Искусство – это разнообразный спектр человеческой деятельности и ее конечный продукт , включающий творческий или образный талант, обычно выражающий техническое мастерство, красоту , эмоциональную силу или концептуальные идеи . [1] [2] [3]
Не существует общепринятого определения того, что представляет собой искусство , [4] [5] [6] и его интерпретация сильно различалась на протяжении истории и в разных культурах. В западной традиции тремя классическими ветвями визуального искусства являются живопись , скульптура и архитектура . [7] Театр , танец и другие исполнительские виды искусства , а также литература , музыка , кино и другие медиа, такие как интерактивные медиа , включены в более широкое определение « искусств ». [1] [8] До 17-го века искусство относилось к любому навыку или мастерству и не отличалось от ремесел или наук . В современном использовании после 17-го века, где эстетические соображения имеют первостепенное значение, изящные искусства отделены и отличаются от приобретенных навыков в целом, таких как декоративно - прикладное искусство .
Природа искусства и связанные с ним концепции, такие как творчество и интерпретация , изучаются в разделе философии, известном как эстетика . [9] Полученные в результате произведения искусства изучаются в профессиональных областях художественной критики и истории искусств .
С точки зрения истории искусства, [10] художественные произведения существуют почти столько же, сколько и человечество: от раннего доисторического искусства до современного искусства ; однако некоторые теоретики считают, что типичное понятие «художественные произведения» не очень хорошо вписывается за пределами современных западных обществ. [11] Одно из ранних значений определения искусства тесно связано со старым латинским значением, которое примерно переводится как «мастерство» или «ремесло», что связано с такими словами, как «ремесленник». Английские слова, полученные от этого значения, включают artifact , artificial , artifice , medical arts и military arts . Однако существует много других разговорных значений этого слова, все из которых имеют некоторое отношение к его этимологии .
Со временем философы, такие как Платон , Аристотель , Сократ и Иммануил Кант , среди прочих, подвергли сомнению значение искусства. [12] Несколько диалогов у Платона затрагивают вопросы об искусстве, в то время как Сократ говорит, что поэзия вдохновляется музами и не является рациональной. Он одобрительно отзывается об этом и других формах божественного безумия (опьянение, эротизм и мечтательность) в « Федре» (265a–c), и все же в « Государстве» хочет объявить вне закона великое поэтическое искусство Гомера , а также смех. В «Ионе » Сократ не дает ни намека на неодобрение Гомера, которое он выражает в « Государстве» . Диалог «Ион» предполагает, что «Илиада» Гомера функционировала в древнегреческом мире так же, как Библия сегодня в современном христианском мире: как божественно вдохновленное литературное искусство, которое может дать моральное руководство, если только его можно правильно интерпретировать. [13]
Что касается литературного искусства и музыкального искусства, Аристотель считал эпическую поэзию , трагедию, комедию, дифирамбическую поэзию и музыку миметическими или подражательными искусствами, каждое из которых отличается подражанием посредством, объектом и манерой. [14] Например, музыка подражает посредством ритма и гармонии, тогда как танец подражает только ритмом, а поэзия — языком. Формы также различаются по объекту подражания. Комедия, например, является драматическим подражанием людям хуже среднего; тогда как трагедия подражает людям немного лучше среднего. Наконец, формы различаются по способу подражания — через повествование или характер, через изменение или отсутствие изменения и через драму или без нее. [15] Аристотель считал, что подражание естественно для человечества и составляет одно из преимуществ человечества перед животными. [16]
Более позднее и конкретное значение слова « искусство» как сокращения для творческого искусства или изящного искусства возникло в начале 17 века. [17] Изящное искусство относится к навыку, используемому для выражения творческого потенциала художника или для привлечения эстетических чувств аудитории, или для привлечения внимания аудитории к более изысканным или прекрасным произведениям искусства.
В этом последнем смысле слово «искусство» может относиться к нескольким вещам: (i) изучению творческого навыка, (ii) процессу использования творческого навыка, (iii) продукту творческого навыка или (iv) опыту аудитории с творческим навыком. Творческие искусства ( искусство как дисциплина) представляют собой совокупность дисциплин, которые производят произведения искусства ( искусство как объекты), которые побуждаются личным побуждением (искусство как деятельность) и передают сообщение, настроение или символику для восприятия воспринимающим лицом для интерпретации (искусство как опыт). Искусство — это то, что стимулирует мысли, эмоции, убеждения или идеи человека через чувства. Произведения искусства могут быть явно созданы для этой цели или интерпретированы на основе изображений или объектов. Для некоторых ученых, таких как Кант, науки и искусства можно было бы различать, рассматривая науку как представляющую область знания, а искусства — как представляющую область свободы художественного выражения. [18]
Часто, если навык используется обычным или практическим способом, люди будут считать его ремеслом, а не искусством. Аналогично, если навык используется коммерческим или промышленным способом, его можно считать коммерческим искусством, а не изящным искусством. С другой стороны, ремесла и дизайн иногда считаются прикладным искусством . Некоторые последователи искусства утверждают, что разница между изящным искусством и прикладным искусством больше связана с оценочными суждениями об искусстве, чем с какой-либо четкой разницей в определениях. [19] Однако даже изящное искусство часто имеет цели, выходящие за рамки чистого творчества и самовыражения. Целью произведений искусства может быть передача идей, например, в политически, духовно или философски мотивированном искусстве; создание чувства прекрасного (см. эстетика ); исследование природы восприятия; для удовольствия; или для создания сильных эмоций . Цель также может казаться несуществующей.
Природа искусства была описана философом Ричардом Воллхеймом как «одна из самых неуловимых традиционных проблем человеческой культуры». [20] Искусство было определено как средство выражения или передачи эмоций и идей, средство исследования и оценки формальных элементов ради них самих, а также как мимесис или представление . Искусство как мимесис имеет глубокие корни в философии Аристотеля. [ 21] Лев Толстой определял искусство как использование косвенных средств для общения от одного человека к другому. [21] Бенедетто Кроче и Р. Г. Коллингвуд выдвинули идеалистическую точку зрения, что искусство выражает эмоции, и что произведение искусства, следовательно, по сути, существует в сознании создателя. [22] [23] Теория искусства как формы имеет свои корни в философии Канта и была разработана в начале 20-го века Роджером Фраем и Клайвом Беллом . Совсем недавно мыслители, находящиеся под влиянием Мартина Хайдеггера, интерпретировали искусство как средство, с помощью которого сообщество разрабатывает для себя среду для самовыражения и интерпретации. [24] Джордж Дики предложил институциональную теорию искусства , которая определяет произведение искусства как любой артефакт, которому квалифицированное лицо или лица, действующие от имени социального института, обычно называемого « миром искусства », присвоили «статус кандидата на признание». [25] Ларри Шайнер описал изобразительное искусство как «не сущность или судьбу, а нечто, что мы создали. Искусство, как мы его обычно понимаем, является европейским изобретением, которому едва ли двести лет». [26]
Искусство можно охарактеризовать с точки зрения мимесиса (его представления реальности), повествования (рассказывания историй), выражения, передачи эмоций или других качеств. В период романтизма искусство стало рассматриваться как «особая способность человеческого разума, которая должна быть классифицирована вместе с религией и наукой». [27]
Раковина с гравировкой Homo erectus была определена возрастом от 430 000 до 540 000 лет. [29] Набор из восьми когтей орлана-белохвоста возрастом 130 000 лет имеет порезы и ссадины, которые указывают на манипуляции неандертальцев, возможно, для использования их в качестве украшений. [30] Ряд крошечных просверленных раковин улиток возрастом около 75 000 лет были обнаружены в пещере Южной Африки. [31] Были найдены контейнеры, которые, возможно, использовались для хранения красок, возрастом до 100 000 лет. [32]
Древнейшим произведением искусства, найденным в Европе, является Riesenhirschknochen der Einhornhöhle , возраст которого составляет 51 000 лет и которое было создано неандертальцами.
Были найдены скульптуры, пещерные рисунки , наскальные рисунки и петроглифы верхнего палеолита, датируемые примерно 40 000 лет назад [33] , но точное значение такого искусства часто оспаривается, поскольку очень мало известно о культурах, которые их создали.
Первые бесспорные скульптуры и подобные произведения искусства, такие как Венера из Холе-Фельс , являются многочисленными объектами, найденными в пещерах и искусстве ледникового периода в Швабской Юре , объекте Всемирного наследия ЮНЕСКО , где были найдены самые древние из когда-либо обнаруженных нестационарных произведений человеческого искусства в виде резных фигурок животных и человекоподобных существ, а также самые древние из обнаруженных до сих пор музыкальных инструментов, причем артефакты датируются периодом от 43 000 до 35 000 лет до нашей эры, что делает их первым центром человеческого искусства. [34] [35] [36] [37]
Многие великие традиции в искусстве имеют основу в искусстве одной из великих древних цивилизаций: Древний Египет , Месопотамия , Персия , Индия, Китай, Древняя Греция, Рим, а также инки , майя и ольмеки . Каждый из этих центров ранней цивилизации разработал уникальный и характерный стиль в своем искусстве. Из-за размера и продолжительности этих цивилизаций, больше их произведений искусства сохранилось, и больше их влияния было передано другим культурам и более поздним временам. Некоторые также предоставили первые записи о том, как работали художники. Например, этот период греческого искусства видел почитание человеческой физической формы и развитие эквивалентных навыков, чтобы показать мускулатуру, осанку, красоту и анатомически правильные пропорции. [38]
В византийском и средневековом искусстве западного Средневековья большая часть искусства была сосредоточена на выражении сюжетов о библейской и религиозной культуре и использовала стили, которые показывали высшую славу небесного мира, такие как использование золота на заднем плане картин или стекла в мозаиках или окнах, которые также представляли фигуры в идеализированных, узорчатых (плоских) формах. Тем не менее, классическая реалистическая традиция сохранялась в небольших византийских работах, и реализм неуклонно рос в искусстве католической Европы . [39]
В искусстве эпохи Возрождения значительно возросло внимание к реалистичному изображению материального мира и места человека в нем, отраженного в телесности человеческого тела, а также к развитию систематического метода графической перспективы для изображения углубления в трехмерном пространстве картины. [40]
На востоке отказ исламского искусства от иконографии привел к акценту на геометрических узорах , каллиграфии и архитектуре . [42] Дальше на восток религия также доминировала в художественных стилях и формах. Индия и Тибет видели акцент на расписных скульптурах и танцах, в то время как религиозная живопись заимствовала много условностей из скульптуры и имела тенденцию к ярким контрастным цветам с акцентом на контурах. Китай видел расцвет многих форм искусства: резьба по нефриту, бронзовые изделия, гончарное дело (включая потрясающую терракотовую армию императора Цинь [43] ), поэзия, каллиграфия, музыка, живопись, драма, художественная литература и т. д. Китайские стили сильно различаются от эпохи к эпохе, и каждый из них традиционно называется в честь правящей династии. Так, например, картины династии Тан монохромны и скудны, подчеркивая идеализированные пейзажи, но картины династии Мин насыщены и красочны и сосредоточены на повествовании историй через обстановку и композицию. [44] Япония также называет свои стили в честь императорских династий, а также наблюдает много взаимодействия между стилями каллиграфии и живописи. Ксилография стала важной в Японии после 17-го века. [45]
Западная эпоха Просвещения в 18 веке увидела художественные изображения физических и рациональных определенностей часовой вселенной , а также политически революционные видения постмонархического мира, такие как изображение Блейком Ньютона как божественного геометра, [46] или пропагандистские картины Дэвида. Это привело к романтическим отказам от этого в пользу картин эмоциональной стороны и индивидуальности людей, проиллюстрированных в романах Гете . Затем в конце 19 века появилось множество художественных течений , таких как академическое искусство , символизм , импрессионизм и фовизм среди других. [47] [48]
История искусства 20-го века — это повествование о бесконечных возможностях и поиске новых стандартов, каждый из которых последовательно разрушается следующим. Таким образом, параметры импрессионизма , экспрессионизма , фовизма , кубизма , дадаизма , сюрреализма и т. д. не могут быть сохранены за пределами времени их изобретения. Растущее глобальное взаимодействие в это время привело к эквивалентному влиянию других культур на западное искусство. Так, японские гравюры на дереве (сами по себе находившиеся под влиянием западного ренессансного рисования) оказали огромное влияние на импрессионизм и последующее развитие. Позже африканские скульптуры были подхвачены Пикассо и в некоторой степени Матиссом . Аналогичным образом, в 19-м и 20-м веках Запад оказал огромное влияние на восточное искусство, причем изначально западные идеи, такие как коммунизм и постмодернизм, оказали мощное влияние. [49]
Модернизм , идеалистический поиск истины, уступил место во второй половине 20-го века осознанию ее недостижимости. Теодор В. Адорно сказал в 1970 году: «Сейчас считается само собой разумеющимся, что ничто, касающееся искусства, больше не может считаться само собой разумеющимся: ни само искусство, ни искусство в отношении к целому, ни даже право искусства на существование». [50] Релятивизм был принят как неизбежная истина, что привело к периоду современного искусства и постмодернистской критики , где культуры мира и истории рассматриваются как изменяющиеся формы, которые можно оценить и извлечь только со скептицизмом и иронией. Кроме того, разделение культур становится все более размытым, и некоторые утверждают, что теперь более уместно мыслить в терминах глобальной культуры, а не региональной. [51]
В «Происхождении произведения искусства » немецкий философ и выдающийся мыслитель Мартин Хайдеггер описывает сущность искусства с точки зрения концепций бытия и истины. Он утверждает, что искусство — это не только способ выражения элемента истины в культуре, но и средство ее создания и предоставления трамплина, с которого может быть раскрыто «то, что есть». Произведения искусства — это не просто представления того, как обстоят дела, но и фактически производят общее понимание сообщества. Каждый раз, когда к любой культуре добавляется новое произведение искусства, смысл того, что значит существовать, по сути меняется.
Исторически искусство, художественные навыки и идеи часто распространялись через торговлю. Примером этого является Шелковый путь , где могли смешиваться эллинистические, иранские, индийские и китайские влияния. Греко-буддийское искусство является одним из самых ярких примеров этого взаимодействия. Встреча различных культур и мировоззрений также повлияла на художественное творчество. Примером этого является многокультурный портовый мегаполис Триест в начале 20-го века, где Джеймс Джойс встречался с писателями из Центральной Европы, и художественное развитие Нью-Йорка как культурного плавильного котла. [52] [53] [54]
Творческие искусства часто делятся на более конкретные категории, как правило, по воспринимаемо различимым категориям, таким как медиа , жанр, стили и форма. [55] Художественная форма относится к элементам искусства , которые не зависят от его интерпретации или значения. Она охватывает методы, принятые художником, и физическую композицию произведения искусства, в первую очередь несемантические аспекты работы (т. е. фигуры ), [56] такие как цвет , контур , размер , среда , мелодия , пространство , текстура и значение . Форма может также включать принципы дизайна , такие как расположение, баланс , контраст , акцент , гармония , пропорция , близость и ритм. [57]
В целом существует три школы философии относительно искусства, которые фокусируются соответственно на форме, содержании и контексте. [57] Крайний формализм — это точка зрения, согласно которой все эстетические свойства искусства являются формальными (то есть частью формы искусства). Философы почти повсеместно отвергают эту точку зрения и считают, что свойства и эстетика искусства выходят за рамки материалов, техник и формы. [58] К сожалению, нет единого мнения относительно терминологии для этих неформальных свойств. Некоторые авторы ссылаются на предмет и содержание, т. е. на обозначения и коннотации , в то время как другие предпочитают такие термины, как значение и значимость. [57]
Крайний интенционализм утверждает, что авторский замысел играет решающую роль в значении произведения искусства, передавая содержание или основную идею, в то время как все другие интерпретации могут быть отброшены. [59] Он определяет субъект как представленных людей или идею, [60] а содержание как опыт художника в отношении этого субъекта. [61] Например, композиция Наполеона I на его императорском троне частично заимствована из статуи Зевса в Олимпии . Как видно из названия, субъектом является Наполеон , а содержанием является изображение Наполеона Энгром как «Императора-Бога вне времени и пространства». [ 57] Подобно крайнему формализму, философы обычно отвергают крайний интенционализм, потому что искусство может иметь множество неоднозначных значений, а авторский замысел может быть непознаваемым и, таким образом, нерелевантным. Его ограничительная интерпретация «социально нездорова, философски нереальна и политически неразумна». [57]
Наконец, развивающаяся теория постструктурализма изучает значение искусства в культурном контексте, например, идеи, эмоции и реакции, вызванные произведением. [62] Культурный контекст часто сводится к техникам и намерениям художника, и в этом случае анализ идет по линиям, схожим с формализмом и интенционализмом. Однако в других случаях могут преобладать исторические и материальные условия, такие как религиозные и философские убеждения, социально-политические и экономические структуры или даже климат и география. Художественная критика продолжает расти и развиваться вместе с искусством. [57]
Искусство может означать чувство тренированной способности или мастерства в использовании средства . Искусство может также относиться к развитому и эффективному использованию языка для передачи смысла с непосредственностью или глубиной. Искусство можно определить как акт выражения чувств, мыслей и наблюдений. [63]
Существует понимание, которое достигается с материалом в результате обращения с ним, что облегчает мыслительные процессы. Распространенное мнение заключается в том, что эпитет искусство , особенно в его возвышенном смысле, требует определенного уровня творческой компетентности художника, будь то демонстрация технических способностей, оригинальность в стилистическом подходе или сочетание этих двух. Традиционно мастерство исполнения рассматривалось как качество, неотделимое от искусства и, следовательно, необходимое для его успеха; для Леонардо да Винчи искусство, не больше и не меньше, чем его другие начинания, было проявлением мастерства. [64] Работа Рембрандта , ныне восхваляемая за свои эфемерные достоинства, больше всего восхищала его современников за свою виртуозность. [65] На рубеже 20-го века искусные выступления Джона Сингера Сарджента попеременно вызывали восхищение и скептицизм из-за его ручной беглости, [66] однако почти в то же время художник, который станет самым признанным и странствующим иконоборцем эпохи, Пабло Пикассо , завершал традиционное академическое обучение, в котором он преуспел. [67] [68]
Распространенная современная критика некоторого современного искусства происходит в направлении возражений против очевидного отсутствия навыков или способностей, необходимых для создания художественного объекта. В концептуальном искусстве « Фонтан » Марселя Дюшана является одним из первых примеров произведений, в которых художник использовал найденные объекты («ready-made») и не использовал традиционно признанный набор навыков. [69] «Моя кровать » Трейси Эмин или « Физическая невозможность смерти в сознании живущего» Дэмиена Херста следуют этому примеру. Эмин спала (и занималась другими делами) в своей кровати, прежде чем поместить результат в галерею как произведение искусства. Херст придумал концептуальный дизайн для произведения искусства, но оставил большую часть окончательного создания многих произведений нанятым мастерам. Известность Херста основана исключительно на его способности создавать шокирующие концепции. [70] Фактическое производство во многих концептуальных и современных произведениях искусства является вопросом сборки найденных объектов. Однако есть много модернистских и современных художников, которые продолжают совершенствоваться в навыках рисунка и живописи, а также в создании произведений искусства своими руками . [71]
Искусство имело множество различных функций на протяжении всей своей истории, что затрудняло абстрагирование или количественное определение его цели в рамках какой-либо одной концепции. Это не означает, что цель искусства «расплывчата», но что у него было много уникальных, различных причин для создания. Некоторые из этих функций искусства представлены в следующем плане. Различные цели искусства можно сгруппировать в соответствии с теми, которые не мотивированы, и теми, которые мотивированы ( Леви-Стросс ). [72]
Немотивированные цели искусства — это те, которые являются неотъемлемой частью человеческого бытия, выходят за рамки личности или не выполняют определенной внешней цели. В этом смысле искусство, как творчество, — это то, что люди должны делать по своей природе (т. е. никакой другой вид не создает искусство), и поэтому оно выходит за рамки полезности. [72]
Подражание, таким образом, является одним из инстинктов нашей природы. Далее следует инстинкт «гармонии» и ритма, поскольку метры, очевидно, являются частями ритма. Поэтому люди, начиная с этого природного дара, постепенно развивали свои особые способности, пока их грубые импровизации не породили Поэзию. – Аристотель [73]
Самое прекрасное, что мы можем испытать, — это таинственное. Это источник всего истинного искусства и науки. — Альберт Эйнштейн [74]
Орел Юпитера [как пример искусства] не есть, подобно логическим (эстетическим) атрибутам объекта, понятие возвышенности и величия творения, а скорее нечто иное — нечто, дающее воображению стимул распространить свой полет на целый ряд родственных представлений, которые вызывают больше мысли, чем допускают выражения в понятии, определяемом словами. Они предоставляют эстетическую идею, которая служит вышеупомянутой рациональной идее в качестве замены логического представления, но с надлежащей функцией, однако, оживлять ум, открывая ему перспективу в область родственных представлений, простирающуюся за пределы его кругозора. — Иммануил Кант [75]
Большинство ученых, которые имеют дело с наскальными рисунками или предметами, найденными в доисторических контекстах, которые нельзя объяснить утилитарными терминами и которые поэтому классифицируются как декоративные, ритуальные или символические, знают о ловушке, которую представляет собой термин «искусство». – Сильва Томаскова [76]
Мотивированные цели искусства относятся к намеренным, сознательным действиям со стороны художников или создателей. Это может быть привнесение политических изменений, комментирование аспекта общества, передача определенной эмоции или настроения, обращение к личной психологии, иллюстрация другой дисциплины, продажа продукта (в коммерческом искусстве) или использование в качестве формы коммуникации. [72] [77]
[Искусство – это набор] артефактов или изображений с символическим значением как средство коммуникации. – Стив Митен [78]
Напротив, реалистическое отношение, вдохновленное позитивизмом, от святого Фомы Аквинского до Анатоля Франса, явно кажется мне враждебным любому интеллектуальному или моральному прогрессу. Я его ненавижу, потому что оно состоит из посредственности, ненависти и тупого самомнения. Именно это отношение сегодня порождает эти нелепые книги, эти оскорбительные пьесы. Оно постоянно питается и черпает силу из газет и оглупляет как науку, так и искусство, усердно льстя самым низким вкусам; ясность, граничащая с глупостью, собачья жизнь. – Андре Бретон (сюрреализм) [80]
Описанные выше функции искусства не являются взаимоисключающими, поскольку многие из них могут пересекаться. Например, искусство в целях развлечения может также стремиться продать продукт, то есть фильм или видеоигру.
Искусство можно разделить на любое количество шагов, в пользу которых можно привести аргументы. Этот раздел делит творческий процесс на три широких шага, но нет единого мнения о точном числе. [98]
_(4528252054).jpg/1280px-Le_penseur_de_la_Porte_de_lEnfer_(mus%C3%A9e_Rodin)_(4528252054).jpg)
На первом этапе художник представляет себе искусство в своем воображении. Представляя, как будет выглядеть его искусство, художник начинает процесс воплощения искусства в жизнь. Подготовка искусства может включать подход и исследование предмета. Художественное вдохновение является одним из основных двигателей искусства и может считаться исходящим из инстинкта, впечатлений и чувств. [98]
На втором этапе художник выполняет создание своей работы. На создание произведения могут влиять такие факторы, как настроение художника , окружение и психическое состояние . Например, «Черные картины» Франсиско де Гойи , созданные в старости, считаются такими мрачными, потому что он находился в изоляции и из-за своего опыта войны. Он рисовал их прямо на стенах своей квартиры в Испании и, скорее всего, никогда ни с кем их не обсуждал. [99] The Beatles заявили, что наркотики, такие как ЛСД и каннабис, повлияли на некоторые из их величайших хитов, например, Revolver . [100] [101] Метод проб и ошибок считается неотъемлемой частью процесса создания. [98]
Последний шаг — это оценка искусства , которая имеет подтему критики. В одном исследовании более половины студентов, изучающих изобразительное искусство, согласились, что размышление является существенным шагом художественного процесса. [98] Согласно образовательным журналам, размышление об искусстве считается неотъемлемой частью опыта. [102] [103] Однако важным аспектом искусства является то, что другие могут также видеть и ценить его. В то время как многие сосредотачиваются на том, считают ли те, кто смотрит/слушает/и т. д., искусство хорошим/успешным или нет, искусство имеет глубокую ценность, выходящую за рамки его коммерческого успеха как поставщика информации и здоровья в обществе. [104] Наслаждение искусством может вызывать широкий спектр эмоций из-за красоты . Некоторое искусство должно быть практичным, с его анализом, прилежным, призванным стимулировать дискурс. [105]
.jpg/1280px-Metropolitan_Museum_1_(4675714481).jpg)
С древних времен большая часть лучших произведений искусства представляла собой преднамеренную демонстрацию богатства или власти, часто достигаемую с помощью огромных масштабов и дорогих материалов. Многие произведения искусства были заказаны политическими правителями или религиозными учреждениями, а более скромные версии были доступны только самым богатым членам общества. [106]
Тем не менее, было много периодов, когда искусство очень высокого качества было доступно, с точки зрения владения, в значительной части общества, прежде всего в дешевых носителях, таких как керамика, которая сохраняется в земле, и скоропортящихся носителях, таких как текстиль и дерево. Во многих различных культурах керамика коренных народов Америки обнаруживается в таком широком диапазоне могил, что она явно не ограничивалась социальной элитой , [107] хотя другие формы искусства могли быть. Репродуктивные методы, такие как формы , упростили массовое производство и использовались для того, чтобы вывести высококачественную древнеримскую керамику и греческие статуэтки Танагры на очень широкий рынок. Цилиндрические печати были как художественными, так и практичными и очень широко использовались тем, что можно условно назвать средним классом на Древнем Ближнем Востоке . [108] После того, как монеты стали широко использоваться, они также стали формой искусства, которая достигла самых широких слоев общества. [109]
Другое важное новшество появилось в 15 веке в Европе, когда гравюра началась с небольших гравюр на дереве , в основном религиозных, которые часто были очень маленькими и раскрашенными вручную, и были доступны даже крестьянам , которые приклеивали их к стенам своих домов. Печатные книги изначально были очень дорогими, но неуклонно падали в цене, пока к 19 веку даже самые бедные не смогли позволить себе некоторые с печатными иллюстрациями. [110] Популярные гравюры многих разных видов украшали дома и другие места на протяжении столетий. [111]
В 1661 году в городе Базель , Швейцария , был открыт первый в мире публичный музей искусств — Kunstmuseum Basel . Сегодня его коллекция отличается впечатляюще широким историческим охватом — с начала XV века до настоящего времени. Различные направления его деятельности придают ему международный статус одного из самых значительных музеев в своем роде. Они охватывают: картины и рисунки художников, работавших в регионе Верхнего Рейна между 1400 и 1600 годами, а также искусство XIX–XXI веков. [112]
Общественные здания и памятники , светские и религиозные, по своей природе обычно обращаются ко всему обществу и посетителям как к зрителям, и демонстрация широкой публике долгое время была важным фактором в их дизайне. Египетские храмы типичны тем, что самые большие и самые роскошные украшения размещались в тех частях, которые могла видеть широкая публика, а не в тех областях, которые видели только священники. [113] Многие области королевских дворцов, замков и домов социальной элиты часто были общедоступны, и большие части коллекций произведений искусства таких людей часто могли увидеть либо кто угодно, либо те, кто мог заплатить небольшую цену, или те, кто носил правильную одежду, независимо от того, кем они были, как в Версальском дворце , где соответствующие дополнительные аксессуары (серебряные пряжки для обуви и меч) можно было взять напрокат в магазинах снаружи. [114]
Были приняты специальные меры, чтобы позволить публике увидеть многие королевские или частные коллекции, размещенные в галереях, как в случае с коллекцией Орлеана, в основном размещенной в крыле Пале-Рояля в Париже, которую можно было посещать большую часть XVIII века. [115] В Италии художественный туризм Гранд-тура стал крупной индустрией с эпохи Возрождения, и правительства и города прилагали усилия, чтобы сделать свои ключевые работы доступными. Британская королевская коллекция остается обособленной, но крупные пожертвования, такие как Старая королевская библиотека , были сделаны из нее Британскому музею , основанному в 1753 году. Уффици во Флоренции открылась полностью как галерея в 1765 году, хотя эта функция постепенно забирала здание у первоначальных офисов государственных служащих задолго до этого. [116] Здание, которое сейчас занимает Прадо в Мадриде, было построено до Французской революции для публичной демонстрации частей королевской художественной коллекции, и подобные королевские галереи, открытые для публики, существовали в Вене , Мюнхене и других столицах. Открытие Лувра во время Французской революции (в 1793 году) как публичного музея для большей части бывшей французской королевской коллекции, безусловно, ознаменовало важный этап в развитии общественного доступа к искусству, передав право собственности республиканскому государству, но было продолжением уже устоявшихся тенденций. [117]
Большинство современных публичных музеев и программ художественного образования для детей в школах можно проследить до этого импульса сделать искусство доступным для всех. Однако музеи не только обеспечивают доступность искусства, но и влияют на то, как искусство воспринимается аудиторией, как показали исследования. [118] Таким образом, сам музей не только является тупой сценой для презентации искусства, но и играет активную и жизненно важную роль в общем восприятии искусства в современном обществе.
Музеи в Соединенных Штатах, как правило, являются подарками от очень богатых людей массам. ( Например, Метрополитен-музей в Нью-Йорке был создан Джоном Тейлором Джонстоном , руководителем железной дороги, чья личная коллекция произведений искусства легла в основу музея.) Но, несмотря на все это, по крайней мере одна из важных функций искусства в 21 веке остается маркером богатства и социального статуса. [119]
Художники пытались создать искусство, которое не могли бы купить богатые как статусный объект. Одним из главных изначальных мотиваторов большей части искусства конца 1960-х и 1970-х годов было создание искусства, которое нельзя было бы купить и продать. «Необходимо представить что-то большее, чем просто объекты» [120], — сказал крупнейший немецкий художник послевоенного периода Йозеф Бойс . В этот период времени возникли такие вещи, как перформанс, видеоарт и концептуальное искусство . Идея заключалась в том, что если произведение искусства было перформансом, который ничего не оставит после себя, или было идеей, его нельзя было бы купить и продать. «Демократические установки, вращающиеся вокруг идеи, что произведение искусства является товаром, стимулировали эстетическую инновацию, которая зародилась в середине 1960-х годов и была пожинаема на протяжении 1970-х годов. Художники, в целом идентифицированные под названием «Концептуальное искусство»… заменяя перформансом и издательской деятельностью взаимодействие как с материальными, так и с материалистическими проблемами живописной или скульптурной формы… [пытались] подорвать объект искусства как объект». [121]
В последующие десятилетия эти идеи были несколько утеряны, поскольку рынок искусства научился продавать ограниченные тиражи DVD с видеоработами, [122] приглашения на эксклюзивные перформансы и предметы, оставшиеся от концептуальных произведений. Многие из этих перформансов создают произведения, которые понятны только элите, которая была образована относительно того, почему идея, видео или кусок очевидного мусора могут считаться искусством. Маркером статуса становится понимание работы вместо обязательного владения ею, и произведение искусства остается занятием высшего класса. «С широким распространением технологии записи DVD в начале 2000-х годов художники и система галерей, которая получает прибыль от продажи произведений искусства, получили важное средство контроля за продажей коллекционерам видео и компьютерных произведений искусства ограниченными тиражами». [123]
.jpg/1280px-JEAN_LOUIS_TH%C3%89ODORE_G%C3%89RICAULT_-_La_Balsa_de_la_Medusa_(Museo_del_Louvre,_1818-19).jpg)
Искусство долгое время было спорным, то есть не нравилось некоторым зрителям по самым разным причинам, хотя большинство досовременных споров смутно зафиксированы или полностью потеряны для современного взгляда. Иконоборчество - это разрушение искусства, которое не нравится по разным причинам, включая религиозные. Аниконизм - это общая неприязнь либо ко всем образным изображениям, либо часто только к религиозным, и было темой во многих основных религиях. Это был решающий фактор в истории исламского искусства , где изображения Мухаммеда остаются особенно спорными. Многие произведения искусства не нравились просто потому, что они изображали или иным образом поддерживали непопулярных правителей, партии или другие группы. Художественные условности часто были консервативными и воспринимались очень серьезно художественными критиками , хотя часто гораздо меньше - широкой публикой. Иконографическое содержание искусства могло вызывать споры, как в случае с позднесредневековыми изображениями нового мотива Обморока Девы Марии в сценах Распятия Иисуса . «Страшный суд» Микеланджело был спорным по разным причинам, включая нарушение приличия из-за наготы и позы Христа, напоминающей Аполлона . [124] [125]
Содержание многих формальных произведений искусства на протяжении истории диктовалось покровителем или заказчиком, а не только художником, но с приходом романтизма и экономическими изменениями в производстве произведений искусства видение художника стало обычным определяющим фактором содержания его произведений, что увеличило частоту возникновения споров, хотя часто и снизило их значимость. Сильные стимулы для воспринимаемой оригинальности и публичности также побуждали художников вызывать споры. « Плот Медузы » Теодора Жерико ( ок. 1820 г. ) был отчасти политическим комментарием к недавнему событию. « Завтрак на траве » Эдуарда Мане ( 1863 г.) считался скандальным не из-за обнаженной женщины, а потому, что она сидит рядом с мужчинами, полностью одетыми в одежду того времени, а не в мантии античного мира. [126] [127] Картина Джона Сингера Сарджента « Мадам Пьер Готро (Мадам X)» (1884) вызвала споры из-за красновато-розового цвета, использованного для окраски мочки уха женщины, который считался слишком вызывающим и, предположительно, разрушающим репутацию модели из высшего общества. [128] [129] Постепенный отказ от натурализма и изображение реалистичных представлений внешнего вида моделей в XIX и XX веках привели к непрекращающейся полемике, которая длилась более столетия.
В 20 веке в картине Пабло Пикассо « Герника » (1937) были использованы захватывающие кубистские приемы и суровые монохромные масла , чтобы изобразить ужасающие последствия современной бомбардировки небольшого древнего баскского города. «Допрос III » Леона Голуба (1981) изображает обнаженную женщину-заключенную в капюшоне, привязанную к стулу, ее ноги раздвинуты, чтобы обнажить ее половые органы, в окружении двух мучителей, одетых в повседневную одежду. «Христос в моче » Андреса Серрано (1989) — это фотография распятия, священного для христианской религии и представляющего жертву Христа и последние страдания, погруженного в стакан с собственной мочой художника. Возникший в результате этого шум привел к комментариям в Сенате Соединенных Штатов о государственном финансировании искусств. [130] [131]
До модернизма эстетика в западном искусстве была в значительной степени озабочена достижением соответствующего баланса между различными аспектами реализма или правды о природе и идеале ; идеи относительно того, что такое соответствующий баланс, менялись туда-сюда на протяжении столетий. Эта забота в значительной степени отсутствует в других традициях искусства. Эстетический теоретик Джон Раскин , отстаивавший то, что он считал натурализмом Дж. М. У. Тернера , видел роль искусства в сообщении посредством искусственности существенной истины, которую можно найти только в природе. [132]
Определение и оценка искусства стали особенно проблематичными с 20-го века. Ричард Воллхейм различает три подхода к оценке эстетической ценности искусства: реалистический , согласно которому эстетическое качество является абсолютной ценностью, независимой от любого человеческого взгляда; объективистский , согласно которому оно также является абсолютной ценностью, но зависит от общего человеческого опыта; и релятивистская позиция , согласно которой оно не является абсолютной ценностью, но зависит от человеческого опыта разных людей и меняется вместе с ним. [133]
Появление модернизма в конце 19 века привело к радикальному разрыву в концепции функции искусства, [134] а затем снова в конце 20 века с появлением постмодернизма . Статья Клемента Гринберга 1960 года «Модернистская живопись» определяет современное искусство как «использование характерных методов дисциплины для критики самой дисциплины». [135] Гринберг изначально применил эту идею к движению абстрактного экспрессионизма и использовал ее как способ понять и оправдать плоскую (неиллюзионистическую) абстрактную живопись:
Реалистичное, натуралистическое искусство разоблачило среду, используя искусство для сокрытия искусства; модернизм использовал искусство для привлечения внимания к искусству. Ограничения, составляющие среду живописи — плоская поверхность, форма основы, свойства пигмента — рассматривались старыми мастерами как негативные факторы, которые могли быть признаны только неявно или косвенно. В модернизме эти же ограничения стали рассматриваться как позитивные факторы и признавались открыто. [135]
После Гринберга появилось несколько важных теоретиков искусства, таких как Майкл Фрид , Т. Дж. Кларк , Розалинд Краусс , Линда Нохлин и Гризельда Поллок среди других. Хотя изначально это определение Гринберга было задумано как способ понимания определенного набора художников, оно важно для многих идей искусства в различных художественных движениях 20-го века и начала 21-го века. [136] [137]
Поп-художники , такие как Энди Уорхол, стали заметными и влиятельными благодаря своей работе, включающей и, возможно, критикующей популярную культуру , а также мир искусства . Художники 1980-х, 1990-х и 2000-х годов расширили эту технику самокритики за пределы высокого искусства на все культурное создание образов, включая модные образы, комиксы, рекламные щиты и порнографию. [138] [139]
Дюшан однажды предположил, что искусство — это любая деятельность любого рода — всё. Однако то, как только определённые виды деятельности классифицируются сегодня как искусство, является социальной конструкцией. [140] Есть доказательства того, что в этом может быть элемент истины. В книге «Изобретение искусства: история культуры » Ларри Шайнер исследует конструкцию современной системы искусств, т. е. изящного искусства. Он находит доказательства того, что более старая система искусств до нашей современной системы (изящного искусства) считала искусством любую квалифицированную человеческую деятельность; например, древнегреческое общество не обладало термином «искусство» , а только «технэ» . «Технэ» нельзя понимать ни как искусство, ни как ремесло, причина в том, что различия между искусством и ремеслом являются историческими продуктами, которые появились позже в истории человечества. «Технэ» включало живопись, скульптуру и музыку, а также кулинарию, медицину, верховую езду , геометрию , плотницкое дело, пророчество , земледелие и т. д. [141]
После Дюшана в первой половине 20-го века произошел значительный сдвиг в сторону общей эстетической теории, которая попыталась применить эстетическую теорию между различными формами искусства, включая литературное искусство и изобразительное искусство, друг к другу. Это привело к возникновению школы Новой критики и дебатам относительно преднамеренного заблуждения . Обсуждался вопрос о том, должны ли эстетические намерения художника при создании произведения искусства, какова бы ни была его конкретная форма, быть связаны с критикой и оценкой конечного продукта произведения искусства, или же произведение искусства должно оцениваться по его собственным достоинствам, независимо от намерений художника. [142] [143]
В 1946 году Уильям К. Уимсэтт и Монро Бирдсли опубликовали классическое и спорное эссе New Critical под названием « The Intentional Fallacy », в котором они решительно выступили против значимости намерения автора или «предполагаемого смысла» в анализе литературного произведения. Для Уимсэтта и Бирдсли слова на странице были всем, что имело значение; импорт значений извне текста считался нерелевантным и потенциально отвлекающим. [144] [145]
В другом эссе, « Аффективное заблуждение », которое служило своего рода родственным эссе к «Преднамеренному заблуждению», Уимсэтт и Бирдсли также не принимали во внимание личную/эмоциональную реакцию читателя на литературное произведение как допустимое средство анализа текста. Это заблуждение позже было отвергнуто теоретиками школы литературной теории , основанной на реакции читателя . По иронии судьбы, один из ведущих теоретиков этой школы, Стэнли Фиш , сам обучался у «Новых критиков». Фиш критикует Уимсэтта и Бирдсли в своем эссе 1970 года «Литература в читателе». [146] [147]
Как резюмировали Берис Гаут и Пейсли Ливингстон в своем эссе «Создание искусства»: «Теоретики и критики-структуралисты и постструктуралисты резко критиковали многие аспекты Новой критики, начиная с акцента на эстетической оценке и так называемой автономии искусства, но они повторили атаку на предположение биографической критики о том, что деятельность и опыт художника были привилегированной критической темой». [148] Эти авторы утверждают, что: «Антиинтенционалисты, такие как формалисты, считают, что намерения, вовлеченные в создание искусства, не имеют отношения к правильной интерпретации искусства или являются второстепенными. Таким образом, детали акта создания произведения, хотя, возможно, и представляют интерес сами по себе, не имеют никакого отношения к правильной интерпретации произведения». [149]
Гаут и Ливингстон определяют интенционалистов как нечто отличное от формалистов, утверждая, что: «Интенционалисты, в отличие от формалистов, считают, что ссылка на намерения имеет важное значение для правильной интерпретации произведений». Они цитируют Ричарда Воллхейма , который утверждает, что «задача критики — реконструкция творческого процесса, где творческий процесс, в свою очередь, должен рассматриваться как нечто, не останавливающееся перед произведением искусства, а завершающееся им». [149]
Конец 20-го века способствовал обширным дебатам, известным как полемика о лингвистическом повороте или «спор о невинном глазе» в философии искусства. В этом дебате обсуждалась встреча с произведением искусства, определяемая относительной степенью, в которой концептуальная встреча с произведением искусства доминирует над перцептивной встречей с произведением искусства. [150]
Решающими для дебатов о лингвистическом повороте в истории искусств и гуманитарных науках стали работы еще одной традиции, а именно структурализма Фердинанда де Соссюра и последовавшего за ним движения постструктурализма . В 1981 году художник Марк Танси создал произведение искусства под названием «Невинный глаз» как критику преобладающего климата разногласий в философии искусства в последние десятилетия 20-го века. Среди влиятельных теоретиков — Джудит Батлер , Люс Иригарей , Джулия Кристева , Мишель Фуко и Жак Деррида . Сила языка, а точнее определенных риторических тропов, в истории искусств и историческом дискурсе была исследована Хайденом Уайтом . Тот факт, что язык не является прозрачным средством мысли, подчеркивался совершенно иной формой философии языка , которая возникла в работах Иоганна Георга Хаманна и Вильгельма фон Гумбольдта . [151] Эрнст Гомбрих и Нельсон Гудман в своей книге «Языки искусства: подход к теории символов» пришли к выводу, что концептуальное столкновение с произведением искусства преобладало исключительно над перцептивным и визуальным столкновением с произведением искусства в 1960-х и 1970-х годах. [152] Ему бросили вызов на основе исследований, проведенных лауреатом Нобелевской премии психологом Роджером Сперри , который утверждал, что визуальное столкновение человека не ограничивается концепциями, представленными только в языке (лингвистический поворот), и что другие формы психологических представлений произведения искусства были в равной степени оправданы и доказуемы. Точка зрения Сперри в конечном итоге возобладала к концу 20-го века, когда эстетические философы, такие как Ник Зангвилл, решительно отстаивали возвращение к умеренному эстетическому формализму среди других альтернатив. [153]
Споры о том, следует ли классифицировать что-либо как произведение искусства, называются классификационными спорами об искусстве. Классификационные споры в 20 веке включали кубистские и импрессионистские картины, Фонтан Дюшана , фильмы , превосходные имитации банкнот Дж. С. Г. Боггса , концептуальное искусство и видеоигры . [155] Философ Дэвид Новиц утверждал, что разногласия по поводу определения искусства редко являются сутью проблемы. Скорее, «страстные заботы и интересы, которые люди вкладывают в свою общественную жизнь», являются «значительной частью всех классификационных споров об искусстве». [156] По словам Новица, классификационные споры чаще всего являются спорами об общественных ценностях и о том, куда общество пытается пойти, чем о самой теории. Например, когда Daily Mail раскритиковала работу Херста и Эмина , заявив: «В течение 1000 лет искусство было одной из наших великих цивилизующих сил. Сегодня маринованные овцы и грязные кровати грозят сделать из нас всех варваров», они не продвигают определение или теорию об искусстве, а подвергают сомнению ценность работы Херста и Эмина. [157] В 1998 году Артур Данто предложил мысленный эксперимент, показывающий, что «статус артефакта как произведения искусства является результатом идей, которые культура применяет к нему, а не его неотъемлемых физических или воспринимаемых качеств. Культурная интерпретация (теория искусства определенного рода) является, таким образом, конститутивной для художественности объекта». [158] [159]
Антиискусство — это ярлык для искусства, которое намеренно бросает вызов устоявшимся параметрам и ценностям искусства; [160] это термин, связанный с дадаизмом и приписываемый Марселю Дюшану незадолго до Первой мировой войны, [160] когда он создавал искусство из найденных предметов . [160] Один из них, Фонтан (1917), обычный писсуар, достиг значительной известности и влияния на искусство. [160] Антиискусство является чертой творчества Ситуационистского Интернационала , [161] движения lo-fi Mail art и Молодых британских художников , [160] хотя эта форма все еще отвергается Стакистами , [ 160] которые называют себя анти-антиискусством . [162] [163]
Архитектура часто включается в число визуальных искусств; однако, как и декоративно-прикладное искусство или реклама, она подразумевает создание объектов, где практические соображения использования имеют важное значение, чего обычно не происходит, например, в живописи. [164]
Несколько в связи с вышесказанным, слово искусство также используется для применения суждений о ценности, как в таких выражениях, как «эта еда была произведением искусства» (повар — художник) или «искусство обмана» (восхваляется высокий уровень мастерства обманщика). Именно это использование слова как меры высокого качества и высокой ценности придает термину оттенок субъективности. Вынесение суждений о ценности требует основы для критики. На самом простом уровне способ определить, соответствует ли воздействие объекта на чувства критериям, чтобы считаться искусством, заключается в том, воспринимается ли он привлекательным или отталкивающим. Хотя восприятие всегда окрашено опытом и обязательно субъективно, обычно понимают, что то, что каким-то образом не удовлетворяет эстетически, не может быть искусством. Однако «хорошее» искусство не всегда или даже нерегулярно эстетически привлекательно для большинства зрителей. Другими словами, главной мотивацией художника не обязательно должно быть стремление к эстетике. Кроме того, искусство часто изображает ужасные образы, созданные по социальным, моральным или побуждающим к размышлениям причинам. Например, картина Франсиско Гойи , изображающая испанские расстрелы 3 мая 1808 года, является графическим изображением расстрельной команды, казнившей нескольких умоляющих гражданских лиц. Но в то же время ужасающие образы демонстрируют острые художественные способности Гойи в композиции и исполнении и вызывают соответствующее социальное и политическое возмущение. Таким образом, продолжаются дебаты о том, какой способ эстетического удовлетворения, если таковой вообще имеется, требуется для определения «искусства». [165] [166]
Принятие новых ценностей или восстание против принятых представлений о том, что эстетически превосходнее, не обязательно должно происходить одновременно с полным отказом от стремления к тому, что эстетически привлекательно. На самом деле, часто бывает наоборот: пересмотр того, что обычно считается эстетически привлекательным, позволяет возродить эстетическую чувствительность и по-новому оценить стандарты самого искусства. Бесчисленные школы предложили свои собственные способы определения качества, но все они, похоже, согласны по крайней мере в одном: как только их эстетический выбор принят, ценность произведения искусства определяется его способностью выходить за рамки выбранного им средства выражения, чтобы задеть некую универсальную струну редкостью мастерства художника или его точным отражением в том, что называется духом времени . Искусство часто призвано апеллировать к человеческим эмоциям и связываться с ними. Оно может вызывать эстетические или моральные чувства и может быть понято как способ передачи этих чувств. Художники выражают что-то, чтобы их аудитория была возбуждена в какой-то степени, но они не должны делать это сознательно. Искусство можно считать исследованием человеческого состояния ; то есть, что значит быть человеком. [167]
В более широком смысле Эмили Л. Спратт утверждала, что развитие генеративного искусственного интеллекта , особенно в отношении искусства искусственного интеллекта и его использования с изображениями, требует переоценки эстетической теории в современной истории искусств и пересмотра пределов человеческого творчества. [168] [169] Музыка и искусственный интеллект пошли по схожему пути.
Существенной юридической проблемой являются подделки произведений искусства , плагиат , копии и работы, в значительной степени основанные на других произведениях искусства.
Право интеллектуальной собственности играет важную роль в мире искусства. Защита авторских прав предоставляется художникам на их оригинальные работы, предоставляя им исключительные права на воспроизведение, распространение и демонстрацию своих творений. Эта защита позволяет художникам управлять использованием своих работ и защищаться от несанкционированного копирования или нарушения. [170]
Торговля произведениями искусства или их экспорт из страны могут подлежать правовому регулированию. На международном уровне также предпринимаются обширные усилия по защите созданных произведений искусства. ООН , ЮНЕСКО и Blue Shield International пытаются обеспечить эффективную защиту на национальном уровне и вмешиваться напрямую в случае вооруженных конфликтов или катастроф. Это может особенно затронуть музеи, архивы, художественные коллекции и места раскопок. Это также должно обеспечить экономическую основу страны, особенно потому, что произведения искусства часто имеют туристическое значение. Президент-основатель Blue Shield International Карл фон Габсбург объяснил дополнительную связь между уничтожением культурных ценностей и причиной бегства во время миссии в Ливане в апреле 2019 года: «Культурные ценности являются частью идентичности людей, которые живут в определенном месте. Если вы уничтожаете их культуру, вы также уничтожаете их идентичность. Многие люди оказываются изгнанными, часто не имеют никаких перспектив и в результате бегут со своей родины». [171] [172] [173] [ 174] [175] [176] В целях сохранения разнообразия культурной самобытности ЮНЕСКО защищает живое человеческое достояние посредством Конвенции об охране нематериального культурного наследия .
Незападные изображения плохо описаны с точки зрения искусства, как и средневековые картины, которые были созданы при отсутствии гуманистических идей художественной ценности.
Определения из Викисловаря
Медиа из Commons
Новости из Викиновостей
Цитаты из Викицитатника
Тексты из Викиресурса
Учебники из Wikibooks
Ресурсы из Викиверситета
