stringtranslate.com

Неоклассицизм

Психея, возрожденная поцелуем Купидона ; Антонио Канова ; 1787 г.; мрамор; 155 см × 168 см; Лувр
Чарльз Таунли в своей галерее скульптур ; Иоганн Цоффани ; 1782 г.; масло на холсте; высота: 127 см, ширина: 102 см; Художественная галерея и музей Таунли Холл , Бернли, Великобритания

Неоклассицизм , также пишется как неоклассицизм , возник как западное культурное движение в декоративном и изобразительном искусстве , литературе , театре , музыке и архитектуре , черпавшее вдохновение в искусстве и культуре классической древности . Неоклассицизм зародился в Риме во многом благодаря трудам Иоганна Иоахима Винкельмана во время повторного открытия Помпеи и Геркуланума . Его популярность распространилась по всей Европе, когда поколение европейских студентов-художников завершило свое Гранд-тур и вернулось из Италии в свои родные страны с вновь открытыми для себя греко-римскими идеалами. [1] [2] [3] [4] Основное неоклассическое движение совпало с эпохой Просвещения 18-го века и продолжалось до начала 19-го века, в конечном итоге конкурируя с романтизмом . В архитектуре этот стиль сохранялся на протяжении 19, 20 и 21 веков. [5] [6]

Европейский неоклассицизм в изобразительном искусстве начался ок.  1760 год, в отличие от господствовавшего тогда стиля рококо . Архитектура рококо подчеркивает изящество, орнамент и асимметрию; Неоклассическая архитектура основана на принципах простоты и симметрии, которые считались достоинствами искусства Древнего Рима и Древней Греции и взяты непосредственно из классицизма эпохи Возрождения 16-го века . Каждое движение «нео»-классицизма выбирает одни модели из диапазона доступной ему возможной классики и игнорирует другие. Между 1765 и 1830 годами сторонники неоклассицизма — писатели, ораторы, меценаты, коллекционеры, художники и скульпторы — отдавали дань уважения идее художественного поколения, связанного с Фидием , но примеры скульптур, которые они фактически приняли, скорее всего, были римскими копиями эллинистических скульптур. Они игнорировали как архаическое греческое искусство, так и произведения поздней античности . Открытие искусства «рококо» древней Пальмиры посредством гравюр в книге Роберта Вуда « Руины Пальмиры» стало откровением. Поскольку Греция практически не исследована и считается опасной территорией Османской империи , оценка греческой архитектуры неоклассиками преимущественно опосредовалась через рисунки и гравюры , которые тонко сглаживались и систематизировались, «исправлялись» и «восстанавливались» памятники Греции, не всегда сознательно.

Стиль ампир , вторая фаза неоклассицизма в архитектуре и декоративном искусстве , имел свой культурный центр в Париже в эпоху Наполеона . Особенно в архитектуре, но и в других областях, неоклассицизм оставался силой еще долгое время после начала 19 века, с периодическими волнами возрождения в 20 и даже 21 веках, особенно в Соединенных Штатах и ​​​​России. [ нужна цитата ]

История

Неоклассицизм — это возрождение многих стилей и духа классической античности, вдохновленных непосредственно классическим периодом, [7] который совпадал и отражал развитие философии и других областей эпохи Просвещения и изначально был реакцией на крайности предшествующий стилю рококо . [8] Хотя это движение часто называют противоположным аналогом романтизма , это сильное упрощение, которое, как правило, не является устойчивым, когда речь идет о конкретных художниках или произведениях. Особенно хорошо это демонстрирует случай с предполагаемым главным поборником позднего неоклассицизма Энгром . [9] Возрождение можно отнести к созданию формальной археологии . [10] [11]

Иоганн Иоахим Винкельман , которого часто называют «отцом археологии» [12]

Работы Иоганна Иоахима Винкельмана сыграли важную роль в формировании этого движения как в архитектуре, так и в изобразительном искусстве. Его книги «Мысли о подражании греческим произведениям в живописи и скульптуре» (1750 г.) и Geschichte der Kunst des Alterthums («История древнего искусства», 1764 г.) были первыми, в которых резко проводилось различие между древнегреческим и римским искусством и определялись периоды внутри греческого искусства. искусство, прослеживающее траекторию от роста к зрелости, а затем к имитации или упадку, которое продолжает оказывать влияние и по сей день. Винкельман считал, что искусство должно стремиться к «благородной простоте и спокойному величию» [13] и хвалил идеализм греческого искусства, в котором, по его словам, мы находим «не только природу в ее наиболее прекрасном виде, но и нечто за ее пределами, а именно определенные идеальные формы». красоты ее, которая, как учит нас древний толкователь Платона , исходит из образов, созданных только разумом». Эта теория была далеко не новой в западном искусстве, но его акцент на точном копировании греческих моделей заключался в следующем: «Единственный способ стать для нас великими или, если это возможно, неподражаемыми, - это подражать древним». [14]

Промышленная революция привела к глобальному переходу человеческой экономики к более эффективным и стабильным производственным процессам. [15] Произошёл огромный материальный прогресс и возросло благосостояние. [16] С появлением Гранд-тура началась причуда коллекционирования древностей , которая заложила основы многих великих коллекций, распространяющих неоклассическое возрождение по всей Европе. [17] «Неоклассицизм» в каждом искусстве предполагает определенный канон «классической» модели.

В английском языке термин «неоклассицизм» используется в первую очередь в отношении изобразительного искусства; аналогичное движение в английской литературе , начавшееся значительно раньше, называется литературой Августа . Это, которое доминировало в течение нескольких десятилетий, начало приходить в упадок к тому времени, когда неоклассицизм в изобразительном искусстве стал модным. Хотя термины различаются, ситуация во французской литературе была схожей. В музыке в этот период возникла классическая музыка , а «неоклассицизм» используется в событиях 20-го века . Однако оперы Кристофа Виллибальда Глюка представляли собой специфически неоклассический подход, изложенный в его предисловии к опубликованной партитуре «Альцеста» (1769), целью которой было реформирование оперы путем удаления орнаментов , увеличения роли хора в соответствии с греческой трагедией . и использование более простых, неприукрашенных мелодических линий. [18]

Антон Рафаэль Менгс ; Суд Париса ; около 1757 г.; масло на холсте; высота: 226 см, ширина: 295 см, куплена Екатериной Великой в ​​мастерской; Эрмитаж , Санкт-Петербург, Россия

Термин «неоклассика» не был изобретен до середины 19 века, и в то время этот стиль описывался такими терминами, как «истинный стиль», «реформированный» и «возрождение»; то, что считалось возрожденным, значительно различалось. Античные модели, конечно, были очень задействованы, но этот стиль также можно рассматривать как возрождение Возрождения, и особенно во Франции, как возвращение к более строгому и благородному барокко эпохи Людовика XIV , по которому возникла значительная ностальгия . поскольку доминирующее военное и политическое положение Франции начало серьезно ухудшаться. [19] Коронационный портрет Наполеона, написанный Энгром , даже заимствован из позднеантичных консульских диптихов и их Каролингского возрождения, к неодобрению критиков.

Неоклассицизм был самым сильным в архитектуре , скульптуре и декоративном искусстве , где классические модели в той же среде были относительно многочисленными и доступными; примеры из древней живописи, демонстрирующие качества, которые письмо Винкельмана обнаружило в скульптуре, отсутствовали и отсутствуют. Винкельман участвовал в распространении знаний о первых крупных римских картинах, обнаруженных в Помпеях и Геркулануме , и, как и большинство современников, за исключением Гэвина Гамильтона , они не произвели на него впечатления, цитируя комментарии Плиния Младшего об упадке живописи в его период. [20]

Что касается живописи, то греческая живопись была совершенно утрачена: живописцы-неоклассики творчески возрождали ее, отчасти посредством барельефных фризов , мозаики и гончарной росписи, а отчасти — посредством образцов живописи и декора Высокого Возрождения поколения Рафаэля , фресок Нерона . Domus Aurea , Помпеи и Геркуланум, а также благодаря новому восхищению Николя Пуссеном . Большая часть «неоклассической» живописи носит скорее классический характер по тематике, чем по чему-либо еще. На протяжении десятилетий бушевал ожесточенный, но часто очень плохо информированный спор об относительных достоинствах греческого и римского искусства, в котором Винкельман и его коллеги-эллинисты обычно оказывались на стороне победителей. [21]

Живопись, рисунок и гравюра

Трудно вернуть радикальную и захватывающую природу ранней неоклассической живописи современной публике; теперь даже тем писателям, которые благосклонно к нему относились, оно кажется «безвкусным» и «почти совершенно неинтересным для нас» — некоторые комментарии Кеннета Кларка по поводу амбициозного «Парнаса » Антона Рафаэля Менгса на вилле Альбани [33] художника, которого друг Винкельманн назвал его «величайшим художником своего времени, а возможно, и более поздних времен». [34] В рисунках Джона Флаксмана , впоследствии превращенных в гравюры , использовались очень простые линии (считавшиеся чистейшим классическим средством [35] ) и фигуры, в основном в профиль, для изображения «Одиссеи» и других предметов, и однажды «зажег художественную молодежь Европы», но теперь «забыты», [36] в то время как исторические картины Анжелики Кауфман , главным образом портретиста, описаны Фрицем Новотным как имеющие «елейную мягкость и утомление» . [37] Легкомыслие рококо и движение барокко были удалены, но многие художники изо всех сил пытались поставить что-нибудь на свое место, и в отсутствие древних образцов исторической живописи, кроме греческих ваз, использованных Флаксманом, Рафаэль , как правило, использовался в качестве модель-заменитель, как рекомендовал Винкельман.

Работы других художников, которых нельзя назвать безвкусными, сочетают в себе аспекты романтизма с неоклассическим стилем в целом и составляют часть истории обоих движений. Немецко-датский художник Асмус Якоб Карстенс завершил очень немногие из запланированных им крупных мифологических работ, оставив в основном рисунки и цветовые этюды, которые часто приближаются к рецепту Винкельмана о «благородной простоте и спокойном величии». [38] В отличие от нереализованных планов Карстенса, офорты Джованни Баттисты Пиранези были многочисленными и прибыльными, и их забирали те, кто совершал Гранд-тур по всем частям Европы. Его основным предметом были здания и руины Рима, и его больше вдохновляло древнее, чем современное. Несколько тревожная атмосфера многих его Ведутов (видов) становится доминирующей в его серии из 16 гравюр Carceri d'invenzione («Воображаемые тюрьмы»), чья «деспотическая циклопическая архитектура» передает «мечты страха и разочарования». [39] Родившийся в Швейцарии Генри Фюзели провел большую часть своей карьеры в Англии, и хотя его основной стиль был основан на неоклассических принципах, его сюжеты и трактовка чаще отражали «готическое» направление романтизма и стремились вызвать драму и волнение. .

Неоклассицизм в живописи приобрел новое направление с сенсационным успехом « Клятвы Горациев » Жака-Луи Давида на Парижском салоне 1785 года. по живописи в Риме. Дэвиду удалось объединить идеалистический стиль с драматизмом и силой. Центральная перспектива перпендикулярна картинной плоскости, подчеркнута затемненной аркадой позади, на фоне которой героические фигуры расположены, как на фризе , с намеком на искусственное освещение и постановку оперы , и классический колорит Николя Пуссена. . Дэвид быстро стал лидером французского искусства, а после Французской революции стал политиком, контролирующим большую часть государственного покровительства искусству. Ему удалось сохранить свое влияние в наполеоновский период, обратившись к откровенно пропагандистским работам, но во время Реставрации Бурбонов ему пришлось покинуть Францию ​​и отправиться в ссылку в Брюссель . [40]

Среди многих учеников Давида был Жан-Огюст-Доминик Энгр , который на протяжении всей своей долгой карьеры считал себя классиком, несмотря на зрелый стиль, имеющий двусмысленную связь с основным течением неоклассицизма, и многие более поздние отклонения в сторону ориентализма и стиля трубадура , которые его трудно отличить от работ его беззастенчивых современников-романтиков, за исключением того, что его работы всегда отдают предпочтение рисунку. Он выставлялся в Салоне более 60 лет, с 1802 года до зарождения импрессионизма , но его стиль, когда-то сформировавшийся, мало изменился. [41]

Скульптура

Если неоклассическая живопись страдала от недостатка древних моделей, то неоклассическая скульптура, как правило, страдала от их избытка. Хотя примеров настоящей греческой скульптуры « классического периода », начавшегося примерно с 500 г. до н. э., тогда было очень мало; наиболее ценными произведениями были в основном римские копии. [47] Ведущие скульпторы-неоклассики в свое время пользовались огромной репутацией, но сейчас их меньше ценят, за исключением Жана-Антуана Гудона , чьи работы в основном представляли собой портреты, очень часто бюсты, которые не приносят в жертву сильное впечатление от личность натурщика к идеализму. По мере продолжения его долгой карьеры его стиль становился более классическим и представляет собой довольно плавный переход от очарования рококо к классическому достоинству. В отличие от некоторых скульпторов-неоклассиков, он не настаивал на том, чтобы его натурщики носили римскую одежду или были раздеты. Он изобразил большинство выдающихся деятелей Просвещения и отправился в Америку, чтобы создать статую Джорджа Вашингтона , а также бюсты Томаса Джефферсона , Бенджамина Франклина и других основателей новой республики. [48] ​​[49]

Антонио Канова и датчанин Бертель Торвальдсен оба жили в Риме и помимо портретов создали множество амбициозных фигур и групп в натуральную величину; оба представляли сильную идеализирующую тенденцию в неоклассической скульптуре. Канова обладает легкостью и грацией, тогда как Торвальдсен более суров; разница иллюстрируется соответствующими группами Трех Граций . [50] Все они, и Флаксман, все еще действовали в 1820-х годах, и романтизм медленно влиял на скульптуру, где версии неоклассицизма оставались доминирующим стилем на протяжении большей части 19-го века.

Ранним неоклассиком в скульптуре был швед Йохан Тобиас Сергель . [51] Джон Флаксман также был, или в основном, скульптором, в основном создавая строго классические рельефы, которые по стилю сопоставимы с его гравюрами; он также в течение нескольких лет проектировал и моделировал неоклассическую керамику для Джозайи Веджвуда . Иоганн Готфрид Шадов и его сын Рудольф , один из немногих скульпторов-неоклассиков, умерших молодыми, были ведущими немецкими художниками [52] вместе с Францем Антоном фон Заунером в Австрии. Австрийский скульптор позднего барокко Франц Ксавер Мессершмидт обратился к неоклассицизму в середине своей карьеры, незадолго до того, как он, похоже, перенес какой-то психический кризис, после которого он удалился в деревню и посвятил себя весьма характерным «характерным головам» лысых фигур. вытягивая крайние выражения лица. [53] Как и «Карцери » Пиранези , они пользовались большим возрождением интереса в эпоху психоанализа в начале 20 века. Голландский скульптор-неоклассик Матье Кессельс учился у Торвальдсена и работал почти исключительно в Риме.

Поскольку до 1830-х годов в Соединенных Штатах не было собственной скульптурной традиции, за исключением надгробий, флюгеров и носовых фигур кораблей, [54] там была принята европейская неоклассическая манера, которая господствовала в течение десятилетий и примером являются скульптуры Горацио Гринофа , Гарриет Хосмер , Хирама Пауэрса , Рэндольфа Роджерса и Уильяма Генри Райнхарта .

Архитектура и декоративное искусство

Отель Gouthière, Rue Pierre-Bullet no. 6, Париж, возможно, Ж. Метивье, 1780 г. [55]
« Этрусская комната», Потсдам , Германия, ок. 1840 г., иллюстрация Фридриха Вильгельма Клозе.

Неоклассическое искусство было одновременно традиционным и новым, историческим и современным, консервативным и прогрессивным. [56]

Неоклассицизм впервые приобрел влияние в Великобритании и Франции благодаря поколению французских студентов-художников, обучавшихся в Риме и находящихся под влиянием работ Винкельмана, и он был быстро принят прогрессивными кругами в других странах, таких как Швеция , Польша и Россия . Поначалу классицистический декор был привит к привычным европейским формам, как в интерьерах любовника Екатерины Великой , графа Григория Орлова , спроектированных итальянским архитектором с командой итальянских штукатуров : только отдельные овальные медальоны типа камей и -рельеф над дверьми намекает на неоклассицизм; обстановка полностью итальянская в стиле рококо.

Вторая неоклассическая волна, более суровая, более изученная (посредством гравюр ) и более сознательно археологическая, связана с расцветом Наполеоновской империи . Во Франции первая фаза неоклассицизма выразилась в « стиле Людовика XVI », а вторая — в стилях, получивших название « Директория » и ампир . Стиль рококо оставался популярным в Италии до тех пор, пока наполеоновские режимы не принесли новый археологический классицизм, который был воспринят как политическое заявление молодыми, прогрессивными городскими итальянцами с республиканскими взглядами. [ по мнению кого? ]

В декоративном искусстве неоклассицизм представлен мебелью в стиле ампир, производимой в Париже, Лондоне, Нью-Йорке, Берлине; в мебели в стиле бидермейер австрийского производства; в музеях Карла Фридриха Шинкеля в Берлине, Банке Англии сэра Джона Соуна в Лондоне и недавно построенном « Капитолии Соединенных Штатов » в Вашингтоне, округ Колумбия; и в барельефах Джозайи Веджвуда и вазах из «черного базальта» . Стиль был интернациональным; Шотландский архитектор Чарльз Кэмерон создал роскошные итальянские интерьеры для уроженки Германии Екатерины Великой в ​​Санкт-Петербурге, Россия.

В помещении неоклассицизм открыл подлинный классический интерьер, вдохновленный повторными открытиями в Помпеях и Геркулануме . Они начались в конце 1740-х годов, но получили широкую аудиторию только в 1760-х годах, [57] с первыми роскошными томами строго контролируемого распространения Le Antichità di Ercolano ( «Древности Геркуланума» ). Древности Геркуланума показали, что даже самые классические интерьеры барокко или самые «римские» комнаты Уильяма Кента были основаны на внешней архитектуре базилики и храма , вывернутой наружу, отсюда их часто напыщенный вид для современных глаз: оконные рамы с фронтонами были обращены внутрь. в позолоченные зеркала, камины, увенчанные фасадами храмов. Новые интерьеры стремились воссоздать подлинно римскую и подлинно внутреннюю лексику.

Техники, использованные в этом стиле, включали более плоские, более легкие мотивы, вылепленные в виде низкого фризового рельефа или окрашенные монотонно en camaieu («как камеи»), отдельные медальоны, вазы, бюсты, букрании или другие мотивы, подвешенные на лавровых гирляндах или лентах. , с тонкими арабесками на фоне, возможно, «помпеейского красного», или бледных оттенков, или цвета камня. Стиль во Франции изначально был парижским, Goût grec («греческий стиль»), а не придворным; Когда Людовик XVI взошел на престол в 1774 году, Мария Антуанетта , его любящая моду королева, представила ко двору стиль Людовика XVI. Однако реальных попыток использовать основные формы римской мебели не было до начала века, и производители мебели с большей вероятностью заимствовали элементы древней архитектуры, точно так же, как серебряные мастера с большей вероятностью брали из древней керамики и камня. резьба, чем работа по металлу: «Дизайнеры и мастера... кажется, получали почти извращенное удовольствие от переноса мотивов с одного носителя на другой». [58]

Замок Мальмезон , 1800 год, комната императрицы Жозефины , на грани между стилем Директории и стилем ампир.

Примерно с 1800 года новый приток образцов греческой архитектуры, увиденных через гравюры и гравюры, дал новый импульс неоклассицизму, греческому возрождению . В то же время стиль ампир представлял собой более грандиозную волну неоклассицизма в архитектуре и декоративном искусстве. В основном основанный на стилях Имперского Рима, он возник и получил свое название во время правления Наполеона в Первой Французской империи, где он был предназначен для идеализации руководства Наполеона и французского государства. Стиль соответствует более буржуазному стилю Бидермейер в немецкоязычных странах, федеральному стилю в Соединенных Штатах, [57] стилю Регентства в Великобритании и стилю Наполеона в Швеции. По словам историка искусства Хью Хонор , «Империя не является, как иногда полагают, кульминацией неоклассического движения, а знаменует собой его быстрый упадок и превращение снова в простое античное возрождение, лишенное всех возвышенных идей. и сила убеждения, вдохновившая его шедевры». [59] Более ранняя фаза стиля называлась стилем Адама в Великобритании.

Неоклассицизм продолжал оставаться основной силой в академическом искусстве на протяжении XIX века и далее — постоянная противоположность романтизму или возрождению готики — хотя с конца XIX века его часто считали антимодернистским или даже реакционным среди влиятельных критических взглядов. круги. [ ВОЗ? ] Центры нескольких европейских городов, особенно Санкт-Петербурга и Мюнхена , стали во многом напоминать музеи неоклассической архитектуры.

Архитектура готического возрождения (часто связанная с романтическим культурным движением), стиль, зародившийся в 18 веке, популярность которого росла на протяжении 19 века, контрастировала с неоклассицизмом. В то время как неоклассицизм характеризовался греческим и римским стилями, геометрическими линиями и порядком, архитектура готического возрождения делала упор на средневековые здания, часто придававшие деревенский, «романтический» вид.

Франция

Стиль Людовика XVI (1760–1789).

Он знаменует собой переход от рококо к классицизму. В отличие от классицизма Людовика XIV , который превращал орнаменты в символы, стиль Людовика XVI представляет их максимально реалистично и естественно, т.е. лавровые ветви действительно являются лавровыми ветвями, розы — такими же и так далее. Один из главных декоративных принципов – симметрия. В интерьерах используются очень яркие цвета: белый, светло-серый, ярко-синий, розовый, желтый, очень светло-сиреневый, золотой. Излишних орнаментов следует избегать. [70] Возвращение к античности является синонимом прежде всего возврата к прямым линиям: строгие вертикали и горизонтали были в порядке вещей. Змеевидные формы больше не допускались, за исключением редких полукругов или овалов. Декор интерьера также отдал должное этому вкусу к строгости, в результате чего в моду вернулись плоские поверхности и прямые углы. Орнамент служил опосредованием этой строгости, но он никогда не мешал основным линиям и всегда располагался симметрично вокруг центральной оси. Несмотря на это, эбенисты часто сгибали передние углы, чтобы избежать чрезмерной жесткости. [71]

Декоративные мотивы стиля Людовика XVI были вдохновлены античностью , стилем Людовика XIV и природой. Характерные элементы стиля: факел, перекрещенный с ножнами со стрелами, черепичные диски, гильоширование , двойные банты, дымящиеся жаровни, линейные повторы мелких мотивов ( розеток , бус, овечек), трофейные или цветочные медальоны, свисающие с завязанной ленты. , листья аканта , гадруны , переплетения, меандры , рога изобилия , маскароны , древние урны, треножники, курильницы для духов, дельфины, головы барана и льва, химеры и грифоны . Также активно используются греко-римские архитектурные мотивы: каннелюры , пилястры (рифленые и нерифленые), рифленые балясины (витые и прямые), колонны ( зацепленные и незацепленные, иногда заменяемые кариатидами ), спиральные карнизы , триглифы с гуттами ( рельефные и тромпе) . -л’ойл ). [72]

Стиль Директории (1789–1804)

Стиль ампир (1804–1815).

Неоклассицизм был представителем нового французского общества, вышедшего из революции , задавая тон во всех сферах жизни, включая искусство. В этот период была изобретена жаккардовая машина (которая произвела революцию во всей швейной системе, до этого ручной). Одним из доминирующих цветов был красный, украшенный позолоченной бронзой . Использовались также яркие цвета: белый, кремовый, фиолетовый, коричневый, синий, темно-красный, с небольшими орнаментами из позолоченной бронзы. Внутренняя архитектура включала деревянные панели, украшенные позолоченными рельефами (на белом или цветном фоне). Мотивы располагались геометрически. Стены были оклеены штукатуркой , тканевыми обоями. Каминные камины изготавливались из белого мрамора, имели по углам кариатиды или другие элементы: обелиски , сфинксы , крылатые львы и т. д. На их вершинах размещались бронзовые предметы, в том числе каминные часы . Двери состояли из простых прямоугольных панелей, украшенных центральной фигурой в стиле Помпеи. Ткани в стиле ампир — это штофы с синим или коричневым фоном, атласы с зеленым, розовым или фиолетовым фоном, бархаты тех же цветов, броши с прошивкой золотом или серебром, хлопчатобумажные ткани. Все это использовалось в интерьерах для штор, для обивки определенной мебели, для подушек или обивки (для обивки использовалась также кожа). [79]

Все орнаменты в стиле ампир подчиняются строгому духу симметрии, напоминающему стиль Людовика XIV . Как правило, мотивы на правой и левой сторонах изделия соответствуют друг другу во всех деталях; когда это не так, отдельные мотивы сами по себе совершенно симметричны по композиции: античные головы с одинаковыми локонами, ниспадающими на каждое плечо, фронтальные фигуры Победы в симметрично расположенных туниках, одинаковые розетки или лебеди, обрамляющие замковую пластину, и т. д. Подобно Людовику XIV , Наполеону имел набор эмблем, безошибочно связанных с его правлением, в первую очередь орел, пчела, звезды и инициалы I ( Император ) и N ( Наполеон ), которые обычно были вписаны в императорскую лавровую корону. Используемые мотивы включают: фигуры Победы с пальмовыми ветвями, греческих танцовщиц, обнаженных и драпированных женщин, фигуры античных колесниц, крылатых путти, маскаронов Аполлона, Гермеса и Горгоны , лебедей , львов , голов быков , лошадей и диких зверей, бабочки, когти, крылатые химеры , сфинксы , букрании , морские коньки, дубовые венки, завязанные тонкими свисающими лентами, вьющиеся виноградные лозы, маковые ринсо , розетки , пальмовые ветви и лавр. Греко-римского много: жесткие и плоские листья аканта , пальметты , рога изобилия , бусы, амфоры , треножники, черепичные диски, кадуцеи Меркурия , вазы, шлемы, горящие факелы, крылатые трубачи, древние музыкальные инструменты (тубы, погремушки и особенно лиры ). Несмотря на свое античное происхождение, флейты и триглифы , столь распространенные при Людовике XVI, заброшены. Мотивы египетского возрождения особенно распространены в начале периода: скарабеи , капители лотоса , крылатые диски, обелиски, пирамиды , фигуры, носящие заклятых врагов , кариатиды en Gane, поддерживаемые босыми ногами, и женские египетские головные уборы. [80]

Германия

Неоклассическая архитектура получила широкое распространение как символ богатства и власти в Германии, в основном на территории тогдашней Пруссии . Карл Фридрих Шинкель построил в этом стиле множество выдающихся зданий, в том числе Старый музей в Берлине. Хотя в городе по-прежнему доминировало городское планирование в стиле барокко, его архитектура и функциональный стиль сделали город отчетливо неоклассическим центром.

Его Бауакадемия считается одним из предшественников современной архитектуры благодаря ранее относительно обтекаемому фасаду здания.

Италия

Со второй половины 18-го века по 19-й век Италия пережила множество социально-экономических изменений, несколько иностранных вторжений и бурное Рисорджименто, которое привело к объединению Италии в 1861 году. Таким образом, итальянское искусство претерпело ряд изменений. мелкие и крупные изменения в стиле.

Итальянский неоклассицизм был самым ранним проявлением общего периода, известного как неоклассицизм, и просуществовал дольше, чем другие национальные варианты неоклассицизма. Он развился в противоположность стилю барокко около ок.  1750 г. и продолжалось до ок.  1850 год . Неоклассицизм зародился примерно в период повторного открытия Помпеи и распространился по всей Европе, когда поколение студентов-художников вернулось в свои страны из Гранд-тура по Италии с заново открытыми греко-римскими идеалами. Сначала он сосредоточился в Риме, где такие художники, как Антонио Канова и Жак-Луи Давид, действовали во второй половине 18 века, прежде чем переехать в Париж. Художники Ведуте , такие как Каналетто и Джованни Паоло Панини , также пользовались огромным успехом во время Гранд-тура. Неоклассическая архитектура была вдохновлена ​​работами Андреа Палладио эпохи Возрождения и видела в Луиджи Ванвителли главных интерпретаторов стиля.

Большое влияние на движение Рисорджименто оказала классическая литература: к главным фигурам этого периода относятся Витторио Альфьери , Джузеппе Парини , Винченцо Монти и Уго Фосколо , Джакомо Леопарди и Алессандро Мандзони (племянник Чезаре Беккариа ), которые также находились под влиянием французского Просвещения. и немецкий романтизм. Скрипач-виртуоз Паганини и оперы Россини , Донницетти , Беллини и, позднее, Верди доминировали на сцене итальянской классической и романтической музыки.

Искусство Франческо Айеса и особенно Маккиайоли представляло собой разрыв с классической школой, который подошел к концу с объединением Италии (см. Итальянское современное искусство). Неоклассицизм был последним стилем итальянского происхождения после Возрождения и барокко, который распространился на все западное искусство.

Румыния

В 19 веке преобладающим стилем в Валахии и Молдавии , позже в Королевстве Румыния , был классицизм , который продолжался долгое время, до 20 века, хотя в некоторые короткие периоды он сосуществовал с другими стилями. Иностранных архитекторов и инженеров сюда приглашали с первого десятилетия XIX века. Большинство архитекторов, строивших в начале века, были иностранцами, потому что у румын еще не было инструкций, необходимых для проектирования зданий, которые сильно отличались от румынских традиций. Обычно используя классицизм, они начинали строить вместе с румынскими ремесленниками, обычно подготовленными в иностранных школах или академиях. Румынские архитекторы также учились в западноевропейских школах. Одним из примеров является Александру Орэску , один из представителей неоклассицизма в Румынии.

Классицизм проявился как в религиозной, так и в светской архитектуре. Хорошим примером светской архитектуры является дворец Штирбей на улице Каля Викторей ( Бухарест ), построенный примерно в 1835 году по проекту французского архитектора Мишеля Санжуана. Новый уровень он получил в 1882 году по проекту австрийского архитектора Йозефа Хартмана [85] [86]

Россия и Советский Союз

В 1905–1914 годах русская архитектура пережила краткий, но влиятельный период неоклассического возрождения ; эта тенденция началась с воссоздания стиля ампира александрийского периода и быстро расширилась до множества неоренессансных, палладианских и модернизированных, но узнаваемо классических школ. Их возглавили архитекторы 1870-х годов рождения, достигшие творческого пика еще до Первой мировой войны, такие как Иван Фомин , Владимир Щуко и Иван Жолтовский . Когда в 1920-х годах экономика восстановилась, эти архитекторы и их последователи продолжали работать преимущественно в модернистской среде; одни (Жолтовский) строго следовали классическому канону, другие (Фомин, Щуко, Илья Голосов ) выработали свои модернизированные стили. [87]

После подавления независимости архитекторов и официального отрицания модернизма (1932 г.), продемонстрированного международным конкурсом на строительство Дворца Советов , неоклассицизм мгновенно стал одним из вариантов сталинской архитектуры , хотя и не единственным. Он соседствовал с умеренно модернистской архитектурой Бориса Иофана , граничащей с современным ар-деко (Щуко); Опять же, наиболее чистые образцы стиля были созданы Жолтовской школой, оставшейся изолированным явлением. Политическое вмешательство стало катастрофой для лидеров конструктивистов , но было искренне встречено архитекторами классических школ.

Неоклассицизм был легким выбором для Советского Союза, поскольку он не опирался на современные строительные технологии ( стальной каркас или железобетон ) и мог быть воспроизведен в традиционной каменной кладке . Таким образом, конструкции Жолтовского, Фомина и других старых мастеров легко тиражировались в отдаленных городах при строгом нормировании материалов . Совершенствование технологии строительства после Второй мировой войны позволило сталинистским архитекторам заняться строительством небоскребов, хотя стилистически эти небоскребы (включая «экспортированную» архитектуру Дворца культуры и науки в Варшаве и Шанхайского международного конференц-центра) мало имеют общего с классическими моделями. Неоклассицизм и неоренессанс сохранялись в менее требовательных жилых и офисных проектах до 1955 года, когда Никита Хрущев положил конец дорогой сталинской архитектуре.

Объединенное королевство

Стиль Адама был создан двумя братьями Адамом и Джеймсом , опубликовавшими в 1777 году том гравюр с внутренним орнаментом. Во внутреннем убранстве, выполненном по рисункам Роберта Адама, стены, потолки, двери и любые другие поверхности разделены на большие панели: прямоугольные, круглые, квадратные, с лепниной и греко-римскими мотивами по краям. Используемые украшения включают фестоны , жемчуг, ленты в виде яиц и дротиков , медальоны и любые другие мотивы, использовавшиеся в эпоху классической древности (особенно этрусские ). Декоративные элементы, такие как каменные вазы в форме урн, позолоченное серебро, лампы и статуэтки, имеют один и тот же источник вдохновения — классическую древность. В стиле Адама подчеркиваются изысканные прямоугольные зеркала, обрамленные под картины (в рамах со стилизованными листьями) или с фронтоном над ними, поддерживающим урну или медальон. Другая конструкция зеркал Адама имеет форму венецианского окна с большим центральным зеркалом между двумя другими, более тонкими и длинными. Другой тип зеркал — овальные, обычно украшенные гирляндами. Мебель в этом стиле имеет структуру, аналогичную мебели Людовика XVI . [94]

Помимо стиля Адама, когда дело доходит до декоративного искусства, Англия также известна производителем керамики Джозайей Веджвудом (1730–1795), который основал гончарное производство под названием Этрурия. Посуда Wedgwood изготавливается из материала, называемого яшмой , твердого и мелкозернистого керамогранита . Вазы Веджвуда обычно украшаются рельефами двух цветов, в большинстве случаев фигуры белые, а фон синий.

Соединенные Штаты

На американском континенте архитектура и внутреннее убранство находились под сильным влиянием стилей, разработанных в Европе. Французский вкус ярко обозначил свое присутствие в южных штатах (после Французской революции сюда переехала часть эмигрантов, а в Канаде большая часть населения имеет французское происхождение). Практичный дух и материальное положение американцев того времени придавали интерьерам типичную атмосферу. Вся американская мебель, ковры, посуда, керамика и столовое серебро со всеми европейскими влияниями, а иногда и исламскими , турецкими или азиатскими , были изготовлены в соответствии с американскими нормами, вкусом и функциональными требованиями. В США существовал период стиля королевы Анны и период Чиппендейла . Собственный стиль, федеральный стиль, полностью развился в 18 и начале 19 веков и процветал под влиянием британского вкуса. Под импульсом неоклассицизма созданы архитектура, интерьеры и мебель. Стиль, хотя и имеет множество характеристик, различающихся от штата к штату, является единым. Структуры архитектуры, интерьеров и мебели выполнены в стиле классицизма и включают в себя влияние барокко и рококо . Используемые формы включают прямоугольники, овалы и полумесяцы. Лепнина или деревянные панели на стенах и потолках воспроизводят мотивы классицизма. Мебель, как правило, украшается цветочной маркетри и инкрустацией из бронзы или латуни (иногда позолоченной ). [98]

Сады

В Англии литература Августов имела прямую параллель со стилем ландшафтного дизайна Августов. Связи отчетливо просматриваются в работах Александра Поупа . Лучшими сохранившимися примерами неоклассических английских садов являются Чизвик-хаус , Стоу-хаус и Стоурхед . [99]

Мода

In fashion, Neoclassicism influenced the much greater simplicity of women's dresses, and the long-lasting fashion for white, from well before the French Revolution, but it was not until after it that thorough-going attempts to imitate ancient styles became fashionable in France, at least for women. Classical costumes had long been worn by fashionable ladies posing as some figure from Greek or Roman myth in a portrait (in particular there was a rash of such portraits of the young model Emma, Lady Hamilton from the 1780s), but such costumes were only worn for the portrait sitting and masquerade balls until the Revolutionary period, and perhaps, like other exotic styles, as undress at home. But the styles worn in portraits by Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Thérésa Tallien and other Parisian trend-setters were for going-out in public as well. Seeing Mme Tallien at the opera, Talleyrand quipped that: "Il n'est pas possible de s'exposer plus somptueusement!" ("One could not be more sumptuously undressed"). In 1788, just before the Revolution, the court portraitist Louise Élisabeth Vigée Le Brun had held a Greek supper where the ladies wore plain white Grecian tunics.[100] Shorter classical hairstyles, where possible with curls, were less controversial and very widely adopted, and hair was now uncovered even outdoors; except for evening dress, bonnets or other coverings had typically been worn even indoors before. Thin Greek-style ribbons or fillets were used to tie or decorate the hair instead.

Very light and loose dresses, usually white and often with shockingly bare arms, rose sheer from the ankle to just below the bodice, where there was a strongly emphasized thin hem or tie round the body, often in a different colour. The shape is now often known as the Empire silhouette although it predates the First French Empire of Napoleon, but his first Empress Joséphine de Beauharnais was influential in spreading it around Europe. A long rectangular shawl or wrap, very often plain red but with a decorated border in portraits, helped in colder weather, and was apparently laid around the midriff when seated—for which sprawling semi-recumbent postures were favoured.[101] By the start of the 19th century, such styles had spread widely across Europe.

Neoclassical fashion for men was far more problematic, and never really took off other than for hair, where it played an important role in the shorter styles that finally despatched the use of wigs, and then white hair-powder, for younger men. The trouser had been the symbol of the barbarian to the Greeks and Romans, but outside the painter's or, especially, the sculptor's studio, few men were prepared to abandon it. Indeed, the period saw the triumph of the pure trouser, or pantaloon, over the culotte or knee-breeches of the Ancien Régime. Even when David designed a new French "national costume" at the request of the government during the height of the Revolutionary enthusiasm for changing everything in 1792, it included fairly tight leggings under a coat that stopped above the knee. A high proportion of well-to-do young men spent much of the key period in military service because of the French Revolutionary Wars, and military uniform, which began to emphasize jackets that were short at the front, giving a full view of tight-fitting trousers, was often worn when not on duty, and influenced civilian male styles.

The trouser-problem had been recognised by artists as a barrier to creating contemporary history paintings; like other elements of contemporary dress they were seen as irredeemably ugly and unheroic by many artists and critics. Various stratagems were used to avoid depicting them in modern scenes. In James Dawkins and Robert Wood Discovering the Ruins of Palmyra (1758) by Gavin Hamilton, the two gentleman antiquaries are shown in toga-like Arab robes. In Watson and the Shark (1778) by John Singleton Copley, the main figure could plausibly be shown nude, and the composition is such that of the eight other men shown, only one shows a single breeched leg prominently. However the Americans Copley and Benjamin West led the artists who successfully showed that trousers could be used in heroic scenes, with works like West's The Death of General Wolfe (1770) and Copley's The Death of Major Peirson, 6 January 1781 (1783), although the trouser was still being carefully avoided in The Raft of the Medusa, completed in 1819.

Classically inspired male hairstyles included the Bedford Crop, arguably the precursor of most plain modern male styles, which was invented by the radical politician Francis Russell, 5th Duke of Bedford as a protest against a tax on hair powder; he encouraged his friends to adopt it by betting them they would not. Another influential style (or group of styles) was named by the French "coiffure à la Titus" after Titus Junius Brutus (not in fact the Roman Emperor Titus as often assumed), with hair short and layered but somewhat piled up on the crown, often with restrained quiffs or locks hanging down; variants are familiar from the hair of both Napoleon and George IV of the United Kingdom. The style was supposed to have been introduced by the actor François-Joseph Talma, who upstaged his wigged co-actors when appearing in productions of works such as Voltaire's Brutus (about Lucius Junius Brutus, who orders the execution of his son Titus). In 1799 a Parisian fashion magazine reported that even bald men were adopting Titus wigs,[102] and the style was also worn by women, the Journal de Paris reporting in 1802 that "more than half of elegant women were wearing their hair or wig à la Titus.[103]

Music

Neoclassicism in music is a 20th-century movement; in this case it is the Classical and Baroque musical styles of the 17th and 18th centuries, with their fondness for Greek and Roman themes, that were being revived, not the music of the ancient world itself. (The early 20th century had not yet distinguished the Baroque period in music, on which Neoclassical composers mainly drew, from what we now call the Classical period.) The movement was a reaction in the first part of the 20th century to the disintegrating chromaticism of late-Romanticism and Impressionism, emerging in parallel with musical Modernism, which sought to abandon key tonality altogether. It manifested a desire for cleanness and simplicity of style, which allowed for quite dissonant paraphrasing of classical procedures, but sought to blow away the cobwebs of Romanticism and the twilit glimmerings of Impressionism in favour of bold rhythms, assertive harmony and clean-cut sectional forms, coinciding with the vogue for reconstructed "classical" dancing and costume in ballet and physical education.

The 17th–18th century dance suite had had a minor revival before World War I but the Neoclassicists were not altogether happy with unmodified diatonicism, and tended to emphasise the bright dissonance of suspensions and ornaments, the angular qualities of 17th-century modal harmony and the energetic lines of countrapuntal part-writing. Ottorino Respighi's Ancient Airs and Dances (1917) led the way for the sort of sound to which the Neoclassicists aspired. Although the practice of borrowing musical styles from the past has not been uncommon throughout musical history, art musics have gone through periods where musicians used modern techniques coupled with older forms or harmonies to create new kinds of works. Notable compositional characteristics are: referencing diatonic tonality, conventional forms (dance suites, concerti grossi, sonata forms, etc.), the idea of absolute music untramelled by descriptive or emotive associations, the use of light musical textures, and a conciseness of musical expression. In classical music, this was most notably perceived between the 1920s and the 1950s. Igor Stravinsky is the best-known composer using this style; he effectively began the musical revolution with his Bach-like Octet for Wind Instruments (1923). A particular individual work that represents this style well is Prokofiev's Classical Symphony No. 1 in D, which is reminiscent of the symphonic style of Haydn or Mozart. Neoclassical ballet as innovated by George Balanchine de-cluttered the Russian Imperial style in terms of costume, steps and narrative, while also introducing technical innovations.

Later Neoclassicism and continuations

After the middle of the 19th century, Neoclassicism starts to no longer be the main style, being replaced by Eclecticism of Classical styles. The Palais Garnier in Paris is a good example of this, since despite being predominantly Neoclassical, it features elements and ornaments taken from Baroque and Renaissance architecture. This practice was frequent in late 19th and early 20th century architecture, before World War I. Besides Neoclassicism, the Beaux-Arts de Paris well known for this eclecticism of Classical styles.

Pablo Picasso experimented with classicizing motifs in the years immediately following World War I.[106]

In American architecture, Neoclassicism was one expression of the American Renaissance movement, ca. 1890–1917; its last manifestation was in Beaux-Arts architecture, and its final large public projects were the Lincoln Memorial (highly criticized at the time), the National Gallery of Art in Washington, D.C. (also heavily criticized by the architectural community as being backward thinking and old fashioned in its design), and the American Museum of Natural History's Roosevelt Memorial. These were considered stylistic anachronisms when they were finished. In the British Raj, Sir Edwin Lutyens' monumental city planning for New Delhi marks the sunset of Neoclassicism. World War II was to shatter most longing for (and imitation of) a mythical time.

There was an entire 20th-century movement in the non-visual arts which was also called Neoclassicism. It encompassed at least music, philosophy and literature. It was between the end of World War I and the end of World War II. (For information on the musical aspects, see 20th-century classical music and Neoclassicism in music. For information on the philosophical aspects, see Great Books.)

This literary Neoclassical movement rejected the extreme romanticism of (for example) Dada, in favour of restraint, religion (specifically Christianity) and a reactionary political program. Although the foundations for this movement in English literature were laid by T. E. Hulme, the most famous Neoclassicists were T. S. Eliot and Wyndham Lewis. In Russia, the movement crystallized as early as 1910 under the name of Acmeism, with Anna Akhmatova and Osip Mandelshtam as the leading representatives.

Art Deco

Although it started to be seen as 'dated' after WW1, principles, proportions and other Neoclassical elements were not abandoned yet. Art Deco was the dominant style during the interwar period, and it corresponds with the taste of a bourgeois elite for high class French styles of the past, including the Louis XVI, Directoire and Empire (the period styles of French Neoclassicism). At the same time, the French elite was equally capable of appreciating Modern art, like the works of Pablo Picasso or Amedeo Modigliani. The result of this situation is the early Art Deco style, which uses both new and old elements. The Palais de Tokyo from 1937 in Paris, by André Aubert and Marcel Dastugue, is a good example of this. Although ornaments are not used here, the facade being decorated only with reliefs, the way columns are present here is a strong reminiscence of Neoclassicism. Art Deco design often drew on Neoclassical motifs without expressing them overtly: severe, blocky commodes by Émile-Jacques Ruhlmann or Louis Süe & André Mare; crisp, extremely low-relief friezes of damsels and gazelles in every medium; fashionable dresses that were draped or cut on the bias to recreate Grecian lines; the art dance of Isadora Duncan. Conservative modernist architects such as Auguste Perret in France kept the rhythms and spacing of columnar architecture even in factory buildings.

The oscillation of Art Deco between the use of historic elements, shapes and proportions, and the appetite for 'new', for Modernism, is the result of multiple factors. One of them is eclecticism. The complexity and heterogeneity of Art Deco is largely due to the eclectic spirit. Stylized elements from repertoire of Beaux-Arts, Neoclassicism, or of cultures distant in time and space (Ancient Egypt, Pre-Columbian Americas, or Sub-Saharian African art) are put together with references to Modernist avant-guard artists of the early 20th century (Henri Matisse, Amedeo Modigliani or Constantin Brâncuși). The Art Deco phenomenon owes to academic eclecticism and Neoclassicism mainly the existence of a specific architecture. Without the contribution of the Beaux-Arts trained architects, Art Deco architecture would have remained, with the exception of residential buildings, a collection of decorative objects magnified to an urban scale, like the pavilions of the International Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts from 1925, controversial at their time. Another reason for the swinging between historical elements and modernism was consumer culture. Objects and buildings in the puritan International style, devoid of any ornamentation or citation of the past, were too radical for the general public. In interwar France and England, the spirit of the public and much architectural criticism could not conceive a style totally deprived of ornament, like the International style.

The use of historic styles as sources of inspiration for Art Deco starts as far back as the years before WW1, through the efforts of decorators like Maurice Dufrêne, Paul Follot, Paul Iribe, André Groult, Léon Jallot or Émile-Jacques Ruhlmann, who relate to the prestigious French artistic and handicraft tradition of the late 18th and early 19th centuries (the Louis XVI, Directoire and Louis Philippe), and who want to bring a new approach to these styles. The neo-Louis XVI style was really popular in France and Romania in the years before WW1, around 1910, and it heavily influenced multiple early Art Deco designs and buildings. A good example of this is the Château de Sept-Saulx in Grand Est, France, by Louis Süe, 1928–1929.[114]

Neoclassicism and Totalitarian regimes

In Fascist Italy, Nazi Germany, Romania under the rule of Carol II and the Soviet Union, during the 1920s and 1930s, totalitarian regimes chose Neoclassicism for state buildings and art. Architecture was central to totalitarian regimes' expression of their permanence (despite their obvious novelty). The way totalitarian regimes drew from Classicism took many forms. When it comes to state buildings in Italy and Romania, architects attempted to fuse a modern sensibility with abstract classical forms. Two good examples of this are the Palazzo della Civiltà Italiana in Rome, and the University Rectorate and Law Faculty Building in Bucharest (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46). In contrast, the Classicism of the Soviet Union, known as Socialist Realism, was bombastic, overloaded with ornaments and architectural sculptures, as an attempt to be in contrast with the simplicity of 'Capitalist' or 'bourgeois' styles like Art Deco or Modernism. The Lomonosov University in Moscow is a good example of this. Nikita Khrushchev, the Soviet leader that succeeded Stalin, did not like this pompous Socialist Realist architecture from the reign of his predecessor. Because of the low speed and cost of these Neoclassical buildings, he stated that 'they spent people's money on beauty that no one needs, instead of building simpler, but more'.

In the Soviet Union, Neoclassicism was embraced as a rejection of Art Deco and Modernism, which the Communists saw as being too 'bourgeois' and 'capitalist'. This Communist Neoclassical style is known as Socialist Realism, and it was popular during the reign of Joseph Stalin (1924–1953). In fine art. Generally, it manifested through deeply idealized representations of wiry workers, shown as heroes in collective farms or industrialized cities, political assemblies, achievements of Soviet technology, and through depictions happy children staying around Lenin or Stalin. Both subject matter and representation were carefully monitored. Artistic merit was determined by the degree to which a work contributed to the building of socialism. All artists had to join the state-controlled Union of Soviet Artists and produce work in the accepted style. The three guiding principles of Socialist Realism were party loyalty, presentation of correct ideology and accessibility. Realism, more easily understood by the masses, was the style of choice. At the beginning, in the Soviet Union, multiple competing avant-garde movements were present, notably Constructivism. However, as Stalin consolidated his power towards the end of the 1920s, avant-garde art and architecture were suppressed and eventually outlawed and official state styles were established. After Boris Iofan won the competition for the design of the Palace of the Soviets with a stepped classical tower, surmounted by a giant statue of Lenin, architecture soon reverted to pre-Revolutionary styles of art and architecture, untainted by Constructivism's perceived Western influence.[121] Although Socialist Realism in architecture ended more or less with the death of Stalin and the rise of Nikita Khrushchev, paintings in this style continued to be produced, especially in countries where there was a strong personality cult of the leader in power, like in the case of Mao Zedong's China, Kim Il Sung's North Korea, or Nicolae Ceaușescu's Romania.

The Nazis suppressed Germany's vibrant avant-garde culture once they gained control of the government in 1933. Albert Speer was set as Adolf Hitler's architectural advisor in 1934, and he tried to create an architecture that would both reflect the perceived unity of the German people and act as backdrop to the Nazis' expressions of power. The Nazis' approach to architecture was riffled with contradictions: while Hitler and Speer's plans for reordering Berlin aspired to imitate imperial Rome, in rural contexts Nazi buildings took inspiration from local vernaculars, trying to channel an 'authentic' German spirit. When it come to fine art, the Nazis created the term 'Degenerate art' for Modern art, a kind of art which to them was 'un-German', 'Jewish' or 'Communist'. The Nazis hated modern art and linked it to 'Cultural Bolshevism', the conspiracy theory that art (or culture broadly) was controlled by a leftist Jewish cabal seeking to destroy the aryan race. Hitler's war on Modern art mostly consisted of an exhibition that tried to discredit Modern artists, called the 'Degenerate Art exhibition' (German: Die Ausstellung "Entartete Kunst"). This exhibition was displayed next to the Great Exhibition of German Art, which consisted of artworks that the Nazis approved of. This way, the visitiors of both exhibitions could compare the art labeled by the regime as 'good' and 'bad'. With a similar atitude, the regime closed in 1931 the Bauhaus, an avant-garde art school in Dessau that was extremely influential post-war. It reopened in Berlin in 1932, but was closed again in 1933.

Compared to Germany and the Soviet Union, in Italy the avant-garde contributed to state architecture. Classical architecture was also an influence, echoing Benito Mussolini's far cruder attempts to create links between his Fascist regime and ancient Rome. Some Italian architects tried to create fusions between Modernism and Classicism, like Marcello Piacentini with the Sapienza University of Rome, or Giuseppe Terragni with Casa del Fascio in Como.[122]

In Romania, towards the late 1930s, influenced by the Autocratic tendency of King Carol II, multiple state buildings were erected. They were Neoclassical, many very similar with what was popular in the same years in Fascist Italy. Examples in Bucharest include the University Rectorate and Law Faculty Building (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46), the Kretzulescu Apartment Building (Calea Victoriei no. 45), the CFR Building (Bulevardul Dinicu Golescu no. 38) or the Victoria Palace (Piața Victoriei no. 1). The Royal Palace, whose interiors are mostly done in a neo-Adam style, stands out by being more decorated, a little closer to the architecture before World War I.

Postmodernism

An early text questioning Modernism was by architect Robert Venturi, Complexity and Contradiction in Architecture (1966), in which he recommended a revival of the 'presence of the past' in architectural design. He tried to include in his own buildings qualities that he described as 'inclusion, inconsistency, compromise, accommodation, adaptation, superadjacency, equivalence, multiple focus, juxtaposition, or good and bad space.'[135] Robert Venturi's work reflected the broader counter-cultural mood of the 1960s which saw younger generations begin to question and challenge the political, social and racial realities with which they found themselves confronted. This rejection of Modernism is known as Postmodernism. Robert Venturi parodies Ludwig Mies van der Rohe's well-known maxim 'less is more' with 'less is a bore'. During the 1980s and 1990s, some Postmodern architects found a refuge in a sort of Neo-Neoclassicism. Their use of Classicism was not limited only to ornaments, using more or less proportions and other principles too. Post-Modern Classicism had been variously described by some people as 'camp' or 'kitsch'. An architect who has been remarked through Post-Modern Classicism is Ricardo Bofill. His work includes two housing projects of titanic scale near Paris, known as Les Arcades du Lac from 1975 to 1981, and Les Espaces d'Abraxas from 1978 to 1983. A building that stands out through its revivalism is the J. Paul Getty Museum, in Malibu, California, from 1970 to 1975, inspired by the ancient Roman Villa of the Papyri at Herculaneum. The J. Paul Getty Museum is far closer to 19th century Neoclassicism, like the Pompejanum in Aschaffenburg, Germany, than to Post-Modern Classicism of the 1980s.[136]

Architecture in the 21st century

After a lull during the period of modern architectural dominance (roughly post-World War II until the mid-1980s), Neoclassicism has seen something of a resurgence.

As of the first decade of the 21st century, contemporary Neoclassical architecture is usually classed under the umbrella term of New Classical Architecture. Sometimes it is also referred to as Neo-Historicism or Traditionalism.[138] Also, a number of pieces of postmodern architecture draw inspiration from and include explicit references to Neoclassicism, Antigone District and the National Theatre of Catalonia in Barcelona among them. Postmodern architecture occasionally includes historical elements, like columns, capitals or the tympanum.

For sincere traditional-style architecture that sticks to regional architecture, materials and craftsmanship, the term Traditional Architecture (or vernacular) is mostly used. The Driehaus Architecture Prize is awarded to major contributors in the field of 21st century traditional or classical architecture, and comes with a prize money twice as high as that of the modernist Pritzker Prize.[139]

In the United States, various contemporary public buildings are built in Neoclassical style, with the 2006 Schermerhorn Symphony Center in Nashville being an example.

In Britain, a number of architects are active in the Neoclassical style. Examples of their work include two university libraries: Quinlan Terry's Maitland Robinson Library at Downing College and Robert Adam Architects' Sackler Library.

See also

Notes

  1. ^ Stevenson, Angus (2010-08-19). Oxford Dictionary of English. OUP Oxford. ISBN 9780199571123.
  2. ^ Kohle, Hubertu. (August 7, 2006). "The road from Rome to Paris. The birth of a modern Neoclassicism". Jacques Louis David. New perspectives.
  3. ^ Baldick, Chris (2015). "Neoclassicism". The Oxford Dictionary of Literary Terms (Online Version) (4th ed.). Oxford University Press. ISBN 9780191783234.
  4. ^ Greene, Roland; et al., eds. (2012). "Neoclassical poetics". The Princeton Encyclopedia of Poetry and Poetics (4th rev. ed.). Princeton, NJ: Princeton University Press. ISBN 978-0-691-15491-6.
  5. ^ "Neoclassical architecture | Definition, Characteristics, Examples, & Facts | Britannica". www.britannica.com. 2023-06-01. Retrieved 2023-07-30.
  6. ^ "Classical / Classical Revival / Neo-Classical: an architectural style guide". www.architecture.com. Retrieved 2023-07-30.
  7. ^ Irwin, David G. (1997). Neoclassicism A&I (Art and Ideas). Phaidon Press. ISBN 978-0-7148-3369-9.
  8. ^ Honour, 17–25; Novotny, 21
  9. ^ A recurring theme in Clark: 19–23, 58–62, 69, 97–98 (on Ingres); Honour, 187–190; Novotny, 86–87
  10. ^ Lingo, Estelle Cecile (2007). François Duquesnoy and the Greek ideal. Yale University Press; First Edition. pp. 161. ISBN 978-0-300-12483-5.
  11. ^ Talbott, Page (1995). Classical Savannah: fine & decorative arts, 1800-1840. University of Georgia Press. p. 6. ISBN 978-0-8203-1793-9.
  12. ^ Cunningham, Reich, Lawrence S., John J. (2009). Culture and values: a survey of the humanities. Wadsworth Publishing; 7 edition. p. 104. ISBN 978-0-495-56877-3.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
  13. ^ Honour, 57–62, 61 quoted
  14. ^ Both quotes from the first pages of "Thoughts on the Imitation of Greek Works in Painting and Sculpture"
  15. ^ "Industrial History of European Countries". European Route of Industrial Heritage. Council of Europe. Retrieved 2 June 2021.
  16. ^ North, Douglass C.; Thomas, Robert Paul (May 1977). "The First Economic Revolution". The Economic History Review. 30 (2). Wiley on behalf of the Economic History Society: 229–230. doi:10.2307/2595144. JSTOR 2595144. Retrieved 6 June 2022.
  17. ^ Dyson, Stephen L. (2006). In Pursuit of Ancient Pasts: A History of Classical Archaeology in the Nineteenth and Twentieth Centuries. Yale University Press. pp. xii. ISBN 978-0-300-11097-5.
  18. ^ Honour, 21
  19. ^ Honour, 11, 23–25
  20. ^ Honour, 44–46; Novotny, 21
  21. ^ Honour, 43–62
  22. ^ Fortenberry 2017, p. 275.
  23. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 413. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  24. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 211. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  25. ^ a b Fortenberry 2017, p. 276.
  26. ^ Robertson, Hutton (2022). The History of Art - From Prehistory to Presentday - A Global View. Thames & Hudson. p. 993. ISBN 978-0-500-02236-8.
  27. ^ Andrew, Graham-Dixon (2023). art - The Definitive Visual History. Dorling Kindersley Limited. p. 251. ISBN 978-0-2416-2903-1.
  28. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 59. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  29. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 298. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  30. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 419. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  31. ^ Andrew, Graham-Dixon (2023). art - The Definitive Visual History. Dorling Kindersley Limited. p. 270. ISBN 978-0-2416-2903-1.
  32. ^ Andrew, Graham-Dixon (2023). art - The Definitive Visual History. Dorling Kindersley Limited. p. 298. ISBN 978-0-2416-2903-1.
  33. ^ Clark, 20 (quoted); Honour, 14; image of the painting (in fairness, other works by Mengs are more successful)
  34. ^ Honour, 31–32 (31 quoted)
  35. ^ Honour, 113–114
  36. ^ Honour, 14
  37. ^ Novotny, 62
  38. ^ Novotny, 51–54
  39. ^ Clark, 45–58 (47–48 quoted); Honour, 50–57
  40. ^ Honour, 34–37; Clark, 21–26; Novotny, 19–22
  41. ^ Novotny, 39–47; Clark, 97–145; Honour, 187–190
  42. ^ ART ● Architecture ● Painting ● Sculpture ● Graphics ● Design. Gardners Books. 2011. p. 313. ISBN 978-1-4454-5585-3.
  43. ^ a b c Andrew, Graham-Dixon (2023). art - The Definitive Visual History. Dorling Kindersley Limited. p. 273. ISBN 978-0-2416-2903-1.
  44. ^ Laneyrie-Dagen, Nadeije (2021). Historie de l'art pour tous (in French). Hazan. p. 264. ISBN 978-2-7541-1230-7.
  45. ^ Laneyrie-Dagen, Nadeije (2021). Historie de l'art pour tous (in French). Hazan. p. 265. ISBN 978-2-7541-1230-7.
  46. ^ Fortenberry 2017, p. 278.
  47. ^ Novotny, 378
  48. ^ Novotny, 378–379
  49. ^ Chinard, Gilbert, ed., Houdon in America Arno PressNy, 1979, a reprint of a book published by Johns Hopkins University, 1930
  50. ^ Novotny, 379–384
  51. ^ Novotny, 384–385
  52. ^ Novotny, 388–389
  53. ^ Novotny, 390–392
  54. ^ Gerdts, William H., American Neo-Classic Sculpture: The Marble Resurrection, Viking Press, New York, 1973 p. 11
  55. ^ Larbodière, Jean-Marc (2015). L'Architecture de Paris des Origins à Aujourd'hui (in French). Massin. p. 106. ISBN 978-2-7072-0915-3.
  56. ^ Palmer, Alisson Lee. Historical dictionary of neoclassical art and architecture. p. 1.
  57. ^ a b Gontar
  58. ^ Honour, 110–111, 110 quoted
  59. ^ Honour, 171–184, 171 quoted
  60. ^ de Martin 1925, p. 11.
  61. ^ Jones 2014, p. 276.
  62. ^ de Martin 1925, p. 13.
  63. ^ a b c Jones 2014, p. 273.
  64. ^ Jacquemart, Albert (2012). Decorative Art. Parkstone. p. 65. ISBN 978-1-84484-899-7.
  65. ^ Larbodière, Jean-Marc (2015). L'Architecture de Paris des Origins à Aujourd'hui (in French). Massin. p. 105. ISBN 978-2-7072-0915-3.
  66. ^ de Martin 1925, p. 17.
  67. ^ "Corner Cabinet - The Art Institute of Chicago".
  68. ^ de Martin 1925, p. 61.
  69. ^ a b Jacquemart, Albert (2012). Decorative Art. Parkstone. p. 61. ISBN 978-1-84484-899-7.
  70. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 200, 201 & 202.
  71. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 71.
  72. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 72.
  73. ^ "ASTRONOMICAL CLOCK". madparis.fr. Retrieved 23 May 2021.
  74. ^ "Bergère du salon de Madame Récamier (OA 11384 à 11391), d'une paire avec OA 11386". collections.louvre.fr. 1799. Retrieved 23 May 2022.
  75. ^ Jones 2014, p. 275.
  76. ^ a b Hopkins 2014, p. 111.
  77. ^ Odile, Nouvel-Kammerer (2007). Symbols of Power • Napoleon and the Art of the Empire Style • 1800-1815. Abrams. p. 209. ISBN 978-0-8109-9345-7.
  78. ^ Odile, Nouvel-Kammerer (2007). Symbols of Power • Napoleon and the Art of the Empire Style • 1800-1815. Abrams. p. 32. ISBN 978-0-8109-9345-7.
  79. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 217, 219, 220 & 221.
  80. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 103 & 105.
  81. ^ Ispir, Mihai (1984). Clasicismul în Arta Românească (in Romanian). Editura Meridiane.
  82. ^ Florea, Vasile (2016). Arta Românească de la Origini până în Prezent. Litera. pp. 296, 297. ISBN 978-606-33-1053-9.
  83. ^ Oltean, Radu (2009). București 550 de ani de la prima atestare documentată 1459-2009 (in Romanian). ArCuB. p. 113. ISBN 978-973-0-07036-1.
  84. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017, p. 65.
  85. ^ Florea, Vasile (2016). Arta Românească de la Origini până în Prezent. Litera. pp. 294, 296, 297. ISBN 978-606-33-1053-9.
  86. ^ Lăzărescu, Cristea & Lăzărescu 1972, p. 67, 68.
  87. ^ "The Origins of Modernism in Russian Architecture". Content.cdlib.org. Retrieved 2012-02-12.
  88. ^ a b Hopkins 2014, p. 103.
  89. ^ Bailey 2012, pp. 226.
  90. ^ Fortenberry 2017, p. 274.
  91. ^ Farthing, Stephen (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta urbană (in Romanian). rao. p. 260. ISBN 978-606-006-392-6.
  92. ^ Hopkins 2014, p. 104.
  93. ^ "Covered Urn - Cleveland Museum of Art". 30 October 2018. Retrieved 6 May 2022.
  94. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 253, 255 & 256.
  95. ^ a b Hodge 2019, p. 112.
  96. ^ Hodge 2019, p. 31.
  97. ^ Irving, Mark (2019). 1001 BUILDINGS You Must See Before You Die. Cassel Illustrated. p. 281. ISBN 978-1-78840-176-0.
  98. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 269, 270, & 271.
  99. ^ Turner, Turner (2013). British gardens: history, philosophy and design, Chapter 6 Neoclassical gardens and landscapes 1730–1800. London: Routledge. p. 456. ISBN 978-0415518789.
  100. ^ Hunt, 244
  101. ^ Hunt, 244–245
  102. ^ Hunt, 243
  103. ^ Rifelj, 35
  104. ^ a b Jones 2014, p. 296.
  105. ^ Hopkins 2014, p. 135.
  106. ^ a b Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat – Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. p. 79. ISBN 978-973-1872-03-2.
  107. ^ "Commode à deux vantaux, cabinet de milieu". musee-orsay.fr. Retrieved 25 June 2023.
  108. ^ "A Primavera: Homenagem a Jean Goujon". gulbenkian.pt. Retrieved 25 June 2023.
  109. ^ Kadijevic, Aleksandar. "Arhitekt Josif Najman (1890-1951), Moment 18, Beograd 1990, 100-106". {{cite journal}}: Cite journal requires |journal= (help)
  110. ^ Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. p. 81. ISBN 978-973-1872-03-2.
  111. ^ a b Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. p. 91. ISBN 978-973-1872-03-2.
  112. ^ Curl, James Stevens (2013). The Egyptian Revival: Ancient Egypt as the Inspiration for Design Motifs in the West. Routledge. p. 412. ISBN 978-1-134-23467-7.
  113. ^ Woinaroski, Cristina (2013). Istorie urbană, Lotizarea și Parcul Ioanid din București în context european (in Romanian). SIMETRIA. p. 216. ISBN 978-973-1872-30-8.
  114. ^ Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat – Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. pp. 29, 31, 40, 79, 91. ISBN 978-973-1872-03-2.
  115. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 880. ISBN 978-1-52942-030-2.
  116. ^ Dempsey, Amy (2018). Modern Art. Thamed & Hudson. p. 93. ISBN 978-0-500-29322-5.
  117. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017, p. 72.
  118. ^ Hopkins 2014, p. 175.
  119. ^ a b Hopkins 2014, p. 176.
  120. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017, p. 181.
  121. ^ Dempsey, Amy (2018). Modern Art. Thamed & Hudson. pp. 92, 93. ISBN 978-0-500-29322-5.
  122. ^ Hopkins 2014, p. 174, 175, 176.
  123. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. pp. 663, 664. ISBN 978-1-52942-030-2.
  124. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 663. ISBN 978-1-52942-030-2.
  125. ^ Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 53. ISBN 978-0-500-51914-1.
  126. ^ a b Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 121. ISBN 978-0-500-51914-1.
  127. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 665. ISBN 978-1-52942-030-2.
  128. ^ "77 West Wacker Drive Interior (1992)". are.na. Retrieved 3 September 2023.
  129. ^ a b Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 77. ISBN 978-0-500-51914-1.
  130. ^ Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 65. ISBN 978-0-500-51914-1.
  131. ^ Eleanor Gibson (19 September 2018). "Seven of Robert Venturi's best postmodern projects". dezeen.com. Retrieved 25 June 2023.
  132. ^ "The Forum Shops at Caesars Palace (1992)". are.na. Retrieved 3 September 2023.
  133. ^ a b Gray, George T. (2022). An Introduction to the History of Architecture, Art & Design. Sunway University Press. p. 265. ISBN 978-967-5492-24-2.
  134. ^ "Philippe Starck, a pair of 'Louis Ghost' armchairs, Kartell. - Bukowskis". smow.com. Retrieved 19 June 2023.
  135. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 660. ISBN 978-1-52942-030-2.
  136. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. pp. 660, 661, 663. ISBN 978-1-52942-030-2.
  137. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 673. ISBN 978-1-52942-030-2.
  138. ^ "Neo-classicist Architecture. Traditionalism. Historicism".
  139. ^ Driehaus Prize for New Classical Architecture at Notre Dame SoA Archived 2017-02-10 at the Wayback Machine – Together, the $200,000 Driehaus Prize and the $50,000 Reed Award represent the most significant recognition for classicism in the contemporary built environment.; retained March 7, 2014

References

Further reading

External links

Wikimedia Commons has media related to Neoclassicism.