Французское искусство состоит из изобразительного и пластического искусства (включая французскую архитектуру , изделия из дерева, текстиль и керамику), происходящих из географической области Франции . Современная Франция была главным центром европейского искусства верхнего палеолита , [ требуется ссылка ] затем оставила множество мегалитических памятников, а в железном веке — многие из самых впечатляющих находок раннего кельтского искусства . Галло-римский период оставил отличительный провинциальный стиль скульптуры, а регион вокруг современной франко-германской границы лидировал в империи в массовом производстве тонко украшенной древнеримской керамики , которая экспортировалась в Италию и другие страны в больших масштабах. С меровингского искусства начинается история французских стилей как особого и влиятельного элемента в более широком развитии искусства христианской Европы.
Романская и готическая архитектура процветали в средневековой Франции, а готическая архитектура происходила из регионов Иль-де-Франс и Пикардия на севере Франции. [1] [2] В эпоху Возрождения Италия стала основным источником стилистических разработок, пока Франция не сравнялась с итальянским влиянием в периоды рококо и неоклассицизма [ необходима ссылка ] В течение 19-го века и до середины 20-го века Франция и особенно Париж считались центром мирового искусства с такими художественными стилями, как импрессионизм , постимпрессионизм , кубизм , фовизм, зародившимися там, а также движениями и объединениями иностранных художников, такими как École de Paris . [3] [4] [5] [6] [7] [8]
В настоящее время самое раннее известное европейское искусство относится к периоду верхнего палеолита , то есть к периоду от 40 000 до 10 000 лет назад, и во Франции имеется большой выбор сохранившегося доисторического искусства из культур Шательперрона , Ориньяк , Солютрей , Граветт и Мадлен . Это искусство включает в себя пещерные рисунки , такие как знаменитые рисунки в Пеш-Мерле в Лоте в Лангедоке , которые датируются 16 000 г. до н. э., Ласко , расположенное недалеко от деревни Монтиньяк в Дордони , датируемые между 13 000 и 15 000 г. до н. э. или, возможно, еще 25 000 г. до н. э., пещера Коске , пещера Шове, датируемая 29 000 г. до н. э., и пещера Труа-Фрер ; и переносное искусство , такое как резные фигурки животных и большие статуэтки богинь, называемые фигурками Венеры , такие как «Венера Брассемпуи» 21 000 г. до н. э., обнаруженная в Ландах , ныне находящаяся в музее Шато-де-Сен-Жермен-ан-Ле или Венера Леспюг в Музее человека . Декоративные бусины, костяные булавки, резьба, а также кремневые и каменные наконечники стрел также входят в число доисторических предметов с территории Франции.
Существуют предположения, что только Homo sapiens способен к художественному выражению, однако недавняя находка — Маска из Ла-Рош-Котара — мустьерский или неандертальский артефакт, найденный в 2002 году в пещере недалеко от берегов реки Луары и датируемый примерно 33 000 годом до нашей эры , — теперь позволяет предположить, что неандертальцы могли развить сложную и сложную художественную традицию.
В неолитический период ( см. Неолитическая Европа ) начинают появляться мегалитические (крупнокаменные) памятники, такие как дольмены и менгиры в Карнаке , Сен-Сюльпис-де-Фалейрене и в других местах Франции; считается, что это появление началось в пятом тысячелетии до нашей эры, хотя некоторые авторы предполагают о мезолитических корнях. Во Франции насчитывается около 5000 мегалитических памятников, в основном в Бретани, где находится самая большая концентрация этих памятников. В этой области существует большое разнообразие этих памятников, которые хорошо сохранились, такие как менгиры, дольмены, кромлехи и каирны. Каирн Гаврини в южной Бретани является выдающимся примером мегалитического искусства: его 14-метровый внутренний коридор почти полностью украшен орнаментальной резьбой. Большой сломанный менгир Эр-Граха , теперь состоящий из четырех частей, изначально имел высоту более 20 метров, что делает его самым большим менгиром, когда-либо возведенным. Во Франции также сохранилось множество раскрашенных камней, отполированных каменных топоров и надписанных менгиров этого периода. Район Гран-Пресиньи был известен своими драгоценными кремневыми лезвиями, которые широко экспортировались во времена неолита.
Во Франции от неолита до бронзового века можно обнаружить множество археологических культур, включая культуру Рёссена ( около 4500–4000 гг. до н. э.), культуру кубков ( около 2800–1900 гг. до н. э.), культуру курганов ( около 1600–1200 гг. до н . э.), культуру полей погребальных урн (около 1300–800 гг. до н. э.) и, на переходе к железному веку, культуру Гальштата (около 1200–500 гг . до н . э . ) .
Дополнительную информацию о доисторических памятниках Западной Франции см . в разделе «Доисторическая Бретань» .
Из протокельтских культур полей погребальных урн и гальштата развилось континентальное кельтское искусство железного века ; в основном связанное с культурой Ла Тена , которая процветала в конце железного века с 450 г. до н. э. до римского завоевания в первом веке до н. э. Это искусство опиралось на местные, классические и, возможно, средиземноморские , восточные источники. Кельты Галлии известны по многочисленным гробницам и курганам, найденным по всей Франции.
Кельтское искусство очень орнаментально, избегает прямых линий и лишь изредка использует симметрию, без подражания природе или идеала красоты, центрального для классической традиции, но, по-видимому, часто включает в себя сложную символику. Это произведение искусства включает в себя множество стилей и часто включает тонко измененные элементы из других культур, примером чего является характерное переплетение сверху и снизу, которое появилось во Франции только в шестом веке, хотя уже использовалось германскими художниками. Кельтская могила Викс в современной Бургундии обнаружила самый большой бронзовый кратер Античности, который, вероятно, был импортирован кельтскими аристократами из Греции.
Регион Галлия ( лат . Gallia ) находился под властью Римской империи с первого века до нашей эры по пятый век нашей эры. Южная Франция, и особенно Прованс и Лангедок, известны своими многочисленными нетронутыми галло-римскими памятниками. Лугдунум , современный Лион, во времена Римской империи был крупнейшим городом за пределами Италии и дал жизнь двум римским императорам. Город до сих пор может похвастаться некоторыми римскими руинами, включая театр. Монументальные работы этого периода включают амфитеатр в Оранже, Воклюз , « Мезон Карре » в Ниме , который является одним из наиболее хорошо сохранившихся римских храмов в Европе, город Вьенна недалеко от Лиона, где находится исключительно хорошо сохранившийся храм (храм Августа и Ливии), цирк и другие руины, акведук Пон-дю-Гар , который также находится в исключительном состоянии сохранности, римские города Гланум и Везон-ла-Ромен , две нетронутые галло-римские арены в Ниме и Арле , а также римские бани и арена в Париже .
Искусство Меровингов — это искусство и архитектура династии Меровингов из Франков , которая просуществовала с пятого по восьмой век на территории современной Франции и Германии . Приход династии Меровингов в Галлию в пятом веке привел к важным изменениям в искусстве. В архитектуре больше не было желания строить прочные и гармоничные здания. Скульптура регрессировала до уровня, немного большего, чем простая техника для украшения саркофагов , алтарей и церковной мебели. С другой стороны, рост работы по золоту и иллюминации рукописей привел к возрождению кельтского декора, который вместе с христианским и другими вкладами составляет основу искусства Меровингов. Объединение Франкского королевства при Хлодвиге I (465–511) и его преемниках соответствовало необходимости строительства церквей. Планы для них, вероятно, были скопированы с римских базилик . К сожалению, эти деревянные постройки не сохранились из-за разрушения пожаром, будь то случайным или вызванным норманнами во время их вторжений.
Каролингское искусство — это приблизительный 120-летний период с 750 по 900 год — во время правления Карла Мартелла , Пипина Младшего , Карла Великого и его непосредственных наследников — широко известный как Каролингское Возрождение . Каролингская эпоха — это первый период средневекового художественного движения, известного как предроманский стиль . Впервые североевропейские короли покровительствовали классическим средиземноморским римским формам искусства, смешивая классические формы с германскими, создавая совершенно новые инновации в рисовании линий фигурок и подготавливая почву для подъема романского искусства и, в конечном итоге, готического искусства на Западе.
Сохранились иллюминированные рукописи, изделия из металла, скульптура небольшого размера, мозаика и фрески того периода. Каролинги также провели крупные архитектурные строительные кампании в многочисленных церквях во Франции. К ним относятся церкви в Меце , Лионе , Вьене , Ле-Мане , Реймсе , Бове , Вердене , Сен-Жермене в Осере , Сен-Пьере во Флавиньи и Сен-Дени , а также в центре города Шартр . Аббатство Сентула в Сен-Рикье ( Сомма ), завершенное в 788 году, было крупным достижением в монастырской архитектуре. Другим важным зданием (в основном утраченным сегодня) была «Вилла Теодульфа» в Жерминьи-де-Пре .
С окончанием правления Каролингов около 900 года художественное производство остановилось почти на три поколения. После распада Каролингской империи Франция раскололась на ряд враждующих провинций, лишенных организованного покровительства. Французское искусство X и XI веков создавалось местными монастырями для пропаганды грамотности и благочестия, однако созданные примитивные стили не были столь высокоискусными, как техники раннего периода Каролингов.
Множество региональных стилей развивались на основе случайной доступности каролингских рукописей в качестве образцов для копирования и наличия странствующих художников. Монастырь Сен-Бертен стал важным центром при его аббате Одберте (986–1007), который создал новый стиль, основанный на англосаксонских и каролингских формах. Соседнее аббатство Сен-Вааст (Па-де-Кале) также создало ряд важных произведений. На юго-западе Франции ряд рукописей был создан около 1000 года в монастыре Сен-Марциал в Лиможе , а также в Альби , Фижаке и Сен-Север-де-Рустане в Гаскони . В Париже уникальный стиль развивался в аббатстве Сен-Жермен-де-Пре . В Нормандии новый стиль возник в 975 году. К концу X века с реформаторским движением Клюни и возрождением духа империи художественное производство возобновилось.
Романское искусство относится к искусству Западной Европы в течение периода в сто пятьдесят лет, примерно с 1000 года нашей эры до возникновения готического стиля , который возник в середине двенадцатого века во Франции. «Романское искусство» было отмечено возобновлением интереса к римским строительным приемам. Например, капители двенадцатого века на монастыре Сен-Гийем-ле-Дезер используют мотив листьев аканта и декоративное использование просверленных отверстий, которые обычно встречались на римских памятниках. Другие важные романские здания во Франции включают аббатство Сен-Бенуа-сюр-Луар в Луаре , церкви Сен-Фуа в Конке- де- Аверон , Сен-Мартен в Туре , Сен-Филибер в Турню - де -Сон-и-Луар , Сен-Реми в Реймсе и Сен-Сернен в Тулузе . В частности, в Нормандии велось масштабное строительство церквей в Берне , Мон-Сен-Мишель , соборе Кутанса и Байё .
Большая часть романской скульптуры была интегрирована в церковную архитектуру не только по эстетическим, но и по структурным причинам. Мелкая скульптура в предроманский период находилась под влиянием византийской и раннехристианской скульптуры. Другие элементы были заимствованы из различных местных стилей стран Ближнего Востока. Мотивы были заимствованы из искусства «варваров», такие как гротескные фигуры, звери и геометрические узоры, которые были важными дополнениями, особенно в регионах к северу от Альп. Среди важных скульптурных произведений этого периода — резьба по слоновой кости в монастыре Сен-Галлен . Монументальная скульптура редко практиковалась отдельно от архитектуры в предроманский период. Впервые после падения Римской империи монументальная скульптура появилась как значимая форма искусства. Крытые фасады церквей , дверные проемы и капители все увеличивались и расширялись в размерах и значимости, как в тимпане Страшного суда , Болье-сюр-Дордонь и Стоящем пророке в Муассаке . Монументальные двери, купели и подсвечники, часто украшенные сценами из библейской истории, отливались из бронзы, что свидетельствует о мастерстве современных мастеров по металлу. Фрески наносились на своды и стены церквей. Богатые ткани и драгоценные предметы из золота и серебра, такие как чаши и реликварии, производились во все большем количестве для удовлетворения потребностей литургии и служения культу святых. В XII веке крупномасштабная каменная скульптура распространилась по всей Европе. Во французских романских церквях Прованса , Бургундии и Аквитании скульптуры украшали фасады, а статуи были включены в капители.
Готическое искусство и архитектура были продуктами средневекового художественного движения, которое длилось около трехсот лет. Оно началось во Франции, развиваясь из романского периода в середине двенадцатого века. К концу четырнадцатого века оно эволюционировало в сторону более светского и естественного стиля, известного как международная готика , который продолжался до конца пятнадцатого века, когда оно развилось дальше, в искусство эпохи Возрождения . Основными средствами готического искусства были скульптура , панельная живопись , витражи , фрески и иллюминированные рукописи .
Готическая архитектура зародилась в середине XII века в Иль-де-Франс , когда аббат Сугерий построил аббатство в Сен-Дени , около 1140 года, считающееся первым готическим зданием, а вскоре после этого Шартрский собор , около 1145 года. До этого в Иль-де-Франс не было скульптурной традиции, поэтому из Бургундии были приглашены скульпторы , которые создали революционные фигуры, выступающие в качестве колонн в Западном (Королевском) портале Шартрского собора ( см. изображение ) — это было совершенно новое изобретение во французском искусстве, и оно послужило моделью для целого поколения скульпторов. Другие известные готические церкви во Франции включают Буржский собор , Амьенский собор , Нотр-Дам-де-Лан , Нотр-Дам в Париже , Реймсский собор , Сент-Шапель в Париже , Страсбургский собор .
Обозначения стилей во французской готической архитектуре следующие: ранняя готика, высокая готика, районант и поздняя готика или пламенеющая готика . Разделение на эти подразделения эффективно, но спорно. Поскольку готические соборы строились в течение нескольких последовательных периодов, а мастера каждого периода не обязательно следовали пожеланиям предыдущих периодов, доминирующий архитектурный стиль часто менялся во время строительства конкретного здания. Следовательно, трудно объявить одно здание принадлежащим к определенной эпохе готической архитектуры. Более полезно использовать термины в качестве описаний для определенных элементов внутри конструкции, а не применять их к зданию в целом.
Французские идеи распространились. Готическая скульптура эволюционировала от раннего жесткого и удлиненного стиля, все еще частично романского, в пространственную и натуралистическую обработку в конце двенадцатого и начале тринадцатого века. Влияние сохранившихся древнегреческих и римских скульптур было включено в обработку драпировки, выражения лица и позы голландско-бургундского скульптора Клауса Слютера , а вкус к натурализму первым ознаменовал конец готической скульптуры, превратившись в классицистический стиль эпохи Возрождения к концу пятнадцатого века.
Париж, в то время крупнейший город в западном мире , стал ведущим центром производства роскошных артефактов в XIII и XIV веках, особенно небольших скульптур из слоновой кости и шкатулок из слоновой кости со сценами куртуазной любви (таких как шкатулка со сценами романов в Художественном музее Уолтерса ). Париж также превратился в один из самых пышных центров производства ювелирных изделий и драгоценных реликвариев, таких как реликварий Святого Тернового куста , созданный для Жана, герцога Беррийского , или Золотые реликварии Рёссля из Альтёттинга , созданные для Карла VI , короля Франции.
Живопись в стиле, который можно назвать «готическим», появилась только около 1200 года, почти через пятьдесят лет после начала готической архитектуры и скульптуры. Переход от романского стиля к готике очень неточен и никоим образом не четко очерчен, но можно увидеть начало стиля, который является более мрачным, темным и эмоциональным, чем предыдущий период. Этот переход впервые происходит в Англии и Франции около 1200 года, в Германии около 1220 года и в Италии около 1300 года. Живопись, представление изображений на поверхности, практиковалось в готический период в четырех основных ремеслах: фрески , панельные картины , рукописная иллюминация и витражи . Фрески продолжали использоваться в качестве основного изобразительного повествовательного ремесла на стенах церквей в южной Европе как продолжение ранних христианских и романских традиций. На севере витражи и рукописная иллюминация оставались доминирующей формой искусства до пятнадцатого века.
В конце XIV века и в течение XV века французские княжеские дворы, такие как герцоги Бургундские, герцог Анжуйский или герцог Беррийский, а также папа и кардиналы в Авиньоне нанимали известных художников, таких как братья Лимбург , Бартелеми д'Эйк , Ангерран Картон или Жан Фуке , которые разработали так называемый интернациональный готический стиль, распространившийся по всей Европе и вобравший в себя новое фламандское влияние, а также нововведения итальянских художников раннего Возрождения. Северная Франция также была главным европейским центром производства иллюминированных рукописей . Иллюминированные рукописи представляют собой наиболее полную запись готической живописи, предоставляя запись стилей в местах, где не сохранилось никаких монументальных произведений.
.jpg/1280px-Enguerrand_Quarton,_Le_Couronnement_de_la_Vierge_(1454).jpg)
Самые ранние полные рукописи с французскими готическими иллюстрациями датируются серединой XIII века. [9] Многие из таких иллюстрированных рукописей были королевскими библиями, хотя псалтыри также включали иллюстрации; парижская Псалтырь Людовика Святого , датируемая 1253–1270 годами, содержит 78 полностраничных иллюстраций, выполненных темперой и сусальным золотом. [10]
Иллюминированные рукописи особенно процветали в XV веке, благодаря многочисленным герцогским дворам, которые в то время пришли к власти во Франции. В XV веке эти драгоценные расписные книги обычно создавались фламандскими художниками из Бургундских Нидерландов (тогда находившихся под французским владычеством герцогов Бургундских) или французскими художниками, состоявшими на службе у главных княжеских дворов (королевского двора в Париже, а также герцогских дворов Бургундии, Анжу, Берри, Бурбона, Орлеана и Бретани). Король Сицилии и герцог Анжуйский, Рене сам был писателем куртуазных любовных романов и заказывал лучшим художникам украшать свои собственные сочинения сложными картинами, такими как « Livre du cœur d'Amour épris», иллюстрированная Бартелеми д'Эйком. Братья Лимбург создали « Великолепные часословы герцога Беррийского» , считающиеся шедевром международной готической рукописи и предназначенные для герцога Беррийского, брата короля Карла V.
В конце пятнадцатого века французское вторжение в Италию и близость оживленного бургундского двора с его фламандскими связями привели французов к контакту с товарами, картинами и творческим духом Северного и итальянского Возрождения . Первоначальные художественные изменения в то время во Франции были выполнены итальянскими и фламандскими художниками, такими как Жан Клуэ и его сын Франсуа Клуэ , наряду с итальянцами, Россо Фьорентино , Франческо Приматиччо и Никколо дель Аббате из того, что часто называют первой школой Фонтенбло с 1531 года. Леонардо да Винчи также был приглашен во Францию Франциском I, но кроме картин, которые он привез с собой, он мало что создал для французского короля.
Искусство периода от Франциска I до Генриха IV часто во многом вдохновлено поздними итальянскими живописными и скульптурными разработками, обычно называемыми маньеризмом , который связан с поздними работами Микеланджело , а также Пармиджанино и другими. Для него характерны удлиненные и изящные фигуры, которые опираются на визуальную риторику , включая сложное использование аллегории и мифологии . Возможно, величайшим достижением французского Возрождения было строительство замков в долине Луары . Такие дворцы для удовольствий, больше не задуманные как крепости, использовали богатство рек и земель региона Луары и демонстрируют замечательное архитектурное мастерство.
Среди выдающихся французских архитекторов, принявших стиль Ренессанса, были Пьер Леско , перестроивший часть дворца в Лувре для короля, Филибер Делорм , Жан Бюллан и Жак I Андруэ дю Серсо .
.png/1280px-Tombeau_Valentine_Balbiani_details_Pilon_LP397_MR1643_(cropped).png)
Скульптура получила большое развитие во Франции в эпоху Возрождения и сохранилась лучше, чем живопись. Хотя Франческо Лаурана работал во Франции в течение короткого периода времени в конце 15 века, только в начале 16 века итальянский стиль стал преобладать во Франции, после начала Итальянских войн . В скульптуре прибытие семьи Джусто , которая последовала за Людовиком XII во Францию в 1504 году , сыграло важную роль. Позже другим крупным итальянским скульптором, работавшим при дворе, был Бенвенуто Челлини , который работал на Франциска I с 1540 года и импортировал стиль маньеризма во Францию (одним из примеров является Нимфа Фонтенбло ). Крупнейшими французскими скульпторами того времени являются Мишель Коломб , ответственный за гробницу Франциска II, герцога Бретани в Нанте, у которого была возможность работать вместе с братьями Джусто. Наряду с Коломбом, Жан Гужон и Жермен Пилон считаются лучшими французскими скульпторами того периода, работавшими в сложном стиле маньеризма. Другой важной фигурой того времени является Пьер Бонтан . Регион Шампань вокруг Труа , а также долина Луары и Нормандия были важными региональными центрами скульптуры. В герцогстве Лотарингия и Бар появилась региональная, но очень талантливая фигура в лице Лижье Ришье .
.jpg/1280px-Nicolas_Poussin_-_L'Enl%C3%A8vement_des_Sabines_(1634-5).jpg)
XVII век ознаменовал золотой век французского искусства во всех областях. В начале XVII века тенденции позднего маньеризма и раннего барокко продолжали процветать при дворе Марии Медичи и Людовика XIII . Искусство этого периода демонстрирует влияние как севера Европы, а именно голландской и фламандской школ, так и римских художников Контрреформации . Художники во Франции часто обсуждали контрастные достоинства Питера Пауля Рубенса с его фламандским барокко, чувственными линиями и цветами, и Николя Пуссена с его рациональным контролем, пропорциями, римским классицистическим стилем барокко. Другим сторонником классицизма, работавшим в Риме, был Клод Желле , известный как Ле Лоррен, который определил форму классического пейзажа.
Многие молодые французские художники начала века отправились в Рим, чтобы обучаться, и вскоре усвоили влияние Караваджо , например, Валентин де Булонь и Симон Вуэ . Последнему приписывают привнесение барокко во Францию, и по возвращении в Париж в 1627 году он был назван первым художником короля. Но французская живопись вскоре отошла от экстравагантности и натурализма итальянского барокко, и такие художники, как Эсташ Ле Сюэр и Лоран де Ла Ир , следуя примеру Пуссена, разработали классицистический путь, известный как парижский аттикизм , вдохновленный античностью и сосредоточенный на пропорции, гармонии и важности рисунка. Даже Вуэ после возвращения из Италии изменил свою манеру на более размеренный, но все еще очень декоративный и элегантный стиль.
Но в то же время все еще была сильна школа барокко караваджистов, представленная в этот период изумительными картинами при свечах Жоржа де Латура . Несчастные и нищие были изображены в квазиголландской манере на картинах трех братьев Ленен . На картинах Филиппа де Шампейня есть как пропагандистские портреты министра Людовика XIII кардинала Ришелье , так и другие, более созерцательные портреты людей католической секты янсенистов .
В архитектуре такие архитекторы, как Саломон де Бросс , Франсуа Мансар и Жак Лемерсье, помогли определить французскую форму барокко, разработав формулу городского hôtel particulier , которая оказала влияние на всю Европу и сильно отличалась от итальянского эквивалента, палаццо . Многие аристократические замки были перестроены в новом классическом стиле барокко, некоторые из самых известных — Maisons и Cheverny , характеризующиеся высокими крышами «à la française» и формой, которая сохранила средневековую модель замка, украшенного выступающими башнями.
С середины до конца семнадцатого века французское искусство чаще называют термином «классицизм», который подразумевает соблюдение определенных правил пропорции и умеренности, нехарактерных для барокко, которое практиковалось в большинстве стран Европы в тот же период. При Людовике XIV барокко, которое практиковалось в Италии, было не во вкусе французов, например, поскольку знаменитое предложение Бернини о перепланировке Лувра было отвергнуто Людовиком XIV.
С помощью пропаганды , войн и великих архитектурных работ Людовик XIV запустил обширную программу, направленную на прославление Франции и его имени. Версальский дворец , изначально небольшой охотничий домик, построенный его отцом, был преобразован Людовиком XIV в великолепный дворец для празднеств и вечеринок под руководством архитекторов Луи Лево (который также построил замок Во-ле-Виконт ) и Жюля Ардуэна Мансара (который построил церковь Дома инвалидов в Париже), художника и дизайнера Шарля Лебрена и ландшафтного архитектора Андре Ленотра , который усовершенствовал рациональную форму французского сада , который из Версаля распространился по всей Европе.
Для скульптуры правление Людовика XIV также оказалось важным моментом благодаря покровительству короля таким художникам, как Пьер Пюже , Франсуа Жирардон и Антуан Куазевокс . В Риме Пьер Легро , работавший в более барочной манере, был одним из самых влиятельных скульпторов конца века.
.jpg/1280px-Salon_ovale_de_la_princesse_in_the_H%C3%B4tel_de_Soubise_(11).jpg)
Рококо и неоклассицизм — термины, используемые для описания изобразительного и пластического искусства и архитектуры в Европе с начала восемнадцатого века до конца восемнадцатого века. Во Франции смерть Людовика XIV в 1715 году привела к периоду свободы, обычно называемому Регентством . Версаль был заброшен с 1715 по 1722 год, молодой король Людовик XV и правительство во главе с герцогом Орлеанским проживали в Париже. Там возник новый стиль в декоративном искусстве, известный как рокайль : асимметрия и динамизм барокко были сохранены, но обновлены в стиле, который менее риторичен и с менее помпезными эффектами, более глубоким исследованием искусственности и использованием мотивов, вдохновленных природой. Эта манера, используемая для украшения комнат и мебели, существовала и в живописи. Живопись рокайля обратилась к более легким сюжетам, таким как «галантные празднества», театральные декорации, приятные мифологические повествования и женская обнаженная натура. В большинстве случаев морализирующие стороны мифов или исторических картин опускаются, а акцент делается на декоративном и приятном аспекте изображенных сцен. Картины этого периода демонстрируют акцент больше на цвете, чем на рисунке, с очевидными мазками кисти и очень красочными сценами. Среди важных французских художников этого периода — Антуан Ватто , которого считают изобретателем fête galante , Николя Ланкре и Франсуа Буше , известный своими нежными пасторальными и галантными сценами. Пастельная портретная живопись стала особенно модной в Европе в то время, и Франция была главным центром деятельности художников-пастелистов, среди которых были Морис Кантен де Латур , Жан-Батист Перронно и швейцарец Жан-Этьен Лиотар .
Стиль Людовика XV в декоре, хотя он уже проявился в конце последнего правления, был более светлым, с пастельными тонами, деревянными панелями, меньшими комнатами, меньшим количеством позолоты и парчи; преобладали ракушки, гирлянды и иногда китайские сюжеты. Мануфактуры Шантильи , Венсенна , а затем и Севра производили некоторые из лучших фарфоровых изделий того времени. Высококвалифицированные эбенисты , краснодеревщики, в основном работавшие в Париже, создавали искусные предметы мебели с драгоценными породами дерева и бронзовыми украшениями, которые высоко ценились и которым подражали во всей Европе. Наиболее известными из них являются Жан-Франсуа Эбен , который создал рабочий стол короля Людовика XV в Версале, Бернар II ван Рисамбург и Жан-Анри Ризенер . Высококвалифицированные художники, называемые ciseleur-doreurs , специализировались на бронзовых украшениях для мебели и других предметов декоративно-прикладного искусства - самые известные из них - Пьер Гутьер и Пьер-Филипп Томир . Талантливые серебряных дел мастера, такие как Тома Жермен и его сын Франсуа-Тома Жермен, создавали сложные серебряные сервизы, которые высоко ценились различными королевскими особами Европы. Комнаты в замках и отелях-частниках были более интимными, чем во времена правления Людовика XIV, и были украшены буазери в стиле рокайль (резные деревянные панели, покрывающие стены комнаты), задуманными такими архитекторами, как Жермен Боффран и Жиль-Мари Оппенор или ornemanistes (дизайнерами декоративных предметов), такими как Жюст-Орель Мейсонье .
Самыми выдающимися архитекторами первой половины века были, помимо Боффрана, Робер де Котт и Анж-Жак Габриэль , которые спроектировали общественные площади, такие как площадь Согласия в Париже и площадь Биржи в Бордо, в стиле, сознательно вдохновленном эпохой Людовика XIV. В первой половине века Франция заменила Италию в качестве художественного центра и главного художественного влияния в Европе, и многие французские художники работали при других дворах по всему континенту.
Вторая половина восемнадцатого века продолжала видеть французское превосходство в Европе, особенно через искусство и науку, и знание французского языка ожидалось от членов европейских дворов. Французская академическая система продолжала выпускать художников, но некоторые, такие как Жан-Оноре Фрагонар и Жан-Батист-Симеон Шарден , исследовали новые и все более импрессионистские стили живописи с плотной мазкой. Хотя иерархия жанров продолжала официально соблюдаться, жанровая живопись , пейзаж , портрет и натюрморт были чрезвычайно модными. Шарден и Жан-Батист Удри были провозглашены за их натюрморты, хотя официально это считалось самым низким из всех жанров в иерархии сюжетов живописи.
В этом периоде также можно обнаружить предромантичный аспект. Образы руин Юбера Робера , вдохновленные итальянскими картинами каприччио , типичны в этом отношении, как и образ штормов и лунных морских пехотинцев Клода Жозефа Верне . Также можно обнаружить переход от рационального и геометрического французского сада Андре Ленотра к английскому саду , который подчеркивал искусственно дикую и иррациональную природу. В некоторых из этих садов можно также найти любопытные руины храмов, называемые «follies».
Во второй половине восемнадцатого века во Франции произошел поворот к неоклассицизму , то есть сознательному использованию греческих и римских форм и иконографии . Это движение продвигали интеллектуалы, такие как Дидро, в ответ на искусственность и декоративную сущность стиля рокайль . В живописи величайшим представителем этого стиля является Жак-Луи Давид , который, отражая профили греческих ваз, подчеркивал использование профиля. Его темы часто включали классическую историю, такую как смерть Сократа и Брута. Достоинство и тематика его картин были во многом вдохновлены работами Никола Пуссена семнадцатого века. Пуссен и Давид, в свою очередь, оказали большое влияние на Жана Огюста Доминика Энгра . Другими важными неоклассическими художниками этого периода являются Жан-Батист Грез , Жозеф-Мари Вьен и, в портретном жанре, Элизабет Луиза Виже Лебрен . Неоклассицизм проник также в декоративно-прикладное искусство и архитектуру.
Такие архитекторы, как Леду и Булле, разработали радикальный стиль неоклассической архитектуры, основанный на простых и чистых геометрических формах с исследованием симметрии и гармонии, разрабатывая дальновидные проекты, например, комплекс соляных заводов Арк-э-Сенан Леду — модель идеальной фабрики, разработанную на основе рациональных концепций мыслителей эпохи Просвещения .
Французская революция и наполеоновские войны принесли большие изменения в искусство Франции. Программа возвеличивания и мифотворчества, сопутствующая императору Франции Наполеону I, была тесно согласована в картинах Давида, Гро и Герена. Жан-Огюст-Доминик Энгр был главной фигурой неоклассицизма до 1850-х годов и выдающимся учителем, отдававшим приоритет рисунку над цветом. Между тем, ориентализм , египетские мотивы, трагический антигерой , дикий пейзаж, исторический роман и сцены из Средневековья и Возрождения — все эти элементы романтизма — создали яркий период, который не поддается простой классификации. Самым важным романтическим художником этого периода был Эжен Делакруа, который имел успешную публичную карьеру и был главным оппонентом Энгра. До него Теодор Жерико открыл путь романтизму своим монументальным «Плотом Медузы», представленным в Салоне 1819 года. Камиль Коро пытался уйти от условной и идеализированной формы пейзажной живописи, находящейся под влиянием классицизма, чтобы быть более реалистичным и в то же время восприимчивым к атмосферным изменениям.
Романтические тенденции продолжались на протяжении всего столетия, и идеализированная пейзажная живопись, и реализм имеют свои семена в романтизме. Работы Гюстава Курбе и барбизонской школы являются логическим развитием этого, как и символизм конца девятнадцатого века таких художников, как Гюстав Моро , профессор Анри Матисса и Жоржа Руо , а также Одилон Редон .
Академическая живопись, разработанная в Школе изящных искусств, пользовалась наибольшим успехом у публики и государства: высококвалифицированные художники, такие как Жан-Леон Жером , Уильям Бугро и Александр Кабанель, писали исторические сцены, вдохновленные античностью, следуя по стопам Энгра и неоклассиков. Хотя молодые художники-авангардисты и критики критиковали их за условности, самые талантливые из художников-академиков возродили исторический жанр, черпая вдохновение из множества культур и техник, таких как Восток, и новых рамок, которые стали возможны благодаря изобретению фотографии
Для многих критиков Эдуард Мане писал о девятнадцатом веке и современном периоде (как Шарль Бодлер делает это в поэзии). Его повторное открытие испанской живописи золотого века, его готовность показать неокрашенный холст, его исследование откровенной обнаженной натуры и его радикальные мазки кисти являются первыми шагами к импрессионизму. Импрессионизм продвинул барбизонскую школу на один шаг дальше, отвергнув раз и навсегда избитый стиль и использование смешанных цветов и черного ради хрупких переходных эффектов света, запечатленных на открытом воздухе в меняющемся свете (отчасти вдохновленных картинами Дж. М. У. Тернера и Эжена Будена ). Это привело к Клоду Моне с его соборами и стогами сена, Пьеру-Огюсту Ренуару с его ранними фестивалями на открытом воздухе и его поздним перистым стилем румяных обнаженных натур, и Эдгару Дега с его танцовщицами и купальщицами. Другими выдающимися импрессионистами были Альфред Сислей , Камиль Писсарро и Гюстав Кайботт .
После того, как этот порог был преодолен, следующие тридцать лет стали чередой удивительных экспериментов. Винсент Ван Гог , родившийся в Голландии, но живший во Франции, открыл дорогу экспрессионизму . Жорж Сёра , находившийся под влиянием теории цвета, разработал технику пуантилизма , которая управляла экспериментом импрессионистов, и ему последовал Поль Синьяк . Поль Сезанн , художник живописцев, предпринял попытку геометрического исследования мира, что оставило многих его коллег равнодушными. Поль Гоген , банкир, нашел символизм в Бретани вместе с Эмилем Бернаром , а затем экзотику и примитивизм во Французской Полинезии . Этих художников называли постимпрессионистами . Les Nabis , движение 1890-х годов, включающее таких художников, как Поль Серюзье , Пьер Боннар , Эдуар Вюйар и Морис Дени , находилось под влиянием примера Гогена в Бретани: они исследовали декоративное искусство на плоских равнинах с графическим подходом японской гравюры. Они проповедовали, что произведение искусства является конечным продуктом и визуальным выражением синтеза природы художником в личных эстетических метафорах и символах. Анри Руссо , самоучка-любитель почтмейстер, стал моделью для наивной революции.
.JPG/1280px-Claude_Monet_-_Rouen_Cathedral,_Facade_(Sunset).JPG)
Первые годы двадцатого века были ознаменованы экспериментами с цветом и содержанием, которые развязали импрессионизм и постимпрессионизм . Продукция Дальнего Востока также принесла новые влияния. Примерно в то же время фовисты ( Анри Матисс , Андре Дерен , Морис де Вламинк , Альбер Марке , Рауль Дюфи , Отон Фриез , Шарль Камуан , Анри Манген ) взорвались цветом, как и немецкий экспрессионизм .
Открытие африканских племенных масок Пабло Пикассо , испанцем, живущим в Париже, привело его к созданию «Авиньонских девиц» 1907 года. Работая независимо, Пикассо и Жорж Брак вернулись к сезанновскому способу рационального понимания объектов в плоской среде и усовершенствовали его; их эксперименты в кубизме также привели их к интеграции всех аспектов и объектов повседневной жизни, коллажа из газет, музыкальных инструментов, сигарет, вина и других предметов в свои работы. Кубизм во всех его фазах будет доминировать в живописи Европы и Америки в течение следующих десяти лет. (См. статью о кубизме для полного обсуждения.)
Первая мировая война не остановила динамичное создание искусства во Франции. В 1916 году группа недовольных встретилась в баре Цюриха, Cabaret Voltaire , и создала самый радикальный жест из возможных — антиискусство дадаизма . В то же время Франсис Пикабиа и Марсель Дюшан исследовали схожие идеи. На художественной выставке 1917 года в Нью-Йорке Дюшан представил белый фарфоровый писсуар ( Fountain ), подписанный R. Mutt, как произведение искусства, став отцом реди-мейда .
Когда дадаизм достиг Парижа, его жадно приняла группа молодых художников и писателей, которые были очарованы трудами Зигмунда Фрейда , особенно его понятием бессознательного . Провокационный дух дадаизма стал связан с исследованием бессознательного посредством использования автоматического письма , случайных операций и, в некоторых случаях, измененных состояний. Сюрреалисты быстро обратились к живописи и скульптуре. Шок от неожиданных элементов, использование фроттажа , коллажа и декалькомании , изображение таинственных пейзажей и сновидных образов стали ключевыми приемами на протяжении оставшейся части 1930-х годов.
Сразу после этой войны французская художественная сцена разделилась примерно на два направления. Одни продолжили художественные эксперименты, начатые до войны, особенно сюрреализм, а другие переняли новый абстрактный экспрессионизм и живопись действия из Нью-Йорка, выполняя их во французской манере, используя ташизм или L'art informel . Параллельно с обеими этими тенденциями Жан Дюбюффе доминировал в первые послевоенные годы, исследуя детские рисунки, граффити и карикатуры в различных медиа.
Между двумя мировыми войнами процветало художественное движение, известное как École de Paris (Парижская школа). Сосредоточенное в Париже, движение породило уникальную форму экспрессионистского искусства . Оно включало в себя многих иностранных и французских художников, многие из которых были евреями ; эти художники были в основном сосредоточены на Монпарнасе . [11] Эти еврейские художники играли значительную роль в École de Paris, некоторые искали убежища в Париже из Восточной Европы, спасаясь от преследований и погромов. [12] Такие выдающиеся личности, как Марк Шагал , Жюль Паскин , Хаим Сутин , Исаак Френкель Френель , Амедео Модильяни и Авраам Минчин были среди заметных деятелей движения во Франции и за рубежом. [13] [14] [15] Эти художники часто изображали еврейские темы в своих работах, наполняя их интенсивными эмоциональными тонами. [16]
Термин «l' École de Paris », придуманный в 1925 году для борьбы с ксенофобией , признавал иностранных, часто еврейских, художников. Однако нацистская оккупация привела к трагической потере еврейских художников во время Холокоста , что привело к упадку Парижской школы, поскольку некоторые художники уехали или бежали в Израиль или Соединенные Штаты . [12] [17] [13] [11]
В конце 1950-х и начале 1960-х годов во Франции появились формы искусства, которые можно было бы считать поп-артом . Ив Кляйн изобразил привлекательных обнаженных женщин, катающихся в синей краске и бросающихся на холсты. Виктор Вазарели изобрел оп-арт , разработав сложные оптические узоры. Художники движения Fluxus , такие как Бен Вотье, включили граффити и найденные объекты в свои работы. Ники де Сен-Фалль создал раздутые и яркие пластиковые фигуры. Арман собрал найденные объекты в коробки или покрытые смолой сборки, а Сезар Балдаччини создал серию больших сжатых скульптур-объектов. Сезар Балдаччини был выдающимся французским скульптором 1960-х годов, который создавал большие скульптуры из отходов, сжимая выброшенные материалы, например, автомобили, металл, мусор и предметы домашнего обихода. [18]
В мае 1968 года радикальное молодежное движение через свое Atelier Populaire выпустило множество плакатов, протестующих против безнадежной политики президента Шарля де Голля .
Многие современные художники продолжают преследоваться ужасами Второй мировой войны и призраком Холокоста. Душераздирающие инсталляции Кристиана Болтански о потерянном и анонимном особенно сильны.
(в алфавитном порядке по городу)
(в алфавитном порядке по городу)
(в алфавитном порядке по городу)
Французские слова и выражения, связанные с искусством:
Специфический
«École de Paris» — термин, введенный в обиход художественным критиком Андре Варно в 1925 году в журнале Comœdia для обозначения группы иностранных художников в Париже. École de Paris обозначает не движение или школу в академическом смысле этого слова, а исторический факт. По мнению Варно, этот термин был призван противостоять скрытой ксенофобии, а не устанавливать теоретический подход.
.jpg/1280px-Cath%C3%A9drale_Notre-Dame_-_portail_(Amiens).jpg)
.jpg/1280px-Ch%C3%A2teau_d'Anet_-_Anet_-_Eure-et-Loir_-_France_-_M%C3%A9rim%C3%A9e_PA00096955_(52).jpg)
_%C3%89glise_Saint-Jean-au-March%C3%A9_-_Int%C3%A9rieur_-_Groupe_sculpt%C3%A9_de_la_Visitation.jpg/1280px-Troyes_(10)_%C3%89glise_Saint-Jean-au-March%C3%A9_-_Int%C3%A9rieur_-_Groupe_sculpt%C3%A9_de_la_Visitation.jpg)
{{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link)