Китайское искусство — это визуальное искусство , которое возникло или практикуется в Китае, Большом Китае или китайскими художниками. Искусство, созданное китайцами, проживающими за пределами Китая, также может считаться частью китайского искусства, когда оно основано на китайской культуре , наследии и истории или черпает из них вдохновение. Раннее « искусство каменного века » датируется 10 000 г. до н. э. и в основном состоит из простой керамики и скульптур. После этого периода китайское искусство, как и китайская история, обычно классифицировалось по преемственности правящих династий китайских императоров , большинство из которых длились несколько сотен лет. Музей дворца в Пекине и Национальный музей дворца в Тайбэе содержат обширные коллекции китайского искусства. [1] [2]
Китайское искусство отличается необычной степенью преемственности внутри и осознанием традиции, не имея эквивалента западному краху и постепенному восстановлению западных классических стилей искусства . Декоративное искусство чрезвычайно важно в китайском искусстве, и многие из лучших работ были созданы в крупных мастерских или на фабриках по сути неизвестными художниками, особенно в китайской керамике .
Многие из лучших работ по керамике, текстилю , резному лаку производились в течение длительного периода различными императорскими фабриками или мастерскими, которые, помимо использования двором, распространялись внутри страны и за рубежом в огромных масштабах, чтобы продемонстрировать богатство и власть императоров. Напротив, традиция живописи тушью , практикуемая в основном учеными-чиновниками и придворными художниками, особенно пейзажами , цветами и птицами, развивала эстетические ценности в зависимости от индивидуального воображения и объективного наблюдения художника, которые схожи с западными, но задолго до их развития там. После того, как контакты с западным искусством стали все более важными с 19 века, в последние десятилетия Китай все более успешно участвует в мировом современном искусстве . [ необходима цитата ]
Ранние формы искусства в Китае были обнаружены в неолитической культуре Яншао , которая датируется 6-м тысячелетием до н. э. Археологические находки, такие как в Баньпо, показали, что Яншао изготавливали керамику; ранняя керамика была неокрашенной и чаще всего имела маркировку в виде шнура. Первыми украшениями были рыбы и человеческие лица, но со временем они превратились в симметрично-геометрические абстрактные рисунки, некоторые из которых были нарисованы. [ требуется цитата ]
Самой отличительной чертой культуры Яншао было широкое использование расписной керамики, особенно человеческих лиц, животных и геометрических узоров. В отличие от более поздней культуры Луншань , культура Яншао не использовала гончарные круги для изготовления керамики. Раскопки показали, что детей хоронили в расписных глиняных кувшинах. [ необходима цитата ]
Культура Лянчжу была последней неолитической культурой нефрита в дельте реки Янцзы и существовала в течение периода около 1300 лет. Нефрит этой культуры характеризуется тонко обработанными, большими ритуальными нефритами, такими как цилиндры Конг , диски Би , топоры Юэ, а также подвесками и украшениями в виде резных ажурных пластин, пластин и изображений мелких птиц, черепах и рыб. Нефрит Лянчжу имеет белый, молочно-костный вид из-за его происхождения из тремолитовой породы и влияния жидкостей на водной основе в местах захоронения. [ необходима цитата ]
_MET_DP140736.jpg/1280px-%E5%95%86_%E9%9D%92%E9%8A%85%E6%96%B9%E9%BC%8E-Rectangular_Cauldron_(Fangding)_MET_DP140736.jpg)
Бронзовый век в Китае начался с династии Ся . Примеры этого периода были обнаружены в руинах культуры Эрлитоу в Шаньси и включают в себя сложные, но неукрашенные утилитарные предметы. В следующей династии Шан были созданы более сложные предметы, включая множество ритуальных сосудов. Шан запомнились своим литьем из бронзы, известным своей ясностью деталей. Мастера по бронзе Шан обычно работали в литейных цехах за пределами городов, чтобы изготавливать ритуальные сосуды, а иногда и оружие и детали колесниц. Бронзовые сосуды были вместилищами для хранения или подачи различных твердых тел и жидкостей, используемых при проведении священных церемоний. Некоторые формы, такие как ку и цзюэ, могут быть очень изящными, но самыми мощными образцами являются дин , иногда описываемые как имеющие «ауру свирепого величия». [ необходима цитата ]
Для развитого стиля Шан типично, что все доступное пространство украшено, чаще всего стилизованными формами реальных и воображаемых животных. Наиболее распространенным мотивом является таотие , который показывает мифологическое существо, представленное фронтально, как будто раздавленное на горизонтальной плоскости, чтобы сформировать симметричный дизайн. Раннее значение таотие неясно, но мифы о нем существовали около поздней династии Чжоу . Его считали по-разному алчным человеком, изгнанным, чтобы охранять уголок небес от злых монстров; или монстром, снабженным только головой, который пытается поглотить людей, но ранит только себя.
Функция и внешний вид бронзовых изделий постепенно менялись от Шан к Чжоу. Они перешли от использования в религиозных обрядах к более практическим целям. К периоду Воюющих царств бронзовые сосуды стали объектами эстетического наслаждения. Некоторые из них были украшены социальными сценами, такими как пир или охота; в то время как другие демонстрировали абстрактные узоры, инкрустированные золотом, серебром или драгоценными и полудрагоценными камнями.
Бронзовые артефакты также имеют важное значение и роль в династии Хань. Люди использовали их в погребальных целях, что отражает эстетические и художественные качества династии Хань. [5] Многие бронзовые сосуды, раскопанные в гробницах в провинции Цзянсу, Китай, имеют различные формы, такие как Дин, Ху и Сюнь, которые представляют традиционного китайского эстета. [5] Эти сосуды являются классическими представлениями китайских небесных форм искусства, которые играют большую роль в общении древних китайцев с духами их предков. [5] Помимо сосудов, в гробнице королевских семей Хань в Цзянсу также найдены бронзовое оружие, предметы повседневного обихода и музыкальные инструменты. Возможность положить полный набор бяньчжун в гробницу означает его или ее статус и класс в династии Хань, поскольку этот конкретный тип инструмента приобретался и принадлежал только королевским и богатым семьям. [5] По-видимому, бяньчжун и музыка также использовались правителями Хань в качестве пути для общения со своими богами. [5] Раскопки Бяньчжуна, типичного и королевского инструмента, найденного в Древнем Китае, подчеркивают развитие сложных музыкальных систем в династии Хань. [5] Набор Бяньчжуна может различаться во многих случаях; например, конкретные раскопки Бяньчжуна из провинции Цзянсу включают различные наборы колоколов, такие как колокольчики Нючжун и Юнчжун, и многие из них появляются в форме животных, таких как дракон, традиционное китайское духовное животное. [5]
Бронзовые изделия Шан стали цениться как произведения искусства со времен династии Сун , когда их коллекционировали и ценили не только за форму и дизайн, но и за различные зеленые, сине-зеленые и даже красноватые патины, созданные химическим воздействием, пока они лежали в земле. Изучение раннего китайского литья бронзы является специализированной областью истории искусств.
В период Чжоу сохранилось мало скульптур, особенно скульптур в форме человека или животного, и, по-видимому, не было особой скульптурной традиции. [8] [9] Среди очень немногих подобных изображений, известных в Китае до этой даты: четыре деревянные статуэтки [10] из Ляндайцуня (梁帶村) в Ханьчэне (韓城), Шэньси , возможно, датируемые IX в. до н. э.; две деревянные человеческие фигурки иностранцев, возможно, представляющие носильщиков портшеза, из гробницы государства Цинь в Лунсяне (隴縣), Шэньси, датируемые примерно 700 г. до н. э.; и более многочисленные статуэтки бронзовых музыкантов примерно V в. в миниатюрном доме из Шаосина (紹興) в Чжэцзяне ; подставка для лампы в форме человека IV в. из королевской гробницы уезда Пиншань (平山), Хэбэй . Всадник Таэрпо — терракотовая статуэтка воина-государства Цинь эпохи Чжоу из гробницы на кладбище Таэрпо (塔兒坡墓) около Сяньяна в Шэньси , датируемая 4–3 веками до н. э. Известна еще одна почти идентичная статуэтка из той же гробницы. Небольшие отверстия в его руках предполагают, что изначально он держал вожжи в одной руке и оружие в другой. [11] Это самое раннее известное изображение кавалериста в Китае. [11]
Богатым источником искусства в раннем Китае было государство Чу , которое развивалось в долине реки Янцзы. При раскопках гробниц Чу были обнаружены раскрашенные деревянные скульптуры, нефритовые диски, стеклянные бусины, музыкальные инструменты и ассортимент лакированных изделий . Многие из лакированных предметов тонко расписаны красным по черному или черным по красному. На месте в Чанше , провинция Хунань, были обнаружены некоторые из старейших картин на шелке, обнаруженных на сегодняшний день.
Терракотовая армия внутри Мавзолея первого императора Цинь состоит из более чем 7000 терракотовых фигур воинов и лошадей в натуральную величину, захороненных вместе с самопровозглашенным первым императором Китая Цинь Шихуанди в 210–209 гг. до н. э. Фигуры были раскрашены до того, как их поместили в склеп. Первоначальные цвета были видны, когда фигуры были впервые раскопаны. Однако воздействие воздуха привело к выцветанию пигментов, поэтому сегодня раскопанные фигуры выглядят терракотовыми. Фигуры находятся в нескольких позах, включая стоящие пехотинцы и преклонившие колени лучники, а также возницы с лошадьми. Голова каждой фигуры кажется уникальной, демонстрируя различные черты лица и выражения, а также прически. Поразительный реализм, демонстрируемый скульптурами, является свидетельством развития искусства во времена династии Цинь. [12] Это беспрецедентно в исторических записях искусства Восточной Азии. [13] [9]
Музыкальный инструмент под названием цитра Цинь был разработан во времена династии Цинь. Эстетические компоненты всегда были так же важны, как и функциональные части музыкального инструмента в истории Китая. Цитра Цинь имеет семь струн. Хотя цитра Цинь иногда может напоминать людям о временах порочной истории, ее часто считают источником мира и гармонии. [14]
Во времена династии Цинь китайский шрифт, системы измерения, валюта были стандартизированы с целью дальнейшей унификации. [16] Великая Китайская стена была расширена в качестве оборонительного сооружения против северных захватчиков. [16]
Династия Хань была известна нефритовыми погребальными костюмами . Одно из самых ранних известных изображений пейзажа в китайском искусстве происходит от пары дверных панелей с пустотелой плиткой из гробницы Западной династии Хань около Чжэнчжоу , датируемой 60 годом до н. э. [17] Сцена непрерывного углубления в глубину передается зигзагом линий, представляющих дороги и садовые стены, создавая впечатление, что вы смотрите вниз с вершины холма. [17] Эта художественная пейзажная сцена была сделана путем повторного оттиска стандартных штампов на глине, когда она была еще мягкой и еще не обожженной. [17] Однако старейшей известной традицией пейзажного искусства в классическом смысле живописи является работа Чжань Цзыцяня из династии Суй (581–618).
Помимо нефритовых артефактов, бронза является еще одним любимым материалом для художников, поскольку она твердая и долговечная. Бронзовые зеркала производились массово во времена династии Хань (206 г. до н. э. – 220 г. н. э.), и почти в каждой раскопанной гробнице, датируемой династией Хань, есть зеркало в захоронении. [18] Отражающая сторона обычно изготавливается из состава бронзы, меди, олова и свинца. [18] Слово «зеркало» на китайском языке означает «отражать» или «смотреть», поэтому бронзовые зеркала использовались в качестве тропа для отражения реальности. [18] Древние китайцы верят, что зеркало может выступать в качестве представления реальности, что может сделать их более осведомленными о текущей ситуации; также зеркала используются в качестве средства передачи или представления отражения прошлых событий. [18] Бронзовые зеркала, изготовленные во времена династии Хань, всегда имеют сложные украшения на своей неотражающей стороне; некоторые из них содержат повествования, рассказывающие истории. [18] Сами повествования всегда отражают общие, но важные теории о жизни народа хань. [19]
Терракотовые статуэтки были известны в Китае уже давно, но нет известных примеров монументальных каменных скульптур до каменных скульптур в Мавзолее Хо Цюйбина (140–117 гг. до н. э.), генерала императора Хань Уди, который отправился в западные регионы, чтобы сражаться с хунну . [20] В литературных источниках есть только одна запись 3–4 вв. н. э. о возможном более раннем примере: две предполагаемые монументальные каменные статуи цилиня ( китайских единорогов), которые, как говорят, были установлены на вершине гробницы первого императора Цинь Шихуана . [21] Самая известная из статуй Хо Цюйбина — это лошадь, топчущая воина хунну . [20]
Мавзолей Хо Цюйбина (расположенный в Маолине , мавзолей Хань Уди) имеет еще 15 каменных скульптур. Они менее натуралистичны, чем «Конь, топчущий хунну», и, как правило, следуют естественной форме камня, а детали фигур появляются только в горельефе. [22] После этих ранних попыток использование монументальных каменных статуй будет развиваться только с конца Западной Хань до Восточной Хань. [23]
Монументальные каменные статуи стали важнейшей формой искусства с IV–VI вв. н. э. с появлением монументальной буддийской скульптуры в Китае. [24]
Буддизм пришел в Китай около I века н. э. (хотя есть некоторые предания о монахе, посещавшем Китай во время правления Ашоки ), и вплоть до VIII века он стал очень активным и творческим в развитии буддийского искусства, особенно в области скульптуры. Получив эту далекую религию, Китай вскоре включил сильные китайские черты в свое художественное выражение.
В пятом-шестом веках Северные династии , довольно далекие от первоначальных источников вдохновения, имели тенденцию развивать скорее символические и абстрактные способы представления, со схематичными линиями. Их стиль также считается торжественным и величественным. Отсутствие телесности этого искусства и его отдаленность от изначальной буддийской цели выражения чистого идеала просветления в доступной, реалистичной манере постепенно привели к исследованию в сторону большего натурализма и реализма, что привело к выражению буддийского искусства Тан.
В древнем Китае живопись и каллиграфия были наиболее высоко ценимыми видами искусства в придворных кругах и создавались почти исключительно любителями, аристократами и учеными-чиновниками, у которых было достаточно свободного времени, чтобы совершенствовать технику и чувствительность, необходимые для великолепной работы кистью. Каллиграфия считалась высшей и чистейшей формой живописи. Инструментами были кисть, сделанная из шерсти животных, и черная тушь, сделанная из сосновой сажи и животного клея. Письмо, как и живопись, делалось на шелке. Но после изобретения бумаги в I веке шелк постепенно был заменен новым и более дешевым материалом. Оригинальные сочинения известных каллиграфов высоко ценились на протяжении всей истории Китая и наклеивались на свитки и вешались на стены так же, как и картины.
Ван Сичжи был известным китайским каллиграфом, жившим в IV веке нашей эры. Его самая известная работа — « Ланьтин Сюй» , предисловие к сборнику стихов. Этот шрифт часто отмечался как высшая точка полукурсивного « стиля бега» в истории китайской каллиграфии.
Вэй Шуо была известным каллиграфом династии Восточная Цзинь , которая установила последовательные правила регулярного письма . Среди ее известных работ — «Знаменитая надпись наложницы» (名姬帖 Ming Ji Tie) и «Надпись Вэй-ши Хэнань» (衛氏和南帖 Wei-shi He'nan Tie).
Гу Кайчжи — знаменитый художник древнего Китая, родившийся в Уси . Он написал три книги о теории живописи: «О живописи» (畫論), «Введение в известные картины династий Вэй и Цзинь» (魏晉名畫記) и «Живопись горы Юньтай » (畫雲臺山記). Он писал: «В фигуративной живописи одежда и внешность не были очень важны. Глаза были духом и решающим фактором». Три картины Гу сохранились до наших дней: « Наставления наставницы придворным дамам» , «Нимфа реки Ло» (洛神賦) и «Мудрые и благожелательные женщины» .
Есть и другие примеры живописи династии Цзинь из гробниц. Сюда входит « Семь мудрецов бамбуковой рощи», нарисованная на кирпичной стене гробницы, расположенной недалеко от современного Нанкина, а теперь находящаяся в Музее провинции Шэньси. Каждая из фигур подписана и изображена пьющей, пишущей или играющей на музыкальном инструменте. Другие росписи гробниц также изображают сцены повседневной жизни, например, мужчин, пашущих поля с упряжками волов.
После перехода под династией Суй буддийская скульптура Тан эволюционировала в сторону заметно реалистичного выражения. Вследствие открытости династии для внешней торговли и влияний через Шелковый путь буддийская скульптура династии Тан приняла довольно классическую форму, вдохновленную греко-буддийским искусством Центральной Азии.
Однако иностранные влияния стали восприниматься негативно к концу династии Тан. В 845 году император Тан Уцзун запретил все «иностранные» религии (включая несторианское христианство, зороастризм и буддизм) в целях поддержки местного даосизма . Он конфисковал буддийские владения и заставил веру уйти в подполье, тем самым повлияв на последующее развитие религии и ее искусств в Китае.
Глазурованные или расписные глиняные фигурки из гробниц династии Тан известны и широко представлены в музеях по всему миру. Большинство деревянных скульптур Тан не сохранились, хотя образцы международного стиля Тан все еще можно увидеть в Наре , Япония. Долговечность каменной скульптуры оказалась намного больше. Некоторые из лучших образцов можно увидеть в Лунмэне , недалеко от Лояна , в Юньгане недалеко от Датуна и в храме Бинлин в Ганьсу . Одной из самых известных буддийских китайских пагод является Гигантская пагода диких гусей , построенная в 652 году нашей эры.
Начиная с династии Тан (618–907), основным предметом живописи был пейзаж, известный как живопись шаньшуй (горная вода). В этих пейзажах, обычно монохромных и скудных, целью было не точное воспроизведение внешнего вида природы, а скорее уловить эмоцию или атмосферу, чтобы уловить «ритм» природы.
Живопись в традиционном стиле по сути дела включала те же приемы, что и каллиграфия, и выполнялась кистью, обмакнутой в черную или цветную тушь; масла не использовались. Как и в каллиграфии, наиболее популярными материалами, на которых создавались картины, были бумага и шелк. Готовые работы затем наклеивались на свитки, которые можно было повесить или свернуть в рулон. Традиционная живопись также выполнялась в альбомах, на стенах, лаковых работах и в других средствах массовой информации.
Дун Юань был активным художником в Южном Танском королевстве. Он был известен как фигуративной, так и пейзажной живописью и являл собой пример элегантного стиля, который стал стандартом для живописи кистью в Китае в течение следующих 900 лет. Как и у многих художников в Китае, его профессией была работа чиновником, где он изучал существующие стили Ли Сысуня и Ван Вэя. Однако он добавил несколько техник, включая более сложную перспективу, использование пуантилизма и штриховки для создания яркого эффекта.
Чжань Цзыцянь был художником во времена династии Суй. Его единственная сохранившаяся картина — «Прогулки весной», на которой горы расположены в перспективе. Поскольку чистые пейзажи в Европе почти не встречались до XVII века, «Прогулки весной» вполне могут быть первой в мире пейзажной картиной.
В эпоху династии Сун (960–1279) появились пейзажи более тонкой выразительности; неизмеримые расстояния передавались с помощью размытых контуров, горных контуров, исчезающих в тумане, и импрессионистской трактовки природных явлений. Акцент делался на духовных качествах картины и на способности художника раскрыть внутреннюю гармонию человека и природы, как она воспринимается согласно даосским и буддийским концепциям.
Лян Кай был китайским художником, жившим в 13 веке (династия Сун). Он называл себя «Безумцем Ляном» и проводил свою жизнь, выпивая и рисуя. В конце концов он вышел на пенсию и стал монахом Дзэн . Ляну приписывают изобретение школы Дзэн в китайском искусстве. Вэнь Тун был художником, жившим в 11 веке. Он был известен своими картинами бамбука тушью . Он мог держать две кисти в одной руке и рисовать два бамбука, расположенных на разном расстоянии, одновременно. Ему не нужно было видеть бамбук, пока он его рисовал, потому что он видел их много.
Чжан Цзэдуань был известным художником, создавшим горизонтальный пейзаж и городскую картину «Вдоль реки во время фестиваля Цинмин» . Она считается одной из самых известных картин Китая и имела множество известных ремейков на протяжении всей истории Китая. [25] Другие известные картины включают «Ночные пирушки Хань Сизая» , первоначально написанную художником Южной Тан Гу Хунчжуном в 10 веке, в то время как известная версия его картины является ремейком 12 века династии Сун. Это большой горизонтальный свиток с изображением домашней сцены, на которой мужчины из дворянского сословия развлекаются музыкантами и танцорами, наслаждаясь едой, напитками и умывальниками, предоставленными служанками. В 2000 году современный художник Ван Цинсун создал пародию на эту картину с длинной горизонтальной фотографией людей в современной одежде, делающих такие же выражения лиц, позы и жесты рук, как и на оригинальной картине.
С падением династии Сун в 1279 году и последующими переменами, вызванными установлением монгольскими завоевателями династии Юань , многие придворные и литературные художники отошли от общественной жизни и вернулись к природе, создавая пейзажи и возрождая «сине-зеленый» стиль эпохи Тан. [26]
Ван Мэн был одним из таких художников, и одна из его самых известных работ — « Лесной грот» . Чжао Мэнфу был китайским ученым, художником и каллиграфом во времена династии Юань . Его отказ от утонченной, нежной кисти своей эпохи в пользу более грубого стиля VIII века, как полагают, вызвал революцию, которая создала современную китайскую пейзажную живопись. Были также яркие и подробные работы искусства Цянь Сюаня (1235–1305), который служил при дворе Сун и из патриотизма отказался служить монголам, вместо этого обратившись к живописи. Он также был известен тем, что возродил и воспроизвел более танский стиль живописи.
Поздняя династия Юань характеризуется работой так называемых «Четырех великих мастеров». Самым выдающимся из них был Хуан Гунван (1269–1354), чьи прохладные и сдержанные пейзажи восхищали современников и китайских художников-литераторов более поздних столетий. Другим, оказавшим большое влияние, был Ни Цзань (1301–1374), который часто выстраивал свои композиции с сильным и отчетливым передним и задним планом, но оставлял средний план пустым пространством. Эту схему часто перенимали художники поздних династий Мин и Цин . [26]
Китайский фарфор изготавливается из твердой пасты, сделанной из глины каолин и полевого шпата , называемого петунце , который цементирует сосуд и запечатывает любые поры. Китай стал синонимом высококачественного фарфора. Большинство фарфоровых горшков поступает из города Цзиндэчжэнь в провинции Цзянси . Цзиндэчжэньский фарфор , под разными названиями, занимал центральное место в производстве фарфора в Китае, по крайней мере, со времен династии Юань.
При династии Мин китайская культура расцвела. Сюжетная живопись, с более широкой цветовой гаммой и гораздо более насыщенной композицией, чем картины Сун, была чрезвычайно популярна в то время.
Вэнь Чжэнмин (1470–1559) развил стиль школы У в Сучжоу , которая доминировала в китайской живописи в XVI веке. [27]
Европейская культура начала оказывать влияние на китайское искусство в этот период. Иезуитский священник Маттео Риччи посетил Нанкин с множеством западных произведений искусства, которые оказали влияние, показав различные техники перспективы и штриховки. [28]
Ранняя династия Цин развивалась в двух основных направлениях: ортодоксальная школа и художники-индивидуалисты, оба из которых следовали теориям Дун Цичана, но подчеркивали совершенно разные аспекты. [29]
« Четыре Вана », включая Ван Цзяня (1598–1677) и Ван Шиминя (1592–1680), были особенно известны в православной школе и искали вдохновение в воссоздании стилей прошлого, особенно технических навыков в мазках и каллиграфии древних мастеров. Младший Ван Юаньци (1642–1715) ритуализировал подход взаимодействия и черпания вдохновения из работ древнего мастера. Его собственные работы часто аннотировались его теориями о том, как его картина соотносится с моделью мастера. [30]
Художники-индивидуалисты включали Бада Шаньрен (1626–1705) и Шитао (1641–1707). Они черпали больше из революционных идей выхода за рамки традиции, чтобы достичь оригинального индивидуального стиля; таким образом, они более верно следовали пути Дун Цичана, чем ортодоксальная школа (которая была его официальными прямыми последователями.) [31]
Painters outside of the literati-scholar and aristocratic traditions also gained renown, with some artists creating paintings to sell for money. These included Ma Quan (late 17th–18th century), who depicted common flowers, birds, and insects that were not typical subject matter among scholars. Such painters were, however, not separated from formal schools of painting, but were usually well-versed in artistic styles and techniques. Ma Quan, for example, modelled her brushwork on Song dynasty examples.[32] Simultaneously, the boneless technique (Chinese: 沒骨畫), thought to have originated as a preparatory step when painting gold-line images during the Tang, was continued by painters like Yun Shouping (1633–1690) and his descendant Yun Bing.[33]
As the techniques of color printing were perfected, illustrated manuals on the art of painting began to be published. Jieziyuan Huazhuan (Manual of the Mustard Seed Garden), a five-volume work first published in 1679, has been in use as a technical textbook for artists and students ever since.
Nianhua were a form of colored woodblock prints in China, depicting images for decoration during the Chinese New Year. In the 19th century Nianhua were used as news mediums.
The Shanghai School is a very important Chinese school of traditional arts during the Qing dynasty and the 20th century. Under efforts of masters from this school, traditional Chinese art reached another climax and continued to the present in forms of Chinese painting (中國畫), or guohua (國畫) for short. The Shanghai School challenged and broke the literati tradition of Chinese art, while also paying technical homage to the ancient masters and improving on existing traditional techniques. Members of this school were themselves educated literati who had come to question their very status and the purpose of art, and had anticipated the impending modernization of Chinese society. In an era of rapid social change, works from the Shanghai School were widely innovative and diverse, and often contained thoughtful yet subtle social commentary. The best known figures from this school are Ren Xiong, Ren Bonian, Zhao Zhiqian, Wu Changshuo, Sha Menghai, Pan Tianshou, Fu Baoshi, He Tianjian, and Xie Zhiliu. Other well-known painters include Wang Zhen, Xugu, Zhang Xiong, Hu Yuan, and Yang Borun.
Traditional Chinese painting, like Chinese calligraphy, is done with abrush dipped in black or colored ink; oils are not used. As with calligraphy, the most popular materials on which paintings are made of are paper and silk. The finished work can be mounted on scrolls, such as hanging scrolls or handscrolls. Traditional painting can also be done on album sheets, walls, lacquerware, folding screens, and other media.
The two main techniques in Chinese painting are:
Artists from the Han to the Tang dynasties mainly painted the human figure. Much of what is known of early Chinese figure painting comes from burial sites, where paintings were preserved on silk banners, lacquered objects, and tomb walls. Many early tomb paintings were meant to protect the dead or help their souls get to paradise. Others illustrated the teachings of the Chinese philosopher Confucius, or showed scenes of daily life. Most Chinese portraits showed a formal full-length frontal view, and were used in the family in ancestor veneration. Imperial portraits were more flexible, but were generally not seen outside the court, and portraiture formed no part of Imperial propaganda, as in other cultures.
Many critics consider landscape to be the highest form of Chinese painting. The time from the Five Dynasties period to the Northern Song period (907–1127) is known as the "Great age of Chinese landscape". In the north, artists such as Jing Hao, Li Cheng, Fan Kuan, and Guo Xi painted pictures of towering mountains, using strong black lines, ink wash, and sharp, dotted brushstrokes to suggest rough rocks. In the south, Dong Yuan, Juran, and other artists painted the rolling hills and rivers of their native countryside in peaceful scenes done with softer, rubbed brushwork. These two kinds of scenes and techniques became the classical styles of Chinese landscape painting.
Chinese ritual bronzes from the Shang and Western Zhou dynasties come from a period of over a thousand years from c. 1500 BC, and have exerted a continuing influence over Chinese art. They are cast with complex patterned and zoomorphic decoration, but avoid the human figure, unlike the huge figures only recently discovered at Sanxingdui.[38] The spectacular Terracotta Army was assembled for the tomb of Qin Shi Huang, the first emperor of a unified China from 221 to 210 BC, as a grand imperial version of the figures long placed in tombs to enable the deceased to enjoy the same lifestyle in the afterlife as when alive, replacing actual sacrifices of very early periods. Smaller figures in pottery or wood were placed in tombs for many centuries afterwards, reaching a peak of quality in the Tang dynasty tomb figures.[39]
Native Chinese religions do not usually use cult images of deities, or even represent them, and large religious sculpture is nearly all Buddhist, dating mostly from the 4th to the 14th century, and initially using Greco-Buddhist models arriving via the Silk Road. Buddhism is also the context of all large portrait sculpture; in total contrast to some other areas in medieval China even painted images of the emperor were regarded as private. Imperial tombs have spectacular avenues of approach lined with real and mythological animals on a scale matching Egypt, and smaller versions decorate temples and palaces.[40] Small Buddhist figures and groups were produced to a very high quality in a range of media,[41] as was relief decoration of all sorts of objects, especially in metalwork and jade.[42] Sculptors of all sorts were regarded as artisans and very few names are recorded.[43]
Chinese ceramic ware shows a continuous development since the pre-dynastic periods, and is one of the most significant forms of Chinese art. China is richly endowed with the raw materials needed for making ceramics. The first types of ceramics were made during the Palaeolithic era, and in later periods range from construction materials such as bricks and tiles, to hand-built pottery vessels fired in bonfires or kilns, to the sophisticated Chinese porcelain wares made for the imperial court. Most later Chinese ceramics, even of the finest quality, were made on an industrial scale, thus very few individual potters or painters are known. Many of the most renowned workshops were owned by or reserved for the Emperor, and large quantities of ceramics were exported as diplomatic gifts or for trade from an early date.
As well as porcelain, a wide range of materials that were more valuable were worked and decorated with great skill for a range of uses or just for display.[42] Chinese jade was attributed with magical powers, and was used in the Stone and Bronze Ages for large and impractical versions of everyday weapons and tools, as well as the bi disks and cong vessels.[44] Later a range of objects and small sculptures were carved in jade, a difficult and time-consuming technique. Bronze, gold and silver, rhinoceros horn, Chinese silk, ivory, lacquer and carved lacquer, cloisonne enamel and many other materials had specialist artists working in them. Cloisonne underwent an interesting process of artistic hybridization in China, particularly in the pieces promoted by missionaries and Chinese Christian communities.[45]
Folding screens (Chinese: 屏風; pinyin: píngfēng) are often decorated with beautiful art; major themes include mythology, scenes of palace life, and nature. Materials such as wood panel, paper and silk are used in making folding screens. They were considered ideal ornaments for many painters to display their paintings and calligraphy.[46][47] Many artists painted on paper or silk and applied it onto the folding screen.[46] There were two distinct artistic folding screens mentioned in historical literature of the era.
Chinese architecture refers to a style of architecture that has taken shape in East Asia over many centuries. Especially Japan, Korea, Vietnam and Ryukyu. The structural principles of Chinese architecture have remained largely unchanged, the main changes being only the decorative details. Since the Tang dynasty, Chinese architecture has had a major influence on the architectural styles of Korea, Vietnam, and Japan.
From the Neolithic era Longshan culture and Bronze Age era Erlitou culture, the earliest rammed earth fortifications exist, with evidence of timber architecture. The subterranean ruins of the palace at Yinxu dates back to the Shang. In historic China, architectural emphasis was laid upon the horizontal axis, in particular the construction of a heavy platform and a large roof that floats over this base, with the vertical walls not as well emphasized. This contrasts Western architecture, which tends to grow in height and depth. Chinese architecture stresses the visual impact of the width of the buildings. The deviation from this standard is the tower architecture of the Chinese tradition, which began as a native tradition[citation needed] and was eventually influenced by the Buddhist building for housing religious sutras—the stupa—which came from Nepal. Ancient Chinese tomb model representations of multiple story residential towers and watchtowers date to the Han. However, the earliest extant Buddhist Chinese pagoda is the Songyue Pagoda, a 40 m (131 ft) tall circular-based brick tower built in Henan in the year 523 CE From the 6th century onwards, stone-based structures become more common, while the earliest are from stone and brick arches found in Han dynasty tombs. The Zhaozhou Bridge built from 595 to 605 CEis China's oldest extant stone bridge, as well as the world's oldest fully stone open-spandrel segmental arch bridge.
The vocational trade of architect, craftsman, and engineer was not as highly respected in premodern Chinese society as the scholar-bureaucrats who were drafted into the government by the civil service examination system. Much of the knowledge about early Chinese architecture was passed on from one tradesman to his son or associative apprentice. However, there were several early treatises on architecture in China, with encyclopedic information on architecture dating back to the Han dynasty. The height of the classical Chinese architectural tradition in writing and illustration can be found in the Yingzao Fashi, a building manual written by 1100 and published by Li Jie (1065–1110) in 1103. In it there are numerous and meticulous illustrations and diagrams showing the assembly of halls and building components, as well as classifying structure types and building components.
There were certain architectural features that were reserved solely for buildings built for the Emperor of China. One example is the use of yellow roof tiles; yellow having been the Imperial color, yellow roof tiles still adorn most of the buildings within the Forbidden City. The Temple of Heaven, however, uses blue roof tiles to symbolize the sky. The roofs are almost invariably supported by brackets, a feature shared only with the largest of religious buildings. The wooden columns of the buildings, as well as the surface of the walls, tend to be red in colour.
Many current Chinese architectural designs follow post-modern and western styles.
Chinoiserie is the European interpretation and imitation of Chinese and East Asian artistic traditions, especially in the decorative arts, garden design, architecture, literature, theatre, and music.[48] The aesthetic of Chinoiserie has been expressed in different ways depending on the region. It is related to the broader current of Orientalism, which studied Far East cultures from a historical, philological, anthropological, philosophical, and religious point of view. First appearing in the 17th century, this trend was popularized in the 18th century due to the rise in trade with China and East Asia.[49]
As a style, chinoiserie is related to the rococo style.[50] Both styles are characterized by exuberant decoration, asymmetry, a focus on materials, and stylized nature and subject matter that focuses on leisure and pleasure. Chinoiserie focuses on subjects that were thought by colonial-era Europeans to be typical of Chinese culture.
The movement to modernize Chinese art started toward the end of the Qing dynasty. The traditional art form started to lose its appeal as the feudalistic structure of the society was dissolving. The modern view of the world had to be expressed in a different form. The explorations went on two main paths: one was to draw from the past to enrich the present (汲古潤今)*, the other was to "learn the new methods" (學習新法).*[51]
The literati art for the social elite was not appealing to the bourgeois patrons. Wu Changshuo (1844–1927) was among the Shanghai-based artists responsible for flowers and plants as the subject matter. His paintings used bold colors and energetic brush strokes, making them more accessible to the general public. Qi Baishi (1864–1957) painted images like crabs and shrimps that were even more approachable to the common people. Huang Binhong (1865–1955) denounced the literati paintings of the Qing dynasty and created his own style of landscape paintings by extensive investigations in Chinese art history. Zhang Daqian (1899–1983) used wall paintings in the Dunhuang (敦煌) caves to help him move beyond the literati tradition.
The Lingnan School (岭南画派) made some borrowings from the language of Western art in their ink paintings. Gao Jianfu (1879–1951), one of the founders of Lingnan School, was an active participant in the revolutionary movement of Sun Yat-sen (1866–1925). He was innovative in that he intended to use his paintings to highlight national issues, a medium for positive change in society.
A more radical style change started with Kang Youwei (1858–1927), a reformer who admired the more reality-based art of the Song dynasty. He believed that Chinese art could be rejuvenated by employing the reality-oriented art techniques of Europe. Xu Beihong (1895–1953) took this idea to heart and went to Paris to acquire the necessary skills. Liu Haisu (1896–1994), on the other hand, went to Japan to learn western techniques. Both Xu, and Liu became presidents of prestigious art schools, instilling new concepts and skills in the next generation of artists. Cai Yuanpei (1868–1940) was one of the leaders in the "New Culture Movement" (新文化运动). Those involved believed that intellectual activities should benefit all, not just the elites. Cai's belief that art could play a public, socially reformist role was adopted by Lin Fengmian (1900–1991).
Together with Yan Wenliang (1893–1988), Xu, Liu, and Lin were considered the "Four Great Academy Presidents" (四大校長), who spearheaded the national modern art movement. However, the subsequent upheaval caused by the Sino–Japanese war and the civil war did not allow this movement to grow. The Chinese modern art movement after the war developed differently in the four the regions: the Mainland, Taiwan, Hong Kong, and overseas.
The postwar era is roughly from 1949, the end of Chinese civil war, to 1976, the opening of mainland China to the outside world.
The postwar era in mainland China could be divided into two periods: 1949 to 1966 is generally called "The 17 Years"; 1966 to 1976 is the period of the "Cultural Revolution".
Chinese artists adopted social realism as a form of expression; it was a combination of revolutionary realism and revolutionary romanticism. Artwork was not valued on its own terms but was subservient to a political purpose. According to Mao Zedong, art should be a "powerful weapon for uniting and educating the people, fighting and destroying the enemy". Praising political leaders and celebrating the achievements of socialism became the theme of all artwork. Western art forms, including Cubism, Fauvism, Abstraction, and Expressionism were deemed superficial and were categorized as formalism.
The biggest blow to art was the Anti-Rightist Campaign of 1957. Artists who were labeled as rightists were stripped of their right to create and even their jobs, and worse, the social standing of the artists and their families was placed at the lowest level, causing great mental suffering.
Some influential paintings from this period are:
These ten years could also be called the "Ten Years of Calamity" (十年浩劫). In order to destroy everything that supported the old social order, countless temples, historic sites, artworks, and books were ravaged and burnt. During this period the portrait of Mao and propaganda posters of revolution were everywhere. Anything that was remotely suspected of being out of line was destroyed, and the person behind it was prosecuted. For example, Owl by Huang Yongyu had one eye open and one eye closed; it was deemed an expression of dissatisfaction with current events. Zong Qixiang's painting, which shows three tigers, was deemed critical of the leader Lin Biao, whose name contained a character that had three tigers in it. Residual Lotus by Li Kuchan had eight lotus flowers; it was deemed to be critical of the eight communist approved movies (样板戏). Many prominent artists were persecuted during this time. For example, Yan, Xu, Liu, and Lin, the "Four Great Academy Presidents" 四大校長 (except for Xu who died before the Cultural Revolution), were all prosecuted and jailed, and all their work was destroyed during this time. However, despite the difficult environment, some noteworthy paintings were created. The following are some examples:
Hong Kong was a British colony from 1842 to 1997. The local art organizations were mostly run by Westerners who outnumbered Chinese painters until a large migration of Chinese from Southern China during Sino–Japanese War. Innovative art colleges were established after the war. The shows organized by local artists started in the early 1960s. After a reaction against the traditional Western artistic practices of the 1940s and the 1950s, some experimental works that combined both western and eastern techniques were made. Then came the call for a return to Chinese traditional art and the creation of forms of art that Hong Kong could call its own. The trend was led by Lui Shou Kwan. Some western concepts were incorporated into his Chinese ink paintings.[52]
Many Chinese artists went to study western art in Paris in the early 1900s, for example: Fang Ganmin (方幹民), Wu Dayu (吳大羽), Ong Schan Tchow (翁占秋), Lin Fengmian (林風眠), Yan Wenliang (顏文樑), Wu Guanzhong (吳冠中), Zao Wou-Ki (趟無極). All except Zao completed their education before 1949 and returned to become leaders in the modern art movement. (Zao happened to be in Paris in 1949 and did not return.) Some Chinese artists went to stay there because of the rich international art environment, for example: Sanyu, Pan Yuliang (潘玉良), Chu Teh-Chun (朱德群). Zao, Sanyu, Pang, and Chu all had shows in Paris and the Republic. All their paintings had varying degrees of Chinese elements in them. These artists not only had a profound influence in Chinese modern art, but they also continued to engage Parisians with modern art from the East.[53]
Li Tiefu (1869–1952) was an accomplished oil painter educated in Canada and the United States. He was an active participant in the revolutionary movement of Sun Yat-sen (1866–1925).
Zeng Youhe 曾佑和 (1925–2017)[54] was born in Beijing. She started receiving international recognition in 1946, when Michael Sullivan began praising and writing about her work. Zeng moved to Honolulu in 1949 and visited Hong Kong and Taiwan in 1960. Like those of the Fifth Moon Group (五月畫會), her paintings were abstract; but the flavor of traditional Chinese ink paintings were not as pronounced.
Because of its history, traditional Chinese art does not have strong roots in Taiwan. The art forms in Taiwan were generally decorative, until youths growing up under the Japanese occupation received formal art education in Japan. Not burdened with traditional art form, their exploration generally followed the path of "learning the new methods" (學習新法). When the Nationalists arrived in Taiwan, a group of ambitious youths who came with the Nationalists continued the modern art movement. The most notable were the Fifth Moon Group (五月畫會) and the Ton-Fan Art Group (東方畫會).[citation needed]
The original members of the group were alumni with art majors from the Academic Teachers College (師範大學), the only university with an art major at the time. Their first intention was to show that the effort to create new art was worthwhile in itself, even if it did not directly enhance art pedagogy. Later, it became a movement to modernize Chinese art.
The members of the Fifth Moon Group studied western art movements, and concluded that the abstract art form was the best medium for modern Chinese art. They felt the best the Chinese paintings were ones that de-emphasized realistic representation, and emphasized atmosphere and "vividness", which comes from the brush strokes and the natural interaction between ink and paper. To further that idea, one does not need representation of objects in painting, or strictly use ink and paper. The beauty of a painting can be appreciated directly from the forms, textures, and colors on the canvas without their relation to real objects. The group was active from 1957 to 1972. The main members are Liu Guosong, Chuang Che (莊喆), Hu Chi-Chung (胡奇中), Fong Chung-ray (馮鍾睿), and Han Hsiang-ning.
The members of this group were students who attended private art classes offered by Li Zhongsheng (李仲生), a mainland-born artist who had been one of the active participants in the modern art movement. He and a number of mainland artists who painted in a western style continued the modern art movement by publishing magazines and writing articles to introduce modern art to Taiwan. His teaching style was unconventional and socratic in nature.
The original intention of the group was to introduce modern art to the public. They believed there should be no restriction on the form or style of a modern Chinese painting, as long as the painting expressed meaning that was Chinese in nature. The group was active from 1957 to 1971. The main members were: Ho Kan (霍剛), Li Yuan-chia, Wu Hao (吳昊),[55] Oyan Wen-Yuen (歐陽文苑), Hsia Yan (夏陽), Hsiao Chin (蕭勤), Tommy Chen (陳道明),[56] and Hsiao Ming-Hsien (蕭明賢). The following are a sample of their paintings from that period:
Contemporary Chinese art (中國當代藝術) often referred to as Chinese avant-garde art, continued to develop since the 1980s as an outgrowth of modern art developments post-Cultural Revolution.
Contemporary Chinese art fully incorporates painting, film, video, photography, and performance. Until recently, art exhibitions deemed controversial have been routinely shut down by police, and performance artists in particular faced the threat of arrest in the early 1990s. More recently there has been greater tolerance by the Chinese government, though many internationally acclaimed artists are still restricted from media exposure at home or have exhibitions ordered closed. Leading contemporary visual artists include Ai Weiwei, Cai Guoqiang, Cai Jin, Chan Shengyao, Concept 21, Ding Yi, Fang Lijun, Fu Wenjun, He Xiangyu, Huang Yan, Huang Yong Ping, Han Yajuan, Kong Bai Ji, Li Hongbo, Li Hui, Liu Bolin, Lu Shengzhong, Ma Liuming, Qiu Deshu, Qiu Shihua, Shen Fan, Shen Shaomin, Shi Jinsong, Song Dong, Li Wei, Wang Guangyi, Wenda Gu, Xu Bing, Yang Zhichao, Zhan Wang, Zheng Lianjie, Zhang Dali, Zhang Xiaogang, Zhang Huan, Zhu Yu, Wu Shaoxiang, Ma Kelu, Ding Fang, Shang Yang, Gao Minglu and Guo Jian.
Beginning in the late 1980s, there was unprecedented exposure for younger Chinese visual artists in the west to some degree through the agency of curators based outside the country such as Hou Hanru. Local curators within the country such as Gao Minglu and critics such as Li Xianting reinforced this promotion of particular brands of painting that had recently emerged, while also spreading the idea of art as a strong social force within Chinese culture. There was some controversy as critics identified these imprecise representations of contemporary Chinese art as having been constructed out of personal preferences, a kind of programmatized[clarification needed] artist-curator relationship that only further alienated the majority of the avant-garde from Chinese officialdom and western art market patronage.
Today, the market for Chinese art, both antique and contemporary, is widely reported to be among the hottest and fastest-growing in the world, attracting buyers all over the world.[57][58][59] The Voice of America reported in 2006 that modern Chinese art is raking in record prices both internationally and in domestic markets, some experts even fearing the market might be overheating.[60] The Economist reported that Chinese art has become the latest darling in the world market according to the record sales from Sotheby's and Christie's, the biggest fine-art auction houses.[61]
Contemporary Chinese art saw record sales throughout the 2000s. In 2007, it was estimated that 5 of the world's 10 best selling living artists at art auction were from China, with artists such as Zhang Xiaogang whose works were sold for a total of $56.8 million at auction in 2007.[62] In terms of buying-market, China overtook France in the late 2000s as the world's third-largest art market, after the United States and the United Kingdom, due to the growing middle-class in the country.[63][64] Sotheby's noted that contemporary Chinese art has rapidly changed the contemporary Asian art world into one of the most dynamic sectors on the international art market.[65] During the global economic crisis, the contemporary Asian art market and the contemporary Chinese art market experienced a slow down in late 2008.[66][67] The market for Contemporary Chinese and Asian art saw a major revival in late 2009 with record level sales at Christie's.[68]
For centuries largely made-up of European and American buyers, the international buying market for Chinese art has also begun to be dominated by Chinese dealers and collectors in recent years.[69] It was reported in 2011, China has become the world's second biggest market for art and antiques, accounting for 23 percent of the world's total art market, behind the United States (which accounts for 34 percent of the world's art market).[70] Another transformation driving the growth of the Chinese art market is the rise of a clientele no longer mostly European or American. New fortunes from countries once thought of as poor often prefer non-Western art; a large gallerist in the field has offices in both New York and Beijing, but clients mainly hailing from Latin America, Asia and the Middle East.[71]
One of the areas that has revived art concentration and also commercialized the industry is the 798 Art District in Dashanzi of Beijing. The artist Zhang Xiaogang sold a 1993 painting for US$2.3 million in 2006, which included blank faced Chinese families from the Cultural Revolution era,[72] while Yue Minjun's work Execution in 2007 was sold for a then record of nearly $6 million at Sotheby's.[73] Collectors including Stanley Ho,[74] the owner of the Macau Casinos, investment manager Christopher Tsai,[75] and casino developer Steve Wynn,[76] would capitalize on the art trends. Items such as Ming dynasty vases and assorted Imperial pieces were auctioned off.
Other art works were sold in places such as Christie's including a Chinese porcelain piece with the mark of the Qianlong Emperor sold for HKD $ $151.3 million. Sotheby's and Christie's act as major market platforms for classical Chinese porcelain art pieces to be sold, including Ming dynasty, Xuande mark and period (1426–35) Blue and White jar (Five-Clawed Dragon Print), which was auctioned for Approx. USD 19,224,491.2, through Christie's in Spring 2016[77] The International Herald Tribune reported that Chinese porcelains were fought over in the art market as "if there was no tomorrow".[78]
A 1964 painting by Li Keran "All the Mountains Blanketed in Red" was sold for HKD $35 million. Auctions were also held at Sotheby's where Xu Beihong's 1939 masterpiece "Put Down Your Whip" sold for HKD $72 million.[79] The industry is not limited to fine arts, as many other types of contemporary pieces were also sold. In 2000, a number of Chinese artists were included in Documenta and the Venice Biennale of 2003. China now has its own major contemporary art showcase with the Venice Biennale. Fuck Off was a notorious art exhibition which ran alongside the Shanghai Biennial Festival in 2000 and was curated by independent curator Feng Boyi and contemporary artist Ai Weiwei.
Sculpture as an artistic medium was widely employed in the arts of Greece and the Hellenistic East, but played only a minor role in ancient East Asia. This changed dramatically with the First Emperor of China (...) Naturalistic sculpture was entirely unknown. No long-standing sculptural tradition preceded the making of the First Emperor's famous terracotta warriors. No earlier or contemporary member of the Chinese elite had demonstrated any significant interest in sculpture at all.
From the centuries immediately preceding the Qin Dynasty again we know of only a few depictions of the human figure (...) figures of people and animals were very rare exceptions to the conventional imagery of the Zhou period (...) Depictions of the human figure were not a common part of the representational canon in China before the Qin Dynasty (...) In von Falkenhausen's words, "nothing in the archaeological record prepares one for the size, scale, and technically accomplished execution of the First Emperor's terracotta soldiers". For his contemporaries, the First Emperor's sculptures must have been something dramatically new.
Other noteworthy terracotta figurines were found in 1995 in a 4th–3rd century BCE tomb in the Taerpo cemetery near Xianyang in Shaanxi Province, where the last Qin capital of the same name was located from 350 to 207 BCE. These are the earliest representations of cavalrymen in China discovered up to this day. One of this pair can now be seen at the exhibition in Bern (Fig. 4). A small, ca. 23 cm tall, figurine represents a man sitting on a settled horse. He stretches out his left hand, whereas his right hand points downwards. Holes pierced through both his fists suggest that he originally held the reins of his horse in one hand and a weapon in the other. The rider wears a short jacket, trousers and boots – elements of the typical outfit of the inhabitants of the Central Asian steppes. Trousers were first introduced in the early Chinese state of Zhao during the late 4th century BCE, as the Chinese started to learn horse riding from their nomadic neighbours. The state of Qin should have adopted the nomadic clothes about the same time. But the figurine from Taerpo also has some other features that may point to its foreign identity: a hood-like headgear with a flat wide crown framing his face and a high, pointed nose.Also in Khayutina, Maria (2013). Qin: the eternal emperor and his terracotta warriors (1. Aufl ed.). Zürich: Neue Zürcher Zeitung. p. cat. no. 314. ISBN 978-3-03823-838-6.
![Ритуальный сервант для вина (гуан); 1100 г. до н.э.; Музей искусств Индианаполиса.[6][7]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a4/Chinese_ritual_wine_server_(guang).jpg/1280px-Chinese_ritual_wine_server_(guang).jpg)
,_da_meixian_(shaanxi),_800-700_ac_ca.jpg/1280px-Dinastia_zhou_occidentale,_campana_(lai_zhong),_da_meixian_(shaanxi),_800-700_ac_ca.jpg)
_Zun,_Shang_dynasty,_Hunan_Museum,_2018070601.jpg/1280px-Bronze_Shi_(wild_boar)_Zun,_Shang_dynasty,_Hunan_Museum,_2018070601.jpg)
,_Western_Zhou,_11-9th_century_BCE.jpg/1280px-Standing_deer_(2),_Western_Zhou,_11-9th_century_BCE.jpg)
.jpg/1280px-Warring_States_Lacquered_Dou_(9979386085).jpg)
.jpg/1280px-Warring_States_Lacquered_Figure,_Chu_State_(10162601104).jpg)
_with_Scrolling_Clouds_and_Supernatural_Creatures_LACMA_AC1997.50.1.1-.2.jpg/1280px-Lidded_Cosmetic_Box_(Lian)_with_Scrolling_Clouds_and_Supernatural_Creatures_LACMA_AC1997.50.1.1-.2.jpg)
.jpg/1280px-Mawangdui_Han_Second_Coffin_from_Tomb_-1_(10113243533).jpg)
.jpg/1280px-Mawangdui_Han_Third_Coffin_from_Tomb_-1_(10112971305).jpg)
.jpg/1280px-Mawangdui_Han_Third_Coffin_from_Tomb_-1_(10113109063).jpg)
.jpg/1280px-Elite_Family_with_Entertainers_(10112546006).jpg)
.jpg/1280px-Mawangdui_Figures_of_Musicians_(10112575404).jpg)
.jpg/1280px-Vairocana,_Fengxian_Temple,_Longmen_Grottoes_(10240207654).jpg)
_001.jpg/1280px-Chinesischer_Maler_des_11._Jahrhunderts_(I)_001.jpg)
![«Ранняя осень»; Цянь Сюань; XIII век; чернила и краски на бумажном свитке; 26,7 × 120,7 см; Детройтский институт искусств. Гниющие листья лотоса и стрекозы, парящие над стоячей водой, вероятно, являются завуалированной критикой монгольского правления[37]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/45/Qian_Xuan_-_Early_Autumn.jpg/1280px-Qian_Xuan_-_Early_Autumn.jpg){kind=small}
_MET_DP164965.jpg/1280px-%E5%95%86%E9%9D%92%E9%8A%85%E9%BC%8E-Ritual_Tripod_Cauldron_(Ding)_MET_DP164965.jpg)
_MET_DP140765.jpg/1280px-%E5%95%86_%E9%9D%92%E9%8A%85%E5%B0%8A-Wine_Vase_(Zun)_MET_DP140765.jpg)
.jpg/1280px-POL_3596-Editar_(15708757686).jpg)
.jpg/1280px-Chang_Xin_Gong_Deng,_Han_Dynasty,China_(Hebei_Museum).jpg)
_MET_DP170964.jpg/1280px-%E5%94%90_%E5%BD%A9%E7%B9%AA%E6%BC%86%E9%87%91%E5%A4%BE%E7%B4%B5%E9%98%BF%E5%BD%8C%E9%99%80%E4%BD%9B%E5%83%8F-Buddha,_Probably_Amitabha_(Amituofo)_MET_DP170964.jpg)
_MET_DP170269.jpg/1280px-%E5%94%90_%E5%BD%A9%E7%B9%AA%E7%9F%B3%E9%9B%95%E9%98%BF%E9%9B%A3%E9%99%80%E5%83%8F%EF%BC%88%E7%9F%B3%E7%81%B0%E5%B2%A9%EF%BC%89-Monk,_probably_Ananda_(Anantuo)_MET_DP170269.jpg)
.jpg/1280px-Flickr_-_dalbera_-_Statue_de_l'Arhat_Tamrabhadra_(mus%C3%A9e_Guimet).jpg)
_MET_DP163982.jpg/1280px-%E9%81%BC_%E5%BD%A9%E7%B9%AA%E6%9C%A8%E9%9B%95%E6%B0%B4%E6%9C%88%E8%A7%80%E9%9F%B3%E8%8F%A9%E8%96%A9%E5%83%8F%EF%BC%88%E6%9F%B3%E6%9C%A8%E8%83%8E%EF%BC%89-Bodhisattva_Avalokiteshvara_in_Water_Moon_Form_(Shuiyue_Guanyin)_MET_DP163982.jpg)
_in_a_grotto_MET_DT258832.jpg/1280px-%E6%B8%85_%E9%9D%92%E9%87%91%E7%9F%B3%E7%BE%85%E6%BC%A2%E5%B1%B1%E5%AD%90-Seated_luohan_(arhat)_in_a_grotto_MET_DT258832.jpg)
,_Kangxi_-_Vase_with_Cover_-_1954.574_-_Cleveland_Museum_of_Art.tif/lossy-page1-1280px-China,_Jiangxi_province,_Jingdezhen_kilns,_Qing_dynasty_(1644-1912),_Kangxi_-_Vase_with_Cover_-_1954.574_-_Cleveland_Museum_of_Art.tif.jpg)
,_other_Asian_woods,_ivory_-_Peabody_Essex_Museum_-_DSC07353.jpg/1280px-thumbnail.jpg)
.jpg/1280px-Jiaxiang_Wushi_Muqun_Shike_2015.08.14_09-54-12_(cropped).jpg)
_MET_DT8887.jpg/1280px-Drop-front_secretaire_(secr%C3%A8taire_%C3%A0_abattant)_MET_DT8887.jpg)
.jpg/1280px-thumbnail.jpg)
{{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link)Sculpture as an artistic medium was widely employed in the arts of Greece and the Hellenistic East, but played only a minor role in ancient East Asia. This changed dramatically with the First Emperor of China (...) Naturalistic sculpture was entirely unknown. No long-standing sculptural tradition preceded the making of the First Emperor's famous terracotta warriors. No earlier or contemporary member of the Chinese elite had demonstrated any significant interest in sculpture at all.
Before the appearance of the large-scale stone sculptures in front of the tomb of Huo Qubing 霍去病 (d. 117 BCE) of the middle Western Han period (see Figure 9), no monumental works of sculptural stone art like this had ever been seen in Qin culture or in those of the other Warring States polities.
The sixteen large stone sculptures in front of the tomb of the Han general Huo Qubing 霍去病 (ca. 117 BCE), are mostly sculpted following the form of the original stone (see Figure 9). They employ techniques such as sculpting in the round, raised relief, and engraved intaglio lines to carve stone sculptures of oxen, horses, pigs, tigers, sheep, a fantastic beast eating a sheep, a man fighting a bear, a horse trampling a Xiongnu warrior, and other images. It is hard to find any evidence in China for this type of crude but concise lifelike rendering before these monuments.
近年来，考古发现的一些西汉墓葬，如陕西咸阳西汉阳陵、河南商丘梁孝王陵园、[32] 江苏盱眙江都王刘非陵园、江西南昌海昏侯刘贺墓园等，都发现墓葬周围有冢茔、庙寝、门阙、司马道等，此时墓上石刻还没有发展起来，除汉武帝时期的霍去病墓、张骞墓外，其他墓葬均未发现墓上石刻。西汉晚期至东汉时期，墓上石刻逐渐发展起来
{{cite web}}: CS1 maint: bot: original URL status unknown (link)
