.jpg/1280px-Singin'_in_the_Rain_(1952_poster).jpg)
Музыкальный фильм — жанр кинофильма , в котором в повествование вплетаются песни героев , иногда сопровождаемые танцами. Песни обычно развивают сюжет или развивают персонажей фильма, но в некоторых случаях они служат просто перерывами в сюжетной линии, часто как сложные «постановочные номера».
Музыкальный фильм стал естественным развитием мюзикла после появления технологии звукового кино. Как правило, самая большая разница между фильмом и мюзиклами заключается в использовании роскошных фоновых декораций и локаций, которые были бы непрактичны в театре. Музыкальные фильмы обычно содержат элементы, напоминающие театр; исполнители часто относятся к своим песенным и танцевальным номерам так, как если бы их смотрела живая публика. В каком-то смысле зритель становится диегетической аудиторией, поскольку исполнитель смотрит прямо в камеру и выступает перед ней.
С появлением звука в конце 1920-х годов мюзиклы приобрели популярность у публики, примером чему служат фильмы Басби Беркли , хореографа, известного своими характерными и тщательно продуманными постановками с участием нескольких танцовщиц. Типичными примерами этих роскошных постановочных номеров являются его хореографические работы в фильмах «42-я улица» , «Золотоискатели 1933 года» , «Парад рампы » (все 1933 года). В 1930-е годы музыкальные фильмы Фреда Астера и Джинджер Роджерс стали важным культурным явлением в глазах американской публики. В число этих фильмов вошли «Цилиндр» (1935), « Следуй за флотом» , «Время свинга» (оба 1936) и «Давайте потанцуем» (1937). « Волшебник страны Оз» Виктора Флеминга (1939) стал знаковым фильмом для киномюзикла, поскольку в нем экспериментировали с новыми технологиями, такими как Technicolor .
В 1940-х и 1950-х годах регулярно проходили премьеры музыкальных фильмов из мюзиклов MGM . В число этих работ вошли: «Встретимся в Сент-Луисе » (1944), «Пасхальный парад» (1948), « В городе» (1949), «Американец в Париже » (1951), «Поющие под дождем» (1952), «The Band Wagon » (1953). , Высшее общество (1956) и Джиджи (1958). За это время помимо подразделения Артура Фрида в MGM были сняты фильмы «Холидей Инн » (1942), «Белое Рождество » (1954) и «Забавная мордашка» (1957), а также «Оклахома!» (1955), «Король и я» (1956), «Карусель» и «Южный Тихий океан» (1958). Эти фильмы той эпохи обычно опирались на звездную силу таких кинозвезд, как Фред Астер , Джин Келли , Бинг Кросби , Фрэнк Синатра , Джуди Гарланд , Энн Миллер , Кэтрин Грейсон и Говард Кил . Они также полагались на таких кинорежиссеров, как Стэнли Донен и Винсент Миннелли , а также авторов песен Комдена и Грина , Роджерса и Хаммерштейна , Ирвинга Берлина , Коула Портера и братьев Гершвин .
В 1960-е годы фильмы, основанные на мюзиклах, продолжали иметь успех у критиков и кассовых сборов. В число этих фильмов вошли « Вестсайдская история» (1961), «Цыган» (1962), «Музыкант» (1962), «Прощай, Берди» (1963), «Моя прекрасная леди» , «Мэри Поппинс» (оба 1964), «Звуки музыки» (1965), «А». Забавная вещь случилась по дороге на форум , Как добиться успеха в бизнесе, не особо стараясь , Совершенно современная Милли (все 1967), Оливер! и «Смешная девчонка» (оба 1968). В 1970-х годах кинокультура и меняющаяся демография кинозрителей стали уделять больше внимания суровому реализму, в то время как чистое развлечение и театральность голливудских мюзиклов классической эпохи считались старомодными. Несмотря на это, «Скрудж» (1970), «Вилли Вонка и шоколадная фабрика» (1971), «Скрипач на крыше» (1971), «Кабаре» (1972), «1776 » (1972), «Диснеевские ручки и метлы» (1971) и «Дракон Пита» (1977). , а также Grease и The Wiz (оба 1978 года) были более традиционными мюзиклами, тесно адаптированными из сценических представлений, и имели большой успех у критиков и публики. На протяжении 1980-х и 1990-х годов мюзиклы, как правило, создавались в основном из анимационных фильмов Диснея того периода, написанных композиторами и авторами текстов Говардом Эшманом , Аланом Менкеном и Стивеном Шварцем . Ренессанс Диснея начался с «Русалочки » 1989 года , затем последовали « Красавица и чудовище» (1991), «Аладдин» (1992), «Король Лев» (1994), «Покахонтас» (1995), «Горбун из Нотр-Дама» (1996), «Геркулес» (1997). ) и Мулан (1998).
С 21 века музыкальный жанр возродился за счет более мрачных мюзиклов, музыкальных биографических фильмов, музыкальных римейков, эпических драматических мюзиклов и комедийных драматических мюзиклов, таких как «Мулен Руж»! (2001), Чикаго (2002), Призрак Оперы (2004), Аренда (2005), Девушки мечты , Idlewild (оба 2006), Через Вселенную , Зачарованная , Лак для волос , Суини Тодд: Демон-парикмахер с Флит-стрит (все 2007), Мама Миа! (2008), «Девять» (2009), « Маппеты» (2011), «Отверженные» (2012), «В лес» , «Самые разыскиваемые куклы» (оба 2014), «Ла-Ла Ленд» (2016), «Красавица и чудовище» , «Величайший шоумен» (оба 2017), Мама Миа! Это снова мы! , Звезда родилась , Мэри Поппинс возвращается , Богемская рапсодия (все 2018 г.), Аладдин , Человек-ракета , Король Лев (все 2019 г.), В высотах , Дорогой Эван Хансен , Сирано , Тик, тик… Бум! , Вестсайдская история (все 2021 г.), Элвис , Воодушевленные , Разочарованные , Матильда в мюзикле , Уитни Хьюстон: Я хочу потанцевать с кем-нибудь (все 2022 г.), Русалочка , Дикс: Мюзикл , Вонка , Пурпурный цвет (все 2023 г.) , Дрянные девчонки , Боб Марли: Одна любовь , Злой (все 2024 г.).
1930-е — начало 1950-х годов считаются золотым веком музыкального кино, когда популярность этого жанра была на самом высоком уровне в западном мире . « Белоснежка и семь гномов» Диснея , самый ранний анимационный полнометражный фильм Диснея, был мюзиклом, получившим почетный «Оскар» для Уолта Диснея на 11-й церемонии вручения премии «Оскар» .
Музыкальные короткометражки были сняты Ли де Форестом в 1923–24. Начиная с 1926 года были выпущены тысячи короткометражек Vitaphone , во многих из которых участвовали группы, вокалисты и танцоры. Самые ранние полнометражные фильмы с синхронизированным звуком имели только музыкальное сопровождение и отдельные звуковые эффекты, которые воспроизводились, пока актеры изображали своих персонажей так же, как в немых фильмах: без слышимых диалогов. [1] «Джазовый певец» , выпущенный в 1927 году компанией Warner Brothers , был первым, включавшим звуковую дорожку, включающую недиегетические и диегетические музыку, но в нем содержалась лишь короткая последовательность разговорных диалогов. Этот полнометражный фильм также был мюзиклом, в котором Эл Джолсон исполнял песни «Dirty Hands, Dirty Face», «Toot, Toot, Tootsie», « Blue Skies » и « My Mammy ». Историк Скотт Эйман писал: «Когда фильм закончился и аплодисменты усилились вместе с освещением в доме, жена Сэма Голдвина Фрэнсис оглядела знаменитостей в толпе. Она сказала, что она видела «ужас на всех их лицах», как будто они знали это. «Игра, в которую они играли годами, наконец закончилась». [2] Тем не менее, только отдельные эпизоды содержали «живой» звук; большая часть фильма имела только синхронное музыкальное сопровождение. [1] В 1928 году компания Warner Brothers выпустила еще один частично-звуковой фильм о Джолсоне, «Поющий дурак» , который стал хитом-блокбастером. [1] Театры спешили установить новое звуковое оборудование и нанять бродвейских композиторов для написания мюзиклов для экрана. [3] Первый полнометражный полнометражный фильм « Огни Нью-Йорка» включал в себя музыкальную сцену в ночном клубе. Энтузиазм зрителей был настолько велик, что менее чем за год все крупные студии начали делать исключительно звуковые картины. В «Бродвейской мелодии» (1929) был сюжет шоу-бизнеса о двух сестрах, соревнующихся за очаровательного певца и танцора. Рекламируемый MGM как первый художественный фильм «Все говорят, все поют, все танцуют», он стал хитом и получил премию Оскар за лучший фильм в 1929 году. Студии спешили нанимать таланты со сцены. сниматься в широко экранизированных версиях бродвейских хитов. В «Параде любви» (Paramount, 1929) снимались Морис Шевалье и новичок Жанетт Макдональд , сценарий написал ветеран Бродвея Гай Болтон . [3]
Компания Warner Brothers выпустила первую экранную оперетту « Песнь пустыни» в 1929 году. Они не пожалели денег и сфотографировали большую часть фильма в цвете Technicolor . За этим последовал первый полноцветный и говорящий музыкальный полнометражный фильм под названием « Вперед с шоу» (1929). Самым популярным фильмом 1929 года стал второй полноцветный и многоговорящий полнометражный фильм под названием «Золотоискатели Бродвея» (1929). Этот фильм побил все рекорды кассовых сборов и оставался самым кассовым фильмом, когда-либо созданным до 1939 года. Внезапно рынок наводнили мюзиклы, ревю и оперетты. Только в 1929 и 1930 годах были выпущены следующие полноцветные мюзиклы: « Голливудское ревю 1929 года » (1929), «Шоу шоу» (1929), «Салли» (1929), «Король бродяг» (1930), « Следуй через» (1930), «Яркий» . Огни (1930), Золотая заря (1930), Держите все (1930), The Rogue Song (1930), Песня пламени (1930), Песня Запада (1930), Sweet Kitty Bellairs (1930), Под Техасом Мун (1930), Невеста полка (1930), Ура! (1930), «Король джаза» (1930), «Венские ночи» (1930) и «Поцелуй меня снова» (1930). Кроме того, было выпущено множество музыкальных произведений с цветными последовательностями.
Голливуд выпустил более 100 музыкальных фильмов в 1930 году, но только 14 в 1931 году. [4] К концу 1930 года зрители были перенасыщены мюзиклами, и студии были вынуждены вырезать музыку из фильмов, которые тогда выпускались. Например, «Вечеринка» (1930) изначально создавалась как многоцветная и многословная музыкальная комедия. Однако перед его выпуском песни были вырезаны. То же самое произошло с фильмами «Пятьдесят миллионов французов » (1931) и «Манхэттенский парад» (1932), оба из которых были полностью сняты в цвете . Марлен Дитрих успешно пела песни в своих фильмах, а Роджерс и Харт написали несколько хорошо принятых фильмов, но к 1932 году даже их популярность пошла на убыль. [4] Публика быстро стала ассоциировать цвет с мюзиклами, и, следовательно, снижение их популярности также привело к снижению производства цветной продукции.
Вкус к мюзиклам снова возродился в 1933 году, когда режиссер Басби Беркли начал дополнять традиционные танцевальные номера идеями, почерпнутыми из точности упражнений, которые он испытал, будучи солдатом во время Первой мировой войны . В таких фильмах, как «42-я улица» и «Золотоискатели 1933 года» (1933), Беркли поставил ряд фильмов в своем уникальном стиле. Номера Беркли обычно начинаются на сцене, но постепенно выходят за пределы ограничений театрального пространства: его гениальные номера, в которых человеческие тела образуют узоры, подобные калейдоскопу, никогда не могли поместиться на реальной сцене, а предполагаемая перспектива - это просмотр прямо сверху. [5]
Звезды музыки, такие как Фред Астер и Джинджер Роджерс, были одними из самых популярных и уважаемых личностей Голливуда в классическую эпоху; Пара Фреда и Джинджер была особенно успешной, в результате чего был снят ряд классических фильмов, таких как «Цилиндр» (1935), «Время свинга» (1936) и «Давайте потанцуем » (1937). Многие драматические актеры с удовольствием участвовали в мюзиклах, чтобы оторваться от своего типажного стереотипа. Например, разносторонне одаренный Джеймс Кэгни изначально прославился как театральный певец и танцор, но его неоднократные роли в ролях «крутых парней» и фильмах о мафии давали ему мало шансов проявить свои таланты. Оскароносная роль Кэгни в фильме «Янки Дудл Денди» (1942) позволила ему петь и танцевать, и он считал это одним из своих лучших моментов.
Многие комедии (и несколько драм) включали собственные музыкальные номера. Почти в каждом фильме братьев Маркс присутствовал музыкальный номер, что позволило братьям подчеркнуть свои музыкальные таланты. В их последнем фильме под названием « Счастливая любовь» (1949) снималась Вера-Эллен , считавшаяся лучшей танцовщицей среди своих коллег и профессионалов за полвека.
Точно так же водевильный комик У. К. Филдс объединил свои усилия с комической актрисой Мартой Рэй и молодым комиком Бобом Хоупом в музыкальной антологии Paramount Pictures «Большая трансляция 1938 года» . В фильме также были продемонстрированы таланты нескольких всемирно признанных музыкальных исполнителей, в том числе: Кирстен Флагстад (норвежское оперное сопрано), Уилфред Пеллетье (канадский дирижер оркестра Метрополитен-опера ), Тито Гисар (мексиканский тенор), Шеп Филдс , дирижирующий своим джазовым оркестром Rippling Rhythm и Джон Серри старший (итальянско-американский концертный аккордеонист). [6] Помимо премии «Оскар» за лучшую оригинальную песню (1938), фильм получил премию ASCAP Film and Television Award (1989) за фирменную песню Боба Хоупа « Спасибо за память ». [7]
В конце 1940-х - начале 1950-х годов производственное подразделение Metro-Goldwyn-Mayer, возглавляемое Артуром Фридом, осуществило переход от старомодных музыкальных фильмов, формула которых стала повторяющейся, к чему-то новому. (Однако они также выпустили цветные римейки таких мюзиклов, как Show Boat , которые ранее были сняты в 1930-х годах.) В 1939 году Фрид был нанят в качестве ассоциированного продюсера фильма «Дети на руках» . Начиная с 1944 года с альбома « Meet Me in St. Louis» , группа Freed Unit работала независимо от собственной студии над созданием некоторых из самых популярных и известных образцов этого жанра. Среди продуктов этого подразделения - «Пасхальный парад» (1948), «В городе» (1949), «Американец в Париже» (1951), «Поющие под дождем» (1952), «Вагон с оркестром » (1953) и «Джиджи» (1958). Мюзиклы студии Non-Freed включали «Семь невест для семи братьев» в 1954 году и «Высшее общество» в 1956 году, а в 1955 году студия распространяла « Парни и куклы» Сэмюэля Голдвина .
В эту эпоху имена музыкальных звезд стали нарицательными, в том числе Джуди Гарланд , Джин Келли , Энн Миллер , Дональд О'Коннор , Сид Чарисс , Микки Руни , Вера-Эллен , Джейн Пауэлл , Говард Кил и Кэтрин Грейсон . Фреда Астера также уговорили выйти из отставки ради Пасхального парада , и он навсегда вернулся.
Другие голливудские студии в то время, особенно в 1950-е годы, оказались столь же искусными в работе с этим жанром. Четыре адаптации шоу Роджерса и Хаммерштейна - Оклахома! , «Король и я» , «Карусель» и «Южный Тихий океан» - все они имели успех, а Paramount Pictures выпустила «Белое Рождество» и «Забавная мордашка» , два фильма, в которых использовалась ранее написанная музыка Ирвинга Берлина и Гершвинов соответственно. Warner Bros. продюсировала «Бедствие Джейн» и «Звезда родилась» ; Первый фильм стал средством продвижения Дорис Дэй , а второй обеспечил возвращение на большой экран Джуди Гарланд, которая была вне поля зрения с 1950 года. Тем временем режиссер Отто Премингер , более известный своими «картинками-посланиями», снял Кармен Джонс. и «Порги и Бесс» с Дороти Дэндридж в главной роли , которая считается первой афроамериканской кинозвездой. Знаменитый режиссер Говард Хоукс также отважился заняться этим жанром в фильме «Джентльмены предпочитают блондинок» .
В 1960-х, 1970-х годах и по сей день музыкальный фильм стал менее прибыльным жанром, на который можно было положиться в качестве надежных хитов. Аудитория их уменьшилась, и было снято меньше музыкальных фильмов, поскольку жанр стал менее массовым и более специализированным.
В 1960-е годы наблюдался критический и кассовый успех фильмов «Вестсайдская история» , «Цыган» , «Музыкальный человек» , «Прощай, птичка» , «Моя прекрасная леди» , «Мэри Поппинс» , «Звуки музыки» , «Забавная вещь случилась по дороге на форум». , Книга джунглей , Совершенно современная Милли , Оливер! и «Смешная девчонка» предположили, что традиционный мюзикл находится в добром здравии, а джазовые мюзиклы французского режиссера Жака Деми « Шербурские зонтики» и «Девушки из Рошфора» пользовались популярностью у международных критиков. Однако на популярные музыкальные вкусы сильно повлиял рок-н-ролл и связанная с ним свобода и молодость, и действительно, Элвис Пресли снял несколько фильмов, которые по форме приравнивались к старым мюзиклам. Ночь тяжелого дня и помощь! с участием «Битлз» были смелыми. Большинство музыкальных фильмов 1950-х и 1960-х годов, таких как «Оклахома!» и «Звуки музыки» представляли собой прямую адаптацию или переработку успешных сценических постановок. Самыми успешными мюзиклами 1960-х годов, созданными специально для кино, были «Мэри Поппинс» и «Книга джунглей» , два самых больших хита Диснея всех времен.
Феноменальные кассовые сборы «Звуков музыки» придали крупным голливудским студиям больше уверенности в создании длинных и крупнобюджетных мюзиклов. Несмотря на оглушительный успех некоторых из этих фильмов, Голливуд также произвел большое количество музыкальных провалов в конце 1960-х и начале 1970-х годов, которые, по-видимому, серьезно исказили общественный вкус. Среди коммерчески и/или критически неудачных фильмов были «Камелот» , «Радуга Финиана» , «Привет, Долли!». , Милая благотворительность , Доктор Дулиттл , Полшестипенсовика , Самый счастливый миллионер , Звезда! , Дорогая Лили , Прощай, мистер Чипс , Раскрась свой фургон , Песня о Норвегии , В ясный день можно увидеть вечность , 1776 , Человек из Ламанчи , Затерянный горизонт и Мэйм . В совокупности и по отдельности эти неудачи повлияли на финансовую жизнеспособность нескольких крупных студий.
В 1970-х годах кинокультура и меняющаяся демография кинозрителей стали уделять больше внимания суровому реализму, в то время как чистое развлечение и театральность голливудских мюзиклов классической эпохи считались старомодными. Несмотря на это, «Скрипач на крыше» и «Кабаре» были более традиционными мюзиклами, тесно адаптированными из сценических представлений, и имели большой успех у критиков и публики. Изменение культурных нравов и отказ от Кодекса Хейса в 1968 году также способствовали изменению вкусов кинозрителей. Фильм 1973 года с участием Эндрю Ллойда Уэббера и Тима Райса « Иисус Христос-суперзвезда » был встречен некоторой критикой со стороны религиозных групп, но был хорошо принят. К середине 1970-х годов кинематографисты отказались от этого жанра в пользу использования музыки популярных рок- или поп-групп в качестве фоновой музыки, отчасти в надежде продать поклонникам альбом саундтреков . «Шоу ужасов Рокки Хоррора» было первоначально выпущено в 1975 году и имело критический провал, пока в 1980-х годах не начались полуночные показы , где оно приобрело культовый статус. В том же году состоялась премьера фильма R&B - группы Bloodstone « Поездка в Голливуд» , но из-за проблем с распространением фильм едва получил символический прокат в кинотеатрах. [8] В 1976 году компания Paramount выпустила малобюджетный комический мюзикл « The First Nudie Musical» . Киноверсия «Бриолина» 1978 года стала хитом; его песни представляли собой оригинальные композиции, выполненные в стиле поп 1950-х годов. Однако сиквел «Бриолин 2» (выпущенный в 1982 году) провалился в прокате. Были сняты фильмы об исполнителях, в которых суровая драма и музыкальные номера переплетались как диегетическая часть сюжетной линии, такие как «Леди поет блюз» , «Весь этот джаз» и «Нью-Йорк, Нью-Йорк» . Некоторые мюзиклы, снятые в Великобритании, экспериментировали с этой формой, например, « Oh! » Ричарда Аттенборо. «Какая прекрасная война» (выпущена в 1969 году), «Багси Мэлоун » Алана Паркера и «Томми и Листомания » Кена Рассела .
Все еще создавался ряд киномюзиклов, которые были менее успешными в финансовом и / или критическом отношении, чем в период расцвета мюзиклов. Среди них «1776» , «Волшебник» , «Наконец-то любовь» , «Мэйм» , «Человек из Ламанчи» , «Потерянный горизонт» , «Годспелл» , «Призрак рая» , «Забавная леди » ( продолжение « Смешной девчонки » Барбры Стрейзанд ), «Маленькая ночная музыка » и «Волосы среди» . другие. Критический гнев против At Long Last Love , в частности, был настолько сильным, что его так и не выпустили на домашнее видео. Музыкальные фильмы-фэнтези «Скрудж» , «Синяя птица» , «Маленький принц» , «Вилли Вонка и шоколадная фабрика» , «Дракон Пита» и «Диснеевские ручки и метлы» также были выпущены в 1970-х годах, последний получил премию «Оскар» за лучшие визуальные эффекты .
К 1980-м годам финансисты становились все более уверенными в музыкальном жанре, отчасти благодаря относительному успеху мюзиклов на Бродвее и в лондонском Вест-Энде . Произведения 1980-х и 1990-х годов включали «Яблоко» , «Занаду» , «Братья Блюз» , «Энни» , «Смысл жизни Монти Пайтона» , «Лучший маленький публичный дом в Техасе» , «Виктор/Виктория» , «Свободный» , «Быстрая перемотка вперед» , «Припев» , «Магазинчик ужасов» , «Запретная зона» , «Абсолютные новички» , «Лабиринт» , «Эвита» и «Все говорят, что я люблю тебя» . Однако «Не могу остановить музыку» с участием « Деревенских людей » в главной роли был неудачной попыткой возродить мюзикл в старом стиле и был выпущен к безразличию публики в 1980 году. «Магазинчик ужасов» был основан на внебродвейской музыкальной адаптации 1960 года. Фильм Роджера Кормана, предшественник более поздних экранизаций из фильма в фильм, включая « Продюсеры» .
Многие анимационные фильмы того периода, преимущественно производства Диснея , включали традиционные музыкальные номера. Говард Эшман , Алан Менкен и Стивен Шварц уже имели опыт работы в музыкальном театре и за это время писали песни для анимационных фильмов, вытеснив рабочих лошадок Диснея — братьев Шерман . Начиная с «Русалочки» 1989 года , эпоха Возрождения Диснея дала музыкальному фильму новую жизнь. Среди других успешных анимационных мюзиклов были «Аладдин» , «Горбун из Нотр-Дама» и «Покахонтас» от самого Диснея, «Кошмар перед Рождеством» от диснеевского подразделения Touchstone Pictures, «Принц Египта» от DreamWorks, «Анастасия» от «Фокса и Дона Блута», «Восемь безумных ночей» от «Колумбии» и Южный парк: больше, длиннее и необрезанный от Paramount. «Красавица и чудовище» , «Король Лев» и другие были адаптированы для сцены после успеха их блокбастеров.
В 21 веке киномюзиклы возродились с появлением более мрачных мюзиклов, музыкальных биографических фильмов, эпических драматических мюзиклов и комедийных драматических мюзиклов, таких как «Мулен Руж»! «Чикаго» , « Переступить черту» , «Девушки мечты» , «Суини Тодд: Демон-парикмахер с Флит-стрит» , «Отверженные» , «Ла-Ла Ленд » и «Вестсайдская история »; все они получили премию «Золотой глобус» за лучший фильм — мюзикл или комедию в свои годы, а такие фильмы, как «Призрак оперы» , «Лак для волос» , «Mamma Mia!» , Девять , В лес , Величайший шоумен , Мэри Поппинс возвращается , Рокетмен , Сирано , Тик, тик... Бум! , Элвис и The Color Purple были только номинированы. «Чикаго» также стал первым мюзиклом после «Оливера!» чтобы выиграть лучший фильм на церемонии вручения премии Оскар.
Документальный фильм Джошуа Оппенгеймера « Акт убийства» , номинированный на премию «Оскар», можно считать научно-популярным мюзиклом. [9]
Одной из конкретных музыкальных тенденций было увеличение количества мюзиклов из музыкальных автоматов, основанных на музыке различных поп / рок-исполнителей на большом экране, некоторые из которых основаны на бродвейских шоу. Примеры музыкальных фильмов о музыкальных автоматах на Бродвее включали Mamma Mia! ( ABBA ), Rock of Ages и Sunshine on Leith ( The Proclaimers ). Среди оригинальных были «Across the Universe» ( «Битлз» ), «Мулен Руж»! (различные поп-хиты), Idlewild ( «Outkast» ) и «Yesterday» (« The Beatles» ).
Дисней также вернулся в мюзиклы с «Зачарованными» , «Принцесса и лягушка» , «Рапунцель: Запутанная история» , «Винни-Пух» , «Маппеты» , «Холодное сердце» , «Самые разыскиваемые куклы» , «В лес» , «Моана» , «Мэри Поппинс возвращается» , «Холодное сердце 2» , «Энканто» , « Лучше Нейт, чем когда-либо» , «Разочарование». , Wish , Моана 2 и Муфаса: Король Лев . После ряда успехов в фэнтезийных адаптациях нескольких своих анимационных фильмов , Дисней выпустил живую версию « Красавицы и чудовища» , первую из этого пакета адаптации в жанре фэнтези с живыми актерами , ставшую полноценным мюзиклом, и включающую новые песни . а также новые тексты как для номера Гастона , так и для репризы заглавной песни. Билл Кондон , снявший «Девушек мечты» , снял «Красавицу и чудовище» . Вторым фильмом из этой адаптации фэнтезийного боевика, ставшим полноценным мюзиклом, стал «Аладдин» , в котором представлены новые песни. Третьим фильмом из этой адаптации фэнтезийного боевика, ставшим полноценным мюзиклом, стал «Король Лев» , в который вошли новые песни. Четвертым фильмом этого адаптационного пакета в жанре фэнтези с живыми боевиками, ставшим полноценным мюзиклом, стала «Русалочка» , в которой представлены новые песни на слова Лин-Мануэля Миранды , заменившего Эшмана. Pixar также выпустила « Коко» , первый компьютерный анимационный музыкальный фильм компании. Другие анимационные музыкальные фильмы включают «Рио» , «Лоракс» доктора Сьюза , «Рио 2» , «Книга жизни» , «Тролли» , « Пой» , «Мой маленький пони: фильм» , «Смоллфут », «Уродливые куклы» , «Мировое турне троллей» , «Над луной» , «Виво» , «Пой 2» , Фильм «Бургеры Боба» , «Под променадом» , «Тролли вместе» , «Лео» , «Единорог Тельма» и «Зачарованный» .
Biopics about music artists and showmen were also big in the 21st century. Examples include 8 Mile (Eminem), Ray (Ray Charles), Walk the Line (Johnny Cash and June Carter), La Vie en Rose (Édith Piaf), Notorious (Biggie Smalls), Jersey Boys (The Four Seasons) Love & Mercy (Brian Wilson), CrazySexyCool: The TLC Story (TLC), Aaliyah: The Princess of R&B (Aaliyah), Get on Up (James Brown), Whitney and I Wanna Dance With Somebody (Whitney Houston), Straight Outta Compton (N.W.A), The Greatest Showman (P. T. Barnum), Bohemian Rhapsody (Freddie Mercury), The Dirt (Mötley Crüe), Judy (Judy Garland), Rocketman (Elton John), Respect (Aretha Franklin) and Elvis (Elvis Presley). Grossing over $900 million at the box office Bohemian Rhapsody is the most commercially successful musical biopic.[10]
Director Damien Chazelle created a musical film called La La Land, starring Ryan Gosling and Emma Stone. It was meant to reintroduce the traditional jazz style of song numbers with influences from the Golden Age of Hollywood and Jacques Demy's French musicals while incorporating a contemporary/modern take on the story and characters with balances in fantasy numbers and grounded reality. It received 14 nominations at the 89th Academy Awards, tying the record for most nominations with All About Eve (1950) and Titanic (1997), and won the awards for Best Director, Best Actress, Best Cinematography, Best Original Score, Best Original Song, and Best Production Design.
In 2013, NBC produced The Sound of Music Live! as part of their effort for expanded live entertainment events, which became an annual tradition of adaptations of stage musicals, created specifically as live television events. The following years featured Peter Pan Live!, The Wiz Live!, Hairspray Live!, Jesus Christ Superstar Live!, Dr. Seuss' The Grinch Musical Live!, and Annie Live!. ABC and Fox also produced similar events, including Grease Live!, A Christmas Story Live!, Rent: Live, and The Little Mermaid Live!.[11]
An exception to the decline of the musical film is Indian cinema, especially the Bollywood film industry based in Mumbai (formerly Bombay), where most of films have been, and still are, musicals. The majority of films produced in the Tamil industry, based in Chennai (formerly Madras), the Sandalwood industry, based in Bangalore, the Telugu industry, based in Hyderabad, and the Malayalam industry are also musicals.
Despite this exception of almost every Indian movie being a musical and India producing the most movies in the world (formed in 1913), the first Bollywood film to be a complete musical, Dev D (directed by Anurag Kashyap), came in 2009. The second musical film to follow was Jagga Jasoos (directed by Anurag Basu), in 2017.
Bollywood musicals have their roots in the traditional musical theatre of India, such as classical Indian musical theatre, Sanskrit drama, and Parsi theatre. Early Bombay filmmakers combined these Indian musical theatre traditions with the musical film format that emerged from early Hollywood sound films.[12] Other early influences on Bombay filmmakers included Urdu literature and the Arabian Nights.[13]
The first Indian sound film, Ardeshir Irani's Alam Ara (1931), was a major commercial success.[14] There was clearly a huge market for talkies and musicals; Bollywood and all the regional film industries quickly switched to sound filming.
In 1937, Ardeshir Irani, of Alam Ara fame, made the first colour film in Hindi, Kisan Kanya. The next year, he made another colour film, a version of Mother India. However, colour did not become a popular feature until the late 1950s. At this time, lavish romantic musicals and melodramas were the staple fare at the cinema.
Following India's independence, the period from the late 1940s to the early 1960s is regarded by film historians as the "Golden Age" of Hindi cinema.[18][19][20] Some of the most critically acclaimed Hindi films of all time were produced during this period. Examples include Pyaasa (1957) and Kaagaz Ke Phool (1959), directed by Guru Dutt and written by Abrar Alvi, Awaara (1951) and Shree 420 (1955), directed by Raj Kapoor and written by Khwaja Ahmad Abbas, and Aan (1952), directed by Mehboob Khan and starring Dilip Kumar. These films expressed social themes mainly dealing with working-class life in India, particularly urban life in the former two examples; Awaara presented the city as both a nightmare and a dream, while Pyaasa critiqued the unreality of city life.[21]
Mehboob Khan's Mother India (1957), a remake of his earlier Aurat (1940), was the first Indian film to be nominated for the Academy Award for Best Foreign Language Film, which it lost by a single vote.[22] Mother India was also an important film that defined the conventions of Hindi cinema for decades.[23][24][25]
In the 1960s and early 1970s, the industry was dominated by musical romance films with "romantic hero" leads, the most popular being Rajesh Khanna.[26] Other actors during this period include Shammi Kapoor, Jeetendra, Sanjeev Kumar, and Shashi Kapoor, and actresses like Sharmila Tagore, Mumtaz, Saira Banu, Helen and Asha Parekh.
By the start of the 1970s, Hindi cinema was experiencing thematic stagnation,[27] dominated by musical romance films.[26] The arrival of screenwriter duo Salim–Javed, consisting of Salim Khan and Javed Akhtar, marked a paradigm shift, revitalizing the industry.[27] They began the genre of gritty, violent, Bombay underworld crime films in the early 1970s, with films such as Zanjeer (1973) and Deewaar (1975).[28][29]
The 1970s was also when the name "Bollywood" was coined,[30][31] and when the quintessential conventions of commercial Bollywood films were established.[32] Key to this was the emergence of the masala film genre, which combines elements of multiple genres (action, comedy, romance, drama, melodrama, musical). The masala film was pioneered in the early 1970s by filmmaker Nasir Hussain,[33] along with screenwriter duo Salim-Javed,[32] pioneering the Bollywood blockbuster format.[32] Yaadon Ki Baarat (1973), directed by Hussain and written by Salim-Javed, has been identified as the first masala film and the "first" quintessentially "Bollywood" film.[34][32] Salim-Javed went on to write more successful masala films in the 1970s and 1980s.[32] Masala films launched Amitabh Bachchan into the biggest Bollywood movie star of the 1970s and 1980s. A landmark for the masala film genre was Amar Akbar Anthony (1977),[35][34] directed by Manmohan Desai and written by Kader Khan. Manmohan Desai went on to successfully exploit the genre in the 1970s and 1980s.
Along with Bachchan, other popular actors of this era included Feroz Khan,[36] Mithun Chakraborty, Naseeruddin Shah, Jackie Shroff, Sanjay Dutt, Anil Kapoor and Sunny Deol. Actresses from this era included Hema Malini, Jaya Bachchan, Raakhee, Shabana Azmi, Zeenat Aman, Parveen Babi, Rekha, Dimple Kapadia, Smita Patil, Jaya Prada and Padmini Kolhapure.[37]
In the late 1980s, Hindi cinema experienced another period of stagnation, with a decline in box office turnout, due to increasing violence, decline in musical melodic quality, and rise in video piracy, leading to middle-class family audiences abandoning theaters. The turning point came with Qayamat Se Qayamat Tak (1988), directed by Mansoor Khan, written and produced by his father Nasir Hussain, and starring his cousin Aamir Khan with Juhi Chawla. Its blend of youthfulness, wholesome entertainment, emotional quotients and strong melodies lured family audiences back to the big screen.[38][39] It set a new template for Bollywood musical romance films that defined Hindi cinema in the 1990s.[39]
The period of Hindi cinema from the 1990s onwards is referred to as "New Bollywood" cinema,[40] linked to economic liberalisation in India during the early 1990s.[41] By the early 1990s, the pendulum had swung back toward family-centric romantic musicals. Qayamat Se Qayamat Tak was followed by blockbusters such as Maine Pyar Kiya (1989), Chandni (1989), Hum Aapke Hain Kaun (1994), Dilwale Dulhania Le Jayenge (1995), Raja Hindustani (1996), Dil To Pagal Hai (1997), Pyaar To Hona Hi Tha (1998) and Kuch Kuch Hota Hai (1998). A new generation of popular actors emerged, such as Aamir Khan, Aditya Pancholi, Ajay Devgan, Akshay Kumar, Salman Khan (Salim Khan's son), and Shahrukh Khan, and actresses such as Madhuri Dixit, Sridevi, Juhi Chawla, Meenakshi Seshadri, Manisha Koirala, Kajol, and Karisma Kapoor.[37]
Since the 1990s, the three biggest Bollywood movie stars have been the "Three Khans": Aamir Khan, Shah Rukh Khan, and Salman Khan.[42][43] Combined, they have starred in most of the top ten highest-grossing Bollywood films. The three Khans have had successful careers since the late 1980s,[42] and have dominated the Indian box office since the 1990s,[44] across three decades.[45]
Baz Luhrmann stated that his successful musical film Moulin Rouge! (2001) was directly inspired by Bollywood musicals.[46] The film pays homage to India, incorporating an Indian-themed play and a Bollywood-style dance sequence with a song from the film China Gate. The critical and financial success of Moulin Rouge! renewed interest in the then-moribund Western live action musical genre, and subsequently films such as Chicago, The Producers, Rent, Dreamgirls, and Hairspray were produced, fueling a renaissance of the genre.[47]
The Guru and The 40-Year-Old Virgin also feature Indian-style song-and-dance sequences; the Bollywood musical Lagaan (2001) was nominated for the Academy Award for Best Foreign Language Film; two other Bollywood films Devdas (2002) and Rang De Basanti (2006) were nominated for the BAFTA Award for Best Film Not in the English Language; and Danny Boyle's Academy Award winning Slumdog Millionaire (2008) also features a Bollywood-style song-and-dance number during the film's end credits, Tallika (2022) was the first movie with Maximum Genres of Music Composed by Maharaja and registered as a World Record Holder in Music,[48]
Spain has a history and tradition of musical films that were made independent of Hollywood influence. The first films arise during the Second Spanish Republic of the 1930s and the advent of sound films. A few zarzuelas (Spanish operetta) were even adapted as screenplays during the silent era. The beginnings of the Spanish musical were focused on romantic Spanish archetypes: Andalusian villages and landscapes, gypsies, "bandoleros", and copla and other popular folk songs included in story development. These films had even more box-office success than Hollywood premieres in Spain. The first Spanish film stars came from the musical genre: Imperio Argentina, Estrellita Castro, Florián Rey (director) and, later, Lola Flores, Sara Montiel and Carmen Sevilla. The Spanish musical started to expand and grow. Juvenile stars appear and top the box-office. Marisol, Joselito, Pili & Mili, and Rocío Dúrcal were the major figures of musical films from the 1960s to 1970s. Due to Spanish transition to democracy and the rise of "Movida culture", the musical genre fell in production and box-office, only saved by Carlos Saura and his flamenco musical films.
Unlike the musical films of Hollywood and Bollywood, popularly identified with escapism, the Soviet musical was first and foremost a form of propaganda. Vladimir Lenin said that cinema was "the most important of the arts". His successor, Joseph Stalin, also recognized the power of cinema in efficiently spreading Communist Party doctrine. Films were widely popular in the 1920s, but it was foreign cinema that dominated the Soviet filmgoing market. Films from Germany and the U.S. proved more entertaining than Soviet director Sergei Eisenstein's historical dramas.[49] By the 1930s it was clear that if the Soviet cinema was to compete with its Western counterparts, it would have to give audiences what they wanted: the glamour and fantasy they got from Hollywood.[50] The musical film, which emerged at that time, embodied the ideal combination of entertainment and official ideology.
A struggle between laughter for laughter's sake and entertainment with a clear ideological message would define the golden age of the Soviet musical of the 1930s and 1940s. Then-head of the film industry Boris Shumyatsky sought to emulate Hollywood's conveyor belt method of production, going so far as to suggest the establishment of a Soviet Hollywood.[51]
In 1930, the esteemed Soviet film director Sergei Eisenstein went to the United States with fellow director Grigori Aleksandrov to study Hollywood's filmmaking process. The American films greatly impacted Aleksandrov, particularly the musicals.[52] He returned in 1932, and in 1934 directed The Jolly Fellows, the first Soviet musical. The film was light on plot and focused more on the comedy and musical numbers. Party officials at first met the film with great hostility. Aleksandrov defended his work by arguing the notion of laughter for laughter's sake.[53] Finally, when Aleksandrov showed the film to Stalin, the leader decided that musicals were an effective means of spreading propaganda. Messages like the importance of collective labor and rags-to-riches stories would become the plots of most Soviet musicals.
The success of The Jolly Fellows ensured a place in Soviet cinema for the musical format, but immediately Shumyatsky set strict guidelines to make sure the films promoted Communist values. Shumyatsky's decree "Movies for the Millions" demanded conventional plots, characters, and montage to successfully portray Socialist Realism (the glorification of industry and the working class) on film.[54]
The first successful blend of a social message and entertainment was Aleksandrov's Circus (1936). It starred his wife, Lyubov Orlova (an operatic singer who had also appeared in The Jolly Fellows) as an American circus performer who has to immigrate to the USSR from the U.S. because she has a mixed-race child, whom she had with a black man. Amidst the backdrop of lavish musical productions, she finally finds love and acceptance in the USSR, providing the message that racial tolerance can only be found in the Soviet Union.
The influence of Busby Berkeley's choreography on Aleksandrov's directing can be seen in the musical number leading up to the climax. Another, more obvious reference to Hollywood is the Charlie Chaplin impersonator who provides comic relief throughout the film. Four million people in Moscow and Leningrad went to see Circus during its first month in theaters.[55]
Another of Aleksandrov's more-popular films was The Bright Path (1940). This was a reworking of the fairytale Cinderella set in the contemporary Soviet Union. The Cinderella of the story was again Orlova, who by this time was the most popular star in the USSR.[56] It was a fantasy tale, but the moral of the story was that a better life comes from hard work. Whereas in Circus, the musical numbers involved dancing and spectacle, the only type of choreography in Bright Path is the movement of factory machines. The music was limited to Orlova's singing. Here, work provided the spectacle.
The other director of musical films was Ivan Pyryev. Unlike Aleksandrov, the focus of Pyryev's films was life on the collective farms. His films, Tractor Drivers (1939), The Swineherd and the Shepherd (1941), and his most famous, Cossacks of the Kuban (1949) all starred his wife, Marina Ladynina. Like in Aleksandrov's Bright Path, the only choreography was the work the characters were doing on film. Even the songs were about the joys of working.
Rather than having a specific message for any of his films, Pyryev promoted Stalin's slogan "life has become better, life has become more joyous."[57] Sometimes this message was in stark contrast with the reality of the time. During the filming of Cossacks of the Kuban, the Soviet Union was going through a postwar famine. In reality, the actors who were singing about a time of prosperity were hungry and malnourished.[58] The films did, however, provide escapism and optimism for the viewing public.
The most popular film of the brief era of Stalinist musicals was Alexandrov's 1938 film Volga-Volga. The star, again, was Lyubov Orlova and the film featured singing and dancing, having nothing to do with work. It is the most unusual of its type. The plot surrounds a love story between two individuals who want to play music. They are unrepresentative of Soviet values in that their focus is more on their music than their jobs. The gags poke fun at the local authorities and bureaucracy. There is no glorification of industry since it takes place in a small rural village. Work is not glorified either, since the plot revolves around a group of villagers using their vacation time to go on a trip up the Volga and Moscow Canal to perform in Moscow. The film can be seen as a glorification of Moscow canal without any hint that the canal was built by Gulag prisoners.
Volga-Volga followed the aesthetic principles of Socialist Realism rather than the ideological tenets. It became Stalin's favorite film and he gave it as a gift to President Roosevelt during WWII. It is another example of one of the films that claimed life is better. Released at the height of Stalin's purges, it provided escapism and a comforting illusion for the public.[59]
{{cite news}}: CS1 maint: bot: original URL status unknown (link){{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)