stringtranslate.com

Древнегреческое искусство

Геракл и Афина , чернофигурная сторона амфоры , художник Андокид , ок.  520/510 до н.э.
Эллинистический Пергамский алтарь : слева направо Нерей , Дорис , великан , Океан.
Аид похищает Персефону , настенная роспись IV в. до н. э. в небольшой македонской царской гробнице в Вергине

Древнегреческое искусство выделяется среди других древних культур развитием натуралистических, но идеализированных изображений человеческого тела, в которых в основном обнаженные мужские фигуры были в центре внимания инноваций. Скорость стилистического развития между 750 и 300 годами до н. э. была замечательной по древним меркам, и в сохранившихся работах лучше всего это видно в скульптуре . Были важные инновации в живописи, которые должны быть по существу реконструированы из-за отсутствия оригинальных выживших качественных образцов, за исключением особой области расписной керамики.

Греческая архитектура , технически очень простая, создала гармоничный стиль с многочисленными подробными условностями, которые были в значительной степени приняты римской архитектурой и до сих пор соблюдаются в некоторых современных зданиях. Она использовала словарь орнамента , который был общим с керамикой, металлом и другими средствами, и оказала огромное влияние на евразийское искусство, особенно после того, как буддизм вынес его за пределы расширенного греческого мира, созданного Александром Великим . Социальный контекст греческого искусства включал радикальные политические события и большой рост благосостояния; не менее впечатляющие достижения греков в философии , литературе и других областях хорошо известны.

Самое раннее искусство греков, как правило, исключается из «древнегреческого искусства» и вместо этого известно как греческое неолитическое искусство, за которым следует эгейское искусство ; последнее включает кикладское искусство и искусство минойской и микенской культур из греческого бронзового века . [1] Искусство Древней Греции обычно делится стилистически на четыре периода: геометрический , архаический , классический и эллинистический . Геометрический век обычно датируется примерно 1000 годом до нашей эры, хотя на самом деле мало что известно об искусстве Греции в течение предшествующих 200 лет, традиционно известных как греческие темные века . VII век до нашей эры стал свидетелем медленного развития архаического стиля, примером которого является чернофигурный стиль вазовой живописи. Около 500 г. до н. э., незадолго до начала Персидских войн (480 г. до н. э. — 448 г. до н. э.), обычно принимается за границу между архаическим и классическим периодами, а правление Александра Македонского (336 г. до н. э. — 323 г. до н. э.) — за границу между классическим и эллинистическим периодами. С некоторого момента в 1-м веке до н. э. используется «греко-римский» или более локальные термины для восточногреческого мира. [2]

В действительности не было резкого перехода от одного периода к другому. Формы искусства развивались с разной скоростью в разных частях греческого мира, и, как и в любую эпоху, некоторые художники работали в более новаторских стилях, чем другие. Сильные местные традиции и требования местных культов позволяют историкам определять происхождение даже произведений искусства, найденных вдали от места их происхождения. Греческое искусство различных видов широко экспортировалось. Весь период в целом характеризовался устойчивым ростом благосостояния и торговых связей внутри греческого мира и с соседними культурами.

Уровень сохранности греческого искусства резко различается в зависимости от носителя. У нас есть огромное количество керамики и монет, много каменной скульптуры, хотя еще больше римских копий, и несколько больших бронзовых скульптур. Почти полностью исчезли живопись, прекрасные металлические сосуды и все, что было сделано из недолговечных материалов, включая дерево. Каменная оболочка ряда храмов и театров сохранилась, но мало что из их обширного убранства. [3]

Керамика

Деталь чернофигурной вазы, около  540 г. Также использованы белый цвет, который не очень хорошо изнашивается, и другой красно-фиолетовый цвет. [4]

По традиции, тонко расписанные сосуды всех форм называются «вазами», и существует более 100 000 сохранившихся в значительной степени полных экземпляров, [5] дающих (с надписями, которые есть на многих) непревзойденное понимание многих аспектов греческой жизни. Скульптурная или архитектурная керамика, также очень часто расписанная, называется терракотой и также сохранилась в больших количествах. В большей части литературы «керамика» означает только расписанные сосуды или «вазы». Керамика была основной формой погребальных принадлежностей , помещаемых в гробницы, часто как «погребальные урны», содержащие кремированный пепел, и широко экспортировалась.

Знаменитый и отличительный стиль греческой вазописи с фигурами, изображенными с сильными контурами, с тонкими линиями внутри контуров, достиг своего расцвета примерно с 600 по 350 г. до н. э. и делится на два основных стиля, почти противоположных друг другу, чернофигурной и краснофигурной живописи , другой цвет образует фон в каждом случае. Другие цвета были очень ограничены, обычно небольшими участками белого и большими участками другого пурпурно-красного цвета. В рамках ограничений этих техник и других строгих условностей художники по вазописи достигли замечательных результатов, сочетая утонченность и сильную экспрессию. Техника белой земли давала большую свободу в изображении, но не носилась хорошо и в основном использовалась для захоронений. [6]

Интерьер аттической краснофигурной чаши, около 450 г.

Традиционно считается, что древние греки изготавливали большинство керамических сосудов для повседневного использования, а не для показа. Исключениями являются большие архаичные монументальные вазы, сделанные как надгробные знаки, трофеи, выигранные на играх, такие как Панафинейские амфоры, наполненные оливковым маслом, и предметы, сделанные специально для того, чтобы их оставляли в могилах; некоторые флаконы для духов имеют дно для экономии денег прямо под горлышком, поэтому небольшое количество заставляет их казаться полными. [7] В последние десятилетия многие ученые усомнились в этом, увидев, что гораздо больше продукции, чем считалось ранее, было сделано для помещения в могилы, как более дешевая замена металлическим изделиям как в Греции, так и в Этрурии. [8]

Большинство сохранившихся керамических изделий состоит из сосудов для хранения, подачи или питья жидкостей, таких как амфоры , кратеры (чаши для смешивания вина и воды), гидрии (кувшины для воды), чаши для возлияний, флаконы для масла и духов для туалета, кувшины и чашки. Расписные сосуды для подачи и употребления пищи встречаются гораздо реже. Расписная керамика была доступна даже простым людям, а изделие, «прилично украшенное примерно пятью или шестью цифрами, стоило около двух-трехдневной заработной платы». [9] Миниатюры также производились в больших количествах, в основном для использования в качестве подношений в храмах. [10] В эллинистический период производился более широкий ассортимент керамических изделий, но большинство из них не имеет большого художественного значения.

Белый фон , Аттика, ок.  460 г. , Киликс Аполлона , совершающего возлияние , фрагмент. [11]

В более ранние периоды даже совсем небольшие греческие города производили керамику для своей собственной местности. Они сильно различались по стилю и стандартам. Отличительная керамика, которая считается искусством, производилась на некоторых островах Эгейского моря , на Крите и в богатых греческих колониях южной Италии и Сицилии . [12] Однако к более позднему архаическому и раннему классическому периоду две великие торговые державы, Коринф и Афины , стали доминировать. Их керамика экспортировалась по всему греческому миру, вытесняя местные разновидности. Горшки из Коринфа и Афин встречаются даже в таких отдаленных местах, как Испания и Украина , и настолько распространены в Италии , что их впервые собрали в 18 веке как «этрусские вазы». [13] Многие из этих горшков представляют собой продукцию массового производства низкого качества. Фактически, к 5 веку до н. э. гончарное дело стало отраслью промышленности, а роспись по керамике перестала быть важной формой искусства.

Диапазон цветов, которые можно было использовать на горшках, ограничивался технологией обжига: наиболее распространенными были черный, белый, красный и желтый. В трех более ранних периодах горшки оставляли естественного светлого цвета и украшали шликером, который чернел в печи. [6]

Греческая керамика часто подписывается, иногда гончаром или мастером гончарного дела, но только изредка художником. Однако сотни художников можно узнать по их художественным личностям: там, где их подписи не сохранились, их называют по выбору сюжетов, как «Художник Ахилла », по гончару, на которого они работали, например, позднеархаичный « Художник Клеофрада », или даже по их современному местоположению, например, позднеархаичный « Художник Берлина ». [14]

История

Кратер средней геометрической формы , высота 99 см, Аттика, ок.  800 -775 гг. до н.э.

История древнегреческой керамики стилистически делится на пять периодов:

В периоды протогеометрии и геометрической керамики греческая керамика украшалась абстрактными узорами, в первом случае обычно изящными и большими, с большим количеством неокрашенного пространства, но в геометрическом часто плотно покрывающими большую часть поверхности, как в больших горшках мастера Дипилона , который работал около 750 года. Он и другие гончары его времени начали вводить очень стилизованные силуэтные фигуры людей и животных, особенно лошадей. Они часто изображают похоронные процессии или битвы, предположительно представляющие те, в которых сражались покойные. [15]

За геометрической фазой последовал период ориентализации в конце VIII века, когда несколько животных, многие из которых были мифическими или не были родом из Греции (например, сфинкс и лев соответственно), были адаптированы с Ближнего Востока, в сопровождении декоративных мотивов, таких как лотос и пальметта. Они были показаны намного крупнее, чем предыдущие фигуры. Стиль дикой козы является региональным вариантом, очень часто изображающим коз . Человеческие фигуры не были так сильно подвержены влиянию Востока, но также стали крупнее и более детализированными. [16]

Полностью зрелая чернофигурная техника с добавлением красных и белых деталей и насечкой для контуров и деталей возникла в Коринфе в начале 7 века до н. э. и была введена в Аттику примерно поколением позже; она процветала до конца 6 века до н. э. [17] Краснофигурная техника , изобретенная около 530 года до н. э., изменила эту традицию, при этом горшки были окрашены в черный цвет, а фигуры — в красный. Краснофигурные вазы постепенно вытеснили чернофигурный стиль. Иногда более крупные сосуды гравировались, а также расписывались. Эротические темы, как гетеросексуальные , так и мужские гомосексуальные , стали обычным явлением. [18]

Около 320 г. до н.э. в Афинах и других греческих центрах прекратилась изящная фигуративная роспись ваз, а полихромный стиль Керчи стал последним расцветом; вероятно, его заменила металлообработка для большинства его функций. Керамика Западного склона с декоративными мотивами на черном глазурованном корпусе продолжалась более столетия. [19] Итальянская краснофигурная роспись закончилась около 300 г., и в следующем столетии относительно примитивные вазы Хадра , вероятно, с Крита , керамика Чентурипе из Сицилии и панафинейские амфоры , ныне застывшая традиция, были единственными большими расписными вазами, которые все еще производились. [20]

Металлоконструкции

Кратер Дервени , 4 век до н.э., на котором изображены Дионис и Ариадна . [21]

Тонкая обработка металла была важным искусством в Древней Греции, но более позднее производство очень плохо представлено сохранившимися изделиями, большинство из которых происходят с окраин греческого мира или за его пределами, из таких далеких мест, как Франция или Россия. Сосуды и ювелирные изделия производились по высоким стандартам и экспортировались далеко за пределы. Изделия из серебра, которые в то время стоили больше по сравнению с золотом, чем в наше время, часто имели надписываемые производителем с указанием их веса, поскольку они в значительной степени рассматривались как средства сохранения стоимости и, скорее всего, вскоре будут проданы или переплавлены. [22]

В геометрическую и архаическую фазы производство больших металлических сосудов было важным выражением греческого творчества и важным этапом в развитии методов обработки бронзы, таких как литье и штамповка . Ранние святилища, особенно Олимпия , давали много сотен треножников-чаш или жертвенных треножников , в основном из бронзы , помещенных в качестве вотивов . Они имели неглубокую чашу с двумя ручками, высоко поднятыми на трех ножках; в более поздних версиях подставка и чаша были разными деталями. В период ориентализации такие треножники часто украшались фигурными протомами в форме грифонов , сфинксов и других фантастических существ. [23]

Мечи, греческий шлем и часто доспехи, такие как кираса для мышц, изготавливались из бронзы, иногда украшались драгоценными металлами, как в кирасе Ксур Эссеф III века . [24] Доспехи и «щитовые полосы» — два контекста для полос архаичных низких рельефных сцен, которые также прикреплялись к различным предметам из дерева; полоса на кратере Викс — крупный пример. [25] Полированные бронзовые зеркала, изначально с украшенными задними сторонами и ручками-коре, были еще одним распространенным предметом; более поздний тип «складного зеркала» имел откидные крышки, часто украшенные рельефной сценой, как правило, эротического характера. [26] Монеты описаны ниже.

Начиная с позднего архаического периода, лучшая обработка металла шла в ногу со стилистическими разработками в скульптуре и других видах искусства, и Фидий входит в число скульпторов, которые, как известно, практиковали ее. [27] Эллинистический вкус поощрял весьма замысловатые проявления технической добродетели, тяготея к «умности, причудливости или чрезмерной элегантности». [28] Многие или большинство форм греческой керамики были взяты из форм, впервые использованных в металле, и в последние десятилетия все большее распространение получает мнение, что многие из лучших вазописей повторно использовали рисунки серебряных дел мастеров для сосудов с гравировкой и секциями, покрытыми другим металлом, работая по нарисованным рисункам. [29]

Исключительными сохранившимися образцами того, что, возможно, было относительно распространенным классом больших бронзовых сосудов, являются два кратера с завитками для смешивания вина и воды. [30] Это кратер Викс , около  530 г. до н. э. , высотой 1,63 м (5 футов 4 дюйма) и весом более 200 кг (440 фунтов), вмещающий около 1100 литров, найденный в захоронении кельтской женщины на территории современной Франции, [31] и кратер Дервени IV в. , высотой 90,5 см (35,6 дюйма). [32] Элита других соседей греков, таких как фракийцы и скифы , были активными потребителями греческих металлических изделий и, вероятно, обслуживались греческими ювелирами, поселившимися на их территориях, которые адаптировали свою продукцию к местному вкусу и функциям. Такие гибридные предметы составляют большую часть уцелевших предметов, включая Панагюриште , Борово и другие фракийские сокровища , а также несколько скифских захоронений, которые, вероятно, содержали работы греческих художников, живших в греческих поселениях на Черном море . [33] Как и в случае с другими предметами искусства класса люкс, македонское царское кладбище в Вергине создало предметы высочайшего качества, относящиеся к рубежу классического и эллинистического периодов. [34]

Ювелирные изделия для греческого рынка часто бывают превосходного качества, [35] с одной необычной формой — замысловатыми и очень тонкими золотыми венками, имитирующими растительные формы, которые носили на голове. Их, вероятно, редко, если вообще когда-либо, носили при жизни, но дарили как обеты и носили после смерти. [36] Многие из портретов мумий Фаюма носят их. Некоторые изделия, особенно в эллинистический период, достаточно велики, чтобы предоставить место для фигур, как и скифская любовь к относительно крупным изделиям из золота. [37]

Монументальная скульптура

Всадники с фриза Парфенона , около 440 г. до н.э.

Греки очень рано решили, что человеческая форма является наиболее важным предметом для художественных усилий. [39] Видя своих богов имеющими человеческую форму, в искусстве не было большого различия между священным и мирским — человеческое тело было как мирским, так и священным. Мужская обнаженная фигура Аполлона или Геракла имела лишь незначительные отличия в трактовке от одной из олимпийских чемпионов по боксу того года. В архаический период самой важной скульптурной формой был курос (множественное число kouroi ), стоящая мужская обнаженная фигура (см., например, Битон и Клеобис ). Кора (множественное число korai ), или стоящая одетая женская фигура, также была распространена, но поскольку греческое общество не разрешало публичную демонстрацию женской наготы до 4 века до н. э., кора считается менее важной в развитии скульптуры. [40] К концу периода архитектурная скульптура на храмах стала приобретать важное значение.

Как и в случае с керамикой, греки не создавали монументальную скульптуру просто для художественного показа. Статуи заказывались либо аристократическими лицами, либо государством и использовались для общественных мемориалов, в качестве подношений храмам, оракулам и святилищам (о чем часто свидетельствуют надписи на статуях), или в качестве маркеров для могил. Статуи в архаический период не все были предназначены для изображения конкретных людей. Они были изображениями идеала — красоты, благочестия, чести или жертвоприношения. Это всегда были изображения молодых людей в возрасте от юности до ранней зрелости, даже когда их помещали на могилы (предположительно) пожилых граждан. Все куросы были стилистически похожи. Градации в социальном статусе человека, заказавшего статую, указывались размером, а не художественными новшествами. [41]

В отличие от авторов, те, кто занимался изобразительным искусством, включая скульптуру, изначально имели низкий социальный статус в Древней Греции, хотя все более ведущие скульпторы могли стать знаменитыми и довольно богатыми, и часто подписывали свои работы (часто на постаменте, который обычно отделялся от самой статуи). [42] Плутарх ( Жизнь Перикла , II) сказал: «Мы восхищаемся произведением искусства, но презираем его создателя»; это было распространенным мнением в древнем мире. Древнегреческая скульптура классифицируется по обычным стилистическим периодам «архаический», «классический» и «эллинистический», дополненным некоторыми дополнительными, в основном относящимися к скульптуре, такими как ориентализирующий дедалический стиль и строгий стиль ранней классической скульптуры. [43]

Материалы, формы

Редкая большая терракотовая статуя Зевса и Ганимеда эпохи поздней архаики , Олимпия .

Сохранившиеся древнегреческие скульптуры в основном были сделаны из двух типов материалов. Камень, особенно мрамор или другие высококачественные известняки, использовались чаще всего и вырезались вручную металлическими инструментами. Каменные скульптуры могли быть отдельно стоящими, полностью вырезанными в круге (статуи), или только частично вырезанными рельефами , все еще прикрепленными к фоновой пластине, например, в архитектурных фризах или надгробных стелах . [44]

Бронзовые статуи имели более высокий статус, но сохранились в гораздо меньшем количестве из-за возможности повторного использования металлов. Обычно они изготавливались в технике выплавляемого воска . Статуи из хризоэлефантина или золота и слоновой кости были культовыми изображениями в храмах и считались высшей формой скульптуры, но сохранились лишь некоторые фрагментарные части. Они обычно были больше натуральной величины, построены вокруг деревянной рамы с тонкими резными пластинами из слоновой кости , представляющими плоть, и листами сусального золота , вероятно, поверх дерева, представляющими одежду, доспехи, волосы и другие детали. [45]

В некоторых случаях для деталей, таких как глаза, украшения и оружие, использовались стеклянная паста, стекло, драгоценные и полудрагоценные камни . Другие крупные акролические статуи использовали камень для частей тела и дерево для остальных, а мраморные статуи иногда имели лепные прически. Большинство скульптур были раскрашены (см. ниже), и многие носили настоящие украшения и имели инкрустированные глаза и другие элементы из разных материалов. [46]

Терракота иногда использовалась для крупных статуй. Сохранилось немного примеров, по крайней мере, отчасти из-за хрупкости таких статуй. Самым известным исключением из этого является статуя Зевса, несущего Ганимеда , найденная в Олимпии , выполненная около 470 г. до н. э. В этом случае терракота окрашена. Несомненно, были скульптуры, выполненные исключительно из дерева, которые могли быть очень важны в ранние периоды, но фактически ни одна из них не сохранилась. [47]

Архаичный

Клеобис и Битон , курои архаического периода, ок.  580 г. до н. э. , Дельфийский археологический музей.

Кикладское искусство бронзового века , примерно до 1100 г. до н. э., уже демонстрировало необычный фокус на человеческой фигуре, обычно показанной в прямолинейной фронтальной позе стоя с руками, сложенными на животе. Среди более мелких деталей были вырезаны только носы, иногда глаза и женская грудь, хотя фигуры, по-видимому, обычно раскрашивались и, возможно, изначально выглядели совсем иначе.

Вдохновленные монументальной каменной скульптурой Египта и Месопотамии , в архаический период греки снова начали вырезать по камню: греческие наемники и торговцы были активны за границей, как в Египте на службе у фараона Псамметиха I (664–610 до н. э.), и были подвержены монументальному искусству этих стран. [48] [49] Общепризнано, что «египетская скульптура 2-го тысячелетия до н. э. дала решающий импульс для инноваций греческой скульптуры в натуральную величину и в гиперформатах в архаический период в конце 7-го века». [48] Отдельно стоящие фигуры разделяют прочность и фронтальную позу, характерные для восточных моделей, но их формы более динамичны, чем у египетской скульптуры, как, например, Дама из Осера и Торс Геры (ранний архаический период, ок.  660–580 до н. э., обе в Лувре, Париж). Примерно после 575 г. до н. э. фигуры, подобные этим, как мужские, так и женские, носили так называемую архаичную улыбку . Это выражение, не имеющее конкретной связи с изображенным человеком или ситуацией, могло быть средством придания фигурам отличительной человеческой характеристики. [50]

Использовались три типа фигур — стоящий обнаженный юноша (курос), стоящая задрапированная девушка (коре) и, реже, сидящая женщина. [51] Все они подчеркивают и обобщают основные черты человеческой фигуры и показывают все более точное понимание анатомии человека. Юноши были либо надгробными, либо вотивными статуями. Примерами являются Аполлон (Метрополитен-музей, Нью-Йорк), ранняя работа; Аполлон из Анафи в Странгфорде (Британский музей, Лондон), гораздо более поздняя работа; и курос Анависсоса ( Национальный археологический музей Афин ). В этой статуе больше мускулатуры и скелетной структуры, чем в более ранних работах. Стоящие, задрапированные девушки имеют широкий диапазон выражения, как и скульптуры в Музее Акрополя в Афинах . Их драпировки вырезаны и расписаны с изяществом и тщательностью, характерными для деталей скульптуры этого периода. [52]

Архаичные рельефы сохранились во многих гробницах и в более крупных зданиях в Фоче-дель-Селе (сейчас в Национальном археологическом музее Пестума ) в Италии, с двумя группами панелей метоп , примерно 550 и 510 годов, и в Сифнийской сокровищнице в Дельфах, с фризами и небольшим фронтоном . Части, все теперь в местных музеях, сохранились от больших треугольных групп фронтонов из храма Артемиды, Корфу ( ок.  580 ), с доминирующей огромной Горгоной , и Старого храма Афины в Афинах ( ок.  530 -500). [53]

Классическая

Артемисионская бронза , Посейдон или Зевс , ок. 460 г. до н. э., Национальный археологический музей , Афины . Этот шедевр классической скульптуры был найден рыбаками у мыса Артемисий в 1928 г. Его высота составляет более 2 м.

В классический период произошла революция в греческой скульптуре, обычно связанная с введением демократии и концом аристократической культуры, связанной с куросами . Классический период ознаменовался изменениями в стиле и функциях скульптуры. Позы стали более натуралистичными (см. « Возничий из Дельф» в качестве примера перехода к более натуралистической скульптуре), а техническое мастерство греческих скульпторов в изображении человеческой формы в различных позах значительно возросло. Примерно с 500 г. до н. э. статуи начали изображать реальных людей. Статуи Гармодия и Аристогитона, установленные в Афинах в ознаменование свержения тирании, как говорят, были первыми публичными памятниками реальным людям. [54]

«Первый настоящий портрет отдельного европейца»: [55] Римская копия утерянного бюста Фемистокла 470 г. до н.э. в строгом стиле . [56]

В то же время скульптура и статуи стали использоваться шире. Великие храмы классической эпохи, такие как Парфенон в Афинах и храм Зевса в Олимпии, требовали рельефной скульптуры для декоративных фризов и круглой скульптуры для заполнения треугольных полей фронтонов . Сложная эстетическая и техническая задача стимулировала многое в плане скульптурных инноваций. Эти работы сохранились только во фрагментах, наиболее известными из которых являются мраморные скульптуры Парфенона , половина из которых находится в Британском музее. [57]

Погребальная скульптура развивалась в течение этого периода от жестких и безличных куросов архаического периода до очень личных семейных групп классического периода. Эти памятники обычно встречаются в пригородах Афин, которые в древние времена были кладбищами на окраинах города. Хотя некоторые из них изображают «идеальные» типы — скорбящую мать, послушного сына — они все чаще изображали реальных людей, как правило, показывая усопшего, достойно покидающего свою семью. Они являются одними из самых интимных и трогательных останков древних греков. [58]

В классический период мы впервые узнаем имена отдельных скульпторов. Фидий руководил проектированием и строительством Парфенона . Пракситель впервые сделал женскую наготу респектабельной в позднеклассический период (середина IV века): его Афродита Книдская , которая сохранилась в копиях, была названа Плинием величайшей статуей в мире. [59]

Самыми известными произведениями классического периода для современников были колоссальная статуя Зевса в Олимпии и статуя Афины Парфенос в Парфеноне. Обе были хризоэлефантиновыми и выполнены Фидием или под его руководством, и теперь утеряны, хотя меньшие копии (из других материалов) и хорошие описания обеих все еще существуют. Их размер и великолепие побудили императоров захватить их в византийский период, и обе были перевезены в Константинополь , где они позже были уничтожены в пожарах. [60]

Эллинистический

Венера Милосская , обнаруженная на греческом острове Милос , 130-100 гг. до н.э., Лувр

Переход от классического к эллинистическому периоду произошел в 4 веке до н. э. После завоеваний Александра Македонского (336 г. до н. э. — 323 г. до н. э.) греческая культура распространилась вплоть до Индии , как показали раскопки Ай-Ханума в восточном Афганистане , а также цивилизации греко-бактрийцев и индо-греков . Греко-буддийское искусство представляло собой синкретизм между греческим искусством и визуальным выражением буддизма. Таким образом, греческое искусство стало более разнообразным и на него большее влияние оказали культуры народов, вовлеченных в греческую орбиту. [61]

По мнению некоторых историков искусства, оно также ухудшилось в качестве и оригинальности. Однако это суждение, которое художники и любители искусства того времени не разделяли. Действительно, многие скульптуры, ранее считавшиеся классическими шедеврами, теперь признаются эллинистическими. Технические способности эллинистических скульпторов явно прослеживаются в таких крупных работах, как Крылатая Победа Самофракийская и Пергамский алтарь . Новые центры греческой культуры, особенно в скульптуре, развивались в Александрии , Антиохии , Пергаме и других городах, где новые монархи были щедрыми покровителями. [62] Ко II веку растущая мощь Рима также впитала большую часть греческой традиции — и все большую долю ее продукции. [63]

В этот период скульптура стала более натуралистичной, а также экспрессивной; интерес к изображению крайностей эмоций иногда доходил до крайностей. Жанровые сюжеты простых людей, женщин, детей, животных и бытовых сцен стали приемлемыми темами для скульптуры, которая заказывалась богатыми семьями для украшения их домов и садов; примером является « Мальчик с тернием» . Создавались реалистичные портреты мужчин и женщин всех возрастов, и скульпторы больше не чувствовали себя обязанными изображать людей как идеалы красоты или физического совершенства. [64]

Мир Диониса , пасторальная идиллия, населенная сатирами , менадами , нимфами и силенами , часто изображался в более ранней вазовой живописи и статуэтках, но редко в полноразмерной скульптуре. Теперь такие работы были сделаны, сохранившись в копиях, включая Фавна Барберини , Торс Бельведера и Отдыхающего Сатира ; Кентавры Фуриетти и Спящий Гермафродит отражают связанные темы. [65] В то же время новые эллинистические города, возникавшие по всему Египту , Сирии и Анатолии, требовали статуй, изображающих богов и героев Греции для своих храмов и общественных мест. Это сделало скульптуру, как и гончарное дело, отраслью промышленности с последующей стандартизацией и некоторым снижением качества. По этим причинам сохранилось гораздо больше эллинистических статуй, чем в классический период.

Некоторые из самых известных эллинистических скульптур — это Крылатая Виктория Самофракийская (II или I в. до н. э.), [66] статуя Афродиты с острова Мелос , известная как Венера Милосская (середина II в. до н. э.), Умирающий Галл (около 230 г. до н. э.) и монументальная группа Лаокоон и его сыновья (конец I в. до н. э.). Все эти статуи изображают классические темы, но их трактовка гораздо более чувственна и эмоциональна, чем позволял строгий вкус классического периода или его технические навыки.

Многофигурная группа статуй была эллинистическим нововведением, вероятно, 3-го века, снимающим эпические битвы более ранних рельефов фронтонов храмов со стен и помещающим их как группы статуй в натуральную величину. Их стиль часто называют « барокко », с экстравагантно искаженными позами тел и интенсивными выражениями лиц. Рельефы на Пергамском алтаре являются ближайшими оригинальными сохранившимися работами, но несколько известных работ считаются римскими копиями эллинистических оригиналов. К ним относятся Умирающий Галл и Галл Людовизи , а также менее известный Коленопреклоненный Галл и другие, все, как полагают, копируют пергамские заказы Аттала I в ознаменование его победы около 241 года над галлами Галатии , вероятно , состоящие из двух групп. [67]

Другими примерами являются группа Лаокоона , Фарнезский бык , Менелай, поддерживающий тело Патрокла («группа Паскуино»), скульптуры Арротино и Сперлонги . [68] Начиная со II века, неоаттический или неоклассический стиль рассматривается разными учеными либо как реакция на излишества барокко, возвращающая к версии классического стиля, либо как продолжение традиционного стиля для культовых статуй. [69] Мастерские в этом стиле стали в основном производителями копий для римского рынка, который предпочитал копии классических, а не эллинистических произведений. [70]

Открытия, сделанные с конца 19-го века вокруг (ныне затопленного) древнеегипетского города Гераклеум , включают в себя необычайно чувственное, подробное и феминистское (в отличие от обожествленного) изображение Исиды 4-го века до н. э. , отмечающее сочетание египетских и эллинистических форм, начавшееся примерно со времени завоевания Египта Александром Македонским . Однако это было нетипично для скульптуры при дворе Птолемея , которая, как правило, избегала смешения египетских стилей со своим довольно традиционным эллинистическим стилем, [71] в то время как храмы в остальной части страны продолжали использовать поздние версии традиционных египетских формул. [72] Ученые предложили «александрийский стиль» в эллинистической скульптуре, но на самом деле мало что связывает его с Александрией. [73]

Эллинистическая скульптура также была отмечена увеличением масштаба, что достигло кульминации в Колоссе Родосском (конец III века), который был того же размера, что и Статуя Свободы . Совместный эффект землетрясений и разграблений уничтожил это, а также другие очень крупные работы этого периода.

Статуэтки

Терракотовые фигурки

Керамический сосуд в форме Афродиты внутри раковины; Аттика , Классическая Греция , обнаружен на кладбище Фанагория , Таманский полуостров ( Боспорское царство , юг России ), первая четверть IV в. до н. э., Эрмитаж , Санкт-Петербург .

Глина — материал, часто используемый для изготовления вотивных статуэток или идолов, еще до минойской цивилизации и вплоть до римского периода. В 8 веке до н. э. гробницы в Беотии часто содержат «колокольные идолы», женские статуэтки с подвижными ногами: голова, маленькая по сравнению с остальной частью тела, расположена на конце длинной шеи, в то время как тело очень полное, в форме колокола. [74] Архаичные гробницы героев , для местных героев, могли содержать большое количество грубо вырезанных фигурок с рудиментарными фигурами, обычно представляющих персонажей с поднятыми руками.

К эллинистическому периоду большинство терракотовых статуэток утратили свою религиозную природу и представляют персонажей из повседневной жизни. Статуэтки Танагры , одного из нескольких центров производства, изготавливаются массово с использованием форм, а затем расписываются после обжига. Куклы, фигурки модно одетых дам и актеров, некоторые из них, вероятно, портреты, были среди новых сюжетов, изображенных в изысканном стиле. Они были дешевы и изначально выставлялись дома, как и современные декоративные статуэтки, но довольно часто хоронились вместе со своими владельцами. В то же время такие города, как Александрия , Смирна или Тарс, производили множество гротескных статуэток, представляющих людей с деформированными членами, выпученными и искажающими себя глазами. Такие статуэтки также изготавливались из бронзы. [75]

Информацию о расписной архитектурной терракоте см. в разделе «Архитектура» ниже.

Металлические фигурки

Статуэтки из металла, в первую очередь из бронзы, являются чрезвычайно распространенной находкой в ​​ранних греческих святилищах, таких как Олимпия , где были найдены тысячи таких предметов, в основном изображающих животных. Они обычно изготавливаются в технике выплавляемого воска и могут считаться начальной стадией развития греческой бронзовой скульптуры. Наиболее распространенными мотивами в геометрический период были лошади и олени, но также изображались собаки, крупный рогатый скот и другие животные. Иногда встречаются человеческие фигуры. Производство небольших металлических вотивов продолжалось на протяжении всей греческой античности. В классический и эллинистический периоды также стали обычным явлением более сложные бронзовые статуэтки, тесно связанные с монументальной скульптурой . Высококачественные образцы охотно собирались богатыми греками, а позднее римлянами, но сохранилось сравнительно немного. [76]

Архитектура

Два ранних архаичных дорических греческих храма в Пестуме , Италия, с гораздо более широкими капителями, чем более поздние.
Храм Гефеста , Афины , хорошо сохранившийся зрелый дорический ордер, конец V в. до н.э.

Архитектура (то есть здания, выполненные по эстетически продуманному проекту) прекратилась в Греции с конца микенского периода (около 1200 г. до н. э.) до 7-го века, когда городская жизнь и процветание восстановились до точки, когда можно было заняться общественным строительством. Поскольку большинство греческих зданий в архаический и раннеклассический периоды были сделаны из дерева или глиняного кирпича , от них ничего не осталось, кроме нескольких планов этажей, и почти нет письменных источников о ранней архитектуре или описаний зданий. Большая часть наших знаний о греческой архитектуре исходит из сохранившихся зданий позднеархаического, классического, эллинистического и римского периодов (так как древнеримская архитектура активно использовала греческие стили), а также из поздних письменных источников, таких как Витрувий (1-й век до н. э.). Это означает, что существует сильный уклон в сторону храмов , наиболее распространенных крупных зданий, которые сохранились. Здесь квадратные каменные блоки, используемые для стен, были полезны для более поздних построек, и поэтому часто все, что сохранилось, это части колонн и метопов , которые было сложнее перерабатывать. [77]

Большую часть периода использовалась строгая система строительства из каменных столбов и перемычек , удерживаемых на месте только силой тяжести. Консоли были известны в микенской Греции, а арка была известна не позднее V века, но эти методы почти не использовались до римского периода. [78] Дерево использовалось только для потолков и стропил в престижных каменных зданиях. Использование больших терракотовых черепиц, удерживаемых на месте только пазами, означало, что крыши должны были иметь низкий уклон. [79]

До эллинистических времен только общественные здания строились с использованием формального каменного стиля; они включали в себя, прежде всего, храмы и небольшие здания казначейства, которые часто сопровождали их, и были построены в Дельфах многими городами. Другими типами зданий, часто не имеющими крыши, были центральная агора , часто с одной или несколькими колоннадами вокруг нее, театры , гимназия и палестра или школа борьбы, экклесиастерион или булевтерион для собраний и пропилеи или монументальные ворота. [80] Круглые здания для различных функций назывались толосом , [81] а самые большие каменные сооружения часто были оборонительными городскими стенами.

Гробницы большую часть периода строились только как сложные мавзолеи по краям греческого мира, особенно в Анатолии. [82] Частные дома строились вокруг двора, где позволяли средства, и имели глухие стены на улицу. Иногда у них был второй этаж, но очень редко подвалы. Обычно они строились из щебня в лучшем случае, и о них относительно мало известно; по крайней мере, мужчины большую часть жизни проводили за их пределами. [83] Было раскопано несколько дворцов эллинистического периода. [84]

Реконструированная Афинская сокровищница в Дельфах

Храмы и некоторые другие здания, такие как сокровищницы в Дельфах, были спроектированы как куб или, чаще всего, прямоугольник из известняка , которого в Греции было много, и который был разрезан на большие блоки и обработан. Это дополнялось колоннами, по крайней мере, на входе, а часто и со всех сторон. [85] Другие здания были более гибкими в плане, и даже самые богатые дома, похоже, не имели большого внешнего орнамента. Мрамор был дорогим строительным материалом в Греции: высококачественный мрамор поступал только с горы Пентелус в Аттике и с нескольких островов, таких как Парос , и его транспортировка большими блоками была сложной. Он использовался в основном для скульптурного декора , а не структурно, за исключением самых грандиозных зданий классического периода, таких как Парфенон в Афинах. [86]

Существовало два основных классических ордера греческой архитектуры: дорический и ионический , причем коринфский ордер появился только в классический период и не стал доминирующим до римского периода. Наиболее очевидными чертами трех ордеров являются капители колонн, но существуют значительные различия в других моментах дизайна и декора между ордерами. [87] Эти названия использовались самими греками и отражали их веру в то, что стили произошли от дорийских и ионических греков Темных веков, но это вряд ли верно. Дорический был самым ранним, вероятно, впервые появившимся в камне в начале 7-го века, развившимся (хотя, возможно, не очень напрямую) от предшественников из дерева. [88] Он использовался в материковой Греции и греческих колониях в Италии. Ионический стиль впервые был использован в городах Ионии (ныне западное побережье Турции) и некоторых островах Эгейского моря, вероятно, начиная с 6-го века. [89] Дорический стиль был более формальным и строгим, ионический — более расслабленным и декоративным. Более богато украшенный коринфский ордер был более поздним развитием ионического, изначально, по-видимому, использовавшимся только внутри зданий и использовавшим ионические формы для всего, кроме капителей. Знаменитый и хорошо сохранившийся хорагический памятник Лисикрата около Афинского Акрополя (335/334) — первое известное использование коринфского ордера на внешней стороне здания. [90]

Большинство наиболее известных сохранившихся греческих зданий, таких как Парфенон и храм Гефеста в Афинах, являются дорическими. Однако Эрехтейон , следующий за Парфеноном, является ионическим. Ионический ордер стал доминирующим в эллинистический период, поскольку его более декоративный стиль соответствовал эстетике периода лучше, чем более сдержанный дорический. Некоторые из лучших сохранившихся эллинистических зданий, такие как библиотека Цельса , можно увидеть в Турции, в таких городах, как Эфес и Пергам . [91] Но в величайшем из эллинистических городов, Александрии в Египте , почти ничего не сохранилось.

Дизайн монеты

Афинская тетрадрахма с головой Афины и совой , после 449 г. до н.э. Самая приемлемая монета в средиземноморском мире.
Золотая 20- статер Евкратида Бактрийского , ок .  150 г. до н. э. , самая крупная золотая монета древности. 169,2 грамма, диаметр 58 мм.

Монеты были (вероятно) изобретены в Лидии в 7 веке до н. э., но впервые их широко использовали греки [93] , и греки установили канон дизайна монет, которому следовали с тех пор. Дизайн монет сегодня по-прежнему узнаваемо следует образцам, происходящим из Древней Греции. Греки не считали дизайн монет основной формой искусства, хотя некоторые из них были разработаны ведущими ювелирами, особенно за пределами самой Греции, среди среднеазиатских королевств и в сицилийских городах, стремящихся к саморекламе. Тем не менее, долговечность и обилие монет сделали их одним из важнейших источников знаний о греческой эстетике. [94] Греческие монеты являются единственной формой искусства из древнегреческого мира, которую все еще могут купить и владеть частные коллекционеры скромного достатка.

Самыми распространенными монетами, которые использовались далеко за пределами их родных территорий и копировались и подделывались другими, были афинская тетрадрахма , выпускавшаяся с  510 по 38  г. до н. э. , и в эллинистическую эпоху македонская тетрадрахма, обе серебряные. [95] Они обе сохраняли один и тот же знакомый дизайн в течение длительного времени. [96] Греческие дизайнеры начали практику помещения профильного портрета на аверсе монет. Первоначально это был символический портрет бога-покровителя или богини города, выпустившего монету: Афина для Афин , Аполлон в Коринфе, Деметра в Фивах и так далее. Позже использовались головы героев греческой мифологии, такие как Геракл на монетах Александра Македонского .

Первые человеческие портреты на монетах были портретами сатрапов империи Ахеменидов в Малой Азии , начиная с изгнанного афинского генерала Фемистокла, который стал сатрапом Магнезии около  450 г. до н. э. , и продолжая особенно династами Ликии к концу V века. [97] Греческие города в Италии, такие как Сиракузы, начали помещать головы реальных людей на монеты в IV веке до н. э., как и эллинистические преемники Александра Македонского в Египте , Сирии и других местах. [98] На реверсе своих монет греческие города часто помещали символ города: сову для Афин, дельфина для Сиракуз и так далее. Размещение надписей на монетах также началось во времена греков. Все эти обычаи позже были продолжены римлянами. [94]

Наиболее амбициозные в художественном отношении монеты, разработанные ювелирами или граверами по драгоценным камням, часто были с окраин греческого мира, из новых колоний в ранний период и новых царств позже, как форма маркетинга их «брендов» в современных терминах. [99] Из крупных городов Коринф и Сиракузы также выпускали последовательно привлекательные монеты. Некоторые из греко-бактрийских монет считаются лучшими образцами греческих монет с большими портретами с «прекрасным сочетанием реализма и идеализации», включая самые большие монеты, которые были отчеканены в эллинистическом мире: самая большая золотая монета была отчеканена Евкратидом ( правил в 171–145 гг. до н. э.), самая большая серебряная монета — индо-греческим царем Аминтой Никатором (правил около  95–90 гг. до н. э.). Портреты «демонстрируют степень индивидуальности, никогда не сравнимую с часто скучными изображениями их царственных современников дальше на Западе». [100]

Рисование

Фреска из македонской гробницы в Агиос Афанасиос, Салоники , Греция, IV в. до н. э.

Греки, по-видимому, ценили живопись больше, чем даже скульптуру, и к эллинистическому периоду осознанная оценка и даже практика живописи стали компонентами джентльменского образования. Экфрасис был литературной формой, состоящей из описания произведения искусства, и у нас есть значительный объем литературы о греческой живописи и художниках, с дополнительными дополнениями на латыни, хотя ни один из упомянутых трактатов художников не сохранился. [101] У нас едва ли есть какой-либо из самых престижных видов картин, на деревянной панели или фреской , о которых эта литература рассказывала, и очень мало копий, которые, несомненно, существовали, эквивалентных тем, которые дают нам большую часть наших знаний о греческой скульптуре.

Контраст с вазописью полный. В литературе об этом вообще нет упоминаний, но сохранилось более 100 000 примеров, что дает многим отдельным художникам респектабельное сохранившееся творение. [102] Наше представление о том, какой была лучшая греческая живопись, должно быть получено из тщательного рассмотрения параллелей в вазописи, поздних греко-римских копий в мозаике и фреске, некоторых очень поздних примеров настоящей живописи в греческой традиции и античной литературе. [103]

В Древней Греции существовало несколько взаимосвязанных традиций живописи. Из-за технических различий они претерпели несколько дифференцированное развитие. Ранняя живопись, по-видимому, развивалась по тем же направлениям, что и вазовая живопись, в значительной степени полагаясь на контуры и плоские области цвета, но затем расцвела и развилась в то время, когда вазовая живопись пришла в упадок. К концу эллинистического периода технические разработки включали моделирование для обозначения контуров в формах, тени, ракурс, некоторые, вероятно, неточные формы перспективы, внутренние и ландшафтные фоны, а также использование изменяющихся цветов для обозначения расстояния в пейзажах, так что «у греческих художников были все технические устройства, необходимые для полностью иллюзионистской живописи». [104]

Панно и настенная живопись

Одна из панелей Пица , единственная сохранившаяся панельная живопись из архаической Греции.

Наиболее распространенной и уважаемой формой искусства, по мнению таких авторов, как Плиний или Павсаний , были панельные картины , отдельные, переносные картины на деревянных досках. Используемые техники были энкаустика (восковая) живопись и темпера . Такие картины обычно изображали фигуративные сцены, включая портреты и натюрморты ; у нас есть описания многих композиций. Они собирались и часто выставлялись в общественных местах. Павсаний описывает такие выставки в Афинах и Дельфах . Мы знаем имена многих известных художников, в основном классического и эллинистического периодов, из литературы (см. расширяемый список справа). Самым известным из всех древнегреческих художников был Апеллес с Коса , которого Плиний Старший восхвалял как «превзошедшего всех других художников, которые либо предшествовали, либо следовали за ним». [105] [106]

Из-за недолговечности используемых материалов и крупных потрясений в конце античности ни одно из известных произведений греческой панельной живописи не сохранилось. У нас есть немного более значительные сохранившиеся настенные композиции. Наиболее важными сохранившимися греческими образцами доримского периода являются довольно низкокачественные панели Питса примерно  530 г. до н . э. , [107] Гробница ныряльщика из Пестума и различные картины из королевских гробниц в Вергине . Более многочисленные картины в этрусских и кампанских гробницах основаны на греческих стилях. В римский период в Помпеях и окрестностях, а также в самом Риме есть ряд настенных росписей , некоторые из которых, как полагают, являются копиями определенных более ранних шедевров. [108]

В частности, копии определенных настенных росписей были уверенно идентифицированы в мозаике Александра и на вилле Боскореале . [109] Существует большая группа гораздо более поздних греко-римских археологических находок из засушливых условий Египта, портреты мумий из Фаюма , вместе с похожим тондо Севера , и небольшая группа расписных портретных миниатюр в золотом стекле . [110] Византийские иконы также происходят от традиции энкаустической панельной живописи, а византийские иллюминированные рукописи иногда продолжали греческий иллюзионистский стиль на протяжении столетий.

Сцена симпосия в гробнице ныряльщика в Пестуме , ок.  480 г. до н. э.

Традиция настенной живописи в Греции восходит по крайней мере к минойскому и микенскому бронзовому веку , с богатым фресковым декором таких мест, как Кносс , Тиринф и Микены . Неясно, есть ли какая-либо преемственность между этими предшественниками и более поздними греческими настенными росписями.

Настенные росписи часто описываются Павсанием, и многие из них, по-видимому, были созданы в классический и эллинистический периоды. Из-за отсутствия архитектуры, сохранившейся в нетронутом виде, сохранилось не так много. Наиболее примечательными примерами являются монументальная архаическая сцена битвы гоплитов 7-го века до н. э. внутри храма в Калаподи (около Фив ), а также сложные фрески из 4-го века «Могилы Филиппа» и «Могилы Персефоны» в Вергине в Македонии или гробницы в Агиос Афанасиос, Салоники , которые иногда предполагают, что они тесно связаны с высококачественными панелями, упомянутыми выше. Необычная сохранность гробницы Пальметт (3-й век до н. э., раскопанной в 1971 году) с живописью в хорошем состоянии включает портреты пары, похороненной внутри на тимпане .

Греческая традиция настенной живописи также отражена в современных украшениях могил в греческих колониях в Италии , например, в знаменитой Гробнице ныряльщика в Пестуме . Ученые полагают, что знаменитые римские фрески в таких местах, как Помпеи, являются потомками греческой традиции, а некоторые копируют отдельные известные картины на панелях. Однако все эти римские копии являются свободными адаптациями, в которые добавлены дополнительные фигуры, изменены позы и раскраска.

Реконструированная цветовая гамма антаблемента дорического храма

Полихромия: роспись скульптур и архитектуры

Следы краски, изображающие вышитые узоры на пеплосе архаической коры , Музей Акрополя

Большая часть фигуративной или архитектурной скульптуры Древней Греции была раскрашена красочно. Этот аспект греческой каменной кладки описывается как полихромия (от греч. πολυχρωμία , πολύ = много и χρώμα = цвет). Из-за интенсивного выветривания полихромия на скульптуре и архитектуре в большинстве случаев существенно или полностью исчезла.

Хотя слово полихромия произошло от слияния двух греческих слов, в Древней Греции оно не использовалось. Термин был придуман в начале девятнадцатого века Антуаном Хризостомом Катрмером де Кенси. [113]

Архитектура

Живопись также использовалась для улучшения визуальных аспектов архитектуры. Определенные части надстройки греческих храмов обычно расписывались с архаического периода. Такая архитектурная полихромия могла принимать форму ярких цветов, непосредственно нанесенных на камень (свидетельствующих, например, о Парфеноне ), или сложных узоров, часто архитектурных элементов, сделанных из терракоты (архаические примеры в Олимпии и Дельфах ). Иногда терракоты также изображали фигуративные сцены, как это делают терракотовые метопы VII века до н. э. из Термона . [114]

Реконструированная цветовая схема троянского лучника из храма Афайи на острове Эгина .

Скульптура

Большинство греческих скульптур были окрашены в яркие и насыщенные цвета; это называется « полихромия ». Краска часто ограничивалась частями, изображающими одежду, волосы и т. д., при этом кожа оставалась в естественном цвете камня или бронзы, но она также могла покрывать скульптуры целиком; женская кожа в мраморе, как правило, была неокрашенной, в то время как мужская кожа могла быть светло-коричневой. Роспись греческой скульптуры следует рассматривать не только как улучшение ее скульптурной формы, но и как характеристику особого стиля искусства. [115]

Например, недавно было продемонстрировано, что фронтонные скульптуры из храма Афайи на Эгине были расписаны смелыми и сложными узорами, изображающими, среди прочих деталей, узорчатую одежду. Полихромия каменных статуй сопровождалась использованием различных материалов для выделения кожи, одежды и других деталей в хризелефантиновых скульптурах , а также использованием различных металлов для изображения губ, ногтей и т. д. на высококачественных бронзах, таких как бронзы из Риаче . [115]

Роспись вазы

Наиболее обширные свидетельства древнегреческой живописи сохранились в виде вазовых росписей. Они описаны в разделе « керамика » выше. Они дают, по крайней мере, некоторое представление об эстетике греческой живописи. Однако используемые методы сильно отличались от тех, которые использовались в крупноформатной живописи. То же самое, вероятно, относится и к изображаемому предмету. Художники по вазам, по-видимому, обычно были специалистами в гончарной мастерской, а не художниками в других техниках или гончарами. Следует также иметь в виду, что вазовая живопись, хотя и является самым заметным сохранившимся источником древнегреческой живописи, не пользовалась большим уважением в античности и никогда не упоминается в классической литературе. [116]

Мозаика

Мозаика «Охота на оленя» , конец IV в. до н. э., из Пеллы ; фигура справа, возможно, является Александром Македонским из-за даты мозаики, а также изображенного взмаха его волос с центральным пробором ( анастола ); фигура слева, держащая в руках обоюдоострый топор (ассоциируемый с Гефестом ), возможно, является Гефестионом , одним из верных соратников Александра. [117]
Неподметенный пол , римская копия мозаики Сосуса из Пергама
Мозаика пола в доме с изображением Афины из «Ювелирного квартала» Делоса , Греция, конец II или начало I в. до н.э.

Мозаики изначально изготавливались из округлой гальки, а позже из стекла с тессерами , что давало больше цвета и плоскую поверхность. Они были популярны в эллинистический период, сначала как украшение для полов дворцов, но в конечном итоге и для частных домов. [118] Часто центральная эмблема, изображение на центральной панели, была выполнена гораздо более тонкой работой, чем окружающее украшение. [119] Мотивы Ксении , где дом показывал примеры разнообразных блюд, которые гости могли бы ожидать отведать, представляют собой большинство сохранившихся образцов греческого натюрморта . В целом мозаику следует рассматривать как вторичный медиум, копирующий живопись, часто очень непосредственно, как в мозаике Александра . [120]

«Неподметенный пол» Сосуса из Пергама ( ок.  200 г. до н. э. ) был оригинальной и знаменитой работой в стиле trompe-l'œil , известной по многим греко-римским копиям. По словам Джона Бордмана , Сосус — единственный художник-мозаичник, чье имя сохранилось; его «Голуби» также упоминаются в литературе и копируются. [121] Однако Кэтрин М. Д. Данбабин утверждает, что два разных художника-мозаичиста оставили свои подписи на мозаиках Делоса . [122] Художник мозаики «Охота на оленя» IV в. до н. э. , возможно, также оставил свою подпись как «Гнозис» , хотя это слово может быть отсылкой к абстрактной концепции знания. [123]

Мозаики являются важным элементом сохранившегося македонского искусства, большое количество примеров сохранилось в руинах Пеллы , древней македонской столицы , в сегодняшней Центральной Македонии . [124] Мозаики, такие как мозаика «Охота на оленя и охота на льва», демонстрируют иллюзионистские и трехмерные качества, обычно встречающиеся в эллинистических картинах, хотя деревенское македонское занятие охотой заметно более выражено, чем другие темы. [125] Мозаики II века до н. э. из Делоса , Греция, были оценены Франсуа Шаму как представляющие вершину эллинистического мозаичного искусства, с похожими стилями, которые продолжались на протяжении всего римского периода и, возможно, заложили основы для широкого использования мозаики в западном мире вплоть до Средних веков . [118]

Гравированные драгоценные камни

Аполлоний Афинский, золотое кольцо с портретом в гранате , ок. 220 г. до н.э.

Гравированный камень был предметом роскоши и имел высокий престиж; Помпей и Юлий Цезарь были среди более поздних коллекционеров. [128] Техника имеет древнюю традицию на Ближнем Востоке , и цилиндрические печати , чей дизайн проявляется только при прокатке по влажной глине, из которой развился тип плоского кольца, распространились в минойском мире, включая части Греции и Кипра . Греческая традиция возникла под минойским влиянием на материковую элладскую культуру и достигла апогея тонкости и изысканности в эллинистический период. [129]

Круглые или овальные греческие драгоценные камни (вместе с похожими предметами из кости и слоновой кости) находят с 8-го и 7-го веков до н. э., обычно с животными в энергичных геометрических позах, часто с границей, отмеченной точками или ободом. [130] Ранние образцы в основном из более мягких камней. Драгоценные камни 6-го века чаще овальные, [131] со спиной скарабея (в прошлом этот тип назывался «скарабеем»), а также человеческими или божественными фигурами, а также животными; форма скарабея, по-видимому, была заимствована из Финикии . [132]

Формы сложны для этого периода, несмотря на обычно небольшой размер камней. [96] В V веке камни стали несколько больше, но все еще всего 2–3 сантиметра в высоту. Несмотря на это, показаны очень тонкие детали, включая ресницы на одной мужской голове, возможно, портрет. Четыре камня, подписанные Дексаменом Хиосским, являются лучшими из тех, два из которых изображают цапель . [133]

Рельефная резьба стала распространенной в Греции в V веке до н. э., и постепенно большинство эффектных резных камней стали рельефными. Обычно рельефное изображение более впечатляющее, чем инталия; в более ранней форме получатель документа видел его в отпечатанном воске, в то время как в более поздних рельефах владелец печати оставлял ее себе, вероятно, отмечая появление камней, предназначенных для коллекционирования или ношения в качестве ювелирных подвесок в ожерельях и т. п., а не для использования в качестве печатей — более поздние иногда довольно большие, чтобы использовать их для запечатывания писем. Однако надписи обычно все еще перевернуты («зеркальное письмо»), поэтому они правильно читаются только на оттисках (или при просмотре сзади с прозрачными камнями). Этот аспект также частично объясняет сбор оттисков в гипсе или воске с драгоценных камней, которые может быть легче оценить, чем оригинал.

Более крупные каменные резные изделия и камеи , которые редко встречаются в форме инталий, по-видимому, достигли Греции около 3-го века; Фарнезская тацца является единственным крупным сохранившимся эллинистическим образцом (в зависимости от дат, приписываемых камее Гонзага и кубку Птолемеев ), но другие имитации из стеклянной пасты с портретами предполагают, что камеи типа драгоценных камней были сделаны в этот период. [134] Завоевания Александра открыли новые торговые пути в греческий мир и увеличили ассортимент доступных драгоценных камней. [135]

Орнамент

Типичное разнообразие орнаментальных мотивов на аттической вазе ок.  530 г.

Синтез в архаический период местного репертуара простых геометрических мотивов с импортированными, в основном растительными, мотивами с дальнего востока создал значительный словарь орнамента, который художники и мастера использовали с уверенностью и беглостью. [136] Сегодня этот словарь можно увидеть, прежде всего, в большом корпусе расписной керамики, а также в архитектурных остатках, но изначально он использовался в широком спектре средств, поскольку его более поздняя версия используется в европейском неоклассицизме .

Элементы этого словаря включают геометрический меандр или «греческий ключ», яйцо-и-дротик , бусину и катушку , витрувианский свиток , гильош и из растительного мира стилизованные листья аканта , волюту , пальметту и полупальметту, растительные свитки различных видов , розетку , цветок лотоса и цветок папируса . Первоначально используемые в основном на архаичных вазах, по мере развития фигуративной живописи они обычно низводились до границ, разграничивающих края вазы или различные зоны декора. [137] Греческая архитектура была известна разработкой сложных соглашений по использованию молдингов и других архитектурных декоративных элементов, которые использовали эти мотивы в гармонично интегрированном целом.

Еще до классического периода этот словарь оказал влияние на кельтское искусство, а расширение греческого мира после Александра и экспорт греческих предметов еще дальше открыли ему большую часть Евразии , включая регионы на севере Индийского субконтинента, где распространялся буддизм и создавалось греко-буддийское искусство . По мере того, как буддизм распространялся по Центральной Азии в Китай и остальную часть Восточной Азии , в форме, которая широко использовала религиозное искусство, версии этого словаря были взяты с ним и использовались для окружения изображений будд и других религиозных изображений, часто с размером и акцентом, которые показались бы чрезмерными древним грекам. Словарь был поглощен орнаментом Индии, Китая, Персии и других азиатских стран, а также получил дальнейшее развитие в византийском искусстве . [138] Римляне переняли словарь более или менее полностью, и хотя он был сильно изменен, его можно проследить во всем европейском средневековом искусстве , особенно в растительном орнаменте.

Исламское искусство , в котором орнамент в значительной степени заменяет фигуративность, развило византийский растительный свиток в полную, бесконечную арабеску и, особенно, с монгольских завоеваний XIV века получило новые влияния из Китая, включая потомков греческого словаря. [139] Начиная с эпохи Возрождения, некоторые из этих азиатских стилей были представлены на тканях, фарфоре и других товарах, импортируемых в Европу, и оказали влияние на орнамент там, процесс, который продолжается до сих пор.

Другие виды искусства

Слева: Эллинистическая стеклянная амфора , найденная при раскопках в Ольбии , Сардиния , датируемая II в. до н. э.
Справа: Эллинистический сатир , одетый в деревенскую перизому (набедренную повязку) и несущий педум (пастуший посох). Аппликация из слоновой кости, вероятно, для мебели.

Хотя стекло производилось на Кипре к IX в. до н. э. и значительно усовершенствовалось к концу периода, сохранилось лишь несколько образцов стеклянных изделий до греко-римского периода, которые демонстрируют художественное качество лучших работ. [140] Большинство сохранившихся образцов — это небольшие флаконы для духов, выполненные в причудливых цветных «пернатых» стилях, похожих на другие изделия из средиземноморского стекла . [141] Эллинистическое стекло стало дешевле и доступнее для более широких слоев населения.

Греческая мебель не сохранилась, но есть много ее изображений на вазах и мемориальных рельефах, например , на Гегесо . Очевидно, что она часто была очень элегантной, как и стили, полученные от нее с 18-го века и далее. Сохранились некоторые куски резной слоновой кости, которые использовались в качестве инкрустаций, как в Вергине, и несколько резных изделий из слоновой кости; это было роскошное искусство, которое могло быть очень высокого качества. [142]

Из вазовых росписей ясно, что греки часто носили искусно украшенную одежду, а мастерство ткачества было признаком почтенной женщины. Сохранились два роскошных куска ткани из гробницы Филиппа Македонского . [143] Существует множество ссылок на декоративные подвески как для домов, так и для храмов, но ни одно из них не сохранилось.

Распространение и наследие

Греко-буддийский фриз Гандхары с верующими, держащими листья подорожника , в эллинистическом стиле, внутри коринфских колонн , I–II вв. н.э., Бунер, Сват, Пакистан , Музей Виктории и Альберта
Гипнос и Танатос несут тело Сарпедона с поля битвы под Троей ; фрагмент аттического белоземельного лекифоса , ок. 440 г. до н. э.

Древнегреческое искусство оказало значительное влияние на культуру многих стран по всему миру, прежде всего в его трактовке человеческой фигуры. На Западе греческая архитектура также имела огромное влияние, и как на Востоке, так и на Западе влияние греческого декора можно проследить до наших дней. Этрусское и римское искусство в значительной степени и напрямую произошли от греческих моделей, [144] и греческих объектов, а влияние достигло кельтского искусства к северу от Альп, [145] а также всего Средиземноморья и Персии. [146]

На Востоке завоевания Александра Македонского положили начало многовековому обмену между греческой, среднеазиатской и индийской культурами, чему в значительной степени способствовало распространение буддизма , который на раннем этапе перенял многие греческие черты и мотивы в греко-буддийском искусстве , которые затем были переданы как часть культурного пакета в Восточную Азию , даже в Японию , среди художников, которые, без сомнения, совершенно не знали о происхождении мотивов и стилей, которые они использовали. [147]

После эпохи Возрождения в Европе гуманистическая эстетика и высокие технические стандарты греческого искусства вдохновляли поколения европейских художников, с крупным возрождением движения неоклассицизма , которое началось в середине 18-го века, совпав с более легким доступом из Западной Европы в саму Грецию, и возобновленным импортом греческих оригиналов, наиболее известными из которых являются мраморы Элгина из Парфенона. Вплоть до 19-го века классическая традиция , происходящая из Греции, доминировала в искусстве западного мира. [148]

Историография

Эллинизированные римские высшие классы Поздней республики и Ранней империи в целом признавали греческое превосходство в искусстве без особых придирок, хотя похвала Плиния скульптуре и живописи доэллинистических художников может основываться на более ранних греческих сочинениях, а не на личных знаниях. Плиний и другие классические авторы были известны в эпоху Возрождения, и это предположение о греческом превосходстве снова было общепринятым. Однако критики в эпоху Возрождения и намного позже не знали, какие работы были на самом деле греческими. [149]

Будучи частью Османской империи , Греция сама по себе могла быть доступна лишь очень немногим западным европейцам до середины XVIII века. Не только греческие вазы, найденные на этрусских кладбищах, но также (что более спорно) греческие храмы Пестума считались этрусскими или, иначе, италийскими до конца XVIII века и позже, ошибочное представление, поддерживаемое итальянскими националистическими настроениями. [149]

Труды Иоганна Иоахима Винкельмана , особенно его книги « Мысли о подражании греческим произведениям в живописи и скульптуре » (1750) и « История античного искусства» (1764), были первыми, в которых четко разграничивалось древнегреческое, этрусское и римское искусство, а также определялись периоды в греческом искусстве, прослеживалась траектория от роста к зрелости, а затем к подражанию или упадку, которая продолжает оказывать влияние и по сей день. [150]

Полное распутывание греческих статуй от их более поздних римских копий и лучшее понимание баланса между греческостью и римскостью в греко-римском искусстве заняло гораздо больше времени и, возможно, продолжается до сих пор. [151] Греческое искусство, особенно скульптура, продолжало пользоваться огромной репутацией, и его изучение и копирование было значительной частью обучения художников, вплоть до падения академического искусства в конце 19 века. В этот период фактически известный корпус греческого искусства и, в меньшей степени, архитектуры, значительно расширился. Изучение ваз развилось в огромной литературе в конце 19 и 20 веков, во многом основанной на идентификации рук отдельных художников, с сэром Джоном Бизли в качестве ведущей фигуры. Эта литература в целом предполагала, что вазовая живопись представляет собой развитие независимой среды, только в общих чертах черпающей из стилистического развития в других художественных средах. Это предположение все чаще подвергается сомнению в последние десятилетия, и некоторые ученые теперь рассматривают его как вторичный носитель, в основном представляющий собой дешевые копии ныне утраченных металлических изделий, и многие из них были сделаны не для повседневного использования, а для захоронения в захоронениях. [152]

Смотрите также

На Викискладе есть медиафайлы по теме « Искусство Древней Греции» .

Примечания

  1. ↑ Бордман, 3–4; Кук, 1–2
  2. ^ Кук, 12
  3. ↑ Кук, 14–18
  4. ^ Афина в эгиде, фрагмент сцены, изображающей Геракла и Иолая в сопровождении Афины, Аполлона и Гермеса. Живот аттической чернофигурной гидрии, Кабинет медалей, Париж, инв. 254.
  5. ^ Домашняя страница Архивировано 18.05.2019 в Wayback Machine Corpus vasorum antiquorum , просмотрено 16 мая 2016 г.
  6. ^ ab Кук, 24–26
  7. ↑ Кук, 27–28; Бордман, 26, 32, 108–109; Вудфорд, 12
  8. ↑ Предисловие к «Древнегреческой керамике» (Ashmolean Handbooks) Майкла Викерса (1991)
  9. ↑ Бордман, 86, цитируется
  10. ↑ Кук, 24–29
  11. ^ Аполлон в лавровом или миртовом венке, белом пеплосе и красном гиматии и сандалиях, сидящий на дифросе с львиными лапами; он держит кифару в левой руке и совершает возлияние правой рукой. Напротив него черная птица, идентифицированная как голубь, галка, ворона (что может намекать на его любовную связь с Коронидой) или ворон (мантическая птица). Тондо аттического белого килика, приписываемого художнику Пистоксена (или берлинскому художнику, или Онисиму). Диаметр 18 см (7,1 дюйма)
  12. ↑ Кук, 30, 36, 48–51
  13. ↑ Кук, 37–40, 30, 36, 42–48
  14. ↑ Кук, 29; Вудворд, 170
  15. ↑ Бордман, 27; Кук, 34–38; Уильямс, 36, 40, 44; Вудфорд, 3–6
  16. ↑ Кук, 38–42; Уильямс, 56
  17. ↑ Вудфорд, 8–12; Кук, 42–51
  18. ↑ Вудфорд, 57–74; Кук, 52–57
  19. ↑ Бордман, 145–147; Кук, 56-57
  20. ^ Трендолл, Артур Д. (апрель 1989). Краснофигурные вазы Южной Италии: Справочник . Темза и Гудзон. стр. 17. ISBN 978-0500202258.
  21. ^ Бордман, 185–187
  22. ^ Бордман, 150; Кук, 159; Уильямс, 178
  23. ^ Кук, 160
  24. ↑ Кук, 161–163.
  25. ^ Бордман, 64–67; Карузоу, 102
  26. ^ Карузоу, 114–118; Кук, 162–163; Бордман, 131–132
  27. ^ Кук, 159
  28. ↑ Кук, 159, цитируется
  29. ↑ Расмуссен, xiii. Однако, поскольку металлические сосуды не сохранились, «такое отношение не поможет нам далеко продвинуться».
  30. ^ Соудер, Эми. «Древнегреческие бронзовые сосуды», в Heilbrunn Timeline of Art History. Нью-Йорк: Музей Метрополитен, 2000–. онлайн (апрель 2008 г.)
  31. ↑ Кук, 162; Бордман, 65–66
  32. ↑ Бордман, 185–187; Кук, 163
  33. ^ Бордман, 131–132, 150, 355–356
  34. ^ Бордман, 149–150
  35. ↑ Бордман, 131, 187; Уильямс, 38–39, 134–135, 154–155, 180–181, 172–173
  36. ^ Бордман, 148; Уильямс, 164–165
  37. ↑ Бордман, 131–132; Уильямс, 188–189, где приводится пример, сделанный для рынка иберийских кельтов.
  38. ^ Ритон. Верхняя часть роскошного сосуда для питья вина выкована из серебряной пластины с позолоченным краем с рельефной ветвью плюща. Нижняя часть вставлена ​​в литой конь Протома. Работа греческого мастера, вероятно, для фракийского аристократа. Возможно, Фракия, конец IV в. до н. э. NG Прага, дворец Кинских, NM-HM10 1407.
  39. ^ Кук, 19
  40. ^ Вудфорд, 39–56
  41. ↑ Кук, 82–85
  42. ^ Смит, 11
  43. ↑ Кук, 86–91, 110–111
  44. ↑ Кук, 74–82.
  45. ^ Кеннет Д. С. Лапатин. Хризелефантиновая скульптура в древнем средиземноморском мире . Oxford University Press, 2001. ISBN 0-19-815311-2 
  46. ↑ Кук, 74–76.
  47. ^ Бордман, 33–34
  48. ^ ab Connor, Simon (1 января 2019 г.). «Ashmawy, Aiman, Simon Connor, and Dietrich Raue 2019. Psamtik I in Heliopolis. Egyptian Archaeology 55, 34–39». Egyptian Archaeology : 38–39.
  49. ↑ Смит, Уильям Стивенсон; Симпсон, Уильям Келли (1 января 1998 г.). Искусство и архитектура Древнего Египта. Издательство Йельского университета. стр. 235. ISBN 978-0-300-07747-6.
  50. ^ Кук, 99; Вудфорд, 44, 75
  51. ^ Кук, 93
  52. ↑ Бордман, 47–52; Кук, 104–108; Вудфорд, 38–56
  53. ↑ Бордман, 47–52; Кук, 104–108; Вудфорд, 27–37
  54. ^ Бордман, 92–103; Кук, 119–131; Вудфорд, 91–103, 110–133
  55. ^ Таннер, Джереми (2006). Изобретение истории искусств в Древней Греции: религия, общество и художественная рационализация. Cambridge University Press. стр. 97. ISBN 9780521846141.
  56. ^ CAHN, HERBERT A.; GERIN, DOMINIQUE (1988). «Фемистокл в Магнезии». Нумизматическая хроника . 148 : 19. JSTOR  42668124.
  57. ^ Бордман, 111–120; Кук, 128; Вудфорд, 91–103, 110–127
  58. ^ Бордман, 135, 141; Кук, 128–129, 140; Вудфорд, 133
  59. ^ Вудфорд, 128–134; Бордман, 136–139; Кук, 123–126
  60. ↑ Бордман, 119; Вудфорд, 128–130
  61. ^ Смит, 7, 9
  62. ↑ Смит, 11, 19–24, 99
  63. ↑ Смит, 14–15, 255–261, 272
  64. ^ Смит, 33–40, 136–140
  65. ^ Смит, 127–154
  66. ^ Смит, 77–79
  67. ↑ Смит, 99–104; Фотография коленопреклоненного молодого галла , Лувр
  68. ^ Смит, 104–126
  69. ^ Смит, 240–241
  70. ^ Смит, 258-261
  71. ^ Смит, 206, 208-209
  72. ^ Смит, 210
  73. ^ Смит, 205
  74. ^ "Колокольный идол", Лувр
  75. ^ Уильямс, 182, 198–201; Бордман, 63–64; Смит, 86
  76. ^ Уильямс, 42, 46, 69, 198
  77. ↑ Кук, 173–174.
  78. ↑ Кук, 178, 183–184.
  79. ↑ Кук, 178–179.
  80. ↑ Кук, 184–191; Бордман, 166–169
  81. ^ Кук, 186
  82. ↑ Кук, 190–191.
  83. ↑ Кук, 241–244.
  84. ^ Бордман, 169–171
  85. ↑ Кук, 185–186.
  86. ↑ Кук, 179–180, 186
  87. ^ Кук, 193–238 дает исчерпывающее резюме
  88. ↑ Кук, 191–193.
  89. ↑ Кук, 211–214.
  90. ^ Кук, 218
  91. ^ Бордман, 159–160, 164–167
  92. ^ еще одна реконструкция
  93. ^ Хаугего, 1–2
  94. ^ ab Кук, 171–172
  95. ^ Хаугего, 44–46, 48–51
  96. ^ ab Бордман, 68–69
  97. ^ "Редкая серебряная фракция, недавно идентифицированная как монета Фемистокла из Магнезии, даже имеет бородатый портрет великого человека, что делает ее самой ранней датируемой портретной монетой. Другие ранние портреты можно увидеть на монетах ликийских династов". Каррадис, Ян; Прайс, Мартин (1988). Монеты в греческом мире. Сиби. стр. 84. ISBN 9780900652820.
  98. ^ Хаугего, 63–67
  99. ^ Уильямс, 112
  100. ^ Роджер Линг, «Греция и эллинистический мир»
  101. ^ Кук, 22, 66
  102. ↑ 24-летний Кук утверждает, что более 1000 художников, расписывающих вазы, были идентифицированы по их стилю.
  103. ↑ Кук, 59–70
  104. ↑ Кук, 59–69, 66 цитируется
  105. ^ Босток, Джон. «Естественная история». Персей . Университет Тафтса . Получено 23 марта 2017 г.
  106. ↑ Леонард Уибли, «Путеводитель по греческим исследованиям» , 3-е изд., 1916, стр. 329.
  107. ↑ Кук, 61;
  108. ^ Бордман, 177–180
  109. ^ Бордман, 174–177
  110. ^ Бордман, 338–340; Уильямс, 333
  111. ^ Коэн, 28
  112. ^ Христопулос, Лукас (август 2012 г.). Майр, Виктор Х. (ред.). «Эллины и римляне в Древнем Китае (240 г. до н. э. – 1398 г. н. э.)» (PDF) . Sino-Platonic Papers (230). Кафедра восточноазиатских языков и цивилизаций Пенсильванского университета: 15–16. ISSN  2157-9687.
  113. ^ Сабатини, Паоло (2 мая 2012 г.). «Антуан Хризостом Катрмер де Кенси (1755-1849) и повторное открытие полихромии в греческой архитектуре: цветовые приемы и археологические исследования на страницах «Зевса Олимпийского»» (PDF) .
  114. ↑ Кук, 182–183.
  115. ^ ab Вудфорд, 173–174; Кук, 75–76, 88, 93–94, 99
  116. ↑ Кук, 59–63
  117. ↑ См.: Чагг, Эндрю (2006). Alexander's Lovers . Роли, Северная Каролина: Lulu. ISBN 978-1-4116-9960-1 , стр. 78-79. 
  118. ^ ab Chamoux, 375
  119. ^ Бордман, 154
  120. ^ Бордман, 174–175, 181–185
  121. ^ Бордман, 183–184
  122. ^ Данбабин, 33
  123. ^ Коэн, 32
  124. ^ Хардиман, 517
  125. ^ Хардиман, 518
  126. ^ Палагия, Ольга (2000). «Костер Гефестиона и королевская охота Александра». В Босворте, AB; Бэйнхэм, EJ (ред.). Александр Великий в фактах и ​​вымыслах . Oxford University Press. стр. 185. ISBN 9780198152873.
  127. ^ Флетчер, Джоанн (2008). Клеопатра Великая: Женщина, стоящая за легендой . Нью-Йорк: Harper. ISBN 978-0-06-058558-7 , иллюстрации и подписи между стр. 246-247. 
  128. ^ для Цезаря: De Vita Caesarum, Divus Iulius , (Жизнь Цезарей, Божественный Юлий), онлайн-текст Фордхэма; для Помпея: Главы 4–6 книги 37 «Естественной истории » Плиния Старшего дают краткую историю искусства греческой и римской традиции, а также римского коллекционирования
  129. ^ Бордман, 39, 67–68, 187, 350
  130. ^ Бордман, 39 Более подробную информацию см. в Бизли.
  131. ^ «Лентикулярные» или «лентоидные» драгоценные камни имеют форму линзы .
  132. ↑ Бизли, Поздние архаические греческие геммы: введение.
  133. ^ Бордман, 129–130
  134. ^ Бордман, 187–188
  135. ^ Бизли, «Эллинистические драгоценные камни: введение»
  136. ↑ Кук, 39–40
  137. ^ Роусон, 209–222; Кук, 39
  138. ↑ Роусон, по всему тексту, но для быстрой справки: 23, 27, 32, 39–57, 75–77
  139. ^ Роусон, 146–163, 173–193
  140. ^ Уильямс, 190
  141. ^ Уильямс, 214
  142. ^ Бордман, 34, 127, 150
  143. ^ Бордман, 150
  144. ^ Бордман, 349–353; Кук, 155–156; Уильямс, 236–248
  145. ^ Бордман, 353–354
  146. ^ Бордман, 354–369
  147. ^ Бордман, 370–377
  148. ↑ Кук, 157–158.
  149. ^ ab Ceserani, Giovanna (2012). Утраченная Греция Италии: Великая Греция и создание современной археологии. Oxford University Press. С. 49–66. ISBN 978-0-19-987679-2.
  150. ↑ Честь, 57–62
  151. ↑ См . «Классическое искусство от Греции до Рима» Джона Хендерсона и Мэри Бирд , 2001), ISBN 0-19-284237-4 ; Честь, 45–46 
  152. ↑ См. Rasmussen, «Adopting an Approach» Мартина Робертсона и Мэри Бирд , а также предисловие к Ancient Greek Pottery (Ashmolean Handbooks) Майкла Викерса (1991)

Ссылки

Дальнейшее чтение

Внешние ссылки

Библиотечные ресурсы о
древнегреческом искусстве
  • Онлайн книги
  • Ресурсы в вашей библиотеке
  • Ресурсы в других библиотеках