Натюрморт ( мн.: натюрморты ) — это произведение искусства, изображающее в основном неодушевленные предметы, обычно обычные предметы, которые либо являются природными (еда, цветы, мертвые животные, растения, камни, ракушки и т. д .), либо созданы руками человека ( еда, цветы, мертвые животные, растения, камни, ракушки и т. д.). стаканы, книги, вазы, украшения, монеты, трубки и т. д.). [1]
Зародившись в средневековье и древнем греко-римском искусстве, натюрморт стал отдельным жанром и профессиональной специализацией в западной живописи к концу 16 века и с тех пор остается значимым. Одним из преимуществ натюрморта является то, что он дает художнику большую свободу экспериментировать с расположением элементов в композиции картины. Натюрморт, как особый жанр, зародился в нидерландской живописи 16-17 веков, а английский термин « натюрморт» происходит от голландского слова Stilleven . Ранние натюрморты, особенно до 1700 года, часто содержали религиозную и аллегорическую символику, связанную с изображенными предметами. Более поздние натюрморты создаются с использованием различных средств и технологий, таких как найденные предметы, фотографии, компьютерная графика , а также видео и звук.
Этот термин включает в себя живопись мертвых животных, особенно дичи. Живые считаются анималистическим искусством , хотя на практике их часто рисовали по мертвым моделям. Из-за использования растений и животных в качестве сюжета категория натюрмортов также имеет общие черты с зоологическими и особенно ботаническими иллюстрациями . Однако в визуальном или изобразительном искусстве работа предназначена не только для правильной иллюстрации предмета.
Натюрморт занимал низшую ступень иерархии жанров , но пользовался огромной популярностью у покупателей. Помимо независимого сюжета натюрморта, натюрморт включает в себя другие виды живописи с заметными элементами натюрморта, обычно символическими, и «изображениями, которые опираются на множество элементов натюрморта якобы для воспроизведения «кусочка жизни». ' ". [2] Картина «тромпель» , цель которой — обмануть зрителя, заставив его думать, что сцена реальна, представляет собой специализированный тип натюрморта, обычно изображающий неодушевленные и относительно плоские объекты. [3]
Натюрморты часто украшают интерьер древнеегипетских гробниц. Считалось, что изображенные там пищевые и другие предметы в загробной жизни станут реальными и доступными для использования умершим. Древнегреческие росписи на вазах также демонстрируют большое мастерство в изображении предметов быта и животных. Пейрайкос упоминается Плинием Старшим как художник, рисовавший «низкие» предметы, такие как сохранившиеся в мозаичных версиях и провинциальные настенные росписи в Помпеях : «парикмахерские, киоски сапожников, ослов, съестные припасы и тому подобные предметы». [4]
Подобные натюрморты, более просто декоративные по замыслу, но с реалистичной перспективой, также были найдены в римских настенных росписях и напольных мозаиках, раскопанных в Помпеях, Геркулануме и на вилле Боскореале , включая более поздний знакомый мотив стеклянной вазы с фруктами. Декоративные мозаики, называемые «эмблемами», найденные в домах богатых римлян, демонстрировали разнообразие еды, которой наслаждались высшие классы, а также служили знаком гостеприимства и праздником времени года и жизни. [5]
К 16 веку еда и цветы снова стали символами времен года и пяти чувств. Также с римских времен зародилась традиция использования черепа в картинах как символа смертности и земных останков, часто с сопровождающей фразой Omnia mors aequat («Смерть делает всех равными»). [6] Эти изображения vanitas интерпретировались по-новому на протяжении последних 400 лет истории искусства, начиная с голландских художников около 1600 года. [7]
Популярное понимание реализма натюрморта связано с древнегреческой легендой о Зевксисе и Паррасии , которые, как говорят, когда-то соревновались в создании наиболее реалистичных объектов, что является самым ранним в истории описанием живописи -тромплей . [8] Как писал Плиний Старший во времена Древнего Рима, греческие художники столетиями ранее уже были продвинуты в искусстве портретной живописи , жанровой живописи и натюрморта. Он выделил Пейрайка , «чье мастерство превосходят лишь очень немногие... Он рисовал парикмахерские и сапожные ларьки, ослов, овощи и тому подобное, и по этой причине его стали называть «художником вульгарных сюжетов»; однако эти работы в целом восхитительны, и они продавались по более высоким ценам, чем величайшие [картины] многих других художников». [9]
.jpg/1280px-Memling,_Hans_%E2%80%94_Flowers_in_a_Jug_(reverse).jpg)
К 1300 году, начиная с Джотто и его учеников, натюрмортная живопись возрождается в виде вымышленных ниш на религиозных настенных росписях, изображающих предметы повседневного быта. [11] В средние века и эпоху Возрождения натюрморт в западном искусстве оставался в первую очередь дополнением к христианским религиозным сюжетам и имел религиозное и аллегорическое значение. Это особенно верно в отношении творчества североевропейских художников, чье увлечение детализированным оптическим реализмом и символизмом заставило их уделять большое внимание общему смыслу своих картин. [12] Такие художники, как Ян ван Эйк, часто использовали элементы натюрморта как часть иконографической программы. [ нужна цитата ]
В позднем средневековье элементы натюрморта, в основном цветы, но также животные и иногда неодушевленные предметы, рисовались с возрастающим реализмом в границах иллюминированных рукописей , развивая модели и технические достижения, которые использовались художниками более крупных изображений. Между художниками, создававшими миниатюры для рукописей, и рисующими панелями существовало значительное совпадение, особенно в ранней нидерландской живописи . «Часы Екатерины Клевской» , вероятно, созданные в Утрехте около 1440 года, являются одним из выдающихся примеров этой тенденции, в границах которых изображен необычайный набор предметов, включая монеты и рыболовные сети, выбранные для дополнения текста или основного изображения. конкретный момент. Фламандские мастерские в конце века еще больше продвинули натурализм пограничных элементов. Готические гобелены миллефлер — еще один пример всеобщего растущего интереса к точным изображениям растений и животных. Самый известный пример — комплект «Женщина и единорог» , созданный в Париже около 1500 года, а затем сотканный во Фландрии . [ нужна цитата ]
Развитие техники масляной живописи Яном ван Эйком и другими художниками Северной Европы позволило рисовать повседневные предметы в такой гиперреалистичной манере благодаря медленному высыханию, смешиванию и наслаиванию масляных красок. [13] Среди первых, кто освободился от религиозного значения, были Леонардо да Винчи , который создал акварельные этюды фруктов (около 1495 года) в рамках своего беспокойного исследования природы, и Альбрехт Дюрер , который также сделал точные цветные рисунки флоры и фауны. [14]
Портрет жениха и невесты в гостях у ювелира Петруса Кристуса — типичный пример переходного натюрморта, изображающего как религиозное, так и светское содержание. Хотя по смыслу они в основном аллегоричны, фигуры пары реалистичны, а изображенные предметы (монеты, сосуды и т. д.) точно нарисованы, но ювелир на самом деле представляет собой изображение святого Элигия, а предметы во многом символичны. Другой подобный тип живописи — семейный портрет, сочетающий фигуры с хорошо накрытым столом, символизирующий как благочестие человеческих подданных, так и их благодарность за Божие изобилие. [15] Примерно в это же время на внешней стороне ставен частных религиозных картин начали рисовать простые натюрморты, лишенные фигур (но не аллегорического значения). [9] Еще одним шагом к автономному натюрморту стало изображение символических цветов в вазах на оборотной стороне светских портретов около 1475 года. [16] Якопо де Барбари пошел еще дальше в своем « Натюрморте с куропаткой и рукавицами» (1504), среди самых ранних подписанных и датированных натюрмортов в стиле Тромпель , содержащих минимальное религиозное содержание. [17]
Хотя большинство натюрмортов после 1600 года представляли собой относительно небольшие картины, решающим этапом в развитии жанра стала традиция, в основном сосредоточенная в Антверпене , «монументального натюрморта», то есть больших картин, включающих большое количество материалов натюрморта. с фигурками и часто животными. Это была разработка Питера Аэрсена , чья «Мясная лавка со Святым семейством, раздающим милостыню» (1551, ныне Уппсала ) представила этот тип картины, которая до сих пор поражает. Другой пример - «Мясная лавка» племянника Артсена Иоахима Бекелера (1568 г.), с реалистичным изображением сырого мяса, доминирующего на переднем плане, в то время как фоновая сцена передает опасность пьянства и разврата. Тип очень большой кухни или сцены рынка, разработанный Питером Артсеном и его племянником Иоахимом Бекелером, обычно изображает изобилие еды с натюрмортом с кухонной утварью и крепкими фламандскими кухарками. Вдалеке часто можно различить небольшую религиозную сцену, или для возвышения объекта добавляется такая тема, как «Времена года» . Этот вид масштабного натюрморта продолжал развиваться во фламандской живописи после разделения Севера и Юга, но редок в голландской живописи, хотя другие произведения в этой традиции предвосхищают тип жанровой живописи « веселой компании » . [18]
Постепенно религиозное содержание уменьшилось в размерах и расположении в этом типе живописи, хотя уроки морали продолжали оставаться в качестве подконтекста. [19] Одна из относительно немногих итальянских работ в этом стиле, трактовка той же темы Аннибале Карраччи в 1583 году, «Мясная лавка» , начинает удалять моральные послания, как и другие «кухонные и рыночные» натюрморты этого периода. период. [20] Винченцо Кампи, вероятно, представил антверпенский стиль Италии в 1570-х годах. Традиция продолжилась и в следующем столетии, с несколькими работами Рубенса , который в основном поручал натюрморты и элементы животных мастерам-специалистам, таким как Франс Снайдерс и его ученик Ян Фит . Ко второй половине XVI века сложился самостоятельный натюрморт. [21]
.jpg/1280px-Canestra_di_frutta_(Caravaggio).jpg)
XVI век стал свидетелем взрыва интереса к миру природы и создания обширных ботанических энциклопедий, в которых отражаются открытия Нового Света и Азии. Это также послужило толчком к началу научных иллюстраций и классификации образцов. Природные объекты стали цениться как отдельные объекты изучения, вне каких-либо религиозных или мифологических ассоциаций. В это же время зародилась ранняя наука о лекарственных травах, которая была практическим расширением этих новых знаний. Кроме того, богатые покровители начали спонсировать коллекцию образцов животных и минералов, создавая обширные кабинеты раритетов . Эти образцы служили моделями для художников, стремившихся к реализму и новизне. Ракушки, насекомые, экзотические фрукты и цветы начали собирать и продавать, а новые растения, такие как тюльпан (завезенный в Европу из Турции), прославлялись в натюрмортах. [22]
Садоводческий взрыв вызвал широкий интерес в Европе, и художники воспользовались этим, чтобы создать тысячи натюрмортов. Некоторые регионы и суды имели особые интересы. Например, изображение цитрусовых было особой страстью двора Медичи во Флоренции, Италия. [23] Это широкое распространение природных образцов и растущий интерес к естественным иллюстрациям по всей Европе привели к почти одновременному созданию современных натюрмортов около 1600 года. [24] [25]
На рубеже веков испанский художник Хуан Санчес Котан стал пионером испанского натюрморта, создав строго спокойные картины с изображением овощей, прежде чем в 1603 году в возрасте сорока лет ушел в монастырь, после чего начал писать религиозные сюжеты. [ нужна цитата ]
_-_Still_life_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Jacopo_da_Dmpoli_(Jacopo_Chimenti)_-_Still_life_-_Google_Art_Project.jpg)
Выдающиеся академики начала 17 века, такие как Андреа Сакки , считали, что жанровая живопись и натюрморт не обладают той «серьезностью», которой заслуживает живопись, чтобы считаться великой. Классическим утверждением теории иерархии жанров для XVIII века стала влиятельная формулировка 1667 года Андре Фелибьена , историографа, архитектора и теоретика французского классицизма:
Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des Fruits, des Fleurs или des Coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est плюс достойная похвалы que ceux qui ne représentent que des Chooses mortes & sans mouvement; & comme la shape de l'homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il est aussi que celui qui se rend l'imitateur de l'homme en peignant des human images, est beaucoup plus превосходный que tous les autres... [26]
Тот, кто создает идеальные пейзажи, стоит выше того, кто производит только фрукты, цветы или морепродукты. Тот, кто рисует живых животных, достоин большего уважения, чем те, кто изображает только мертвые вещи без движения, а поскольку человек есть самое совершенное творение Бога на земле, то несомненно также, что тот, кто становится подражателем Бога в изображении человеческих фигур, является гораздо превосходнее всех прочих...».
Натюрморт как отдельная категория сложился в Нидерландах в последней четверти 16 века. [27] Английский термин « натюрморт» происходит от голландского слова Still , хотя в романских языках (а также греческом, польском, русском и турецком) обычно используются термины, означающие мертвую природу . Ранняя нидерландская живопись XV века разработала очень иллюзионистские методы как в панно , так и в иллюминированных рукописях , где на границах часто были изображены сложные изображения цветов, насекомых и, в таких работах, как «Часы Екатерины Клевской» , большое разнообразие объектов. Когда иллюминированная рукопись была заменена печатной книгой, те же навыки позже были применены в научной ботанической иллюстрации; Нидерланды лидировали в Европе как в ботанике , так и в ее изображении в искусстве. Фламандский художник Йорис Хофнагель (1542–1601) рисовал акварелью и гуашью цветы и другие предметы натюрморта для императора Рудольфа II , а также было много гравированных иллюстраций для книг (часто раскрашенных вручную), таких как «Ганс Колларт ». s Florilegium , опубликованный Плантеном в 1600 году. [28]
Около 1600 цветочных картин маслом стали чем-то вроде повального увлечения; Карел ван Мандер сам написал некоторые работы и отмечает, что это делали и другие художники северного маньеризма , такие как Корнелис ван Харлем . Никаких сохранившихся цветочных композиций от них не известно, но многие из них сохранились от ведущих специалистов, Яна Брейгеля Старшего и Амброзиуса Босхарта , оба работали в Южных Нидерландах. [29]
В то время как художники на Севере обнаружили ограниченные возможности для создания религиозной иконографии, которая долгое время была их основным продуктом (изображения религиозных сюжетов были запрещены в голландской реформатской протестантской церкви ), продолжающаяся северная традиция детального реализма и скрытых символов привлекала растущий голландский средний класс. , которые заменили церковь и государство в качестве главных покровителей искусства в Нидерландах. К этому добавилась мания голландцев к садоводству, особенно к тюльпанам . Эти два взгляда на цветы – как на эстетические объекты и как на религиозные символы – слились, создав очень сильный рынок для этого типа натюрморта. [30] Натюрморт, как и большинство голландских произведений искусства, обычно продавался на открытых рынках, дилерами или художниками в их студиях и редко заказывался; поэтому художники обычно сами выбирали сюжет и аранжировку. [31] Этот тип натюрморта был настолько популярен, что большая часть техники голландской цветочной живописи была систематизирована в трактате 1740 года « Грот Шильдербёк» Жерара де Лересса, в котором давались обширные советы по цвету, аранжировке, манере письма, подготовке. образцов, гармонии, композиции, перспективы и т. д. [32]
Символика цветов развивалась со времен раннего христианства. К наиболее распространенным цветам и их символическим значениям относятся: роза (Дева Мария, скоротечность, Венера, любовь); лилия (Дева Мария, девственность, женская грудь, чистота ума или справедливость); тюльпан (эффектность, благородство); подсолнух (верность, божественная любовь, преданность); фиолетовый (скромность, сдержанность, смирение); колумбина (меланхолия); мак (сила, сон, смерть). Что касается насекомых, то бабочка символизирует трансформацию и воскрешение, стрекоза символизирует быстротечность, а муравей — трудолюбие и внимание к урожаю. [33]
Фламандские и голландские художники также расширили и возродили древнегреческую традицию натюрморта trompe-l'œil , особенно имитацию природы или мимесис , которую они назвали Bedriegertje («маленький обман»). [8] В дополнение к этим типам натюрморта, голландские художники выделили и отдельно разработали картины «кухни и рынка», натюрморты за завтраком и столом с едой, картины «ванитас» и аллегорические коллекционные картины. [34]
В католических Южных Нидерландах получил развитие жанр картин-гирлянд. Примерно в 1607–1608 годах антверпенские художники Ян Брейгель Старший и Хендрик ван Бален начали создавать эти картины, состоящие из изображения (обычно религиозного), окруженного пышным венком натюрморта. Картины были результатом сотрудничества двух специалистов: художника-натюрморта и художника-фигуриста. Дэниел Сегерс развил жанр дальше. Первоначально выполнявшие религиозную функцию, картины-гирлянды стали чрезвычайно популярны и широко использовались в качестве украшения домов. [35]
Особым жанром натюрморта был так называемый pronkstilleven (по-голландски «показной натюрморт»). Этот стиль богато украшенных натюрмортов был разработан в 1640-х годах в Антверпене фламандскими художниками, такими как Франс Снайдерс и Адриан ван Утрехт . Они писали натюрморты, в которых подчеркивалось изобилие, изображая разнообразные предметы, фрукты, цветы и мертвую дичь, часто вместе с живыми людьми и животными. Стиль вскоре был перенят художниками из Голландской Республики . [36]
Особой популярностью в этот период пользовались картины «ванитас» , в которых роскошные композиции из фруктов и цветов, книг, статуэток, ваз, монет, ювелирных изделий, картин, музыкальных и научных инструментов, военных знаков отличия, чистого серебра и хрусталя сопровождались символическими напоминаниями о жизненных ценностях. непостоянство. Кроме того, череп, песочные часы или карманные часы, горящая свеча или книга, в которой перелистываются страницы, служили бы морализаторским посланием об эфемерности чувственных удовольствий. Часто изображали, как некоторые фрукты и цветы начинают портиться или увядать, чтобы подчеркнуть тот же момент. [ нужна цитата ]
Другой тип натюрмортов, известный как ontbijtjes или «картины для завтрака», представляет собой одновременно буквальное представление деликатесов, которыми может наслаждаться высший класс, и религиозное напоминание о том, что следует избегать обжорства. [37] Около 1650 года Самуэль ван Хугстратен написал одну из первых картин на настенной стойке, натюрморты в стиле «тромплей », на которых изображены предметы, привязанные, приколотые или прикрепленные каким-либо другим способом к настенной доске, тип натюрморта, очень Популярен в США в 19 веке. [38] Другим вариантом был натюрморт в стиле тромпель , изображающий предметы, связанные с данной профессией, как, например, картина Корнелиса Норберта Гисбрехта «Мольберт художника с куском фруктов», на которой изображены все инструменты ремесла художника. [39] Также популярной в первой половине 17-го века была живопись большого количества образцов в аллегорической форме, таких как «пять чувств», «четыре континента» или «четыре времени года», изображающие богиню или аллегорическая фигура в окружении соответствующих природных и рукотворных предметов. [40] Популярность картин vanitas и других форм натюрморта вскоре распространилась из Голландии во Фландрию и Германию, а также в Испанию [41] и Францию.
Производство натюрмортов в Нидерландах было огромным, и они очень широко экспортировались, особенно в Северную Европу; Британия сама почти ничего не производила. Немецкий натюрморт близко следовал голландским образцам; Георг Флегель был пионером в чистом натюрморте без фигур и создал композиционную инновацию, заключающуюся в размещении детализированных объектов в шкафах, буфетах и витринах и создании одновременно нескольких видов. [42]
В испанском искусстве бодэгон — это натюрморт, изображающий предметы кладовой, такие как продукты питания, дичь и напитки, часто расположенные на простой каменной плите, а также картина с одной или несколькими фигурами, но значительными элементами натюрморта . обычно устанавливается на кухне или в таверне. Начиная с периода барокко , такие картины стали популярны в Испании во второй четверти 17 века. Традиция рисования натюрмортов, по-видимому, зародилась и была гораздо более популярной в современных Нидерландах , сегодня в Бельгии и Нидерландах (тогда фламандских и голландских художниках), чем когда-либо в южной Европе. Северные натюрморты имели множество поджанров; завтрак был дополнен обманкой , цветочным букетом и ванитас . [ нужна цитата ]
В Испании таких блюд было гораздо меньше, но такой вариант завтрака стал популярным, когда на столе стояли несколько предметов еды и посуды. Натюрморты в Испании, называемые также бодегонесами , отличались строгостью. Он отличался от голландского натюрморта, который часто содержал богатые банкеты, окруженные богато украшенными и роскошными предметами из ткани или стекла. Дичь на испанских картинах часто представляет собой просто мертвых животных, которые все еще ждут, чтобы с них сняли шкуру. Фрукты и овощи сырые. Фон представляет собой мрачные или простые деревянные геометрические блоки, часто создающие сюрреалистическую атмосферу. Несмотря на то, что как голландский, так и испанский натюрморт часто имел встроенную моральную цель, строгость, которую некоторые находят сродни унылости некоторых испанских плато, похоже, отвергает чувственные удовольствия, изобилие и роскошь голландских натюрмортов. [44]
.jpg/1280px-Bodeg%C3%B3n_de_recipientes_(Zurbar%C3%A1n).jpg)
Несмотря на то, что итальянская живопись натюрмортов (по-итальянски называемая natura morta , «мертвая природа») набирала популярность, исторически она оставалась менее уважаемой, чем «великая манера» живописи исторических, религиозных и мифических сюжетов. С другой стороны, успешные итальянские художники-натюрморты нашли в свое время широкую поддержку. [45] Более того, женщины-художники, как бы их ни было мало, обычно выбирали или ограничивались рисованием натюрмортов; Яркими примерами являются Джованна Гарцони , Лаура Бернаскони , Мария Тереза ван Тилен и Феде Галиция . [ нужна цитата ]
Многие ведущие итальянские художники других жанров также написали натюрморты. В частности, Караваджо применил свою влиятельную форму натурализма к натюрморту. Его «Корзина с фруктами» ( ок. 1595–1600 ) — один из первых примеров чистого натюрморта, точно переданного и установленного на уровне глаз. [46] Хотя эта картина не является явно символической, она принадлежала кардиналу Федерико Борромео и, возможно, была оценена как по религиозным, так и по эстетическим причинам. Ян Брейгель также нарисовал свой « Большой миланский букет» (1606 г.) для кардинала, утверждая, что он нарисовал его «fatta tutti del natturel» (созданный полностью с натуры), и взял дополнительную плату за дополнительные усилия. [47] Они были среди многих натюрмортов в коллекции кардинала, в дополнение к его большой коллекции диковинок. Среди других итальянских натюрмортов « Повар » Бернардо Строцци представляет собой «кухонную сцену» в голландской манере, которая представляет собой одновременно подробный портрет повара и дичи, которую она готовит. [48] Подобным же образом, один из редких натюрмортов Рембрандта, « Маленькая девочка с мертвыми павлинами», сочетает в себе подобный симпатичный женский портрет с изображениями диких птиц. [49]
В католической Италии и Испании чистая живопись vanitas была редкостью, и специалистов по натюрмортам было гораздо меньше. В Южной Европе больше используется мягкий натурализм Караваджо и меньше внимания уделяется гиперреализму по сравнению со стилями Северной Европы. [50] Во Франции художники-натюрморты ( nature morte ) находились под влиянием как Северной, так и Южной школ, заимствовав картины vanitas Нидерландов и запасные аранжировки Испании. [51]
XVIII век в значительной степени продолжал совершенствовать формулы 17-го века, а уровень производства снизился. В стиле рококо цветочный декор стал гораздо более распространенным на фарфоре , обоях , тканях и резной деревянной мебели, поэтому покупатели предпочитали, чтобы на их картинах были фигуры для контраста. Одним из изменений стал новый энтузиазм среди французских художников, которые теперь составляют значительную часть наиболее известных художников, в то время как англичане по-прежнему довольствовались импортом. Жан-Батист Шарден рисовал небольшие и простые композиции из еды и предметов в самом утонченном стиле, который основывался на мастерах голландского золотого века и оказал большое влияние на композиции XIX века. Предметы мертвой дичи продолжали оставаться популярными, особенно в охотничьих домиках; большинство специалистов также рисовали живых животных. Жан-Батист Удри сочетал превосходную передачу текстур меха и перьев с простым фоном, часто простым белым цветом выбеленной известью стены кладовой, что выгодно подчеркивало их. [ нужна цитата ]
К 18 веку во многих случаях религиозные и аллегорические коннотации натюрмортов были отброшены, а картины на кухонных столах превратились в расчетливые изображения различных цветов и форм, отображающие повседневную еду. Французская аристократия нанимала художников для создания картин с богатыми и экстравагантными сюжетами натюрмортов, которые украшали их обеденный стол, также без моралистического послания vanitas их голландских предшественников. Любовь рококо к искусственности привела к росту популярности во Франции живописи trompe-l'œil (по-французски: «обмануть глаз»). В натюрмортах Жана-Батиста Шардена использованы разнообразные техники — от реализма в голландском стиле до более мягких гармоний. [52]
Основная часть работ Анны Валлайер-Костер была посвящена языку натюрморта в том виде, в каком он развивался на протяжении семнадцатого и восемнадцатого веков. [53] В течение этих столетий жанр натюрморта занимал последнее место на иерархической лестнице. Валлайер-Костер умела подходить к своим картинам, что делало их привлекательными. Именно «смелые декоративные линии ее композиций, богатство красок и искусственных фактур, а также подвиги иллюзионизма, которых она достигла в изображении самых разнообразных предметов, как природных, так и искусственных» [ 53] , привлекли внимание художников. Королевская академия и многочисленные коллекционеры, купившие ее картины. Такое взаимодействие искусства и природы было довольно распространено в голландских , фламандских и французских натюрмортах. [53] В ее работах обнаруживается явное влияние Жана-Батиста-Симеона Шардена , а также голландских мастеров 17-го века, чьи работы ценились гораздо выше, но что отличало стиль Валлайер-Костера от других натюрмортов. Художники были ее уникальным способом объединения репрезентативного иллюзионизма с декоративными композиционными структурами. [53] [54]
Конец восемнадцатого века и падение французской монархии закрыли двери «эры» натюрмортов Валлайер-Костер и открыли их для ее нового стиля цветочных мотивов. [55] Утверждалось, что это был кульминационный момент ее карьеры и то, чем она наиболее известна. Однако также утверждалось, что цветочные картины были бесполезны для ее карьеры. Тем не менее, в этой коллекции были цветочные этюды маслом, акварелью и гуашью . [55]
С появлением европейских академий, в первую очередь Французской академии , которая играла центральную роль в академическом искусстве , натюрморт начал терять популярность. В академиях преподавали доктрину « Иерархии жанров » (или «Иерархии сюжетов»), согласно которой художественные достоинства картины основывались прежде всего на ее сюжете. В академической системе высшая форма живописи состояла из изображений исторического , библейского или мифологического значения, а сюжеты натюрмортов относились к самому низкому уровню художественного признания. Вместо того, чтобы использовать натюрморты для прославления природы, некоторые художники, такие как Джон Констебль и Камиль Коро , выбрали для этой цели пейзажи. [ нужна цитата ]
Когда к 1830-м годам неоклассицизм начал приходить в упадок, жанровая и портретная живопись стали центром реалистической и романтической художественных революций. Многие великие художники того периода включали в свои работы натюрморты. Натюрморты Франсиско Гойи , Гюстава Курбе и Эжена Делакруа передают сильный эмоциональный поток и меньше заботятся о точности и больше интересуются настроением. [56] Хотя натюрморты Эдуарда Мане созданы по образцу более ранних натюрмортов Шардена , они сильно тональны и явно направлены к импрессионизму. Анри Фантен-Латур , использовавший более традиционную технику, славился своими изысканными цветочными картинами и зарабатывал на жизнь почти исключительно рисованием натюрмортов для коллекционеров. [57]
Однако только после окончательного упадка академической иерархии в Европе и появления художников- импрессионистов и постимпрессионистов техника и цветовая гармония восторжествовали над сюжетом, и художники снова стали активно практиковать натюрморты. В своих ранних натюрмортах Клод Моне демонстрирует влияние Фантен-Латура, но он одним из первых нарушил традицию темного фона, от которой также отказывается Пьер-Огюст Ренуар в «Натюрморте с букетом и веером» (1871), с его ярко-оранжевый фон. В импрессионистических натюрмортах полностью отсутствует аллегорическое и мифологическое содержание, как и скрупулезно детализированная манера письма. Вместо этого импрессионисты сосредоточились на экспериментах с широкими мазками кисти, тональными оттенками и расположением цветов. Импрессионисты и постимпрессионисты были вдохновлены цветовыми схемами природы, но по-новому интерпретировали природу с помощью своих собственных цветовых гармоний, которые иногда оказывались поразительно ненатуралистичными. Как говорил Гоген: «Цвета имеют свое собственное значение». [58] Также пробовались вариации перспективы, например, использование узкой обрезки и высоких углов, как в случае с « Фруктами, выставленными на стенде» Гюстава Кайботта , картиной, которую в то время высмеивали как «демонстрацию фруктов с высоты птичьего полета». ." [59]
Картины Винсента Ван Гога «Подсолнухи» — одни из самых известных натюрмортов XIX века. Ван Гог использует в основном тона желтого и довольно плоские изображения, чтобы внести незабываемый вклад в историю натюрморта. Его «Натюрморт с чертежной доской» (1889) представляет собой автопортрет в форме натюрморта, на котором Ван Гог изображает многие предметы своей личной жизни, в том числе трубку, простую еду (лук), вдохновляющую книгу и письмо своего отца. брат, все разложено на столе, без собственного изображения. Он также нарисовал свою собственную версию картины vanitas « Натюрморт с открытой Библией, свечой и книгой» (1885). [58]
В Соединенных Штатах во времена революции американские художники, обучавшиеся за границей, применяли европейские стили к американской портретной живописи и натюрмортам. Чарльз Уилсон Пил основал семью выдающихся американских художников и, будучи крупным лидером американского художественного сообщества, также основал общество по подготовке художников и знаменитый музей диковинок природы. Его сын Рафаэль Пил был одним из группы ранних американских художников-натюрмортов, в которую также входили Джон Ф. Фрэнсис , Чарльз Берд Кинг и Джон Джонстон. [60] Ко второй половине 19 века Мартин Джонсон Хид представил американскую версию изображения среды обитания или биотопа, в которой цветы и птицы помещались в моделируемую окружающую среду на открытом воздухе. [61] В этот период также процветали американские картины -тромплей , созданные Джоном Хаберле , Уильямом Майклом Харнеттом и Джоном Фредериком Пето . Пето специализировался на ностальгической живописи на стенах, в то время как Харнетт достиг высочайшего уровня гиперреализма в своих живописных прославлениях американской жизни через знакомые предметы. [62]
Первые четыре десятилетия 20-го века стали периодом исключительного художественного брожения и революции. Авангардные движения быстро развивались и пересекались в марше к нефигуративной, полной абстракции. Натюрморт и другое изобразительное искусство продолжали развиваться и корректироваться до середины века, когда полная абстракция, примером которой являются капельные картины Джексона Поллока , уничтожила все узнаваемое содержание. [ нужна цитата ]
Век начался с того, что в искусстве утвердились несколько тенденций. В 1901 году Поль Гоген написал «Натюрморт с подсолнухами» , посвященный своему другу Ван Гогу, который умер одиннадцатью годами ранее. Группа, известная как Les Nabis , в которую входили Пьер Боннар и Эдуард Вюйяр , подхватила гармонические теории Гогена и добавила элементы, вдохновленные японскими гравюрами на дереве, в свои натюрморты. Французский художник Одилон Редон в этот период также написал известные натюрморты, особенно цветы. [63]
Анри Матисс еще больше свел изображение предметов натюрморта к смелым, плоским очертаниям, наполненным яркими цветами. Он также упростил перспективу и представил многоцветный фон. [64] В некоторых из его натюрмортов, таких как «Натюрморт с баклажанами» , его таблица предметов почти теряется среди других красочных узоров, заполняющих остальную часть комнаты. [65] Другие представители фовизма , такие как Морис де Вламинк и Андре Дерен , далее исследовали чистый цвет и абстракцию в своих натюрмортах. [ нужна цитата ]
Поль Сезанн нашел в натюрморте идеальное средство для своих революционных исследований геометрической организации пространства. Для Сезанна натюрморт был основным средством перехода живописи от иллюстративной или миметической функции к независимой демонстрации элементов цвета, формы и линии, что стало важным шагом на пути к абстрактному искусству . Кроме того, эксперименты Сезанна можно рассматривать как ведущие к развитию кубистского натюрморта в начале 20 века. [66]
Адаптировав смещение плоскостей и осей Сезанна, кубисты подчинили цветовую палитру фовистов и вместо этого сосредоточились на деконструкции объектов в чистые геометрические формы и плоскости. Между 1910 и 1920 годами художники-кубисты, такие как Пабло Пикассо , Жорж Брак и Хуан Грис , написали множество композиций натюрмортов, часто с использованием музыкальных инструментов, почти впервые выдвинув натюрморт на передний план художественных инноваций. Натюрморт также был предметом первых коллажей в стиле синтетического кубизма , таких как овал Пикассо «Натюрморт с палкой на стуле» (1912). В этих работах предметы натюрморта перекрываются и смешиваются, едва сохраняя различимые двухмерные формы, теряя индивидуальную текстуру поверхности и сливаясь с фоном, достигая целей, почти противоположных целям традиционного натюрморта. [67] В натюрмортах Фернана Леже использовалось обильное белое пространство и цветные, резко очерченные, перекрывающиеся геометрические формы для создания более механического эффекта. [68]
Отвергая уплощение пространства кубистами, Марсель Дюшан и другие представители движения Дада пошли в радикально ином направлении, создавая трёхмерные «готовые» скульптуры-натюрморты. Чтобы вернуть символическое значение натюрмортам, футуристы и сюрреалисты поместили узнаваемые объекты натюрморта в свои пейзажи снов. В натюрмортах Жоана Миро предметы кажутся невесомыми и парят в слегка двумерном пространстве, и даже горы нарисованы простыми линиями. [66] В то время в Италии Джорджио Моранди был выдающимся художником-натюрмортом, исследовавшим самые разные подходы к изображению повседневных бутылок и кухонных принадлежностей. [69] Голландский художник М. К. Эшер , наиболее известный своей детальной, но неоднозначной графикой, создал «Натюрморт и улица» (1937), свою обновленную версию традиционного голландского настольного натюрморта. [70] В Англии Элиот Ходжкин использовал темперу для своих очень подробных натюрмортов. [ нужна цитата ]
Когда американские художники 20-го века узнали о европейском модернизме , они начали интерпретировать предметы натюрморта, сочетая американский реализм и кубистическую абстракцию. Типичными американскими натюрмортами этого периода являются картины Джорджии О’Киф , Стюарта Дэвиса и Марсдена Хартли , а также фотографии Эдварда Уэстона . Картины цветов О'Кифа, сделанные ультракрупным планом, беспрецедентным образом раскрывают как физическую структуру, так и эмоциональный подтекст лепестков и листьев. [ нужна цитата ]
В Мексике, начиная с 1930-х годов, Фрида Кало и другие художники создали свой собственный бренд сюрреализма, используя местные продукты питания и культурные мотивы в своих натюрмортах. [71]
Начиная с 1930-х годов абстрактный экспрессионизм резко сводил натюрморт к грубым изображениям формы и цвета, пока к 1950-м годам в мире искусства не доминировала полная абстракция. Однако поп-арт 1960-х и 1970-х годов изменил тенденцию и создал новую форму натюрморта. Большая часть поп-арта (например, «Банки супа Кэмпбелла» Энди Уорхола ) основана на натюрморте, но его истинным предметом чаще всего является коммодифицированный образ представленного коммерческого продукта, а не сам физический объект натюрморта. « Натюрморт с миской золотой рыбки» Роя Лихтенштейна (1972) сочетает в себе чистые цвета Матисса с поп-иконографией Уорхола. «Обеденный стол » Уэйна Тибо (1964) изображает не обед одной семьи, а сборочную линию стандартизированных американских продуктов. [72]
Движение Неодада, в том числе Джаспер Джонс , вернулось к трехмерному изображению предметов повседневного обихода Дюшана, чтобы создать свой собственный бренд натюрмортов, как в « Раскрашенной бронзе » Джонса (1960) и «Доме дурака» (1962). [73] Авигдор Ариха , начинавший как абстракционист , интегрировал уроки Пита Мондриана в свои натюрморты, как и в другие свои работы; воссоединяясь с традициями старых мастеров, он достиг модернистского формализма , работая за один сеанс и при естественном освещении, благодаря чему предмет часто раскрывался в удивительной перспективе. [ нужна цитата ]
Значительный вклад в развитие живописи натюрморта в 20 веке внесли русские художники, среди них Сергей Оципов , Виктор Тетерин , Евгения Антипова , Геворк Котянц , Сергей Захаров , Таисия Афонина , Майя Копицева и другие. [74]
Напротив, рост фотореализма в 1970-х годах вновь подтвердил иллюзионистское представление, сохранив при этом часть идеи Попа о слиянии объекта, изображения и коммерческого продукта. Типичными в этом отношении являются картины Дона Эдди и Ральфа Гоингса . [ нужна цитата ]
В течение 20-го и 21-го веков понятие натюрморта вышло за рамки традиционных двумерных художественных форм живописи и превратилось в видеоарт и трехмерные формы искусства, такие как скульптура, перформанс и инсталляция. В некоторых натюрмортах в смешанной технике используются найденные предметы, фотографии, видео и звук, и они даже распространяются с потолка на пол и заполняют всю комнату в галерее. С помощью видео художники-натюрморты включили зрителя в свои работы. Вслед за компьютерным веком , компьютерным искусством и цифровым искусством , понятие натюрморта также включило в себя цифровые технологии. Компьютерная графика потенциально расширила возможности художников-натюрмортов. 3D-компьютерная графика и 2D-компьютерная графика с 3D- фотореалистичными эффектами используются для создания синтетических изображений натюрморта. Например, программное обеспечение для графической графики включает фильтры, которые можно применять к векторной 2D-графике или растровой 2D-графике на прозрачных слоях. Художники-визуалисты копировали или визуализировали 3D-эффекты, чтобы вручную визуализировать фотореалистичные эффекты без использования фильтров. [ нужна цитата ]
СМИ, связанные с натюрмортами, на Викискладе?
_-_Still_Life_with_Bowl_of_Citrons_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Giovanna_Garzoni_(Italian)_-_Still_Life_with_Bowl_of_Citrons_-_Google_Art_Project.jpg)
_Prunkstillleben.jpg/1280px-Carlo_Manieri_(attr)_Prunkstillleben.jpg)
_-_Edouard_Manet_(Mus%C3%A9e_d'Orsay,_Paris).jpg/1280px-Oeillets_et_cl%C3%A9matite_dans_un_vase_de_cristal_(ca.1882)_-_Edouard_Manet_(Mus%C3%A9e_d'Orsay,_Paris).jpg)
.jpg/1280px-Matisse_-_Dishes_and_Fruit_(1901).jpg)
