Art Deco , сокращение от французского Arts décoratifs ( дословно « Декоративные искусства » ), [1] — стиль изобразительного искусства, архитектуры и дизайна продукции , впервые появившийся в Париже в 1910-х годах (незадолго до Первой мировой войны ), [2] и процветавший в Соединенных Штатах и Европе в 1920-х — начале 1930-х годов. Через стилистику и дизайн экстерьера и интерьера чего угодно, от крупных сооружений до небольших объектов, включая то, как выглядят люди (одежда, мода и ювелирные изделия), Art Deco оказал влияние на мосты, здания (от небоскребов до кинотеатров), корабли, океанские лайнеры , поезда, автомобили, грузовики, автобусы, мебель и предметы повседневного обихода, включая радиоприемники и пылесосы. [3]
Арт-деко получил свое название в честь Международной выставки современных декоративных и промышленных искусств ( Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes ), которая прошла в Париже в 1925 году . [4] Ар-деко берет свое начало в смелых геометрических формах Венского сецессиона и кубизма . С самого начала на него оказали влияние яркие цвета фовизма и Русских балетов , а также экзотические стили искусства Китая , Японии , Индии , Персии , Древнего Египта и майя .
В период своего расцвета ар-деко представляло собой роскошь, гламур, изобилие и веру в социальный и технический прогресс. Движение использовало редкие и дорогие материалы, такие как черное дерево и слоновая кость, а также изысканное мастерство. Оно также представило новые материалы, такие как хромирование , нержавеющая сталь и пластик. В Нью-Йорке Эмпайр-стейт-билдинг , Крайслер-билдинг и другие здания 1920-х и 1930-х годов являются памятниками этого стиля.
В 1930-х годах, во время Великой депрессии , ар-деко постепенно стал более сдержанным. Более изящная форма стиля, называемая Streamline Moderne , появилась в 1930-х годах, отличаясь изогнутыми формами и гладкими, полированными поверхностями. [5] Ар-деко был по-настоящему международным стилем, но его господство закончилось с началом Второй мировой войны и ростом строго функциональных и неукрашенных стилей современной архитектуры и последовавшего за этим международного стиля архитектуры. [6] [7]
Стиль ар-деко получил свое название, сокращенно от Arts Décoratifs , от Международной выставки современных декоративных и промышленных искусств, состоявшейся в Париже в 1925 году [4] , хотя разнообразные стили, характеризующие его, уже появлялись в Париже и Брюсселе еще до Первой мировой войны .
Arts décoratifs впервые был использован во Франции в 1858 году в Bulletin de la Société française de photographie . [8] В 1868 году газета Le Figaro использовала термин objets d'art décoratifs для обозначения предметов декорации, созданных для Театра Оперы . [9] [10] [11] В 1875 году французское правительство официально присвоило статус художников дизайнерам мебели, текстильщикам, ювелирам, стеклодувам и другим мастерам. В ответ на это École royale gratuite de dessin (Королевская бесплатная школа дизайна), основанная в 1766 году при короле Людовике XVI для обучения художников и ремесленников ремеслам, связанным с изящными искусствами, была переименована в École nationale des arts décoratifs ( Национальная школа декоративного искусства). Свое нынешнее название, ENSAD ( Национальная школа декоративного искусства ), она получила в 1920 году.
Фактически термин ар-деко не появлялся в печати до 1966 года в названии первой современной выставки на эту тему, проведенной Музеем декоративного искусства в Париже, Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau , которая охватывала множество основных стилей 1920-х и 1930-х годов. [12] Затем этот термин был использован в газетной статье 1966 года Хиллари Гелсон в The Times (Лондон, 12 ноября), описывающей различные стили на выставке. [13]
Термин «ар-деко» получил распространение как широко применяемый стилистический ярлык в 1968 году, когда историк Бевис Хиллиер опубликовал первую крупную академическую книгу о нем, «ар-деко 20-х и 30-х годов» . [3] Он отметил, что этот термин уже использовался торговцами произведениями искусства, и в качестве примеров приводит The Times (2 ноября 1966 года) и эссе под названием « Les Arts Déco» в журнале Elle (ноябрь 1967 года). [14] В 1971 году он организовал выставку в Институте искусств Миннеаполиса , которую он подробно описывает в своей книге «Мир ар-деко» . [15] [16]
В свое время ар-деко называли другими названиями, такими как style moderne , Moderne , modernistic или style contemporain , и он не был признан отдельным и однородным стилем. [7]
Новые материалы и технологии, особенно железобетон , сыграли ключевую роль в развитии и появлении ар-деко. Первый бетонный дом был построен в 1853 году в пригороде Парижа Франсуа Куанье. В 1877 году Жозеф Монье предложил идею укрепления бетона сеткой из железных прутьев в виде решетки. В 1893 году Огюст Перре построил первый бетонный гараж в Париже, затем многоквартирный дом, дом, а затем, в 1913 году, Театр на Елисейских полях . Один критик осудил театр как «Цеппелин авеню Монтень», предполагаемое германское влияние, скопированное с Венского сецессиона . После этого большинство зданий в стиле ар-деко были построены из железобетона, что давало большую свободу формы и меньшую потребность в укреплении столбов и колонн. Перре также был пионером в покрытии бетона керамической плиткой , как для защиты, так и для украшения. Архитектор Ле Корбюзье впервые узнал о применении железобетона, работая чертежником в студии Перре. [17]
Другими новыми технологиями, которые были важны для ар-деко, были новые методы производства листового стекла , которое было менее дорогим и позволяло делать гораздо более крупные и прочные окна, а также массового производства алюминия , который использовался для строительства и оконных рам, а позднее — Корбюзье, Уорреном МакАртуром и другими — для легкой мебели.
Архитекторы Венского сецессиона (образованного в 1897 году), особенно Йозеф Хоффман , оказали заметное влияние на ар-деко. Его дворец Стокле в Брюсселе (1905–1911) был прототипом стиля ар-деко, отличаясь геометрическими объемами, симметрией, прямыми линиями, бетоном, покрытым мраморными пластинами, тонкими скульптурными орнаментами и роскошными интерьерами, включая мозаичные фризы Густава Климта . Хоффман также был основателем Wiener Werkstätte (1903–1932), ассоциации ремесленников и дизайнеров интерьеров, работающих в новом стиле. Это стало моделью для Compagnie des arts français , созданной в 1919 году, которая объединила Андре Маре и Луи Сю , первых ведущих французских дизайнеров и декораторов ар-деко. [18]
_-_Kirche_am_Steinhof_(2).JPG/1280px-Penzing_(Wien)_-_Kirche_am_Steinhof_(2).JPG)
Возникновение ар-деко было тесно связано с ростом статуса декоративных художников, которые до конца XIX века считались просто ремесленниками. Термин arts décoratifs был изобретен в 1875 году [ нужна цитата ] , дав дизайнерам мебели, текстиля и других предметов декора официальный статус. Société des artistes décorateurs (Общество декоративных художников), или SAD, было основано в 1901 году, и декоративным художникам были предоставлены те же права авторства, что и художникам и скульпторам. Похожее движение развивалось в Италии. Первая международная выставка, полностью посвященная декоративному искусству, Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna , прошла в Турине в 1902 году. Несколько новых журналов, посвященных декоративному искусству, были основаны в Париже, включая Arts et décoration и L'Art décoratif moderne . Секции декоративно-прикладного искусства были введены в ежегодные салоны Sociéte des artistes français , а позднее в Salon d'Automne . Французский национализм также сыграл свою роль в возрождении декоративно-прикладного искусства, поскольку французские дизайнеры чувствовали себя брошенными вызовом растущему экспорту менее дорогой немецкой мебели. В 1911 году SAD предложил провести крупную новую международную выставку декоративно-прикладного искусства в 1912 году. Никакие копии старых стилей не допускались, только современные работы. Выставка была отложена до 1914 года; а затем, из-за войны, до 1925 года, когда она дала свое название всему семейству стилей, известному как «Déco». [19]
Парижские универмаги и модельеры также сыграли важную роль в развитии ар-деко. Такие известные компании, как фирма по производству столового серебра Christofle , дизайнер стекла Renü Lalique и ювелиры Louis Cartier и Boucheron, начали разрабатывать продукцию в более современных стилях. [20] [21] Начиная с 1900 года, универмаги нанимали декораторов для работы в своих дизайн-студиях. Оформление Осеннего салона 1912 года было поручено универмагу Printemps , [22] [23] и в том же году он создал собственную мастерскую Primavera . [23] К 1920 году в Primavera работало более 300 художников, стили которых варьировались от обновленных версий мебели Людовика XIV , Людовика XVI и особенно Луи-Филиппа, изготовленных Луи Сю и мастерской Primavera , до более современных форм из мастерской универмага Au Louvre . Другие дизайнеры, включая Эмиля-Жака Рульмана и Поля Фолло, отказались от массового производства, настаивая на том, чтобы каждое изделие изготавливалось индивидуально. Ранний стиль ар-деко отличался роскошными и экзотическими материалами, такими как черное дерево , слоновая кость и шелк, очень яркими цветами и стилизованными мотивами , особенно корзинами и букетами цветов всех цветов, что придавало модернистский вид. [24]
Зародившись между 1910 и 1914 годами, ар-деко представлял собой взрыв красок, ярких и часто конфликтующих оттенков, часто в цветочных узорах, представленных в обивке мебели , коврах, экранах, обоях и тканях. Множество красочных работ, включая стулья и стол Мориса Дюфрена и яркий ковер-гобелен Поля Фолло, были представлены на Салоне художников-декораторов 1912 года . В 1912–1913 годах дизайнер Адриен Карбовски создал цветочное кресло с рисунком попугая для охотничьего домика коллекционера произведений искусства Жака Дусе . [25] Дизайнеры мебели Луи Сю и Андре Мар впервые появились на выставке 1912 года под названием Atelier français , сочетая полихромные ткани с экзотическими и дорогими материалами, включая черное дерево и слоновую кость. После Первой мировой войны они стали одной из самых известных французских фирм по дизайну интерьера, производя мебель для салонов первого класса и кают французских трансатлантических лайнеров . [26]
Яркие оттенки ар-деко пришли из многих источников, включая экзотические декорации Леона Бакста для Русских балетов , которые произвели сенсацию в Париже незадолго до Первой мировой войны. Некоторые цвета были вдохновлены более ранним движением фовизма во главе с Анри Матиссом ; другие — орфизмом таких художников, как Соня Делоне ; [27] третьи — движением, известным как Les Nabis , и работами художника-символиста Одилона Редона, который проектировал каминные экраны и другие декоративные предметы. Яркие оттенки были характерной чертой работ модельера Поля Пуаре , чье творчество повлияло как на моду ар-деко, так и на дизайн интерьера. [26] [28] [29]
Театр на Елисейских полях (1910–1913) архитектора Огюста Перре был первым знаковым зданием в стиле ар-деко, построенным в Париже. Ранее железобетон использовался только для промышленных и жилых зданий, Перре построил первое современное железобетонное жилое здание в Париже на улице Бенджамина Франклина в 1903–04 годах. Анри Соваж , еще один важный будущий архитектор ар-деко, построил еще одно здание в 1904 году на улице Третень, 7 (1904). С 1908 по 1910 год 21-летний Ле Корбюзье работал чертежником в офисе Перре, изучая методы бетонного строительства. Здание Перре имело чистую прямоугольную форму, геометрический декор и прямые линии, будущие отличительные черты ар-деко. Декор театра также был революционным; Фасад был украшен горельефами Антуана Бурделя , куполом Мориса Дени , картинами Эдуара Вюйара и занавесом в стиле ар-деко Кер-Ксавье Русселя . Театр стал местом проведения многих первых представлений Русских балетов . [30] Перре и Соваж стали ведущими архитекторами ар-деко в Париже в 1920-х годах. [31] [32]
Художественное течение , известное как кубизм, возникло во Франции между 1907 и 1912 годами, повлияв на развитие ар-деко. [30] [27] [28] В книге «Ар-деко Полное: Полное руководство по декоративному искусству 1920-х и 1930-х годов » Аластер Дункан пишет: «Кубизм, в той или иной извращенной форме, стал языком общения декоративных художников той эпохи». [28] [33] Кубисты, сами находившиеся под влиянием Поля Сезанна , интересовались упрощением форм до их геометрических основ: цилиндра, сферы, конуса. [34] [35]
В 1912 году художники Section d'Or выставили работы, значительно более доступные для широкой публики, чем аналитический кубизм Пикассо и Брака. Кубистский словарь был готов привлечь дизайнеров моды, мебели и интерьера. [27] [29] [35] [36]
В разделе «Декоративные искусства» Осеннего салона 1912 года была представлена архитектурная инсталляция, известная как La Maison Cubiste . [37] [38] Фасад был спроектирован Раймоном Дюшаном-Вийоном . Декор дома был выполнен Андре Маре . [39] [40] La Maison Cubiste представлял собой меблированную инсталляцию с фасадом, лестницей, коваными перилами, спальней, гостиной — Буржуазным салоном , где висели картины Альбера Глеза , Жана Метценже , Мари Лоренсен , Марселя Дюшана , Фернана Леже и Роже де ла Френе . [41] [42] [43] Тысячи зрителей салона прошли через полномасштабную модель. [44]
Фасад дома, спроектированный Дюшаном-Вийоном, не был слишком радикальным по современным меркам; перемычки и фронтоны имели призматическую форму, но в остальном фасад напоминал обычный дом того периода. Для двух комнат Маре разработал обои, на которых были изображены стилизованные розы и цветочные узоры, а также обивку, мебель и ковры, все с яркими и красочными мотивами. Это был явный отход от традиционного декора. Критик Эмиль Седейн описал работу Маре в журнале Art et Décoration : «Он не смущается простотой, поскольку он умножает цветы везде, где их можно поставить. Эффект, которого он ищет, очевидно, является эффектом живописности и веселья. Он достигает этого». [45] Элемент кубизма был предоставлен картинами. Инсталляция была подвергнута критике некоторыми критиками как чрезвычайно радикальная, что помогло ей добиться успеха. [46] Эта архитектурная инсталляция впоследствии была представлена на выставке Armory Show 1913 года в Нью-Йорке, Чикаго и Бостоне. [27] [35] [47] [48] [49] Во многом благодаря выставке термин «кубизм» стал применяться ко всему современному, от женских стрижек до одежды и театральных постановок». [46]
Влияние кубизма продолжилось в ар-деко, даже когда деко разветвился во многих других направлениях. [27] [28]
Намеченная геометрия кубизма стала монетой королевства в 1920-х годах. Развитие ар-деко избирательной геометрии кубизма в более широкий спектр форм принесло кубизм как изобразительную таксономию гораздо более широкой аудитории и более широкой привлекательности. (Ричард Харрисон Мартин, Музей Метрополитен) [50]
Ар-деко не был единым стилем, а представлял собой совокупность различных и иногда противоречивых стилей. В архитектуре ар-деко был преемником (и реакцией на) ар-нуво, стиля, который процветал в Европе между 1895 и 1900 годами и сосуществовал с боз -ар и неоклассикой , которые преобладали в европейской и американской архитектуре. В 1905 году Эжен Грассе написал и опубликовал «Метод орнаментальной композиции, Éléments Rectilignes» [52], в котором он систематически исследовал декоративные (орнаментальные) аспекты геометрических элементов, форм, мотивов и их вариаций, в отличие от (и в качестве отступления от) волнообразного стиля ар-нуво Гектора Гимара , столь популярного в Париже несколькими годами ранее. Грассе подчеркивал принцип, согласно которому различные простые геометрические формы, такие как треугольники и квадраты, являются основой всех композиционных аранжировок. Железобетонные здания Огюста Перре и Анри Соважа, и в частности Театр на Елисейских полях , предложили новую форму строительства и декора, которая была скопирована во всем мире. [53]
В декоре ар-деко заимствовал и использовал множество различных стилей. Они включали досовременное искусство со всего мира, которое можно увидеть в Лувре , Музее человека и Национальном музее искусств Африки и Океании . Также был популярен интерес к археологии из-за раскопок в Помпеях , Трое и гробнице фараона 18-й династии Тутанхамона . Художники и дизайнеры интегрировали мотивы из Древнего Египта , Африки , Месопотамии , Греции , Рима , Азии, Мезоамерики и Океании с элементами машинного века . [57] [58] [59] [60] [61] [62]
Другие заимствованные стили включали футуризм , орфизм, функционализм и модернизм в целом. Кубизм обнаруживает свой декоративный потенциал в эстетике ар-деко, когда переносится с холста на текстильный материал или обои. Соня Делоне задумывает свои модели платьев в абстрактном и геометрическом стиле, «как живые картины или скульптуры живых форм». Дизайны в стиле кубизма созданы Луи Барриле в витражах американского бара в казино Atrium в Даксе (1926), но также включают названия модных коктейлей. В архитектуре четкий контраст между горизонтальными и вертикальными объемами, характерный как для русского конструктивизма , так и для линии Фрэнка Ллойда Райта - Виллема Маринуса Дудока , становится распространенным приемом в артикуляции фасадов ар-деко, от отдельных домов и многоквартирных домов до кинотеатров или заправочных станций. [69] [35] [57] [70] [71] Ар-деко также использовал конфликтующие цвета и дизайны фовизма, особенно в работах Анри Матисса и Андре Дерена , вдохновил дизайны тканей, обоев и расписной керамики в стиле ар-деко. [35] Он взял идеи из лексикона высокой моды того периода, который включал геометрические узоры, шевроны, зигзаги и стилизованные букеты цветов. На него повлияли открытия в египтологии и растущий интерес к Востоку и африканскому искусству. С 1925 года он часто вдохновлялся страстью к новым машинам, таким как дирижабли, автомобили и океанские лайнеры, и к 1930 году это влияние привело к стилю, называемому Streamline Moderne . [72]
Событием, ознаменовавшим расцвет стиля и давшим ему название, стала Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств , которая проходила в Париже с апреля по октябрь 1925 года. Она была официально спонсирована французским правительством и охватывала территорию в Париже площадью 55 акров, простирающуюся от Большого дворца на правом берегу до Дома инвалидов на левом берегу и вдоль берегов Сены. Большой дворец, самый большой зал в городе, был заполнен экспонатами декоративно-прикладного искусства из стран-участниц. Было 15 000 экспонентов из двадцати разных стран, включая Австрию, Бельгию, Чехословакию, Данию, Великобританию, Италию, Японию, Нидерланды, Польшу, Испанию, Швецию и новый Советский Союз . Германия не была приглашена из-за напряженности после войны; Соединенные Штаты, неправильно понимая цель выставки, отказались от участия. За семь месяцев ее проведения мероприятие посетили шестнадцать миллионов человек. Правила выставки требовали, чтобы все работы были современными; никакие исторические стили не допускались. Главной целью выставки было продвижение французских производителей роскошной мебели, фарфора, стекла, металлоконструкций, текстиля и других декоративных изделий. Для дальнейшего продвижения продукции все основные парижские универмаги и крупные дизайнеры имели свои павильоны. Вторичной целью выставки было продвижение продукции из французских колоний в Африке и Азии, включая слоновую кость и экзотические породы дерева.
Hôtel du Collectionneur был популярной достопримечательностью на выставке; он демонстрировал новые дизайны мебели Эмиля-Жака Рульмана, а также ткани в стиле ар-деко, ковры и картины Жана Дюпа . Дизайн интерьера следовал тем же принципам симметрии и геометрических форм, которые отличали его от ар-нуво, и ярким цветам, тонкой работе, редким и дорогим материалам, которые отличали его от строгой функциональности модернистского стиля. В то время как большинство павильонов были щедро украшены и заполнены роскошной мебелью ручной работы, два павильона, павильон Советского Союза и павильон L' Esprit Nouveau , построенный одноименным журналом, которым руководил Ле Корбюзье, были построены в строгом стиле с простыми белыми стенами и без украшений; они были одними из самых ранних примеров модернистской архитектуры . [73]
В 1925 году в ар-деко сосуществовали две разные конкурирующие школы: традиционалисты, основавшие Общество декоративных художников; в их число входили дизайнер мебели Эмиль-Жак Рульман, Жан Дюнан , скульптор Антуан Бурдель и дизайнер Поль Пуаре; они сочетали современные формы с традиционным мастерством и дорогими материалами. С другой стороны, были модернисты, которые все больше отвергали прошлое и хотели стиль, основанный на достижениях новых технологий, простоте, отсутствии декора, недорогих материалах и массовом производстве. В 1929 году модернисты основали свою собственную организацию, Французский союз современных художников . В ее состав входили архитекторы Пьер Шаро , Франсис Журден , Роберт Малле-Стивенс , Корбюзье и, в Советском Союзе, Константин Мельников ; ирландский дизайнер Эйлин Грей; французский дизайнер Соня Делоне; и ювелиры Жорж Фуке и Жан Пюифорка . Они яростно нападали на традиционный стиль ар-деко, который, по их словам, был создан только для богатых, и настаивали на том, что хорошо построенные здания должны быть доступны каждому, и что форма должна следовать за функцией. Красота объекта или здания заключалась в том, идеально ли он подходил для выполнения своей функции. Современные промышленные методы означали, что мебель и здания могли производиться массово, а не вручную. [74] [75] [ нужна страница ]
Дизайнер интерьеров в стиле ар-деко Поль Фолло защищал ар-деко следующим образом: «Мы знаем, что человек никогда не довольствуется необходимым, а лишнее всегда необходимо... Если бы не это, нам пришлось бы избавиться от музыки, цветов и духов...!» [76] Однако Ле Корбюзье был блестящим публицистом модернистской архитектуры; он утверждал, что дом — это просто «машина для жизни», и неустанно продвигал идею о том, что ар-деко — это прошлое, а модернизм — будущее. Идеи Ле Корбюзье постепенно были приняты архитектурными школами, и эстетика ар-деко была заброшена. Те же черты, которые сделали ар-деко популярным в начале, его мастерство, дорогие материалы и орнамент, привели к его упадку. Великая депрессия, начавшаяся в Соединенных Штатах в 1929 году и вскоре после этого достигшая Европы, значительно сократила число богатых клиентов, которые могли платить за мебель и предметы искусства. В экономическом климате Депрессии немногие компании были готовы строить новые небоскребы. [35] Даже фирма Ruhlmann прибегла к серийному производству предметов мебели, а не к индивидуальным изделиям ручной работы. Последними зданиями, построенными в Париже в новом стиле, были Музей общественных работ Огюста Перре (ныне Французский экономический, социальный и экологический совет ), Дворец Шайо Луи -Ипполита Буало , Жака Карлю и Леона Азема , а также Дворец Токио Парижской международной выставки 1937 года ; они выходили окнами на грандиозный павильон нацистской Германии, спроектированный Альбертом Шпеером , который противостоял столь же грандиозному павильону социалистического реализма сталинского Советского Союза.
После Второй мировой войны доминирующим архитектурным стилем стал интернациональный стиль, пионерами которого были Ле Корбюзье и Мис ван дер Роэ . Несколько отелей в стиле ар-деко были построены в Майами-Бич после Второй мировой войны, но в других местах стиль в значительной степени исчез, за исключением промышленного дизайна, где он продолжал использоваться в автомобильном дизайне и таких продуктах, как музыкальные автоматы. В 1960-х годах он пережил скромное академическое возрождение, отчасти благодаря трудам историков архитектуры, таких как Бевис Хиллиер. В 1970-х годах в Соединенных Штатах и Европе были предприняты усилия по сохранению лучших образцов архитектуры ар-деко, и многие здания были отреставрированы и перепрофилированы. Постмодернистская архитектура , которая впервые появилась в 1980-х годах, как и ар-деко, часто включает в себя чисто декоративные элементы. [35] [57] [77] [78] Ар-деко продолжает вдохновлять дизайнеров и часто используется в современной моде, ювелирных изделиях и туалетных принадлежностях. [79]
На выставке 1925 года не было выделено ни одного раздела для живописи. Живопись в стиле ар-деко по определению была декоративной, предназначенной для украшения комнаты или архитектурного произведения, поэтому немногие художники работали исключительно в этом стиле, но два художника тесно связаны с ар-деко. Жан Дюпа нарисовал фрески в стиле ар-деко для павильона Бордо на выставке декоративного искусства 1925 года в Париже, а также написал картину над камином в экспозиции Maison du Collectionneur на выставке 1925 года, где была представлена мебель Рульмана и других выдающихся дизайнеров ар-деко. Его фрески также были заметны в декоре французского океанского лайнера SS Normandie . Его работа была чисто декоративной, разработанной как фон или сопровождение к другим элементам декора. [80]
Другой художник, тесно связанный со стилем, — Тамара де Лемпицка . Родилась в Польше, эмигрировала в Париж после русской революции . Она училась у Мориса Дени и Андре Лота и заимствовала многие элементы из их стилей. Она писала портреты в реалистичном, динамичном и красочном стиле ар-деко. [81]
В 1930-х годах в Соединенных Штатах появилась драматическая новая форма живописи в стиле ар-деко. Во время Великой депрессии был создан Федеральный художественный проект Управления общественных работ, чтобы дать работу безработным художникам. Многим было поручено украсить правительственные здания, больницы и школы. В росписях не было определенного стиля ар-деко; художники, занимавшиеся росписью фресок в правительственных зданиях, представляли самые разные школы, от американского регионализма до социального реализма ; среди них были Реджинальд Марш , Рокуэлл Кент и мексиканский художник Диего Ривера . Росписи были в стиле ар-деко, потому что все они были декоративными и связаны с деятельностью в здании или городе, где они были написаны: Реджинальд Марш и Рокуэлл Кент оба украшали почтовые здания США и изображали почтовых служащих за работой, в то время как Диего Ривера изображал рабочих автомобильного завода для Детройтского института искусств . На росписи Диего Риверы «Человек на перепутье » (1933) для Рокфеллер-плаза, 30 был изображен несанкционированный портрет Ленина . [82] [83] Когда Ривера отказался убрать Ленина, картина была уничтожена, а новая фреска была написана испанским художником Хосепом Марией Сертом . [84] [85] [86]
.jpeg/1280px-Folie_Berg%C3%A8re_Paris_(36268584).jpeg)
Скульптура была очень распространенной и неотъемлемой чертой архитектуры ар-деко. Во Франции аллегорические барельефы, изображающие танец и музыку, работы Антуана Бурделя украсили самую раннюю достопримечательность ар-деко в Париже, Театр на Елисейских полях , в 1912 году. На выставке 1925 года основные скульптурные работы были размещены по всему участку, павильоны были украшены скульптурными фризами, а несколько павильонов были посвящены более мелкой студийной скульптуре. В 1930-х годах большая группа выдающихся скульпторов создала работы для Международной выставки искусств и технологий в современной жизни в Шайо 1937 года. Альфред Жаннио создал рельефные скульптуры на фасаде Дворца Токио. Музей современного искусства в Париже и эспланада перед Дворцом Шайо, обращенная к Эйфелевой башне, были заполнены новыми скульптурами Чарльза Малфрея , Генри Арнольда и многих других. [87]
Публичная скульптура в стиле ар-деко почти всегда была репрезентативной, обычно героических или аллегорических фигур, связанных с назначением здания или комнаты. Темы обычно выбирались покровителями, а не художником. Абстрактная скульптура для украшения встречалась крайне редко. [88] [89]
В Соединенных Штатах самым выдающимся скульптором ар-деко для общественного искусства был Пол Мэншип , который обновил классические и мифологические сюжеты и темы в стиле ар-деко. Его самой известной работой была статуя Прометея в Рокфеллеровском центре в Нью-Йорке, адаптация классического сюжета в 20 веке. Другие важные работы для Рокфеллеровского центра были сделаны Ли Лори , включая скульптурный фасад и статую Атланта .
During the Great Depression in the United States, many sculptors were commissioned to make works for the decoration of federal government buildings, with funds provided by the WPA, or Works Progress Administration. They included sculptor Sidney Biehler Waugh, who created stylized and idealized images of workers and their tasks for federal government office buildings.[90] In San Francisco, Ralph Stackpole provided sculpture for the façade of the new San Francisco Stock Exchange building. In Washington D.C., Michael Lantz made works for the Federal Trade Commission building.
In Britain, Deco public statuary was made by Eric Gill for the BBC Broadcasting House, while Ronald Atkinson decorated the lobby of the former Daily Express Building in London (1932).
One of the best known and certainly the largest public Art Deco sculpture is the Christ the Redeemer by the French sculptor Paul Landowski, completed between 1922 and 1931, located on a mountain top overlooking Rio de Janeiro, Brazil.
Many early Art Deco sculptures were small, designed to decorate salons. One genre of this sculpture was called the Chryselephantine statuette, named for a style of ancient Greek temple statues made of gold and ivory. They were sometimes made of bronze, or sometimes with much more lavish materials, such as ivory, onyx, alabaster, and gold leaf.
One of the best-known Art Deco salon sculptors was the Romanian-born Demétre Chiparus, who produced colourful small sculptures of dancers. Other notable salon sculptors included Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol and Gustav Schmidtcassel.[91] Another important American sculptor in the studio format was Harriet Whitney Frishmuth, who had studied with Auguste Rodin in Paris.
Pierre Le Paguays was a prominent Art Deco studio sculptor, whose work was shown at the 1925 Exposition. He worked with bronze, marble, ivory, onyx, gold, alabaster and other precious materials.[92]
François Pompon was a pioneer of modern stylised animalier sculpture. He was not fully recognised for his artistic accomplishments until the age of 67 at the Salon d'Automne of 1922 with the work Ours blanc, also known as The White Bear, now in the Musée d'Orsay in Paris.[93]
Parallel with these Art Deco sculptors, more avant-garde and abstract modernist sculptors were at work in Paris and New York City. The most prominent were Constantin Brâncuși, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joël Martel, Chana Orloff and Pablo Gargallo.[94]
The Art Deco style appeared early in the graphic arts, in the years just before World War I. It appeared in Paris in the posters and the costume designs of Léon Bakst for the Ballets Russes, and in the catalogues of the fashion designers Paul Poiret.[95] The illustrations of Georges Barbier, and Georges Lepape and the images in the fashion magazine La Gazette du bon ton perfectly captured the elegance and sensuality of the style. In the 1920s, the look changed; the fashions stressed were more casual, sportive and daring, with the woman models usually smoking cigarettes. American fashion magazines such as Vogue, Vanity Fair and Harper's Bazaar quickly picked up the new style and popularized it in the United States. It also influenced the work of American book illustrators such as Rockwell Kent. In Germany, the most famous poster artist of the period was Ludwig Hohlwein, who created colourful and dramatic posters for music festivals, beers, and, late in his career, for the Nazi Party.[96]
During the Art Nouveau period, posters usually advertised theatrical products or cabarets. In the 1920s, travel posters, made for steamship lines and airlines, became extremely popular. The style changed notably in the 1920s, to focus attention on the product being advertised. The images became simpler, precise, more linear, more dynamic, and were often placed against a single-color background. In France, popular Art Deco designers included Charles Loupot and Paul Colin, who became famous for his posters of American singer and dancer Josephine Baker. Jean Carlu designed posters for Charlie Chaplin movies, soaps, and theatres; in the late 1930s he emigrated to the United States, where, during the World War, he designed posters to encourage war production. The designer Charles Gesmar became famous making posters for the singer Mistinguett and for Air France. Among the best-known French Art Deco poster designers was Cassandre, who made the celebrated poster of the ocean liner SS Normandie in 1935.[96]
In the 1930s a new genre of posters appeared in the United States during the Great Depression. The Federal Art Project hired American artists to create posters to promote tourism and cultural events.
The architectural style of art deco made its debut in Paris in 1903–04, with the construction of two apartment buildings in Paris, one by Auguste Perret on rue Benjamin Franklin and the other on rue Trétaigne by Henri Sauvage. The two young architects used reinforced concrete for the first time in Paris residential buildings; the new buildings had clean lines, rectangular forms, and no decoration on the façades; they marked a clean break with the art nouveau style.[97] Between 1910 and 1913, Perret used his experience in concrete apartment buildings to construct the Théâtre des Champs-Élysées, 15 avenue Montaigne. Between 1925 and 1928 Sauvage constructed the new art deco façade of La Samaritaine department store in Paris.[98]
The Art Deco style was not limited to buildings on land; the ocean liner SS Normandie, whose first voyage was in 1935, featured Art Deco design, including a dining room whose ceiling and decoration were made of glass by Lalique.[99]
Art Deco architecture is sometimes classified into three types: Zigzag [Moderne] (aka Jazz Moderne[100]); Classic Moderne; and Streamline Moderne.[101]
Zigzag Moderne (aka Jazz Moderne) was the first style to arrive in the United States. "Zigzag" refers to the stepping of the outline of a skyscraper to exaggerate its height,[101][100] and was mainly used for large public and commercial buildings, in particular hotels, movie theaters, restaurants, skyscrapers, and department stores.[102]
Classic Moderne has a more graceful appearance, and there is less ornamentation. Classic Moderne is also sometimes referred to as PWA (Public Works Administration) Moderne or Depression Moderne, as it was undertaken by the PWA during the Great Depression.[102][100][101]
In the late 1930s, a new variety of Art Deco architecture became common; it was called Streamline Moderne or simply Streamline, or, in France, the Style Paquebot, or Ocean Liner style. Buildings in the style had rounded corners and long horizontal lines; they were built of reinforced concrete and were almost always white; and they sometimes had nautical features, such as railings and portholes that resembled those on a ship. The rounded corner was not entirely new; it had appeared in Berlin in 1923 in the Mossehaus by Erich Mendelsohn, and later in the Hoover Building, an industrial complex in the London suburb of Perivale. In the United States, it became most closely associated with transport; Streamline moderne was rare in office buildings but was often used for bus stations and airport terminals, such as the terminal at La Guardia airport in New York City that handled the first transatlantic flights, via the PanAm Clipper flying boats; and in roadside architecture, such as gas stations and diners. In the late 1930s a series of diners, modelled upon streamlined railroad cars, were produced and installed in towns in New England; at least two examples still remain and are now registered historic buildings.[103]
American skyscrapers marked the summit of the Art Deco style; they became the tallest and most recognizable modern buildings in the world. They were designed to show the prestige of their builders through their height, their shape, their color, and their dramatic illumination at night.[104] The American Radiator Building by Raymond Hood (1924) combined Gothic and Deco modern elements in the design of the building. Black brick on the frontage of the building (symbolizing coal) was selected to give an idea of solidity and to give the building a solid mass. Other parts of the façade were covered in gold bricks (symbolizing fire), and the entry was decorated with marble and black mirrors. Another early Art Deco skyscraper was Detroit's Guardian Building, which opened in 1929. Designed by modernist Wirt C. Rowland, the building was the first to employ stainless steel as a decorative element, and the extensive use of colored designs in place of traditional ornaments.
New York City's skyline was radically changed by the Chrysler Building in Manhattan (completed in 1930), designed by William Van Alen. It was a giant seventy-seven-floor tall advertisement for Chrysler automobiles. The top was crowned by a stainless steel spire, and was ornamented by deco "gargoyles" in the form of stainless steel radiator cap decorations. The base of the tower, thirty-three stories above the street, was decorated with colorful art deco friezes, and the lobby was decorated with art deco symbols and images expressing modernity.[105]
The Chrysler Building was soon surpassed in height by the Empire State Building by William F. Lamb (1931), in a slightly less lavish Deco style and the RCA Building (now 30 Rockefeller Plaza) by Raymond Hood (1933) which together completely changed New York City's skyline. The tops of the buildings were decorated with Art Deco crowns and spires covered with stainless steel, and, in the case of the Chrysler building, with Art Deco gargoyles modeled after radiator ornaments, while the entrances and lobbies were lavishly decorated with Art Deco sculpture, ceramics, and design. Similar buildings, though not quite as tall, soon appeared in Chicago and other large American cities. Rockefeller Center added a new design element: several tall buildings grouped around an open plaza, with a fountain in the middle.[106]
The grand showcases of American Art Deco interior design were the lobbies of government buildings, theaters, and particularly office buildings. Interiors were extremely colorful and dynamic, combining sculpture, murals, and ornate geometric design in marble, glass, ceramics and stainless steel. An early example was the Fisher Building in Detroit, by Joseph Nathaniel French; the lobby was highly decorated with sculpture and ceramics. The Guardian Building (originally the Union Trust Building) in Detroit, by Wirt Rowland (1929), decorated with red and black marble and brightly colored ceramics, highlighted by highly polished steel elevator doors and counters. The sculptural decoration installed in the walls illustrated the virtues of industry and saving; the building was immediately termed the "Cathedral of Commerce". The Medical and Dental Building called 450 Sutter Street in San Francisco by Timothy Pflueger was inspired by Mayan architecture, in a highly stylized form; it used pyramid shapes, and the interior walls were covered with highly stylized rows of hieroglyphs.[107]
In France, the best example of an Art Deco interior during this period was the Palais de la Porte Dorée (1931) by Albert Laprade, Léon Jaussely and Léon Bazin. The building (now the National Museum of Immigration, with an aquarium in the basement) was built for the Paris Colonial Exposition of 1931, to celebrate the people and products of French colonies. The exterior façade was entirely covered with sculpture, and the lobby created an Art Deco harmony with a wood parquet floor in a geometric pattern, a mural depicting the people of French colonies; and a harmonious composition of vertical doors and horizontal balconies.[107]
Many of the best surviving examples of Art Deco are cinemas built in the 1920s and 1930s. The Art Deco period coincided with the conversion of silent films to sound, and movie companies built large display destinations in major cities to capture the huge audience that came to see movies. Movie palaces in the 1920s often combined exotic themes with art deco style; Grauman's Egyptian Theatre in Hollywood (1922) was inspired by ancient Egyptian tombs and pyramids, while the Fox Theater in Bakersfield, California attached a tower in California Mission style to an Art Deco Hall. The largest of all is Radio City Music Hall in New York City, which opened in 1932. Originally designed as theatrical performance space, it quickly transformed into a cinema, which could seat 6,015 customers. The interior design by Donald Deskey used glass, aluminum, chrome, and leather to create a visual escape from reality. The Paramount Theatre in Oakland, California, by Timothy Pflueger, had a colorful ceramic façade, a lobby four stories high, and separate Art Deco smoking rooms for gentlemen and ladies. Similar grand palaces appeared in Europe. The Grand Rex in Paris (1932), with its imposing tower, was the largest cinema in Europe after the 6,000 seats of the Gaumont-Palace (1931–1973). The Gaumont State Cinema in London (1937) had a tower modelled on the Empire State building, covered with cream ceramic tiles and an interior in an Art Deco-Italian Renaissance style. The Paramount Theatre in Shanghai, China (1933) was originally built as a dance hall called The gate of 100 pleasures; it was converted to a cinema after the Communist Revolution in 1949, and now is a ballroom and disco. In the 1930s Italian architects built a small movie palace, the Cinema Impero, in Asmara in what is now Eritrea. Today, many of the movie theatres have been subdivided into multiplexes, but others have been restored and are used as cultural centres in their communities.[108]
![The octagon-shaped medallion – Sign of the La Samaritaine department store in Paris, by Henri Sauvage (1928)[114]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/19/Paris_La_Samaritaine_374.JPG/1280px-Paris_La_Samaritaine_374.JPG)
Decoration in the Art Deco period went through several distinct phases. Between 1910 and 1920, as Art Nouveau was exhausted, design styles saw a return to tradition, particularly in the work of Paul Iribe. In 1912 André Vera published an essay in the magazine L'Art Décoratif calling for a return to the craftsmanship and materials of earlier centuries and using a new repertoire of forms taken from nature, particularly baskets and garlands of fruit and flowers. A second tendency of Art Deco, also from 1910 to 1920, was inspired by the bright colours of the artistic movement known as the Fauves and by the colourful costumes and sets of the Ballets Russes. This style was often expressed with exotic materials such as sharkskin, mother of pearl, ivory, tinted leather, lacquered and painted wood, and decorative inlays on furniture that emphasized its geometry. This period of the style reached its high point in the 1925 Paris Exposition of Decorative Arts. In the late 1920s and the 1930s, the decorative style changed, inspired by new materials and technologies. It became sleeker and less ornamental. Furniture, like architecture, began to have rounded edges and to take on a polished, streamlined look, taken from the streamline modern style. New materials, such as nickel or chrome-plated steel, aluminium and bakelite, an early form of plastic, began to appear in furniture and decoration.[119]
Throughout the Art Deco period, and particularly in the 1930s, the motifs of the décor expressed the function of the building. Theatres were decorated with sculpture which illustrated music, dance, and excitement; power companies showed sunrises, the Chrysler building showed stylized hood ornaments; The friezes of Palais de la Porte Dorée at the 1931 Paris Colonial Exposition showed the faces of the different nationalities of French colonies. The Streamline style made it appear that the building itself was in motion. The WPA murals of the 1930s featured ordinary people; factory workers, postal workers, families and farmers, in place of classical heroes.[120]
Art Deco, like the complex times that engendered it, can best be characterized by a series of contradictions: minimalist vs maximalist, angular vs fluid, ziggurat vs streamline, symmetrical vs irregular, to name a few. The iconography chosen by Art Deco artists to express the period is also laden with contradictions. Fair maidens in 18th-century dress seem to coexist with chic sophisticated ladies and recumbent nudes, and flashes of lightning illuminate stylized rosebuds.[121]
French furniture from 1910 until the early 1920s was largely an updating of French traditional furniture styles, and the art nouveau designs of Louis Majorelle, Charles Plumet and other manufacturers. French furniture manufacturers felt threatened by the growing popularity of German manufacturers and styles, particularly the Biedermeier style, which was simple and clean-lined. The French designer Frantz Jourdain, the President of the Paris Salon d'Automne, invited designers from Munich to participate in the 1910 Salon. French designers saw the new German style and decided to meet the German challenge. The French designers decided to present new French styles in the Salon of 1912. The rules of the Salon indicated that only modern styles would be permitted. All of the major French furniture designers took part in Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare and Louis Suë took part, presenting new works that updated the traditional French styles of Louis XVI and Louis Philippe with more angular corners inspired by Cubism and brighter colours inspired by Fauvism and the Nabis.[122]
The painter André Mare and furniture designer Louis Süe both participated the 1912 Salon. After the war the two men joined to form their own company, formally called the Compagnie des Arts Française, but usually known simply as Suë and Mare. Unlike the prominent art nouveau designers like Louis Majorelle, who personally designed every piece, they assembled a team of skilled craftsmen and produced complete interior designs, including furniture, glassware, carpets, ceramics, wallpaper and lighting. Their work featured bright colors and furniture and fine woods, such as ebony encrusted with mother of pearl, abalone and silvered metal to create bouquets of flowers. They designed everything from the interiors of ocean liners to perfume bottles for the label of Jean Patou.The firm prospered in the early 1920s, but the two men were better craftsmen than businessmen. The firm was sold in 1928, and both men left.[123]
The most prominent furniture designer at the 1925 Decorative Arts Exposition was Émile-Jacques Ruhlmann, from Alsace. He first exhibited his works at the 1913 Autumn Salon, then had his own pavilion, the "House of the Rich Collector", at the 1925 Exposition. He used only most rare and expensive materials, including ebony, mahogany, rosewood, ambon and other exotic woods, decorated with inlays of ivory, tortoise shell, mother of pearl, Little pompoms of silk decorated the handles of drawers of the cabinets.[124] His furniture was based upon 18th-century models, but simplified and reshaped. In all of his work, the interior structure of the furniture was completely concealed. The framework usually of oak, was completely covered with an overlay of thin strips of wood, then covered by a second layer of strips of rare and expensive woods. This was then covered with a veneer and polished, so that the piece looked as if it had been cut out of a single block of wood. Contrast to the dark wood was provided by inlays of ivory, and ivory key plates and handles. According to Ruhlmann, armchairs had to be designed differently according to the functions of the rooms where they appeared; living room armchairs were designed to be welcoming, office chairs comfortable, and salon chairs voluptuous. Only a small number of pieces of each design of furniture was made, and the average price of one of his beds or cabinets was greater than the price of an average house.[125]
Jules Leleu was a traditional furniture designer who moved smoothly into Art Deco in the 1920s; he designed the furniture for the dining room of the Élysée Palace, and for the first-class cabins of the steamship Normandie. his style was characterized by the use of ebony, Macassar wood, walnut, with decoration of plaques of ivory and mother of pearl. He introduced the style of lacquered art deco furniture in the late 1920s, and in the late 1930s introduced furniture made of metal with panels of smoked glass.[126] In Italy, the designer Gio Ponti was famous for his streamlined designs.
The costly and exotic furniture of Ruhlmann and other traditionalists infuriated modernists, including the architect Le Corbusier, causing him to write a famous series of articles denouncing the arts décoratif style. He attacked furniture made only for the rich and called upon designers to create furniture made with inexpensive materials and modern style, which ordinary people could afford. He designed his own chairs, created to be inexpensive and mass-produced.[127]
In the 1930s, furniture designs adapted to the form, with smoother surfaces and curved forms. The masters of the late style included Donald Deskey, who was one of the most influential designers; he created the interior of the Radio City Music Hall. He used a mixture of traditional and very modern materials, including aluminium, chrome, and bakelite, an early form of plastic.[128] Other top designers of Art Deco furniture of the 1930s in the United States included Gilbert Rohde, Warren McArthur, and Kem Weber.
The Waterfall style was popular in the 1930s and 1940s, the most prevalent Art Deco form of furniture at the time. Pieces were typically of plywood finished with blond veneer and with rounded edges, resembling a waterfall.[129]
Streamline was a variety of Art Deco which emerged during the mid-1930s. It was influenced by modern aerodynamic principles developed for aviation and ballistics to reduce aerodynamic drag at high velocities. The bullet shapes were applied by designers to cars, trains, ships, and even objects not intended to move, such as refrigerators, gas pumps, and buildings.[59] One of the first production vehicles in this style was the Chrysler Airflow of 1933. It was unsuccessful commercially, but the beauty and functionality of its design set a precedent; meant modernity. It continued to be used in car design well after World War II.[130][131][132][133]
New industrial materials began to influence the design of cars and household objects. These included aluminium, chrome, and bakelite, an early form of plastic. Bakelite could be easily moulded into different forms, and soon was used in telephones, radios and other appliances.
_interior.jpg/1280px-SS_Normandie_(ship,_1935)_interior.jpg)
Ocean liners also adopted a style of Art Deco, known in French as the Style Paquebot, or "Ocean Liner Style". The most famous example was the SS Normandie, which made its first transatlantic trip in 1935. It was designed particularly to bring wealthy Americans to Paris to shop. The cabins and salons featured the latest Art Deco furnishings and decoration. The Grand Salon of the ship, which was the restaurant for first-class passengers, was bigger than the Hall of Mirrors of the Palace of Versailles. It was illuminated by electric lights within twelve pillars of Lalique crystal; thirty-six matching pillars lined the walls. This was one of the earliest examples of illumination being directly integrated into architecture. The style of ships was soon adapted to buildings. A notable example is found on the San Francisco waterfront, where the Maritime Museum building, built as a public bath in 1937, resembles a ferryboat, with ship railings and rounded corners. The Star Ferry Terminal in Hong Kong also used a variation of the style.[35]
Textiles were an important part of the Art Deco style, in the form of colourful wallpaper, upholstery and carpets, In the 1920s, designers were inspired by the stage sets of the Ballets Russes, fabric designs and costumes from Léon Bakst and creations by the Wiener Werkstätte. The early interior designs of André Mare featured brightly coloured and highly stylized garlands of roses and flowers, which decorated the walls, floors, and furniture. Stylized Floral motifs also dominated the work of Raoul Dufy and Paul Poiret, and in the furniture designs of J.E. Ruhlmann. The floral carpet was reinvented in Deco style by Paul Poiret.[134]
The use of the style was greatly enhanced by the introduction of the pochoir stencil-based printing system, which allowed designers to achieve crispness of lines and very vivid colours. Art Deco forms appeared in the clothing of Paul Poiret, Charles Worth and Jean Patou. After World War I, exports of clothing and fabrics became one of the most important currency earners of France.[135]
Late Art Deco wallpaper and textiles sometimes featured stylized industrial scenes, cityscapes, locomotives and other modern themes, as well as stylized female figures, metallic finishes and geometric designs.[135]
The new woman of pre-WW1 days became the Amazon of the Art Deco era. Fashion changed dramatically during this period, thanks in particular to designers Paul Poiret and later Coco Chanel. Poiret introduced an important innovation to fashion design, the concept of draping, a departure from the tailoring and patternmaking of the past.[136] He designed clothing cut along straight lines and constructed of rectangular motifs.[136] His styles offered structural simplicity[136] The corseted look and formal styles of the previous period were abandoned, and fashion became more practical, and streamlined. With the use of new materials, brighter colours and printed designs.[136] The designer Coco Chanel continued the transition, popularising the style of sporty, casual chic.[137]
A particular typology of the era was the Flapper, a woman who cut her hair into a short bob, drank cocktails, smoked in public, and danced late into the night at fashionable clubs, cabarets or bohemian dives. Of course, most women didn't live like this, the Flapper being more a character present in popular imagination than a reality. Another female Art Deco style was the androgynous garçonne of the 1920s, with flattened bosom, dispelled waist and revealed legs, reducing the silhouette to a short tube, topped with a head-hugging cloche hat.[138]
In the 1920s and 1930s, designers including René Lalique and Cartier tried to reduce the traditional dominance of diamonds by introducing more colourful gemstones, such as small emeralds, rubies and sapphires. They also placed greater emphasis on very elaborate and elegant settings, featuring less-expensive materials such as enamel, glass, horn and ivory. Diamonds themselves were cut in less traditional forms; the 1925 Exposition saw many diamonds cut in the form of tiny rods or matchsticks. Other popular Art Deco cuts include:
The settings for diamonds also changed; More and more often jewellers used platinum instead of gold, since it was strong and flexible, and could set clusters of stones. Jewellers also began to use more dark materials, such as enamels and black onyx, which provided a higher contrast with diamonds.[141]
Jewellery became much more colourful and varied in style. Cartier and the firm of Boucheron combined diamonds with colourful other gemstones cut into the form of leaves, fruit or flowers, to make brooches, rings, earrings, clips and pendants. Far Eastern themes also became popular; plaques of jade and coral were combined with platinum and diamonds, and vanity cases, cigarette cases and powder boxes were decorated with Japanese and Chinese landscapes made with mother of pearl, enamel and lacquer.[141]
Rapidly changing fashions in clothing brought new styles of jewellery. Sleeveless dresses of the 1920s meant that arms needed decoration, and designers quickly created bracelets of gold, silver and platinum encrusted with lapis-lazuli, onyx, coral, and other colourful stones; Other bracelets were intended for the upper arms, and several bracelets were often worn at the same time. The short haircuts of women in the twenties called for elaborate deco earring designs. As women began to smoke in public, designers created very ornate cigarette cases and ivory cigarette holders. The invention of the wristwatch before World War I inspired jewelers to create extraordinary, decorated watches, encrusted with diamonds and plated with enamel, gold and silver. Pendant watches, hanging from a ribbon, also became fashionable.[142]
The established jewellery houses of Paris in the period, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin, and Van Cleef & Arpels all created jewellery and objects in the new fashion. The firm of Chaumet made highly geometric cigarette boxes, cigarette lighters, pillboxes and notebooks, made of hard stones decorated with jade, lapis lazuli, diamonds and sapphires. They were joined by many young new designers, each with his own idea of deco. Raymond Templier designed pieces with highly intricate geometric patterns, including silver earrings that looked like skyscrapers. Gerard Sandoz was only 18 when he started to design jewelry in 1921; he designed many celebrated pieces based on the smooth and polished look of modern machinery. The glass designer René Lalique also entered the field, creating pendants of fruit, flowers, frogs, fairies or mermaids made of sculpted glass in bright colors, hanging on cords of silk with tassels.[142] The jeweller Paul Brandt contrasted rectangular and triangular patterns, and embedded pearls in lines on onyx plaques. Jean Despres made necklaces of contrasting colours by bringing together silver and black lacquer, or gold with lapis lazuli. Many of his designs looked like highly polished pieces of machines. Jean Dunand was also inspired by modern machinery, combined with bright reds and blacks contrasting with polished metal.[142]
_by_Ren%C3%A9_Jules_Lalique,_1922,_blown_four_mold_glass_-_Cincinnati_Art_Museum_-_DSC04355.JPG/1280px-Vase_(Perruches)_by_Ren%C3%A9_Jules_Lalique,_1922,_blown_four_mold_glass_-_Cincinnati_Art_Museum_-_DSC04355.JPG)
Like the Art Nouveau period before it, Art Deco was an exceptional period for fine glass and other decorative objects, designed to fit their architectural surroundings. The most famous producer of glass objects was René Lalique, whose works, from vases to hood ornaments for automobiles, became symbols of the period. He had made ventures into glass before World War I, designing bottles for the perfumes of François Coty, but he did not begin serious production of art glass until after World War I. In 1918, at the age of 58, he bought a large glass works in Combs-la-Ville and began to manufacture both artistic and practical glass objects. He treated glass as a form of sculpture, and created statuettes, vases, bowls, lamps and ornaments. He used demi-crystal rather than lead crystal, which was softer and easier to form, though not as lustrous. He sometimes used coloured glass, but more often used opalescent glass, where part or the whole of the outer surface was stained with a wash. Lalique provided the decorative glass panels, lights and illuminated glass ceilings for the ocean liners SS Île de France in 1927 and the SS Normandie in 1935, and for some of the first-class sleeping cars of the French railroads. At the 1925 Exposition of Decorative Arts, he had his own pavilion, designed a dining room with a table setting and matching glass ceiling for the Sèvres Pavilion, and designed a glass fountain for the courtyard of the Cours des Métiers, a slender glass column which spouted water from the sides and was illuminated at night.[144]
Other notable Art Deco glass manufacturers included Marius-Ernest Sabino, who specialized in figurines, vases, bowls, and glass sculptures of fish, nudes, and animals. For these he often used an opalescent glass which could change from white to blue to amber, depending upon the light. His vases and bowls featured molded friezes of animals, nudes or busts of women with fruit or flowers. His work was less subtle but more colourful than that of Lalique.[144]
Other notable Deco glass designers included Edmond Etling, who also used bright opalescent colours, often with geometric patterns and sculpted nudes; Albert Simonet, and Aristide Colotte and Maurice Marinot, who was known for his deeply etched sculptural bottles and vases. The firm of Daum from the city of Nancy, which had been famous for its Art Nouveau glass, produced a line of Deco vases and glass sculpture, solid, geometric and chunky in form. More delicate multi-coloured works were made by Gabriel Argy-Rousseau, who produced delicately shaded vases with sculpted butterflies and nymphs, and Francois Decorchemont, whose vases were streaked and marbled.[144]
The Great Depression ruined a large part of the decorative glass industry, which depended upon wealthy clients. Some artists turned to designing stained glass windows for churches. In 1937, the Steuben glass company began the practice of commissioning famous artists to produce glassware.[144] Louis Majorelle, famous for his Art Nouveau furniture, designed a remarkable Art Deco stained glass window portraying steel workers for the offices of the Aciéries de Longwy, a steel mill in Longwy, France.
Amiens Cathedral has a rare example of Art Deco stained glass windows in the Chapel of the Sacred Heart, made in 1932–34 by the Paris glass artist Jean Gaudin based on drawings by Jacques Le Breton.[145]
Art Deco artists produced a wide variety of practical objects in the Art Deco style, made of industrial materials from traditional wrought iron to chrome-plated steel. The American artist Norman Bel Geddes designed a cocktail set resembling a skyscraper made of chrome-plated steel. Raymond Subes designed an elegant metal grille for the entrance of the Palais de la Porte Dorée, the centre-piece of the 1931 Paris Colonial Exposition. The French sculptor Jean Dunand produced magnificent doors on the theme "The Hunt", covered with gold leaf and paint on plaster (1935).[146]
Art Deco visuals and imagery was used in multiple animated films including Batman, Night Hood, All's Fair at the Fair, Merry Mannequins, Page Miss Glory, Fantasia and Sleeping Beauty.[147] The architecture is featured in the fictitious underwater city of Rapture in the BioShock video game series.
Art Deco architecture began in Europe, but by 1939 there were examples in large cities on every continent and in almost every country. This is a selection of prominent buildings on each continent.
For a comprehensive list of existing buildings by country, see: List of Art Deco architecture.
![Fiat Tagliero Building in Asmara, Eritrea, by Giuseppe Pettazzi (1938)[148]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/45/Fiat_tagliero,_08.JPG/1280px-Fiat_tagliero,_08.JPG)
Most Art Deco buildings in Africa were built during European colonial rule, and often designed by Italian, French and Portuguese architects.
Many Art Deco buildings in Asia were designed by European architects. But in the Philippines, local architects such as Juan Nakpil, Juan Arellano, Pablo Antonio and others were preeminent. Many Art Deco landmarks in Asia were demolished during the great economic expansion of Asia the late 20th century, but some notable enclaves of the architecture still remain, particularly in Shanghai and Mumbai.
The Indian Institute of Architects, founded in Mumbai in 1929, played a prominent role in propagating the Art Deco movement. In November 1937, this institute organised the 'Ideal Home Exhibition' held in the Town Hall in Mumbai which spanned over 12 days and attracted about one hundred thousand visitors. As a result, it was declared a success by the 'Journal of the Indian Institute of Architects'. The exhibits displayed the 'ideal', or better described as the most 'modern' arrangements for various parts of the house, paying close detail to avoid architectural blunders and present the most efficient and well-thought-out models. The exhibition focused on various elements of a home ranging from furniture, elements of interior decoration as well as radios and refrigerators using new and scientifically relevant materials and methods.[149]Guided by their desire to emulate the west, the Indian architects were fascinated by the industrial modernity that Art Deco offered.[149] The western elites were the first to experiment with the technologically advanced facets of Art Deco, and architects began the process of transformation by the early 1930s.[149]
Mumbai's expanding port commerce in the 1930s resulted in the growth of educated middle class population. It also saw an increase of people migrating to Mumbai in search of job opportunities. This led to the pressing need for new developments through Land Reclamation Schemes and construction of new public and residential buildings.[150] Parallelly, the changing political climate in the country and the aspirational quality of the Art Deco aesthetics led to a whole-hearted acceptance of the building style in the city's development. Most of the buildings from this period can be seen spread throughout the city neighbourhoods in areas such as Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra and Chembur.[151][152]
Melbourne and Sydney, Australia, have several notable Art Deco buildings, including the Manchester Unity Building and the former Russell Street Police Headquarters in Melbourne, the Castlemaine Art Museum in Castlemaine, central Victoria and the Grace Building, AWA Tower and Anzac Memorial in Sydney.
Several towns in New Zealand, including Napier and Hastings were rebuilt in Art Deco style after the 1931 Hawke's Bay earthquake, and many of the buildings have been protected and restored. Napier has been nominated for UNESCO World Heritage Site status, the first cultural site in New Zealand to be nominated.[153][154] Wellington has retained a sizeable number of Art Deco buildings.[155]
In Canada, surviving Art Deco structures are mainly in the major cities; Montreal, Toronto, Hamilton, Ontario, and Vancouver. They range from public buildings like Vancouver City Hall to commercial buildings (College Park) to public works (R. C. Harris Water Treatment Plant).
In Mexico, the most imposing Art Deco example is interior of the Palacio de Bellas Artes (Palace of Fine Arts), finished in 1934 with its elaborate décor and murals. Examples of Art Deco residential architecture can be found in the Condesa district, many designed by Francisco J. Serrano.
In the United States, Art Deco buildings are found from coast to coast, in all the major cities. It was most widely used for office buildings, train stations, airport terminals, and cinemas; residential buildings are rare. During the 1920s and 1930s architects in the Southwestern United States, particularly in the US state of New Mexico, combined Pueblo Revival with Territorial Style and Art Deco to create Pueblo Deco, as seen in the KiMo Theater in Albuquerque. In the 1930s, the more austere streamline style became popular. Many buildings were demolished between 1945 and the late 1960s, but then efforts began to protect the best examples. The City of Miami Beach established the Miami Beach Architectural District to preserve the fine collection of Art Deco buildings found there.
Art Deco buildings can be found throughout Central America, including in Cuba.
The architectural style first appeared in Paris with the Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) by Auguste Perret but then spread rapidly around Europe, until examples could be found in nearly every large city, from London to Moscow. In Germany two variations of Art Deco flourished in the 1920s and 30s: The Neue Sachlichkeit style and Expressionist architecture. Notable examples include Erich Mendelsohn's Mossehaus and Schaubühne in Berlin, Fritz Höger's Chilehaus in Hamburg and his Kirche am Hohenzollernplatz in Berlin, the Anzeiger Tower in Hanover and the Borsig Tower in Berlin.[157]
One of the largest Art Deco buildings in Western Europe is the National Basilica of the Sacred Heart in Koekelberg, Brussels. In 1925, architect Albert van Huffel won the Grand Prize for Architecture with his scale model of the basilica at the Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Paris.[158]
Spain and Portugal have some striking examples of Art Deco buildings, particularly movie theaters. Examples in Portugal are the Capitólio Theater (1931) and the Éden Cine-Theatre (1937) in Lisbon, the Rivoli Theater (1937) and the Coliseu (1941) in Porto and the Rosa Damasceno Theater (1937) in Santarém. An example in Spain is the Cine Rialto in Valencia (1939).
During the 1930s, Art Deco had a noticeable effect on house design in the United Kingdom,[57] as well as the design of various public buildings.[77] Straight, white-rendered house frontages rising to flat roofs, sharply geometric door surrounds and tall windows, as well as convex-curved metal corner windows, were all characteristic of that period.[78][159][160]
The London Underground is famous for many examples of Art Deco architecture,[161] and there are a number of buildings in the style situated along the Golden Mile in Brentford. Also in West London is the Hoover Building, which was originally built for The Hoover Company and was converted into a superstore in the early 1990s.
Bucharest, once known as the "Little Paris" of the 19th century, engaged in a new design after World War I, redirected its inspiration towards New York City. The 1930s brought a new fashion which echoed in the cinema, theatre, dancing styles, art and architecture. Bucharest during the 1930s was marked by more and more art deco architecture from the bigger boulevards like Bulevardul Magheru to the private houses and smaller districts. The Telephone Palace, an early landmark of modern Bucharest, was the first skyscraper of the city. It was the tallest building between 1933 and the 1950s, with a height of 52.5 metres (172 ft). The architects were Louis Weeks and Edmond van Saanen Algi and engineer Walter Troy. The art deco monuments are a crucial part of the character of Bucharest since they describe and mark an important period from its history, the interbellic life (World War I–World War II). Most of the buildings from those years are prone to catastrophe, as Bucharest is located in an earthquake zone.[162]
Art Deco in South America is especially present in countries that received a great wave of immigration in the first half of the 20th century, with notable works in their richest cities, like São Paulo and Rio de Janeiro in Brazil and Buenos Aires in Argentina. The Kavanagh Building in Buenos Aires (1934), by Sánchez, Lagos and de la Torre, was the tallest reinforced-concrete structure when it was completed and is a notable example of late Art Deco style.
In many cities, efforts have been made to protect the remaining Art Deco buildings. In many U.S. cities, historic art deco cinemas have been preserved and turned into cultural centres. Even more modest art deco buildings have been preserved as part of America's architectural heritage; an art deco café and gas station along Route 66 in Shamrock, Texas is an historic monument. The Miami Beach Architectural District protects several hundred old buildings, and requires that new buildings comply with the style. In Havana, Cuba, many Art Deco buildings have badly deteriorated. Efforts are underway to bring the buildings back to their original appearance.
In the 21st century, modern variants of Art Deco, called Neo Art Deco (or neo-Art Deco), have appeared in some American cities, inspired by the classic Art Deco buildings of the 1920s and 1930s.[165] Examples include the NBC Tower in Chicago, inspired by 30 Rockefeller Plaza in New York City; and Smith Center for the Performing Arts in Las Vegas, Nevada, which includes art deco features from Hoover Dam, 80 km (50 miles) away.[165][166][167][168]
.jpg/1280px-Bruxelles_-_Palais_Stoclet_(6).jpg)
_02_by_L._Bakst_2.jpg/1280px-Scheherazade_(Rimsky-Korsakov)_02_by_L._Bakst_2.jpg)
.jpg/1280px-Display_at_Salon_D'Automne_(1913).jpg)
.jpg/1280px-%22La_Danse%22,_bas-relief_d'Antoine_Bourdelle_(Th%C3%A9%C3%A2tre_des_Champs_Elys%C3%A9es,_Paris).jpg)
,_bas-relief,_Th%C3%A9%C3%A2tre_des_Champs_Elys%C3%A9es_DSC09313.jpg/1280px-thumbnail.jpg)
_at_the_Salon_d'Automne,_1912,_detail_of_the_entrance._Photograph_by_Duchamp-Villon.jpg/1280px-Raymond_Duchamp-Villon,_1912,_La_Maison_Cubiste_(Cubist_House)_at_the_Salon_d'Automne,_1912,_detail_of_the_entrance._Photograph_by_Duchamp-Villon.jpg)
,_Vaslav_Nijinsky_(1890-1950),_1913_1.jpg/1280px-George_Barbier_(1882-1932),_Vaslav_Nijinsky_(1890-1950),_1913_1.jpg)
_-_2023-07-25_-_2.jpg/1280px-Immeuble_21ter_Boulevard_Diderot_-_Paris_XII_(FR75)_-_2023-07-25_-_2.jpg)
.jpg/1280px-Art_Deco_dressing_table_(1919-20).jpg)
![Влияние стиля модерн – Извилистые изгибы на фасаде дома 26 по авеню Монтень в Париже, работы Луи Дюайона и Марселя Жюльена (1937)[51]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/57/Avenue_Montaigne_(47128639262).jpg/1280px-Avenue_Montaigne_(47128639262).jpg)
,_Philae,_Egypt_(49813135922).jpg/1280px-The_Hathor-headed_columns_of_the_Mammisi_(birth_house),_Philae,_Egypt_(49813135922).jpg)
.jpg/1280px-Robe,_1964.18.1(2).jpg)
![Месопотамское искусство - Зиккурат Ура в Телль-эль-Мукайяре, провинция Ди-Кар, Ирак, неизвестный архитектор (21 век до н.э.)[55]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/93/Ancient_ziggurat_at_Ali_Air_Base_Iraq_2005.jpg/1280px-Ancient_ziggurat_at_Ali_Air_Base_Iraq_2005.jpg)
![Доколумбовое искусство (в данном случае майя) – Йашчиланская перемычка 24 (702 г. н.э.), известняк, Британский музей, Лондон[56]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/00/Yaxchilan_Lintel_24.jpg/1280px-Yaxchilan_Lintel_24.jpg)
.jpg/1280px-Brooklyn_Museum_61.33_Ndop_Portrait_of_King_Mishe_miShyaang_maMbul_(5).jpg)
,_oil_on_canvas,_55.3_x_39.4_cm,_private_collection.jpg/1280px-Winter_1930,_L%C3%A9on_Benigni_(1892-1948),_oil_on_canvas,_55.3_x_39.4_cm,_private_collection.jpg)
![Де Стиль - Дом Ритвельда Шредера в Утрехте, Нидерланды, автор Геррит Ритвельд (1924) [63]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/Casa_Rietveld_Schr%C3%B6der_02.jpg/1280px-Casa_Rietveld_Schr%C3%B6der_02.jpg)
![Влияние De Stijl – Pavillon du Tourisme, Роберт Малле-Стивенс, Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств, Париж (1925)[64]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d6/Pavillon_du_tourisme_de_Robert_Mallet-Stevens_(UAM,_Centre_Pompidou,_Paris)_(43200558625).jpg/1280px-Pavillon_du_tourisme_de_Robert_Mallet-Stevens_(UAM,_Centre_Pompidou,_Paris)_(43200558625).jpg)
,_oil_on_canvas,_92.1_x_73_cm,_Tate_Modern,_London.jpg/1280px-Pablo_Picasso,_1909-10,_Figure_dans_un_Fauteuil_(Seated_Nude,_Femme_nue_assise),_oil_on_canvas,_92.1_x_73_cm,_Tate_Modern,_London.jpg)
.jpg/1280px-Cubic_coffee_service_-_Erik_Magnussen_(27986651569).jpg)
![Влияние конструктивизма – Часы, украшенные плоскими геометрическими фигурами, Джин Гулден (1928), посеребренная бронза с эмалью, коллекция Стивена Э. Келли[65]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/01/Clock_-_Jean_Goulden_(38866282265).jpg/1280px-Clock_-_Jean_Goulden_(38866282265).jpg)
![Влияние экспрессионистского театра и кино – Интерьер театра «Аполло Виктория» в Лондоне, Эрнест Уомсли Льюис (1928–1930)[66]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3d/Stitched_Panorama_of_the_Apollo_theatre_near_Victoria,_London_167_(5058015607).jpg/1280px-Stitched_Panorama_of_the_Apollo_theatre_near_Victoria,_London_167_(5058015607).jpg)
![Футуризм – Лестничный дом с лифтами с четырех уличных уровней, часть La Città Nuova, Антонио Сант'Элия (1914), тушь и карандаш на бумаге, Musei Civici, Комо, Италия[67]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Casa_a_gradinata_con_ascensori_dai_quattro_piani_stradali_1914-_Sant'Elia.jpg/1280px-Casa_a_gradinata_con_ascensori_dai_quattro_piani_stradali_1914-_Sant'Elia.jpg)
![Футуристические влияния – Улица Лаос, д. 25 в Париже, Шарль Тома (1930)[67]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f0/25_Rue_du_Laos_Pary%C5%BC,_%C3%8Ele-de-France_(50594191012).jpg/1280px-25_Rue_du_Laos_Pary%C5%BC,_%C3%8Ele-de-France_(50594191012).jpg)
![Архитектура экспрессионизма – Здание типографии и издательства Рудольфа Моссе в Берлине, архитектор Эрих Мендельсон (1921–1923)[68]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5b/Berlin,_Mitte,_Schuetzenstrasse,_Mosse-Zentrum_05.jpg/1280px-Berlin,_Mitte,_Schuetzenstrasse,_Mosse-Zentrum_05.jpg)
![Влияние экспрессионистской архитектуры – универмаг Aux Trois-Quartiers в Париже, Луи Фор-Дюжаррик (1932)[68]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/64/Aux_Trois-Quartiers,_Paris,_with_it's_original_facade.jpg/1280px-Aux_Trois-Quartiers,_Paris,_with_it's_original_facade.jpg)
.jpg/1280px-Salon_of_the_Hotel_du_Collectionneur_(1925).jpg)
.jpg/1280px-1_Pia%C8%9Ba_Sf%C3%A2ntul_%C8%98tefan,_Bucharest_(01).jpg)
_(11872278295).jpg/1280px-L'exposition_Auguste_Perret_(Conseil_%C3%A9conomique,_social_et_environnemental,_Paris)_(11872278295).jpg)
.jpg/1280px-Guardian_of_Traffic_(cropped).jpg)
_Daily_Express_Building_by_Ronald_Atkinson.jpg/1280px-Lobby,_(former)_Daily_Express_Building_by_Ronald_Atkinson.jpg)
.jpg/1280px-Rockefeller_Center_entrance_(4674369705).jpg)
_limestone,_60_cm,_Kr%C3%B6ller-M%C3%BCller_Museum,_Otterlo,_Holland.tiff/lossy-page1-1280px-Joseph_Csaky,_T%C3%AAte,_ca_1920_(front_and_side_view)_limestone,_60_cm,_Kr%C3%B6ller-M%C3%BCller_Museum,_Otterlo,_Holland.tiff.jpg)
.jpg/1280px-Actaeon_-_Paul_Manship_(25890637528).jpg)
.jpg/1280px-Empire_State_Building_(aerial_view).jpg)
.jpg/1280px-Detroit_December_2015_30_(Guardian_Building).jpg)
_(3678836375).jpg/1280px-Le_salon_du_Mar%C3%A9chal_Lyautey_(CNHI)_(3678836375).jpg)
.jpg/1280px-44_Calea_C%C4%83l%C4%83ra%C8%99ilor,_Bucharest_(12).jpg)
._Corner_Cabinet,_ca._1923..jpg/1280px-Emile-Jacques_Ruhlmann_(French,_1879-1933)._Corner_Cabinet,_ca._1923..jpg)
![The flower basket – Balconies and pediment of Avenue Montaigne no. 41 in Paris, unknown architect or sculptor (1924)[109]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/41_Avenue_Montaigne,_75008_Paris,_France_27_December_2016.jpg/1280px-41_Avenue_Montaigne,_75008_Paris,_France_27_December_2016.jpg)
![Repeating patterns – Decorative ironwork of the Madison Belmont Building (Madison Avenue no. 181–183) in New York City, by Ferrobrandt (1925)[110]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Grille_of_the_Cheney_Silk_Company_Building,_New_York_City,_1925,_designed_by_the_French_metalworking_company_Ferrobrandt.jpg/1280px-Grille_of_the_Cheney_Silk_Company_Building,_New_York_City,_1925,_designed_by_the_French_metalworking_company_Ferrobrandt.jpg)
![The papyrus flower – Porte d'honneur, at the International Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts in Paris, by Edgar Brandt (1925)[111]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ef/Porte_d'honneur,_by_Edgar_Brandt,_1925,_at_the_International_Exhibition_of_Modern_Decorative_and_Industrial_Arts.jpg/1280px-Porte_d'honneur,_by_Edgar_Brandt,_1925,_at_the_International_Exhibition_of_Modern_Decorative_and_Industrial_Arts.jpg)
![The foliage scroll – Elevator doors, by Brandt (1926), wrought iron, glass, patinated and gilded bronze, Calouste Gulbenkian Museum, Lisbon[112]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/18/Edgar_brandt,_porte_da_ascensore_in_ferro,_vetro_e_bronzo,_francia_1926_02.jpg/1280px-Edgar_brandt,_porte_da_ascensore_in_ferro,_vetro_e_bronzo,_francia_1926_02.jpg)
![Decoration not just through ornaments, but also through combinations of volumes - Withuis (Avenue Charles Woeste no. 183) in Brussels, Belgium, by Joseph Diongre (1927)[113]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Belgique_-_Bruxelles_-_Withuis_-_01.jpg/1280px-Belgique_-_Bruxelles_-_Withuis_-_01.jpg)
,_by_Victor_Feodorov,_1927-1928,_collection_of_the_National_Theatre,_Bucharest,_Romania.jpg/1280px-Stage_design_for_Me%C8%99terul_Manole_(The_Master_Builder_Manole),_by_Victor_Feodorov,_1927-1928,_collection_of_the_National_Theatre,_Bucharest,_Romania.jpg)
![Vertical mouldings – Greybrook House (Brook Street no. 28) in London, by Sir John Burnet & Partners (1928–29)[115]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/28_Brook_Street,_Mayfair,_January_2022_01.jpg/1280px-28_Brook_Street,_Mayfair,_January_2022_01.jpg)
.jpg/1280px-Lamp_-_Paul_Kiss_(38691617495).jpg)
.jpg/1280px-Console_table_detail_02_-_Paul_Feh%C3%A9r_(25893303288).jpg)
.jpg/1280px-Immeuble,_17-21_rue_Gramme_(11Fi_4578).jpg)
![An aesthetic of artificial lighting – Maison de France (now showroom for Louis Vuitton), Avenue des Champs-Élysées no. 101 in Paris, by Louis-Hippolyte Boileau and Charles-Henri Besnard (1931)[116]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/19/Louis_Vuitton_Maison_Champs_%C3%89lys%C3%A9es_(49570496372).jpg/1280px-Louis_Vuitton_Maison_Champs_%C3%89lys%C3%A9es_(49570496372).jpg)
![Ziggurat – Union Hotel (Strada Ion Câmpineanu no. 11) in Bucharest, by Arghir Culina (1931)[116]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/72/Bucharest_-_Strada_Ion_C%C3%A2mpineanu_11_(cropped_top).jpg/1280px-Bucharest_-_Strada_Ion_C%C3%A2mpineanu_11_(cropped_top).jpg)
![Vertical and horizontal luminous surfaces – Entrance hall of the Villa Cavrois in Croix, France, by Rob Mallet-Stevens (1932)[117]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/de/Villa_Cavrois_le_vestibule_(cropped).jpg/1280px-Villa_Cavrois_le_vestibule_(cropped).jpg)
![The undulating line – Relief on the Grave of the Străjescu Family in Bellu Cemetery, Bucharest, by George Cristinel (1934)[118]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Grave_of_the_colonel_Paul_Str%C4%83jescu_Family_in_the_Bellu_Cemetery_in_Bucharest,_Romania_(08).jpg/1280px-Grave_of_the_colonel_Paul_Str%C4%83jescu_Family_in_the_Bellu_Cemetery_in_Bucharest,_Romania_(08).jpg)
.jpg/1280px-Ministry_of_Justice_in_Bucharest,_former_Veterinary_Physicians'_Society_Building,_now_National_Magistracy_Institute_(07).jpg)
.jpg/1280px-Front_full_-_1925_Edgar_Brandt_fire_screen_(39537375352).jpg)
.jpg/1280px-Art_Deco_chair_and_screen_(1912_and_1920).jpg)
_(2132077838).jpg/1280px-J.-E._Ruhlmann_au_Mus%C3%A9e_des_Ann%C3%A9es_30_(Boulogne-Billancourt)_(2132077838).jpg)
_(5469658728).jpg/1280px-Jacques-Emile_Ruhlmann_(Mus%C3%A9e_des_Beaux-Arts_de_Lyon)_(5469658728).jpg)
_(2132078468).jpg/1280px-%22La_Maison_Leleu%22_au_Mus%C3%A9e_des_Ann%C3%A9es_30_(Boulogne-Billancourt)_(2132078468).jpg)
_Table_Radio,_Model_37-610T,_Broadcast_&_Short_Wave_Bands,_Art_Deco_Design,_5_Vacuum_Tubes,_Walnut_Veneer_Cabinet,_Circa_1937_(15351304051).jpg/1280px-thumbnail.jpg)
_(CBL_Wep_0837).jpg/1280px-Black_satin_evening_gown_trimmed_with_crystals_(Robe_du_soir_satin_noir_et_tulle_bord%C3%A9e_de_brillants)_(CBL_Wep_0837).jpg)
.jpg/1280px-Fond_de_robe_du_soir,_1968.40.87(2).jpg)
_Museum_of_Decorative_Arts.jpg/1280px-Art_Deco_bracelet_(1925)_Museum_of_Decorative_Arts.jpg)
.jpg/1280px-Art_Deco_buckle_(1925).jpg)
,_lampada_a_grattacielo,_1929.jpg/1280px-Arnaldo_Dell'Ira_(1903-1943),_lampada_a_grattacielo,_1929.jpg)
![Angular chandeliers by Lanchester & Lodge (c. 1929–1936), Brotherton Library, University of Leeds, West Yorkshire, UK[143]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dc/A_light_fixture_in_the_Leeds_Uni._library_(353154643).jpg/1280px-A_light_fixture_in_the_Leeds_Uni._library_(353154643).jpg)
_(4782889920).jpg/1280px-Vase_des_ann%C3%A9es_30_(mus%C3%A9e_des_arts_d%C3%A9coratifs)_(4782889920).jpg)
.jpg/1280px-The_Grace_Building,_Sydney,_1930_-_Max_Dupain_(4226030071).jpg)
.jpg/1280px-View_of_Buffalo_City_Hall_(cropped).jpg)
a.jpg/1280px-Niagara_Mohawk_Bldg_(Syracuse,_NY)a.jpg)
.jpg/1280px-Havana_Art_Deco_(8955334332).jpg)
_cropped2.jpg/1280px-Edif%C3%ADcio_Lopez_Serrano_(35464009654)_cropped2.jpg)
.jpg/1280px-Havana_Art_Deco_(8703599920).jpg)
.jpg/1280px-Plaza_del_Mercado_Isabel_II_in_Ponce,_PR_(IMG_2684).jpg)
.jpg/1280px-Basilica_of_the_Sacred_Heart,_Brussels_(1).jpg)
.jpg/1280px-Madrid_-_Edificio_Carri%C3%B3n_(36011869036).jpg)
.jpg/1280px-Hotel_(34595862000).jpg)
![Ventilation tower of the Maastunnel in Rotterdam, Netherlands (1937)[156]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/1604_Maastunnel_-_entrance_building_of_pedestrian_and_cyclists'_tunnel_at_Parkkade,_Rotterdam_114.jpg/1280px-1604_Maastunnel_-_entrance_building_of_pedestrian_and_cyclists'_tunnel_at_Parkkade,_Rotterdam_114.jpg)
.jpg/1280px-Viaduto_do_Ch%C3%A1_-_%22Viaduto_do_Ch%C3%A1%22_viaduct_(9630396439).jpg)
.jpg/1280px-Mercado_de_Abasto_de_Buenos_Aires,_ca_1945_(AGNA).jpg)
.jpg/1280px-37_Calea_Victoriei,_Bucharest_(01).jpg)
.jpg/1280px-75_Strada_Romulus,_Bucharest_(01).jpg)
![Messeturm in Frankfurt, Germany, by Helmut Jahn (1990), a Postmodern building that is reminiscent of Art Deco architecture[163]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d6/Messeturm,_Frankfurt,_Southwest_detail_view_20170325_1.jpg/1280px-Messeturm,_Frankfurt,_Southwest_detail_view_20170325_1.jpg)
![Rue Henri Heine no. 3–5 in Paris by J.J. Ory (2001), a neo-Art Deco building[164]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/25/Rue_Henri_Heine_3.jpg/1280px-Rue_Henri_Heine_3.jpg)
.jpg/1280px-Niagara_Mohawk_Bldg_(Syracuse,_NY).jpg)
.jpg/1280px-Snowdon_Theatre_(Montreal).jpg)
{{cite web}}: CS1 maint: unfit URL (link)
