Различные виды изобразительного искусства развивались в географическом районе, ныне известном как Мексика. Развитие этих искусств примерно следует истории Мексики , разделенной на доиспанскую мезоамериканскую эпоху, колониальный период , период после мексиканской войны за независимость , развитие мексиканской национальной идентичности через искусство в девятнадцатом веке и расцвет современного мексиканского искусства. искусство после Мексиканской революции (1910-1920).
Мезоамериканское искусство - это искусство, созданное на территории, охватывающей большую часть территории нынешней центральной и южной Мексики, до испанского завоевания Империи ацтеков в течение примерно 3000 лет. Мексиканское искусство может быть ярким и красочным, это называется скрытым. В то время все влияния на производство произведений искусства были местными, при этом искусство было тесно связано с религией и правящим классом. Реального различия между искусством, архитектурой и письмом практически не было. Испанское завоевание привело к 300-летнему испанскому колониальному правлению, а производство произведений искусства оставалось привязанным к религии — большая часть искусства была связана со строительством и украшением церквей, но светское искусство расширилось в восемнадцатом веке, особенно картины касты , портретная живопись и историческая живопись. . Почти все созданное искусство было в европейской традиции: художники поздней колониальной эпохи обучались в Академии Сан-Карлос , но элементы коренных народов остались, что положило начало постоянному балансированию между европейскими и местными традициями. [1]
После обретения независимости искусство оставалось в основном европейским по стилю, но в основных произведениях появлялись темы коренных народов, поскольку либеральная Мексика стремилась отличиться от своего испанского колониального прошлого. Это предпочтение местным элементам продолжалось и в первой половине 20-го века, когда соцреализм или мексиканское движение монументалистов возглавили такие художники, как Диего Ривера , Давид Альфаро Сикейрос , Хосе Клементе Ороско и Фернандо Леаль , которые были заказаны пост- Правительство мексиканской революции создало визуальное повествование об истории и культуре Мексики.
Сила этого художественного движения была такова, что оно повлияло на недавно изобретенные технологии, такие как фотография и кино, и активно продвигало народное искусство и ремесла как часть идентичности Мексики. С 1950-х годов мексиканское искусство отошло от стиля монументализма и стало более глобализированным, интегрируя элементы из Азии, при этом мексиканские художники и режиссеры оказали влияние на мировую арену.
Считается, что старейшее наскальное искусство американского континента, которому 7500 лет, найдено в пещере на полуострове Нижняя Калифорния. [2]
Доиспанское искусство Мексики принадлежит культурному региону, известному как Мезоамерика , который примерно соответствует центральной Мексике и Центральной Америке , [3] охватывая три тысячи лет с 1500 г. до н.э. по 1500 г. н.э., обычно разделенных на три эпохи: доклассическую, классическую. и Пост Классика. [4] Первой доминирующей мезоамериканской культурой была культура ольмеков , пик которой пришелся на 1200 г. до н.э. Ольмеки создали большую часть того, что связано с Мезоамерикой, например, иероглифическое письмо , календарь , первые достижения в астрономии, монументальную скульптуру ( головы ольмеков ) и изделия из нефрита . [5]
Они были предшественниками более поздних культур, таких как Теотиуакан , к северу от Мехико, сапотеки в Оахаке и майя на юге Мексики, Белиза и Гватемалы . В то время как империи росли и падали, основные культурные основы Мезоамерики оставались неизменными до испанского завоевания Империи ацтеков . [5] К ним относятся города с центрами площадей, храмы, обычно построенные на основаниях пирамид, мезоамериканские площадки для игры в мяч и в основном общая космология. [3]
Хотя такие формы искусства, как наскальные рисунки и наскальные рисунки, появились раньше, известная история мексиканского искусства начинается с мезоамериканского искусства, созданного оседлыми культурами, которые строили города, а часто и владения. [4] [5] Хотя искусство Мезоамерики более разнообразно и длится дольше, чем где-либо еще в Америке, художественные стили демонстрируют ряд сходств. [6] [7]
В отличие от современного западного искусства, почти все мезоамериканское искусство было создано для обслуживания религиозных или политических нужд, а не искусства ради искусства. Он сильно основан на природе, окружающей политической реальности и богах. [8] Октавио Пас утверждает, что «Мезоамериканское искусство — это логика форм, линий и объёмов, которая в то же время является космологией». Далее он заявляет, что этот акцент на пространстве и времени сильно отличается от европейского натурализма, основанного на изображении человеческого тела. Даже простые конструкции, такие как ступенчатые резцы на зданиях, соответствуют этому изображению пространства и времени, жизни и богов. [9]
Искусство выражалось в различных средах, таких как керамика, бумага и архитектура. [7] Большая часть того, что известно о мезоамериканском искусстве, происходит от работ, которые охватывают каменные здания и керамику, в основном картины и рельефы. [6] Керамика датируется ранним мезоамериканским периодом. Вероятно, они начинались как сосуды для приготовления пищи и хранения, но затем были приспособлены для ритуальных и декоративных целей. Керамику декорировали методами формовки, царапания, росписи и различных методов обжига. [8]
Самыми ранними известными чисто художественными изделиями были небольшие керамические фигурки, которые появились в районе Теуакана около 1500 г. до н.э. и распространились на Веракрус , Мексиканскую долину , Герреро , Оахаку , Чьяпас и тихоокеанское побережье Гватемалы. [4] Самые ранние из них - это в основном женские фигуры, вероятно, связанные с обрядами плодородия из-за их часто слишком больших бедер и бедер, а также некоторые с младенцами на руках или кормящими грудью. Когда появляются мужские фигуры, это чаще всего солдаты. [10] Производство этих керамических фигурок, которые позже будут включать животных и другие формы, оставалось важным видом искусства в течение 2000 лет. В ранний ольмекский период большинство из них были небольшими, но производились крупные керамические скульптуры размером до 55 см. [11] [12]
После среднего доклассического периода керамическая скульптура в центре Мексики пришла в упадок, за исключением региона Чупикуаро . В регионах майя это искусство исчезает в позднем доклассическом периоде и вновь появляется в классическом, в основном в виде свистков и других музыкальных инструментов. В некоторых областях, например в некоторых частях Веракруса, создание керамических фигур продолжалось непрерывно до испанского завоевания, но это было ручное ремесло, а не формальное искусство. [13]
Мезоамериканская живопись встречается в различных проявлениях — от фресок до создания кодексов и росписи керамических предметов. Свидетельства живописи восходят как минимум к 1800 году до нашей эры и непрерывно продолжались в той или иной форме до прибытия испанцев в 16 веке. [14] Хотя это могло произойти и раньше, самые ранние известные случаи художественной росписи монументальных зданий относятся к раннему классическому периоду у майя в Уахактуне и Тикале , а также в Теотиуакане со стенами, окрашенными в различные цвета. [4]
Краски изготавливались из животных, растительных и минеральных пигментов и основ. [15] Большинство картин сосредоточены на одной или нескольких человеческих фигурах, которые могут быть реалистичными или стилизованными, мужскими, женскими или асексуальными. Они могут быть обнажены или богато одеты, но тем или иным образом указывается социальный статус каждой фигуры. Сцены часто изображают войну, жертвоприношения, роли богов или действия знати. Однако были обнаружены и некоторые общие сцены с простыми людьми. [16] Другие предметы включали богов, символы и животных. [15] Мезоамериканская живопись была двумерной, без каких-либо усилий по созданию иллюзии глубины. Однако часто изображается движение. [17]
Некерамическая скульптура в Мезоамерике началась с модификации костей животных, причем самым старым известным произведением является череп животного из Текискиака , датируемый между 10 000 и 8 000 годами до нашей эры. [10] Большая часть мезоамериканских скульптур выполнена из камня; Хотя рельефные работы на зданиях являются наиболее доминирующими, были также созданы отдельно стоящие скульптуры. Отдельно стоящая трехмерная каменная скульптура началась с ольмеков, самым известным примером которых являются гигантские каменные головы ольмеков . Это исчезло на оставшуюся часть мезоамериканского периода в пользу гуманитарных работ до позднего постклассического периода с ацтеками . [18]
Большая часть каменной кладки мезоамериканского периода связана с монументальной архитектурой, которая наряду с фресковой живописью считалась неотъемлемой частью архитектуры, а не отдельной. [19] Монументальная архитектура началась с ольмеков на юге Веракруса и в прибрежной зоне Табаско в таких местах, как Сан-Лоренцо; большие храмы на основаниях пирамид до сих пор можно увидеть в таких местах, как Черногория, Чьяпа-де-Корсо и Ла-Вента . Эта практика распространилась на район Оахаки и долину Мексики , появившись в таких городах, как Монте-Альбан , Куикуилько и Теотиуакан . [4] [20]
Эти города имели ядро из одной или нескольких площадей с храмами, дворцами и мезоамериканскими площадками для игры в мяч . Выравнивание этих структур было основано на сторонах света и астрономии для церемониальных целей, таких как фокусировка солнечных лучей во время весеннего равноденствия на скульптурном или нарисованном изображении. Обычно это было связано с календарными системами. [21] Рельефная скульптура и/или живопись создавались по мере строительства построек. К последнему доклассическому периоду почти все монументальные сооружения в Мезоамерике имели обширные рельефы. Одними из лучших примеров этого являются Монте-Альбан, Теотиуакан и Тула . [22]
Доиспанские рельефы в целом имеют линейный дизайн, встречаются низкие, средние и высокие рельефы. Хотя эта техника часто используется для повествовательных сцен в других частях мира, мезоамериканские рельефы, как правило, сосредотачиваются на одной фигуре. Рельефы используются в повествовательном смысле только тогда, когда несколько рельефных стел помещены вместе. Лучшие работы по оказанию помощи производятся майя, особенно из Яшчилана . [23]
Письменность и искусство не были разделены, как это было в европейских культурах. Письмо считалось искусством, и искусство часто заключалось в письме. [9] Причина этого в том, что оба стремились зафиксировать историю и культурную интерпретацию реальности. (salvatvolp14) Рукописи писались на бумаге или других материалах, похожих на книги, а затем объединялись в кодексы . [24] Искусство чтения и письма было строго закреплено за высшими жреческими классами, поскольку эта способность была источником их власти над обществом. [14] [17]
Пиктограммы или глифы этой системы письма были более формальными и жесткими, чем изображения, встречающиеся на фресках и других формах искусства, поскольку они считались в основном символическими и представляли формулы, связанные с астрономическими событиями, генеалогией и историческими событиями. [17] Большинство сохранившихся доиспанских кодексов относятся к позднему мезоамериканскому периоду и раннему колониальному периоду, поскольку многие из них избежали разрушения в течение истории. По этой причине об Империи ацтеков известно больше, чем о культурах майя. [15] [24] Важные ацтекские кодексы включают в себя Группу Борджиа , состоящую в основном из религиозных произведений, некоторые из которых, вероятно, предшествовали завоеванию, Кодекс Борбоник , Кодекс Мендоса и поздний Флорентийский Кодекс , выполненный в европейском стиле, но выполненный Мексиканские художники, вероятно, опирались на более ранний материал, который сейчас утерян.
Важные музейные коллекции Мексики включают коллекции Национального музея антропологии и Музея Диего Ривера Анауакалли в Мехико , а также провинциальных музеев.
.JPG/1280px-Mask_(Mexico,_State_of_Veracruz,_900-500_B.C.).JPG)
Со времени испанского завоевания Империи ацтеков мексиканское искусство представляло собой постоянное и сложное взаимодействие традиций Европы и местных взглядов. [6]
Строительство церкви После завоевания первые усилия испанцев были направлены на евангелизацию и связанную с ней задачу по строительству церквей, для чего требовалась местная рабочая сила для основного строительства, но они науа разработали каменную кладку снаружи и украсили церковные интерьеры. Местных мастеров обучали европейским мотивам, рисункам и техникам, но очень ранние работы, называемые текитки ( на языке науатль означает «вассал»), включают такие элементы, как уплощенные грани и очень жесткий рельеф. [25] [26] Испанские монахи, руководящие строительством, не были обученными архитекторами или инженерами. Они полагались на местных каменщиков и скульпторов при строительстве церквей и других христианских построек, часто в тех же местах, что и храмы и святыни традиционной религии. «Хотя некоторые индийцы жаловались на бремя, которое представляет собой такой труд, большинство общин считали большую и впечатляющую церковь отражением важности своего города и испытывали оправданную гордость за создание священного места для богослужения». [27] Тот факт, что так много церквей колониальной эпохи пережили столетия, свидетельствует об их общем хорошем строительстве.
Первые монастыри, построенные в Мехико и его окрестностях, такие как монастыри на склонах Попокатепетля , имели ренессансные , платереско , готические или мавританские элементы или некоторую их комбинацию. Они были относительно не украшены, и усилия по строительству были направлены больше на высокие стены и элементы крепости для отражения атак. [28] Строительство более сложных церквей с большим количеством религиозных произведений искусства будет определять большую часть художественной продукции колониального периода. Большая часть продукции была связана с обучением и укреплением церковного учения, как и в Европе. Религиозное искусство послужило причиной господства Испании над коренными народами. Сегодня постройки и другие сооружения колониальной эпохи существуют по всей стране, с концентрацией в центральных высокогорьях вокруг Мехико . [29]
Работа с перьями была высоко ценимым навыком в доиспанской центральной Мексике, который продолжался и в раннюю колониальную эпоху. Испанцы были очарованы этим видом искусства, а местные мастера из перьев ( амантека ) создавали в этом виде религиозные изображения, в основном небольшие «картины», а также религиозные облачения. [30] [31]
Письма коренных народов Индейцы продолжали создавать письменные рукописи в раннюю колониальную эпоху, особенно кодексы в районе Науа в центральной Мексике. Важным ранним манускриптом, заказанным для испанской короны, был Кодекс Мендоса , названный в честь первого наместника Мексики дона Антонио де Мендоса , в котором показана дань, доставленная ацтекскому правителю из отдельных городов, а также описания надлежащего поведения для простых людей. люди. Гораздо более сложный проект с использованием иллюстраций местных писцов — это проект, в результате которого был создан Флорентийский кодекс под руководством францисканца Бернардино де Саагуна . Другие рукописи коренных народов колониальной эпохи включают Кодекс Уэшоцинко и Кодекс Осуна.
Важным типом рукописей раннего периода были иллюстрированные и текстовые истории испанского завоевания ацтеков с точки зрения коренных народов. Ранний Лиенцо де Тласкала иллюстрирует вклад тлашкальских союзников испанцев в разгром Империи ацтеков, а также Эрнана Кортеса и его культурного переводчика Донью Марину ( Малинче ).
Живопись Большинство художников науа, создающих это изобразительное искусство, анонимны. Исключением является работа Хуана Герсона, который ок. 1560 г. украсил свод францисканской церкви в городе Текамачалко науа (штат Пуэбла) отдельными сценами из Ветхого Завета. [32]
Хотя колониальное искусство оставалось почти полностью европейским по стилю, с приглушенными цветами и без признаков движения, добавление местных элементов, начавшееся с текики , продолжалось. Они никогда не были центром работ, а были декоративными мотивами и наполнителями, такими как местная листва, ананасы, кукуруза и какао . [33] Многое из этого можно увидеть на порталах, а также на больших фресках, которые часто украшали интерьеры церквей и стены монастырских помещений, закрытых для публики. [34]
Самые ранние из колониальных художников Мексики были выходцами из Испании, которые приехали в Мексику в середине своей карьеры. В их число входили нищенствующие монахи, такие как Фрай Алонсо Лопес де Эррера. Позже большинство художников родились в Мексике, но обучались европейским техникам, часто по импортным гравюрам. Эта зависимость от импортных копий означала, что мексиканские произведения сохраняли стиль после того, как они вышли из моды в Европе. [6] В колониальный период художники работали в гильдиях, а не самостоятельно. Каждая гильдия имела свои собственные правила, предписания и технические требования, что не поощряло инновации. [35]
Важные музейные коллекции включают коллекции Museo Soumaya и Museo Nacional de San Carlos в Мехико.
.JPG/1280px-Geistliche_Schatzkammer_Wien_(2).JPG)
Живопись барокко прочно утвердилась в Мексике к середине 17 века благодаря работам испанца Себастьяна Лопеса де Артеаги. Примером его живописи является полотно « Сомневающийся Фома» 1643 года. На этой работе апостол Фома показан вставляющим палец в рану на боку Христа, чтобы подчеркнуть страдания Христа. Подпись ниже гласит: «Слово, ставшее плотью», является примером дидактической цели барокко. [34]
Единственное различие между художниками Мексики и их европейскими коллегами заключается в том, что они предпочитали реалистическую прямоту и ясность фантастическим цветам, вытянутым пропорциям и крайним пространственным отношениям. Целью было создать реалистичную сцену, частью которой зритель мог бы представить себя. Это был стиль, созданный Караваджо в Италии, который стал популярен среди художников в Севилье , откуда в Новую Испанию прибыло множество мигрантов. [34] Точно так же отдельно стоящие скульптуры в стиле барокко имеют масштабы в натуральную величину, реалистичные оттенки кожи и имитацию украшенной золотой нитью одежды с помощью техники, называемой эстофадо , нанесения краски на сусальное золото. [34]
Самым важным более поздним влиянием на мексиканских и других художников Латинской Америки были работы фламандского художника Питера Пауля Рубенса , известные благодаря копиям, сделанным с гравюр и техникам меццо-тинто . Его картины копировались и переделывались и стали эталоном как религиозного, так и светского искусства. [34] Позже картины в стиле барокко перешли из пределов алтарных образов в колоссальные отдельно стоящие полотна в церковных интерьерах. Одним из самых известных мексиканских художников такого рода работ был Кристобаль де Вильяльпандо . Его работы можно увидеть в ризнице собора Мехико, которая была построена между 1684 и 1686 годами. Эти полотна были наклеены прямо на стены с помощью арочных рам, чтобы стабилизировать их, и помещены прямо под своды потолка. Даже фрески XVI века обычно не были такими большими. [34] Еще одна работа Вильяльпандо — купол собора Пуэблы 1688 года. Он использовал технику кисти Рубенса и форму конструкции, чтобы создать композицию облаков с ангелами и святыми, из которых спускается голубь, изображающий Святого Дух. Свет из окон купола призван символизировать милость Божию. [34] Хуан Родригес Хуарес (1675–1728) и художник-мулат Хуан Корреа (1646–1716) также были выдающимися художниками эпохи барокко. Самый известный ученик Корреа, Хосе де Ибарра (1685–1756), также принадлежал к смешанной расе. [ нужна цитата ] Один из лучших художников Мексики, Мигель Кабрера (1695–1768), вероятно, принадлежал к смешанной расе. [36]
Церковь создала самые важные произведения семнадцатого века. Среди выдающихся художников были Бальтасар де Эчаве Ибиа и его сын Бальтасар Эчаве Риоха, а также Луис Хуарес и его сын Хосе Хуарес, Хуан Корреа , Кристобаль де Вильяльпандо , Родриго де ла Пьедра, Антонио де Сантандер, Поло Бернардино, Хуан де Вильялобос, Хуан Сальгеро. и Хуан де Эррера. Хуан Корреа работал с 1671 по 1716 год и достиг большого престижа и репутации благодаря качеству своего дизайна и масштабу некоторых из его работ. Среди наиболее известных: «Апокалипсис в Мексиканском соборе», «Обращение Святой Марии Магдалины», ныне находящейся в «Виррейнальской пинакотеке», и «Санта-Катарина, изгнание Адама и Евы из рая», последняя находится в Национальном Музей наместничества Тепоцотлан . [37]
Колониальное религиозное искусство спонсировалось церковными властями и частными покровителями. Спонсирование богатого украшения церквей было для богатых способом завоевать престиж. [29] В 16, 17 и 18 веках Мехико был одним из самых богатых городов в мире, в основном благодаря горнодобывающей промышленности и сельскому хозяйству, и мог поддерживать большую художественную сцену. [38]
Начиная с семнадцатого века, Дева Гваделупская все чаще стала объектом внимания религиозных художников. Хуан Корреа и его ателье создали множество таких изображений. Все больше внимания уделялось точности изображения оригиналу, и Корреа создал восковой шаблон, чтобы гарантировать правильность каждой детали. Гваделупе стала центром патриотизма Криолло, ее вмешательство требовалось в катастрофических событиях, а затем оказывалось в искусство. [39]
В Новой Испании, как и в остальной части Нового Света , начиная с семнадцатого века, особенно в восемнадцатом веке, портрет стал важной частью художественного репертуара. В обществе, характеризующемся глубоким религиозным чувством, неудивительно, что многие портреты отражали моральные добродетели и благочестие модели. [40]
Хотя большая часть заказываемого искусства предназначалась для церквей, были заказаны и светские произведения. Портретная живопись была известна относительно рано в колониальный период, в основном вице-королей и архиепископов, а также завоевателя Эрнана Кортеса . Портреты королевских и церковных чиновников были приближением к внешности натурщиков и выставлялись в их официальной обстановке. Они часто включали свои гербы. На портрете Кортеса XVI века завоеватель изображен с жезлом, мечом и доспехами, «символизирующими политическую и военную мощь, но выброшенные перчатка, шлем и перчатка показывают, что его военные действия завершены». [41] Портреты наместников и священнослужителей часто изображались в богатой одежде и письменных принадлежностях, а также их гербах, указывающих на их генеалогию и высокое положение, а также в книгах и письменных принадлежностях. В Мексике мало образцов королевских чиновников до восемнадцатого века, возможно, потому, что бунт 1696 года разрушил портретную галерею во дворце вице-короля. [42]
Начиная с конца семнадцатого века, портретная живопись местной элиты стала значимым жанром. Особенно важно то, что женщины впервые изображались, начиная с восемнадцатого века. Эти работы следовали европейским образцам, при этом символы рангов и титулов либо отображались отдельно во внешних частях, либо использовались в другом элементе картин, например, в занавесках. [34] Элитные женщины были одеты в богато вышитые и украшенные платья, обычно из шелка и кружева, с драгоценностями и другими украшениями. Многие были нарисованы с веерами в руках. В отличие от своих коллег-мужчин в элитном обществе, демонстрирующих свой статус и авторитет, женские портреты представляли собой идеализированные изображения женственности с символами женственности. [43] Подмножеством их жанра были портреты монахинь, когда они впервые исповедовали свою исповедь, одетых в изысканную одежду, соответствующую торжественному шагу, который они делали при входе в монастырь. Ярким примером является Хосе де Альсибар из Сора (сестра) Мария Игнасия де ла Сангре де Кристо с церемониальной короной, вышитыми одеждами и другими аксессуарами. Посмертный портрет Сор Хуаны Инес де ла Крус, знаменитой в свое время, в монастырской келье, окруженной книгами, работы Мигеля Кабреры отличается от портретов большинства монахинь, написанных с натуры или сразу после смерти. Есть также ряд посмертных портретов монахинь.
Существует довольно много семейных групповых портретов на религиозную тему, призванных показать благочестие семьи, а также способ продемонстрировать семейное богатство. Хосеп Антонио де Айала был выдающимся художником, известным картиной «Семья из долины у подножия Богоматери Лорето » (ок. 1769). Эта религиозная картина была заказана детям семьи дель Валье в память о его родителях и характерна для живописи этого века. [44] Дева Лорето занимает центральное место в композиции, с жесткими фигурами членов семьи, прекрасно одетых. Мужчины одеты в модную одежду той эпохи, а глава семьи одет в вышитое и кружевное платье, украшенное жемчугом. Дочери изображены в одежде монахинь-концепционистов, с escudos de monjas — религиозными рисунками, которые носят на груди. На картине указана информация о ее заказе и родителях, а также о том, что она висела в часовне семейной гасиенды. Картина является проявлением благочестия и богатства. Есть такие групповые картины с разными центральными религиозными фигурами. [45]
Двумя известными художниками-портретистами, братьями конца семнадцатого и начала восемнадцатого веков, являются Хуан Родригес Хуарес и Николас. Некоторые другие выдающиеся художники этого периода: Кристобаль де Вильяльпандо , Хуан Корреа , Хосе де Ибарра , Джозеф Мора, Франсиско Мартинес, Мигель Кабрера , Андрес Лопес и Николас Энрикес.
В 18 веке художники все чаще включали латинскую фразу pinxit Mexici (написанная в Мексике) на произведения, направляемые на европейский рынок, в знак гордости за свои художественные традиции. [46]
Начиная с семнадцатого века, художники начали создавать полотна и биомбо на исторические темы, включая завоевание Мексики и воображаемые сцены событий с участием мексиканского населения науа. [ нужна цитация ] Также важной была историческая картина Хосе де Паеса , изображающая разрушение францисканской миссии Сан-Саба команчами .
Картины с изображением достопримечательностей Мехико появились в начале семнадцатого века, наиболее известная из которых - картина Кристобаля де Вильяльпандо, изображающая Пласа-Майор в Мехико, ок. 1696 г., показывающий ущерб, нанесенный дворцу вице-короля в результате кукурузного бунта 1692 г. На нем также изображен рынок Париана, где продавались предметы роскоши. Рынок Париана также был предметом как минимум еще одной картины.
Другой тип светского колониального жанра называется картинами каста , относящимися к изображению расовой иерархии в Новой Испании восемнадцатого века . Некоторые из них, вероятно, были заказаны испанскими чиновниками в качестве сувениров из Мексики. Ряд художников той эпохи создавали картины касты, в том числе Мигель Кабрера , Хосе де Ибарра , Хуан Патрисио Морлете Руис , Франсиско Клапера и Луис де Мена , но большинство картин касты не подписаны. Ибарра, Морлете и, возможно, Кабрера были представителями смешанной расы и родились за пределами Мехико. [47] Единственная известная картина касты Мены связывает Деву Гваделупскую и систему каст, а также изображения фруктов и овощей и сцен повседневной жизни в Мексике середины восемнадцатого века. Это один из наиболее воспроизводимых примеров картин каст, один из немногих, которые изображают систему каст на одном холсте, а не на 16 отдельных картинах. Он уникален тем, что сочетает в себе вполне светский жанр живописи касты с изображением Девы Гваделупской. [48] Производство этих картин прекратилось после завершения мексиканской войны за независимость в 1821 году , когда в независимой Мексике были отвергнуты законные расовые категории. Вплоть до 500-летия путешествия Колумба в 1492 году картины касты представляли мало или совсем не интересовали даже историков искусства, но ученые начали систематически изучать их как жанр. [49] [50] Набор картин каст был включен в « Описание Королевства Новой Испании » Педро Алонсо О'Крули , опубликованное в переводе в 1972 году. [51] а затем были включены в первый крупный каталог каст. картины опубликованы в 1989 году. [52]
Биомбо или складные ширмы стали популярны среди элиты в семнадцатом веке. Большие и предназначенные для показа в общественных и частных комнатах элитных домов, они имели разнообразную тематику: от картин исторических событий, реальных или воображаемых, до аллегорических презентаций и сцен из повседневной жизни Мексики. Мексика была перекрестком торговли в колониальный период: товары из Азии и Европы смешивались с товарами местного производства. Это сближение наиболее очевидно в декоративном искусстве Новой Испании. [38] Среди высших классов было популярно иметь главную общественную комнату, называемую салоном эстрадо , которая была покрыта коврами и подушками, чтобы женщины могли откидываться на мавританский манер. Для мужчин были добавлены табуреты, а позже стулья и диваны. Начиная с семнадцатого века, когда « Манильский галеон» регулярно плавал с Филиппин в тихоокеанский порт Акапулько , складные ширмы или биомбо (от японского «бё-бу» — «защита от ветра») были среди предметов роскоши, привозившихся из Азии. Известно, что они были привезены в 1610 году и впоследствии изготавливались мексиканскими художниками и ремесленниками в семнадцатом и восемнадцатом веках. Это была модная мексиканская элита самого высокого уровня, некоторые из них были отправлены в Европу. Большинство из них, судя по всему, были произведены в Мексике.
Хуан Корреа создал несколько в конце семнадцатого века, один из встреч Эрнана Кортеса и Моктесумы в 1519 году , который, возможно, изображал более текущие события традиционного индийского танца ( митоте ), исполняемого на празднике Корпус-Кристи, символизирующего подчинение коренных народов испанскому правлению и Христианство. Кортес представлен как «одновременно светский и религиозный герой», в то время как Моктесума на церемониальном носилке носит «атрибуты римского императора», изображая встречу равных. [53] Другой был аллегорическим, озаглавленным «Четыре континента» (ок. 1683 г.), изображающим Европу, Америку, Азию и Африку с Европой и Азией в центре, а также Америкой и Африкой на обоих концах. [54] [55] Самый ранний из этих мексиканских экранов имел восточный дизайн, но более поздние имели европейскую и мексиканскую тематику. Одним из примеров этого является экран анонимного художника с изображением завоевания Мексики с одной стороны и видом с воздуха на улицы и здания в центре Мехико, но без людей, с другой стороны, теперь в Музее Франца Майера . [38] Другой пример — местная сцена индийской свадьбы, с воладорес («листовки»), подвешенными на веревках за ноги.
Последним созданным художественным учреждением колониальной эпохи была Академия Сан-Карлоса в 1783 году. [56] Хотя изображение святых потребовало большей части художественных усилий, оно не обошлось без политических последствий. Самым важным из них был рост культа Девы Гваделупской как американской, а не европейской святой, представительницы особой идентичности. [57]
Корона способствовала утверждению в Мексике неоклассического стиля искусства и архитектуры, который стал популярным в Испании. Этот стиль был переосмыслением греко-римских отсылок, и его использование было способом укрепить европейское доминирование в испанских колониях. Одним из художников-неоклассиков из Академии конца колониального периода был Мануэль Толса . Сначала он преподавал скульптуру в Академии Сан-Карлос , а затем стал ее вторым директором. Толса спроектировал ряд неоклассических зданий в Мексике, но его самая известная работа — это конный статус короля Карла IV, отлитый из бронзы в 1803 году и первоначально помещенный в Сокало . По состоянию на 2011 год его можно увидеть в Национальном музее искусства . [56]
К концу 18 века испанские колонии становились культурно независимыми от Испании, включая ее искусство. Академия была основана испанской короной , чтобы восстановить контроль над художественным выражением и распространяемыми ею сообщениями. В этой школе работали испанские художники по всем основным дисциплинам, а первым директором был Антонио Хиль. [56] Школа стала домом для ряда гипсовых слепков классических статуй из Академии изящных искусств Сан-Фернандо в Испании, привезенных туда для учебных целей. Эти слепки выставлены в центральном внутреннем дворике Академии. [58] Академия Сан-Карлоса сохранилась и после обретения Мексикой независимости.
.svg/1280px-Flag_of_Mexico_(1823-1864,_1867-1893).svg.png)
Художники эпохи независимости Мексики (1810–1821 гг.) Создавали произведения, изображающие героев повстанческого движения. Портрет светского священнослужителя Хосе Марии Морелоса в военной форме был написан неизвестным художником, традиционно причисляемым к коренным народам. [59] Портрет типичен для портретов конца восемнадцатого века, с элементами обрамления, официальной подписью и новыми элементами, являющимися иконографией зарождающегося мексиканского национализма, включая орла на вершине кактуса нопала, который стал центральным изображением для мексиканского флаг. [60] Морелос был предметом заказа статуи вместе с Педро Патиньо Икстолинке , который обучался в Академии Сан-Карлоса и оставался важным скульптором в эпоху независимости эпохи. [61]
Академия Сан-Карлоса оставалась центром академической живописи и самым престижным художественным учреждением Мексики до мексиканской войны за независимость , во время которой она была закрыта. [62] Несмотря на связь с испанской короной и европейскими традициями живописи, Академия была вновь открыта новым правительством после того, как Мексика получила полную независимость в 1821 году. Ее бывшие испанские преподаватели и студенты либо погибли во время войны, либо вернулись в Испанию, но когда она вновь открывшийся, он привлек лучших студентов-художников страны и продолжал подчеркивать классические европейские традиции до начала 20 века. [62] [63] Академия была переименована в Национальную академию Сан-Карлоса. Новое правительство продолжало отдавать предпочтение неоклассическому стилю , поскольку считало барокко символом колониализма. Неоклассический стиль продолжал пользоваться популярностью во время правления Максимилиана I , хотя президент Бенито Хуарес поддерживал его лишь неохотно, считая его европейскую направленность пережитком колониализма. [58]
Несмотря на связь неоклассицизма с европейским доминированием, правительство Мексики после обретения независимости по-прежнему предпочитало его и использовалось в крупных правительственных комиссиях в конце века. Однако коренные темы появились в картинах и скульптурах. Одной из фигур коренных народов, изображенной в неоклассическом стиле, является Тлауиколе , выполненная каталонским художником Мануэлем Виларом в 1851 году.
Для такого изменения предпочтительной темы было две причины. Во-первых, мексиканское общество очерняло колониальную культуру — прошлое коренных народов считалось более истинно мексиканским. [38] Другим фактором было всемирное движение среди художников по противостоянию обществу, которое началось примерно в 1830 году. В Мексике эти анти-истеблишментские настроения были направлены на Академию Сан-Карлоса и ее европейский фокус. [64]
В первой половине XIX века романтический стиль живописи был завезен в Мексику и остальную часть Латинской Америки иностранными путешественниками, интересующимися новой независимой страной. Одним из них был баварский художник Иоганн Мориц Ругендас , живший в стране с 1831 по 1834 год. Он писал сцены с динамичной композицией и яркими красками в соответствии со стилем романтизма, ища яркие, возвышенные и красивые образы в Мексике, а также в других местах. территории Латинской Америки. Однако значительная часть работ Ругендаса представляет собой эскизы к крупным полотнам, многие из которых так и не были выполнены. Среди других - англичанин Дэниел Эгертон , который писал пейзажи в британской романтической традиции, и немец Карл Небель , который в первую очередь создавал литографии различных социальных и этнических групп населения страны. [65]
Ряд местных художников того времени последовали примеру европейских художников-романтиков в их стремлении задокументировать различные культуры Мексики. Этих художников называли костюмерами , слово происходит от костюма (обычай). Стили этих художников не всегда были строго романтическими, включая и другие стили. Большинство этих художников были выходцами из высших классов и получили образование в Европе. В то время как европейские художники считали предметы экзотикой, костюмеры имели более националистическое представление о своей родной стране. Одним из этих художников был Агустин Аррьета из Пуэблы, который применил реалистические техники к сценам из своего родного города, запечатлев его ярко раскрашенную плитку и керамику. Его сцены часто включали повседневную жизнь, например, женщин, работающих на кухне, и изображали чернокожих и афро-мексиканских продавцов. [66]
В середине-конце XIX века латиноамериканские академии начали отходить от строгого неоклассицизма к « академическому реализму ». Идеализированные и упрощенные изображения стали более реалистичными, с акцентом на детали. Сцены в этом стиле чаще всего представляли собой портреты представителей высших слоев общества, библейские сцены и сражения, особенно периода независимости. Когда Академия Сан-Карлоса была вновь открыта после непродолжительного закрытия в 1843 году, ее новый факультет испанского и итальянского языков продвигал этот реалистический стиль. Несмотря на государственную поддержку и националистические темы, местных художников, как правило, уступали европейцам. [67]
,_de_Pelegr%C3%AD_Clav%C3%A9_i_Roquer.jpg/1280px-El_bon_samarit%C3%A0_(1838),_de_Pelegr%C3%AD_Clav%C3%A9_i_Roquer.jpg)
Одним из самых выдающихся художников Мексики середины 19 века был каталонец Пелегри Клаве , который писал пейзажи, но был наиболее известен своими изображениями интеллектуальной элиты Мехико. Художники-реалисты также пытались изобразить ацтекскую культуру и людей, изображая места, населенные коренными народами, используя живые модели и костюмы коренных народов, основанные на кодексах эпохи завоеваний. Одним из них был Феликс Парра , чьи описания завоевания сочувствовали страданиям коренных народов. В 1869 году Хосе Обрегон написал «Открытие Пульке» ; свои изображения архитектуры он основывал на микстекских кодексах, но искажал храмы как место для трона. [67]
Считается, что искусство 19 века после обретения независимости пришло в упадок, особенно в конце 19 века и начале 20 века, во время режима Порфирио Диаса (1876–1911). Хотя в это время живопись, скульптура и декоративное искусство часто ограничивались имитацией европейских стилей, [68] появление молодых художников, таких как Диего Ривера и Сатурнино Эрран , усилило внимание к произведениям на мексиканскую тематику. Это означало, что после военной фазы Мексиканской революции 1920-х годов мексиканские художники добились огромных успехов в формировании сильного художественного национализма.
В этом столетии есть примеры фресок фольклорного стиля, созданных между 1855 и 1867 годами в Ла-Барке, штат Халиско. [69]
Самые яркие игроки на данный момент: Пелегрин Клаве, Хуан Кордеро , Фелипе Сантьяго Гутьеррес и Хосе Агустин Аррьета. В Мексике в 1846 году его наняли руководить открытием Пелегрином Клаве Академии Сан-Карлос, организации, в которой он продвигал исторические и ландшафтные темы с проевропейским видением. [70]
.png/1280px-Vicente_Guerrero_(1865).png)
Во второй половине XIX века памятники историческим событиям были воздвигнуты во многих мексиканских городах, особенно в столице. Одним из первых был памятник Христофору Колумбу на широком Пасео-де-ла-Реформа , построенный по заказу Антонио Эскандона, который заработал состояние на строительстве железной дороги Мехико-Веракрус. Эскандон «решил отметить эпоху железной дороги в Мексике памятником столь же эпохальному событию - Открытию Нового Света». [71] Во время Порфириато (1876-1910) Пасео-де-ла-Реформа стал ключевым местом для демонстрации статуй мексиканским героям, при этом дорожные развязки ( glorietas ) занимали особое почетное место. [72] В 1887 году Порфирио Диас заказал статую последнего ацтекского императора Куаутемока , которую можно увидеть на Пасео де ла Реформа . Куаутемок изображен в плаще, похожем на тогу, и головном уборе с перьями, похожем на этрусского или троянского воина, а не на ацтекского императора. В основании есть элементы, напоминающие Митлу и римскую архитектуру. На этой подставке находятся бронзовые пластины, изображающие сцены испанского завоевания, но с акцентом на фигурах коренных народов. [63] Скромный обелиск в честь Ниньос Героев , кадетов, погибших, защищая свой пост во время захвата Мехико США во время американо- мексиканской войны (1847 г.), был установлен в 1884 г. Гораздо больший обелиск был построен в середине двадцатого века. у входа в парк Чапультепек. Вероятно, самым известным памятником той эпохи является Монумент Независимости , часто называемый «Ангелом независимости» за его крылатую победу. Он был построен к столетию независимости в 1910 году и открыт Порфирио Диасом во время торжеств в сентябре 1910 года.
Академия Сан-Карлоса продолжала пропагандировать классическое обучение в европейском стиле до 1913 года. В этом году академия была частично интегрирована с Национальным автономным университетом Мексики (UNAM). Между 1929 и 1950-ми годами архитектурная программа академии была выделена в состав университета; программы по живописи, скульптуре и гравюре были переименованы в Национальную школу выразительных искусств, ныне Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP). Оба переехали на юг города в середине 20-го века, в Сьюдад-Университария и Сочимилько соответственно, оставив лишь несколько программ последипломного образования по изобразительному искусству в первоначальном здании академии в историческом центре . ENAP остается одним из главных центров подготовки художников Мексики. [58]
Хотя переход к более коренным и мексиканским темам появился в 19 веке, Мексиканская революция 1910–1920 годов оказала драматическое влияние на мексиканское искусство. [58] [62] Конфликт привел к возникновению Национальной революционной партии (переименованной в Институционную революционную партию ), которая повела страну в социалистическом направлении. Правительство стало союзником многих интеллектуалов и художников в Мехико [33] [38] и заказало фрески для общественных зданий, чтобы усилить свои политические послания, в том числе те, которые подчеркивали мексиканские, а не европейские темы. Они не были созданы для популярных или коммерческих вкусов; однако они получили признание не только в Мексике, но и в США. [73] «Великие мексиканские художники-монументалисты послереволюционного периода разработали с помощью фрески концепцию «паблик-арта», искусства, которое массы могли увидеть в крупных общественных зданиях того времени, и которое нельзя было купить и продать. легко переносится куда угодно, как в случае с станковой живописью». [74]
Это произведение искусства в сочетании с государственной пропагандой известно как Мексиканская школа модернизма или Мексиканское движение монументалистов, и оно изменило определение искусства в Мексике. [75] Октавио Пас отдает должное Хосе Васконселосу за начало движения монументалистов в Мексике, поручив самым известным художникам в 1921 году украсить стены общественных зданий. Комиссии были политически мотивированы - они стремились прославить мексиканскую революцию и дать новое определение мексиканскому народу буквально «лицом к лицу (с)» со своим коренным и испанским прошлым. [76]
Первая из этих заказанных картин была написана в Сан-Ильдефонсо Фернандо Леалем, Фермином Ревуэльтасом , Давидом Альфаро Сикейросом и Диего Риверой . Первой настоящей фреской в здании была работа Жана Шарло . Однако при изготовлении этих фресок были допущены технические ошибки: некоторые из них начали пузыриться и для консервации были покрыты воском. [77] Роберто Монтенегро расписал бывшую церковь и монастырь Сан-Педро-и-Сан-Пабло , но фреска в церкви была написана темперой и начала отслаиваться. На территории монастыря Черногория нарисовала Праздник Святого Креста, на котором Васконселос изображен как защитник монументалистов. Позже Васконселоса отключили, а поверх него закрасили фигуру женщины. [78]
Первым действующим лицом в производстве современных фресок в Мексике был доктор Атл . Доктор Атл родился «Жерар Мурильо» в Гвадалахаре в 1875 году. Он изменил свое имя, чтобы назвать себя мексиканцем. Атл работал над популяризацией народного искусства и ремесел Мексики . Хотя он добился определенного успеха как художник в Гвадалахаре, его радикальные идеи против академических кругов и правительства побудили его переехать в более либеральный Мехико. В 1910 году, за несколько месяцев до начала Мексиканской революции , Атл нарисовал первую современную фреску в Мексике. Он научил крупных художников следовать за ним, в том числе тех, кто стал доминировать в мексиканской настенной живописи. [68]
Движение монументалистов достигло своего апогея в 1930-х годах с четырьмя главными героями: Диего Ривера , Давид Альфаро Сикейрос , Хосе Клементе Ороско и Фернандо Леаль. Это наиболее изученная часть истории искусства Мексики. [33] [38] [79] Все они были художниками, обученными классическим европейским техникам, и многие из их ранних работ являются имитацией модных тогда европейских стилей живописи, некоторые из которых были адаптированы к мексиканским темам. [6] [75] Политическая ситуация в Мексике с 1920-х по 1950-е годы и влияние доктора Атла побудили этих художников порвать с европейскими традициями, используя смелые образы коренных народов, много цвета и изображения человеческой деятельности, особенно масс. , в отличие от торжественного и отстраненного искусства Европы. [33]
Предпочтительными материалами обычно исключались традиционные холсты и церковные портики, а вместо этого были большие, тогда еще не украшенные стены правительственных зданий Мексики. Основной целью многих из этих картин было прославление доиспанского прошлого Мексики как определение мексиканской идентичности. [33] Они добились успеха как в Мексике, так и в Соединенных Штатах, что принесло им славу и богатство, а также мексиканских и американских студентов. [73]
Эти художники-монументалисты возродили технику фрески для своих фресок, хотя Сикейрос перешел к промышленным методам и материалам, таким как применение пироксилина , коммерческой эмали, используемой для самолетов и автомобилей. [33] Одна из первых фресок Риверы украшала двор Министерства образования серией танцующих теуанов (уроженцев Теуантепека на юге Мексики). Этот четырехлетний проект включал в себя другие современные темы коренных народов и в конечном итоге включил в себя 124 фрески, занимавшие три этажа в высоту и два городских квартала в длину. [33] Рынок Абелардо Родригеса был нарисован в 1933 году учениками Диего Риверы, одним из которых был Исаму Ногучи . [80]
Другой важной фигурой этого периода времени была Фрида Кало , жена Диего Риверы. Хотя она рисовала холсты, а не фрески, ее по-прежнему считают частью мексиканской модернистской школы, поскольку ее работы подчеркивают мексиканскую народную культуру и цвета. [33] [81] Автопортреты Кало в 1930-х и 40-х годах резко контрастировали с роскошными фресками, которые такие художники, как ее муж, создавали в то время. Ранее в подростковом возрасте она попала в автобусную аварию и начала бросать вызов мексиканской одержимости женским телом. Ее портреты, намеренно небольшие, затрагивали широкий круг тем, не затронутых в то время основным миром искусства. К ним относятся материнство, домашнее насилие и мужской эгоизм.
На ее картинах никогда не было персонажей, носящих роскошные украшения или модную одежду, как на картинах художников-монументалистов. Вместо этого она редко наряжалась, а когда были аксессуары, это добавляло им гораздо большей важности. Она также изобразила себя в очень сюрреалистических, тревожных сценариях, таких как « Две Фриды» , где она изображает две версии себя: одну с разбитым сердцем и одну со здоровым, наполняющим разбитое сердце «обнадеживающей» кровью, или Больницу Генри Форда, где она изображает себя, сделавшую аборт, и борьбу, которую ей пришлось пережить в реальной жизни, чтобы смириться с этим.
Хотя она была женой Диего Риверы, ее автопортреты оставались скрытыми от глаз общественности вплоть до ее кончины в 1954 году. Популярность ее искусства возросла, и многие считают ее одной из первых и самых влиятельных феминисток. художники 20 века. [82]
Первым, кто порвал с националистическим и политическим тоном движения монументалистов, был Руфино Тамайо . По этой причине его впервые оценили за пределами Мексики. [83] Тамайо был современником Риверы, Сикейроса и Ороско и обучался в Национальной школе изящных искусств. Как и они, он исследовал мексиканскую идентичность в своих работах после Мексиканской революции. Однако он отверг политический соцреализм, популяризированный тремя другими художниками, и был отвергнут новым истеблишментом. [84]
В 1926 году он уехал в Нью-Йорк, где успех позволил ему выставиться в родной Мексике. Отсутствие его поддержки послереволюционного правительства было спорным. Из-за этого он в основном оставался в Нью-Йорке, продолжая свой успех там, а затем и в Европе. Его соперничество с тремя основными мексиканскими художниками-монументалистами продолжалось как в Мексике, так и за рубежом на протяжении 1950-х годов. Даже запоздалое почетное звание «Четвертых Великих» вызвало споры. [84]
Несмотря на сохранение активной национальной арт-сцены, мексиканским художникам после периода монументализма было трудно проникнуть на международный арт-рынок. Одна из причин этого заключается в том, что в Северной и Южной Америке Мехико был заменен Нью-Йорком в качестве центра художественного сообщества, особенно в плане покровительства. [85] В Мексике государственная поддержка искусства в 20-м веке (до 2000 года в которой доминировала партия PRI) означала, что религиозные темы и критика правительства подвергались эффективной цензуре. В основном это было пассивно: правительство предоставляло гранты художникам, которые соответствовали их требованиям. [86] В 1940-х годах Вольфганг Паален издавал чрезвычайно влиятельный журнал DYN в Мехико, в котором основное внимание уделялось переходному движению от сюрреализма к абстрактному экспрессионизму. Фумико Накашима, японская художница, живет в Мексике и в основном работает над сюрреалистическими произведениями акварелью.
В 1953 году открылся Экспериментальный музей Эль-Эко (в Мехико); его создал Матиас Гериц .
Первым крупным движением после монументалистов было « Движение разрыва» , которое началось в 1950-х и 1960-х годах с такими художниками, как Хосе Луис Куэвас , Жилберто Наварро, Рафаэль Коронель , Альфредо Касанеда и скульптор Хуан Сориано . Они отвергли соцреализм и национализм и включили сюрреализм, визуальные парадоксы и элементы стилей живописи Старого Света. [81] [87] Этот перерыв означал, что более поздние мексиканские художники, как правило, не находились под влиянием мурализма или мексиканского народного искусства. [81]
Хосе Луис Куэвас создавал автопортреты, в которых реконструировал сцены из известных картин испанских художников, таких как Диего Веласкес , Франсиско де Гойя и Пикассо . Как и Кало до него, он рисовал себя, но вместо того, чтобы быть в центре, его изображение часто было в стороне, как наблюдатель. Целью было подчеркнуть трансформацию полученной визуальной культуры. [88]
Другой важной фигурой в этот период был швейцарско-мексиканец Гюнтер Герцсо , но его работы представляли собой «жесткий вариант» абстрактного экспрессионизма, основанный на четко определенных геометрических формах, а также цветах, с эффектом из-за этого они выглядят как барельеф. Его работы представляли собой смесь европейской абстракции и латиноамериканских влияний, в том числе мезоамериканских. [88] [89] В области акварели мы можем выделить Эдгардо Коглана и Игнасио Барриоса , которые не были привязаны к определенному художественному движению, но были не менее важны.
«Созданная Матиасом Геритцем серия скульптур... [выстроена вдоль] «Дороги дружбы» ( Рута де ла Амистад ) в честь Олимпийских игр... В рамках санкционированной правительством художественной выставки к Олимпийским играм, группа независимых художников организуют встречную презентацию под названием Salón Independentiente или Независимый Салон ; выставка знаменует собой ключевое событие в сопротивлении художников контролируемой государством культурной политике. Эта демонстрация антиправительственных усилий художников также будет выражена в фреске в поддержку протестов студенческого движения; работа стала известна как Фреска Efímero (или Эфемерная Фреска ) «в УНАМ » .
Третий Независимый Салон был организован в 1970 году. В 1976 году « Фернандо Гамбоа возглавляет организацию экспозиции абстрактного искусства под названием El Geometrismo Mexicano Una Tendencia Actual ». [91]
«В попытке переоценить… мексиканское искусство после 1968 года Музей науки и искусства при УНАМ» организовал в 2007 году выставку La Era de la Disrepancia. Визуальное искусство и культура в Мексике, 1968–1997 гг. [92]
В 1990 году выставка «Мексика: Esplendor de Treinta Siglos» начала свое мировое турне в Метрополитен-музее в Нью-Йорке.
С 1960-х по 1980-е годы неоэкспрессионистское искусство было представлено в Мексике Мануэлем Фельгересом , Терезой Сито, Алехандро Пинатадо и Яном Хендриксом . [87] [93]
Швейцарско-немецкий художник Матиас Гериц в 1950-х годах создал общественные скульптуры, в том числе Torres Satélite в Ciudad Satélite . В 1960-х годах он стал центральным игроком в развитии абстрактного и другого современного искусства вместе с Хосе Луисом Куэвасом и Педро Фридебергом . [94]
В середине 1980-х годов следующим крупным движением в Мексике стал неомексиканизм, слегка сюрреалистическая, несколько китчевая и постмодернистская версия соцреализма, ориентированная на популярную культуру, а не на историю. [33] Работы не обязательно были фресками: они использовали другие средства, такие как коллаж, и часто пародировали и аллегоризировали культурные символы, средства массовой информации, религию и другие аспекты мексиканской культуры. Это поколение художников интересовалось традиционными мексиканскими ценностями и исследовало их корни, часто ставя под сомнение или опровергая их. Другой общей темой была мексиканская культура в контексте глобализации. [95]
Искусство с 1990-х годов по настоящее время примерно можно отнести к постмодернистскому, хотя этот термин использовался для описания произведений, созданных до 1990-х годов. Среди основных артистов, связанных с этим лейблом, — Бетсабе Ромеро , [96] Моника Кастильо, Франсиско Лариос, [81] Марта Чапа и Диего Толедо. [87]
Об успехе мексиканских художников свидетельствует их включение в галереи Нью-Йорка, Лондона и Цюриха . [97]
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-%C3%81ngel_Z%C3%A1rraga_-_Votive_Offering_(Saint_Sebastian)_-_Google_Art_Project.jpg)
Октавио Меркадо заявил в 2012 году, что художественную критику все еще можно найти в специализированных журналах и газетах, распространяемых по всей стране; кроме того, в новое поколение искусствоведов входят Даниэла Вольф, Ана Элена Маллет, Габриэлла Гомес-Мон и Пабло Хельгера .[100] (До этого в 2004 году утверждалось, что дефицит местных писаний о мексиканском искусстве, символизме и тенденциях привел к тому, что современное мексиканское искусство, показанное за границей, было неправильно маркировано или плохо описано, поскольку иностранные учреждения недостаточно понимают или оценить политические и социальные обстоятельства, стоящие за этими произведениями. [101] )
Как и во многих других частях мира, Мексика переняла некоторые современные методы, например, уличные художники, изображающие популярные картины Мексики на протяжении всей истории или оригинальное содержание.
Вот некоторые из художников этого столетия:
Мексиканские ремесла и народное искусство , называемые в Мексике artesanía , представляют собой сложную категорию предметов, изготовленных вручную или в небольших мастерских для утилитарных, декоративных или других целей. К ним относятся керамика, настенные ковры, некоторые виды картин и текстиль. [104] Как и более формальные виды искусства, артезания имеет как коренные, так и европейские корни и считается ценной частью этнического наследия Мексики. [105]
Эта связь между искусством и культурной самобытностью наиболее сильно сформировалась политической, интеллектуальной и художественной элитой страны в первой половине 20-го века, после Мексиканской революции. [105] Такие художники, как Диего Ривера , Руфино Тамайо и Фрида Кало , использовали артезанию в качестве вдохновения для ряда своих фресок и других работ. [105] В отличие от изобразительного искусства, artesanía создается простыми людьми и представителями коренного населения, которые изучают свое ремесло посредством формального или неформального ученичества. [104] Связь artesanía и мексиканской идентичности продолжается посредством телевидения, кино и продвижения туризма. [106]
Большая часть артезании, производимой в Мексике, представляет собой обычные вещи, предназначенные для повседневного использования. Они считаются художественными, потому что содержат декоративные детали или окрашены в яркие цвета, или и то, и другое. [104] Смелое использование цветов в ремеслах и других конструкциях восходит к доиспанским временам. К ним присоединились другие цвета, введенные в результате контактов с Европой и Азией, всегда в ярких тонах. [107]
Мотивы дизайна варьируются от чисто местных до преимущественно европейских с добавлением других элементов. Преобладают геометрические узоры, связанные с доиспанским прошлым Мексики, а также предметы, изготовленные оставшимися чисто коренными общинами страны. [108] Природные мотивы популярны, возможно, даже больше, чем геометрические узоры как в доиспанском, так и в европейском дизайне. Они особенно распространены в настенных коврах и керамике. [109]
Одним из лучших ремесел Мексики является керамика Талавера, производимая в Пуэбле . [38] В нем сочетаются влияния Китая, арабов, Испании и коренных народов. [110] Самыми известными народными картинами являются вотивные картины ex-voto или retablo . Это небольшие памятные картины или другие произведения искусства, созданные верующими в честь вмешательства святого или другого деятеля. Необработанный стиль живописи ex-voto был перенят в середине 20-го века Кало, которая считала, что они являются наиболее аутентичным выражением латиноамериканского искусства. [111]
Кинематография пришла в Мексику во время Мексиканской революции из США и Франции. Первоначально он использовался для документирования сражений войны. Сам революционный генерал Панчо Вилья снялся в некоторых немых фильмах. В 2003 году канал HBO транслировал « Панчо Вилья в главной роли в роли самого себя » с Антонио Бандерасом в роли Виллы; Фильм посвящен созданию фильма «Жизнь генерала Вильи» . Вилья сознательно использовал кино для формирования своего общественного имиджа. [113]
Первый звуковой фильм в Мексике был снят в 1931 году и назывался Desde Santa . Первый мексиканский жанр кино появился между 1920 и 1940 годами и назывался ранчеро . [114]
Мексика дважды получала высшую награду Каннского кинофестиваля , выиграв Гран-при Международного кинофестиваля за Марию Канделарию в 1946 году и Золотую пальмовую ветвь в 1961 году за Виридиану , больше, чем любая другая латиноамериканская страна.
В то время как Золотым веком кинематографа Мексики считаются 1940-е и 1950-е годы, два фильма середины-конца 1930-х годов, « Алла на ранчо Гранде» (1936) и «Вамонос кон Панчо Вилья» (1935), установили стандарты этой эпохи тематически, эстетически, и идеологически. В этих фильмах использовались архетипические звездные фигуры и символы, основанные на широкой национальной мифологии. Часть мифологии, согласно Карлосу Монсивайсу , включает участников семейных мелодрам, мужских чаррос из фильмов о ранчеро, роковых женщин (часто играемых Марией Феликс и Долорес дель Рио ), коренных народов из фильмов Эмилио Фернандеса и Кантинфлас . s peladito (городской злодей). [115]
Местом действия часто были ранчо , поля сражений революции и кабаре . Фильмы о мексиканской революции были сосредоточены на первоначальном свержении правительства Порфирио Диаса , а не на боевых действиях между различными фракциями после этого. Они также имели тенденцию сосредотачиваться на сельских темах как на «мексиканских», хотя население все больше становилось городским. [115]
В тот период Мексика имела два преимущества в кинопроизводстве. Первое было поколение талантливых актеров и режиссеров. В их число входили такие актеры, как Мария Феликс , Хорхе Негрете , Педро Армендарис , Педро Инфанте , Кантинфлас , а также такие режиссеры, как Эмилио «Эль Индио» Фернандес и оператор Габриэль Фигероа . Многие из этих стартов имели успех в США и на Каннском кинофестивале . [114] [116] На углу Ла Бреа и Голливудского бульвара находится скульптура четырех женщин, которые представляют четыре столпа киноиндустрии, одна из которых - мексиканская актриса Долорес дель Рио . [114] Габриэль Фигероа известен черно-белой операторской работой, которая, как правило, является резкой и экспрессионистской, с простыми, но сложными движениями камеры. [117] Вторым преимуществом было то, что Мексика не принимала активного участия во Второй мировой войне и, следовательно, имела больший запас целлулоида для пленок, который затем также использовался для бомб. [114]
В 1930-х годах правительство заинтересовалось этой отраслью, чтобы продвигать культурные и политические ценности. Большая часть производства во время Золотого века финансировалась за счет государственных и частных денег, и в конечном итоге правительство взяло на себя более значительную роль. В 1942 году Banco Cinematográfico финансировал почти всю отрасль, а к 1947 году перешел под контроль правительства. Это дало правительству широкие права цензуры, позволяющие решать, какие проекты финансировать. [115] Хотя правящая Институционно-революционная партия (PRI) подвергала фильмы различной цензуре в 1940-х и 1950-х годах, она не была такой репрессивной, как в других испаноязычных странах, но сыграла важную роль в том, как изображалось правительство и культура Мексики. [115] [117]
Золотой век закончился в конце 1950-х годов, когда в 1960-е годы доминировали плохо сделанные имитации голливудских вестернов и комедий. Эти фильмы все чаще снимались на открытом воздухе, а в популярных фильмах снимались звезды из луча либре . Художественное и экспериментальное кинопроизводство в Мексике уходит корнями в тот же период и начало приносить плоды в 1970-х годах. [114] [117] Режиссер Поль Ледюк появился в 1970-х годах, специализируясь на фильмах без диалогов. Его первым крупным успехом стал фильм «Рид: Повстанец в Мексике» (1971), за которым последовала биография Фриды Кало под названием «Фрида» (1984). Он наиболее последовательно политический из современных мексиканских режиссеров. В 1990-х годах он снял фильмы «Латиноамериканский бар» (1991) и «Доллар мамбо» (1993). Его немые фильмы обычно не имели коммерческого успеха. [117]
В конце 20-го века главным сторонником мексиканского художественного кино был Артуро Рипштейн-младший. Его карьера началась с фильма в стиле спагетти-вестерна под названием Tiempo de morir в 1965 году, который некоторые считают преемником Луиса Бунюэля , работавшего в Мексике в 1940-х годах. Некоторые из его классических фильмов включают «Эль-Кастильо де ла чистота» (1973), «Лугар без границ » (1977) и «Королева ночи» (1994), исследующие такие темы, как семейные узы и даже гомосексуализм, жестокость, ирония и трагедия. [117] Государственная цензура была относительно слабой в 1960-х и начале 1970-х годов, но вернулась в конце 1970-х и 1980-х годах, монополизировав производство и распространение. [114]
.jpg/1280px-Fantasy_Worlds_of_Myth_and_Magic,_EMP,_Seattle_(15388051142).jpg)
Еще одним фактором было то, что в 1980-х годах многие мексиканские кинопроизводства были переданы голливудским продюсерским компаниям, вытеснив местное производство. [117] Качество фильмов настолько ухудшилось, что в течение некоторых из этих лет [ какие? ] Мексиканская кинопремия «Ариэль» была приостановлена из-за отсутствия подходящих кандидатов. [114] Популярность кинопроизводства снизилась, но сектор искусства вырос, иногда создавая произведения вне поля зрения цензоров, такие как фильм Хорхе Фонса 1989 года «Рохо Аманесер» о резне в Тлателолко в 1968 году . Фильм был запрещен правительством, но получил поддержку в Мексике и за рубежом. Фильм был показан, хотя и не широко. [ нужны дальнейшие объяснения ] Это было началом большей редакционной свободы для кинематографистов в Мексике. [117]
Начиная с 1990-х годов мексиканское кино начало возвращаться, в основном за счет совместного производства с иностранными компаниями. Одной из причин международного интереса к мексиканскому кино стал ошеломительный успех фильма 1992 года «Como Agua Para Chocolate» ( «Как вода для шоколада »). [114] [117] В 1993 году этот фильм стал самым кассовым фильмом на иностранном языке в истории США и был показан в общей сложности в 34 странах. [116] С тех пор мексиканский фильм разделился на два жанра. Те, что рассчитаны на более внутреннюю аудиторию, как правило, носят более личный и более неоднозначный политический характер, например, « Пуэбло де Мадера» , «Супружеская жизнь » и «Ангел де огневой ». Те, что ориентированы на международную аудиторию, имеют более стереотипные мексиканские образы и включают «Sólo con Tu Pareja» , «La Invencion de Cronos» и «Como Agua para Chocolate ». [116] [117]
В новое поколение успешных режиссеров Мексики входят Алехандро Гонсалес Иньярриту , Гильермо дель Торо и Альфонсо Куарон , известный как «Три друга кино». Среди фильмов этого режиссера - « Гравитация » Куарона , « Форма воды» дель Торо и «Человек- птица » Иньярриту . Профессионалы кино в начале 21 века, как правило, владеют как минимум двумя языками (испанским и английским) и имеют больше возможностей участвовать в мировом рынке фильмов, чем их предшественники. [114]
Фотография пришла в Мексику в виде дагерротипа примерно через шесть месяцев после своего открытия и быстро распространилась. Первоначально его использовали для портретов богатых людей (из-за дороговизны), а также для съемки пейзажей и доиспанских руин. [118] [119] Еще одним относительно распространенным типом ранних фотографических портретов были портреты недавно умерших детей, которых называли маленькими ангелами, которые сохранялись до первой половины 20 века. Этот обычай произошел от католической традиции празднования немедленного принятия мертвого ребенка на небеса, минуя чистилище. Эта фотография заменила практику их рисования и других изображений, поскольку это считалось «счастливым событием». [120] Формальные портреты были наиболее распространенной формой коммерческой фотографии до конца 19 века. [119]
Современная фотография в Мексике зародилась не как вид искусства, а скорее как документация, связанная с периодическими изданиями и правительственными проектами. Это относится к периоду правления Порфирио Диаса , или Порфириато , с конца 19 века по 1910 год . Мехико как культурная достопримечательность. Этот образ был основан на европейском стиле с некоторыми местными элементами отличия. [123]
Стилизованные изображения коренных народов во время Порфирато в основном создавал Ибаньес-и-Сора в стиле живописи костюмеров , который был популярен за пределами Мексики. [119] Одним из самых важных фотографов Порфириато был Гильермо Кало , урожденный Вильгельм. [119] Кало основал свою собственную студию в первом десятилетии 1900-х годов и был нанят предприятиями и правительством для документирования архитектуры, интерьеров, пейзажей и фабрик. [124] Другим фотографом немецкого происхождения был Хьюго Бреме , работавший в то же время, что и Кало. Эти двое, очевидно, не ладили, возможно, потому, что они были соперниками в создании изображений зданий колониальной эпохи. [125]
Стиль Кало отражал повествования того периода, сосредотачиваясь исключительно на крупных сооружениях и событиях, избегая простого населения и редко появляясь на его фотографиях. [126] Он избегал тем, которые намекали на политическую нестабильность страны в то время, таких как забастовки . [127] Одним из крупных проектов Кало был Фотографический инвентарь испанской колониальной церковной архитектуры в Мексике (1910 г.), который состоял из двадцати пяти альбомов, спонсируемых федеральным правительством, для документирования оставшейся колониальной архитектуры. [128] Фотография Кало использовалась, чтобы связать доиспанское и колониальное прошлое Мексики в ее архитектуре с нынешним прогрессом Мексики, как показано на его фотографиях промышленности и инфраструктуры. [129]
.jpg/1280px-Zapatistas_and_Nacional_de_Mexico,_No._739_(5655532688).jpg)
Другим пионером мексиканской фотографии был Агустин Виктор Касасола . Как и Кало, он начал свою карьеру в «Порфирато», но его карьера была сосредоточена на фотографиях для периодических изданий. Опять же, как и Кало, работы Касасолы до Мексиканской революции были сосредоточены на не вызывающих споров фотографиях, посвященных жизни элиты. Начало гражданской войны привело к изменению выбора Касасолы объекта. Он стал уделять внимание не только портретам главных героев (таких как Франсиско Вилья ) и общим батальным сценам, но и казням и мертвым. Он сосредоточил внимание на людях, на лицах которых были такие выражения, как боль, доброта и смирение. [121]
В результате его работы за это время была собрана большая коллекция фотографий, многие из которых знакомы мексиканцам, поскольку они широко переиздавались и повторно использовались, часто без упоминания Касасолы. После войны Касасола продолжал фотографировать простых людей, особенно мигрантов в Мехико в 1920-х и 1930-х годах. Его общие известные архивы насчитывают около полумиллиона изображений, многие из его работ хранятся в бывшем монастыре Сан-Франциско в Пачуке . [121]
Кало и Касасола считаются двумя наиболее важными фотографами, развившими эту среду в Мексике: Кало определила архитектурную фотографию, а Касасолас основал фотожурналистику. Ни один из них не считал себя художником, особенно Касасолас, который считал себя историком позитивистской традиции , но фотографии обоих демонстрируют внимание к деталям, освещению и размещению предметов для достижения эмоционального или драматического эффекта. [131] [132]
До конца 20-го века большая часть фотографий была связана с документацией. Однако художественные тенденции как внутри страны, так и за ее пределами оказали свое влияние. В 1920-х годах доминирующим фотографическим стилем был пикториализм , в котором изображения имели романтический или сказочный вид благодаря использованию фильтров и других техник. Американец Эдвард Уэстон порвал с этой традицией, убрав эти эффекты для более реалистичных и детальных изображений. [121] [133] Это вызвало раскол в мире фотографии между пикториалистами и реалистами как внутри, так и за пределами Мексики. [121]
Уэстон и его итальянская помощница Тина Модотти находились в Мексике с 1923 по 1926 год, объединившись с мексиканскими фотографами-реалистами Мануэлем Альваресом Браво, а также такими художниками-монументалистами, как Габриэль Фернандес Ледесма . Политические и социальные устремления этих фотографов совпадали с стремлениями движения монументалистов и нового послереволюционного правительства. [121] [131] [134] Мариана Ямпольски , родом из США, стала важным фотографом в Мексике. Фотография и другие виды искусства переключились на изображение коренного наследия страны и прославление простых мексиканских людей. [131] В основном это было сделано для того, чтобы отвергнуть элитарные и в значительной степени европейские ценности Порфириато, а также растущее культурное влияние Соединенных Штатов в пользу «подлинной» и отличной мексиканской идентичности. [135] Другим было решение правительства использовать эти образы, а не еще свежие воспоминания о битвах и зверствах Революции для продвижения себя. [136]
Мануэль Альварес Браво экспериментировал с абстракцией в своих фотографиях и сформировал свой собственный стиль, связанный с мексиканскими обрядами и обычаями. Он действовал с 1920-х годов до своей смерти в 1990-х годах. Как и другие художники 20-го века, он был озабочен поиском баланса между международными художественными тенденциями и выражением мексиканской культуры и народа. Его фотографические методы были направлены на превращение обыденного в фантастическое. С конца 1930-х по 1970-е годы его фотография развивалась вместе с новыми технологиями, такими как цвет, с использованием тех же тем. В 1970-х годах он экспериментировал с обнаженными женскими фигурами. [137]
Эти постреволюционные фотографы оказали влияние на последующие поколения, но упор по-прежнему делался на документальную журналистику, особенно для газет. По этой причине в центре внимания по-прежнему оставались социальные вопросы. Сюда вошли работы Начо Лопеса и Эктора Гарсиа , наиболее известных своими фотографиями студенческого восстания 1968 года . [119]
В 1970-е годы смешение различных стилей сохраняло социальную направленность. [119] В тот же период были созданы учреждения, которые посвятили себя популяризации фотографии и сохранению фотографий, такие как Centro de la Imagen, Fototeca Nacional del INAH и издание Luna Córnea . [138]
Фотография в Мексике конца 20-го века по-прежнему сосредоточена в основном на фотожурналистике и других видах документальных фильмов. Франсиско Мата де Росас считается самым известным фотографом современной Мексики, работающим преимущественно с документальными фильмами. [ по мнению кого? ] Он опубликовал ряд книг, в том числе «Мексика Теночтитлан» и «Тепито, Браво эль Баррио» . Эниак Мартинес специализируется на панорамах. Патрисия Ариджис работает с социальными темами, в основном иллюстрируя книги. Работы Херардо Монтиеля Клинта были описаны как «теневой и темный мир», в котором основное внимание уделяется тревоге и насилию подростков. [138] Последнее поколение фотографов работает с новыми цифровыми технологиями. Один из них — Хавьер Ороско , специализирующийся на интерьерах. [119]
Однако чисто художественная фотография оказала влияние. В 2002 году на фотовыставке Даниэлы Росселл были представлены изображения мексиканских мультимиллионеров, позирующих в своих роскошных домах, наполненных дорогими картинами, охотничьими трофеями, хрустальными люстрами, золотыми обоями и помощниками по дому. Фотографии вызвали волну социальной критики и сплетен в таблоидах. [139]
.jpg/1280px-Tepantitla_Mountain_Stream_mural_Teotihuacan_(Luis_Tello).jpg)
.jpg/1280px-Shield_Aztec_or_Mixtec_(Chimalli).jpg)
_LACMA_M.2008.32_(1_of_4).jpg/1280px-Miracles_of_Saint_Salvador_de_Horta_(Milagros_del_beato_Salvador_de_Horta)_LACMA_M.2008.32_(1_of_4).jpg)
_Cervantes_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Miguel_Cabrera_-_Do%C3%B1a_Mar%C3%ADa_de_la_Luz_Padilla_y_(G%C3%B3mez_de)_Cervantes_-_Google_Art_Project.jpg)
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Folding_Screen_with_Indian_Wedding_and_Flying_Pole_(Biombo_con_desposorio_ind%C3%ADgena_y_palo_volador)_-_Google_Art_Project.jpg)
.jpg/1280px-Saturnino_Herran_Mujer_en_Tehuantepec_(1914).jpg)
_-_322.jpg/1280px-Mexico_City_(2018)_-_322.jpg)
.jpg/1280px-20150717_IMG_6697_by_sebaso_(19998936614).jpg)
.jpg/1280px-David_Alfaro_Siqueiros_(El_Coronelazo).jpg)
_(38866081012).jpg/1280px-0000-1938-DESFILE_DEL_16_DE_SEPTIEMBRE_(2)_(38866081012).jpg)
{{cite web}}: CS1 maint: archived copy as title (link)Это выражение красноречиво отражает гордость художников за свои традиции и их связь с более крупными трансатлантическими тенденциями.
{{cite web}}: CS1 maint: archived copy as title (link){{cite book}}: |author1=имеет общее имя ( справка )CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: |author1=имеет общее имя ( справка )CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: |author1=имеет общее имя ( справка )CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: |author1=имеет общее имя ( справка )CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: |author1=имеет общее имя ( справка )CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: |author1=имеет общее имя ( справка )CS1 maint: multiple names: authors list (link)