.jpg/1280px-Enguerrand_Quarton,_Le_Couronnement_de_la_Vierge_(1454).jpg)
Католическое искусство – это искусство , созданное членами католической церкви или для ее членов . Сюда входят изобразительное искусство ( иконопись ), скульптура , декоративное искусство , прикладное искусство и архитектура . В более широком смысле можно также включить католическую музыку и другое искусство. Выражения искусства могут или не могут пытаться иллюстрировать, дополнять и изображать в осязаемой форме католическое учение. Католическое искусство играло ведущую роль в истории и развитии западного искусства, по крайней мере, с IV века. Основным предметом католического искусства была жизнь и времена Иисуса Христа , а также людей, связанных с ним, включая его учеников , святых и мотивы из католической Библии .
Самыми ранними сохранившимися произведениями искусства являются расписные фрески на стенах катакомб и молитвенных домов гонимых христиан Римской империи . Церковь в Риме находилась под влиянием римского искусства и религиозных художников того времени. В каменных саркофагах римских христиан представлены самые ранние из сохранившихся резных статуй Иисуса, Марии и других библейских фигур. Легализация христианства Миланским эдиктом (313 г.) преобразовала католическое искусство, которое приняло более богатые формы, такие как мозаика и иллюминированные рукописи . Иконоборческая полемика ненадолго разделила Западную Церковь и Восточную Церковь , после чего художественное развитие пошло в отдельных направлениях. Романское и готическое искусство процветали в Западной церкви, поскольку стиль живописи и скульптуры двигался во все более натуралистическом направлении.
Протестантская Реформация в 16 веке вызвала новые волны разрушения образа, на которые католическая церковь ответила драматическими, сложными эмоциональными стилями барокко и рококо , чтобы подчеркнуть красоту как трансцендентное . В 19 веке лидерство в западном искусстве отошло от католической церкви, которая, после принятия исторического возрождения, все больше подвергалась влиянию модернистского движения , движения, которое в своем «бунте» против природы противоречит акценту церкви на природе как хорошем творении. Бога . _
Христианское искусство почти так же старо, как само христианство. Самые старые христианские скульптуры взяты из римских саркофагов , датируемых началом II века. Однако, будучи преследуемой сектой, самые ранние христианские изображения были загадочными и должны были быть понятны только посвященным. Раннехристианские символы включают голубя, рыбу, ягненка, крест, символическое изображение четырех евангелистов в виде зверей и доброго пастыря . Ранние христиане также адаптировали римские декоративные мотивы, такие как павлин, виноградная лоза и добрый пастырь. Именно в катакомбах Рима впервые появляются узнаваемые изображения христианских деятелей. Недавно раскопанная домашняя церковь Дура-Европос на границе с Сирией датируется примерно 265 годом нашей эры и содержит множество изображений периода гонений. Сохранившиеся фрески баптистерия относятся к числу древнейших христианских картин. Мы можем увидеть «Доброго пастыря», «Исцеление расслабленного» и «Христа и Петра, идущих по воде». На гораздо большей фреске изображены две Марии, посещающие гробницу Христа. [2]
В IV веке Миланский эдикт разрешил публичное христианское богослужение и привел к развитию монументального христианского искусства. Христиане смогли построить здания для богослужений, более крупные и красивые, чем те тайные места собраний, которые они использовали. Существующие архитектурные формулы храмов были непригодны, поскольку языческие жертвоприношения совершались на открытом воздухе на глазах у богов, а на заднем плане - храм, в котором размещались культовые фигуры и сокровищница. В качестве архитектурной модели для больших церквей христиане выбрали базилику — римское общественное здание, используемое для отправления правосудия и управления. Эти церкви-базилики имели центральный неф с одним или несколькими проходами с каждой стороны и закругленную апсиду на одном конце: на этой приподнятой платформе сидели епископ и священники , а также алтарь . Хотя кажется, что ранние алтари были построены из дерева (как в случае с церковью Дура-Европос), алтари этого периода были построены из камня и стали приобретать более богатый дизайн. Теперь для искусства можно использовать более богатые материалы, такие как мозаики , украшающие церковь Санта-Мария-Маджоре в Риме и базилики Равенны V века , где начинают развиваться повествовательные последовательности.
Большая часть христианского искусства заимствована из имперских образов, в том числе Христа в величии и использования нимба как символа святости. Позднеантичное христианское искусство заменило классический эллинистический натурализм более абстрактной эстетикой. Основная цель этого нового стиля заключалась в том, чтобы передать религиозный смысл, а не точно передать объекты и людей. Реалистичная перспектива, пропорции, свет и цвет были проигнорированы в пользу геометрического упрощения, обратной перспективы и стандартизированных соглашений для изображения людей и событий. Иконы Христа, Марии и святых, резьба по слоновой кости [3] и иллюминированные рукописи стали важными средствами массовой информации – даже более важными с точки зрения современного понимания, поскольку почти все немногие сохранившиеся произведения того периода, кроме зданий, состоят из этих переносные предметы.
Посвящение Константинополя столицей в 330 году нашей эры создало новый великий христианский художественный центр Восточной Римской империи , который вскоре стал отдельной политической единицей. Основные константинопольские церкви, построенные при императоре Константине и его сыне Констанции II , включали первоначальные фундаменты собора Святой Софии и церкви Святых Апостолов . [4] Когда Западная Римская империя распалась и была захвачена «варварскими» народами, искусство Византийской империи достигло уровня сложности, мощи и артистизма, ранее невиданного в христианском искусстве, и установило стандарты для этих частей Запада. все еще поддерживает связь с Константинополем.
Это достижение было остановлено спорами по поводу использования икон и правильного толкования Второй заповеди, которые привели к кризису иконоборчества или уничтожению религиозных изображений, потрясшему Империю между 726 и 843 годами . Результатом стала реставрация ортодоксального иконопочитания . в строгой стандартизации религиозных образов внутри Восточной Православной Церкви . Византийское искусство становилось все более консервативным, поскольку сами формы изображений, многие из которых имели божественное происхождение или считались написанными Святым Лукой или другими фигурами, считались имеющими статус, близкий к статусу библейского текста. Их можно было скопировать, но нельзя улучшить. В качестве уступки иконоборческим настроениям монументальная религиозная скульптура была фактически запрещена. Ни одна из этих точек зрения не была распространена в Западной Европе, но, тем не менее, византийское искусство имело там большое влияние до Средневековья и оставалось очень популярным еще долгое время после этого, причем огромное количество икон критской школы было экспортировано в Европу уже в эпоху Возрождения . Там, где это было возможно, византийские художники привлекались для таких проектов, как мозаика в Венеции и Палермо . Загадочные фрески в Кастельсеприо могут быть примером работы греческого художника, работавшего в Италии.
Искусство восточного католицизма всегда было ближе к православному искусству Греции и России, а в странах, близких к православному миру, особенно в Польше , католическое искусство имеет множество православных влияний. Ченстоховская Черная Мадонна вполне могла иметь византийское происхождение – ее перекрасили, и это трудно сказать. Другие изображения, несомненно, имеющие греческое происхождение, такие как Salus Populi Romani и Богоматерь Непрестанной Помощи , обе иконы в Риме, на протяжении веков были предметом особого почитания.
Хотя этому влиянию часто сопротивлялись, особенно в России, католическое искусство также во многих отношениях повлияло на православные изображения, особенно в таких странах, как Румыния и в поствизантийской критской школе , которая возглавила греческое православное искусство под венецианским правлением в 15-м и 15-м веках. 16 века. Эль Греко покинул Крит, когда был относительно молод, но Майкл Дамаскинос вернулся после непродолжительного пребывания в Венеции и смог переключаться между итальянским и греческим стилями. Даже традиционалист Феофан Критский , работавший преимущественно на Афоне , тем не менее демонстрирует безошибочное западное влияние.
Католическая богословская позиция в отношении священных изображений осталась фактически идентичной позиции, изложенной в « Libri Carolini» , хотя это наиболее полное средневековое выражение западных взглядов на изображения было фактически неизвестно в средние века. Он был подготовлен около 790 года для Карла Великого после того, как плохой перевод заставил его двор поверить, что Византийский Второй Никейский собор одобрил поклонение изображениям, что на самом деле было не так. Католический контрвзрыв установил средний курс между крайними позициями византийского иконоборчества и иконопочитателей , одобряя почитание изображений за то, что они представляют, но не принимая то, что стало православной позицией, согласно которой изображения в некоторой степени соответствуют природе вещей. они представляли собой (эта вера позже вновь всплыла на Западе в неоплатонизме эпохи Возрождения ).
Для западной церкви изображения были просто предметами, созданными мастерами, которые использовались для возбуждения чувств верующих и заслуживали уважения ради изображенного предмета, а не сами по себе. Хотя в популярной религиозной практике часто присутствовала тенденция выходить за эти пределы, до появления идеи коллекционирования старого искусства церковь обычно жестоко избавлялась от изображений, которые больше не были нужны, к большому сожалению историков искусства. Самая монументальная скульптура первого тысячелетия, которая сохранилась, была разрушена и повторно использована в качестве обломков при восстановлении церквей.
В практических вопросах, касающихся использования изображений, в отличие от их теоретического места в богословии, Libri Carolini находились на антииконическом конце спектра католических взглядов, например, довольно не одобряя зажигание свечей перед изображениями. Такие взгляды часто выражались отдельными церковными лидерами, например, знаменитый пример святого Бернара Клервоского , хотя многие другие склонялись к другому пути и поощряли и заказывали искусство для своих церквей. На самом деле Бернард был против декоративных изображений в монастырях, которые не были конкретно религиозными, а популярные проповедники, такие как святой Бернардино Сиенский и Савонарола , регулярно нападали на светские изображения, принадлежащие мирянам.
Хотя политическая структура Западной Римской империи рухнула после падения Рима, Церковь продолжала финансировать искусство там, где могла. Самыми многочисленными сохранившимися произведениями раннего периода являются иллюминированные рукописи, предположительно созданные на данный момент духовенством, часто включая аббатов и других высокопоставленных деятелей. Монашеский гибрид между «варварскими» декоративными стилями и книгой в островном искусстве Британских островов VII века оказал огромное влияние на европейское искусство до конца Средневековья , предоставив альтернативный путь классицизму, переданному в континент Хиберно -Шотландской миссией . В этот период Евангелие , фигуративное искусство которого ограничивалось в основном портретами евангелистов , обычно было книгой, наиболее щедро украшенной; Келлская книга – самый известный пример.
Император IX века Карл Великий задался целью создать произведения искусства, соответствующие статусу его возрожденной Империи. Искусство Каролингов и Оттона в основном ограничивалось кругом императорского двора и различных монашеских центров, каждый из которых имел свой собственный особый художественный стиль. Каролингские художники сознательно пытались подражать доступным им образцам византийского и позднеантичного искусства, копируя такие рукописи, как «Хронография 354 года» , и создавая такие произведения, как « Утрехтская Псалтирь» , которая до сих пор разделяет историков искусства относительно того, является ли это копией более ранняя рукопись или оригинальное произведение Каролингов. Это, в свою очередь, трижды копировалось в Англии, последний раз в стиле ранней готики.
Резьба по слоновой кости, часто используемая для обложек книг, основана на диптихах поздней античности . Например, на передней и задней обложках Евангелия Лорша изображен императорский триумф VI века, адаптированный к триумфу Христа и Богородицы. Тем не менее, они также опирались на островную традицию, особенно в декоративных деталях, значительно улучшая ее с точки зрения изображения человеческой фигуры. Копии Священных Писаний или литургических книг, иллюстрированные на пергаменте и украшенные драгоценными металлами, производились в аббатствах и женских монастырях по всей Западной Европе. Такая работа, как Стокгольмский Кодекс Ауреус («Золотая книга»), могла быть написана сусальным золотом на фиолетовом пергаменте , имитируя римские и византийские императорские рукописи. [5] Англосаксонское искусство часто было более свободным, больше использовало живые штриховые рисунки, и существовали и другие отличительные традиции, такие как группа выдающихся мосарабских рукописей из Испании, в том числе Сен -Север Беатуса , а также манускрипты в Жироне и Библиотека Моргана .
У Карла Великого было распятие в натуральную величину с фигурой Христа из драгоценного металла в его Палатинской капелле в Аахене , и многие такие предметы, ныне исчезнувшие, зафиксированы в крупных англосаксонских церквях и других местах. Золотая Мадонна Эссена и несколько фигурок-реликвариев меньшего размера — теперь все, что осталось от этой впечатляющей традиции, полностью выходящей за рамки византийских норм. Как и фигурка из Эссена, они, предположительно, были сделаны из тонких листов золота или серебра, поддерживаемых деревянным стержнем.
Романское искусство , которому задолго до романского стиля , развивалось в Западной Европе примерно с 1000 года нашей эры до возникновения готического стиля. Церковное здание характеризовалось увеличением высоты и габаритных размеров. Сводчатые крыши поддерживались толстыми каменными стенами, массивными колоннами и закругленными арками. Темные интерьеры были освещены фресками с изображением Иисуса, Марии и святых, часто основанными на византийских моделях.
Резьба по камню украшала экстерьер и интерьер, особенно тимпан над главным входом, на котором часто изображался Христос в величии или на суде, а большое деревянное распятие было немецким нововведением в самом начале периода. Капители колонн также часто были украшены искусной резьбой с фигуративными сценами. Ансамбль больших и хорошо сохранившихся церквей в Кельне , тогда крупнейшем городе к северу от Альп, и Сеговии в Испании сегодня являются одними из лучших мест, чтобы оценить влияние новых более крупных церквей на городской пейзаж, но многие отдельные здания существуют, от соборов Дарема , Эли и Турне до большого количества отдельных церквей, особенно на юге Франции и Италии. В более благополучных районах многие романские церкви сохранились в стиле барокко, и с ними гораздо легче справиться, чем с готической церковью.
Лишь немногие из больших настенных росписей, первоначально украшавших большинство церквей, сохранились в хорошем состоянии. Страшный суд обычно изображался на западной стене, а в полукуполе апсиды - Христос в Величестве . Были разработаны обширные повествовательные циклы Жизни Христа , а Библия вместе с Псалтирью стала типичным центром освещения с большим использованием исторических инициалов . Металлические изделия, в том числе украшения эмалью , стали очень сложными, и сохранилось множество впечатляющих святынь, созданных для хранения реликвий, из которых наиболее известным является Храм Трех королей в Кельнском соборе Николая Верденского и других (ок. 1180–1225).
Готическое искусство возникло во Франции в середине 12 века. Базилика в Сен-Дени, построенная аббатом Сугером, была первым крупным зданием в готическом стиле. Новые монашеские ордена , особенно цистерцианцы и картезианцы , были важными строителями, разработавшими особые стили, которые они распространили по всей Европе. Монахи - францисканцы построили функциональные городские церкви с огромными открытыми нефами для проповедей большим собраниям. Однако региональные различия оставались важными, даже когда к концу 14 века развился единый универсальный стиль, известный как международная готика , который продолжался до конца 15 века и далее во многих областях. Основными средствами готического искусства были скульптура, панно , витражи , фрески и иллюминированные рукописи , хотя религиозные образы также выражались в изделиях из металла, гобеленах и вышитых облачениях. Архитектурные инновации в виде остроконечной арки и контрфорса позволили построить более высокие и легкие церкви с большими застекленными окнами. Готическое искусство в полной мере использовало эту новую среду, рассказывая повествовательную историю через картины, скульптуры, витражи и парящую архитектуру. Шартрский собор является ярким примером этого.
Готическое искусство часто носило типологический характер, отражая веру в то, что события Ветхого Завета предвосхищали события Нового Завета, и что это действительно было их главным значением. Сцены Ветхого и Нового Завета были показаны рядом в таких работах, как Speculum Humanae Salvationis и в украшениях церквей. Готический период совпал с большим возрождением преданности Марии , в котором важную роль играло изобразительное искусство. Изображения Девы Марии развились от византийских иератических типов через Коронацию Богородицы к более человеческим и интимным типам, и циклы Жития Богородицы были очень популярны. Такие художники, как Джотто , Фра Анджелико и Пьетро Лоренцетти в Италии, а также ранняя нидерландская живопись , привнесли реализм и более естественную человечность в искусство. Западные художники и их покровители стали гораздо более уверенными в новаторской иконографии , и стало заметно больше оригинальности, хотя большинство художников по-прежнему использовали скопированные формулы. Часослов был разработан, главным образом, для мирян, которые могли его себе позволить (самый ранний известный пример , по-видимому, был написан для неизвестной мирянки, жившей в небольшой деревне недалеко от Оксфорда примерно в 1240 году), и теперь образцы королевской и аристократической знати стали типом часовословов. рукопись чаще всего богато оформлена. Большая часть религиозного искусства, включая иллюминированные рукописи, теперь создавалась художниками-мирянами, но заказчик часто подробно указывал, что должно было содержать произведение.
На иконографию повлияли изменения в богословии: изображения Успения Марии получили распространение после более старой Смерти Богородицы , а также в религиозных практиках, таких как Devotio Moderna , которые породили новые трактовки Христа в таких предметах andachtsbilder , как « Муж скорбей». , Задумчивый Христос и Пьета , в которых подчеркивались его человеческие страдания и уязвимость, в движении, параллельном изображению Богородицы. Многие такие изображения теперь представляли собой небольшие картины маслом , предназначенные для частной медитации и поклонения в домах богатых. Даже на Страшном суде Христос теперь обычно изображался обнажающим грудь, чтобы показать раны Своих Страстей . Святых показывали чаще, а на алтарных образах были изображены святые, относящиеся к конкретной церкви или дарителю, присутствующие на Распятии или на престоле Богородицы с Младенцем , или сами занимающие центральное пространство (обычно это касается произведений, предназначенных для приделов). В течение этого периода многие древние иконографические особенности, возникшие в апокрифах Нового Завета , были постепенно устранены под давлением духовенства, например, акушерки на Рождество , хотя другие были слишком устоявшимися и считались безвредными. [6]
В ранней нидерландской живописи богатейших городов Северной Европы новый минутный реализм в масляной живописи сочетался с тонкими и сложными богословскими аллюзиями, выраженными именно через весьма детализированную обстановку религиозных сцен. Примерами могут служить Алтарь Мерода (1420-е годы) Роберта Кампена и Благовещение Вашингтона Ван Эйка или Мадонна канцлера Ролена (оба 1430-е годы, работа Яна ван Эйка ). [7]
В 15 веке появление дешевых гравюр , в основном гравюр на дереве , позволило даже крестьянам иметь дома религиозные изображения. Эти изображения, крошечные в нижней части рынка, часто грубо раскрашенные, продавались тысячами, но сейчас встречаются крайне редко, большинство из них были наклеены на стены. Также были популярны и дешевы сувениры из паломничества к святыням, такие как глиняные или свинцовые значки, медали и ампулы с нанесенными изображениями. Блокноты середины века с текстом и изображениями, вырезанными в виде гравюр на дереве, по-видимому, были доступны приходским священникам в Нидерландах , где они были наиболее популярны. К концу века печатные книги с иллюстрациями, по-прежнему в основном на религиозные темы, быстро становились доступными для преуспевающего среднего класса, как и гравюры довольно высокого качества, выполненные такими мастерами-граверами , как Исраэль ван Меккенем и Мастер Э.С.
Среди богатых все более популярными становились небольшие панно , даже полиптихи , написанные маслом , часто изображающие портреты дарителей рядом с изображенными Богородицей или святыми, хотя часто намного меньшими по размеру, чем изображенные. Обычно их выставляли дома.
.jpg/1280px-Leonardo_Da_Vinci_-_Vergine_delle_Rocce_(Louvre).jpg)
Искусство эпохи Возрождения , находившееся под сильным влиянием «возрождения» (фр. renaissance ) интереса к искусству и культуре классической античности, первоначально продолжало тенденции предыдущего периода без фундаментальных изменений, но с использованием классической одежды и архитектурных обстановок, которые, в конце концов, были очень подходит для сцен Нового Завета. Однако явная потеря религиозной интенсивности очевидна во многих религиозных картинах раннего Возрождения : знаменитые фрески в капелле Торнабуони работы Доменико Гирландайо (1485–1490), похоже, больше интересуются подробным изображением сцен буржуазной городской жизни, чем их реальными сюжетами, Жизнь Богородицы и Иоанна Крестителя , а также часовня волхвов Беноццо Гоццоли (1459–1461) — это скорее празднование статуса Медичи , чем прибытие волхвов . Оба эти примера (в которых все еще использовалась современная одежда) происходят из Флоренции , сердца Раннего Возрождения, и места, где харизматичный доминиканский проповедник Савонарола начал свою атаку на обмирщенность жизни и искусства горожан, кульминацией которой стал его знаменитый «Костер» . о тщеславии в 1497 году; на самом деле другие проповедники проводили подобные мероприятия на протяжении десятилетий, но в меньшем масштабе. Многие художники Раннего Возрождения , такие как Фра Анджелико и Боттичелли , были чрезвычайно набожны, и последний был одним из многих, попавших под влияние Савонаролы.
Кратковременное Высокое Возрождение ( ок. 1490–1520 ) Леонардо да Винчи , Микеланджело и Рафаэля более фундаментально преобразовало католическое искусство, порвав со старой иконографией, которая была полностью интегрирована с богословскими условностями для оригинальных композиций, отражавших как художественные императивы, так и влияние Гуманизм эпохи Возрождения . И Микеланджело, и Рафаэль большую часть своей карьеры работали почти исключительно на папство , включая 1517 год, когда Мартин Лютер написал свои «Девяносто пять тезисов ». Связь между событиями была не только хронологической: индульгенции, спровоцировавшие Лютера, помогли финансировать папскую художественную программу, как отмечают многие историки.
Большинство картин пятнадцатого века этого периода были религиозными изображениями. В каком-то смысле это самоочевидно, но «религиозные изображения» относятся не только к определенному кругу тем; это означает, что изображения существовали для достижения институциональных целей. Церковь заказывала произведения искусства по трем основным причинам: во-первых, это идеологическая обработка: четкие изображения могли передать смысл необразованному человеку. Во-вторых, легкость запоминания: изображения святых и других религиозных деятелей позволяют создать точку мысленного контакта. Третье — вызвать трепет в сердце зрителя, Иоанн Генуэзский считал, что это легче сделать изображением, чем словами. Принимая во внимание эти три принципа, можно предположить, что золото использовалось для того, чтобы вселять трепет в разум и сердце смотрящего, тогда как позже, во время протестантской Реформации , способность передавать золото с помощью простых пигментов демонстрировала мастерство художника таким образом, что нанесение сусального золота на панель не дает [9]
Протестантская Реформация стала холокостом искусства во многих частях Европы. Хотя лютеранство было готово мириться со значительной частью существующего католического искусства до тех пор, пока оно не становилось центром поклонения, более радикальные взгляды Кальвина , Цвингли и других рассматривали любые публичные религиозные изображения как идолопоклонство , а искусство систематически уничтожалось в некоторых областях. где господствовали их последователи. Этот разрушительный процесс продолжался до середины 17 века, когда религиозные войны принесли периоды иконоборческого протестантского контроля над большей частью континента. В Англии и Шотландии разрушение религиозного искусства, наиболее интенсивное во времена Английского Содружества , было особенно тяжелым. Некоторые каменные скульптуры, освещенные рукописи и витражи (замена которых стоит дорого) сохранились, но из тысяч высококачественных произведений живописи и резьбы по дереву, созданных в средневековой Британии, практически не осталось ни одного. [10]
В Риме разграбление в 1527 году католического императора Карла V и его преимущественно протестантских наемных войск нанесло огромный ущерб как искусству, так и художникам, биографические записи многих из которых внезапно обрываются. Другим художникам удалось сбежать в разные части Италии, часто с трудом продолжая свою карьеру. Итальянские художники, за таким странным исключением, как Джироламо да Тревизо , похоже, не испытывали особого влечения к протестантизму. Однако в Германии ведущие деятели, такие как Альбрехт Дюрер и его ученики, Лукас Кранах Старший , Альбрехт Альтдорфер и дунайская школа , а также Ганс Гольбейн Младший , следовали за реформаторами. Развитие немецкой религиозной живописи резко остановилось примерно к 1540 году, хотя многие гравюры и книжные иллюстрации, особенно на сюжеты Ветхого Завета, продолжали создаваться.
.jpg/1280px-Last_Judgement_(Michelangelo).jpg)
Итальянская живопись после 1520 года, за заметным исключением искусства Венеции , превратилась в маньеризм , весьма утонченный стиль, стремящийся к эффекту, который вызвал обеспокоенность многих священнослужителей тем, что ему не хватает привлекательности для масс населения. Давление церкви с целью ограничения религиозных образов повлияло на искусство с 1530-х годов и привело к тому, что постановления заключительной сессии Тридентского собора 1563 года включали короткие и довольно неясные отрывки, касающиеся религиозных изображений, которые должны были оказать большое влияние на развитие католического искусства. Предыдущие соборы католической церкви редко ощущали необходимость высказываться по этим вопросам, в отличие от православных , которые часто выносили решения по конкретным типам изображений.
Указ подтвердил традиционную доктрину о том, что изображения представляют только изображенного человека и что почитание их воздается самому человеку, а не изображению, а также предписывало, что:
...все суеверия должны быть устранены... всякое распутство следует избегать; таким образом, чтобы фигуры не были раскрашены или украшены красотой, возбуждающей похоть ... не должно быть видно ничего беспорядочного, неуместного или беспорядочного, ничего нечестивого, ничего неприличного, поскольку святость становится домом Бога. А чтобы сие вернее соблюдалось, святой Синод постановляет, чтобы никому не разрешалось ставить или принуждать к установке какого-либо необычного изображения, в каком-либо месте или церкви, как бы то ни было освобождено от уплаты, кроме того изображения, которое было одобрено. епископом ... [11]
Через десять лет после указа Паоло Веронезе был вызван инквизицией , чтобы объяснить, почему его «Тайная вечеря» , огромное полотно для трапезной монастыря, содержало, по словам инквизиции, «скоморохов, пьяных немцев, карликов и прочие подобные непристойности». а также экстравагантные костюмы и обстановка, что действительно является фантастической версией пира венецианских патрициев. [12] Веронезе сказали, что он должен изменить свою картину в течение трех месяцев – на самом деле он просто изменил название на « Пир в доме Левия» , все еще эпизод из Евангелия, но менее центральный с доктринальной точки зрения, и больше ничего не было сказано. [13] Но количество таких декоративных обработок религиозных предметов резко сократилось, как и «неуместно или беспорядочно оформленные» произведения маньеризма, как и ряд книг, в частности фламандского богослова Молана ( De Picturis et Imaginibus Sacris, pro vero Earum Usu). contra abusus («Трактат о священных изображениях»), 1570 г.), кардинал Федерико Борромео ( «De Pictura Sacra ») и кардинал Габриэле Палеотти ( «Дискорсо» , 1582 г.), а также инструкции местных епископов расширили указы, часто вдаваясь в мельчайшие детали того, что было приемлемый. Один из самых ранних из них, Degli Errori dei Pittori (1564), написанный доминиканским богословом Андреа Джилио да Фабриано, присоединился к хору критиков «Страшного суда » Микеланджело и защитил набожный и простой характер многих средневековых образов. Но другие писатели менее симпатизировали средневековому искусству, и многие традиционные иконографии, рассматриваемые без адекватной библейской основы, были фактически запрещены (например, «Обморок Богородицы »), как и любое включение классических языческих элементов в религиозное искусство и почти вся нагота, включая что у младенца Иисуса. [14] По мнению медиевиста Эмиля Мале , это была «смерть средневекового искусства». [15]
Искусство барокко, развивавшееся на протяжении десятилетий после Тридентского собора, хотя степень его влияния на него является предметом споров, определенно отвечало большинству требований собора, особенно на ранних, более простых этапах, связанных с Карраччи и Караваджо , который, тем не менее, встретил сопротивление духовенства по поводу реализма его священных фигур.
.jpg/1280px-Crucifixion_of_Saint_Peter-Caravaggio_(c.1600).jpg)
Сюжеты были показаны прямо и драматично, с относительно небольшим количеством заумных намеков. Выбор сюжетов значительно расширился, поскольку художники эпохи барокко с удовольствием находили новые библейские эпизоды и драматические моменты из жизни святых. По мере того, как это движение продолжалось в 17 веке, простота и реализм имели тенденцию к снижению, причем медленнее в Испании и Франции, но драма оставалась, создаваемая изображением крайних моментов, драматическим движением, цветом и светотенью , а также, при необходимости, множеством взволнованных херувимов . и кружащиеся облака, все предназначено для того, чтобы сокрушить молящегося. Архитектура и скульптура преследовали одни и те же цели; Бернини (1598–1680) олицетворяет стиль барокко в этом искусстве. Искусство барокко распространилось по католической Европе и заграничным миссиям Азии и Америки, пропагандируемое иезуитами и францисканцами , выделяя живопись и/или скульптуру из школы Кито , школы Куско и школы религиозных образов Чилоте .
Новые знаковые предметы, популяризированные в период барокко, включали Святое Сердце Иисуса и Непорочное зачатие Марии; окончательная иконография для последнего, кажется, была установлена мастером, а затем тестем Диего Веласкеса , художником и теоретиком Франсиско Пачеко , которому инквизиция в Севилье также поручила утверждение новых изображений. Успение Марии стало очень распространенной темой, и (несмотря на Караваджо этой темы) Смерть Богородицы почти исчезла из католического искусства; Молан и другие выступили против этого.
В XVIII веке светское барокко переросло в еще более яркий, но более легкий стиль рококо , который было трудно приспособить к религиозной тематике, хотя Джанбаттиста Тьеполо смог это сделать. Во второй половине века произошла реакция, особенно в архитектуре, против барокко и возврат к более строгим классическим и палладианским формам.
К настоящему времени темпы производства религиозного искусства заметно замедлились. После волны строительства и перестройки в период барокко католические страны были в основном явно перенасыщены церквями, монастырями и женскими монастырями, а в случае некоторых мест, таких как Неаполь , это было почти абсурдно. Церковь теперь была менее важным покровителем, чем королевская власть и аристократия, а спрос среднего класса на искусство, в основном светское, быстро рос. Художники теперь могли сделать успешную карьеру, рисуя портреты, пейзажи, натюрморты или другие жанровые специализации, никогда не рисуя религиозные сюжеты – что до сих пор было необычно для католических стран, но долгое время было нормой в протестантских странах. Число продаж картин, металлических изделий и другой церковной утвари частным коллекционерам в течение столетия увеличивалось, особенно в Италии, где Гранд- тур породил сеть дилеров и агентов. Лондонская « Мадонна в скалах» Леонардо да Винчи была продана шотландскому художнику и торговцу Гэвину Гамильтону церковью в Милане, для которой она была написана, примерно в 1781 году; версия из Лувра , по-видимому, была перенесена из той же церкви тремя столетиями ранее самим Леонардо и отправлена королю Франции.
Войны, последовавшие за Французской революцией, привели к тому, что большое количество лучших произведений искусства, в частности картин, было тщательно отобрано для присвоения французскими армиями или установленными ими светскими режимами. Многие были отправлены в Париж в Лувр (некоторые, чтобы в конечном итоге быть возвращены, другие нет) или в местные музеи, основанные французами, такие как Брера в Милане . Подавление монастырей, которое велось на протяжении десятилетий при католических просвещенных деспотах Старого режима , например, в Эдикте о праздных учреждениях (1780 г.) Иосифа II Австрийского , значительно усилилось. К 1830 году большая часть лучшего католического религиозного искусства была выставлена на всеобщее обозрение в музеях, и с тех пор это происходит до сих пор. Это, несомненно, расширило доступ ко многим произведениям и способствовало повышению осведомленности общественности о наследии католического искусства, но за это пришлось заплатить определенную цену, поскольку объекты стали рассматриваться как имеющие в первую очередь художественное, а не религиозное значение, и рассматривались вне их первоначального контекста и обстановки. они были предназначены для.
В 19 веке произошло широкое отрицание как католической, так и протестантской церквей классицизма, который был связан с Французской революцией и секуляризмом эпохи Просвещения . Это привело к готическому возрождению , возвращению к готическим формам в архитектуре, скульптуре и живописи, возглавляемым такими людьми, как Огюст Пюгин в Англии и Эжен Виолле-ле-Дюк во Франции. По всему миру в результате новой волны церковного строительства были построены тысячи готических церквей и соборов, а коллегиальный готический стиль стал нормой для других церковных учреждений. Средневековые готические церкви, особенно в Англии и Франции, реставрировались, зачастую очень тяжело. В живописи схожие взгляды привели к движению немецких назарейцев и английских прерафаэлитов . Оба движения охватывали как католиков, так и протестантов, но включали и некоторых художников, перешедших в католицизм.
Помимо этих и подобных течений, мир искусства истеблишмента производил гораздо меньше религиозной живописи, чем в любое время со времен Римской империи, хотя было создано множество видов прикладного искусства для церковного оборудования в готическом стиле. Коммерческое популярное католическое искусство процветало с использованием более дешевых методов массового воспроизведения. Цветная литография позволила дешево воспроизводить цветные изображения, что привело к гораздо более широкому распространению священных карт . Большая часть этого искусства продолжала использовать смягченные версии стилей барокко. Непорочное Сердце Марии было новой темой XIX века, а новые явления в Лурде и Фатиме , а также новые святые предоставили новые темы для искусства.
Архитекторы начали возрождать другие ранние христианские стили и экспериментировать с новыми, добившись таких результатов, как Сакре-Кёр в Париже, Саграда Фамилия в Барселоне и Вестминстерский собор в Лондоне, построенный под влиянием Византии. 20 век привел к принятию модернистских стилей архитектуры и искусства. Это движение отвергло традиционные формы в пользу утилитарных форм с минимальным декором. Такое искусство избегало натурализма и человеческих качеств, отдавая предпочтение стилизованным и абстрактным формам. Примеры модернизма включают Ливерпульский столичный собор Христа Царя и собор Лос-Анджелеса .
Среди современных католических художников Брайан Уилан , Эфрен Ордоньес , Аде Бетьюн , Имоджен Стюарт и Жорж Руо . [16]
Раннее принятие модернистских стилей на заре 21 века продолжилось тенденциями 20 века. Художники начали экспериментировать с материалами и цветами. Во многих случаях это способствовало упрощениям, которые привели к сходству с раннехристианским искусством. Простота рассматривалась как лучший способ донести до зрителя чисто христианское послание.
Некоторые из наиболее распространенных предметов, изображенных в католическом искусстве:
Мэри:
Другой:
