Драма — это особый вид художественного произведения , представленный в представлении : пьеса , опера , пантомима , балет и т. д., исполняемая в театре , на радио или телевидении . [1] Рассматриваемый как жанр поэзии в целом, драматический вид противопоставлялся эпическому и лирическому видам еще со времен « Поэтики » Аристотеля ( ок. 335 г. до н. э. ) — самого раннего труда по теории драмы . [2]
Термин «драма» происходит от греческого слова, означающего «дело» или « акт » ( древнегреческий : δρᾶμα , drâma ), которое, в свою очередь, происходит от «я делаю» ( древнегреческий : δράω , dráō ). Две маски , связанные с драмой, представляют собой традиционное родовое разделение между комедией и трагедией .
В английском языке (как и во многих других европейских языках) слово play или game (перевод англосаксонского pleġan или латинского ludus ) было стандартным термином для обозначения драм вплоть до времен Уильяма Шекспира — точно так же, как его создатель был скорее драматургом , чем драматургом , а здание было скорее драматическим домом , чем театром . [3]
Использование термина «драма» в более узком смысле для обозначения определенного типа пьесы относится к современной эпохе. «Драма» в этом смысле относится к пьесе, которая не является ни комедией , ни трагедией — например, «Тереза Ракен » Золя (1873) или «Иванов » Чехова (1887). Именно этот более узкий смысл кино- и телеиндустрия , наряду с киноведением , приняли для описания « драмы » как жанра в своих соответствующих средствах массовой информации. Термин « радиодрама » использовался в обоих смыслах — первоначально переданный в живом исполнении. Он также может использоваться для обозначения более высоколобого и серьезного конца драматического продукта радио . [4]
Постановка драмы в театре , исполняемая актерами на сцене перед публикой , предполагает совместные способы производства и коллективную форму приема. Структура драматических текстов , в отличие от других форм литературы , напрямую зависит от этого совместного производства и коллективного приема. [5]
Пантомима — это форма драмы, в которой действие истории рассказывается только через движение тела. Драма может сочетаться с музыкой : драматический текст в опере , как правило, поется на протяжении всего спектакля; как и в некоторых балетах, танец «выражает или имитирует эмоции, характер и повествовательное действие». [6] Мюзиклы включают как разговорный диалог , так и песни ; а некоторые формы драмы имеют сопутствующую музыку или музыкальное сопровождение, подчеркивающее диалог ( например, мелодрама и японский Но ). [7] Драма в шкафу — это форма, которая предназначена для чтения, а не для исполнения. [8] В импровизации драма не существует до момента исполнения; исполнители спонтанно придумывают драматический сценарий перед аудиторией. [9]
Западная драма берет свое начало в классической Греции . [10] Театральная культура города -государства Афины породила три жанра драмы: трагедию , комедию и пьесу сатиров . Их происхождение остается неясным, хотя к V веку до н. э. они были институционализированы в соревнованиях , проводимых как часть празднеств , прославляющих бога Диониса . [11] Историки знают имена многих древнегреческих драматургов, не в последнюю очередь Фесписа , которому приписывают новаторство актера (« лицемер »), который говорит (а не поет) и выдает себя за персонажа (а не говорит от своего имени), взаимодействуя при этом с хором и его лидером (« корифеем »), которые были традиционной частью исполнения недраматической поэзии ( дифирамбической , лирической и эпической ). [12]
Однако до наших дней дошла лишь небольшая часть произведений пяти драматургов: у нас есть небольшое количество полных текстов трагиков Эсхила , Софокла и Еврипида , а также комических писателей Аристофана и, с конца IV века, Менандра . [13] Историческая трагедия Эсхила « Персы » является старейшей сохранившейся драмой, хотя, когда она выиграла первый приз на конкурсе Городских Дионисий в 472 г. до н. э., он писал пьесы уже более 25 лет. [14] Конкурс (« агон ») трагедий, возможно, начался еще в 534 г. до н. э.; официальные записи (« дидаскалии ») начинаются с 501 г. до н. э., когда была введена пьеса сатиров . [15] Трагические драматурги должны были представить тетралогию пьес (хотя отдельные произведения не обязательно были связаны сюжетом или темой), которая обычно состояла из трех трагедий и одной сатирической пьесы (хотя исключения были, как в случае с « Алкестидой » Еврипида в 438 г. до н. э.). Комедия была официально признана призом на конкурсе с 487 по 486 г. до н. э.
Пять комических драматургов соревновались в Городских Дионисиях (хотя во время Пелопоннесской войны их число могло быть сокращено до трех), каждый предлагал одну комедию. [16] Древнегреческая комедия традиционно делится на «старую комедию» (V в. до н. э.), «среднюю комедию» (IV в. до н. э.) и «новую комедию» (конец IV в. — II в. до н. э.). [17]
После расширения Римской республики (527–509 гг. до н. э.) на несколько греческих территорий между 270 и 240 гг. до н. э., Рим столкнулся с греческой драмой . [18] С более поздних лет республики и посредством Римской империи (27 г. до н. э. – 476 г. н. э.) театр распространился на запад по всей Европе, вокруг Средиземноморья и достиг Англии; римский театр был более разнообразным, обширным и сложным, чем театр любой другой культуры до него. [19]
В то время как греческая драма продолжала исполняться в течение всего римского периода, 240 год до н. э. знаменует начало регулярной римской драмы . [20] Однако с началом империи интерес к полноформатной драме пошел на убыль в пользу более широкого спектра театральных развлечений. [21] Первыми важными произведениями римской литературы были трагедии и комедии , которые Ливий Андроник написал с 240 года до н. э. [22] Пять лет спустя Гней Невий также начал писать драмы. [22] Ни одна пьеса ни одного из этих писателей не сохранилась. Хотя оба драматурга сочиняли в обоих жанрах , Андроник был наиболее ценим за свои трагедии, а Невий за свои комедии; их преемники, как правило, специализировались на одном или другом, что привело к разделению последующего развития каждого типа драмы. [22]
К началу II века до н. э. драма прочно обосновалась в Риме, и была сформирована гильдия писателей ( collegium poetarum ). [23] Все сохранившиеся римские комедии являются fabula palliata (комедиями на греческие сюжеты) и принадлежат двум драматургам: Титу Макцию Плавту (Плавту) и Публию Теренцию Афру (Теренцию). [24] Перерабатывая греческие оригиналы, римские комические драматурги упразднили роль хора в разделении драмы на эпизоды и ввели музыкальное сопровождение к ее диалогу (от одной трети диалога в комедиях Плавта и двух третей в комедиях Теренция). [25] Действие всех сцен происходит на улице, и его осложнения часто возникают из-за подслушивания . [25]
Плавт, более популярный из них, писал между 205 и 184 годами до нашей эры, и сохранилось двадцать его комедий, из которых наиболее известны его фарсы ; им восхищались за остроумие его диалогов и использование им различных поэтических размеров . [26] Все шесть комедий, написанных Теренцием между 166 и 160 годами до нашей эры, сохранились; сложность его сюжетов, в которых он часто объединял несколько греческих оригиналов, иногда осуждалась, но его двойные сюжеты позволяли изощренно представлять контрастное человеческое поведение. [26] Ни одна ранняя римская трагедия не сохранилась, хотя в свое время она высоко ценилась; историки знают трех ранних трагиков — Квинта Энния , Марка Пакувия и Луция Акция . [25]
Со времен империи сохранились работы двух трагиков — один из них является неизвестным автором, а другой — философом-стоиком Сенекой . [27] Сохранилось девять трагедий Сенеки, все из которых являются fabula crepidata (трагедии, адаптированные с греческих оригиналов); его «Федра» , например, была основана на «Ипполите » Еврипида . [28] Историки не знают, кто написал единственный сохранившийся пример fabula praetexta (трагедии, основанной на римских сюжетах), «Октавию» , но в прежние времена ее ошибочно приписывали Сенеке из-за его появления в качестве персонажа в трагедии. [27]
Начиная с раннего Средневековья , церкви ставили драматические версии библейских событий, известные как литургические драмы , чтобы оживить ежегодные празднования. [29] Самым ранним примером является пасхальный троп «Кого вы ищете?» (Quem-Quaeritis) ( ок. 925 г. ). [30] Две группы пели в ответ на латынь , хотя не было никакого олицетворения персонажей . К XI веку он распространился по Европе в Россию , Скандинавию и Италию ; за исключением Испании исламской эпохи .
В X веке Хросвита написала шесть пьес на латыни, созданных по образцу комедий Теренция , но затрагивающих религиозные темы. [31] Ее пьесы являются первыми известными пьесами, написанными женщиной-драматургом, и первой идентифицируемой западной драмой постклассической эпохи. [31] Позже Хильдегарда Бингенская написала музыкальную драму Ordo Virtutum ( около 1155 г. ). [31]
Одной из самых известных ранних светских пьес является куртуазная пастораль «Робин и Марион» , написанная в XIII веке на французском языке Адамом де ла Галлем . [32] «Интерлюдия о студенте и девушке» ( ок. 1300 г. ), одна из самых ранних известных на английском языке, по-видимому, наиболее близка по тону и форме к современным французским фарсам , таким как « Мальчик и слепой» . [33]
Многие пьесы сохранились во Франции и Германии в позднем Средневековье , когда некоторый тип религиозной драмы ставился почти в каждой европейской стране. Многие из этих пьес содержали комедию , дьяволов , злодеев и клоунов . [34] В Англии торговые гильдии начали исполнять народные « мистические пьесы », которые состояли из длинных циклов множества пьес или «представлений», из которых сохранились четыре : Йорк ( 48 пьес), Честер (24), Уэйкфилд (32) и так называемый « Город N » (42). Вторая пьеса пастухов из цикла Уэйкфилда — это фарсовая история об украденной овце, которую ее главный герой , Мак, пытается выдать за своего новорожденного ребенка, спящего в колыбели; она заканчивается, когда пастухи, у которых он украл, вызываются на Рождество Иисуса . [35]
Моральные пьесы (современный термин) появились как отдельная драматическая форма около 1400 года и процветали в раннюю елизаветинскую эпоху в Англии. Персонажи часто использовались для представления различных этических идеалов. Everyman , например, включает в себя такие фигуры, как Добрые Дела, Знание и Сила, и эта характеристика усиливает конфликт между добром и злом для аудитории. Замок Настойчивости ( ок. 1400–1425 ) изображает прогресс архетипической фигуры от рождения до смерти. Хорест ( ок. 1567 ), поздняя «гибридная мораль» и один из самых ранних примеров английской пьесы о мести , объединяет классическую историю Ореста с Пороком из средневековой аллегорической традиции, чередуя комические, фарсовые сцены с серьезными, трагическими . [36] Также важными в этот период были народные драмы пьесы ряженых , исполняемые во время рождественского сезона. Придворные маски были особенно популярны во время правления Генриха VIII . [37]
Один из величайших расцветов драмы в Англии произошел в XVI и XVII веках. Многие из этих пьес были написаны стихами, в частности ямбом . Помимо Шекспира, такие авторы, как Кристофер Марло , Томас Миддлтон и Бен Джонсон были выдающимися драматургами в этот период. Как и в средневековый период , исторические пьесы прославляли жизнь прошлых королей, усиливая образ монархии Тюдоров . Авторы этого периода черпали некоторые из своих сюжетных линий из греческой мифологии и римской мифологии или из пьес выдающихся римских драматургов, таких как Плавт и Теренций .
Комедия Реставрации относится к английским комедиям, написанным и поставленным в Англии в период Реставрации с 1660 по 1710 год. Комедия нравов используется как синоним комедии Реставрации. [38] После того, как публичный театр был запрещен пуританским режимом, повторное открытие театров в 1660 году с Реставрацией Карла II ознаменовало возрождение английской драмы . [39] Комедия Реставрации известна своей сексуальной откровенностью, изысканным, космополитичным остроумием , актуальным тематическим письмом и переполненными и оживленными сюжетами. Ее драматурги свободно воровали из современной французской и испанской сцены, из английских якобинских и каролинских пьес и даже из греческих и римских классических комедий, комбинируя различные сюжетные линии авантюрными способами. Возникающие в результате различия в тоне в одной пьесе ценились, а не осуждались, поскольку зрители ценили «разнообразие» как внутри, так и между пьесами. Комедия Реставрации достигла пика дважды. Жанр достиг впечатляющей зрелости в середине 1670-х годов с феерией аристократических комедий. За этим коротким золотым веком последовало двадцать скудных лет, хотя достижение первой профессиональной женщины-драматургуса, Афры Бен , в 1680-х годах является важным исключением. В середине 1690-х годов возник краткий второй ренессанс комедии Реставрации, нацеленный на более широкую аудиторию. Комедии золотых 1670-х и 1690-х годов пикового времени существенно отличаются друг от друга.
Несентиментальные или «жесткие» комедии Джона Драйдена , Уильяма Уичерли и Джорджа Этереджа отражали атмосферу при дворе и откровенно воспевали аристократический мачо- образ жизни с непрекращающимися сексуальными интригами и завоеваниями. Граф Рочестер , реальный повеса эпохи Реставрации, придворный и поэт, лестно изображен в « Человеке моды » Этереджа (1676) как буйный, остроумный, интеллектуальный и сексуально неотразимый аристократ, образец для представления потомков о гламурном повесе эпохи Реставрации (на самом деле никогда не являвшийся очень распространенным персонажем в комедии эпохи Реставрации). Единственная пьеса, которая больше всего подтверждает обвинение в непристойности, выдвинутое тогда и сейчас против комедии Реставрации, — это, вероятно, шедевр Уичерли « Деревенская жена» (1675), название которого содержит непристойный каламбур , а пресловутая «китайская сцена» представляет собой серию устойчивых двусмысленностей . [40]
Во время второй волны комедии Реставрации в 1690-х годах «мягкие» комедии Уильяма Конгрива и Джона Ванбру были нацелены на более разнообразную в социальном плане аудиторию с сильным элементом среднего класса, а также на женщин-зрителей. Комический фокус смещается с молодых влюбленных, перехитривших старшее поколение, на превратности супружеских отношений. В « Любви за любовь» (1695) и «Пути мира» (1700) Конгрива, сцены обмена мнениями, в которых пары проверяют свое влечение друг к другу, трансформировались в остроумные предсвадебные дебаты накануне брака, как в знаменитой сцене «Proviso» последней. «The Provoked Wife» (1697) Ванбру отличается легким прикосновением и более узнаваемыми по-человечески персонажами, в то время как « The Relapse » (1696) восхищались своим остроумием и характеристикой лорда Фоппингтона, экстравагантного и напыщенного бурлескного щеголя с темной стороной. [41] Терпимость к комедии Реставрации даже в ее измененной форме иссякла к концу XVII века, поскольку общественное мнение обратилось к респектабельности и серьезности даже быстрее, чем это сделали драматурги. [42] На долгожданной премьере со звездами в 1700 году « The Way of the World» , первой комедии Конгрива за пять лет, публика проявила лишь умеренный энтузиазм к этой тонкой и почти меланхоличной работе. Комедия секса и остроумия вот-вот должна была быть заменена сентиментальной комедией и драмой образцовой морали.
Важнейший и новаторский вклад норвежского драматурга 19-го века Генрика Ибсена и немецкого театрального деятеля 20-го века Бертольта Брехта доминирует в современной драме; каждый из них вдохновил традицию подражателей, в которую вошли многие из величайших драматургов современной эпохи. [43] Работы обоих драматургов, по-своему, являются как модернистскими , так и реалистическими , включающими в себя формальный эксперимент , метатеатральность и социальную критику . [44] С точки зрения традиционного теоретического дискурса жанра, творчество Ибсена было описано как кульминация « либеральной трагедии », в то время как творчество Брехта было связано с историзированной комедией. [45]
Среди других важных драматургов современной эпохи - Антонен Арто , Август Стриндберг , Антон Чехов , Франк Ведекинд , Морис Метерлинк , Федерико Гарсиа Лорка , Юджин О'Нил , Луиджи Пиранделло , Джордж Бернард Шоу , Эрнст Толлер , Владимир Маяковский , Артур Миллер , Теннесси Уильямс. , Жан Жене , Эжен Ионеско , Сэмюэл Беккет , Гарольд Пинтер , Фридрих Дюрренматт , Дарио Фо , Хайнер Мюллер и Кэрил Черчилль .
Западная опера — это драматическая форма искусства, возникшая в эпоху Возрождения [46] в попытке возродить классическую греческую драму , в которой сочетались диалог, танец и пение. Будучи тесно переплетенной с западной классической музыкой , опера претерпела огромные изменения за последние четыре столетия и является важной формой театра до сих пор. Следует отметить большое влияние немецкого композитора 19 века Рихарда Вагнера на оперную традицию. По его мнению, в операх его времени не было должного баланса между музыкой и театром, потому что музыка, казалось, была важнее драматических аспектов в этих произведениях. Чтобы восстановить связь с классической драмой, он полностью обновил оперную форму, чтобы подчеркнуть равную важность музыки и драмы в произведениях, которые он называл « музыкальными драмами ».
Китайская опера развивалась более консервативно на протяжении более длительного периода времени.
Пантомима (неофициально «панто») [47] — это тип музыкальной комедийной сценической постановки, предназначенной для семейного развлечения. Она была разработана в Англии и до сих пор исполняется по всему Соединенному Королевству, как правило, в рождественский и новогодний сезоны и, в меньшей степени, в других англоязычных странах. Современная пантомима включает в себя песни, шутки, фарс и танцы, использует актеров-трансгендеров и сочетает злободневный юмор с историей, свободно основанной на известной сказке, басне или народной сказке . [48] [49] Это форма участия в театре, в которой зрители должны петь вместе с определенными частями музыки и выкрикивать фразы исполнителям. Часть привлекательности любительских драматических пантомимных постановок заключается в том, что они видят известных местных деятелей на сцене. [50]
Эти истории следуют традиции басен и народных сказок . Обычно есть извлеченный урок, и с некоторой помощью зрителей герой/героиня спасает положение. Этот вид пьесы использует шаблонных персонажей , которые можно увидеть в масках и снова в комедии дель арте , эти персонажи включают злодея (доктора), клоуна/слугу (Арлекино/Арлекин/пуговицы), влюбленных и т. д. Эти пьесы обычно делают акцент на моральных дилеммах , и добро всегда побеждает зло, этот вид пьесы также очень развлекательный, что делает его очень эффективным способом охватить многих людей.
Пантомима имеет долгую театральную историю в западной культуре, восходящую к классическому театру. Она развилась частично из итальянской традиции комедии дель арте XVI века , а также из других европейских и британских сценических традиций, таких как маски и мюзик-холл XVII века . [48] Важной частью пантомимы до конца XIX века была арлекинада . [51] За пределами Британии слово «пантомима» обычно используется для обозначения подражания , а не театральной формы, обсуждаемой здесь. [52]
Пантомима — это театральное искусство, в котором действие истории рассказывается посредством движения тела, без использования речи. Представление пантомимы возникло в Древней Греции , а само слово произошло от имени одного танцора в маске, которого называли Пантомимус , хотя их выступления не обязательно были молчаливыми. [53] В Средневековой Европе появились ранние формы пантомимы, такие как пьесы ряженых и позднее немые шоу . В начале девятнадцатого века в Париже Жан-Гаспар Дебюро закрепил многие атрибуты, которые мы знаем в наше время, включая молчаливую фигуру в белом лице. [54]
Жак Копо , на которого сильное влияние оказали комедия дель арте и японский театр Но , использовал маски в обучении своих актеров. Этьен Декру , его ученик, находился под сильным влиянием этого и начал исследовать и развивать возможности пантомимы и утонченной телесной пантомимы в высокоскульптурную форму, выводя ее за пределы натурализма . Жак Лекок внес значительный вклад в развитие пантомимы и физического театра своими методами обучения. [55]
В то время как некоторые балеты подчеркивают «линии и узоры самого движения», драматический танец «выражает или имитирует эмоции, характер и повествовательное действие». [6] Такие балеты представляют собой театральные произведения, в которых есть персонажи и которые «рассказывают историю», [56] Танцевальные движения в балете «часто тесно связаны с повседневными формами физического выражения, [так что] есть выразительное качество, присущее почти всем танцам», и это используется для передачи как действия, так и эмоций; также используется пантомима. [56] Примерами являются « Лебединое озеро» Петра Ильича Чайковского , в котором рассказывается история Одетты, принцессы, превращенной в лебедя проклятием злого колдуна, балет Сергея Прокофьева «Ромео и Джульетта» , основанный на знаменитой пьесе Шекспира, и « Петрушка » Игоря Стравинского , в котором рассказывается история любви и ревности трех марионеток.
Творческая драма включает в себя драматические действия и игры, используемые в основном в образовательных учреждениях с детьми. Ее корни в Соединенных Штатах берут начало в начале 1900-х годов. Уинифред Уорд считается основателем творческой драмы в образовании, установив первое академическое использование драмы в Эванстоне, штат Иллинойс. [57]
.
Самой ранней формой индийской драмы была санскритская драма . [58] Между 1-м веком нашей эры и 10-м веком был период относительного мира в истории Индии, в течение которого были написаны сотни пьес. [59] С исламскими завоеваниями , которые начались в 10-м и 11-м веках, театр был обескуражен или полностью запрещен. [60] Позже, в попытке заново утвердить местные ценности и идеи, деревенский театр поощрялся по всему субконтиненту, развиваясь на различных региональных языках с 15-го по 19-й века. [61] Движение Бхакти оказало влияние на постановки в нескольких регионах. Помимо региональных языков, Ассам увидел подъем вайшнавской драмы на искусственно смешанном литературном языке, называемом Браджавали . [62] Особая форма одноактных пьес, называемая Анкиа Наат, развилась в работах Санкардева , [63] особое представление которой называется Бхаона . [64] Современный индийский театр развивался в период колониального правления Британской империи , с середины 19 века до середины 20 века. [65]
Самые ранние сохранившиеся фрагменты санскритской драмы датируются 1-м веком н. э. [66] Богатство археологических свидетельств более ранних периодов не дает никаких указаний на существование традиции театра. [67] Древние Веды ( гимны между 1500 и 1000 годами до н. э., которые являются одними из самых ранних примеров литературы [ сломанный якорь ] в мире) не содержат никаких намеков на нее (хотя небольшое количество составлено в форме диалога ) , а ритуалы ведического периода , по-видимому , не развились в театр. [67] Махабхашья Патанджали содержит самое раннее упоминание о том, что могло быть семенами санскритской драмы. [68] Этот трактат по грамматике от 140 года до н. э . дает достоверную дату начала театра в Индии . [68]
Основным источником доказательств для санскритского театра является «Трактат о театре» ( Nātyaśāstra ), сборник, дата составления которого неизвестна (оценки варьируются от 200 г. до н. э. до 200 г. н. э.) и авторство которого приписывается Бхарате Муни . «Трактат» является наиболее полным произведением драматургии в древнем мире. Он рассматривает актерскую игру , танец , музыку , драматическое построение , архитектуру, костюмы , грим , реквизит , организацию трупп, зрителей, соревнования и предлагает мифологический рассказ о происхождении театра. [68]
Его драма считается высшим достижением санскритской литературы . [69] В нем использовались стандартные персонажи , такие как герой ( nayaka ), героиня ( nayika ) или клоун ( vidusaka ). Актеры могли специализироваться на определенном типе. Ему покровительствовали как короли, так и деревенские собрания. Известные ранние драматурги включают Бхасу , Калидасу (известный по Урваши, Победившей доблестью , Малавике и Агнимитре и Признанию Шакунталы ), Шудраку (известный по Маленькой глиняной тележке ), Ашвагхошу , Дандина и императора Харшу (известный по Нагананде , Ратнавали и Приядаршике ). Шакунтала (в английском переводе) оказала влияние на «Фауста » Гете (1808–1832). [ 69]
В Индии сложилась особая форма театра, когда вся команда путешествует, исполняя пьесы с места на место, с самодельными сценами и оборудованием, особенно в восточных частях страны. Jatra ( по -бенгали «путешествие»), берущая начало в вайшнавском движении Чайтаньи Махапрабху в Бенгалии , является традицией, которая следует этому формату. [70] Вайшнавы в соседнем штате Ассам, пионером которых был Шриманта Санкардева , принимают формы Ankia Naat и Bhaona . Они, наряду с западными влияниями, вдохновили развитие современного мобильного театра, известного на ассамском языке как Bhramyoman , в Ассаме. [71] Современный Bhramyoman ставит все, от индуистской мифологии до адаптаций западной классики и голливудских фильмов , [72] и использует современные технологии, такие как живые визуальные эффекты. [ требуется ссылка ] Ассамский мобильный театр оценивается в сто миллионов долларов. [73] Самостоятельность Bhramyoman, когда все оборудование и даже сцену несет сама труппа, позволяет проводить представления даже в отдаленных деревнях, обеспечивая более широкий охват. [ необходима цитата ] Пионерами этой индустрии являются Ачьют Лахкар и Браджанатх Сарма .
Рабиндранат Тагор был пионером современной драматургии, который писал пьесы, известные своим исследованием и критикой национализма, идентичности, спиритуализма и материальной жадности. [74] Его пьесы написаны на бенгали и включают Читра ( Читрангада , 1892), Король темной комнаты ( Раджа , 1910), Почта ( Дакгхар , 1913) и Красный олеандр ( Рактакараби , 1924). [74] Гириш Карнад - известный драматург, который написал ряд пьес, использующих историю и мифологию, чтобы критиковать и проблематизировать идеи и идеалы, которые имеют современное значение. Многочисленные пьесы Карнада, такие как Туглак , Хаявадана , Таледанда и Нага-Мандала, являются значительным вкладом в индийскую драму. Виджай Тендулкар и Махеш Даттани являются одними из крупнейших индийских драматургов 20-го века. Мохан Ракеш на хинди и Даниш Икбал на урду считаются архитекторами драмы нового века. Aadhe Adhoore Мохана Ракеша и Dara Shikoh Даниша Икбала считаются современной классикой.
Китайский театр имеет долгую и сложную историю. Сегодня его часто называют китайской оперой, хотя обычно это относится конкретно к популярной форме, известной как пекинская опера и куньцюй ; в Китае было много других форм театра, таких как дзацзюй .
Японская драма Но — это серьезная драматическая форма, которая объединяет драму, музыку и танец в полноценный эстетический перформанс. Она развилась в XIV и XV веках и имеет свои собственные музыкальные инструменты и исполнительские приемы, которые часто передавались от отца к сыну. Исполнителями были, как правило, мужчины (как для мужских, так и для женских ролей), хотя женщины-любители также исполняли драмы Но. Драма Но поддерживалась правительством, и особенно армией, многие военачальники имели свои собственные труппы и иногда выступали сами. Она до сих пор исполняется в Японии. [75]
Кёгэн — комический аналог драмы Но. Она больше сосредоточена на диалоге и меньше на музыке, хотя инструменталисты Но иногда появляются и в Кёгэн. Драма Кабуки , развившаяся в XVII веке, — еще одна комическая форма, которая включает в себя танец.
Современная театральная и музыкальная драма также получила развитие в Японии в таких формах, как «сингеки» и «Такарадзука-ревю» .
