Французское искусство состоит из изобразительного и пластического искусства (включая французскую архитектуру , изделия из дерева, текстиль и керамику), происходящих из географической зоны Франции . Современная Франция была главным центром европейского искусства верхнего палеолита , [ нужна цитата ] тогда оставила множество мегалитических памятников, а в железном веке произошло множество наиболее впечатляющих находок раннего кельтского искусства . Галло -римский период оставил после себя характерный провинциальный стиль скульптуры, а регион вокруг современной франко-германской границы возглавил империю в массовом производстве тонко украшенной древнеримской керамики , которая в больших масштабах экспортировалась в Италию и другие страны. С искусства Меровингов начинается история французских стилей как особого и влиятельного элемента в более широком развитии искусства христианской Европы.
Романская и готическая архитектура процветала в средневековой Франции, причем готическая архитектура зародилась в регионах Иль-де-Франс и Пикардия на севере Франции. [1] [2] В эпоху Возрождения Италия стала основным источником стилистических разработок, пока Франция не сравнялась по влиянию Италии в периоды рококо и неоклассицизма . В 19 веке и до середины 20 века Франция и особенно Париж были Считается центром мира искусства с такими художественными стилями, как импрессионизм , постимпрессионизм , кубизм , фовизм , зародившимися там, а также движениями и собраниями иностранных художников, такими как Парижская школа . [3] [4] [5] [6] [7] [8]
В настоящее время самое раннее известное европейское искусство относится к периоду верхнего палеолита между 40 000 и 10 000 лет назад, и Франция имеет большой выбор дошедшего до нас доисторического искусства из Шательперронской , Ориньякской , Солютрейской , Граветтской и Магдалинской культур. Это искусство включает в себя наскальные рисунки , такие как знаменитые картины в Пеш-Мерле в Лоте в Лангедоке , которые датируются 16 000 г. до н. э., Ласко , расположенный недалеко от деревни Монтиньяк в Дордони , датируемые периодом между 13 000 и 15 000 г. до н. э., или, возможно, , еще в 25 000 г. до н. э., пещера Коскер , пещера Шове, датируемая 29 000 г. до н. э., и пещера Труа-Фрер ; и портативные произведения искусства , такие как резные изображения животных и статуэтки великих богинь, называемые фигурками Венеры , такие как «Венера Брассемпуи» 21 000 г. до н.э., обнаруженная в Ландах , которая сейчас находится в музее в замке Сен-Жермен-ан-Ле или Венера Леспюгская в Музее Человека . К доисторическим предметам с территории Франции также относятся декоративные бусы, костяные булавки, резьба, а также кремневые и каменные наконечники стрел .
Существуют предположения, что только Homo sapiens способен к художественному выражению, однако недавняя находка — Маска Ла Рош-Котара — мустьерский или неандертальский артефакт, найденная в 2002 году в пещере на берегу реки Луары , датируемая примерно 33 000 г. до н. э . — теперь можно предположить, что неандертальцы, возможно, развили сложную и сложную художественную традицию.
В период неолита ( см. Неолитическая Европа ) начинают появляться мегалитические (крупные каменные) памятники, как, например, дольмены и менгиры в Карнаке , Сен-Сюльпис-де-Фалеранс и других местах Франции; Считается, что это появление началось в пятом тысячелетии до нашей эры, хотя некоторые авторы предполагают о мезолитических корнях. Во Франции насчитывается около 5000 памятников мегалитики, главным образом в Бретани, где находится наибольшая концентрация этих памятников. В этой области имеется большое разнообразие хорошо сохранившихся памятников, таких как менгиры, дольмены, кромлехи и пирамиды из камней. Пирамида Гаврини на юге Бретани является выдающимся примером мегалитического искусства: ее 14-метровый внутренний коридор почти полностью украшен декоративной резьбой. Огромный сломанный менгир Эр-Гры , теперь разделенный на четыре части, изначально имел высоту более 20 метров, что делало его самым большим менгиром, когда-либо возведенным. Во Франции также есть множество расписных камней, полированных каменных топоров и менгиров с надписями этого периода. Район Гран-Прессиньи был известен своими драгоценными кремневыми лезвиями, которые широко экспортировались в эпоху неолита.
Во Франции от неолита до бронзового века можно найти множество археологических культур, в том числе культуру Рёссена ок . 4500–4000 гг. До н.э., Кубковая культура ок . 2800–1900 гг. До н.э., культура курганов ок . 1600–1200 гг. До н.э., культура поля урн ок . 1300–800 гг. До н.э. , и при переходе к железному веку Гальштатская культура ок . 1200 –500 до н.э.
Дополнительную информацию о доисторических памятниках Западной Франции см. в разделе «Предыстория Бретани» .
Из протокельтских культур Урнфилд и Гальштат развилось континентальное кельтское искусство железного века ; в основном связан с культурой Ла Тен , которая процветала в период позднего железного века с 450 г. до н. э. до римского завоевания в первом веке до н. э. Это искусство опиралось на местные классические и, возможно, средиземноморские восточные источники. Кельты Галлии известны благодаря многочисленным гробницам и курганам, найденным по всей Франции.
Кельтское искусство очень орнаментально, избегает прямых линий и лишь изредка использует симметрию, без имитации природы или идеала красоты, центрального для классической традиции , но, по-видимому, часто включает в себя сложную символику. Это произведение искусства включает в себя множество стилей и часто включает в себя слегка измененные элементы из других культур, примером является характерное переплетение сверху и снизу, которое появилось во Франции только в шестом веке, хотя оно уже использовалось германскими художниками . В могиле кельтского Викса на территории современной Бургундии обнаружен самый большой бронзовый кратер античности, который, вероятно, был привезен кельтскими аристократами из Греции.
Регион Галлия ( лат . Gallia ) находился под властью Римской империи с первого века до нашей эры по пятый век нашей эры. Южная Франция, и особенно Прованс и Лангедок, известна множеством нетронутых галло-римских памятников. Лугдунум , современный Лион, был во времена Римской империи крупнейшим городом за пределами Италии и дал жизнь двум римским императорам. В городе до сих пор сохранились некоторые римские руины, включая театр. Монументальные произведения этого периода включают амфитеатр в Оранже, Воклюзе , « Мезон Карре » в Ниме , который является одним из наиболее хорошо сохранившихся римских храмов в Европе, город Вьенна недалеко от Лиона, в котором есть исключительно хорошо сохранившийся храм (храм Август и Ливия), цирк и другие руины, акведук Пон -дю-Гар , который также находится в исключительном состоянии сохранности, римские города Гланум и Везон-ла-Ромен , две нетронутые галло-римские арены в Ниме и Арле. и римские бани , и парижская арена .
Искусство Меровингов — искусство и архитектура Меровинговской династии франков , существовавшей с пятого по восьмой век на территории нынешних Франции и Германии . Приход династии Меровингов в Галлию в пятом веке привел к важным изменениям в искусстве. В архитектуре уже не было стремления строить прочные и гармоничные здания. Скульптура превратилась в не более чем простую технику украшения саркофагов , алтарей и церковной мебели. С другой стороны, появление золотых изделий и освещения рукописей привело к возрождению кельтских украшений, которые, вместе с христианскими и другими вкладами, составляют основу искусства Меровингов. Объединение Франкского королевства при Хлодвиге I (465–511) и его преемниках соответствовало необходимости строительства церквей. Планы их, вероятно, были скопированы с римских базилик . К сожалению, эти деревянные конструкции не сохранились из-за разрушения в результате пожара, случайного или вызванного норманнами во время их вторжения.
Каролингское искусство — это приблизительный 120-летний период с 750 по 900 годы — во время правления Карла Мартелла , Пипина Младшего , Карла Великого и его непосредственных наследников — широко известный как Каролингский ренессанс . Эпоха Каролингов — это первый период средневекового художественного движения, известного как прероманский стиль . Впервые короли Северной Европы покровительствовали классическим формам средиземноморского римского искусства, смешивая классические формы с германскими, создавая совершенно новые инновации в рисовании линий фигурок и создавая основу для подъема романского искусства и, в конечном итоге, готического искусства на Западе. .
От того периода сохранились иллюминированные рукописи, изделия из металла, небольшие скульптуры, мозаики и фрески. Каролинги также провели крупные архитектурные строительные кампании во многих церквях во Франции. К ним относятся Мец , Лион , Вена , Ле-Ман , Реймс , Бове , Верден , Сен-Жермен в Осере , Сен-Пьер во Флавиньи и Сен-Дени , а также центр города Шартр . Аббатство Сентула Сен-Рикье ( Сомма ), построенное в 788 году, было крупным достижением монастырской архитектуры. Еще одним важным зданием (в настоящее время практически утраченным) была «Вилла Теодульфа» в Жерминьи-де-Пре .
С окончанием правления Каролингов около 900 года художественное производство остановилось почти на три поколения. После распада Каролингской империи Франция распалась на ряд враждующих провинций, лишенных какого-либо организованного покровительства. Французское искусство десятого и одиннадцатого веков создавалось местными монастырями для содействия грамотности и благочестию, однако созданные примитивные стили не были столь высококвалифицированными, как техники раннего периода Каролингов.
Множество региональных стилей возникло на основе случайного наличия манускриптов Каролингов в качестве моделей для копирования, а также наличия странствующих художников. Монастырь Сен-Бертен стал важным центром при его настоятеле Одберте (986–1007), который создал новый стиль, основанный на англосаксонских и каролингских формах. Близлежащее аббатство Сен-Вааст (Па-де-Кале) также создало ряд важных произведений. На юго-западе Франции было создано несколько рукописей ок. 1000 г., в монастыре Сен-Марциаль в Лиможе , а также в Альби , Фижаке и Сен-Север-де-Рустан в Гаскони . В Париже уникальный стиль развился в аббатстве Сен-Жермен-де-Пре . В Нормандии новый стиль возник в 975 году. К концу десятого века, с движением за реформы Клюни и возрождением духа концепции Империи, производство произведений искусства возобновилось.
Романское искусство относится к искусству Западной Европы в течение ста пятидесяти лет, примерно с 1000 года нашей эры до возникновения готического стиля , возникшего в середине двенадцатого века во Франции. «Романское искусство» ознаменовалось возобновлением интереса к римским методам строительства. Например, капители двенадцатого века в монастыре Сен-Гильем-ле-Дезер используют мотив листьев аканта и декоративное использование просверленных отверстий, которые обычно встречались на римских памятниках. Другие важные романские здания во Франции включают аббатство Сен-Бенуа-сюр-Луар в Луаре , церкви Сен-Фуа в Конке Аверона , Сен-Мартен в Туре , Сен-Филибер в Турню в Соне и Луаре , церковь Сен-Мартен в Туре. -Реми в Реймсе и Сен-Сернен в Тулузе . В частности, Нормандия пережила большую строительную кампанию в церквях Берне , Мон-Сен-Мишель , соборе Кутанс и Байе .
Большая часть романской скульптуры была интегрирована в церковную архитектуру не только по эстетическим, но и по структурным причинам. Мелкая скульптура дороманского периода находилась под влиянием византийской и раннехристианской скульптуры. Другие элементы были заимствованы из различных местных стилей стран Ближнего Востока. Мотивы были заимствованы из искусства «варваров», такие как гротескные фигуры, звери и геометрические узоры, которые были важными дополнениями, особенно в регионах к северу от Альп. Среди важных скульптурных произведений того периода — резьба по слоновой кости в монастыре Святого Галла . Монументальная скульптура редко практиковалась отдельно от архитектуры в дороманский период. Впервые после падения Римской империи монументальная скульптура стала значимым видом искусства. Крытые церковные фасады , дверные проемы и капители увеличивались в размерах и значении, как в Тимпане Страшного суда , Больё-сюр-Дордонь и Постоянном пророке в Муассаке . Монументальные двери, купели и подсвечники, часто украшенные сценами из библейской истории, были отлиты из бронзы, что свидетельствует о мастерстве современных мастеров по металлу. Фрески наносились на своды и стены церквей. Богатые ткани и драгоценные предметы из золота и серебра, такие как чаши и реликварии, производились во все большем количестве для удовлетворения потребностей литургии и служения культу святых. В двенадцатом веке масштабная каменная скульптура распространилась по всей Европе. Во французских романских церквях Прованса , Бургундии и Аквитании скульптуры украшали фасады, а статуи были встроены в капители.
Готическое искусство и архитектура были продуктами средневекового художественного движения, просуществовавшего около трехсот лет. Это началось во Франции, развиваясь в романский период в середине двенадцатого века. К концу четырнадцатого века он развился в сторону более светского и естественного стиля, известного как Международная готика , который продолжался до конца пятнадцатого века, когда он развился дальше, в искусство эпохи Возрождения . Основными средствами готического искусства были скульптура , панно , витражи , фрески и иллюминированные рукописи .
Готическая архитектура зародилась в середине двенадцатого века в Иль-де-Франс , когда аббат Сужер построил аббатство в Сен-Дени , ок. 1140 г., считается первым готическим зданием, а вскоре после этого - Шартрский собор , ок. 1145. До этого в Иль-де-Франс не было традиции скульптуры - поэтому из Бургундии были привезены скульпторы , которые создали революционные фигуры, выступающие в роли колонн на западном (королевском) портале Шартрского собора ( см. изображение ) - это было совершенно новое изобретение во французском искусстве, которое послужило образцом для целого поколения скульпторов. Другие известные готические церкви во Франции включают Буржский собор , Амьенский собор , Нотр-Дам де Лаон , Нотр-Дам в Париже , Реймсский собор , Сент-Шапель в Париже , Страсбургский собор .
Обозначения стилей во французской готической архитектуре следующие: ранняя готика, высокая готика, искусственный шелк и поздняя готика или «яркая». Деление на эти подразделения эффективно, но спорно. Поскольку готические соборы строились в течение нескольких последовательных периодов, а ремесленники каждого периода не обязательно следовали пожеланиям предыдущих периодов, доминирующий архитектурный стиль часто менялся во время строительства конкретного здания. Следовательно, трудно отнести одно здание к определенной эпохе готической архитектуры. Полезнее использовать термины в качестве дескрипторов конкретных элементов конструкции, а не применять их к зданию в целом.
Французские идеи распространялись. Готическая скульптура превратилась из раннего жесткого и удлиненного стиля, все еще частично романского, в пространственную и натуралистическую трактовку в конце двенадцатого и начале тринадцатого века. Влияние сохранившихся древнегреческих и римских скульптур было включено в обработку драпировки, выражения лица и позы голландско-бургундского скульптора Клауса Слютера , а вкус к натурализму впервые ознаменовал конец готической скульптуры, превратившейся в классицистический стиль Возрождения. к концу пятнадцатого века.
.jpg/1280px-Enguerrand_Quarton,_Le_Couronnement_de_la_Vierge_(1454).jpg)
Живопись в стиле, который можно назвать «готическим», появилась только примерно в 1200 году, почти через пятьдесят лет после появления готической архитектуры и скульптуры. Переход от романского стиля к готике очень неточен и отнюдь не четко очерчен, но можно увидеть начало стиля более мрачного, темного и эмоционального, чем предыдущий период. Этот переход происходит сначала в Англии и Франции около 1200 г., в Германии около 1220 г. и в Италии около 1300 г. Живопись, представление изображений на поверхности, практиковалась в готический период в четырех основных ремеслах: фресках, панно , освещении рукописей . и витражи . Фрески продолжали использоваться в качестве основного изобразительного повествовательного средства на церковных стенах в южной Европе как продолжение раннехристианских и романских традиций. На севере витражи оставались доминирующим видом искусства до пятнадцатого века. В конце 14-го и в течение 15-го века французские княжеские дворы, такие как дворы герцогов Бургундских, герцога Анжуйского или герцога Беррийского, а также папы и кардиналов в Авиньоне, нанимали известных художников, таких как братья Лимбург . , Бартелеми д'Эйк , Ангерран Картон или Жан Фуке , которые разработали так называемый международный готический стиль, который распространился по Европе и вобрал в себя новое фламандское влияние, а также инновации итальянских художников раннего Возрождения.
В конце пятнадцатого века французское вторжение в Италию и близость энергичного бургундского двора с его фламандскими связями позволили французам познакомиться с товарами, картинами и творческим духом Северного и итальянского Возрождения . Первоначальные художественные изменения в то время во Франции были осуществлены итальянскими и фламандскими художниками, такими как Жан Клуэ и его сын Франсуа Клуэ , а также итальянцами Россо Фиорентино , Франческо Приматиччо и Никколо дель Аббате из того, что часто называют первой школой . из Фонтенбло с 1531 года. Леонардо да Винчи также был приглашен во Францию Франсуа I, но, кроме картин, которые он привез с собой, он мало что создал для французского короля.
Искусство периода от Франсуа I до Генриха IV часто вдохновлено поздними итальянскими изобразительными и скульптурными разработками, обычно называемыми маньеризмом , которые связаны, среди прочего, с более поздними работами Микеланджело , а также Пармиджанино . Для него характерны удлиненные и изящные фигуры, основанные на визуальной риторике , включая тщательно продуманное использование аллегорий и мифологии . Возможно, величайшим достижением французского Возрождения было строительство замков долины Луары . Такие дворцы для удовольствий, которые больше не задумывались как крепости, использовали богатство рек и земель региона Луары и демонстрируют замечательное архитектурное мастерство.
.jpg/1280px-Nicolas_Poussin_-_L'Enl%C3%A8vement_des_Sabines_(1634-5).jpg)
Семнадцатый век стал золотым веком французского искусства во всех областях. В начале семнадцатого века тенденции позднего маньеризма и раннего барокко продолжали процветать при дворе Марии Медичи и Людовика XIII . Искусство этого периода демонстрирует влияние как севера Европы, а именно голландской и фламандской школ, так и римских художников Контрреформации . Художники во Франции часто спорили о контрастных достоинствах Питера Пауля Рубенса с его фламандским барокко, сладострастными линиями и цветами и Николя Пуссена с его рациональным контролем, пропорциями, стилем римского классицизма в стиле барокко. Другим сторонником классицизма, работавшим в Риме, был Клод Желле , известный как Ле Лоррен, который определил форму классического пейзажа.
Многие молодые французские художники начала века отправились в Рим для обучения и вскоре усвоили влияние Караваджо, как Валентин де Булонь и Симон Вуэ . Последнему приписывают появление барокко во Франции, и по возвращении в Париж в 1627 году он был назван первым художником короля. Но французская живопись вскоре отошла от экстравагантности и натурализма итальянского барокко, и такие художники, как Эсташ Ле Сюёр и Лоран де Ла Гир , следуя примеру Пуссена, разработали классицистический путь, известный как парижский аттизм , вдохновленный античностью и сосредоточивший внимание на пропорциях, гармонии и важность рисунка. Даже Вуэ после возвращения из Италии изменил свою манеру на более размеренную, но все же весьма декоративную и элегантную.
Но в то же время все еще существовала сильная школа барокко Караваджисти , представленная в тот период удивительными картинами Жоржа де Ла Тура, освещенными свечами . Несчастные и бедные были изображены в квази-голландской манере на картинах трех братьев Ленен . На картинах Филиппа де Шампэня присутствуют как пропагандистские портреты министра Людовика XIII кардинала Ришелье , так и другие, более созерцательные портреты представителей католической секты янсенистов .
В архитектуре такие архитекторы, как Саломон де Бросс , Франсуа Мансар и Жак Лемерсье , помогли определить французскую форму барокко, разработав формулу городского отеля , который должен был повлиять на всю Европу и сильно отошел от итальянского эквивалента, палаццо . Многие аристократические замки были перестроены в новом классическом стиле барокко, наиболее известными из которых являются Мезон и Шеверни , характеризующиеся высокими крышами «по-французски» и формой, сохранившей средневековую модель замка, украшенную выдающимися башнями.
С середины до конца XVII века французское искусство чаще называют термином «классицизм», который подразумевает соблюдение определенных правил пропорций и умеренности, нехарактерных для барокко, как это практиковалось в большей части остальной Европы в период тот же период. При Людовике XIV барокко в том виде, в котором оно практиковалось в Италии, было не во вкусе французов, например, поскольку знаменитое предложение Бернини по перепроектированию Лувра было отклонено Людовиком XIV.
Посредством пропаганды , войн и великих архитектурных произведений Людовик XIV запустил обширную программу, направленную на прославление Франции и своего имени. Версальский дворец , первоначально крошечный охотничий домик, построенный его отцом, был преобразован Людовиком XIV в чудесный дворец для праздников и вечеринок под руководством архитектора Луи Ле Вау (который также построил замок Во-ле-Виконт). ) и Жюля Ардуэна Мансара (построившего церковь Инвалидов в Париже), художника и дизайнера Шарля Лебрена и ландшафтного архитектора Андре Ленотра , усовершенствовавшего рациональную форму французского сада , который из Версаля распространился по всей Европе.
Для скульптуры правление Людовика XIV также оказалось важным моментом благодаря защите королем таких художников, как Пьер Пюже , Франсуа Жирардон и Антуан Койсевокс . В Риме Пьер Легро , работавший в более барочной манере, был одним из самых влиятельных скульпторов конца века.
.jpg/1280px-Salon_ovale_de_la_princesse_in_the_H%C3%B4tel_de_Soubise_(11).jpg)
Рококо и неоклассицизм — термины, используемые для описания изобразительного и пластического искусства и архитектуры в Европе с начала восемнадцатого века до конца восемнадцатого века. Во Франции смерть Людовика XIV в 1715 году привела к периоду свободы, обычно называемому Режансом . Версаль был заброшен с 1715 по 1722 год молодым королем Людовиком XV и правительством во главе с герцогом Орлеанским, проживавшим в Париже. Там в декоративном искусстве возник новый стиль, известный как рокайль : асимметрия и динамизм барокко были сохранены, но обновлены в стиле менее риторическом и с менее помпезными эффектами, более глубоким исследованием искусственности и использованием мотивов, вдохновленных природой. . Такая манера украшения комнат и мебели существовала и в живописи. Живопись Рокайля обратилась к более легким сюжетам, таким как «галантные праздники», театральные декорации, приятные мифологические повествования и женская обнаженная натура. В большинстве случаев морализаторские стороны мифов или исторических картин опускаются, а акцент делается на декоративную и приятную сторону изображаемых сцен. В картинах того периода больше внимания уделяется цвету, чем рисунку, с явными мазками и очень красочными сценами. Важными французскими художниками этого периода являются Антуан Ватто , считающийся изобретателем галантного праздника , Николя Ланкре и Франсуа Буше , известный своими нежными пасторальными и галантными сценами. Портретная живопись пастелью стала особенно модной в Европе в то время, и Франция была основным центром деятельности пастелистов с выдающимися деятелями Мориса Кантена де Ла Тура , Жана-Батиста Перронно и швейцарца Жана-Этьена Лиотара .
Стиль оформления Людовика XV , хотя и проявился уже в конце последнего правления, был более светлым, с пастельными тонами, деревянными панелями, меньшими комнатами, меньшим количеством позолоты и меньшим количеством парчи; преобладали ракушки, гирлянды и изредка китайские предметы. Мануфактуры Шантильи , Венсенна , а затем Севра производили одни из лучших фарфоров того времени. Высококвалифицированные ébénistes , столяры-краснодеревщики, в основном базирующиеся в Париже, создали сложные предметы мебели с украшениями из драгоценного дерева и бронзы, которые получили высокую оценку и подражали во всей Европе. Самыми известными являются Жан-Франсуа Эбен , создавший рабочий стол короля Людовика XV в Версале, Бернар II ван Рисамбург и Жан-Анри Ризенер . Высококвалифицированные художники, называемые Ciseleur-doreurs , специализировались на бронзовых украшениях для мебели и других предметах декоративного искусства. Самыми известными из них являются Пьер Гутьер и Пьер-Филипп Томир . Талантливые серебряные мастера, такие как Томас Жермен и его сын Франсуа-Тома Жермен, создали сложные сервизы из серебра, которые получили высокую оценку различных королевских особ Европы. Комнаты в замках и отелях были более уютными, чем во времена правления Людовика XIV, и были украшены буазери в стиле рокайль (резные деревянные панели, покрывающие стены комнаты), задуманные такими архитекторами, как Жермен Боффран и Жиль-Мари Оппенорд или орнеманистами (дизайнерами декоративные предметы), такие как Жюст-Орель Мейсонье .
Самыми выдающимися архитекторами первой половины века были, помимо Боффрана, Робер де Котт и Анж-Жак Габриэль , которые спроектировали общественные площади, такие как площадь Согласия в Париже и площадь Биржи в Бордо , в стиле, сознательно вдохновленном эпохой Людовика XIV. В течение первой половины века Франция заменила Италию в качестве художественного центра и главного художественного влияния в Европе, и многие французские художники работали при других дворах по всему континенту.
Во второй половине восемнадцатого века по-прежнему наблюдалось преобладание французского языка в Европе, особенно в области искусства и науки, и от членов европейских дворов ожидалось, что знание французского языка будет обязательным. Французская академическая система продолжала создавать художников, но некоторые, такие как Жан-Оноре Фрагонар и Жан-Батист-Симеон Шарден , исследовали новые и все более импрессионистические стили живописи толстой кистью. Хотя иерархия жанров продолжала соблюдаться официально, чрезвычайно модными были жанровая живопись , пейзаж , портрет и натюрморт . Шарден и Жан-Батист Удри славились своими натюрмортами, хотя официально этот жанр считался самым низким из всех жанров в иерархии сюжетов живописи.
В этот период можно также обнаружить предромантический аспект. Типичны в этом отношении изображения руин Юбера Робера , вдохновленные итальянской картиной каприччио , а также изображение штормов и лунных морских пехотинцев Клода Жозефа Верне . То же самое относится и к переходу от рационального и геометрического французского сада Андре Ленотра к английскому саду , в котором подчеркивалась искусственно дикая и иррациональная природа. В некоторых из этих садов можно также найти любопытные руины храмов, называемые «безумием».
Во второй половине восемнадцатого века во Франции произошел поворот к неоклассицизму , то есть к сознательному использованию греческих и римских форм и иконографии . Это движение продвигали такие интеллектуалы, как Дидро, в ответ на искусственность и декоративную сущность стиля рокай . В живописи величайшим представителем этого стиля является Жак-Луи Давид , который, зеркально отражая профили греческих ваз, подчеркивал использование профиля. Его предметом часто была классическая история, такая как смерть Сократа и Брута. Достоинство и тематика его картин во многом вдохновлены работами Николя Пуссена семнадцатого века. Пуссен и Давид, в свою очередь, оказали большое влияние на Жана Огюста Доминика Энгра . Другими важными художниками-неоклассиками того периода являются Жан-Батист Грёз , Жозеф-Мари Вьен и Элизабет Луиза Виже Лебрен , работающая в портретном жанре . Неоклассицизм проник также в декоративное искусство и архитектуру.
Архитекторы, такие как Леду и Буле , разработали радикальный стиль неоклассической архитектуры, основанный на простых и чистых геометрических формах с исследованием симметрии и гармонии, разрабатывая такие дальновидные проекты, как комплекс соляных копей Арк-и-Сенанс Леду, модель идеального дома. фабрика развивалась на основе рациональных концепций мыслителей эпохи Просвещения .
Французская революция и наполеоновские войны принесли большие изменения в искусство Франции. Программа экзальтации и мифотворчества французского императора Наполеона I была тесно скоординирована в картинах Давида, Гро и Герена. Жан-Огюст-Доминик Энгр был главной фигурой неоклассицизма до 1850-х годов и выдающимся учителем, отдававшим предпочтение рисунку над цветом. Между тем, ориентализм , египетские мотивы, трагический антигерой , дикий пейзаж, исторический роман и сцены Средневековья и Возрождения — все эти элементы романтизма — создали яркий период, который не поддается простой классификации. Самым выдающимся художником-романтиком того периода был Эжен Делакруа, сделавший успешную общественную карьеру и являвшийся главным противником Энгра. До него путь к романтизму открыл Теодор Жерико своим монументальным «Плотом Медузы», выставленным на Салоне 1819 года. Камиль Коро пытался уйти от традиционной и идеализированной формы пейзажной живописи под влиянием классицизма, чтобы быть более реалистичным и в то же время чувствительным к атмосферным изменениям.
Романтические тенденции продолжались на протяжении всего столетия: как идеализированная пейзажная живопись, так и реализм берут начало в романтизме. Работы Гюстава Курбе и школы Барбизона являются ее логическим развитием, как и символизм конца девятнадцатого века таких художников, как Гюстав Моро , профессор Анри Матисса и Жоржа Руо , а также Одилон Редон .
Академическая живопись, развивавшаяся в Школе изящных искусств , имела наибольший успех у публики и государства: высококвалифицированные художники, такие как Жан-Леон Жером , Вильям Бугро и Александр Кабанель, писали исторические сцены, вдохновленные антиквариатом, следуя по стопам Энгра и неоклассика. Хотя молодые художники-авангардисты и критики критиковали их за свой конвенционализм, самые талантливые из академических художников обновили исторический жанр, черпая вдохновение из множества культур и техник, таких как Восток и новые кадры, ставшие возможными благодаря изобретению фотографии.
Многие критики Эдуард Мане писали о девятнадцатом веке и современном периоде (так же, как Шарль Бодлер делает это в поэзии). Его повторное открытие испанской живописи золотого века, его готовность показать неокрашенный холст, его исследование откровенной обнаженной натуры и его радикальные мазки — это первые шаги на пути к импрессионизму. Импрессионизм продвинул барбизонскую школу на шаг дальше, отказавшись раз и навсегда от тщательно продуманного стиля и использования смешанных цветов и черного цвета для хрупких переходных эффектов света, запечатленных на открытом воздухе в меняющемся свете (частично вдохновленных картинами Дж. М. У. Тернера и Эжена ) . Буден ). Это привело к Клоду Моне с его соборами и стогами сена, Пьеру Огюсту Ренуару с его ранними фестивалями под открытым небом и его более позднему пернатому стилю румяных обнаженных тел, Эдгару Дега с его танцовщицами и купальщиками. Другими важными импрессионистами были Альфред Сислей , Камиль Писсарро и Гюстав Кайботт .
После того как этот порог был преодолен, следующие тридцать лет превратились в череду удивительных экспериментов. Винсент Ван Гог , родившийся в Голландии, но живший во Франции, открыл дорогу экспрессионизму . Жорж Сёра , под влиянием теории цвета, разработал технику пуантилизма , которая определяла эксперимент импрессионистов, и ему последовал Поль Синьяк . Поль Сезанн , живописец-живописец, предпринял попытку геометрического исследования мира, которая оставила равнодушными многих его сверстников. Поль Гоген , банкир, нашел символизм в Бретани вместе с Эмилем Бернаром , а затем экзотику и примитивизм во Французской Полинезии . Этих художников называли постимпрессионистами . Les Nabis , движение 1890-х годов, объединяющее таких художников, как Поль Серюзье , Пьер Боннар , Эдуард Вюйяр и Морис Дени , находилось под влиянием примера Гогена в Бретани: они исследовали декоративное искусство на плоских равнинах с графическим подходом японской гравюры. Они проповедовали, что произведение искусства — это конечный продукт и визуальное выражение синтеза природы художником в личных эстетических метафорах и символах. Анри Руссо , почтмейстер-самоучка, стал образцом наивной революции.
.JPG/1280px-Claude_Monet_-_Rouen_Cathedral,_Facade_(Sunset).JPG)
В первые годы двадцатого века доминировали эксперименты с цветом и содержанием, начатые импрессионизмом и постимпрессионизмом . Продукты Дальнего Востока также принесли новые влияния. Примерно в то же время «Фовисты» ( Анри Матисс , Андре Дерен , Морис де Вламинк , Альбер Марке , Рауль Дюфи , Отон Фрис , Шарль Камуан , Анри Манген ) взорвались цветом, во многом подобно немецкому экспрессионизму .
Открытие Пабло Пикассо , испанцем, живущим в Париже, масок африканских племен, привело его к созданию «Авиньонских девиц» 1907 года. Работая независимо, Пикассо и Жорж Брак вернулись к сезанновскому способу рационального понимания предметов в квартире и усовершенствовали его. среда, их эксперименты в кубизме также привели бы их к интеграции всех аспектов и предметов повседневной жизни, коллажей из газет, музыкальных инструментов, сигарет, вина и других объектов в свои работы. Кубизм во всех его фазах будет доминировать в картинах Европы и Америки в течение следующих десяти лет. ( Полное обсуждение см. в статье о кубизме .)
Первая мировая война не остановила динамичное творчество во Франции. В 1916 году группа недовольных встретилась в цюрихском баре « Кабаре Вольтер» и создала самый радикальный жест — антиискусство дадаизма . В то же время Франсис Пикабиа и Марсель Дюшан исследовали аналогичные идеи. На художественной выставке 1917 года в Нью-Йорке Дюшан представил белый фарфоровый писсуар ( Фонтан ), подписанный Р. Маттом , как произведение искусства, став отцом реди -мейда .
Когда дадаизм достиг Парижа, его горячо поддержала группа молодых художников и писателей, которые были очарованы произведениями Зигмунда Фрейда , особенно его идеей бессознательного . Провокационный дух дадаизма стал связан с исследованием бессознательного посредством использования автоматического письма , случайных операций и, в некоторых случаях, измененных состояний. Сюрреалисты быстро обратились к живописи и скульптуре . Шок неожиданных элементов, использование фроттажа , коллажа и декалькомании , передача загадочных пейзажей и образов снов стали ключевыми техниками до конца 1930-х годов.
Сразу после этой войны французская художественная сцена разошлась примерно в двух направлениях. Были те, кто продолжал художественные эксперименты довоенного периода, особенно сюрреализм, и другие, кто перенял новый абстрактный экспрессионизм и живопись действия из Нью-Йорка, исполняя их во французской манере, используя ташизм или L'art informationl . Параллельно обеим этим тенденциям Жан Дюбюффе доминировал в первые послевоенные годы, исследуя детские рисунки, граффити и мультфильмы в различных средствах массовой информации.
Между двумя мировыми войнами процветало художественное движение, известное как École de Paris (Парижская школа). Движение, сосредоточенное в Париже, породило уникальную форму экспрессионистского искусства . В него входили многие иностранные и французские художники, многие из которых были евреями ; эти художники были в основном сосредоточены на Монпарнасе . [9] Эти еврейские художники сыграли значительную роль в Парижской школе, некоторые из них нашли убежище в Париже из Восточной Европы, спасаясь от преследований и погромов. [10] Такие выдающиеся деятели, как Марк Шагал , Жюль Паскин , Хаим Сутин , Исаак Френкель Френель , Амедео Модильяни и Авраам Минчин , были среди заметных участников движения во Франции и за рубежом. [11] [12] [13] Эти художники часто изображали еврейскую тематику в своих работах, наполняя их интенсивными эмоциональными тонами. [14]
Термин « Парижская школа », придуманный в 1925 году для борьбы с ксенофобией , обозначал иностранных, часто еврейских, художников. Однако нацистская оккупация привела к трагической гибели еврейских художников во время Холокоста , что привело к упадку Парижской школы, поскольку некоторые художники покинули или бежали в Израиль или Соединенные Штаты . [15] [16] [17] [18]
В конце 1950-х и начале 1960-х годов во Франции появились формы искусства, которые можно было бы назвать поп-артом . Ив Кляйн заставлял привлекательных обнаженных женщин кататься в синей краске и бросаться на холсты. Виктор Вазарели изобрел оп-арт , создав сложные оптические узоры. Художники движения Флюксус , такие как Бен Вотье, включали граффити и находили предметы в свои работы. Ники де Сен-Фалль создавала раздутые и яркие пластиковые фигурки. Арман собрал найденные предметы в коробках или покрытых смолой композициях, а Сезар Бальдаччини создал серию больших сжатых скульптур-объектов. Сезар Бальдаччини был выдающимся французским скульптором 1960-х годов, который создавал большие скульптуры из мусора, сжимая выброшенные материалы, такие как автомобили, металл, мусор и предметы домашнего обихода. [19]
В мае 1968 года радикальное молодежное движение через свое ателье «populaire» выпустило большое количество плакатов, протестующих против умирающей политики президента Шарля де Голля .
Многих современных художников продолжают преследовать ужасы Второй мировой войны и призрак Холокоста. Особенно сильны душераздирающие инсталляции Кристиана Болтански о потерянных и анонимных.
(в алфавитном порядке по городам)
(в алфавитном порядке по городам)
(в алфавитном порядке по городам)
Французские слова и выражения, относящиеся к искусству:
Специфический
{{cite book}}: CS1 maint: date and year (link)«L’École de Paris» — термин, придуманный искусствоведом Андре Варно в 1925 году в журнале Comœdia для определения группы, образованной иностранными художниками в Париже. «École de Paris» не обозначает движение или школу в академической среде. По мнению Уорнода, этот термин был предназначен для противодействия скрытой ксенофобии, а не для установления теоретического подхода.
{{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link)«L’École de Paris» — термин, придуманный искусствоведом Андре Варно в 1925 году в журнале Comœdia для определения группы, образованной иностранными художниками в Париже. «École de Paris» не обозначает движение или школу в академической среде. По мнению Уорнода, этот термин был предназначен для противодействия скрытой ксенофобии, а не для установления теоретического подхода.
{{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link)