Journal of the Indian Institute of Architects'. The exhibits displayed the 'ideal', or better described as the most 'modern' arrangements for various parts of the house, paying close detail to avoid architectural blunders and present the most efficient and well-thought-out models. The exhibition focused on various elements of a home ranging from furniture, elements of interior decoration as well as radios and refrigerators using new and scientifically relevant materials and methods.[151]Guided by their desire to emulate the west, the Indian architects were fascinated by the industrial modernity that Art Deco offered.[151] The western elites were the first to experiment with the technologically advanced facets of Art Deco, and architects began the process of transformation by the early 1930s.[151]
Mumbai's expanding port commerce in the 1930s resulted in the growth of educated middle class population. It also saw an increase of people migrating to Mumbai in search of job opportunities. This led to the pressing need for new developments through Land Reclamation Schemes and construction of new public and residential buildings.[152] Parallelly, the changing political climate in the country and the aspirational quality of the Art Deco aesthetics led to a whole-hearted acceptance of the building style in the city's development. Most of the buildings from this period can be seen spread throughout the city neighbourhoods in areas such as Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra and Chembur.[153][154]
Melbourne and Sydney, Australia, have several notable Art Deco buildings, including the Manchester Unity Building and the former Russell Street Police Headquarters in Melbourne, the Castlemaine Art Museum in Castlemaine, central Victoria and the Grace Building, AWA Tower and Anzac Memorial in Sydney.
Several towns in New Zealand, including Napier and Hastings were rebuilt in Art Deco style after the 1931 Hawke's Bay earthquake, and many of the buildings have been protected and restored. Napier has been nominated for UNESCO World Heritage Site status, the first cultural site in New Zealand to be nominated.[155][156] Wellington has retained a sizeable number of Art Deco buildings.[157]
In Canada, surviving Art Deco structures are mainly in the major cities; Montreal, Toronto, Hamilton, Ontario, and Vancouver. They range from public buildings like Vancouver City Hall to commercial buildings (College Park) to public works (R. C. Harris Water Treatment Plant).
In Mexico, the most imposing Art Deco example is interior of the Palacio de Bellas Artes (Palace of Fine Arts), finished in 1934 with its elaborate décor and murals. Examples of Art Deco residential architecture can be found in the Condesa district, many designed by Francisco J. Serrano.
In the United States, Art Deco buildings are found from coast to coast, in all the major cities. It was most widely used for office buildings, train stations, airport terminals, and cinemas; residential buildings are rare. During the 1920s and 1930s architects in the Southwestern United States, particularly in the US state of New Mexico, combined Pueblo Revival with Territorial Style and Art Deco to create Pueblo Deco, as seen in the KiMo Theater in Albuquerque. In the 1930s, the more austere streamline style became popular. Many buildings were demolished between 1945 and the late 1960s, but then efforts began to protect the best examples. The City of Miami Beach established the Miami Beach Architectural District to preserve the fine collection of Art Deco buildings found there.
Art Deco buildings can be found throughout Central America, including in Cuba.
The architectural style first appeared in Paris with the Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) by Auguste Perret but then spread rapidly around Europe, until examples could be found in nearly every large city, from London to Moscow. In Germany two variations of Art Deco flourished in the 1920s and 30s: The Neue Sachlichkeit style and Expressionist architecture. Notable examples include Erich Mendelsohn's Mossehaus and Schaubühne in Berlin, Fritz Höger's Chilehaus in Hamburg and his Kirche am Hohenzollernplatz in Berlin, the Anzeiger Tower in Hanover and the Borsig Tower in Berlin.[159]
One of the largest Art Deco buildings in Western Europe is the National Basilica of the Sacred Heart in Koekelberg, Brussels. In 1925, architect Albert van Huffel won the Grand Prize for Architecture with his scale model of the basilica at the Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Paris.[160]
Spain and Portugal have some striking examples of Art Deco buildings, particularly movie theaters. Examples in Portugal are the Capitólio Theater (1931) and the Éden Cine-Theatre (1937) in Lisbon, the Rivoli Theater (1937) and the Coliseu (1941) in Porto and the Rosa Damasceno Theater (1937) in Santarém. An example in Spain is the Cine Rialto in Valencia (1939).
During the 1930s, Art Deco had a noticeable effect on house design in the United Kingdom,[57] as well as the design of various public buildings.[77] Straight, white-rendered house frontages rising to flat roofs, sharply geometric door surrounds and tall windows, as well as convex-curved metal corner windows, were all characteristic of that period.[78][161][162]
The London Underground is famous for many examples of Art Deco architecture,[163] and there are a number of buildings in the style situated along the Golden Mile in Brentford. Also in West London is the Hoover Building, which was originally built for The Hoover Company and was converted into a superstore in the early 1990s.
Bucharest, once known as the "Little Paris" of the 19th century, engaged in a new design after World War I, redirected its inspiration towards New York City. The 1930s brought a new fashion which echoed in the cinema, theatre, dancing styles, art and architecture. Bucharest during the 1930s was marked by more and more Art Deco architecture from the bigger boulevards like Bulevardul Magheru to the private houses and smaller districts. The Telephone Palace, an early landmark of modern Bucharest, was the first skyscraper of the city. It was the tallest building between 1933 and the 1950s, with a height of 52.5 metres (172 ft). The architects were Louis Weeks and Edmond van Saanen Algi and engineer Walter Troy. The Art Deco monuments are a crucial part of the character of Bucharest since they describe and mark an important period from its history, the interbellic life (World War I–World War II). Most of the buildings from those years are prone to catastrophe, as Bucharest is located in an earthquake zone.[164]
Art Deco in South America is especially present in countries that received a great wave of immigration in the first half of the 20th century, with notable works in their richest cities, like São Paulo and Rio de Janeiro in Brazil and Buenos Aires in Argentina. The Kavanagh Building in Buenos Aires (1934), by Sánchez, Lagos and de la Torre, was the tallest reinforced-concrete structure when it was completed and is a notable example of late Art Deco style.
In many cities, efforts have been made to protect the remaining Art Deco buildings. In many U.S. cities, historic Art Deco cinemas have been preserved and turned into cultural centres. Even more modest Art Deco buildings have been preserved as part of America's architectural heritage; an Art Deco café and gas station along Route 66 in Shamrock, Texas is an historic monument. The Miami Beach Architectural District protects several hundred old buildings, and requires that new buildings comply with the style. In Havana, Cuba, many Art Deco buildings have badly deteriorated. Efforts are underway to bring the buildings back to their original appearance.
In the 21st century, modern variants of Art Deco, called Neo Art Deco (or neo-Art Deco), have appeared in some American cities, inspired by the classic Art Deco buildings of the 1920s and 1930s.[167] Examples include the NBC Tower in Chicago, inspired by 30 Rockefeller Plaza in New York City; and Smith Center for the Performing Arts in Las Vegas, Nevada, which includes Art Deco features from Hoover Dam, 80 km (50 miles) away.[167][168][169][170]
.jpg/1280px-Bruxelles_-_Palais_Stoclet_(6).jpg)
_02_by_L._Bakst_2.jpg/1280px-Scheherazade_(Rimsky-Korsakov)_02_by_L._Bakst_2.jpg)
.jpg/1280px-Display_at_Salon_D'Automne_(1913).jpg)
.jpg/1280px-%22La_Danse%22,_bas-relief_d'Antoine_Bourdelle_(Th%C3%A9%C3%A2tre_des_Champs_Elys%C3%A9es,_Paris).jpg)
,_bas-relief,_Th%C3%A9%C3%A2tre_des_Champs_Elys%C3%A9es_DSC09313.jpg/1280px-thumbnail.jpg)
_at_the_Salon_d'Automne,_1912,_detail_of_the_entrance._Photograph_by_Duchamp-Villon.jpg/1280px-Raymond_Duchamp-Villon,_1912,_La_Maison_Cubiste_(Cubist_House)_at_the_Salon_d'Automne,_1912,_detail_of_the_entrance._Photograph_by_Duchamp-Villon.jpg)
,_Vaslav_Nijinsky_(1890-1950),_1913_1.jpg/1280px-George_Barbier_(1882-1932),_Vaslav_Nijinsky_(1890-1950),_1913_1.jpg)
_-_2023-07-25_-_2.jpg/1280px-Immeuble_21ter_Boulevard_Diderot_-_Paris_XII_(FR75)_-_2023-07-25_-_2.jpg)
.jpg/1280px-Art_Deco_dressing_table_(1919-20).jpg)
![Влияние стиля модерн – Извилистые изгибы на фасаде дома 26 по авеню Монтень в Париже, работы Луи Дюайона и Марселя Жюльена (1937)[51]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/57/Avenue_Montaigne_(47128639262).jpg/1280px-Avenue_Montaigne_(47128639262).jpg)
,_Philae,_Egypt_(49813135922).jpg/1280px-The_Hathor-headed_columns_of_the_Mammisi_(birth_house),_Philae,_Egypt_(49813135922).jpg)
.jpg/1280px-Robe,_1964.18.1(2).jpg)
![Месопотамское искусство - Зиккурат Ура в Телль-эль-Мукайяре, провинция Ди-Кар, Ирак, неизвестный архитектор (21 век до н.э.)[55]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/93/Ancient_ziggurat_at_Ali_Air_Base_Iraq_2005.jpg/1280px-Ancient_ziggurat_at_Ali_Air_Base_Iraq_2005.jpg)
![Доколумбовое искусство (в данном случае майя) – Яшчиланская перемычка 24 (702 г. н.э.), известняк, Британский музей, Лондон[56]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/00/Yaxchilan_Lintel_24.jpg/1280px-Yaxchilan_Lintel_24.jpg)
.jpg/1280px-Brooklyn_Museum_61.33_Ndop_Portrait_of_King_Mishe_miShyaang_maMbul_(5).jpg)
,_oil_on_canvas,_55.3_x_39.4_cm,_private_collection.jpg/1280px-Winter_1930,_L%C3%A9on_Benigni_(1892-1948),_oil_on_canvas,_55.3_x_39.4_cm,_private_collection.jpg)
![Де Стиль - Дом Ритвельда Шредера в Утрехте, Нидерланды, автор Геррит Ритвельд (1924) [63]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/Casa_Rietveld_Schr%C3%B6der_02.jpg/1280px-Casa_Rietveld_Schr%C3%B6der_02.jpg)
![Влияние De Stijl – Pavillon du Tourisme, Роберт Малле-Стивенс, Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств, Париж (1925)[64]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d6/Pavillon_du_tourisme_de_Robert_Mallet-Stevens_(UAM,_Centre_Pompidou,_Paris)_(43200558625).jpg/1280px-Pavillon_du_tourisme_de_Robert_Mallet-Stevens_(UAM,_Centre_Pompidou,_Paris)_(43200558625).jpg)
,_oil_on_canvas,_92.1_x_73_cm,_Tate_Modern,_London.jpg/1280px-Pablo_Picasso,_1909-10,_Figure_dans_un_Fauteuil_(Seated_Nude,_Femme_nue_assise),_oil_on_canvas,_92.1_x_73_cm,_Tate_Modern,_London.jpg)
.jpg/1280px-Cubic_coffee_service_-_Erik_Magnussen_(27986651569).jpg)
![Влияние конструктивизма – Часы, украшенные плоскими геометрическими фигурами, Джин Гулден (1928), посеребренная бронза с эмалью, коллекция Стивена Э. Келли[65]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/01/Clock_-_Jean_Goulden_(38866282265).jpg/1280px-Clock_-_Jean_Goulden_(38866282265).jpg)
![Влияние экспрессионистского театра и кино – Интерьер театра «Аполло Виктория» в Лондоне, Эрнест Уомсли Льюис (1928–1930)[66]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3d/Stitched_Panorama_of_the_Apollo_theatre_near_Victoria,_London_167_(5058015607).jpg/1280px-Stitched_Panorama_of_the_Apollo_theatre_near_Victoria,_London_167_(5058015607).jpg)
![Футуризм – Лестничный дом с лифтами с четырех уличных уровней, часть La Città Nuova, Антонио Сант'Элия (1914), тушь и карандаш на бумаге, Musei Civici, Комо, Италия[67]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Casa_a_gradinata_con_ascensori_dai_quattro_piani_stradali_1914-_Sant'Elia.jpg/1280px-Casa_a_gradinata_con_ascensori_dai_quattro_piani_stradali_1914-_Sant'Elia.jpg)
![Футуристические влияния – Улица Лаос, д. 25 в Париже, Шарль Тома (1930)[67]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f0/25_Rue_du_Laos_Pary%C5%BC,_%C3%8Ele-de-France_(50594191012).jpg/1280px-25_Rue_du_Laos_Pary%C5%BC,_%C3%8Ele-de-France_(50594191012).jpg)
![Архитектура экспрессионизма – Здание типографии и издательства Рудольфа Моссе в Берлине, архитектор Эрих Мендельсон (1921–1923)[68]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5b/Berlin,_Mitte,_Schuetzenstrasse,_Mosse-Zentrum_05.jpg/1280px-Berlin,_Mitte,_Schuetzenstrasse,_Mosse-Zentrum_05.jpg)
.jpg/1280px-Salon_of_the_Hotel_du_Collectionneur_(1925).jpg)
.jpg/1280px-1_Pia%C8%9Ba_Sf%C3%A2ntul_%C8%98tefan,_Bucharest_(01).jpg)
_(11872278295).jpg/1280px-L'exposition_Auguste_Perret_(Conseil_%C3%A9conomique,_social_et_environnemental,_Paris)_(11872278295).jpg)
.jpg/1280px-Guardian_of_Traffic_(cropped).jpg)
_Daily_Express_Building_by_Ronald_Atkinson.jpg/1280px-Lobby,_(former)_Daily_Express_Building_by_Ronald_Atkinson.jpg)
.jpg/1280px-Rockefeller_Center_entrance_(4674369705).jpg)
_limestone,_60_cm,_Kr%C3%B6ller-M%C3%BCller_Museum,_Otterlo,_Holland.tiff/lossy-page1-1280px-Joseph_Csaky,_T%C3%AAte,_ca_1920_(front_and_side_view)_limestone,_60_cm,_Kr%C3%B6ller-M%C3%BCller_Museum,_Otterlo,_Holland.tiff.jpg)
.jpg/1280px-Actaeon_-_Paul_Manship_(25890637528).jpg)
.jpg/1280px-Empire_State_Building_(aerial_view).jpg)
.jpg/1280px-Detroit_December_2015_30_(Guardian_Building).jpg)
_(3678836375).jpg/1280px-Le_salon_du_Mar%C3%A9chal_Lyautey_(CNHI)_(3678836375).jpg)
.jpg/1280px-44_Calea_C%C4%83l%C4%83ra%C8%99ilor,_Bucharest_(12).jpg)
._Corner_Cabinet,_ca._1923..jpg/1280px-Emile-Jacques_Ruhlmann_(French,_1879-1933)._Corner_Cabinet,_ca._1923..jpg)
![Цветочная корзина – Балконы и фронтон авеню Монтень, дом 41 в Париже, неизвестный архитектор или скульптор (1924)[109]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/41_Avenue_Montaigne,_75008_Paris,_France_27_December_2016.jpg/1280px-41_Avenue_Montaigne,_75008_Paris,_France_27_December_2016.jpg)
![Повторяющиеся узоры – Декоративные железные изделия здания Мэдисон-Белмонт (Мэдисон-авеню, № 181–183) в Нью-Йорке, Ферробрандт (1925)[110]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Grille_of_the_Cheney_Silk_Company_Building,_New_York_City,_1925,_designed_by_the_French_metalworking_company_Ferrobrandt.jpg/1280px-Grille_of_the_Cheney_Silk_Company_Building,_New_York_City,_1925,_designed_by_the_French_metalworking_company_Ferrobrandt.jpg)
![Цветок папируса – Porte d'honneur, на Международной выставке современных декоративных и промышленных искусств в Париже, Эдгар Брандт (1925)[111]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ef/Porte_d'honneur,_by_Edgar_Brandt,_1925,_at_the_International_Exhibition_of_Modern_Decorative_and_Industrial_Arts.jpg/1280px-Porte_d'honneur,_by_Edgar_Brandt,_1925,_at_the_International_Exhibition_of_Modern_Decorative_and_Industrial_Arts.jpg)
![Листопадный свиток – Двери лифта, Брандт (1926), кованое железо, стекло, патинированная и позолоченная бронза, Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон[112]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/18/Edgar_brandt,_porte_da_ascensore_in_ferro,_vetro_e_bronzo,_francia_1926_02.jpg/1280px-Edgar_brandt,_porte_da_ascensore_in_ferro,_vetro_e_bronzo,_francia_1926_02.jpg)
![Украшение не только посредством орнаментов, но и посредством комбинаций объемов - Withuis (Avenue Charles Woeste no. 183) в Брюсселе, Бельгия, Жозеф Дионгр (1927)[113]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Belgique_-_Bruxelles_-_Withuis_-_01.jpg/1280px-Belgique_-_Bruxelles_-_Withuis_-_01.jpg)
,_by_Victor_Feodorov,_1927-1928,_collection_of_the_National_Theatre,_Bucharest,_Romania.jpg/1280px-Stage_design_for_Me%C8%99terul_Manole_(The_Master_Builder_Manole),_by_Victor_Feodorov,_1927-1928,_collection_of_the_National_Theatre,_Bucharest,_Romania.jpg)
![Вертикальные молдинги – Greybrook House (Brook Street, 28) в Лондоне, сэр Джон Бернет и партнеры (1928–29)[115]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/28_Brook_Street,_Mayfair,_January_2022_01.jpg/1280px-28_Brook_Street,_Mayfair,_January_2022_01.jpg)
.jpg/1280px-Lamp_-_Paul_Kiss_(38691617495).jpg)
.jpg/1280px-Console_table_detail_02_-_Paul_Feh%C3%A9r_(25893303288).jpg)
.jpg/1280px-Immeuble,_17-21_rue_Gramme_(11Fi_4578).jpg)
![An aesthetic of artificial lighting – Maison de France (now showroom for Louis Vuitton), Avenue des Champs-Élysées no. 101 in Paris, by Louis-Hippolyte Boileau and Charles-Henri Besnard (1931)[116]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/19/Louis_Vuitton_Maison_Champs_%C3%89lys%C3%A9es_(49570496372).jpg/1280px-Louis_Vuitton_Maison_Champs_%C3%89lys%C3%A9es_(49570496372).jpg)
![Ziggurat – Union Hotel (Strada Ion Câmpineanu no. 11) in Bucharest, by Arghir Culina (1931)[116]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/72/Bucharest_-_Strada_Ion_C%C3%A2mpineanu_11_(cropped_top).jpg/1280px-Bucharest_-_Strada_Ion_C%C3%A2mpineanu_11_(cropped_top).jpg)
![Vertical and horizontal luminous surfaces – Entrance hall of the Villa Cavrois in Croix, France, by Rob Mallet-Stevens (1932)[117]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/de/Villa_Cavrois_le_vestibule_(cropped).jpg/1280px-Villa_Cavrois_le_vestibule_(cropped).jpg)
![The undulating line – Relief on the Grave of the Străjescu Family in Bellu Cemetery, Bucharest, by George Cristinel (1934)[118]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Grave_of_the_colonel_Paul_Str%C4%83jescu_Family_in_the_Bellu_Cemetery_in_Bucharest,_Romania_(08).jpg/1280px-Grave_of_the_colonel_Paul_Str%C4%83jescu_Family_in_the_Bellu_Cemetery_in_Bucharest,_Romania_(08).jpg)
.jpg/1280px-Ministry_of_Justice_in_Bucharest,_former_Veterinary_Physicians'_Society_Building,_now_National_Magistracy_Institute_(07).jpg)
.jpg/1280px-Front_full_-_1925_Edgar_Brandt_fire_screen_(39537375352).jpg)
.jpg/1280px-Art_Deco_chair_and_screen_(1912_and_1920).jpg)
_(2132077838).jpg/1280px-J.-E._Ruhlmann_au_Mus%C3%A9e_des_Ann%C3%A9es_30_(Boulogne-Billancourt)_(2132077838).jpg)
_(5469658728).jpg/1280px-Jacques-Emile_Ruhlmann_(Mus%C3%A9e_des_Beaux-Arts_de_Lyon)_(5469658728).jpg)
_(2132078468).jpg/1280px-%22La_Maison_Leleu%22_au_Mus%C3%A9e_des_Ann%C3%A9es_30_(Boulogne-Billancourt)_(2132078468).jpg)
_Table_Radio,_Model_37-610T,_Broadcast_&_Short_Wave_Bands,_Art_Deco_Design,_5_Vacuum_Tubes,_Walnut_Veneer_Cabinet,_Circa_1937_(15351304051).jpg/1280px-thumbnail.jpg)
_(CBL_Wep_0837).jpg/1280px-Black_satin_evening_gown_trimmed_with_crystals_(Robe_du_soir_satin_noir_et_tulle_bord%C3%A9e_de_brillants)_(CBL_Wep_0837).jpg)
.jpg/1280px-Fond_de_robe_du_soir,_1968.40.87(2).jpg)
_Museum_of_Decorative_Arts.jpg/1280px-Art_Deco_bracelet_(1925)_Museum_of_Decorative_Arts.jpg)
.jpg/1280px-Art_Deco_buckle_(1925).jpg)
,_lampada_a_grattacielo,_1929.jpg/1280px-Arnaldo_Dell'Ira_(1903-1943),_lampada_a_grattacielo,_1929.jpg)
![Angular chandeliers by Lanchester & Lodge (c. 1929–1936), Brotherton Library, University of Leeds, West Yorkshire, UK[145]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dc/A_light_fixture_in_the_Leeds_Uni._library_(353154643).jpg/1280px-A_light_fixture_in_the_Leeds_Uni._library_(353154643).jpg)
_(4782889920).jpg/1280px-Vase_des_ann%C3%A9es_30_(mus%C3%A9e_des_arts_d%C3%A9coratifs)_(4782889920).jpg)
.jpg/1280px-The_Grace_Building,_Sydney,_1930_-_Max_Dupain_(4226030071).jpg)
.jpg/1280px-View_of_Buffalo_City_Hall_(cropped).jpg)
a.jpg/1280px-Niagara_Mohawk_Bldg_(Syracuse,_NY)a.jpg)
.jpg/1280px-Havana_Art_Deco_(8955334332).jpg)
_cropped2.jpg/1280px-Edif%C3%ADcio_Lopez_Serrano_(35464009654)_cropped2.jpg)
.jpg/1280px-Havana_Art_Deco_(8703599920).jpg)
.jpg/1280px-Plaza_del_Mercado_Isabel_II_in_Ponce,_PR_(IMG_2684).jpg)
.jpg/1280px-Basilica_of_the_Sacred_Heart,_Brussels_(1).jpg)
.jpg/1280px-Madrid_-_Edificio_Carri%C3%B3n_(36011869036).jpg)
.jpg/1280px-Hotel_(34595862000).jpg)
![Ventilation tower of the Maastunnel in Rotterdam, Netherlands (1937)[158]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/1604_Maastunnel_-_entrance_building_of_pedestrian_and_cyclists'_tunnel_at_Parkkade,_Rotterdam_114.jpg/1280px-1604_Maastunnel_-_entrance_building_of_pedestrian_and_cyclists'_tunnel_at_Parkkade,_Rotterdam_114.jpg)
.jpg/1280px-Viaduto_do_Ch%C3%A1_-_%22Viaduto_do_Ch%C3%A1%22_viaduct_(9630396439).jpg)
.jpg/1280px-Mercado_de_Abasto_de_Buenos_Aires,_ca_1945_(AGNA).jpg)
.jpg/1280px-37_Calea_Victoriei,_Bucharest_(01).jpg)
.jpg/1280px-75_Strada_Romulus,_Bucharest_(01).jpg)
![Messeturm in Frankfurt, Germany, by Helmut Jahn (1990), a Postmodern building that is reminiscent of Art Deco architecture[165]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d6/Messeturm,_Frankfurt,_Southwest_detail_view_20170325_1.jpg/1280px-Messeturm,_Frankfurt,_Southwest_detail_view_20170325_1.jpg)
![Rue Henri Heine no. 3–5 in Paris by J.J. Ory (2001), a neo-Art Deco building[166]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/25/Rue_Henri_Heine_3.jpg/1280px-Rue_Henri_Heine_3.jpg)
.jpg/1280px-Niagara_Mohawk_Bldg_(Syracuse,_NY).jpg)
.jpg/1280px-Snowdon_Theatre_(Montreal).jpg)
{{cite web}}: CS1 maint: unfit URL (link)
