stringtranslate.com

Искусство Европы

Картина Апеллеса «Кампаспа» , произведение искусства, изображающее людей, окруженных изящными произведениями искусства; Виллем ван Хехт ; ок. 1630 г.; масло на панели; высота: 104,9 см, ширина: 148,7 см; Маурицхёйс ( Гаага , Нидерланды )
Косовская дева ; Урош Предич ; 1919; холст, масло; 1,95 x 2,64 м; Национальный музей Сербии ( Белград , Сербия )
Искусство живописи ; Иоганн Вермеер ; 1666–1668; холст, масло; 1,3 x 1,1 м; Музей истории искусств ( Вена , Австрия )

Искусство Европы , также известное как западное искусство , охватывает историю изобразительного искусства в Европе . Европейское доисторическое искусство началось как подвижная наскальная и пещерная живопись верхнего палеолита и петроглифическое искусство и было характерно для периода между палеолитом и железным веком . [1] Письменные истории европейского искусства часто начинаются с Эгейских цивилизаций , датируемых 3-м тысячелетием до нашей эры. Однако последовательная модель художественного развития в Европе становится ясной только с древнегреческим искусством , которое было принято и преобразовано Римом и распространено; с Римской империей , по большей части Европы, Северной Африке и Западной Азии . [2]

Влияние искусства классического периода то усиливалось, то ослабевало на протяжении следующих двух тысяч лет, словно растворившись в далеком воспоминании в некоторых частях Средневековья , чтобы вновь возникнуть в эпоху Возрождения , претерпев период, который некоторые ранние историки искусства рассматривали как «упадок» в эпоху барокко [3] , чтобы вновь появиться в утонченной форме в неоклассицизме [4] и возродиться в постмодернизме [5] .

До 1800-х годов христианская церковь оказывала большое влияние на европейское искусство, и заказы от церкви служили основным источником работы для художников. В тот же период также возобновился интерес к классической мифологии, великим войнам, героям и героиням, а также темам, не связанным с религией. [6] Большая часть искусства последних 200 лет создавалась без ссылки на религию и часто вообще без какой-либо определенной идеологии , но искусство часто находилось под влиянием политических вопросов, отражая заботы покровителей или художника.

Европейское искусство организовано в ряд стилистических периодов, которые исторически накладываются друг на друга, поскольку разные стили процветали в разных областях. В общих чертах периоды таковы: классический , византийский , средневековый , готический , ренессансный , барокко , рококо , неоклассический , модерн , постмодерн и новая европейская живопись . [6]

Доисторическое искусство

Европейское доисторическое искусство является важной частью европейского культурного наследия. [7] История доисторического искусства обычно делится на четыре основных периода: каменный век , неолит , бронзовый век и железный век . Большинство сохранившихся артефактов этого периода — это небольшие скульптуры и наскальные рисунки.

Венера Виллендорфская ; ок. 26 000 г. до н. э. (граветтийский период); известняк с охровой окраской; Музей естественной истории ( Вена , Австрия)

Большая часть сохранившегося доисторического искусства — это небольшие переносные скульптуры, с небольшой группой женских фигурок Венеры, таких как Венера Виллендорфская (24 000–22 000 до н. э.), найденных по всей Центральной Европе; [8] 30-сантиметровая фигурка Löwenmensch , датируемая примерно 30 000 г. до н. э., вряд ли имеет какие-либо детали, которые можно было бы с ней соотнести. Плывущий олень, датируемый примерно 11 000 г. до н. э., является одной из лучших из ряда мадленских резных фигурок из кости или рогов животных в искусстве верхнего палеолита , хотя их превосходят по численности гравированные изделия, которые иногда классифицируются как скульптура. [9] С началом мезолита в Европе фигуративная скульптура значительно сократилась, [10] и оставалась менее распространенным элементом в искусстве, чем рельефное украшение практических предметов вплоть до римского периода, несмотря на некоторые работы, такие как котел из Гундеструпа из европейского железного века и солнечная колесница Трундхольма из бронзового века . [11]

Древнейшее европейское пещерное искусство датируется 40 800 годом и может быть найдено в пещере Эль-Кастильо в Испании. [12] Другие места наскальной живописи включают Ласко , пещеру Альтамира , Грот-де-Кюссак , Печ-Мерль , пещеру Нио , пещеру Шове , Фон-де-Гом , скалы Кресвелл, Ноттингемшир, Англия (гравюры и барельефы пещеры были обнаружены в 2003 году), пещеру Колибоаиа в Румынии (считается старейшей наскальной живописью в Центральной Европе ) [13] и Магура, [1] Белоградчик, Болгария. [14] Наскальная живопись также выполнялась на скальных поверхностях, но из-за эрозии сохранилось меньше из них. Одним из известных примеров являются наскальные рисунки Астувансалми в районе Саймы в Финляндии. Когда Марселино Санс де Саутуола впервые столкнулся с мадленскими росписями пещеры Альтамира, Кантабрия, Испания, в 1879 году, ученые того времени посчитали их подделками. Недавние переоценки и многочисленные дополнительные открытия с тех пор продемонстрировали их подлинность, одновременно стимулируя интерес к искусству народов верхнего палеолита. Пещерные росписи, выполненные только с помощью самых элементарных инструментов, также могут дать ценную информацию о культуре и верованиях той эпохи.

Наскальное искусство Иберийского средиземноморского бассейна представляет собой совершенно другой стиль, в котором человеческая фигура является основным объектом внимания, часто встречается в больших группах, с представленными сражениями, танцами и охотой, а также другими видами деятельности и деталями, такими как одежда. Фигуры, как правило, довольно схематично изображены тонкой краской, а отношения между группами людей и животных прорисованы более тщательно, чем отдельные фигуры. Другие менее многочисленные группы наскального искусства, многие из которых выгравированы, а не нарисованы, демонстрируют схожие характеристики. Считается, что иберийские образцы датируются длительным периодом, возможно, охватывающим верхний палеолит, мезолит и ранний неолит.

Доисторическое кельтское искусство происходит из большей части Европы железного века и сохранилось в основном в форме высокостатусных металлических изделий, искусно украшенных сложными, элегантными и в основном абстрактными узорами, часто с использованием изогнутых и спиральных форм. Есть человеческие головы и некоторые полностью представленные животные, но полноразмерные человеческие фигуры любого размера настолько редки, что их отсутствие может представлять религиозное табу. После завоевания римлянами кельтских территорий оно почти полностью исчезает, но стиль продолжал ограниченно использоваться на Британских островах , и с приходом христианства возродился там в островном стиле раннего Средневековья.

Древний

минойский

Минойская цивилизация Крита считается старейшей цивилизацией в Европе. [15] Минойское искусство отмечено образными образами и исключительным мастерством. Синклер Худ описал «основное качество лучшего минойского искусства, способность создавать атмосферу движения и жизни, хотя и следуя набору весьма формальных условностей». [ 16] Оно является частью более широкой группы эгейского искусства , и в более поздние периоды на некоторое время стало оказывать доминирующее влияние на кикладское искусство . Дерево и текстиль разложились, поэтому большинство сохранившихся примеров минойского искусства — это керамика , искусно вырезанные минойские печати , дворцовые фрески , включающие пейзажи), небольшие скульптуры из различных материалов, ювелирные изделия и изделия из металла.

Связь минойского искусства с другими современными культурами и более поздним древнегреческим искусством была предметом многочисленных обсуждений. Оно явно доминировало над микенским искусством и кикладским искусством тех же периодов, [17] даже после того, как Крит был занят микенцами, но только некоторые аспекты традиции пережили греческие Темные века после распада микенской Греции . [18]

Минойское искусство имеет разнообразную тематику, большая часть которой появляется в различных медиа, хотя только некоторые стили керамики включают фигуративные сцены. Прыжки через быка появляются в живописи и нескольких типах скульптуры и, как полагают, имели религиозное значение; головы быков также являются популярным предметом в терракоте и других скульптурных материалах. Нет никаких фигур, которые кажутся портретами людей или явно королевскими, а личности религиозных деятелей часто условны, [19] поскольку ученые не уверены, являются ли они божествами, духовенством или верующими. [20] Равным образом, далеко не ясно, были ли расписанные комнаты «святилищами» или светскими; одна комната в Акротири, как утверждается, была спальней с остатками кровати или святилищем. [21]

Животные, включая необычное разнообразие морской фауны, часто изображаются; « Морской стиль » — это тип расписной дворцовой керамики из MM III и LM IA, на которой изображены морские существа, включая осьминога , разбросанные по всему судну, и, вероятно, возникшие из похожих фресковых сцен; [22] иногда они появляются в других материалах. Сцены охоты и войны, а также лошади и всадники, в основном встречаются в более поздние периоды, в работах, возможно, созданных критянами для микенского рынка или микенскими правителями Крита.

Хотя минойские фигуры, будь то люди или животные, обладают большим чувством жизни и движения, они часто не очень точны, и вид иногда невозможно идентифицировать; по сравнению с древнеегипетским искусством они часто более яркие, но менее натуралистичные. [23] По сравнению с искусством других древних культур здесь высокая доля женских фигур, хотя идея о том, что у минойцев были только богини и никаких богов, теперь отвергается. Большинство человеческих фигур изображены в профиль или в версии египетской традиции с головой и ногами в профиль, а туловище показано спереди; но минойские фигуры преувеличивают такие черты, как тонкие мужские талии и большие женские груди. [24]

Классическая греческая и эллинистическая

В Древней Греции были великие художники, великие скульпторы и великие архитекторы. Парфенон является примером их архитектуры, которая сохранилась до наших дней. Греческая мраморная скульптура часто описывается как высшая форма классического искусства. Роспись на керамике Древней Греции дает особенно информативный взгляд на то, как функционировало общество в Древней Греции. Чернофигурная вазовая живопись и краснофигурная вазовая живопись дают много сохранившихся примеров того, какой была греческая живопись. Некоторые известные греческие художники на деревянных панелях, которые упоминаются в текстах, - это Апеллес , Зевксис и Паррасий , однако не сохранилось ни одного примера древнегреческой панельной живописи, только письменные описания их современников или более поздних римлян. Зевксис жил в 5-6 годах до нашей эры и, как говорят, был первым, кто использовал сфумато . По словам Плиния Старшего , реализм его картин был таков, что птицы пытались съесть нарисованный виноград. Апеллеса описывают как величайшего художника античности за совершенную технику рисунка, блестящий цвет и моделирование.

Роман

Римское искусство находилось под влиянием Греции и может быть отчасти принято считать потомком древнегреческой живописи и скульптуры, но также на него сильное влияние оказало более локальное этрусское искусство Италии. Римская скульптура — это в первую очередь портретная живопись, происходящая от высших классов общества, а также изображения богов. Однако римская живопись имеет важные уникальные характеристики. Среди сохранившихся римских картин есть настенные росписи, многие из вилл в Кампании , в Южной Италии, особенно в Помпеях и Геркулануме . Такая живопись может быть сгруппирована в четыре основных «стиля» или периода [26] и может содержать первые примеры trompe-l'œil , псевдоперспективы и чистого пейзажа. [27]

Почти все сохранившиеся живописные портреты Древнего мира представляют собой большое количество портретов-гробов в форме бюста, найденных на позднеантичном кладбище Эль-Файюм . Они дают представление о качестве, которое должно было иметь лучшее античное произведение. Сохранилось также очень небольшое количество миниатюр из позднеантичных иллюстрированных книг, и довольно большое количество их копий из раннего средневекового периода. Раннее христианское искусство выросло из римского народного, а позднее императорского искусства и адаптировало свою иконографию из этих источников.

Средневековый

Большинство сохранившихся произведений искусства периода Средневековья были религиозного характера, часто финансировались Церковью , влиятельными церковными лицами, такими как епископы , общинными группами, такими как аббатства , или богатыми светскими покровителями . Многие из них имели определенные литургические функции — например, кресты для процессий и алтари .

Один из центральных вопросов о средневековом искусстве касается его отсутствия реализма. Значительная часть знаний о перспективе в искусстве и понимание человеческой фигуры были утрачены с падением Рима . Но реализм не был главной заботой средневековых художников. Они просто пытались передать религиозное послание, задача, которая требует ясных иконических образов вместо точно переданных.

Период времени : 6-15 вв.

Раннее средневековое искусство

Искусство периода миграции — это общий термин для искусства «варварских» народов, которые переселились на бывшие римские территории. Кельтское искусство в VII и VIII веках слилось с германскими традициями через контакт с англосаксами, создав то, что называется хиберно-саксонским стилем или островным искусством , которое оказало большое влияние на остальную часть Средневековья. Меровингское искусство описывает искусство франков до примерно 800 года, когда каролингское искусство сочетало островные влияния с осознанным классическим возрождением, развившись в оттоновское искусство . Англосаксонское искусство — это искусство Англии после островного периода. Иллюстрированные рукописи содержат почти всю сохранившуюся живопись того периода, но архитектура, металлообработка и небольшие резные работы по дереву или слоновой кости также были важными средствами.

византийский

Византийское искусство пересекается или сливается с тем, что мы называем ранним христианским искусством, до периода иконоборчества 730-843 гг., когда подавляющее большинство произведений искусства с фигурами было уничтожено; осталось так мало, что сегодня любое открытие проливает новое понимание. После 843 г. до 1453 г. существует четкая византийская художественная традиция. Это часто лучшее искусство Средневековья с точки зрения качества материала и мастерства, а производство было сосредоточено в Константинополе. Венцом византийского искусства были монументальные фрески и мозаики внутри купольных церквей, большинство из которых не сохранились из-за стихийных бедствий и присвоения церквей мечетям.

романский

Романское искусство относится к периоду примерно с 1000 года до подъема готического искусства в 12 веке. Это был период растущего процветания, и первый период, когда последовательный стиль использовался по всей Европе, от Скандинавии до Сицилии. Романское искусство энергичное и прямолинейное, изначально было ярко окрашено и часто очень сложное. Витражи и эмаль на металлических изделиях стали важными средствами, и более крупные скульптуры в круглой форме развивались, хотя горельеф был основной техникой. В его архитектуре преобладают толстые стены, а также круглые окна и арки с большим количеством резных украшений.

готика

Готическое искусство — термин, который может меняться в зависимости от ремесла, места и времени. Термин возник в готической архитектуре в 1140 году, но готическая живопись появилась только около 1200 года (эта дата имеет много уточнений), когда она отделилась от романского стиля. Готическая скульптура родилась во Франции в 1144 году с реконструкцией церкви аббатства Сан-Дени и распространилась по всей Европе, к 13 веку она стала международным стилем, заменив романский. Международная готика описывает готическое искусство примерно с 1360 по 1430 год, после чего готическое искусство в разное время и в разных местах сливается с искусством эпохи Возрождения. В этот период такие формы, как живопись, фреска и на панели, становятся новыми важными, а конец периода включает в себя новые медиа, такие как гравюры.

Ренессанс

« Витрувианский человек » Леонардо да Винчи ( Uomo Vitruviano ) (ок. 1490 г.), основополагающее произведение эпохи Возрождения. Рисунок вдохновлен и впоследствии назван в честь римского архитектора - автора I в. до н. э. Витрувия и его представлений об «идеальных» пропорциях человеческого тела , изложенных в его труде «Об архитектуре» . [28] [29] Рисунок подчеркивает увлечение движения греко-римскими цивилизациями и присвоение классического искусства , а также его стремление к взаимосвязи между структурой тела и природой. [29]

Ренессанс характеризуется акцентом на искусстве Древней Греции и Рима , что привело ко многим изменениям как в технических аспектах живописи и скульптуры, так и в их тематике. Он начался в Италии , стране , богатой римским наследием, а также материальным процветанием для финансирования художников. В эпоху Возрождения художники начали повышать реализм своих работ, используя новые методы в перспективе , тем самым представляя три измерения более достоверно. Художники также начали использовать новые методы в манипуляции светом и тьмой, такие как контраст тонов, очевидный во многих портретах Тициана , и развитие сфумато и кьяроскуро Леонардо да Винчи . Скульпторы также начали заново открывать для себя многие древние техники, такие как контрапосто . Следуя гуманистическому духу эпохи, искусство стало более светским по тематике, изображая древнюю мифологию в дополнение к христианским темам. Этот жанр искусства часто называют ренессансным классицизмом . На Севере важнейшим нововведением эпохи Возрождения стало широкое использование масляных красок , что позволило добиться большей яркости и интенсивности цветов.

От готики до Ренессанса

В конце XIII века и начале XIV века большая часть живописи в Италии носила византийский характер, особенно Дуччо из Сиены и Чимабуэ из Флоренции, в то время как Пьетро Каваллини в Риме был более готического стиля. В XIII веке итальянские скульпторы начали черпать вдохновение не только из средневековых прототипов, но и из античных работ. [30]

В 1290 году Джотто начал писать в манере, которая была менее традиционной и больше основывалась на наблюдении за природой. Его знаменитый цикл в капелле Скровеньи в Падуе рассматривается как начало стиля Ренессанса .

Другие художники 14 века довели готический стиль до большой проработки и детализации. Среди этих художников выделяются Симоне Мартини и Джентиле да Фабриано .

В Нидерландах техника масляной живописи, а не темперной , привела к форме проработки, которая не зависела от нанесения листового золота и тиснения, а от мельчайшего изображения естественного мира. В это время развивалось искусство живописи текстур с большим реализмом. Голландские художники, такие как Ян ван Эйк и Хуго ван дер Гус, оказали большое влияние на живопись поздней готики и раннего Возрождения.

Раннее Возрождение

Идеи эпохи Возрождения впервые появились в городе-государстве Флоренция , Италия . Скульптор Донателло вернулся к классическим приемам, таким как контрапосто , и классическим сюжетам, таким как обнаженная фигура без опоры — его вторая скульптура Давида была первой отдельно стоящей обнаженной фигурой из бронзы, созданной в Европе со времен Римской империи. Скульптор и архитектор Брунеллески изучал архитектурные идеи древнеримских зданий для вдохновения. Мазаччо усовершенствовал такие элементы, как композиция, индивидуальное выражение и человеческая форма, чтобы рисовать фрески, особенно в капелле Бранкаччи , удивительно элегантные, драматичные и эмоциональные.

Значительное число этих выдающихся художников работали над различными частями Флорентийского собора . Купол Брунеллески для собора был одним из первых по-настоящему революционных архитектурных новшеств со времен готического аркбутана. Донателло создал многие из его скульптур. Джотто и Лоренцо Гиберти также внесли свой вклад в собор.

Высокий Ренессанс

Художники Высокого Возрождения включают таких фигур, как Леонардо да Винчи , Микеланджело Буонарроти и Рафаэлло Санцио .

Художественные разработки XV века в Италии (например, интерес к перспективным системам, изображению анатомии и классическим культурам) созрели в XVI веке, что объясняет обозначения «Раннее Возрождение» для XV века и «Высокое Возрождение» для XVI века. Хотя ни один отдельный стиль не характеризует Высокое Возрождение, искусство тех, кто наиболее тесно связан с этим периодом — Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело и Тициана — демонстрирует поразительное мастерство, как техническое, так и эстетическое. Художники Высокого Возрождения создавали произведения такого авторитета, что поколения последующих художников опирались на эти произведения искусства для обучения. Эти образцовые художественные творения еще больше подняли престиж художников. Художники могли претендовать на божественное вдохновение, тем самым поднимая визуальное искусство до статуса, ранее присуждавшегося только поэзии. Таким образом, художники, скульпторы и архитекторы обрели себя, успешно завоевав для своих работ высокое положение среди изящных искусств. В определенном смысле мастера XVI века создали новую профессию со своими собственными правами на выражение и своим собственным почтенным характером.

Северное искусство до эпохи Возрождения

Ранняя нидерландская живопись разработала (но не изобрела) технику масляной живописи , которая позволила лучше контролировать изображение мельчайших деталей с реализмом. Ян ван Эйк  (1366–1441) был фигурой в движении от иллюминированных рукописей к живописи на досках .

Иероним Босх (1450?–1516), голландский художник, является еще одной важной фигурой Северного Возрождения . В своих картинах он использовал религиозные темы, но сочетал их с гротескными фантазиями, красочными образами и крестьянскими народными легендами. Его картины часто отражают смятение и тоску, связанные с концом Средневековья.

В конце XV века Альбрехт Дюрер познакомил Германию со стилем итальянского Возрождения и оказал влияние на немецкое искусство эпохи Возрождения.

Период времени :

Mannerism, Baroque, and Rococo

Differences between Baroque and Rococo art

In European art, Renaissance Classicism spawned two different movements—Mannerism and the Baroque. Mannerism, a reaction against the idealist perfection of Classicism, employed distortion of light and spatial frameworks in order to emphasize the emotional content of a painting and the emotions of the painter. The work of El Greco is a particularly clear example of Mannerism in painting during the late 16th, early 17th centuries. Northern Mannerism took longer to develop, and was largely a movement of the last half of the 16th century. Baroque art took the representationalism of the Renaissance to new heights, emphasizing detail, movement, lighting, and drama in their search for beauty. Perhaps the best known Baroque painters are Caravaggio, Rembrandt, Peter Paul Rubens, and Diego Velázquez.

A rather different art developed out of northern realist traditions in 17th-century Dutch Golden Age painting, which had very little religious art, and little history painting, instead playing a crucial part in developing secular genres such as still life, genre paintings of everyday scenes, and landscape painting. While the Baroque nature of Rembrandt's art is clear, the label is less use for Vermeer and many other Dutch artists. Flemish Baroque painting shared a part in this trend, while also continuing to produce the traditional categories.

Baroque art is often seen as part of the Counter-Reformation—the artistic element of the revival of spiritual life in the Roman Catholic Church. Additionally, the emphasis that Baroque art placed on grandeur is seen as Absolutist in nature. Religious and political themes were widely explored within the Baroque artistic context, and both paintings and sculptures were characterised by a strong element of drama, emotion and theatricality. Famous Baroque artists include Caravaggio or Rubens.[34] Artemisia Gentileschi was another noteworthy artist, who was inspired by Caravaggio's style. Baroque art was particularly ornate and elaborate in nature, often using rich, warm colours with dark undertones. Pomp and grandeur were important elements of the Baroque artistic movement in general, as can be seen when Louis XIV said, "I am grandeur incarnate"; many Baroque artists served kings who tried to realize this goal. Baroque art in many ways was similar to Renaissance art; as a matter of fact, the term was initially used in a derogative manner to describe post-Renaissance art and architecture which was over-elaborate.[34] Baroque art can be seen as a more elaborate and dramatic re-adaptation of late Renaissance art.

By the 18th century, however, Baroque art was falling out of fashion as many deemed it too melodramatic and also gloomy, and it developed into the Rococo, which emerged in France. Rococo art was even more elaborate than the Baroque, but it was less serious and more playful.[35] Whilst the Baroque used rich, strong colours, Rococo used pale, creamier shades. The artistic movement no longer placed an emphasis on politics and religion, focusing instead on lighter themes such as romance, celebration, and appreciation of nature. Rococo art also contrasted the Baroque as it often refused symmetry in favor of asymmetrical designs. Furthermore, it sought inspiration from the artistic forms and ornamentation of Far Eastern Asia, resulting in the rise in favour of porcelain figurines and chinoiserie in general.[36] The 18th-century style flourished for a short while; nevertheless, the Rococo style soon fell out of favor, being seen by many as a gaudy and superficial movement emphasizing aesthetics over meaning. Neoclassicism in many ways developed as a counter movement of the Rococo, the impetus being a sense of disgust directed towards the latter's florid qualities.

Mannerism (16th century)

Baroque (early 17th century to mid-early 18th century)

Rococo (early to mid-18th century)

Neoclassicism, Romanticism, Academism, and Realism

Neoclassical art, inspired by different classical themes, was characterised by an emphasis on simplicity, order and idealism. In the image Antonio Canova's Psyche Revived by Cupid's Kiss (1787-1793)

Throughout the 18th century, a counter movement opposing the Rococo sprang up in different parts of Europe, commonly known as Neoclassicism. It despised the perceived superficiality and frivolity of Rococo art, and desired for a return to the simplicity, order and 'purism' of classical antiquity, especially ancient Greece and Rome. The movement was in part also influenced by the Renaissance, which itself was strongly influenced by classical art. Neoclassicism was the artistic component of the intellectual movement known as the Enlightenment; the Enlightenment was idealistic, and put its emphasis on objectivity, reason and empirical truth. Neoclassicism had become widespread in Europe throughout the 18th century, especially in the United Kingdom, which saw great works of Neoclassical architecture spring up during this period; Neoclassicism's fascination with classical antiquity can be seen in the popularity of the Grand Tour during this decade, where wealthy aristocrats travelled to the ancient ruins of Italy and Greece. Nevertheless, a defining moment for Neoclassicism came during the French Revolution in the late 18th century; in France, Rococo art was replaced with the preferred Neoclassical art, which was seen as more serious than the former movement. In many ways, Neoclassicism can be seen as a political movement as well as an artistic and cultural one.[37] Neoclassical art places an emphasis on order, symmetry and classical simplicity; common themes in Neoclassical art include courage and war, as were commonly explored in ancient Greek and Roman art. Ingres, Canova, and Jacques-Louis David are among the best-known neoclassicists.[38]

Eugène Delacroix, Liberty Leading the People 1830, Romantic art.

Just as Mannerism rejected Classicism, so did Romanticism reject the ideas of the Enlightenment and the aesthetic of the Neoclassicists. Romanticism rejected the highly objective and ordered nature of Neoclassicism, and opted for a more individual and emotional approach to the arts.[39] Romanticism placed an emphasis on nature, especially when aiming to portray the power and beauty of the natural world, and emotions, and sought a highly personal approach to art. Romantic art was about individual feelings, not common themes, such as in Neoclassicism; in such a way, Romantic art often used colours in order to express feelings and emotion.[39] Similarly to Neoclassicism, Romantic art took much of its inspiration from ancient Greek and Roman art and mythology, yet, unlike Neoclassical, this inspiration was primarily used as a way to create symbolism and imagery. Romantic art also takes much of its aesthetic qualities from medievalism and Gothicism, as well as mythology and folklore. Among the greatest Romantic artists were Eugène Delacroix, Francisco Goya, J. M. W. Turner, John Constable, Caspar David Friedrich, Thomas Cole, and William Blake.[38]

Most artists attempted to take a centrist approach which adopted different features of Neoclassicist and Romanticist styles, in order to synthesize them. The different attempts took place within the French Academy, and collectively are called Academic art. Adolphe William Bouguereau is considered a chief example of this stream of art.

In the early 19th century the face of Europe, however, became radically altered by industrialization. Poverty, squalor, and desperation were to be the fate of the new working class created by the "revolution". In response to these changes going on in society, the movement of Realism emerged. Realism sought to accurately portray the conditions and hardships of the poor in the hopes of changing society. In contrast with Romanticism, which was essentially optimistic about mankind, Realism offered a stark vision of poverty and despair. Similarly, while Romanticism glorified nature, Realism portrayed life in the depths of an urban wasteland. Like Romanticism, Realism was a literary as well as an artistic movement. The great Realist painters include Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Gustave Courbet, Jean-François Millet, Camille Corot, Honoré Daumier, Édouard Manet, Edgar Degas (both considered as Impressionists), and Thomas Eakins, among others.

The response of architecture to industrialisation, in stark contrast to the other arts, was to veer towards historicism. Although the railway stations built during this period are often considered the truest reflections of its spirit – they are sometimes called "the cathedrals of the age" – the main movements in architecture during the Industrial Age were revivals of styles from the distant past, such as the Gothic Revival. Related movements were the Pre-Raphaelite Brotherhood, who attempted to return art to its state of "purity" prior to Raphael, and the Arts and Crafts Movement, which reacted against the impersonality of mass-produced goods and advocated a return to medieval craftsmanship.

Time Period:

Modern art

Impressionism was known for its usage of light and movement in its paintings, as in Claude Monet's 1902 Houses of Parliament, sunset
Art & Language are known for their major input on conceptual art.

Out of the naturalist ethic of Realism grew a major artistic movement, Impressionism. The Impressionists pioneered the use of light in painting as they attempted to capture light as seen from the human eye. Edgar Degas,Édouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, and Pierre-Auguste Renoir, were all involved in the Impressionist movement. As a direct outgrowth of Impressionism came the development of Post-Impressionism. Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat are the best known Post-Impressionists.

Following the Impressionists and the Post-Impressionists came Fauvism, often considered the first "modern" genre of art. Just as the Impressionists revolutionized light, so did the fauvists rethink color, painting their canvases in bright, wild hues. After the Fauvists, modern art began to develop in all its forms, ranging from Expressionism, concerned with evoking emotion through objective works of art, to Cubism, the art of transposing a four-dimensional reality onto a flat canvas, to Abstract art. These new art forms pushed the limits of traditional notions of "art" and corresponded to the similar rapid changes that were taking place in human society, technology, and thought.

Surrealism is often classified as a form of Modern Art. However, the Surrealists themselves have objected to the study of surrealism as an era in art history, claiming that it oversimplifies the complexity of the movement (which they say is not an artistic movement), misrepresents the relationship of surrealism to aesthetics, and falsely characterizes ongoing surrealism as a finished, historically encapsulated era. Other forms of Modern art (some of which border on Contemporary art) include:

Time Period:

Contemporary art and Postmodern art

Charles Thomson. Sir Nicholas Serota Makes an Acquisitions Decision, 2000, Stuckism.

Modern art foreshadowed several characteristics of what would later be defined as postmodern art; as a matter of fact, several modern art movements can often be classified as both modern and postmodern, such as pop art. Postmodern art, for instance, places a strong emphasis on irony, parody and humour in general; modern art started to develop a more ironic approach to art which would later advance in a postmodern context. Postmodern art sees the blurring between the high and fine arts with low-end and commercial art; modern art started to experiment with this blurring.[39]Recent developments in art have been characterised by a significant expansion of what can now deemed to be art, in terms of materials, media, activity and concept. Conceptual art in particular has had a wide influence. This started literally as the replacement of concept for a made object, one of the intentions of which was to refute the commodification of art. However, it now usually refers to an artwork where there is an object, but the main claim for the work is made for the thought process that has informed it. The aspect of commercialism has returned to the work.

There has also been an increase in art referring to previous movements and artists, and gaining validity from that reference.

Postmodernism in art, which has grown since the 1960s, differs from Modernism in as much as Modern art movements were primarily focused on their own activities and values, while Postmodernism uses the whole range of previous movements as a reference point. This has by definition generated a relativistic outlook, accompanied by irony and a certain disbelief in values, as each can be seen to be replaced by another. Another result of this has been the growth of commercialism and celebrity. Postmodern art has questioned common rules and guidelines of what is regarded as 'fine art', merging low art with the fine arts until none is fully distinguishable.[40][41] Before the advent of postmodernism, the fine arts were characterised by a form of aesthetic quality, elegance, craftsmanship, finesse and intellectual stimulation which was intended to appeal to the upper or educated classes; this distinguished high art from low art, which, in turn, was seen as tacky, kitsch, easily made and lacking in much or any intellectual stimulation, art which was intended to appeal to the masses. Postmodern art blurred these distinctions, bringing a strong element of kitsch, commercialism and campness into contemporary fine art;[39] what is nowadays seen as fine art may have been seen as low art before postmodernism revolutionised the concept of what high or fine art truly is.[39] In addition, the postmodern nature of contemporary art leaves a lot of space for individualism within the art scene; for instance, postmodern art often takes inspiration from past artistic movements, such as Gothic or Baroque art, and both juxtaposes and recycles styles from these past periods in a different context.[39]

Some surrealists in particular Joan Miró, who called for the "murder of painting" (In numerous interviews dating from the 1930s onwards, Miró expressed contempt for conventional painting methods and his desire to "kill", "murder", or "rape" them in favor of more contemporary means of expression).[42] have denounced or attempted to "supersede" painting, and there have also been other anti-painting trends among artistic movements, such as that of Dada and conceptual art. The trend away from painting in the late 20th century has been countered by various movements, for example the continuation of Minimal Art, Lyrical Abstraction, Pop Art, Op Art, New Realism, Photorealism, Neo Geo, Neo-expressionism, New European Painting, Stuckism, Excessivism and various other important and influential painterly directions.

See also

References

  1. ^ a b Oosterbeek, Luíz. "European Prehistoric Art". Europeart. Retrieved 4 December 2012.
  2. ^ Boardman, John ed., The Oxford History of Classical Art, pp. 349-369, Oxford University Press, 1993, ISBN 0198143869
  3. ^ Banister Fletcher excluded nearly all Baroque buildings from his mammoth tome A History of Architecture on the Comparative Method. The publishers eventually rectified this.
  4. ^ Murray, P. and Murray, L. (1963) The Art of the Renaissance. London: Thames & Hudson (World of Art), p. 9. ISBN 978-0-500-20008-7. "...in 1855 we find, for the first time, the word 'Renaissance' used — by the French historian Michelet — as an adjective to describe a whole period of history and not confined to the rebirth of Latin letters or a classically inspired style in the arts."
  5. ^ Hause, S. & Maltby, W. (2001). A History of European Society. Essentials of Western Civilization (Vol. 2, pp. 245–246). Belmont, CA: Thomson Learning, Inc.
  6. ^ a b "Art of Europe". Saint Louis Art Museum. Slam. Retrieved 4 December 2012.
  7. ^ Oosterbeek, Luíz. "European Prehistoric Art". Europeart. Retrieved 4 December 2012.
  8. ^ Sandars, 8-16, 29-31
  9. ^ Hahn, Joachim, "Prehistoric Europe, §II: Palaeolithic 3. Portable art" in Oxford Art Online, accessed 24 August 2012; Sandars, 37-40
  10. ^ Sandars, 75-80
  11. ^ Sandars, 253-257, 183-185
  12. ^ Kwong, Matt. "Oldest cave-man art in Europe dates back 40,800 years". CBC News. Retrieved 4 December 2012.
  13. ^ "Romanian Cave May Boast Central Europe's Oldest Cave Art | Science/AAAS | News". News.sciencemag.org. 21 June 2010. Retrieved 25 August 2013.
  14. ^ Gunther, Michael. "Art of Prehistoric Europe". Retrieved 4 December 2012.
  15. ^ Chaniotis, Angelos. "Ancient Crete". Oxford Bibliographies. Oxford University Press. Retrieved 2 January 2013.
  16. ^ Hood, 56
  17. ^ Hood, 17-18, 23-23
  18. ^ Hood, 240-241
  19. ^ Gates (2004), 33-34, 41
  20. ^ eg Hood, 53, 55, 58, 110
  21. ^ Chapin, 49-51
  22. ^ Hood, 37-38
  23. ^ Hood, 56, 233-235
  24. ^ Hood, 235-236
  25. ^ Mattinson, Lindsay (2019). Understanding Architecture A Guide To Architectural Styles. Amber Books. p. 21. ISBN 978-1-78274-748-2.
  26. ^ "Roman Painting". Art-and-archaeology.com. Retrieved 25 August 2013.
  27. ^ "Roman Painting". Heilbrunn Timeline of Art History. The Metropolitan Museum of Art. Retrieved 19 October 2013.
  28. ^ "The Vitruvian Man". leonardodavinci.stanford.edu. Retrieved 25 March 2018.
  29. ^ a b "BBC - Science & Nature - Leonardo - Vitruvian man". www.bbc.co.uk. Retrieved 25 March 2018.
  30. ^ Fortenberry, Diane (2017). THE ART MUSEUM. Phaidon. p. 156. ISBN 978-0-7148-7502-6.
  31. ^ Fortenberry, Diane (2017). THE ART MUSEUM. Phaidon. p. 156. ISBN 978-0-7148-7502-6.
  32. ^ Fortenberry, Diane (2017). THE ART MUSEUM. Phaidon. p. 157. ISBN 978-0-7148-7502-6.
  33. ^ Fortenberry, Diane (2017). THE ART MUSEUM. Phaidon. p. 157. ISBN 978-0-7148-7502-6.
  34. ^ a b "Baroque Art". Arthistory-famousartists-paintings.com. 24 July 2013. Retrieved 25 August 2013.
  35. ^ "Ancien Regime Rococo". Bc.edu. Archived from the original on 11 April 2018. Retrieved 25 August 2013.
  36. ^ "chinoiserie facts, information, pictures - Encyclopedia.com articles about chinoiserie". www.encyclopedia.com. Retrieved 25 March 2018.
  37. ^ "Art in Neoclassicism". Artsz.org. 26 February 2008. Retrieved 25 August 2013.
  38. ^ a b James J. Sheehan, "Art and Its Publics, c. 1800," United and Diversity in European Culture c. 1800, ed. Tim Blanning and Hagen Schulze (New York: Oxford University Press, 2006), 5-18.
  39. ^ a b c d e f "General Introduction to Postmodernism". Cla.purdue.edu. Retrieved 25 August 2013.
  40. ^ Ideas About Art, Desmond, Kathleen K. [1] Archived 29 October 2022 at the Wayback Machine John Wiley & Sons, 2011, p.148
  41. ^ International postmodernism: theory and literary practice, Bertens, Hans [2] Archived 29 October 2022 at the Wayback Machine, Routledge, 1997, p.236
  42. ^ M. Rowell, Joan Mirό: Selected Writings and Interviews (London: Thames & Hudson, 1987) pp. 114–116.

Bibliography

External links

Wikimedia Commons has media related to Art of Europe.