stringtranslate.com

Полихромный

1883 г. Реконструкция цветовой гаммы антаблемента дорического храма.

Полихромия — это «практика украшения архитектурных элементов, скульптуры и т. д. различными цветами». [1] Этот термин используется для обозначения определенных стилей архитектуры , керамики или скульптуры с использованием нескольких цветов.

Глядя на произведения искусства и архитектуру античности и европейского Средневековья , люди склонны считать их монохромными. На самом деле, прошлое до Ренессанса было полно красок, и все греко-римские скульптуры и готические соборы, которые сейчас белые, бежевые или серые, изначально были окрашены в яркие цвета. Как сказал Андре Мальро : «Афины никогда не были белыми, но ее статуи, лишенные цвета, обусловили художественную чувствительность Европы [...] все прошлое дошло до нас бесцветным». [2] Полихромия была и остается практикой, не ограничивающейся только западным миром . Незападные произведения искусства, такие как китайские храмы, фигурки ули из Океании или керамические вазы майя , также были украшены цветами.

Древний Ближний Восток

Подобно древнему искусству других регионов, древнее ближневосточное искусство было полихромным, часто присутствовали яркие цвета. Многие скульптуры сегодня уже не имеют своей первоначальной окраски, но все еще есть примеры, которые ее сохраняют. Одними из лучших являются ворота Иштар , восьмые ворота во внутренний город Вавилона (в районе современной Хиллы , мухафаза Бабиль , Ирак ). Они были построены примерно в 575 г. до н. э. по приказу царя Навуходоносора II на северной стороне города. Они были частью грандиозного обнесенного стеной процессионного пути, ведущего в город. Его цвета такие же насыщенные, как и в те времена, потому что стены были сделаны из глазурованного кирпича.

Многие древние ближневосточные скульптуры также были раскрашены. Хотя сегодня они серые, все ассирийские рельефы , украшавшие царские дворцы, были раскрашены в очень насыщенные цвета.

Древний Египет

Благодаря сухому климату Египта, первоначальные цвета многих древних скульптур в форме круга, рельефов, картин и различных предметов хорошо сохранились. Некоторые из наиболее хорошо сохранившихся образцов древнеегипетской архитектуры были гробницы, покрытые изнутри скульптурными рельефами, расписанными яркими цветами или просто фресками . Египетские художники в основном работали с черными, красными, желтыми, коричневыми, синими и зелеными пигментами. Эти цвета были получены из минералов, синтетических материалов ( египетский синий , египетский зеленый и фритты, используемые для изготовления стекла и керамической глазури), и черных красок на основе углерода (сажа и древесный уголь ). Большинство минералов были доступны из местных источников, таких как пигменты оксида железа (красная охра, желтая охра и умбра); белый цвет, полученный из карбоната кальция, найденного в обширных известняковых холмах Египта; а синий и зеленый из азурита и малахита .

Помимо декоративного эффекта, цвета также использовались для их символических ассоциаций. Цвета на скульптурах, гробах и архитектуре имели как эстетические, так и символические качества. Древние египтяне считали черный цвет плодородной аллювиальной почвы и поэтому ассоциировали его с плодородием и возрождением. Черный также ассоциировался с загробной жизнью и был цветом погребальных божеств, таких как Анубис . Белый был цветом чистоты, в то время как зеленый и синий ассоциировались с растительностью и омоложением. Из-за этого Осириса часто изображали с зеленой кожей, а лица гробов 26-й династии часто были зелеными. Красный, оранжевый и желтый ассоциировались с солнцем. Красный также был цветом пустынь и, следовательно, ассоциировался с Сетом и силами разрушения. [5] [6]

Позже, в течение 19 века, были проведены экспедиции, целью которых была каталогизация искусства и культуры Древнего Египта. Description de l'Égypte — это серия публикаций начала 19 века, полных иллюстраций памятников и артефактов Древнего Египта. Большинство из них черно-белые, но некоторые цветные, поэтому они могут показать полихромию прошлого. В некоторых случаях на стенах, колоннах и скульптурах сохранилось лишь несколько следов краски, но иллюстраторы успешно попытались показать на своих рисунках первоначальное состояние зданий. [7]

Классический мир

Остатки полихромии на древнегреческой ионической капители из неизвестного здания V в. до н. э. Музей Древней Агоры, Афины, Стоа Аттала

Некоторые очень ранние полихромные керамические изделия были раскопаны на минойском Крите , например, на месте бронзового века в Фесте . [9] В Древней Греции скульптуры расписывались яркими цветами. Краска часто ограничивалась частями, изображающими одежду, волосы и т. д., при этом кожа оставалась в естественном цвете камня. Но она могла покрывать скульптуры целиком. Роспись греческой скульптуры следует рассматривать не только как улучшение ее скульптурной формы, но и как характеристику особого стиля искусства. Например, недавно [ когда? ] было продемонстрировано, что фронтонные скульптуры из храма Афайи на Эгине были расписаны смелыми и сложными узорами, изображающими, среди прочих деталей, узорчатую одежду. Полихромия каменных статуй сопровождалась использованием материалов для различения кожи, одежды и других деталей в хризоэлефантиновых скульптурах , а также использованием металлов для изображения губ, сосков и т. д. на высококачественных бронзах, таких как бронзы из Риаче . Доступность современных цифровых методов и технологий позволила реконструировать и визуализировать древнюю трехмерную полихромию научно обоснованным методом, и многие проекты исследовали эти возможности в последние годы. [10]

Ранний пример полихромного декора был найден в Парфеноне на вершине Акрополя в Афинах . Однако к тому времени, когда в XVIII веке возник европейский антиквариат, краска, которая была на классических зданиях, полностью выветрилась. Таким образом, первым впечатлением антикваров и архитекторов от этих руин было то, что классическая красота выражалась только через форму и композицию, без ярких цветов, и именно это впечатление повлияло на неоклассическую архитектуру . Однако некоторые классицисты, такие как Жак Игнас Хитторфф, заметили следы краски на классической архитектуре, и это постепенно стало общепринятым. Такое принятие позже ускорилось благодаря наблюдению за мельчайшими цветовыми следами с помощью микроскопических и других средств, что позволило проводить менее предварительные реконструкции, чем Хитторфф и его современники. Пример классической греческой архитектурной полихромии можно увидеть в полноразмерной копии Парфенона, выставленной в Нэшвилле, штат Теннесси , США.

На Викискладе есть медиафайлы по теме «Полихромия в античном искусстве» .

Восточная Азия

Китайское искусство известно использованием ярких цветов. Неолитические китайские керамические сосуды, такие как те, что были произведены культурой Яншао , показывают использование черных и красных пигментов. Позже, как следствие распространения буддизма , появляются гробницы и религиозные скульптуры . Божества, наиболее распространенные в китайской буддийской скульптуре, — это формы Будды и бодхисаттвы Гуаньинь . Следы золота и ярких цветов, которыми были окрашены скульптуры, все еще дают представление об их эффекте. Во времена династий Хань и Тан полихромные керамические фигурки слуг, артистов, арендаторов и солдат помещались в гробницы людей из высшего класса. Эти фигурки производились массово в формах. Хотя китайский фарфор лучше всего известен как сине-белый, во времена династий Мин и Цин было изготовлено много красочных керамических ваз и фигурок . Во время тех же двух династий также изготавливались сосуды с перегородчатой ​​эмалью , в которых использовались медная проволока ( перегородчатые эмали ) и яркая эмаль.

Подобно тому, что происходило в Китае, введение буддизма в Японию в 538 году (или, возможно, в 552 году нашей эры) привело к производству полихромных японских буддийских скульптур. Японские религиозные образы до этого времени состояли из одноразовых глиняных фигурок, используемых для передачи молитв в духовный мир. [19]

Средневековый

На протяжении всей средневековой Европы религиозные скульптуры из дерева и других материалов часто были ярко раскрашены или окрашены, как и интерьеры церковных зданий. Они часто уничтожались или белились во время иконоборческих фаз протестантской Реформации или других беспорядков, таких как Французская революция , хотя некоторые сохранились в музеях, таких как V&A , Musée de Cluny и Louvre . Внешние части церквей также были расписаны, но мало что сохранилось. Воздействие стихий, изменение вкусов и религиозного одобрения с течением времени действовали против их сохранения. «Величественный портал» коллегиальной церкви Торо является самым обширным сохранившимся примером из-за строительства часовни, которая окружала и защищала его от стихий всего через столетие после его завершения. [23]

17-й и 18-й века

Библиотека аббатства Виблинген , Ульм , Германия, Кристиан Видеман  [sv] , 1737-1744. [31] Все элементы, которые кажутся сделанными из мрамора, на самом деле сделаны из полихромной штукатурки.

В то время как каменные и металлические скульптуры обычно оставались неокрашенными, как и классические сохранившиеся образцы, полихромные деревянные скульптуры создавались испанскими художниками: Хуаном Мартинесом Монтаньесом , Грегорио Фернандесом (XVII век); немецкими: Игнацем Гюнтером , Филиппом Якобом Штраубом (XVIII век); или бразильским: Алейжадиньо (XIX век).

Монохромные цветовые решения архитектурных ордеров были разработаны также в позднем, динамичном барокко, опираясь на идеи Борромини и Гварини. Использовалась однотонная каменная облицовка: светлый песчаник, как в случае фасада церкви иезуитов в Бамберге (Gunzelmann 2016), спроектированной Георгом и Леонардом Динценхоферами (1686–1693), фасада монастырской церкви в Михельсберге Леонарда Динценхофера (1696) и церкви аббатства в Нересхайме Й. Б. Ноймана (1747–1792). [32]

На территории современной Германии в XVIII веке братья Асам ( Эгид Квирин Асам и Космас Дамиан Асам ) проектировали церкви с волнистыми стенами, изогнутыми фронтонами и полихромией. [33] В немецкоязычном пространстве было построено несколько церквей и библиотек в стиле рококо с пастельной полихромной лепниной и колоннами. Там искусственные мраморные колонны изготавливаются из деревянных столбов, покрытых слоем полихромной штукатурки, смесью гипса , извести и пигмента . Когда эти ингредиенты смешиваются, создается однородная окрашенная паста. Чтобы добиться мраморного вида, делаются более тонкие партии более темной и более светлой пасты, так что начинают появляться прожилки. Все это грубо смешивается вручную. Когда материал затвердевает, его полируют, натирая мелкой наждачной бумагой, и таким образом этот слой полихромной штукатурки становится глянцевым и действительно реалистично имитирует мрамор. Хорошим примером этого является Библиотека аббатства Виблинген в Ульме , Германия. Искусственный мрамор, изготовленный из штукатурки, будет использоваться и в 19-м, и в начале 20-го века. Он используется только для внутренних помещений, поскольку снаружи штукатурка растворяется при контакте с водой.

В Валахии в конце XVII и начале XVIII веков в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве был популярен стиль Брынковянеск . Он назван в честь князя Константина Брынковяну , во время правления которого он был разработан. Некоторые церкви в этом стиле имеют полихромные фасады, украшенные фресками, как церковь монастыря Ставрополеос в Бухаресте , Румыния .

Вторая половина XVIII века ознаменовалась подъемом неоклассицизма , движения, которое изо всех сил пыталось возродить стили Древней Греции , Рима , этрусской цивилизации и иногда даже Египта . Во время правления Людовика XVI (1760-1789) интерьеры в стиле Людовика XVI начали украшать арабесками , вдохновленными арабесками, обнаруженными в древних домах в Помпеях и Геркулануме . Они окрашены в пастельные тона, окрашены в белый цвет с позолоченными или полихромными декоративными деталями. Парадная столовая замка Инверари в Шотландии , украшенная двумя французскими художниками, является хорошим примером полихромного интерьера в стиле Людовика XVI.

Фарфор

С появлением европейского фарфора в XVIII веке ярко окрашенные керамические фигурки с широкой цветовой гаммой стали очень популярны. Фарфор был разработан в Китае в IX веке. Его рецепт держался в секрете от других стран и был успешно скопирован только в XV веке японцами и вьетнамцами. В XVIII веке немецкие печи, наконец, поняли, как делать фарфор, начиная с алхимика Иоганна Фридриха Бёттгера и физика Эренфрида Вальтера фон Чирнгауза , которые создали первый европейский сорт в 1709 году. Мейсенская фарфоровая фабрика была основана в следующем году, и она стала ведущим европейским производителем фарфора. Позже другие печи украли рецепт или придумали свою собственную технологию производства фарфора. Другой действительно известной фабрикой была Севрская фабрика , которая производила потрясающий фарфор для французской элиты в XVIII, XIX и XX веках. [45]

19 век

По сравнению с XVIII веком, полихромия была несколько более распространена в XIX веке. Однако фасады большинства зданий оставались белыми, большинство скульптур были неокрашенными, а большая часть мебели была в тонах своих материалов. Цвета добавлялись обычно через глазурованную керамику на зданиях, различные виды камня на скульптурах и через роспись или интарсию чаще всего на мебели. Как и в XVIII веке, фарфор оставался довольно красочным, многие фигуры были похожи на живых. В отличие от их экстерьера, интерьеры многих богатых домов часто украшались буазери , лепниной и/или росписью. Как и во второй половине XVIII века, многочисленные бронзовые часы и декоративные предметы имеют два оттенка за счет позолоты и патины . Для большего цвета также добавлялись фарфоровые элементы.

Неоклассицизм

Несмотря на доказательства полихромии, обнаруженные в древнегреческой архитектуре и скульптурах, большинство неоклассических зданий имеют белые или бежевые фасады и черные металлические конструкции. Около 1840 года французский архитектор Жак Игнас Хитторфф опубликовал исследования сицилийской архитектуры, документирующие обширные свидетельства цвета. «Полемика полихромии» бушевала более десятилетия и оказалась проблемой для неоклассических архитекторов по всей Европе. [18]

Благодаря обнаружению фресок в римских городах Помпеи и Геркулануме в XVIII веке, интерьеры многих неоклассических домов XVIII и XIX веков украшены красочными фресками в помпейском стиле. Они часто имеют ярко-красный цвет, известный как «помпейский красный». Мода на помпейский стиль живописи привела к тому, что комнаты были отделаны яркими цветовыми блоками. Примерами могут служить Помпейская комната из зала Хинкстон в Кембриджшире , Помпейский зал в Ашаффенбурге , спальня императрицы Жозефины из замка Мальмезон и ванна Наполеона в замке Рамбуйе . К началу XIX века художники также смогли создавать эффекты мраморности и зернистости, имитирующие дерево.

максимализм 19 века

«Больше значит больше» — эстетический принцип, которому следовали в викторианскую эпоху. Максимализм присутствует во многих типах дизайна викторианской эпохи, таких как керамика, мебель, столовые приборы, посуда, мода, архитектура, книжная иллюстрация, часы и т. д. Несмотря на аппетит к орнаментации, многие из них остаются украшенными всего несколькими цветами, особенно мебель. Керамика была областью, где полихромия была широко распространена. Помимо предметов, полихромная керамика также присутствовала в архитектуре и некоторых предметах мебели и архитектуры через плитку.

Объекты и здания 19 века, показанные в галереях этой страницы, без сомнения, впечатляют. Сегодня мы восхищаемся их орнаментами, цветами и стилями. Однако вплоть до 1960-х годов, с подъемом постмодернизма , когда люди начали подвергать сомнению модернизм и начали ценить вещи из домодернистского прошлого, вердикт викторианских проектов был нехорошим. В начале 20 века и даже когда они были созданы, некоторые описывали викторианскую эпоху как эпоху, которая предоставила нам некоторые из самых уродливых объектов, которые когда-либо были созданы. Такие описания, как «эстетические чудовища» или «декоративные мерзости», были в ходу в то время, и становилось только хуже. В конце XIX века Марк-Луи Солон (1835-1913), известный дизайнер керамики, работавший в Minton and Company, нередко отмечал, что этот период «несет на себе печать абсолютного дурного вкуса». [51] Со временем негативные мнения только усиливались. Архитекторы-пионеры Mondern Адольф Лоос и Ле Корбюзье считали, что такие работы не просто плохи, они настолько оскорбительны, что их следовало бы объявить незаконными. [52]

Полихромная кирпичная кладка

Полихромная кирпичная кладка — это стиль архитектурной кирпичной кладки, который появился в 1860-х годах и использовал кирпичи разных цветов (коричневый, кремовый, желтый, красный, синий и черный) в узорчатых комбинациях для выделения архитектурных особенностей. Эти узоры делались вокруг оконных арок или просто наносились на стены. Он часто использовался для воспроизведения эффекта угловой кладки . Ранние образцы характеризовались полосами, а более поздние образцы демонстрировали сложные диагональные, крестообразные и ступенчатые узоры, в некоторых случаях даже надписи с использованием кирпичей. [55] Элементы глазурованной керамики с деталями также использовались для более сложных орнаментов.

Стиль румынского возрождения

В Королевстве Румыния стиль румынского возрождения появился в конце 19-го века. Это румынский эквивалент национального романтического стиля , который был популярен в то же время в Северной Европе . Движение во многом вдохновлено архитектурой Брынковенец , стилем, который был популярен в Валахии в конце 17-го и начале 18-го веков. Интерьеры домов в этом стиле, построенных до Первой мировой войны, часто украшаются разнообразными яркими цветами. В случае нескольких зданий полихромия распространяется и на внешнюю часть за счет использования цветной глазурованной керамической плитки. Стиль стал более популярным в 20-м веке. Дом румынского возрождения, который выделяется своим разнообразием цветов, — это дом Георге Петрашку ( Piața Romană no. 5) в Бухаресте , архитектор Спиру Чегэняну, 1912 [59]

20 век

В двадцатом веке были заметные периоды полихромии в архитектуре, от проявлений ар-нуво по всей Европе, до международного расцвета ар-деко или ар-модерна, и развития постмодернизма в последние десятилетия века. В эти периоды кирпичная кладка, камень, плитка, штукатурка и металлические фасады проектировались с акцентом на использование новых цветов и узоров, в то время как архитекторы часто искали вдохновение в исторических примерах, начиная от исламской плитки и заканчивая английским викторианским кирпичом.

До Первой мировой войны

В начале 20-го века, до мировых войн, Возрождение (включая неоклассицизм и готическое возрождение ) и эклектика исторических стилей были очень популярны в дизайне и архитектуре. Многое из того, что говорят о 19-м веке, все еще относится к этому периоду. Многие здания этого периода имеют интерьеры, украшенные цветами, с помощью плитки, мозаики, лепнины или фресок. Что касается экстерьера, большинство полихромных фасадов украшены керамической плиткой.

Ар-нуво также был в моде в 1900-х годах по всему западному миру . Однако к 1911 году он распался на части и с тех пор неуклонно угасал, пока не исчез с Первой мировой войной. Фасады некоторых обычных зданий в стиле модерн украшены красочными глазурованными керамическими орнаментами. Используемые цвета часто более землистые и блеклые по сравнению с интенсивными, используемыми неоклассицизмом. По сравнению с другими движениями в дизайне и архитектуре, ар-нуво был одним из разных направлений в разных странах. Бельгийская и французская форма характеризуется органическими формами, орнаментами, взятыми из растительного мира, извилистыми линиями, асимметрией (особенно когда речь идет о дизайне объектов), мотивом хлыста , роковой женщиной и другими элементами природы. В Австрии, Германии и Великобритании он принял более стилизованную геометрическую форму как форму протеста против возрождения и эклектики. Геометрические орнаменты, которые можно найти на картинах Густава Климта и в мебели Коломана Мозера, являются представителями Венского сецессиона (австрийского модерна). В некоторых странах художники черпали вдохновение в национальных традициях и фольклоре. Например, в Великобритании многие серебряных дел мастера использовали переплетения, взятые из кельтского искусства . Аналогичным образом венгерские, русские и украинские архитекторы использовали полихромные фольклорные мотивы на своих зданиях, как правило, с помощью красочных керамических орнаментов.

Modernism

During the interwar period and the middle of the 20th century, Modernism was in fashion. To Modernists, form was more important than ornament, so solid blocks of strong colour were often used to emphasize shape and create contrast. Primary colours and black and white were preferred. This is really the case of the Dutch De Stijl movement, which began in 1917. The style involved reducing an object (whether a painting or a design) to its essentials, using only black, white and primary colours, and a simple geometry of straight lines and planes. Gerrit Rietveld's Red and Blue Chair (1917-1918) and Rietveld Schröder House in Utrecht (1924) show this use of colour. Polychromy in Modernist design was not limited to De Stijl. The Unité d'habitation, a residential housing typology developed by Le Corbusier, has some flat colourful parts.

Some Art Deco objects, buildings and interiors stand out through their polychromy and use of intense colours. Fauvism, with its highly saturated colours, like the paintings of Henri Matisse, was an influence for some Art Deco designers. Another influence for polychromy were the Ballets Russes. Leon Bakst's stage designs filled Parisian artistic circles with enthusiasm for bright colours.[72]

Despite their lack of ornamentation, multiple Mid-century modern designs, like Lucienne Day's textiles, Charles and Ray Eames's Hang-It-All coat hanger (1953), or Irving Harper's Marshmallow sofa (1956), are decorated with colours. Aside from individual objects, mid-century modern interiors were also quite colourful. This was also caused by the fact that after WW2, plastics became increasingly popular as a material for kitchenware and kitchen units, light fixtures, electrical appliances and toys, and by the fact that plastic could be produced in a wide range of colours, from jade green to red.[73]

Postmodernism

The use of vivid colours continued with Postmodernism, in the 1970s, 1980s and 1990s. Compared to Mid-century modern objects, which often had intense colours but were monochrome, Postmodern design and architecture stand out through the use of a variety of colours on single objects or buildings. Postmodern architects working with bold colors included Robert Venturi (Allen Memorial Art Museum addition; Best Company Warehouse), Michael Graves (Snyderman House; Humana Building), and James Stirling (Neue Staatsgalerie; Arthur M. Sackler Museum), among others. In the UK, John Outram created numerous bright and colourful buildings throughout the 1980s and 90s, including the "Temple of Storms" pumping station. Aside from architecture, bright colours were present on everything, from furniture to textiles and posters. Neon greens and yellows were popular in product design, as were fluorescent tones of scarlet, pink, and orange used together. Injection-moulded plastics gave designers new creative freedom, making it possible to mass produce almost any shape (and colour) quickly and cheaply.[82]

An artist well known for her polychrome artworks is Niki de Saint Phalle, who produced many sculptures painted in bold colours. She devoted the later decades of her life to building a live-in sculpture park in Tuscany, the Tarot Garden, with artworks covered in vibrant colourful mosaics.[83]

United States

Polychrome building facades later rose in popularity as a way of highlighting certain trim features in Victorian and Queen Anne architecture in the United States. The rise of the modern paint industry following the American Civil War also helped to fuel the (sometimes extravagant) use of multiple colors.

Early 20th Century polychrome pediment, Philadelphia Museum of Art (1928)
Water pot, Acoma Pueblo, c. 1889-1903, earthenware decorated with slip - De Young Museum

The polychrome facade style faded with the rise of the 20th century's revival movements, which stressed classical colors applied in restrained fashion and, more importantly, with the birth of modernism, which advocated clean, unornamented facades rendered in white stucco or paint. Polychromy reappeared with the flourishing of the preservation movement and its embrace of (what had previously been seen as) the excesses of the Victorian era and in San Francisco, California in the 1970s to describe its abundant late-nineteenth-century houses. These earned the endearment 'Painted Ladies', a term that in modern times is considered kitsch when it is applied to describe all Victorian houses that have been painted with period colors.

John Joseph Earley (1881–1945) developed a "polychrome" process of concrete slab construction and ornamentation that was admired across America. In the Washington, D.C. metropolitan area, his products graced a variety of buildings — all formed by the staff of the Earley Studio in Rosslyn, Virginia. Earley's Polychrome Historic District houses in Silver Spring, Maryland were built in the mid-1930s. The concrete panels were pre-cast with colorful stones and shipped to the lot for on-site assembly. Earley wanted to develop a higher standard of affordable housing after the Depression, but only a handful of the houses were built before he died; written records of his concrete casting techniques were destroyed in a fire. Less well-known, but just as impressive, is the Dr. Fealy Polychrome House that Earley built atop a hill in Southeast Washington, D.C. overlooking the city. His uniquely designed polychrome houses were outstanding among prefabricated houses in the country, appreciated for their Art Deco ornament and superb craftsmanship.

Native American ceramic artists, in particular those in the Southwest, produced polychrome pottery from the time of the Mogollon cultures and Mimbres peoples to contemporary times.[93]

21st century

In the 2000s, the art of designing art toys was taking off. Multiple monochrome or polychrome vinyl figurines were produced during this period, and are still produced during the 2020s. A few artists who designed vinyl toys include Joe Ledbetter, Takashi Murakami, Flying Förtress, and CoonOne1.

During the 2010s and the early 2020s, a new interest for Postmodern architecture and design appeared. One of the causes were memorial exhibitions that presented the style, the most comprehensive and influential one being held at the Victoria & Albert Museum in London in 2011, called Postmodernism: Style and Subversion, 1975-1990. The Salone del Mobile in Milan since 2014 showcased revivals, reinterpretations, and new postmodern-influenced designs.[94] Because of this, multiple funky polychrome buildings were erected, like the House for Essex, Wrabness, Essex, the UK, by FAT and Grayson Perry, 2014[95] or the Miami Museum Garage, Miami, USA, by WORKac, 2018.[96]

Besides revivals of Postmodernism, another key design movement of the early 2020s is Maximalism. Since its philosophy can be summarized as "more is more", contrasting with the minimalist motto "less is more", it is characterized by a wide use of intense colours and patterns.

Polychromatic light

The term polychromatic means having several colors. It is used to describe light that exhibits more than one color, which also means that it contains radiation of more than one wavelength. The study of polychromatics is particularly useful in the production of diffraction gratings.

See also

Notes

  1. ^ Harris, Cyril M., ed. Illustrated Dictionary of Historic Architecture, Dover Publications, New York, c. 1977, 1983 edition
  2. ^ Vinzenz Brinkmann, Renée Dreyfus, Ulrike Koch-Brinkmann, John Camp, Heinrich Piening, Oliver Primavesi (2017). GODS IN COLOR Polychromy in the Ancient World. Fine Arts Museums of San Francisco and DelMonico Books. p. 65. ISBN 978-3-7913-5707-2.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
  3. ^ van Lemmen, Hans (2013). 5000 Years of Tiles. The British Museum Press. p. 17. ISBN 978-0-7141-5099-4.
  4. ^ Fortenberry 2017, p. 6.
  5. ^ Vinzenz Brinkmann, Renée Dreyfus, Ulrike Koch-Brinkmann, John Camp, Heinrich Piening, Oliver Primavesi (2017). GODS IN COLOR Polychromy in the Ancient World. Fine Arts Museums of San Francisco and DelMonico Books. p. 62 & 63. ISBN 978-3-7913-5707-2.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
  6. ^ Wilkinson, Toby (2008). Dictionary of ANCIENT EGYPT. Thames and Hudson. p. 55. ISBN 978-0-500-20396-5.
  7. ^ Rose Marie, Rainer Hagen (2022). EGYPT - People Gods Pharaohs. Taschen. p. 242. ISBN 978-3-8365-2054-6.
  8. ^ "temple-relief". britishmuseum.org. Retrieved May 1, 2023.
  9. ^ C. Michael Hogan, Knossos Fieldnotes, The Modern Antiquarian (2007)
  10. ^ Siotto, Eliana; Cignoni, Paolo (July 1, 2024). "Digital methods and techniques for reconstructing and visualizing ancient 3D polychromy – An overview". Journal of Cultural Heritage. 68: 59–85. doi:10.1016/j.culher.2024.05.002. ISSN 1296-2074.
  11. ^ Jones 2014, p. 37.
  12. ^ Fortenberry 2017, p. 40.
  13. ^ Bernard Holtzmann, Alain Pasquier (2011). Historie de l'Art Antique - L'Art Grec (in French). Ecole du Louvre. p. 220. ISBN 978-2-7118-5905-4.
  14. ^ Psarra, I. "Ministry of Culture and Sports: Mieza, the so-called Macedonian Tomb of the Palmettes". odysseus.culture.gr. Archived from the original on June 3, 2020. Retrieved April 14, 2019.
  15. ^ Vinzenz Brinkmann, Renée Dreyfus, Ulrike Koch-Brinkmann, John Camp, Heinrich Piening, Oliver Primavesi (2017). GODS IN COLOR Polychromy in the Ancient World. Fine Arts Museums of San Francisco and DelMonico Books. p. 144. ISBN 978-3-7913-5707-2.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
  16. ^ Virginia, L. Campbell (2017). Ancient Room - Pocket Museum. Thames & Hudson. p. 199. ISBN 978-0-500-51959-2.
  17. ^ Virginia, L. Campbell (2017). Ancient Room - Pocket Museum. Thames & Hudson. p. 199. ISBN 978-0-500-51959-2.
  18. ^ a b Bergdoll 2000, pp. 176.
  19. ^ Fortenberry 2017, p. 75, 76, 87, 93.
  20. ^ Fortenberry 2017, p. 75.
  21. ^ Fortenberry 2017, p. 76.
  22. ^ "Figure". britishmuseum.org. Retrieved September 17, 2023.
  23. ^ Katz, Melissa R. Architectural Polychromy and the Painters' Trade in Medieval Spain. Gesta. Vol. 41, No. 1, Artistic Identity in the Late Middle Ages (2002), pp. 3–14
  24. ^ Benton, Janetta Rebold (2022). The History of Western Art. Thames & Hudson. p. 60. ISBN 978-0-500-29665-3.
  25. ^ Benton, Janetta Rebold (2022). The History of Western Art. Thames & Hudson. p. 61. ISBN 978-0-500-29665-3.
  26. ^ Melvin, Jeremy (2006). …isme Să Înțelegem Stilurile Arhitecturale (in Romanian). p. 39. ISBN 973-717-075-X.
  27. ^ Fortenberry 2017, p. 150.
  28. ^ Fortenberry 2017, p. 154.
  29. ^ Irving, Mark (2019). 1001 BUILDINGS You Must See Before You Die. Cassel Illustrated. p. 108. ISBN 978-1-78840-176-0.
  30. ^ Hubert Faensen, Vladimir Ivanov (1981). Arhitectura Rusă Veche (in Romanian). Editura Meridiane.
  31. ^ Listri, Massimo (2020). The World's Most Beautiful Libraries. Taschen. p. 346. ISBN 978-3-8365-3524-3.
  32. ^ Ludwig, Bogna. 2022. The Polychrome in Expression of Baroque Façade Architecture. Arts 11: 113. https://doi.org/10.3390/arts 11060113
  33. ^ Glancey, Jonathan (2017). Architecture - A Visual Guide. DK. p. 257. ISBN 978-0-2412-8843-6.
  34. ^ Rosenberg, Sandrine (2019). Château de Versailles - Petit Inventaire Ludique et Spectaculaire de «La Plus Belle Maison du Monde» (in French). Chêne. p. 62. ISBN 978-2-81230-351-7.
  35. ^ Martin, Henry (1927). Le Style Louis XIV (in French). Flammarion. p. 31.
  36. ^ Listri, Massimo (2020). The World's Most Beautiful Libraries. Taschen. p. 338. ISBN 978-3-8365-3524-3.
  37. ^ Florea, Vasile (2016). Arta Românească de la Origini până în Prezent (in Romanian). Litera. p. 244. ISBN 978-606-33-1053-9.
  38. ^ "Terme : l'Eté sous les traits de Cérès". collections.louvre.fr (in French). Retrieved June 11, 2023.
  39. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 331. ISBN 978-1-52942-030-2.
  40. ^ Borngässer, Barbara (2020). POTSDAM - Art, Architecture abd Landscape. Vista Point. p. 94. ISBN 978-3-96141-579-3.
  41. ^ Jones 2014, p. 238.
  42. ^ Honour, Hugh; Fleming, John (2009). A World History of Art - Revised Seventh Edition. Laurence King. p. 619. ISBN 978-1-85669-584-8.
  43. ^ "Kina slott, Drottningholm". www.sfv.se. National Property Board of Sweden. Archived from the original on August 6, 2014. Retrieved August 2, 2014.
  44. ^ "Ground Floor". inveraray-castle.com. Retrieved April 23, 2023.
  45. ^ Andrew, Graham-Dixon (2023). art - The Definitive Visual History. Dorling Kindersley Limited. p. 251. ISBN 978-0-2416-2903-1.
  46. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 503. ISBN 978-1-52942-030-2.
  47. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 509. ISBN 978-1-52942-030-2.
  48. ^ Irving, Mark (2019). 1001 BUILDINGS You Must See Before You Die. Cassel Illustrated. p. 315. ISBN 978-1-78840-176-0.
  49. ^ "PAIRE DE VASES « FUSEAU »". amisdulouvre.fr. Retrieved May 10, 2023.
  50. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 443. ISBN 978-1-52942-030-2.
  51. ^ Greenhalgh, Paul (2021). Ceramic - Art and Civilisation. Bloomsbury. p. 296. ISBN 978-1-4742-3970-7.
  52. ^ Greenhalgh, Paul (2021). Ceramic - Art and Civilisation. Bloomsbury. p. 287, 288, 296. ISBN 978-1-4742-3970-7.
  53. ^ Bresc-Bautier, Geneviève (2008). The Louvre, a Tale of a Palace. Musée du Louvre Éditions. p. 122. ISBN 978-2-7572-0177-0.
  54. ^ Bresc-Bautier, Geneviève (2008). The Louvre, a Tale of a Palace. Musée du Louvre Éditions. p. 122. ISBN 978-2-7572-0177-0.
  55. ^ O'Brien, Charles (2017). Houses - An Architectural Guide. PEVSNER. p. 134, 138, 139. ISBN 9780300233421.
  56. ^ Jones 2014, p. 286.
  57. ^ O'Brien, Charles (2017). Houses - An Architectural Guide. PEVSNER. p. 139. ISBN 9780300233421.
  58. ^ "Maison". pop.culture.gouv.fr. Retrieved September 15, 2023.
  59. ^ Mariana Celac, Octavian Carabela and Marius Marcu-Lapadat (2017). Bucharest Architecture - an annotated guide. Ordinul Arhitecților din România. p. 80. ISBN 978-973-0-23884-6.
  60. ^ "Arh. Ion Socolescu". ionsocolescu.blogspot.com. Retrieved April 30, 2023.
  61. ^ Mariana Celac, Octavian Carabela and Marius Marcu-Lapadat (2017). Bucharest Architecture - an annotated guide. Ordinul Arhitecților din România. p. 90. ISBN 978-973-0-23884-6.
  62. ^ Mariana Celac, Octavian Carabela and Marius Marcu-Lapadat (2017). Bucharest Architecture - an annotated guide. Ordinul Arhitecților din România. p. 80. ISBN 978-973-0-23884-6.
  63. ^ Mariana Celac, Octavian Carabela and Marius Marcu-Lapadat (2017). Bucharest Architecture - an annotated guide. Ordinul Arhitecților din România. p. 80. ISBN 978-973-0-23884-6.
  64. ^ "Boulangerie". pop.culture.gouv.fr. Retrieved September 17, 2023.
  65. ^ Duncan 1994, p. 43.
  66. ^ Greenhalgh, Paul (2019). Ceramic - Art and Civilization. Bloomsbury. p. 323. ISBN 978-1-4742-3970-7.
  67. ^ "Maison". pop.culture.gouv.fr. Retrieved May 15, 2023.
  68. ^ "Immeuble Les Chardons". pop.culture.gouv.fr. Retrieved April 10, 2022.
  69. ^ Treasures of Ukraine - A Nation's Cultural Heritage. Thames & Hudson. 2022. p. 168. ISBN 978-0-500-02603-8.
  70. ^ Wilhide, Elizabeth (2022). Design - The Whole Story. Thames & Hudson. p. 105. ISBN 978-0-500-29687-5.
  71. ^ Marinache, Oana (2015). Ernest Donaud - visul liniei (in Romanian). Editura Istoria Artei. p. 79. ISBN 978-606-94042-8-7.
  72. ^ Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. p. 68, 72. ISBN 978-973-1872-03-2.
  73. ^ The Definitive Visual History of Design. DK Limited. 2015. p. 167, 172, 215, 223, 233. ISBN 978-0-2411-8565-0.
  74. ^ van Lemmen, Hans (2013). 5000 Years of Tiles. The British Museum Press. p. 238. ISBN 978-0-7141-5099-4.
  75. ^ Texier, Simon (2022). Architectures Art Déco - Paris et Environs - 100 Bâtiments Remarquable. Parigramme. p. 37. ISBN 978-2-37395-136-3.
  76. ^ Criticos, Mihaela (2022). București Oraș Art Deco (in Romanian and English). igloomedia. p. 183. ISBN 978-606-8026-90-9.
  77. ^ Criticos, Mihaela (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - Art Deco or Well-Tempered Modernism (in Romanian and English). SIMETRIA. p. 227. ISBN 978-973-1872-03-2.
  78. ^ Glancey, Jonathan (2017). Architecture - A Visual Guide. DK. p. 376. ISBN 978-0-2412-8843-6.
  79. ^ The Definitive Visual History of Design. DK Limited. 2015. p. 215. ISBN 978-0-2411-8565-0.
  80. ^ Banks, Grace (2022). Art Escapes - Hidden Art Experiences Outside the Museum. gestalten. p. 19. ISBN 978-3-96704-052-4.
  81. ^ van Lemmen, Hans (2013). 5000 Years of Tiles. The British Museum Press. p. 256. ISBN 978-0-7141-5099-4.
  82. ^ The Definitive Visual History of Design. DK Limited. 2015. p. 260, 261. ISBN 978-0-2411-8565-0.
  83. ^ Hessel, Katy (2022). The Story off Art without Men. Penguin Random House. p. 305. ISBN 9781529151145.
  84. ^ Fiell, Charlotte & Peter (2023). Design of the 20th Century. Taschen. p. 468. ISBN 978-3-8365-4106-0.
  85. ^ Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 53. ISBN 978-0-500-51914-1.
  86. ^ Hall, William (2019). Stone. Phaidon. p. 79. ISBN 978-0-7148-7925-3.
  87. ^ Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 121. ISBN 978-0-500-51914-1.
  88. ^ Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 121. ISBN 978-0-500-51914-1.
  89. ^ Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 141. ISBN 978-0-500-51914-1.
  90. ^ Lizzie Crook (February 14, 2020). "Less is a Bore book celebrates "postmodern architecture in all its forms"". dezeen.com. Retrieved June 25, 2023.
  91. ^ Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 120. ISBN 978-0-500-51914-1.
  92. ^ Lizzie Crook (February 14, 2020). "Less is a Bore book celebrates "postmodern architecture in all its forms"". dezeen.com. Retrieved June 25, 2023.
  93. ^ Center for New Mexico Archaeology. "The Classification System". Office of Archaeological Studies, Pottery Typology Project. Retrieved December 23, 2020.
  94. ^ Gura, Judith (2017). Postmodern Design Complete. Thames & Hudson. p. 439. ISBN 978-0-500-51914-1.
  95. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 722. ISBN 978-1-52942-030-2.
  96. ^ Galilee, Beatrice (2021). radical architecturre of the future. Phaidon. p. 192. ISBN 978-1-83866-123-6.
  97. ^ Irving, Mark (2019). 1001 BUILDINGS You Must See Before You Die. Cassel Illustrated. p. 875. ISBN 978-1-78840-176-0.
  98. ^ Galilee, Beatrice (2021). radical architecturre of the future. Phaidon. p. 30. ISBN 978-1-83866-123-6.
  99. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 722. ISBN 978-1-52942-030-2.
  100. ^ Architizer The World's Best Architecture. Phaidon. 2020. p. 191. ISBN 978-1-83866-066-6.
  101. ^ Galilee, Beatrice (2021). radical architecturre of the future. Phaidon. p. 192. ISBN 978-1-83866-123-6.
  102. ^ Watkin, David (2022). A History of Western Architecture. Laurence King. p. 722. ISBN 978-1-52942-030-2.
  103. ^ Benton, Janetta Rebold (2022). The History of Western Art. Thames & Hudson. p. 167. ISBN 978-0-500-29665-3.
  104. ^ Architizer The World's Best Architecture. Monacelli. 2021. p. 187. ISBN 978-1-58093-591-3.

References

External links