stringtranslate.com

Неоклассицизм

Психея, оживленная поцелуем Купидона ; Антонио Канова ; 1787; мрамор; 155 см × 168 см; Лувр
Чарльз Таунли в своей галерее скульптур ; Иоганн Цоффани ; 1782; холст, масло; высота: 127 см, ширина: 102 см; Художественная галерея и музей Таунли-холл , Бернли, Великобритания

Неоклассицизм , также пишется как неоклассицизм , возник как западное культурное движение в декоративно-прикладном и изобразительном искусстве , литературе , театре , музыке и архитектуре , которое черпало вдохновение в искусстве и культуре классической античности . Неоклассицизм родился в Риме , во многом благодаря трудам Иоганна Иоахима Винкельмана во время повторного открытия Помпеи и Геркуланума . Его популярность распространилась по всей Европе, когда поколение европейских студентов-художников завершило свой Гранд-тур и вернулось из Италии в свои родные страны с заново открытыми греко-римскими идеалами. [1] [2] [3] [4] Основное неоклассическое движение совпало с эпохой Просвещения 18-го века и продолжалось в начале 19-го века, в конечном итоге конкурируя с романтизмом . В архитектуре этот стиль сохранялся на протяжении 19-го, 20-го и 21-го века. [5] [6]

Европейский неоклассицизм в изобразительном искусстве начался около  1760 года в противовес доминирующему тогда стилю рококо . Архитектура рококо подчеркивает изящество, орнаментацию и асимметрию; неоклассическая архитектура основана на принципах простоты и симметрии, которые считались достоинствами искусств Древнего Рима и Древней Греции и напрямую заимствованы из классицизма эпохи Возрождения XVI века . Каждое движение «нео»-классицизма выбирает некоторые модели среди диапазона возможных классических произведений, которые ему доступны, и игнорирует другие. Между 1765 и 1830 годами сторонники неоклассицизма — писатели, ораторы, покровители, коллекционеры, художники и скульпторы — отдавали дань уважения идее художественного поколения, связанного с Фидием , но примеры скульптур, которые они фактически приняли, скорее всего, были римскими копиями эллинистических скульптур. Они игнорировали как архаическое греческое искусство, так и произведения поздней античности . Открытие искусства «рококо» древней Пальмиры через гравюры в «Руинах Пальмиры » Роберта Вуда стало откровением. Поскольку Греция была в значительной степени неисследованной и считалась опасной территорией Османской империи , неоклассицисты в основном воспринимали греческую архитектуру через рисунки и гравюры , которые были тонко сглажены и упорядочены, «исправлены» и «отреставрированы» памятники Греции, не всегда осознанно.

Стиль ампир , вторая фаза неоклассицизма в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве , имел свой культурный центр в Париже в эпоху Наполеона . Особенно в архитектуре, но также и в других областях, неоклассицизм оставался силой долгое время после начала 19-го века, с периодическими волнами возрождения в 20-м и даже 21-м веках, особенно в Соединенных Штатах и ​​России. [ необходима цитата ]

История

Неоклассицизм — это возрождение многих стилей и духа классической античности, вдохновленное непосредственно классическим периодом, [7] которое совпало и отразило развитие философии и других областей эпохи Просвещения, и изначально было реакцией на излишества предшествующего стиля рококо . [8] Хотя движение часто описывается как противоположность романтизма , это большое упрощение, которое, как правило, не является устойчивым, когда рассматриваются конкретные художники или произведения. Случай предполагаемого главного чемпиона позднего неоклассицизма, Энгра , демонстрирует это особенно хорошо. [9] Возрождение можно проследить до создания формальной археологии . [10] [11]

Иоганн Иоахим Винкельман , которого часто называют «отцом археологии» [12]

Труды Иоганна Иоахима Винкельмана сыграли важную роль в формировании этого движения как в архитектуре, так и в изобразительном искусстве. Его книги « Мысли о подражании греческим произведениям в живописи и скульптуре» (1750) и « История древнего искусства» (1764) были первыми, в которых четко разграничивалось древнегреческое и римское искусство, а также определялись периоды в греческом искусстве, прослеживая траекторию от роста к зрелости, а затем к подражанию или упадку, которая продолжает оказывать влияние и по сей день. Винкельман считал, что искусство должно стремиться к «благородной простоте и спокойному величию» [13] и восхвалял идеализм греческого искусства, в котором, как он говорил, мы находим «не только природу в ее самом прекрасном проявлении, но и нечто за пределами природы, а именно определенные идеальные формы ее красоты, которые, как учит нас древний толкователь Платона , исходят из образов, созданных только разумом». Эта теория была далеко не новой в западном искусстве, но его акцент на точном копировании греческих образцов был следующим: «Единственный способ для нас стать великими или, если это возможно, неподражаемыми, — это подражать древним» [14] .

Промышленная революция ознаменовала глобальный переход человеческой экономики к более эффективным и стабильным производственным процессам. [15] Произошел колоссальный материальный прогресс и возросло благосостояние. [16] С появлением Гранд-тура началась мода на коллекционирование древностей , которая заложила основу многих великих коллекций, распространяя неоклассическое возрождение по всей Европе. [17] «Неоклассицизм» в каждом виде искусства подразумевает определенный канон «классической» модели.

В английском языке термин «неоклассицизм» используется в основном по отношению к изобразительному искусству; похожее движение в английской литературе , которое началось значительно раньше, называется литературой Августа . Это, которое было доминирующим в течение нескольких десятилетий, начало приходить в упадок к тому времени, когда неоклассицизм в изобразительном искусстве стал модным. Хотя термины различаются, ситуация во французской литературе была схожей. В музыке этот период ознаменовался подъемом классической музыки , и «неоклассицизм» используется по отношению к событиям 20-го века . Однако оперы Кристофа Виллибальда Глюка представляли собой специфически неоклассический подход, изложенный в его предисловии к опубликованной партитуре « Альцесты» (1769), которая была направлена ​​на реформирование оперы путем удаления орнаментации , увеличения роли хора в соответствии с греческой трагедией и использования более простых неукрашенных мелодических линий. [18]

Антон Рафаэль Менгс ; Суд Париса ; около 1757 г.; холст, масло; высота: 226 см, ширина: 295 см, куплена Екатериной Великой из студии; Эрмитаж , Санкт-Петербург, Россия

Термин «неоклассический» был изобретен только в середине 19 века, и в то время стиль описывался такими терминами, как «истинный стиль», «реформированный» и «возрождение»; то, что считалось возрожденным, значительно варьировалось. Античные образцы, безусловно, были очень вовлечены, но стиль также можно было рассматривать как возрождение Ренессанса, и особенно во Франции как возвращение к более строгому и благородному барокко эпохи Людовика XIV , по которому развилась значительная ностальгия , поскольку доминирующее военное и политическое положение Франции начало серьезно приходить в упадок. [19] Коронационный портрет Наполеона Энгра даже заимствован из позднеантичных консульских диптихов и их каролингского возрождения, к неодобрению критиков.

Неоклассицизм был наиболее силен в архитектуре , скульптуре и декоративно-прикладном искусстве , где классические модели в той же среде были относительно многочисленны и доступны; примеры из античной живописи, которые демонстрировали качества, которые Винкельман нашел в скульптуре, и которых не хватает. Винкельман участвовал в распространении знаний о первых больших римских картинах, которые были обнаружены в Помпеях и Геркулануме , и, как и большинство современников, за исключением Гэвина Гамильтона , не был ими впечатлен, ссылаясь на комментарии Плиния Младшего об упадке живописи в его период. [20]

Что касается живописи, греческая живопись была полностью утрачена: художники-неоклассицисты изобретательно возродили ее, частично через барельефные фризы , мозаики и керамическую живопись, а частично через образцы живописи и декора Высокого Возрождения поколения Рафаэля , фрески в Domus Aurea Нерона , Помпеях и Геркулануме, и через возобновленное восхищение Никола Пуссеном . Большая часть «неоклассической» живописи более классицизирует в предмете, чем в чем-либо еще. Жестокий, но часто очень плохо информированный, спор бушевал десятилетиями по поводу относительных достоинств греческого и римского искусства, причем Винкельман и его коллеги-эллинисты, как правило, оказывались на стороне победителей. [21]

Живопись, рисунок и гравюра

Трудно воссоздать радикальную и захватывающую природу ранней неоклассической живописи для современной аудитории; теперь она поражает даже тех писателей, которые благосклонно к ней относятся, как «безвкусная» и «почти совершенно неинтересная для нас» — некоторые из комментариев Кеннета Кларка к амбициозному «Парнасу » Антона Рафаэля Менгса на вилле Альбани [33] , художника, которого его друг Винкельман описал как «величайшего художника своего времени, а возможно, и более поздних времен». [34] Рисунки Джона Флаксмана , впоследствии превращенные в гравюры , использовали очень простой линейный рисунок (считающийся чистейшей классической техникой [35] ) и фигуры в основном в профиль, чтобы изобразить «Одиссею» и другие сюжеты, и когда-то «зажигали художественную молодежь Европы», но теперь «забыты» [36], в то время как исторические картины Ангелики Кауфман , в основном портретистки, описываются Фрицем Новотным как имеющие «елейную мягкость и утомляемость» . [37] Легкомысленность рококо и движение барокко были устранены, но многие художники изо всех сил пытались найти им место, и в отсутствие античных примеров для исторической живописи, за исключением греческих ваз, использованных Флаксманом, Рафаэль , как правило, использовался в качестве заменяющей модели, как и рекомендовал Винкельман.

Работы других художников, которых нельзя было бы легко назвать безвкусными, сочетали в себе аспекты романтизма с общим неоклассическим стилем и стали частью истории обоих движений. Немецко-датский художник Асмус Якоб Карстенс закончил очень мало крупных мифологических работ, которые он планировал, оставив в основном рисунки и цветные штудии, которые часто приближаются к предписанию Винкельмана о «благородной простоте и спокойном величии». [38] В отличие от неосуществленных замыслов Карстенса, офорты Джованни Баттисты Пиранези были многочисленны и прибыльны, и их забирали обратно те, кто совершал Гранд-тур по всем частям Европы. Его основной темой были здания и руины Рима, и его больше вдохновляло древнее, чем современное. Несколько тревожная атмосфера многих его Vedute (видов) становится доминирующей в его серии из 16 гравюр Carceri d'invenzione («Воображаемые тюрьмы»), чья «гнетущая циклопическая архитектура» передает «сны страха и разочарования». [39] Швейцарец Генри Фюсли провел большую часть своей карьеры в Англии, и хотя его основной стиль был основан на неоклассических принципах, его сюжеты и трактовка чаще отражали «готическое» направление романтизма и стремились вызвать драму и волнение.

Неоклассицизм в живописи обрел новое направление с сенсационным успехом « Клятвы Горациев» Жака-Луи Давида на Парижском салоне 1785 года. Несмотря на то, что картина вызывает в памяти республиканские добродетели, это был заказ королевского правительства, на написании которого Давид настоял в Риме. Давиду удалось объединить идеалистический стиль с драматизмом и силой. Центральная перспектива перпендикулярна плоскости картины, что стало еще более выразительным благодаря тусклой аркаде позади, на фоне которой героические фигуры расположены как на фризе , с намеком на искусственное освещение и постановку оперы , а также классическому колориту Никола Пуссена . Давид быстро стал лидером французского искусства, а после Французской революции стал политиком, контролирующим большую часть государственного покровительства в искусстве. Он сумел сохранить свое влияние в наполеоновский период, обратившись к откровенно пропагандистским работам, но был вынужден покинуть Францию ​​и отправиться в изгнание в Брюссель во время Реставрации Бурбонов . [40]

Среди многочисленных учеников Давида был Жан-Огюст-Доминик Энгр , который считал себя классиком на протяжении всей своей долгой карьеры, несмотря на зрелый стиль, имеющий двусмысленные отношения с основным течением неоклассицизма, и многие более поздние отклонения в сторону ориентализма и стиля трубадура , которые трудно отличить от стилей его откровенно романтических современников, за исключением первенства, которое его работы всегда отдавали рисунку. Он выставлялся в Салоне более 60 лет, с 1802 года до начала импрессионизма , но его стиль, однажды сформировавшись, мало изменился. [41]

Скульптура

Если неоклассическая живопись страдала от недостатка античных моделей, то неоклассическая скульптура, как правило, страдала от их избытка. Хотя примеров настоящей греческой скульптуры « классического периода », начинающегося примерно с 500 г. до н. э., тогда было очень мало; наиболее высоко ценимыми работами были в основном римские копии. [47] Ведущие неоклассические скульпторы пользовались огромной репутацией в свое время, но сейчас их ценят меньше, за исключением Жана-Антуана Гудона , чьей работой в основном были портреты, очень часто в виде бюстов, которые не приносят сильного впечатления от личности модели в жертву идеализму. Его стиль стал более классическим по мере продолжения его долгой карьеры и представляет собой довольно плавный переход от очарования рококо к классическому достоинству. В отличие от некоторых неоклассических скульпторов он не настаивал на том, чтобы его модели носили римскую одежду или были раздеты. Он изобразил большинство выдающихся деятелей эпохи Просвещения и отправился в Америку, чтобы создать статую Джорджа Вашингтона , а также бюсты Томаса Джефферсона , Бенджамина Франклина и других основателей новой республики. [48] [49]

Антонио Канова и датчанин Бертель Торвальдсен оба жили в Риме и, помимо портретов, создали множество амбициозных фигур и групп в натуральную величину; оба представляли сильную идеализирующую тенденцию в неоклассической скульптуре. У Кановы есть легкость и изящество, тогда как Торвальдсен более суров; разница проиллюстрирована в их соответствующих группах Трех Граций . [50] Все они, а также Флаксман, были еще активны в 1820-х годах, и романтизм медленно влиял на скульптуру, где версии неоклассицизма оставались доминирующим стилем большую часть 19-го века.

Ранним неоклассицистом в скульптуре был швед Йохан Тобиас Сергель . [51] Джон Флаксман был также, или в основном, скульптором, в основном создававшим строго классические рельефы, которые по стилю сопоставимы с его гравюрами; он также проектировал и моделировал неоклассическую керамику для Джозайи Веджвуда в течение нескольких лет. Иоганн Готфрид Шадов и его сын Рудольф , один из немногих неоклассических скульпторов, умерших молодыми, были ведущими немецкими художниками, [52] вместе с Францем Антоном фон Заунером в Австрии. Покойный австрийский скульптор эпохи барокко Франц Ксавер Мессершмидт обратился к неоклассицизму в середине карьеры, незадолго до того, как он, по-видимому, перенес какой-то психический кризис, после чего он удалился в деревню и посвятил себя весьма характерным «головам персонажей» лысых фигур с экстремальными выражениями лиц. [53] Как и Carceri Пиранези , они пользовались большим возрождением интереса в эпоху психоанализа в начале 20-го века. Голландский неоклассический скульптор Матье Кессельс учился у Торвальдсена и работал почти исключительно в Риме.

Поскольку до 1830-х годов в Соединенных Штатах не было собственной скульптурной традиции, за исключением надгробий, флюгеров и носовых фигур кораблей [54] , там была принята европейская неоклассическая манера, которая господствовала на протяжении десятилетий и нашла свое воплощение в скульптурах Горацио Гриноу , Гарриет Хосмер , Хирама Пауэрса , Рэндольфа Роджерса и Уильяма Генри Райнхарта .

Архитектура и декоративно-прикладное искусство

Отель Gouthière, Rue Pierre-Bullet no. 6, Париж, возможно, Ж. Метивье, 1780 г. [55]
« Этрусская комната», Потсдам , Германия, около 1840 г., иллюстрация Фридриха Вильгельма Клозе

Неоклассическое искусство было традиционным и новым, историческим и современным, консервативным и прогрессивным одновременно. [56]

Неоклассицизм впервые получил влияние в Великобритании и Франции, через поколение французских студентов-художников, обучавшихся в Риме и находившихся под влиянием трудов Винкельмана, и был быстро принят прогрессивными кругами в других странах, таких как Швеция , Польша и Россия . Сначала классицистический декор был привит к знакомым европейским формам, как в интерьерах для любовника Екатерины Великой , графа Григория Орлова , спроектированных итальянским архитектором с командой итальянских штукатуров : только отдельные овальные медальоны, похожие на камеи, и барельефные наддвери намекают на неоклассицизм; обстановка полностью выполнена в стиле итальянского рококо.

Вторая волна неоклассицизма, более строгая, более изученная (через гравюры ) и более осознанно археологическая, связана с расцветом Наполеоновской империи . Во Франции первая фаза неоклассицизма была выражена в « стиле Людовика XVI », а вторая — в стилях, называемых « Директория » и «Ампир» . Стиль рококо оставался популярным в Италии до тех пор, пока наполеоновские режимы не принесли новый археологический классицизм, который был принят как политическое заявление молодыми, прогрессивными, городскими итальянцами с республиканскими наклонностями. [ по мнению кого? ]

В декоративно-прикладном искусстве неоклассицизм представлен в мебели в стиле ампир, изготовленной в Париже, Лондоне, Нью-Йорке, Берлине; в мебели в стиле бидермейер, изготовленной в Австрии; в музеях Карла Фридриха Шинкеля в Берлине, Банке Англии сэра Джона Соуна в Лондоне и недавно построенном « Капитолии Соединенных Штатов » в Вашингтоне, округ Колумбия; и в барельефах и вазах «черного базальта» Джозайи Веджвуда . Стиль был международным; шотландский архитектор Чарльз Кэмерон создал дворцовые интерьеры в итальянском стиле для рожденной в Германии Екатерины Великой в ​​Санкт-Петербурге, Россия.

Внутри неоклассицизм открыл подлинный классический интерьер, вдохновленный повторными открытиями в Помпеях и Геркулануме . Они начались в конце 1740-х годов, но достигли широкой аудитории только в 1760-х годах, [57] с первыми роскошными томами строго контролируемого распространения Le Antichità di Ercolano ( Древности Геркуланума ). Древности Геркуланума показали, что даже самые классицистические интерьеры барокко или самые «римские» комнаты Уильяма Кента были основаны на базилике и внешней архитектуре храма , повернутой снаружи вовнутрь, отсюда их часто помпезный вид для современных глаз: оконные рамы с фронтонами превратились в позолоченные зеркала, камины, увенчанные фасадами храмов. Новые интерьеры стремились воссоздать подлинно римский и подлинно внутренний словарь.

Техники, используемые в стиле, включали более плоские, легкие мотивы, высеченные в низком рельефе , подобном фризу, или расписанные монотонно en camaïeu («как камеи»), отдельные медальоны или вазы, или бюсты, или букрании , или другие мотивы, подвешенные на гирляндах из лавра или ленты, с тонкими арабесками на фоне, возможно, «помпейского красного» или бледных оттенков, или каменных цветов. Стиль во Франции изначально был парижским стилем, Goût grec («греческий стиль»), а не придворным стилем; когда Людовик XVI взошел на престол в 1774 году, Мария Антуанетта , его любящая моду королева, принесла стиль Людовика XVI ко двору. Однако до начала века не было никаких реальных попыток использовать основные формы римской мебели, и производители мебели были более склонны заимствовать элементы из античной архитектуры, так же как серебряных дел мастера были более склонны заимствовать элементы из древней керамики и резьбы по камню, чем из металлообработки: «Дизайнеры и мастера... похоже, получали почти извращенное удовольствие от переноса мотивов из одной среды в другую» [58] .

Замок Мальмезон , 1800 год, комната императрицы Жозефины , на грани между стилем Директории и стилем ампир.

Примерно с 1800 года свежий приток греческих архитектурных примеров, увиденных через офорты и гравюры, дал новый импульс неоклассицизму, греческому возрождению . В то же время стиль ампир был более грандиозной волной неоклассицизма в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве. В основном основанный на имперских римских стилях, он возник и получил свое название в правление Наполеона в Первой Французской империи, где он был призван идеализировать лидерство Наполеона и французское государство. Стиль соответствует более буржуазному стилю бидермейер в немецкоязычных странах, федеральному стилю в Соединенных Штатах, [57] стилю регентства в Великобритании и стилю наполеоновского стиля в Швеции. По словам историка искусств Хью Хонора , «впрочем, будучи, как иногда предполагают, кульминацией неоклассического движения, ампир знаменует его быстрый упадок и превращение снова в простое возрождение античности, лишенное всех возвышенных идей и силы убеждения, которые вдохновляли его шедевры». [59] Более ранняя фаза стиля в Великобритании называлась стилем Адама .

Неоклассицизм продолжал оставаться главной силой в академическом искусстве на протяжении всего XIX века и позже — постоянная антитеза романтизма или возрождения готики — хотя с конца XIX века во влиятельных критических кругах его часто считали антимодернистским или даже реакционным. [ кто? ] Центры нескольких европейских городов, в частности Санкт-Петербурга и Мюнхена , стали очень похожи на музеи неоклассической архитектуры.

Архитектура готического возрождения (часто связанная с романтическим культурным движением), стиль, возникший в XVIII веке и набиравший популярность в XIX веке, противопоставлялась неоклассицизму. В то время как неоклассицизм характеризовался греческими и римскими стилями, геометрическими линиями и порядком, архитектура готического возрождения делала акцент на зданиях средневекового вида, часто придававших им деревенский, «романтичный» вид.

Франция

Стиль Людовика XVI (1760–1789)

Он знаменует переход от рококо к классицизму. В отличие от классицизма Людовика XIV , который превратил орнаменты в символы, стиль Людовика XVI представляет их максимально реалистичными и естественными, то есть лавровые ветви действительно являются лавровыми ветвями, розы такими же и так далее. Одним из основных декоративных принципов является симметрия. В интерьерах используются очень яркие цвета, включая белый, светло-серый, ярко-голубой, розовый, желтый, очень светло-сиреневый и золотой. Избегается излишняя орнаментация. [70] Возврат к античности синонимичен, прежде всего, возврату к прямым линиям: строгие вертикали и горизонтали были в порядке дня. Змеевидные больше не допускались, за исключением случайных полукругов или овалов. Внутренний декор также чтил этот вкус к строгости, в результате чего плоские поверхности и прямые углы вернулись в моду. Орнамент использовался для опосредования этой строгости, но он никогда не мешал основным линиям и всегда располагался симметрично вокруг центральной оси. Тем не менее, эбенисты часто наклоняли передние углы, чтобы избежать излишней жесткости. [71]

Декоративные мотивы стиля Людовика XVI были вдохновлены античностью , стилем Людовика XIV и природой. Характерные элементы стиля: факел, перекрещенный с ножнами со стрелами, черепичные диски, гильоширование , двойные банты, дымящиеся жаровни, линейные повторения мелких мотивов ( розетки , бусины, овесы), трофейные или цветочные медальоны, свисающие с завязанной ленты, листья аканта , гирлянда , переплетение, меандры , рога изобилия , маскароны , античные урны, треножники, курильницы, дельфины, бараньи и львиные головы, химеры и грифоны . Также широко используются греко-римские архитектурные мотивы: каннелюры , пилястры (каннелюры и неканнелюры), каннелюры (витые и прямые), колонны ( зацепленные и незацепленные, иногда заменяемые кариатидами ), консольные завитки , триглифы с гутта (рельефные и с эффектом trompe-l'œil ). [72]

Стиль Директории (1789–1804)

Стиль ампир (1804–1815)

Neoclassicism was representative for the new French society that exited the revolution, setting the tone in all life fields, including art. The Jacquard machine was invented during this period (which revolutionised the entire sewing system, manual until then). One of the dominant colours was red, decorated with gilt bronze. Bright colours were also used, including white, cream, violet, brown, blue, dark red, with little ornaments of gilt bronze. Interior architecture included wood panels decorated with gilt reliefs (on a white background or a coloured one). Motifs were placed geometrically. The walls were covered in stuccos, wallpaper fabrics. Fireplace mantels were made of white marble, having caryatids at their corners, or other elements: obelisks, sphinxes, winged lions, and so on. Bronze objects were placed on their tops, including mantel clocks. The doors consisted of simple rectangular panels, decorated with a Pompeian-inspired central figure. Empire fabrics are damasks with a blue or brown background, satins with a green, pink or purple background, velvets of the same colors, brooches broached with gold or silver, and cotton fabrics. All of these were used in interiors for curtains, for covering certain furniture, for cushions or upholstery (leather was also used for upholstery).[79]

All Empire ornament is governed by a rigorous spirit of symmetry reminiscent of the Louis XIV style. Generally, the motifs on a piece's right and left sides correspond to one another in every detail; when they do not, the individual motifs themselves are entirely symmetrical in composition: antique heads with identical tresses falling onto each shoulder, frontal figures of Victory with symmetrically arrayed tunics, identical rosettes or swans flanking a lock plate, etc. Like Louis XIV, Napoleon had a set of emblems unmistakably associated with his rule, most notably the eagle, the bee, stars, and the initials I (for Imperator) and N (for Napoleon), which were usually inscribed within an imperial laurel crown. Motifs used include: figures of Victory bearing palm branches, Greek dancers, nude and draped women, figures of antique chariots, winged putti, mascarons of Apollo, Hermes and the Gorgon, swans, lions, the heads of oxen, horses and wild beasts, butterflies, claws, winged chimeras, sphinxes, bucrania, sea horses, oak wreaths knotted by thin trailing ribbons, climbing grape vines, poppy rinceaux, rosettes, palm branches, and laurel. There's a lot of Greco-Roman ones: stiff and flat acanthus leaves, palmettes, cornucopias, beads, amphoras, tripods, imbricated disks, caduceuses of Mercury, vases, helmets, burning torches, winged trumpet players, and ancient musical instruments (tubas, rattles and especially lyres). Despite their antique derivation, the fluting and triglyphs so prevalent under Louis XVI are abandoned. Egyptian Revival motifs are especially common at the beginning of the period: scarabs, lotus capitals, winged disks, obelisks, pyramids, figures wearing nemeses, caryatids en gaine supported by bare feet and with women Egyptian headdresses.[80]

Germany

Neoclassical architecture became widespread as a symbol of wealth and power in Germany, mostly in what was then Prussia. Karl Friedrich Schinkel built many prominent buildings in this style, including the Altes Museum in Berlin. While the city remained dominated by Baroque city planning, his architecture and functional style provided the city with a distinctly neoclassical center.

His Bauakademie is considered one of the forerunners of modern architecture due to its hithertofore relatively streamlined façade of the building

Italy

From the second half of the 18th century through the 19th century, Italy went through a great deal of socio-economic changes, several foreign invasions and the turbulent Risorgimento, which resulted in Italian unification in 1861. Thus, Italian art went through a series of minor and major changes in style.

Italian Neoclassicism was the earliest manifestation of the general period known as Neoclassicism and lasted more than the other national variants of neoclassicism. It developed in opposition to the Baroque style around c. 1750 and lasted until c. 1850. Neoclassicism began around the period of the rediscovery of Pompeii and spread all over Europe as a generation of art students returned to their countries from the Grand Tour in Italy with rediscovered Greco-Roman ideals. It first centred in Rome where artists such as Antonio Canova and Jacques-Louis David were active in the second half of the 18th century, before moving to Paris. Painters of Vedute, like Canaletto and Giovanni Paolo Panini, also enjoyed a huge success during the Grand Tour. Neoclassical architecture was inspired by the Renaissance works of Andrea Palladio and saw in Luigi Vanvitelli the main interpreters of the style.

Classicist literature had a great impact on the Risorgimento movement: the main figures of the period include Vittorio Alfieri, Giuseppe Parini, Vincenzo Monti and Ugo Foscolo, Giacomo Leopardi and Alessandro Manzoni (nephew of Cesare Beccaria), who were also influenced by the French Enlightenment and German Romanticism. The virtuoso violinist Paganini and the operas of Rossini, Donnizetti, Bellini and, later, Verdi dominated the scene in Italian classical and romantic music.

The art of Francesco Hayez and especially that of the Macchiaioli represented a break with the classical school, which came to an end as Italy unified (see Italian modern and contemporary art). Neoclassicism was the last Italian-born style, after the Renaissance and Baroque, to spread to all Western Art.

Romania

During the 19th century, the predominant style in Wallachia and Moldavia, later the Kingdom of Romania, was Classicism which lasted for a long time, until the 20th century, although it coexisted in some short periods with other styles. Foreign architects and engineers were invited here since the first decade of the 19th century. Most of the architects that built during the beginning of the century were foreigners because Romanians did not have yet the instruction needed for designing buildings that were very different compared to the Romanian tradition. Usually using Classicism, they started building together with Romanian artisans, usually prepared in foreign schools or academies. Romanian architects studied in Western European schools as well. One example is Alexandru Orăscu, one of the representatives of Neoclassicism in Romania.

Classicism manifested both in religious and secular architecture. A good example of secular architecture is the Știrbei Palace on Calea Victoriei (Bucharest), built around the year 1835, after the plans of French architect Michel Sanjouand. It received a new level in 1882, designed by Austrian architect Joseph Hartmann[85][86]

Russia and the Soviet Union

In 1905–1914 Russian architecture passed through a brief but influential period of Neoclassical revival; the trend began with recreation of Empire style of Alexandrine period and quickly expanded into a variety of neo-Renaissance, Palladian and modernized, yet recognizably classical schools. They were led by architects born in the 1870s, who reached creative peak before World War I, like Ivan Fomin, Vladimir Shchuko and Ivan Zholtovsky. When the economy recovered in the 1920s, these architects and their followers continued working in primarily modernist environment; some (Zholtovsky) strictly followed the classical canon, others (Fomin, Schuko, Ilya Golosov) developed their own modernized styles.[87]

With the crackdown on architect's independence and official denial of modernism (1932), demonstrated by the international contest for the Palace of Soviets, Neoclassicism was instantly promoted as one of the choices in Stalinist architecture, although not the only choice. It coexisted with moderately modernist architecture of Boris Iofan, bordering with contemporary Art Deco (Schuko); again, the purest examples of the style were produced by Zholtovsky school that remained an isolated phenomena. The political intervention was a disaster for constructivist leaders yet was sincerely welcomed by architects of the classical schools.

Neoclassicism was an easy choice for the Soviet Union since it did not rely on modern construction technologies (steel frame or reinforced concrete) and could be reproduced in traditional masonry. Thus the designs of Zholtovsky, Fomin and other old masters were easily replicated in remote towns under strict material rationing. Improvement of construction technology after World War II permitted Stalinist architects to venture into skyscraper construction, although stylistically these skyscrapers (including "exported" architecture of Palace of Culture and Science, Warsaw and the Shanghai International Convention Centre) share little with the classical models. Neoclassicism and neo-Renaissance persisted in less demanding residential and office projects until 1955, when Nikita Khrushchev put an end to expensive Stalinist architecture.

The United Kingdom

The Adam style was created by two brothers, Adam and James, who published in 1777 a volume of etchings with interior ornamentation. In the interior decoration made after Robert Adam's drawings, the walls, ceilings, doors, and any other surface, are divided into big panels: rectangular, round, square, with stuccos and Greco-Roman motifs at the edges. Ornaments used include festoons, pearls, egg-and-dart bands, medallions, and any other motifs used during the Classical antiquity (especially the Etruscan ones). Decorative fittings such as urn-shaped stone vases, gilded silverware, lamps, and stauettes all have the same source of inspiration, classical antiquity. The Adam style emphasizes refined rectangular mirrors, framed like paintings (in frames with stylised leafs), or with a pediment above them, supporting an urn or a medallion. Another design of Adam mirrors is shaped like a Venetian window, with a big central mirror between two other thinner and longer ones. Another type of mirrors are the oval ones, usually decorated with festoons. The furniture in this style has a similar structure to Louis XVI furniture.[94]

Besides the Adam style, when it comes to decorative arts, England is also known for the ceramic manufacturer Josiah Wedgwood (1730–1795), who established a pottery called Etruria. Wedgwood ware is made of a material called jasperware, a hard and fine-grained type of stoneware. Wedgwood vases are usually decorated with reliefs in two colours, in most cases the figures being white and the background blue.

The United States

On the American continent, architecture and interior decoration have been highly influenced by the styles developed in Europe. The French taste has highly marked its presence in the southern states (after the French Revolution some emigrants have moved here, and in Canada a big part of the population has French origins). The practical spirit and the material situation of the Americans at that time gave the interiors a typic atmosphere. All the American furniture, carpets, tableware, ceramic, and silverware, with all the European influences, and sometimes Islamic, Turkish or Asian, were made in conformity with the American norms, taste, and functional requirements. There have existed in the US a period of the Queen Anne style, and an Chippendale one. A style of its own, the Federal style, has developed completely in the 18th and early 19th centuries, which has flourished being influenced by Britannic taste. Under the impulse of Neoclassicism, architecture, interiors, and furniture have been created. The style, although it has numerous characteristics which differ from state to state, is unitary. The structures of architecture, interiors, and furniture are Classicist, and incorporate Baroque and Rococo influences. The shapes used include rectangles, ovals, and crescents. Stucco or wooden panels on walls and ceilings reproduce Classicist motifs. Furniture tend to be decorated with floral marquetry and bronze or brass inlays (sometimes gilded).[98]

Gardens

In England, Augustan literature had a direct parallel with the Augustan style of landscape design. The links are clearly seen in the work of Alexander Pope. The best surviving examples of Neoclassical English gardens are Chiswick House, Stowe House and Stourhead.[99]

Fashion

In fashion, Neoclassicism influenced the much greater simplicity of women's dresses, and the long-lasting fashion for white, from well before the French Revolution, but it was not until after it that thorough-going attempts to imitate ancient styles became fashionable in France, at least for women. Classical costumes had long been worn by fashionable ladies posing as some figure from Greek or Roman myth in a portrait (in particular there was a rash of such portraits of the young model Emma, Lady Hamilton from the 1780s), but such costumes were only worn for the portrait sitting and masquerade balls until the Revolutionary period, and perhaps, like other exotic styles, as undress at home. But the styles worn in portraits by Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Thérésa Tallien and other Parisian trend-setters were for going-out in public as well. Seeing Mme Tallien at the opera, Talleyrand quipped that: "Il n'est pas possible de s'exposer plus somptueusement!" ("One could not be more sumptuously undressed"). In 1788, just before the Revolution, the court portraitist Louise Élisabeth Vigée Le Brun had held a Greek supper where the ladies wore plain white Grecian tunics.[100] Shorter classical hairstyles, where possible with curls, were less controversial and very widely adopted, and hair was now uncovered even outdoors; except for evening dress, bonnets or other coverings had typically been worn even indoors before. Thin Greek-style ribbons or fillets were used to tie or decorate the hair instead.

Very light and loose dresses, usually white and often with shockingly bare arms, rose sheer from the ankle to just below the bodice, where there was a strongly emphasized thin hem or tie round the body, often in a different colour. The shape is now often known as the Empire silhouette although it predates the First French Empire of Napoleon, but his first Empress Joséphine de Beauharnais was influential in spreading it around Europe. A long rectangular shawl or wrap, very often plain red but with a decorated border in portraits, helped in colder weather, and was apparently laid around the midriff when seated—for which sprawling semi-recumbent postures were favoured.[101] By the start of the 19th century, such styles had spread widely across Europe.

Neoclassical fashion for men was far more problematic, and never really took off other than for hair, where it played an important role in the shorter styles that finally despatched the use of wigs, and then white hair-powder, for younger men. The trouser had been the symbol of the barbarian to the Greeks and Romans, but outside the painter's or, especially, the sculptor's studio, few men were prepared to abandon it. Indeed, the period saw the triumph of the pure trouser, or pantaloon, over the culotte or knee-breeches of the Ancien Régime. Even when David designed a new French "national costume" at the request of the government during the height of the Revolutionary enthusiasm for changing everything in 1792, it included fairly tight leggings under a coat that stopped above the knee. A high proportion of well-to-do young men spent much of the key period in military service because of the French Revolutionary Wars, and military uniform, which began to emphasize jackets that were short at the front, giving a full view of tight-fitting trousers, was often worn when not on duty, and influenced civilian male styles.

The trouser-problem had been recognised by artists as a barrier to creating contemporary history paintings; like other elements of contemporary dress they were seen as irredeemably ugly and unheroic by many artists and critics. Various stratagems were used to avoid depicting them in modern scenes. In James Dawkins and Robert Wood Discovering the Ruins of Palmyra (1758) by Gavin Hamilton, the two gentleman antiquaries are shown in toga-like Arab robes. In Watson and the Shark (1778) by John Singleton Copley, the main figure could plausibly be shown nude, and the composition is such that of the eight other men shown, only one shows a single breeched leg prominently. However the Americans Copley and Benjamin West led the artists who successfully showed that trousers could be used in heroic scenes, with works like West's The Death of General Wolfe (1770) and Copley's The Death of Major Peirson, 6 January 1781 (1783), although the trouser was still being carefully avoided in The Raft of the Medusa, completed in 1819.

Classically inspired male hairstyles included the Bedford Crop, arguably the precursor of most plain modern male styles, which was invented by the radical politician Francis Russell, 5th Duke of Bedford as a protest against a tax on hair powder; he encouraged his friends to adopt it by betting them they would not. Another influential style (or group of styles) was named by the French "coiffure à la Titus" after Titus Junius Brutus (not in fact the Roman Emperor Titus as often assumed), with hair short and layered but somewhat piled up on the crown, often with restrained quiffs or locks hanging down; variants are familiar from the hair of both Napoleon and George IV of the United Kingdom. The style was supposed to have been introduced by the actor François-Joseph Talma, who upstaged his wigged co-actors when appearing in productions of works such as Voltaire's Brutus (about Lucius Junius Brutus, who orders the execution of his son Titus). In 1799 a Parisian fashion magazine reported that even bald men were adopting Titus wigs,[102] and the style was also worn by women, the Journal de Paris reporting in 1802 that "more than half of elegant women were wearing their hair or wig à la Titus.[103]

Music

Neoclassicism in music is a 20th-century movement; in this case it is the Classical and Baroque musical styles of the 17th and 18th centuries, with their fondness for Greek and Roman themes, that were being revived, not the music of the ancient world itself. (The early 20th century had not yet distinguished the Baroque period in music, on which Neoclassical composers mainly drew, from what we now call the Classical period.) The movement was a reaction in the first part of the 20th century to the disintegrating chromaticism of late-Romanticism and Impressionism, emerging in parallel with musical Modernism, which sought to abandon key tonality altogether. It manifested a desire for cleanness and simplicity of style, which allowed for quite dissonant paraphrasing of classical procedures, but sought to blow away the cobwebs of Romanticism and the twilit glimmerings of Impressionism in favour of bold rhythms, assertive harmony and clean-cut sectional forms, coinciding with the vogue for reconstructed "classical" dancing and costume in ballet and physical education.

The 17th–18th century dance suite had had a minor revival before World War I but the Neoclassicists were not altogether happy with unmodified diatonicism, and tended to emphasise the bright dissonance of suspensions and ornaments, the angular qualities of 17th-century modal harmony and the energetic lines of countrapuntal part-writing. Ottorino Respighi's Ancient Airs and Dances (1917) led the way for the sort of sound to which the Neoclassicists aspired. Although the practice of borrowing musical styles from the past has not been uncommon throughout musical history, art musics have gone through periods where musicians used modern techniques coupled with older forms or harmonies to create new kinds of works. Notable compositional characteristics are: referencing diatonic tonality, conventional forms (dance suites, concerti grossi, sonata forms, etc.), the idea of absolute music untramelled by descriptive or emotive associations, the use of light musical textures, and a conciseness of musical expression. In classical music, this was most notably perceived between the 1920s and the 1950s. Igor Stravinsky is the best-known composer using this style; he effectively began the musical revolution with his Bach-like Octet for Wind Instruments (1923). A particular individual work that represents this style well is Prokofiev's Classical Symphony No. 1 in D, which is reminiscent of the symphonic style of Haydn or Mozart. Neoclassical ballet as innovated by George Balanchine de-cluttered the Russian Imperial style in terms of costume, steps and narrative, while also introducing technical innovations.

Later Neoclassicism and continuations

After the middle of the 19th century, Neoclassicism starts to no longer be the main style, being replaced by Eclecticism of Classical styles. The Palais Garnier in Paris is a good example of this, since despite being predominantly Neoclassical, it features elements and ornaments taken from Baroque and Renaissance architecture. This practice was frequent in late 19th and early 20th century architecture, before World War I. Besides Neoclassicism, the Beaux-Arts de Paris well known for this eclecticism of Classical styles.

Pablo Picasso experimented with classicizing motifs in the years immediately following World War I.[106]

In American architecture, Neoclassicism was one expression of the American Renaissance movement, ca. 1890–1917; its last manifestation was in Beaux-Arts architecture, and its final large public projects were the Lincoln Memorial (highly criticized at the time), the National Gallery of Art in Washington, D.C. (also heavily criticized by the architectural community as being backward thinking and old fashioned in its design), and the American Museum of Natural History's Roosevelt Memorial. These were considered stylistic anachronisms when they were finished. In the British Raj, Sir Edwin Lutyens' monumental city planning for New Delhi marks the sunset of Neoclassicism. World War II was to shatter most longing for (and imitation of) a mythical time.

There was an entire 20th-century movement in the non-visual arts which was also called Neoclassicism. It encompassed at least music, philosophy and literature. It was between the end of World War I and the end of World War II. (For information on the musical aspects, see 20th-century classical music and Neoclassicism in music. For information on the philosophical aspects, see Great Books.)

This literary Neoclassical movement rejected the extreme romanticism of (for example) Dada, in favour of restraint, religion (specifically Christianity) and a reactionary political program. Although the foundations for this movement in English literature were laid by T. E. Hulme, the most famous Neoclassicists were T. S. Eliot and Wyndham Lewis. In Russia, the movement crystallized as early as 1910 under the name of Acmeism, with Anna Akhmatova and Osip Mandelshtam as the leading representatives.

Art Deco

Although it started to be seen as 'dated' after WW1, principles, proportions and other Neoclassical elements were not abandoned yet. Art Deco was the dominant style during the interwar period, and it corresponds with the taste of a bourgeois elite for high class French styles of the past, including the Louis XVI, Directoire and Empire (the period styles of French Neoclassicism). At the same time, the French elite was equally capable of appreciating Modern art, like the works of Pablo Picasso or Amedeo Modigliani. The result of this situation is the early Art Deco style, which uses both new and old elements. The Palais de Tokyo from 1937 in Paris, by André Aubert and Marcel Dastugue, is a good example of this. Although ornaments are not used here, the facade being decorated only with reliefs, the way columns are present here is a strong reminiscence of Neoclassicism. Art Deco design often drew on Neoclassical motifs without expressing them overtly: severe, blocky commodes by Émile-Jacques Ruhlmann or Louis Süe & André Mare; crisp, extremely low-relief friezes of damsels and gazelles in every medium; fashionable dresses that were draped or cut on the bias to recreate Grecian lines; the art dance of Isadora Duncan. Conservative modernist architects such as Auguste Perret in France kept the rhythms and spacing of columnar architecture even in factory buildings.

The oscillation of Art Deco between the use of historic elements, shapes and proportions, and the appetite for 'new', for Modernism, is the result of multiple factors. One of them is eclecticism. The complexity and heterogeneity of Art Deco is largely due to the eclectic spirit. Stylized elements from repertoire of Beaux-Arts, Neoclassicism, or of cultures distant in time and space (Ancient Egypt, Pre-Columbian Americas, or Sub-Saharian African art) are put together with references to Modernist avant-guard artists of the early 20th century (Henri Matisse, Amedeo Modigliani or Constantin Brâncuși). The Art Deco phenomenon owes to academic eclecticism and Neoclassicism mainly the existence of a specific architecture. Without the contribution of the Beaux-Arts trained architects, Art Deco architecture would have remained, with the exception of residential buildings, a collection of decorative objects magnified to an urban scale, like the pavilions of the International Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts from 1925, controversial at their time. Another reason for the swinging between historical elements and modernism was consumer culture. Objects and buildings in the puritan International style, devoid of any ornamentation or citation of the past, were too radical for the general public. In interwar France and England, the spirit of the public and much architectural criticism could not conceive a style totally deprived of ornament, like the International style.

The use of historic styles as sources of inspiration for Art Deco starts as far back as the years before WW1, through the efforts of decorators like Maurice Dufrêne, Paul Follot, Paul Iribe, André Groult, Léon Jallot or Émile-Jacques Ruhlmann, who relate to the prestigious French artistic and handicraft tradition of the late 18th and early 19th centuries (the Louis XVI, Directoire and Louis Philippe), and who want to bring a new approach to these styles. The neo-Louis XVI style was really popular in France and Romania in the years before WW1, around 1910, and it heavily influenced multiple early Art Deco designs and buildings. A good example of this is the Château de Sept-Saulx in Grand Est, France, by Louis Süe, 1928–1929.[114]

Neoclassicism and Totalitarian regimes

In Fascist Italy, Nazi Germany, Romania under the rule of Carol II and the Soviet Union, during the 1920s and 1930s, totalitarian regimes chose Neoclassicism for state buildings and art. Architecture was central to totalitarian regimes' expression of their permanence (despite their obvious novelty). The way totalitarian regimes drew from Classicism took many forms. When it comes to state buildings in Italy and Romania, architects attempted to fuse a modern sensibility with abstract classical forms. Two good examples of this are the Palazzo della Civiltà Italiana in Rome, and the University Rectorate and Law Faculty Building in Bucharest (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46). In contrast, the Classicism of the Soviet Union, known as Socialist Realism, was bombastic, overloaded with ornaments and architectural sculptures, as an attempt to be in contrast with the simplicity of 'Capitalist' or 'bourgeois' styles like Art Deco or Modernism. The Lomonosov University in Moscow is a good example of this. Nikita Khrushchev, the Soviet leader that succeeded Stalin, did not like this pompous Socialist Realist architecture from the reign of his predecessor. Because of the low speed and cost of these Neoclassical buildings, he stated that 'they spent people's money on beauty that no one needs, instead of building simpler, but more'.

In the Soviet Union, Neoclassicism was embraced as a rejection of Art Deco and Modernism, which the Communists saw as being too 'bourgeois' and 'capitalist'. This Communist Neoclassical style is known as Socialist Realism, and it was popular during the reign of Joseph Stalin (1924–1953). In fine art. Generally, it manifested through deeply idealized representations of wiry workers, shown as heroes in collective farms or industrialized cities, political assemblies, achievements of Soviet technology, and through depictions happy children staying around Lenin or Stalin. Both subject matter and representation were carefully monitored. Artistic merit was determined by the degree to which a work contributed to the building of socialism. All artists had to join the state-controlled Union of Soviet Artists and produce work in the accepted style. The three guiding principles of Socialist Realism were party loyalty, presentation of correct ideology and accessibility. Realism, more easily understood by the masses, was the style of choice. At the beginning, in the Soviet Union, multiple competing avant-garde movements were present, notably Constructivism. However, as Stalin consolidated his power towards the end of the 1920s, avant-garde art and architecture were suppressed and eventually outlawed and official state styles were established. After Boris Iofan won the competition for the design of the Palace of the Soviets with a stepped classical tower, surmounted by a giant statue of Lenin, architecture soon reverted to pre-Revolutionary styles of art and architecture, untainted by Constructivism's perceived Western influence.[121] Although Socialist Realism in architecture ended more or less with the death of Stalin and the rise of Nikita Khrushchev, paintings in this style continued to be produced, especially in countries where there was a strong personality cult of the leader in power, like in the case of Mao Zedong's China, Kim Il Sung's North Korea, or Nicolae Ceaușescu's Romania.

The Nazis suppressed Germany's vibrant avant-garde culture once they gained control of the government in 1933. Albert Speer was set as Adolf Hitler's architectural advisor in 1934, and he tried to create an architecture that would both reflect the perceived unity of the German people and act as backdrop to the Nazis' expressions of power. The Nazis' approach to architecture was riffled with contradictions: while Hitler and Speer's plans for reordering Berlin aspired to imitate imperial Rome, in rural contexts Nazi buildings took inspiration from local vernaculars, trying to channel an 'authentic' German spirit. When it come to fine art, the Nazis created the term 'Degenerate art' for Modern art, a kind of art which to them was 'un-German', 'Jewish' or 'Communist'. The Nazis hated modern art and linked it to 'Cultural Bolshevism', the conspiracy theory that art (or culture broadly) was controlled by a leftist Jewish cabal seeking to destroy the aryan race. Hitler's war on Modern art mostly consisted of an exhibition that tried to discredit Modern artists, called the 'Degenerate Art exhibition' (‹See Tfd›German: Die Ausstellung "Entartete Kunst"). This exhibition was displayed next to the Great Exhibition of German Art, which consisted of artworks that the Nazis approved of. This way, the visitiors of both exhibitions could compare the art labeled by the regime as 'good' and 'bad'. With a similar atitude, the regime closed in 1931 the Bauhaus, an avant-garde art school in Dessau that was extremely influential post-war. It reopened in Berlin in 1932, but was closed again in 1933.

Compared to Germany and the Soviet Union, in Italy the avant-garde contributed to state architecture. Classical architecture was also an influence, echoing Benito Mussolini's far cruder attempts to create links between his Fascist regime and ancient Rome. Some Italian architects tried to create fusions between Modernism and Classicism, like Marcello Piacentini with the Sapienza University of Rome, or Giuseppe Terragni with Casa del Fascio in Como.[122]

In Romania, towards the late 1930s, influenced by the Autocratic tendency of King Carol II, multiple state buildings were erected. They were Neoclassical, many very similar with what was popular in the same years in Fascist Italy. Examples in Bucharest include the University Rectorate and Law Faculty Building (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46), the Kretzulescu Apartment Building (Calea Victoriei no. 45), the CFR Building (Bulevardul Dinicu Golescu no. 38) or the Victoria Palace (Piața Victoriei no. 1). The Royal Palace, whose interiors are mostly done in a neo-Adam style, stands out by being more decorated, a little closer to the architecture before World War I.

Postmodernism

An early text questioning Modernism was by architect Robert Venturi, Complexity and Contradiction in Architecture (1966), in which he recommended a revival of the 'presence of the past' in architectural design. He tried to include in his own buildings qualities that he described as 'inclusion, inconsistency, compromise, accommodation, adaptation, superadjacency, equivalence, multiple focus, juxtaposition, or good and bad space.'[135] Robert Venturi's work reflected the broader counter-cultural mood of the 1960s which saw younger generations begin to question and challenge the political, social and racial realities with which they found themselves confronted. This rejection of Modernism is known as Postmodernism. Robert Venturi parodies Ludwig Mies van der Rohe's well-known maxim 'less is more' with 'less is a bore'. During the 1980s and 1990s, some Postmodern architects found a refuge in a sort of Neo-Neoclassicism. Their use of Classicism was not limited only to ornaments, using more or less proportions and other principles too. Post-Modern Classicism had been variously described by some people as 'camp' or 'kitsch'. An architect who has been remarked through Post-Modern Classicism is Ricardo Bofill. His work includes two housing projects of titanic scale near Paris, known as Les Arcades du Lac from 1975 to 1981, and Les Espaces d'Abraxas from 1978 to 1983. A building that stands out through its revivalism is the J. Paul Getty Museum, in Malibu, California, from 1970 to 1975, inspired by the ancient Roman Villa of the Papyri at Herculaneum. The J. Paul Getty Museum is far closer to 19th century Neoclassicism, like the Pompejanum in Aschaffenburg, Germany, than to Post-Modern Classicism of the 1980s.[136]

Architecture in the 21st century

After a lull during the period of modern architectural dominance (roughly post-World War II until the mid-1980s), Neoclassicism has seen something of a resurgence.

As of the first decade of the 21st century, contemporary Neoclassical architecture is usually classed under the umbrella term of New Classical Architecture. Sometimes it is also referred to as Neo-Historicism or Traditionalism.[138] Also, a number of pieces of postmodern architecture draw inspiration from and include explicit references to Neoclassicism, Antigone District and the National Theatre of Catalonia in Barcelona among them. Postmodern architecture occasionally includes historical elements, like columns, capitals or the tympanum.

For sincere traditional-style architecture that sticks to regional architecture, materials and craftsmanship, the term Traditional Architecture (or vernacular) is mostly used. The Driehaus Architecture Prize is awarded to major contributors in the field of 21st century traditional or classical architecture, and comes with a prize money twice as high as that of the modernist Pritzker Prize.[139]

In the United States, various contemporary public buildings are built in Neoclassical style, with the 2006 Schermerhorn Symphony Center in Nashville being an example.

In Britain, a number of architects are active in the Neoclassical style. Examples of their work include two university libraries: Quinlan Terry's Maitland Robinson Library at Downing College and Robert Adam Architects' Sackler Library.

See also

Notes

  1. ^ Stevenson, Angus (2010-08-19). Oxford Dictionary of English. OUP Oxford. ISBN 9780199571123.
  2. ^ Kohle, Hubertu. (August 7, 2006). "The road from Rome to Paris. The birth of a modern Neoclassicism". Jacques Louis David. New perspectives.
  3. ^ Baldick, Chris (2015). "Neoclassicism". The Oxford Dictionary of Literary Terms (Online Version) (4th ed.). Oxford University Press. ISBN 9780191783234.
  4. ^ Greene, Roland; et al., eds. (2012). "Neoclassical poetics". The Princeton Encyclopedia of Poetry and Poetics (4th rev. ed.). Princeton, NJ: Princeton University Press. ISBN 978-0-691-15491-6.
  5. ^ "Neoclassical architecture | Definition, Characteristics, Examples, & Facts | Britannica". www.britannica.com. 2023-06-01. Retrieved 2023-07-30.
  6. ^ "Classical / Classical Revival / Neo-Classical: an architectural style guide". www.architecture.com. Retrieved 2023-07-30.
  7. ^ Irwin, David G. (1997). Neoclassicism A&I (Art and Ideas). Phaidon Press. ISBN 978-0-7148-3369-9.
  8. ^ Honour, 17–25; Novotny, 21
  9. ^ A recurring theme in Clark: 19–23, 58–62, 69, 97–98 (on Ingres); Honour, 187–190; Novotny, 86–87
  10. ^ Lingo, Estelle Cecile (2007). François Duquesnoy and the Greek ideal. Yale University Press; First Edition. pp. 161. ISBN 978-0-300-12483-5.
  11. ^ Talbott, Page (1995). Classical Savannah: fine & decorative arts, 1800-1840. University of Georgia Press. p. 6. ISBN 978-0-8203-1793-9.
  12. ^ Cunningham, Reich, Lawrence S., John J. (2009). Culture and values: a survey of the humanities. Wadsworth Publishing; 7 edition. p. 104. ISBN 978-0-495-56877-3.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
  13. ^ Honour, 57–62, 61 quoted
  14. ^ Both quotes from the first pages of "Thoughts on the Imitation of Greek Works in Painting and Sculpture"
  15. ^ "Industrial History of European Countries". European Route of Industrial Heritage. Council of Europe. Retrieved 2 June 2021.
  16. ^ North, Douglass C.; Thomas, Robert Paul (May 1977). "The First Economic Revolution". The Economic History Review. 30 (2). Wiley on behalf of the Economic History Society: 229–230. doi:10.2307/2595144. JSTOR 2595144. Retrieved 6 June 2022.
  17. ^ Dyson, Stephen L. (2006). In Pursuit of Ancient Pasts: A History of Classical Archaeology in the Nineteenth and Twentieth Centuries. Yale University Press. pp. xii. ISBN 978-0-300-11097-5.
  18. ^ Honour, 21
  19. ^ Honour, 11, 23–25
  20. ^ Honour, 44–46; Novotny, 21
  21. ^ Honour, 43–62
  22. ^ Fortenberry 2017, p. 275.
  23. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 413. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  24. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 211. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  25. ^ a b Fortenberry 2017, p. 276.
  26. ^ Robertson, Hutton (2022). The History of Art - From Prehistory to Presentday - A Global View. Thames & Hudson. p. 993. ISBN 978-0-500-02236-8.
  27. ^ Andrew, Graham-Dixon (2023). art - The Definitive Visual History. Dorling Kindersley Limited. p. 251. ISBN 978-0-2416-2903-1.
  28. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 59. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  29. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 298. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  30. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 419. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  31. ^ Andrew, Graham-Dixon (2023). art - The Definitive Visual History. Dorling Kindersley Limited. p. 270. ISBN 978-0-2416-2903-1.
  32. ^ Andrew, Graham-Dixon (2023). art - The Definitive Visual History. Dorling Kindersley Limited. p. 298. ISBN 978-0-2416-2903-1.
  33. ^ Clark, 20 (quoted); Honour, 14; image of the painting (in fairness, other works by Mengs are more successful)
  34. ^ Honour, 31–32 (31 quoted)
  35. ^ Honour, 113–114
  36. ^ Honour, 14
  37. ^ Novotny, 62
  38. ^ Novotny, 51–54
  39. ^ Clark, 45–58 (47–48 quoted); Honour, 50–57
  40. ^ Honour, 34–37; Clark, 21–26; Novotny, 19–22
  41. ^ Novotny, 39–47; Clark, 97–145; Honour, 187–190
  42. ^ ART ● Architecture ● Painting ● Sculpture ● Graphics ● Design. Gardners Books. 2011. p. 313. ISBN 978-1-4454-5585-3.
  43. ^ a b c Andrew, Graham-Dixon (2023). art - The Definitive Visual History. Dorling Kindersley Limited. p. 273. ISBN 978-0-2416-2903-1.
  44. ^ Laneyrie-Dagen, Nadeije (2021). Historie de l'art pour tous (in French). Hazan. p. 264. ISBN 978-2-7541-1230-7.
  45. ^ Laneyrie-Dagen, Nadeije (2021). Historie de l'art pour tous (in French). Hazan. p. 265. ISBN 978-2-7541-1230-7.
  46. ^ Fortenberry 2017, p. 278.
  47. ^ Novotny, 378
  48. ^ Novotny, 378–379
  49. ^ Chinard, Gilbert, ed., Houdon in America Arno PressNy, 1979, a reprint of a book published by Johns Hopkins University, 1930
  50. ^ Novotny, 379–384
  51. ^ Novotny, 384–385
  52. ^ Novotny, 388–389
  53. ^ Novotny, 390–392
  54. ^ Gerdts, William H., American Neo-Classic Sculpture: The Marble Resurrection, Viking Press, New York, 1973 p. 11
  55. ^ Larbodière, Jean-Marc (2015). L'Architecture de Paris des Origins à Aujourd'hui (in French). Massin. p. 106. ISBN 978-2-7072-0915-3.
  56. ^ Palmer, Alisson Lee. Historical dictionary of neoclassical art and architecture. p. 1.
  57. ^ a b Gontar
  58. ^ Honour, 110–111, 110 quoted
  59. ^ Honour, 171–184, 171 quoted
  60. ^ de Martin 1925, p. 11.
  61. ^ Jones 2014, p. 276.
  62. ^ de Martin 1925, p. 13.
  63. ^ a b c Jones 2014, p. 273.
  64. ^ Jacquemart, Albert (2012). Decorative Art. Parkstone. p. 65. ISBN 978-1-84484-899-7.
  65. ^ Larbodière, Jean-Marc (2015). L'Architecture de Paris des Origins à Aujourd'hui (in French). Massin. p. 105. ISBN 978-2-7072-0915-3.
  66. ^ de Martin 1925, p. 17.
  67. ^ "Corner Cabinet - The Art Institute of Chicago".
  68. ^ de Martin 1925, p. 61.
  69. ^ a b Jacquemart, Albert (2012). Decorative Art. Parkstone. p. 61. ISBN 978-1-84484-899-7.
  70. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 200, 201 & 202.
  71. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 71.
  72. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 72.
  73. ^ "ASTRONOMICAL CLOCK". madparis.fr. Retrieved 23 May 2021.
  74. ^ "Bergère du salon de Madame Récamier (OA 11384 à 11391), d'une paire avec OA 11386". collections.louvre.fr. 1799. Retrieved 23 May 2022.
  75. ^ Jones 2014, p. 275.
  76. ^ a b Hopkins 2014, p. 111.
  77. ^ Odile, Nouvel-Kammerer (2007). Symbols of Power • Napoleon and the Art of the Empire Style • 1800-1815. Abrams. p. 209. ISBN 978-0-8109-9345-7.
  78. ^ Odile, Nouvel-Kammerer (2007). Symbols of Power • Napoleon and the Art of the Empire Style • 1800-1815. Abrams. p. 32. ISBN 978-0-8109-9345-7.
  79. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 217, 219, 220 & 221.
  80. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 103 & 105.
  81. ^ Ispir, Mihai (1984). Clasicismul în Arta Românească (in Romanian). Editura Meridiane.
  82. ^ Florea, Vasile (2016). Arta Românească de la Origini până în Prezent. Litera. pp. 296, 297. ISBN 978-606-33-1053-9.
  83. ^ Oltean, Radu (2009). București 550 de ani de la prima atestare documentată 1459-2009 (in Romanian). ArCuB. p. 113. ISBN 978-973-0-07036-1.
  84. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017, p. 65.
  85. ^ Florea, Vasile (2016). Arta Românească de la Origini până în Prezent. Litera. pp. 294, 296, 297. ISBN 978-606-33-1053-9.
  86. ^ Lăzărescu, Cristea & Lăzărescu 1972, p. 67, 68.
  87. ^ "The Origins of Modernism in Russian Architecture". Content.cdlib.org. Retrieved 2012-02-12.
  88. ^ a b Hopkins 2014, p. 103.
  89. ^ Bailey 2012, pp. 226.
  90. ^ Fortenberry 2017, p. 274.
  91. ^ Farthing, Stephen (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta urbană (in Romanian). rao. p. 260. ISBN 978-606-006-392-6.
  92. ^ Hopkins 2014, p. 104.
  93. ^ "Covered Urn - Cleveland Museum of Art". 30 October 2018. Retrieved 6 May 2022.
  94. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 253, 255 & 256.
  95. ^ a b Hodge 2019, p. 112.
  96. ^ Hodge 2019, p. 31.
  97. ^ Irving, Mark (2019). 1001 BUILDINGS You Must See Before You Die. Cassel Illustrated. p. 281. ISBN 978-1-78840-176-0.
  98. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 269, 270, & 271.
  99. ^ Turner, Turner (2013). British gardens: history, philosophy and design, Chapter 6 Neoclassical gardens and landscapes 1730–1800. London: Routledge. p. 456. ISBN 978-0415518789.
  100. ^ Hunt, 244
  101. ^ Hunt, 244–245
  102. ^ Hunt, 243
  103. ^ Rifelj, 35
  104. ^ a b Jones 2014, p. 296.
  105. ^ Hopkins 2014, p. 135.
  106. ^ a b Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat – Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. p. 79. ISBN 978-973-1872-03-2.
  107. ^ "Commode à deux vantaux, cabinet de milieu". musee-orsay.fr. Retrieved 25 June 2023.
  108. ^ "A Primavera: Homenagem a Jean Goujon". gulbenkian.pt. Retrieved 25 June 2023.
  109. ^ Kadijevic, Aleksandar. "Arhitekt Josif Najman (1890-1951), Moment 18, Beograd 1990, 100-106". {{cite journal}}: Cite journal requires |journal= (help)
  110. ^ Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. p. 81. ISBN 978-973-1872-03-2.
  111. ^ a b Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. p. 91. ISBN 978-973-1872-03-2.
  112. ^ Curl, James Stevens (2013). The Egyptian Revival: Ancient Egypt as the Inspiration for Design Motifs in the West. Routledge. p. 412. ISBN 978-1-134-23467-7.
  113. ^ Woinaroski, Cristina (2013). Istorie urbană, Lotizarea și Parcul Ioanid din București în context european (in Romanian). SIMETRIA. p. 216. ISBN 978-973-1872-30-8.
  114. ^ Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat – Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. pp. 29, 31, 40, 79, 91. ISBN 978-973-1872-03-2.
  115. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 880. ISBN 978-1-52942-030-2.
  116. ^ Dempsey, Amy (2018). Modern Art. Thamed & Hudson. p. 93. ISBN 978-0-500-29322-5.
  117. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017, p. 72.
  118. ^ Hopkins 2014, p. 175.
  119. ^ a b Hopkins 2014, p. 176.
  120. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017, p. 181.
  121. ^ Dempsey, Amy (2018). Modern Art. Thamed & Hudson. pp. 92, 93. ISBN 978-0-500-29322-5.
  122. ^ Hopkins 2014, p. 174, 175, 176.
  123. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. pp. 663, 664. ISBN 978-1-52942-030-2.
  124. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 663. ISBN 978-1-52942-030-2.
  125. ^ Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 53. ISBN 978-0-500-51914-1.
  126. ^ a b Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 121. ISBN 978-0-500-51914-1.
  127. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 665. ISBN 978-1-52942-030-2.
  128. ^ "77 West Wacker Drive Interior (1992)". are.na. Retrieved 3 September 2023.
  129. ^ a b Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 77. ISBN 978-0-500-51914-1.
  130. ^ Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 65. ISBN 978-0-500-51914-1.
  131. ^ Eleanor Gibson (19 September 2018). "Seven of Robert Venturi's best postmodern projects". dezeen.com. Retrieved 25 June 2023.
  132. ^ "The Forum Shops at Caesars Palace (1992)". are.na. Retrieved 3 September 2023.
  133. ^ a b Gray, George T. (2022). An Introduction to the History of Architecture, Art & Design. Sunway University Press. p. 265. ISBN 978-967-5492-24-2.
  134. ^ "Philippe Starck, a pair of 'Louis Ghost' armchairs, Kartell. - Bukowskis". smow.com. Retrieved 19 June 2023.
  135. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 660. ISBN 978-1-52942-030-2.
  136. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. pp. 660, 661, 663. ISBN 978-1-52942-030-2.
  137. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 673. ISBN 978-1-52942-030-2.
  138. ^ "Neo-classicist Architecture. Traditionalism. Historicism".
  139. ^ Driehaus Prize for New Classical Architecture at Notre Dame SoA Archived 2017-02-10 at the Wayback Machine – Together, the $200,000 Driehaus Prize and the $50,000 Reed Award represent the most significant recognition for classicism in the contemporary built environment.; retained March 7, 2014

References

Further reading

External links

Wikimedia Commons has media related to Neoclassicism.