stringtranslate.com

Барокко

Барокко ( Великобритания : / bə ˈ r ɒ k / bə- ROK , США : / - ˈ r oʊ k / -⁠ ROHK ; франц.: [baʁɔk] ) — западный стиль архитектуры , музыки , танца , живописи , скульптуры , поэзии и других искусств, который процветал с начала 17 века до 1750-х годов. [1] Он последовал за искусством Возрождения и маньеризмом и предшествовал стилям рококо (в прошлом часто называемому «поздним барокко») и неоклассицизму . Он поощрялся католической церковью как средство противодействия простоте и строгости протестантской архитектуры, искусства и музыки, хотя лютеранское барочное искусство также развивалось в некоторых частях Европы. [2]

Стиль барокко использовал контраст, движение, обильные детали, глубокий цвет, величие и неожиданность, чтобы достичь чувства благоговения. Стиль зародился в начале XVII века в Риме, затем быстро распространился на остальную часть Италии, Францию, Испанию и Португалию, затем на Австрию, южную Германию и Польшу. К 1730-м годам он превратился в еще более яркий стиль, называемый рокайль или рококо , который появился во Франции и Центральной Европе до середины-конца XVIII века. На территориях Испанской и Португальской империй, включая Пиренейский полуостров, он продолжался вместе с новыми стилями до первого десятилетия XIX века.

В декоративном искусстве стиль использует обильную и сложную орнаментацию. Отход от классицизма эпохи Возрождения имеет свои собственные пути в каждой стране. Но общей чертой является то, что везде отправной точкой являются орнаментальные элементы, введенные эпохой Возрождения . Классический репертуар переполнен, плотен, перекрывается, нагружается, чтобы вызвать шокирующие эффекты. Новые мотивы, введенные барокко, это: картуш , трофеи и оружие, корзины с фруктами или цветами и другие, выполненные в технике маркетри , лепнины или резьбы. [3]

Происхождение слова

Подвеска в виде сирены , выполненная из барочной жемчужины (торс) с эмалированными золотыми оправами, инкрустированными рубинами, вероятно , около  1860 года , в Метрополитен-музее (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк).

Английское слово baroque происходит напрямую от французского . Некоторые ученые утверждают, что французское слово произошло от португальского термина barroco 'испорченная жемчужина', указывая на латинское verruca 'бородавка', [4] или на слово с романским суффиксом -ǒccu (распространенным в доримской Иберии ). [5] [6] Другие источники предполагают, что средневековый латинский термин, используемый в логике, baroco , является наиболее вероятным источником. [7]

В XVI веке средневековое латинское слово baroco вышло за рамки схоластической логики и вошло в употребление для характеристики всего, что казалось абсурдно сложным. Французский философ Мишель де Монтень (1533–1592) помог придать термину baroco (написанному им как Barroco ) значение «причудливый, бесполезно сложный». [8] Другие ранние источники связывают baroco с магией, сложностью, путаницей и излишеством. [7]

Слово baroque также ассоциировалось с неровными жемчужинами до XVIII века. Французское baroque и португальское barroco были терминами, часто связанными с ювелирными изделиями. Пример из 1531 года использует термин для описания жемчуга в описи сокровищ Карла V Французского . [9] Позже слово появляется в издании Le Dictionnaire de l'Académie Française 1694 года , где барокко описывается как «используемое только для жемчужин, которые несовершенно круглые». [10] Португальский словарь 1728 года аналогичным образом описывает barroco как относящееся к «грубому и неровному жемчугу». [11]

Альтернативное происхождение слова «барокко» указывает на имя итальянского художника Федерико Бароччи (1528–1612). [12]

В XVIII веке этот термин стал использоваться для описания музыки, и не в лестном смысле. В анонимном сатирическом обзоре премьеры оперы Жана-Филиппа Рамо « Ипполит и Арисия» в октябре 1733 года, напечатанной в « Mercure de France» в мае 1734 года, критик писал, что новизна этой оперы была « du barocque », жалуясь на то, что музыке не хватало связной мелодии, она была беспощадна к диссонансам, постоянно меняла тональность и метр и быстро пробегала все композиционные приемы. [13]

В 1762 году Le Dictionnaire de l'Académie Française зафиксировало, что этот термин может образно описывать что-то «неправильное, причудливое или неравное». [14]

Жан-Жак Руссо , который был музыкантом, композитором и философом, писал в « Энциклопедии» в 1768 году: «Музыка барокко — это музыка, в которой гармония запутана и перегружена модуляциями и диссонансами. Пение резкое и неестественное, интонация трудная, а движение ограниченное. Похоже, этот термин происходит от слова «baroco», используемого логиками». [8] [15]

В 1788 году Катрмер де Кенси в «Методической энциклопедии» определил этот термин как «архитектурный стиль, который отличается крайней изысканностью и мучительностью» [16] .

Французские термины style baroque и musique baroque появились в Le Dictionnaire de l'Académie Française в 1835 году. [17] К середине 19 века критики и историки искусства приняли термин baroque как способ высмеять искусство эпохи Возрождения. Именно такой смысл вкладывал в это слово в 1855 году ведущий историк искусства Якоб Буркхардт , который писал, что художники эпохи барокко «презирали и злоупотребляли деталями», потому что им не хватало «уважения к традициям». [18]

В 1888 году историк искусства Генрих Вёльфлин опубликовал первую серьезную академическую работу о стиле «Ренессанс и барокко» , в которой описывались различия между живописью, скульптурой и архитектурой Ренессанса и барокко. [19]

Архитектура: истоки и особенности

Квадратура или потолок-тромплей церкви Джезу в Риме, работа Джованни Баттиста Гаулли , 1673–1678 гг . [20]

Стиль барокко в архитектуре возник в результате доктрин, принятых католической церковью на Тридентском соборе в 1545–1563 годах в ответ на протестантскую Реформацию . Первая фаза Контрреформации навязала строгий академический стиль религиозной архитектуре, который был обращен к интеллектуалам, но не к массе прихожан. Тридентский собор решил вместо этого обратиться к более широкой аудитории и заявил, что искусство должно передавать религиозные темы с прямым и эмоциональным вовлечением. [21] [22] Аналогичным образом, лютеранское барочное искусство развивалось как конфессиональный маркер идентичности в ответ на Великое иконоборчество кальвинистов . [ 23]

Церкви в стиле барокко были спроектированы с большим центральным пространством, где верующие могли находиться близко к алтарю, с куполом или главкой высоко над головой, позволяя свету освещать церковь внизу. Купол был одной из центральных символических черт архитектуры барокко, иллюстрирующей союз между небесами и землей. Внутренняя часть купола была щедро украшена картинами ангелов и святых, а также лепными статуэтками ангелов, создавая у тех, кто внизу, впечатление, что они смотрят на небеса. [24] Еще одной особенностью церквей в стиле барокко являются квадратуры ; картины -обманки на потолке в лепных рамах, как настоящих, так и нарисованных, переполненные картинами святых и ангелов и соединенные архитектурными деталями с балюстрадами и консолями. Картины квадратуры атлантов под карнизами, по-видимому, поддерживают потолок церкви. В отличие от расписных потолков Микеланджело в Сикстинской капелле , на которых были изображены различные сцены, каждая из которых имела свою перспективу, и которые можно было рассматривать по одной, росписи потолков в стиле барокко создавались с особой тщательностью, чтобы зритель, сидящий на полу церкви, мог видеть весь потолок в правильной перспективе, как будто фигуры были реальными.

Интерьеры барочных церквей становились все более и более богато украшенными в Высоком барокко и сосредотачивались вокруг алтаря, обычно помещавшегося под куполом. Наиболее знаменитыми декоративными работами Высокого барокко являются Кафедра Святого Петра (1647–1653) и Балдахин Святого Петра (1623–1634), оба Джан Лоренцо Бернини , в соборе Святого Петра в Риме. Балдахин Святого Петра является примером баланса противоположностей в искусстве барокко; гигантские пропорции произведения с кажущейся легкостью балдахина; и контраст между массивными витыми колоннами, бронзой, золотом и мрамором произведения с струящимися драпировками ангелов на балдахине. [25] Дрезденская Фрауэнкирхе является ярким примером лютеранского барочного искусства, строительство которой было завершено в 1743 году по заказу лютеранского городского совета Дрездена и «сравнивалось наблюдателями восемнадцатого века с собором Святого Петра в Риме». [2]

Витая колонна в интерьере церквей является одной из характерных черт барокко. Она дает как ощущение движения, так и новый драматический способ отражения света.

Картуш был еще одной характерной чертой декора в стиле барокко. Это были большие пластины , вырезанные из мрамора или камня, обычно овальные и с округлой поверхностью, которые несли изображения или текст позолоченными буквами, и размещались в качестве внутреннего украшения или над дверными проемами зданий, передавая сообщения тем, кто находился внизу. Они демонстрировали широкий спектр изобретений и были найдены во всех типах зданий, от соборов и дворцов до небольших часовен. [26]

Архитекторы эпохи барокко иногда использовали принудительную перспективу для создания иллюзий. Для Палаццо Спада в Риме Франческо Борромини использовал колонны уменьшающегося размера, сужающийся пол и миниатюрную статую в саду за ним, чтобы создать иллюзию, что проход длиной тридцать метров, когда на самом деле он был всего семь метров. Статуя в конце прохода кажется в натуральную величину, хотя ее высота всего шестьдесят сантиметров. Борромини разработал иллюзию с помощью математика.

Итальянское барокко

Первым зданием в Риме с фасадом в стиле барокко была церковь Джезу в 1584 году; она была простой по стандартам позднего барокко, но знаменовала разрыв с традиционными фасадами эпохи Возрождения, которые ей предшествовали. Интерьер этой церкви оставался очень строгим до эпохи высокого барокко, когда он был щедро украшен.

В Риме в 1605 году Павел V стал первым из ряда пап , которые заказали базилики и церковные здания, призванные вызывать эмоции и благоговение посредством умножения форм, богатства цветов и драматических эффектов. [31] Среди наиболее влиятельных памятников раннего барокко были фасад собора Святого Петра (1606–1619), а также новый неф и лоджия, которые соединили фасад с куполом Микеланджело в более ранней церкви. Новый дизайн создал драматический контраст между парящим куполом и непропорционально широким фасадом, а также контраст на самом фасаде между дорическими колоннами и огромной массой портика. [32]

В середине-конце XVII века стиль достиг своего пика, позже названного Высоким барокко. Многие монументальные работы были заказаны Папами Урбаном VIII и Александром VII . Скульптор и архитектор Джан Лоренцо Бернини спроектировал новую четверную колоннаду вокруг площади Святого Петра (1656-1667). Три галереи колонн в гигантском эллипсе уравновешивают огромный купол и придают церкви и площади единство и ощущение гигантского театра. [33]

Другим крупным новатором итальянского высокого барокко был Франческо Борромини , чьей главной работой была церковь Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане или Святого Карла Четырех Фонтанов (1634–1646). Ощущение движения создается не декором, а самими стенами, которые волнообразны, и вогнутыми и выпуклыми элементами, включая овальную башню и балкон, вставленный в вогнутую траверсу. Интерьер был столь же революционным; основное пространство церкви было овальным, под овальным куполом. [33]

Расписные потолки, переполненные ангелами и святыми, а также архитектурные эффекты trompe-l'œil, были важной чертой итальянского высокого барокко. Среди основных работ — «Вход святого Игнатия в рай» Андреа Поццо (1685–1695) в церкви Сант-Игнацио в Риме и « Триумф имени Иисуса» Джованни Баттисты Гаулли в церкви Джезу в Риме (1669–1683), в которой фигурки выплескивались из рамы картины, а также драматическое косое освещение и контрасты света и тени. [34]

Стиль быстро распространился из Рима в другие регионы Италии: он появился в Венеции в церкви Санта-Мария-делла-Салюте (1631–1687) Бальдассаре Лонгены , весьма оригинальной восьмиугольной формы, увенчанной огромным куполом . Он также появился в Турине , в частности, в часовне Святой Плащаницы (1668–1694) Гварино Гварини . Стиль также начал использоваться во дворцах; Гварини спроектировал Палаццо Кариньяно в Турине, в то время как Лонгена спроектировал Ка' Реццонико на Гранд-канале (1657), законченный Джорджо Массари и украшенный картинами Джованни Баттиста Тьеполо . [35] Серия мощных землетрясений на Сицилии потребовала перестройки большинства из них, и несколько были построены в пышном стиле позднего барокко или рококо .

Испанское барокко

Католическая церковь в Испании, и в частности иезуиты , были движущей силой архитектуры испанского барокко. Первым крупным произведением в этом стиле была часовня Сан-Исидро в Мадриде , начатая в 1643 году Педро де ла Торре . Она контрастировала с чрезвычайной богатой отделкой снаружи и простотой внутри, разделенной на несколько пространств и использующей эффекты света для создания ощущения таинственности. [38] Собор Сантьяго-де-Компостела был модернизирован серией барочных пристроек, начиная с конца 17-го века, начиная с богато украшенной колокольни (1680), затем окруженной двумя еще более высокими и богато украшенными башнями, называемыми Обрадорио , добавленными между 1738 и 1750 годами Фернандо де Касас Новоа . Еще одной достопримечательностью испанского барокко является часовня дворца Сан-Тельмо в Севилье Леонардо де Фигероа . [39]

Гранада была отвоевана у мавров только в 15 веке и имела свою собственную разновидность барокко. Художник, скульптор и архитектор Алонсо Кано спроектировал барочный интерьер Гранадского собора между 1652 годом и своей смертью в 1657 году. Он отличается драматическими контрастами массивных белых колонн и золотого декора.

Наиболее орнаментальная и богато украшенная архитектура испанского барокко называется стилем Чурригереско , названным в честь братьев Чурригера , которые работали в основном в Саламанке и Мадриде. Их работы включают здания на главной площади Саламанки, Пласа Майор (1729). [39] Этот очень орнаментальный стиль барокко оказал влияние на многие церкви и соборы, построенные испанцами в Америке.

Другие известные испанские архитекторы позднего барокко включают Педро де Риберу , ученика Чурригеры, который спроектировал Королевский госпиталь Сан-Фернандо в Мадриде, и Нарцисо Томе , который спроектировал знаменитый алтарь «Прозрачный» в Толедском соборе (1729–1732), который при определенном освещении создает иллюзию парения вверх. [39]

Архитекторы испанского барокко оказали влияние далеко за пределами Испании; их работа оказала большое влияние на церкви, построенные в испанских колониях в Латинской Америке и на Филиппинах. Церковь, построенная иезуитами для колледжа Сан-Франциско Хавьер в Тепоцотлане , с ее богато украшенным фасадом и башней в стиле барокко, является хорошим примером. [40]

Центральная Европа

С 1680 по 1750 год в Центральной Европе, Австрии, Богемии и юго-западной Польше было построено множество богато украшенных соборов, аббатств и паломнических церквей . Некоторые из них были в стиле рококо , отчетливом, более ярком и асимметричном стиле, который возник из барокко, затем заменил его в Центральной Европе в первой половине 18 века, пока его, в свою очередь, не сменил классицизм. [47]

Князья многочисленных государств этого региона также выбирали стиль барокко или рококо для своих дворцов и резиденций и часто использовали для их строительства архитекторов, получивших образование в Италии. [48]

Ярким примером является церковь Святого Николая (Malá Strana) в Праге (1704–1755), построенная Кристофом Динценхофером и его сыном Килианом Игнацем Динценхофером . Украшения покрывают все стены интерьера церкви. Алтарь расположен в нефе под центральным куполом и окружен часовнями, свет падает с купола наверху и из окружающих часовен. Алтарь полностью окружен арками, колоннами, изогнутыми балюстрадами и пилястрами из цветного камня, которые богато украшены скульптурами, создавая преднамеренную путаницу между реальной архитектурой и декором. Архитектура превращается в театр света, цвета и движения. [25]

В Польше польское барокко, вдохновленное итальянцами, длилось с начала XVII до середины XVIII века и подчеркивало богатство деталей и цвета. Первым зданием в стиле барокко в современной Польше и, вероятно, одним из самых узнаваемых является церковь Святых Петра и Павла в Кракове , спроектированная Джованни Баттиста Тревано . Колонна Сигизмунда в Варшаве , возведенная в 1644 году, была первым в мире светским памятником в стиле барокко, построенным в форме колонны. [49] Стиль дворцовой резиденции был представлен дворцом Вилянув , построенным между 1677 и 1696 годами. [50] Самым известным архитектором барокко, работавшим в Польше, был голландец Тильман ван Гамерен , среди его выдающихся работ — костел Святого Казимира и дворец Красинских в Варшаве , костел Святой Анны в Кракове и дворец Браницких в Белостоке . [51] Однако самым знаменитым произведением польского барокко является церковь Фара в Познани , детали которой были разработаны Помпео Феррари . После Тридцатилетней войны в соответствии с соглашениями Вестфальского мира были построены два уникальных барочных сооружения из лозы и глины : костел Мира в Яворе , костел Святой Троицы Мира в Свиднице — крупнейший деревянный храм в стиле барокко в Европе.

немецкое барокко

Многие государства в пределах Священной Римской империи на территории сегодняшней Германии стремились представить себя впечатляющими зданиями в стиле барокко. [52] Среди известных архитекторов были Иоганн Бернхард Фишер фон Эрлах , Лукас фон Хильдебрандт и Доминик Циммерман в Баварии , Бальтазар Нойман в Брюле и Маттеус Даниэль Пёппельман в Дрездене. В Пруссии Фридрих II Прусский был вдохновлен Большим Трианоном Версальского дворца и использовал его в качестве модели для своей летней резиденции Сан-Суси в Потсдаме , спроектированной для него Георгом Венцеслаусом фон Кнобельсдорфом (1745–1747). Еще одним произведением дворцовой архитектуры в стиле барокко является Цвингер (Дрезден) , бывшая оранжерея дворца курфюрстов Саксонии в 18 веке.

Одним из лучших образцов церкви в стиле рококо является Базилика Фирценхайлиген, или Базилика Четырнадцати Святых Помощников , паломническая церковь, расположенная недалеко от города Бад-Штаффельштайн недалеко от Бамберга в Баварии, на юге Германии. Базилика была спроектирована Бальтазаром Нойманном и была построена между 1743 и 1772 годами, ее план представляет собой ряд взаимосвязанных кругов вокруг центрального овала с алтарем, размещенным точно в центре церкви. Интерьер этой церкви иллюстрирует вершину декора в стиле рококо. [53] Еще одним ярким примером стиля является Паломническая церковь Вис ( нем . Wieskirche ). Она была спроектирована братьями Й. Б. и Доминикусом Циммерманнами . Она расположена в предгорьях Альп , в коммуне Штайнгаден в районе Вайльхайм-Шонгау , Бавария, Германия. Строительство велось между 1745 и 1754 годами, а интерьер был украшен фресками и лепниной в традициях школы Вессобруннера . В настоящее время это объект Всемирного наследия ЮНЕСКО .

Французское барокко

Барокко во Франции развивалось совершенно иначе, чем богато украшенные и драматичные местные версии барокко из Италии, Испании и остальной Европы. Оно кажется строгим, более отстраненным и сдержанным в сравнении, предвосхищая неоклассицизм и архитектуру Просвещения . В отличие от итальянских зданий, французские здания барокко не имеют сломанных фронтонов или криволинейных фасадов. Даже религиозные здания избегали интенсивной пространственной драмы, которую можно найти в работах Борромини . Стиль тесно связан с работами, построенными для Людовика XIV (правил в 1643–1715 гг.), и из-за этого он также известен как стиль Людовика XIV . Людовик XIV пригласил мастера барокко Бернини представить проект нового восточного крыла Лувра , но отклонил его в пользу более классического проекта Клода Перро и Луи Лево . [65] [66]

Главными архитекторами стиля были Франсуа Мансар (1598–1666), Пьер Ле Мюэ (церковь Валь-де-Грас , 1645–1665) и Луи Лево ( Во-ле-Виконт , 1657–1661). Мансар был первым архитектором, который ввел стиль барокко, в основном частое использование прикладного ордера и тяжелой рустовки , во французский архитектурный словарь. Мансардная крыша не была изобретена Мансаром, но она стала ассоциироваться с ним, поскольку он часто ее использовал. [67]

Главным королевским проектом того периода было расширение Версальского дворца , начатое в 1661 году Ле Во с декором художника Шарля Лебрена . Сады были спроектированы Андре Ленотром специально для того, чтобы дополнить и усилить архитектуру. Галерея Зеркала (Galerie des Glaces ) , центральная часть замка, с картинами Лебрена, была построена между 1678 и 1686 годами. Мансар завершил Большой Трианон в 1687 году. Часовня, спроектированная Робером де Коттом , была закончена в 1710 году. После смерти Людовика XIV Людовик XV добавил более интимный Малый Трианон и богато украшенный театр. Фонтаны в садах были спроектированы так, чтобы их было видно изнутри, и чтобы усилить драматический эффект. Дворец вызывал восхищение и копировался другими монархами Европы, в частности, Петром Великим из России, который посетил Версаль в начале правления Людовика XV и построил свою собственную версию во дворце Петергоф недалеко от Санкт-Петербурга между 1705 и 1725 годами. [68]

Португальское барокко

Архитектура барокко в Португалии просуществовала около двух столетий (конец семнадцатого века и восемнадцатый век). Правление Жуана V и Жозефа I увеличило импорт золота и алмазов в период, называемый королевским абсолютизмом, что позволило португальскому барокко расцвести.

Архитектура барокко в Португалии занимает особое положение и отличается от остальной Европы своей хронологией.

Это обусловлено несколькими политическими, художественными и экономическими факторами, которые порождают несколько фаз, и различными видами внешних влияний, приводящих к уникальному сочетанию, [73] часто неправильно понимаемому теми, кто ищет итальянское искусство, вместо этого находят определенные формы и характер, которые придают ему уникальное португальское разнообразие. Другим ключевым фактором является существование иезуитской архитектуры, также называемой «простым стилем» (Estilo Chão или Estilo Plano) [74] , которая, как и вызывает название, более проста и выглядит несколько строгой.

Здания представляют собой однокомнатные базилики, глубокую главную часовню, боковые часовни (с небольшими дверями для общения), без внутренней и внешней отделки, с простым порталом и окнами. Это практичное здание, позволяющее строить его по всей империи с небольшими изменениями, и подготовленное к украшению позже или при наличии экономических ресурсов.

На самом деле, первое португальское барокко не страдает от недостатка в строительстве, поскольку «простой стиль» легко трансформируется с помощью декора (покраска, облицовка плиткой и т. д.), превращая пустые пространства в помпезные, сложные барочные сценарии. То же самое можно применить и к экстерьеру. Впоследствии здание легко адаптировать к вкусу времени и места, добавить новые черты и детали. Практично и экономично.

С ростом населения и улучшением экономических ресурсов на севере, особенно в районах Порту и Браги , [75] [76] [77] произошло архитектурное обновление, заметное в большом количестве церквей, монастырей и дворцов, построенных аристократией.

Порту — город барокко в Португалии. Его исторический центр входит в список Всемирного наследия ЮНЕСКО . [78]

Многие из работ в стиле барокко в историческом районе города и за его пределами принадлежат Николау Насони, итальянскому архитектору, живущему в Португалии, рисующему оригинальные здания со сценографическими элементами, такие как церковь и башня Клеригуш , [79] лоджия собора Порту. , церковь Мизерикордиа, дворец Сан-Жуан-Ново , [80] дворец Фрейшу , [81] Епископальный дворец ( португальский : Paço Episcopal do Porto ) [82] наряду со многими другими.

Русское барокко

Дебют русского барокко, или петровского барокко , последовал за длительным визитом Петра Великого в Западную Европу в 1697–1698 годах, где он посетил замки Фонтенбло и Версаль , а также другие архитектурные памятники. По возвращении в Россию он решил построить аналогичные памятники в Санкт-Петербурге , который стал новой столицей России в 1712 году. Ранние крупные памятники петровского барокко включают Петропавловский собор и дворец Меншикова .

В период правления Анны и Елизаветы в русской архитектуре доминировал роскошный стиль барокко итальянца Франческо Бартоломео Растрелли , который развился в елизаветинское барокко . Среди знаковых зданий Растрелли — Зимний дворец , Екатерининский дворец и Смольный собор . Другими отличительными памятниками елизаветинского барокко являются колокольня Троице -Сергиевой лавры и Красные ворота . [86]

В Москве получило распространение нарышкинское барокко , особенно в архитектуре православных церквей конца XVII века. Оно представляло собой сочетание западноевропейского барокко с традиционными русскими народными стилями.

Барокко в испанской и португальской колониальной Америке

Из-за колонизации Америки европейскими странами, барокко естественным образом переместилось в Новый Свет , найдя особенно благоприятную почву в регионах, где доминировали Испания и Португалия , обе страны были централизованными и непреклонно католическими монархиями, в более широком смысле подчиненными Риму и приверженцами барочной контрреформации . Европейские художники мигрировали в Америку и создали школу, и вместе с широким проникновением католических миссионеров , многие из которых были искусными художниками, создали многообразное барокко, часто находящееся под влиянием народного вкуса. Криолло и местные ремесленники сделали многое, чтобы придать этому барокко уникальные черты. Главными центрами культивирования американского барокко, которые все еще существуют, являются (в этом порядке) Мексика , Перу , Бразилия , Куба , Эквадор , Колумбия , Боливия , Гватемала , Никарагуа , Пуэрто-Рико и Панама .

Роспись внутри церкви XVIII века в Гондурасе.

Особого внимания заслуживает так называемое «миссионерское барокко», развившееся в рамках испанских сокращений в областях, простирающихся от Мексики и юго-западных частей современных Соединенных Штатов до таких южных, как Аргентина и Чили, коренных поселений, организованных испанскими католическими миссионерами, чтобы обратить их в христианскую веру и аккультурировать их в западной жизни, образуя гибридное барокко, находящееся под влиянием культуры коренных народов, где процветали креолы и многие местные ремесленники и музыканты, даже грамотные, некоторые из которых обладали большими способностями и талантом. Отчеты миссионеров часто повторяют, что западное искусство, особенно музыка, оказывало гипнотическое воздействие на лесников, а образы святых считались обладающими великой силой. Многие коренные жители были обращены, и была создана новая форма преданности, страстной интенсивности, нагруженная мистицизмом, суеверием и театральностью, которая восхищала праздничными мессами, священными концертами и мистериями. [94] [95]

Архитектура колониального барокко в испанской Америке характеризуется обильным декором (портал церкви Ла Професа , Мехико; фасады, покрытые азулежу в стиле Пуэбла , как в церкви Сан-Франциско Акатепек в Сан-Андрес-Чолуле и монастырской церкви Сан-Франциско, Пуэбла ), который будет усугубляться в так называемом стиле чурригереско (фасад табернакля кафедрального собора Мехико , работы Лоренсо Родригеса; церковь Сан-Франциско Хавьер, Тепоцотлан ; церковь Санта-Приска-де-Таско ). В Перу конструкции, в основном развитые в городах Лима , Куско , Арекипа и Трухильо , с 1650 года демонстрируют оригинальные характеристики, продвинутые даже до европейского барокко, как, например, использование мягких стен и соломоновых колонн ( Iglesia de la Compañía de Jesús, Куско ; Базилика и монастырь Сан-Франциско, Лима ). [96] Другие страны включают: Кафедральный собор Сукре в Боливии; Соборная базилика Эскипулас в Гватемале; Собор Тегусигальпы в Гондурасе; Леонский собор в Никарагуа; Церковь Ла Компаньиа де Хесус, Кито , Эквадор; церковь Сан-Игнасио, Богота, Колумбия; Кафедральный собор Каракаса в Венесуэле; Кабильдо Буэнос-Айреса в Аргентине; церковь Санто-Доминго в Сантьяго , Чили; и Гаванский собор на Кубе. Также стоит вспомнить качество церквей Испанских иезуитских миссий в Боливии , Испанских иезуитских миссий в Парагвае , Испанских миссий в Мексике и Испанских францисканских миссий в Калифорнии . [97]

В Бразилии , как и в метрополии Португалии , архитектура имеет определенное итальянское влияние , как правило, борроминского типа, как это можно увидеть в соборе Ресифи (1784) и церкви Носса-Сеньора-да-Глория-ду-Оутейру в Рио-де-Жанейро (1739). В регионе Минас-Жерайс выделяется работа Алейжадинью , автора группы церквей, которые выделяются своей изогнутой планиметрией, фасадами с вогнуто-выпуклыми динамическими эффектами и пластической обработкой всех архитектурных элементов ( церковь Сан-Франциско-де-Ассис, Ору-Прету , 1765–1788).

Барокко в испанской и португальской колониальной Азии

В португальских колониях Индии ( Гоа , Даман и Диу ) процветал архитектурный стиль барочных форм, смешанный с индуистскими элементами, такими как собор Се и базилика Бон-Жезуш в Гоа, в которой находится гробница Святого Франциска Ксавьера . Комплекс церквей и монастырей Гоа был объявлен объектом Всемирного наследия в 1986 году.

На Филиппинах , которые были испанской колонией более трех столетий, сохранилось большое количество сооружений в стиле барокко . Четыре из них, а также барочный и неоклассический город Виган являются объектами Всемирного наследия ЮНЕСКО ; и хотя они не имеют формальной классификации, город-крепость Манила вместе с городом Таябас содержат значительную часть архитектуры эпохи испанского барокко.

Отголоски в Валахии и Молдавии

Как мы видели, барокко — западный стиль, родившийся в Италии. Благодаря торговым и культурным связям итальянцев со странами Балканского полуострова , включая Молдавию и Валахию , барочные влияния проникают в Восточную Европу. Эти влияния не были очень сильными, поскольку они обычно проявляются в архитектуре и каменных скульптурных украшениях, а также интенсивно смешиваются с деталями, взятыми из византийского и исламского искусства .

До и после падения Византийской империи все искусство Валахии и Молдавии находилось в первую очередь под влиянием Константинополя . До конца XVI века, с небольшими изменениями, планы церквей и монастырей, фрески и орнаменты, вырезанные на камне, оставались такими же, как и прежде. С периода, начинающегося с правления Матея Басараба (1632–1654) и Василе Лупу (1634–1653), который совпал с популяризацией итальянского барокко, были добавлены новые орнаменты, и стиль религиозной мебели изменился. Это было совсем не случайно. Декоративные элементы и принципы были привезены из Италии через Венецию или через далматинские регионы, и они были приняты архитекторами и мастерами с востока. Оконные и дверные рамы, писания с посвящением, надгробия, колонны и перила, а также часть бронзовой, серебряной или деревянной мебели получили более важную роль, чем та, которую они имели раньше. Они существовали и раньше, вдохновленные византийской традицией, но приобрели более реалистичный вид, показывая нежные цветочные мотивы. Рельеф , который существовал и раньше, стал более акцентированным, объемным и последовательным. До этого периода рельефы из Валахии и Молдавии, как и рельефы с Востока, имели только два уровня, на небольшом расстоянии друг от друга, один на поверхности, а другой в глубине. Большие цветы, возможно, розы , пионы или чертополох , толстые листья аканта или другого похожего растения, вились на колоннах или окружали двери и окна. Местом, где барокко оказало сильное влияние, были колонны и перила . Капители были больше, чем раньше, украшены листвой. Колонны часто имеют витые стволы, местная переосмысление Соломоновой колонны . Между этими колоннами размещены максималистские перила, украшенные ринсо . Некоторые из них из дворца Могошоая также украшены дельфинами. Иногда также используются картуши , в основном на надгробиях, как на могиле Константина Брынковяну . Это движение известно как стиль Брынковянеск , в честь Константина Брынковяну , правителя Валахии, чье правление (1654–1714) тесно связано с этим типом архитектуры и дизайна. Стиль также присутствует в 18 веке и в части 19 века. Многие церкви и резиденции, возведенные боярами и воеводамииз этих периодов — брынковенский. Хотя влияние барокко можно ясно увидеть, стиль брынковенский черпает гораздо больше вдохновения из местной традиции.

По мере того, как в XVIII веке, с правлением фанариотов (членов видных греческих семей в Фанаре , Стамбуле) в Валахии и Молдавии, барочные влияния приходят также из Стамбула. Они приходили и раньше, в XVII веке, но с фанариотами, более западные мотивы барокко, которые прибыли в Османскую империю, нашли свое конечное место назначения в современной Румынии. В Молдавии барочные элементы приходят также из России, где влияние итальянского искусства было сильным. [102]

Рисование

Художники эпохи барокко сознательно работали над тем, чтобы отделить себя от художников эпохи Возрождения и периода маньеризма после него. В своей палитре они использовали интенсивные и теплые цвета, и особенно использовали основные цвета: красный, синий и желтый, часто помещая все три в непосредственной близости. [112] Они избегали равномерного освещения живописи эпохи Возрождения и использовали сильные контрасты света и тени на определенных участках картины, чтобы направить внимание на центральные действия или фигуры. В своей композиции они избегали спокойных сцен картин эпохи Возрождения и выбирали моменты наибольшего движения и драмы. В отличие от спокойных лиц картин эпохи Возрождения, лица на картинах эпохи барокко ясно выражали свои эмоции. Они часто использовали асимметрию, когда действие происходило вдали от центра картины, и создавали оси, которые не были ни вертикальными, ни горизонтальными, а наклонными влево или вправо, создавая ощущение нестабильности и движения. Они усиливали это впечатление движения, заставляя костюмы персонажей развеваться на ветру или двигаться от их собственных жестов. Общее впечатление было движением, эмоциями и драмой. [113] Другим важным элементом барочной живописи была аллегория; каждая картина рассказывала историю и имела сообщение, часто зашифрованное в символах и аллегорических персонажах, которые образованный зритель должен был знать и читать. [114]

Ранние свидетельства итальянских барочных идей в живописи появились в Болонье, где Аннибале Карраччи , Агостино Карраччи и Людовико Карраччи стремились вернуть изобразительное искусство к упорядоченному классицизму эпохи Возрождения. Однако их искусство также включало в себя идеи, центральные для Контрреформации; они включали в себя сильные эмоции и религиозные образы, которые больше апеллировали к сердцу, чем к интеллекту. [115]

Другим влиятельным художником эпохи барокко был Микеланджело Меризи да Караваджо . Его реалистичный подход к человеческой фигуре, написанной непосредственно с натуры и драматически освещенной на темном фоне, шокировал его современников и открыл новую главу в истории живописи. Другие крупные художники, тесно связанные со стилем барокко, включают Артемизия Джентилески , Элизабетта Сирани , Джованна Гарцони , Гвидо Рени , Доменикино , Андреа Поццо и Паоло де Маттеис в Италии; Франсиско де Сурбаран , Бартоломе Эстебан Мурильо и Диего Веласкес в Испании; Адам Эльсхаймер в Германии; и Николя Пуссен и Жорж де Латур во Франции (хотя Пуссен провел большую часть своей творческой жизни в Италии). Пуссен и де Латур приняли «классический» стиль барокко, уделяя меньше внимания эмоциям и больше внимания линиям фигур на картине, чем цвету.

Питер Пауль Рубенс был самым важным художником стиля фламандского барокко . Яркие композиции Рубенса отсылают к эрудированным аспектам классической и христианской истории. Его уникальный и чрезвычайно популярный стиль барокко подчеркивал движение, цвет и чувственность, которые следовали непосредственному, драматическому художественному стилю, пропагандируемому Контрреформацией . Рубенс специализировался на создании алтарных образов, портретов, пейзажей и исторических картин на мифологические и аллегорические сюжеты.

Одной из важных областей барочной живописи была Quadratura , или картины в trompe-l'œil , которые буквально «обманывали глаз». Они обычно рисовались на лепнине потолков или верхних стен и балюстрад и создавали впечатление у тех, кто лежал на земле и смотрел вверх, что они видят небеса, населенные толпами ангелов, святых и других небесных фигур, на фоне нарисованных небес и воображаемой архитектуры. [47]

В Италии художники часто сотрудничали с архитекторами в оформлении интерьеров; Пьетро да Кортона был одним из художников 17-го века, которые использовали этот иллюзионистский способ живописи. Среди его самых важных заказов были фрески, которые он написал для Палаццо Барберини (1633–39), чтобы прославить правление папы Урбана VIII . Композиции Пьетро да Кортона были крупнейшими декоративными фресками, выполненными в Риме со времен работы Микеланджело в Сикстинской капелле . [116]

Франсуа Буше был важной фигурой в более тонком французском стиле рококо, который появился в период позднего барокко. Он проектировал гобелены, ковры и театральные декорации, а также занимался живописью. Его работы были чрезвычайно популярны у мадам де Помпадур , любовницы короля Людовика XV . Его картины представляли мифологические романтические и слегка эротические темы. [117]

Испаноязычные Америки

Пример боливийской живописи (часть школы Куско ): ангел-аркебузир ; Мастер Каламарка ; XVII век

В испаноязычной Америке первыми влияниями были севильский тенебризм , в основном Сурбарана — некоторые работы которого до сих пор сохранились в Мексике и Перу — как это можно увидеть в работах мексиканцев Хосе Хуареса и Себастьяна Лопеса де Артеаги, а также боливийца Мельчора Переса де Ольгина. Кускская школа живописи возникла после прибытия итальянского художника Бернардо Битти в 1583 году, который представил маньеризм в Америке. Она выдвинула на первый план работы Луиса де Рианьо , ученика итальянца Анджелино Медоро , автора фресок церкви Сан-Педро, Андауайлильяс. Он также выделил индийских художников ( кечуа ) Диего Киспе Тито и Базилио Санта-Крус Пумакальяо , а также Маркоса Сапату , автора пятидесяти больших полотен, украшающих высокие арки собора Куско . В Эквадоре была сформирована Школа Кито , представленная главным образом метисом Мигелем де Сантьяго и криолло Николасом Хавьером де Горибаром.

В XVIII веке скульптурные алтари начали заменяться картинами, что особенно способствовало развитию барочной живописи в Америке. Аналогичным образом рос спрос на гражданские работы, в основном портреты аристократических классов и церковной иерархии. Основное влияние оказал мурильеско , а в некоторых случаях — как в случае с креольо Кристобалем де Вильяльпандо — Хуан де Вальдес Леаль . Живопись этой эпохи имеет более сентиментальный тон, с более милыми и мягкими формами. Среди ее сторонников — Грегорио Васкес де Арсе и Себальос в Колумбии, а также Хуан Родригес Хуарес и Мигель Кабрера в Мексике.

Скульптура

Доминирующей фигурой в барочной скульптуре был Джан Лоренцо Бернини . Под патронажем папы Урбана VIII он создал замечательную серию монументальных статуй святых и фигур, чьи лица и жесты ярко выражали их эмоции, а также портретные бюсты исключительной реалистичности и высоко декоративные работы для Ватикана, такие как внушительное кресло Святого Петра под куполом собора Святого Петра . Кроме того, он спроектировал фонтаны с монументальными группами скульптур для украшения главных площадей Рима. [120]

Скульптура барокко была вдохновлена ​​древнеримской скульптурой, в частности знаменитой статуей первого века н. э. Лаокоона и его сыновей , которая была обнаружена в 1506 году и выставлена ​​в галерее Ватикана. Когда Бернини посетил Париж в 1665 году, он обратился к студентам в академии живописи и скульптуры. Он посоветовал студентам работать с классическими моделями, а не с натуры. Он сказал студентам: «Когда у меня возникли проблемы с моей первой статуей, я обратился к Антиною , как к оракулу». [121] Эта статуя Антиноя сегодня известна как Гермес в музее Пия-Климента .

Известными скульпторами позднего французского барокко были Этьен Морис Фальконе и Жан Батист Пигаль . Пигаль получил заказ от Фридриха Великого на создание статуй для собственной версии Версаля в Сан-Суси в Потсдаме , Германия. Фальконе также получил важный зарубежный заказ, создав знаменитую статую Медного всадника Петра Великого , которая находится в Санкт-Петербурге .

В Испании скульптор Франсиско Сальсильо работал исключительно над религиозными темами, используя полихромное дерево. Некоторые из лучших скульптурных работ в стиле барокко были обнаружены в позолоченных лепных алтарях церквей испанских колоний Нового Света, выполненных местными мастерами; примерами служат часовня дель Росарио, Пуэбла (Мексика), 1724–1731.

Мебель

Основные используемые мотивы: рога изобилия , фестоны , ангелочки-младенцы , львиные головы, держащие во рту металлическое кольцо, женские лица , окруженные гирляндами, овальные картуши , листья аканта , классические колонны, кариатиды , фронтоны и другие элементы классической архитектуры, высеченные на некоторых частях предметов мебели, [128] корзины с фруктами или цветами, ракушки, доспехи и трофеи, головы Аполлона или Вакха и С-образные волюты . [129]

В первый период правления Людовика XIV мебель следовала предыдущему стилю Людовика XIII , была массивной и щедро украшенной скульптурой и позолотой. После 1680 года, во многом благодаря дизайнеру мебели Андре-Шарлю Булю , появился более оригинальный и изящный стиль, иногда известный как работа Буля . Он был основан на инкрустации черным деревом и другими редкими породами дерева, технике, впервые использованной во Флоренции в 15 веке, которая была усовершенствована и развита Булем и другими, работавшими для Людовика XIV. Мебель инкрустировалась пластинами черного дерева, меди и экзотических пород дерева разных цветов. [130]

Появились новые и часто устойчивые типы мебели; комод с двумя-четырьмя ящиками заменил старый сундук или комод. Появился канапе или диван в виде комбинации из двух или трех кресел. Появились новые виды кресел, включая fauteuil en confianceale или «кресло для исповеди», которое имело мягкие подушки по обе стороны спинки стула. Также впервые появился консольный столик; он был разработан для размещения у стены. Еще одним новым типом мебели был table à gibier , стол с мраморной столешницей для хранения блюд. Появились ранние разновидности стола; стол Мазарини имел центральную секцию, отставленную назад, помещенную между двумя колоннами ящиков, с четырьмя ножками на каждой колонне. [130]

Музыка

Антонио Вивальди (1678–1741)

Термин «барокко» также используется для обозначения стиля музыки, созданной в период, который пересекается с периодом искусства барокко. Впервые термин «барокко» был использован в критике. В анонимном сатирическом обзоре премьеры в октябре 1733 года оперы Жана-Филиппа Рамо « Ипполит и Арисия» , напечатанной в « Mercure de France» в мае 1734 года, критик подразумевал, что новизна этой оперы была «du barocque», жалуясь на то, что музыке не хватало связной мелодии, она была наполнена непрекращающимися диссонансами, постоянно меняла тональность и метр и быстро проходила через все композиционные приемы. [131] Жан-Жак Руссо , который был музыкантом, известным композитором и философом, сделал очень похожее наблюдение в 1768 году в знаменитой «Энциклопедии» Дени Дидро : «Музыка барокко — это музыка, в которой гармония запутана и перегружена модуляциями и диссонансами. Пение резкое и неестественное, интонация трудная, а движение ограниченное. Похоже, этот термин происходит от слова «baroco», используемого логиками». [15]

Общее использование термина для обозначения музыки того периода началось только в 1919 году Куртом Саксом [132] , и только в 1940 году он был впервые использован на английском языке в статье, опубликованной Манфредом Букофцером [131] .

Барокко было периодом музыкальных экспериментов и инноваций, что объясняет количество украшений и импровизаций, исполняемых музыкантами. Были изобретены новые формы, включая концерт и симфонию . Опера родилась в Италии в конце XVI века (с почти утерянной «Дафной » Якопо Пери , поставленной во Флоренции в 1598 году) и вскоре распространилась по всей Европе: Людовик XIV создал первую Королевскую академию музыки . В 1669 году поэт Пьер Перрен открыл академию оперы в Париже, первый оперный театр во Франции, открытый для публики, и представил премьеру «Помоны» , первой большой оперы на французском языке, с музыкой Робера Камбера , с пятью актами, сложной сценической техникой и балетом. [133] Генрих Шютц в Германии, Жан-Батист Люлли во Франции и Генри Перселл в Англии — все они помогли установить свои национальные традиции в XVII веке.

В этот период появились несколько новых инструментов, включая фортепиано . Изобретение фортепиано приписывают Бартоломео Кристофори (1655–1731) из Падуи , Италия, который был нанят Фердинандо Медичи, великим принцем Тосканским , в качестве хранителя инструментов. [134] [135] Кристофори назвал инструмент un cimbalo di cipresso di piano e forte («клавиатура из кипариса с мягким и громким звучанием»), со временем сокращенно как pianoforte , fortepiano , а позже просто piano. [136]

Композиторы и примеры

Танец

Классический балет также возник в эпоху барокко. Стиль придворного танца был привезен во Францию ​​Марией Медичи , и вначале танцорами были сами члены двора. Сам Людовик XIV выступал на публике в нескольких балетах. В марте 1662 года королем была основана Королевская академия танца . Это была первая профессиональная танцевальная школа и компания, которая установила стандарты и словарь для балета по всей Европе в тот период. [133]

Литературная теория

Генрих Вёльфлин был первым, кто перенес термин «барокко» в литературу. [137] Ключевые понятия литературной теории барокко, такие как « самомнение » ( concetto ), « остроумие » ( acutezza , ingegno ) и « чудо » ( meraviglia ), не были полностью разработаны в литературной теории до публикации «Il Cannocchiale aristotelico» («Аристотелевский телескоп») Эмануэля Тезауро в 1654 году. Этот основополагающий трактат, вдохновленный эпической поэмой Джамбаттисты Марино « Адоне » и работой испанского философа -иезуита Бальтазара Грасиана , разработал теорию метафоры как универсального языка образов и как высшего интеллектуального акта, одновременно являющегося и искусственным, и эпистемологически привилегированным способом доступа к истине. [138]

Театр

Эскиз декорации к спектаклю Пьера Корнеля « Андромеда» , (1650)
Эскиз театральной декорации, созданной Джакомо Торелли для балета «Свадебка Тетис» , из коллекции «Décorations et Machines Aprestées aux Nopces de Tétis», Ballet Royal.

Эпоха барокко стала золотым веком театра во Франции и Испании; во Франции выдающимися драматургами были Корнель , Расин и Мольер , а в Испании — Лопе де Вега и Педро Кальдерон де ла Барка .

В эпоху барокко искусство и стиль театра быстро развивались, наряду с развитием оперы и балета. Проектирование новых и более крупных театров, изобретение и использование более сложной техники, более широкое использование арок авансцены , которые обрамляли сцену и скрывали технику от зрителей, способствовали появлению большего количества сценических эффектов и зрелищности. [139]

Барокко имело католический и консервативный характер в Испании, следуя итальянской литературной модели эпохи Возрождения. [140] Испанский театр барокко стремился к общественному содержанию с идеальной реальностью, которая проявляла три основных чувства: католическую религию, монархическую и национальную гордость и честь, происходящие из рыцарского, рыцарского мира. [141]

В испанском театре барокко известны два периода , разделение которых произошло в 1630 году. Первый период представлен главным образом Лопе де Вега , но также Тирсо де Молина , Гаспар Агилар , Гильен де Кастро , Антонио Мира де Амескуа , Луис Велес де Гевара , Хуан Руис де Аларкон , Диего Хименес де Энсисо , Луис Бельмонте Бермудес , Фелипе Годинес , Луис Киньонес де Бенавенте или Хуан Перес де Монтальбан . Второй период представлен Педро Кальдероном де ла Баркой и другими драматургами Антонио Уртадо де Мендоса , Альваро Кубильо де Арагон , Херонимо де Рак , Франсиско де Рохас Соррилья , Хуан де Матос Фрагосо , Антонио Коэльо и Очоа , Агустин Морето и Франсиско Бансес Кандамо. . [142] Эти классификации неточны, поскольку каждый автор шел по-своему и иногда мог придерживаться формулы, установленной Лопе. Возможно даже, что «манера» Лопе была более либеральной и структурированной, чем манера Кальдерона. [143]

Лопе де Вега представил через свое Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) новую комедию . Он установил новую драматическую формулу, которая сломала три аристотелевских единства итальянской школы поэзии (действие, время и место) и четвертое единство Аристотеля, которое касается стиля, смешения трагических и комических элементов, показывающих различные типы стихов и строф на том, что представлено. [144] Хотя Лопе обладает большими познаниями в области пластических искусств, он не использовал их в течение большей части своей карьеры ни в театре, ни в сценографии. Комедия Лопе предоставила вторую роль визуальным аспектам театрального представления. [145]

Тирсо де Молина, Лопе де Вега и Кальдерон были важнейшими драматургами Золотой эры Испании. Их работы, известные своим тонким интеллектом и глубоким пониманием человеческой сущности человека, можно считать мостом между примитивной комедией Лопе и более сложной комедией Кальдерона. Тирсо де Молина наиболее известен двумя работами: «Осужденные подозрения» и «Севильский обманщик» , одной из первых версий мифа о Дон Жуане . [146]

Прибыв в Мадрид, Козимо Лотти привез в испанский двор самые передовые театральные приемы Европы. Его приемы и механические познания применялись на дворцовых выставках, называемых «Fiestas», и на роскошных выставках рек или искусственных фонтанов, называемых « Naumaquias ». Он отвечал за оформление садов Буэн-Ретиро , Сарсуэлы и Аранхуэса , а также за строительство театрального здания Колизея Буэн-Ретиро. [147] Формулы Лопе начинаются со стиха, что это не подобает основанию дворцового театра и рождению новых концепций, которые положили начало карьере некоторых драматургов, таких как Кальдерон де ла Барка. Отмечая основные нововведения Новой Лопесианской комедии, стиль Кальдерона отмечал множество отличий, с большой долей конструктивной заботы и внимания к его внутренней структуре. Работа Кальдерона находится в формальном совершенстве и очень лиричном и символическом языке. Свобода, жизненность и открытость Лопе дали шаг интеллектуальному размышлению и формальной точности Кальдерона. В его комедии он отразил свои идеологические и доктринальные намерения, превзойдя страсть и действие, работа Autos sacramentales достигла высоких рангов. [148] Жанр комедии является политическим, многохудожественным и в некотором смысле гибридным. Поэтический текст, переплетенный с медиа и ресурсами, происходящими из архитектуры, музыки и живописи, освобождая обман, который есть в комедии Лопеза, был составлен из отсутствия декораций и вовлечения диалога действия. [149]

Самым известным немецким драматургом был Андреас Грифиус , который использовал иезуитскую модель голландцев Йоста ван ден Вонделя и Пьера Корнеля . Также был Иоганнес Фельтен , который объединил традиции английских комедиантов и комедии дель арте с классическим театром Корнеля и Мольера . Его гастрольная компания была, пожалуй, самой значительной и важной в 17 веке.

Выдающимся итальянским трагиком эпохи барокко был Федерико Делла Валле . Его литературная деятельность подытожена четырьмя пьесами, которые он написал для придворного театра: трагикомедией «Аделонда Фригийская» (1595) и особенно тремя трагедиями: «Юдифь» (1627), «Эсфирь» (1627) и «Королева Шотландии » (1628). У Делла Валле было много подражателей и последователей, которые сочетали в своих произведениях барочный вкус и дидактические цели иезуитов ( Франческо Сфорца Паллавичино , Джироламо Грациани и т. д.)

В Русском царстве развитие русской версии барокко оформилось лишь во второй половине XVII века, в первую очередь благодаря инициативе царя Алексея Михайловича , который хотел открыть придворный театр в 1672 году. Его директором и драматургом был Иоганн Готфрид Григорий, немецко-русский лютеранский пастор, написавший, в частности, 10-часовую пьесу « Действие Артаксеркса» . Драматургия Симеона Полоцкого и Димитрия Ростовского стала ключевым вкладом в русское барокко. [150]

Испанская колониальная Америка

Следуя эволюции, отмеченной в Испании, в конце XVI века компании комедиантов, по сути, отгонно-перегонные, начали профессионализироваться. С профессионализацией пришли регулирование и цензура: как и в Европе, театр колебался между терпимостью и даже правительственной защитой и отторжением (с исключениями) или преследованием со стороны Церкви. Театр был полезен властям как инструмент распространения желаемого поведения и моделей, уважения к общественному порядку и монархии, школы религиозных догм. [151]

Корралес управлялись в пользу больниц, которые разделяли выгоды от представлений. Странствующие труппы (или «лиги » ), которые возили театр на импровизированных открытых сценах в регионах, не имевших постоянных местных жителей, требовали вице-королевской лицензии на работу, цена которой или pinción предназначалась для милостыни и благочестивых дел. [151] Для трупп, которые работали стабильно в столицах и крупных городах, одним из основных источников дохода было участие в празднествах Тела Христова , что обеспечивало им не только экономические выгоды, но также признание и социальный престиж. Представления во дворце вице-королевы и особняках аристократии, где они представляли как комедии своего репертуара, так и специальные постановки с великолепными световыми эффектами, декорациями и сценой, также были важным источником хорошо оплачиваемой и престижной работы. [151]

Родившийся в вице-королевстве Новая Испания [152], но позже обосновавшийся в Испании, Хуан Руис де Аларкон является самой выдающейся фигурой в барочном театре Новой Испании. Несмотря на его приспособление к новой комедии Лопе де Веги, его «отмеченный секуляризм», его осмотрительность и сдержанность, а также острая способность к «психологическому проникновению» были отмечены как отличительные черты Аларкона по сравнению с его испанскими современниками. Среди его работ следует отметить La verdad sospechosa , комедию персонажей, которая отражала его постоянную цель морализаторства. [151] Драматическая постановка Sor Juana Inés de la Cruz ставит ее во вторую позицию испано-американского барочного театра. Среди ее работ стоит упомянуть аутосакраментальную El divino Narciso и комедию Los empeños de una casa .

Сады

Сад в стиле барокко, также известный как jardin à la française или французский регулярный сад , впервые появился в Риме в XVI веке, а затем стал наиболее известным во Франции в XVII веке в садах Во-ле-Виконт и Версальского дворца . Сады в стиле барокко строились королями и принцами в Германии, Нидерландах, Австрии, Испании, Польше, Италии и России до середины XVIII века, когда их начали переделывать в более естественный английский ландшафтный сад .

Целью барочного сада было проиллюстрировать власть человека над природой и славу его создателя. Барочные сады были разбиты в геометрических узорах, как комнаты дома. Обычно их лучше всего было видеть снаружи и глядя вниз, либо из замка или террасы. Элементы барочного сада включали партеры цветочных клумб или низкие живые изгороди, подстриженные в затейливых барочных узорах, и прямые дорожки и аллеи из гравия, которые разделяли и пересекали сад. Террасы, пандусы, лестницы и каскады располагались там, где были перепады высот, и обеспечивали точки обзора. Круглые или прямоугольные пруды или бассейны с водой были обрамлением для фонтанов и статуй. Боскеты или тщательно подстриженные рощи или ряды одинаковых деревьев создавали вид стен из зелени и были фоном для статуй. По краям садов обычно располагались павильоны, оранжереи и другие сооружения, где посетители могли укрыться от солнца или дождя. [157]

Сады в стиле барокко требовали огромного количества садовников, постоянной обрезки и обильного полива. В более поздней части периода барокко формальные элементы начали заменяться более естественными особенностями, включая извилистые дорожки, рощи различных деревьев, оставленные расти необрезанными; деревенскую архитектуру и живописные сооружения, такие как римские храмы или китайские пагоды, а также «секретные сады» по краям главного сада, заполненные зеленью, где посетители могли читать или вести тихие беседы. К середине 18 века большинство садов в стиле барокко были частично или полностью преобразованы в вариации английского ландшафтного сада . [157]

Помимо Версаля и Во-ле-Виконт, знаменитые барочные сады, до сих пор сохранившие большую часть своего первоначального облика, включают Королевский дворец в Казерте близ Неаполя; Дворец Нимфенбург и дворцы Аугустусбург и Фалькенлуст в Брюле в Германии; Дворец Хет Лоо в Нидерландах; Дворец Бельведер в Вене ; Королевский дворец Ла Гранха де Сан Ильдефонсо в Испании; и Петергоф в Санкт-Петербурге, Россия. [157]

Градостроительство и дизайн

В 16-19 веках европейские города стали свидетелями больших изменений в принципах городского дизайна и планирования , которые изменили ландшафты и застроенную среду. Рим, Париж и другие крупные города были преобразованы для размещения растущего населения за счет улучшений в жилье, транспорте и общественных услугах. В течение всего этого времени стиль барокко был в полном разгаре, и влияние сложных, драматичных и художественных архитектурных стилей распространилось на городскую ткань через то, что известно как барочное городское планирование. Опыт жизни и прогулок в городах направлен на то, чтобы дополнить эмоции стиля барокко. Этот стиль планирования часто включал демонстрацию богатства и силы правящих сил, а важные здания служили визуальным и символическим центром городов. [158]

Площадь Святого Петра расположена прямо напротив собора Святого Петра в Ватикане .

Перепланировка города Рима под властью папы Сикста V возродила и расширила город в XVI веке. Было добавлено много больших площадей и скверов в качестве общественных пространств, чтобы внести свой вклад в драматический эффект стиля барокко. Площади имели фонтаны и другие декоративные элементы, воплощающие эмоции того времени. Важным фактором в планировке стиля барокко было соединение церквей, правительственных структур и площадей в изысканную сеть осей. Это позволило важным достопримечательностям католической церкви стать центральными точками города. [159]

Еще одним примером барочного городского планирования является то, что Париж отчаянно нуждался в городском возрождении в 19 веке. Город претерпел кардинальные изменения в своей городской структуре благодаря помощи барона Османа . Во время правления Наполеона III Османа назначили реконструировать Париж, добавив новую сеть улиц, парков, поездов и общественных служб. Некоторые из характеристик дизайна Османа включают прямые, широкие бульвары, обсаженные деревьями, и короткий доступ к паркам и зеленым зонам. [160] На плане выделены некоторые важные здания, такие как Парижская опера .

Вид на Барселону с воздуха

Больше характеристик городского планирования в стиле барокко воплощено в Барселоне. Район Эшампле , спроектированный Ильдефонсом Сердой , демонстрирует широкие проспекты в сетчатой ​​системе с несколькими диагональными бульварами. Перекрестки уникальны с восьмиугольными блоками, которые обеспечивают улицам отличную видимость и свет. [161] Многие работы в этом районе принадлежат архитектору Антонио Гауди , который демонстрирует уникальный стиль. Центром проекта района Эшампле является Саграда Фамилия Гауди, которая имеет большое значение для города.

Потомство

Переход к рококо

The Rococo is the final stage of the Baroque, and in many ways took the Baroque's fundamental qualities of illusion and drama to their logical extremes. Beginning in France as a reaction against the heavy Baroque grandeur of Louis XIV's court at the Palace of Versailles, the rococo movement became associated particularly with the powerful Madame de Pompadour (1721–1764), the mistress of the new king, Louis XV (1710–1774). Because of this, the style was also known as Pompadour. Although it's highly associated with the reign of Louis XV, it didn't appear in this period. Multiple works from the last years of Louis XIV's reign are examples of early Rococo. The name of the movement derives from the French rocaille, or pebble, and refers to stones and shells that decorate the interiors of caves, as similar shell forms became a common feature in Rococo design. It began as a design and decorative arts style, and was characterized by elegant flowing shapes. Architecture followed and then painting and sculpture. The French painter with whom the term Rococo is most often associated is Jean-Antoine Watteau, whose pastoral scenes, or fêtes galantes, dominate the early part of the 18th century.

There are multiple similarities between Rococo and Baroque. Both styles insist on monumental forms, and so use continuous spaces, double columns or pilasters, and luxurious materials (including gilded elements). There also noticeable differences. Rococo designed freed themselves from the adherence to symmetry that had dominated architecture and design since the Renaissance. Many small objects, like ink pots or porcelain figures, but also some ornaments, are often asymmetrical. This goes hand in hand with the fact that most ornamentation consisted of interpretation of foliage and sea shells, not as many Classical ornaments inherited from the Renaissance like in Baroque. Another key difference is the fact that since the Baroque is the main cultural manifestation of the spirit of the Counter-Reformation, it is most often associated with ecclesiastical architecture. In contrast, the Rococo is mainly associated with palaces and domestic architecture. In Paris, the popularity of the Rococo coincided with the emergence of the salon as a new type of social gathering, the venues for which were often decorated in this style. Rococo rooms were typically smaller than their Baroque counterparts, reflecting a movement towards domestic intimacy.[167] Colours also match this change, from the earthy tones of Caravaggio's paintings, and the interiors of red marble and gilded mounts of the reign of Louis XIV, to the pastel and relaxed pale blue, Pompadour pink, and white of the Louis XV and Madame de Pompadour's France. Similarly to colours, there was also a transition from serious, dramatic and moralistic subjects in painting and sculpture, to lighthearted and joyful themes.

One last difference between Baroque and Rococo is the interest that 18th century aristocrats had for East Asia. Chinoiserie was a style in fine art, architecture and design, popular during the 18th century, that was heavily inspired by Chinese art, but also by Rococo at the same time. Because traveling to China or other Far Eastern countries was hard at that time and so remained mysterious to most Westerners, European imagination were fuelled by perceptions of Asia as a place of wealth and luxury, and consequently patrons from emperors to merchants vied with each other in adorning their living quarters with Asian goods and decorating them in Asian styles. Where Asian objects were hard to obtain, European craftsmen and painters stepped up to fill the demand, creating a blend of Rococo forms and Asian figures, motifs and techniques. Aside from European recreations of objects in East Asian style, Chinese lacquerware was reused in multiple ways. European aristocrats fully decorated a handful of rooms of palaces, with Chinese lacquer panels used as wall panels. Due to its aspect, black lacquer was popular for Western men's studies. Those panels used were usually glossy and black, made in the Henan province of China. They were made of multiple layers of lacquer, then incised with motifs in-filled with colour and gold. Chinese, but also Japanese lacquer panels were also used by some 18th century European carpenters for making furniture. In order to be produced, Asian screens were dismantled and used to veneer European-made furniture.

Condemnation and academic rediscovery

The pioneer German art historian and archeologist Johann Joachim Winckelmann also condemned the baroque style, and praised the superior values of classical art and architecture. By the 19th century, Baroque was a target for ridicule and criticism. The neoclassical critic Francesco Milizia wrote: "Borrominini in architecture, Bernini in sculpture, Pietro da Cortona in painting...are a plague on good taste, which infected a large number of artists."[168] In the 19th century, criticism went even further; the British critic John Ruskin declared that baroque sculpture was not only bad, but also morally corrupt.[168]

The Swiss-born art historian Heinrich Wölfflin (1864–1945) started the rehabilitation of the word Baroque in his Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identified the Baroque as "movement imported into mass", an art antithetic to Renaissance art. He did not make the distinctions between Mannerism and Baroque that modern writers do, and he ignored the later phase, the academic Baroque that lasted into the 18th century. Baroque art and architecture became fashionable in the interwar period, and has largely remained in critical favor. The term "Baroque" may still be used, often pejoratively, describing works of art, craft, or design that are thought to have excessive ornamentation or complexity of line.[169] At the same time "baroque" has become an accepted terms for various trends in Roman art and Roman architecture in the 2nd and 3rd centuries AD, which display some of the same characteristics as the later Baroque.[citation needed]

Revivals and influence through eclecticism

Highly criticized, the Baroque would later be a source of inspiration for artists, architects and designers during the 19th century through Romanticism, a movement that developed in the 18th century and that reached its peak in the 19th. It was characterized by its emphasis on emotion and individualism, as well as glorification of the past and nature, preferring the medieval to the classical. A mix of literary, religious, and political factors prompted late-18th and 19th century British architects and designers to look back to the Middle Ages for inspiration. Romanticism is the reason the 19th century is best known as the century of revivals.[175] In France, Romanticism was not the key factor that led to the revival of Gothic architecture and design. Vandalism of monuments and buildings associated with the Ancien Régime (Old Regime) happened during the French Revolution. Because of this an archaeologist, Alexandre Lenoir, was appointed curator of the Petits-Augustins depot, where sculptures, statues and tombs removed from churches, abbeys and convents had been transported. He organized the Museum of French Monuments (1795–1816), and was the first to bring back the taste for the art of the Middle Ages, which progressed slowly to flourish a quarter of a century later.[176]

This taste and revival of medieval art led to the revival of other periods, including the Baroque and Rococo. Revivalism started with themes first from the Middle Ages, then, towards the end of the reign of Louis Philippe I (1830–1848), from the Renaissance. Baroque and Rococo inspiration was more popular during the reign of Napoleon III (1852–1870), and continued later, after the fall of the Second French Empire.[177]

Compared to how in England architects and designers saw the Gothic as a national style, Rococo was seen as one of the most representative movements for France. The French felt much more connected to the styles of the Ancien Régime and Napoleon's Empire, than to the medieval or Renaissance past, although Gothic architecture appeared in France, not in England.

The revivalism of the 19th century led in time to eclecticism (mix of elements of different styles). Because architects often revived Classical styles, most Eclectic buildings and designs have a distinctive look. Besides pure revivals, the Baroque was also one of the main sources of inspiration for eclecticism. The coupled column and the giant order, two elements widely used in Baroque, are often present in this kind of 19th and early 20th century buildings. Eclecticism was not limited only to architecture. Many designs from the Second Empire style (1848–1870) have elements taken from different styles. Little furniture from the period escaped its three most prevalent historicist influences, which are sometimes kept distinct and sometimes combined: the Renaissance, Louis XV (Rococo), and Louis XVI styles. Revivals and inspiration also came sometimes from Baroque, like in the case of remakes and arabesques that imitate Boulle marquetry, and from other styles, like Gothic, Renaissance, or English Regency.[178]

The Belle Époque was a period that begun around 1871–1880 and that ended with the outbreak of World War I in 1914. It was characterized by optimism, regional peace, economic prosperity, colonial expansion, and technological, scientific, and cultural innovations. Eclecticism reached its peak in this period, with Beaux Arts architecture. The style takes its name from the École des Beaux-Arts in Paris, where it developed and where many of the main exponents of the style studied. Buildings in this style often feature Ionic columns with their volues on the corner (like those found in French Baroque), a rusticated basement level, overall simplicity but with some really detailed parts, arched doors, and an arch above the entrance like the one of the Petit Palais in Paris. The style aimed for a Baroque opulence through lavishly decorated monumental structures that evoked Louis XIV's Versailles. When it comes to the design of the Belle Époque, all furniture from the past was admired, including, perhaps, contrary to expectations, the Second Empire style (the style of the proceeding period), which remained popular until 1900. In the years around 1900, there was a gigantic recapitulation of styles of all countries in all preceding periods. Everything from Chinese to Spanish models, from Boulle to Gothic, found its way into furniture production, but some styles were more appreciated than others. The High Middle Ages and the early Renaissance were especially prized. Exoticism of every stripe and exuberant Rococo designs were also favoured.[179]

Revivals and influence of the Baroque faded away and disappeared with Art Deco, a style created as a collective effort of multiple French designers to make a new modern style around 1910. It was obscure before WW1, but became very popular during the interwar period, being heavily associated with the 1920s and the 1930s. The movement was a blend of multiple characteristics taken from Modernist currents from the 1900s and the 1910s, like the Vienna Secession, Cubism, Fauvism, Primitivism, Suprematism, Constructivism, Futurism, De Stijl, and Expressionism. Besides Modernism, elements taken from styles popular during the Belle Époque, like Rococo Revival, Neoclassicism, or the neo-Louis XVI style, are also present in Art Deco. The proportions, volumes and structure of Beaux Arts architecture before WW1 is present in early Art Deco buildings of the 1910s and 1920s. Elements taken from Baroque are quite rare, architects and designers preferring the Louis XVI style.

At the end of the interwar period, with the rise in popularity of the International Style, characterized by the complete lack of any ornamentation led to the complete abandonment of influence and revivals of the Baroque. Multiple International Style architects and designers, but also Modernist artists criticized Baroque for its extravagance and what they saw as "excess". Ironically this was just at the same time as the critical appreciation of the original Baroque was reviving strongly.

Postmodern appreciation and reinterpretations

Appreciation for the Baroque reappeared with the rise of Postmodernism, a movement that questioned Modernism (the status quo after WW2), and which promoted the inclusion of elements of historic styles in new designs, and appreciation for the pre-Modernist past. Specific references to Baroque are rare, since Postmodernism often included highly simplified elements that were 'quotations' of Classicism in general, like pediments or columns.

More references to Baroque are found in Versace ceramic ware and fashion, decorated with maximalist acanthus rinceaux, very similar to the ones found in Italian Baroque ornament plates and in Boulle work, but also similar to the ones found on Empire objects, especially textiles, from the reign of Napoleon I.

See also

Notes

  1. ^ "About the Baroque Period - Music of the Baroque". www.baroque.org. Retrieved 26 October 2022.
  2. ^ a b Heal, Bridget (1 December 2011). "'Better Papist than Calvinist': Art and Identity in Later Lutheran Germany". German History. 29 (4). German History Society: 584–609. doi:10.1093/gerhis/ghr066.
  3. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 153, 154, 156.
  4. ^ "Origem da palavra BARROCO". Dicionário Etimológico.
  5. ^ "BAROQUE : Etymologie de BAROQUE". Centre national de ressources textuelles et lexicales. empr. au port. barroco « rocher granitique » et « perle irrégulière », attesté dep. le xiiie s. sous la forme barroca (Inquisitiones, p. 99, Portugaliae Monumenta Historica, 1856 sqq. dans Mach.), d'orig. obsc., prob. préromane en raison du suff. -ǒccu très répandu sur le territoire ibérique
  6. ^ "Baroque" . Encyclopædia Britannica. Vol. 3 (11th ed.). 1911.
  7. ^ a b Robert Hudson Vincent, Vincent, Robert Hudson (September 2019). "Baroco: The Logic of English Baroque Poetics". Modern Language Quarterly. 80 (3): 233–259. doi:10.1215/00267929-7569598. S2CID 202373825.
  8. ^ a b "BAROQUE : Etymologie de BAROQUE". Centre national de ressources textuelles et lexicales. Retrieved 4 January 2019.
  9. ^ Michael Meere, French Renaissance and Baroque Drama: Text, Performance, Theory, Rowman & Littlefield, 2015, ISBN 1-61149-549-0
  10. ^ "se dit seulement des perles qui sont d'une rondeur fort imparfaite". Le Dictionnaire de l'Académie Française (1694) Archived 8 June 2020 at the Wayback Machine
  11. ^ Bluteau, Raphael (1728). Vocabulario Portuguez & Latino. Vol. 2. p. 58. Archived from the original on 2 January 2019. Retrieved 1 January 2019.
  12. ^ "Baroque". Online Etymological Dictionary. Retrieved 31 December 2018. But Klein suggests the name may be from Italian painter Federico Barocci (1528–1612), whose work influenced the style.
  13. ^ Claude V. Palisca, "Baroque". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, second edition, edited by Stanley Sadie and John Tyrrell (London: Macmillan Publishers, 2001).
  14. ^ "se dit aussi au figuré, pour irrégulier, bizarre, inégale." Le Dictionnaire de l'Académie Française (1762) Archived 28 December 2019 at the Wayback Machine
  15. ^ a b Encyclopedie; Lettre sur la Musique Française under the direction of Denis Diderot
  16. ^ Quatremère de Quincy, Encyclopédie Méthodique, Architecture, volume 1, cited by B. Migliorini, Manierismo, baròcco, rococò, Rome, 1962, p. 46
  17. ^ "dictionnaires d'autrefois public access collection". artflsrv03.uchicago.edu. Archived from the original on 21 August 2020. Retrieved 2 January 2019.
  18. ^ Burckhardt, Jacob (1855). Der Cicerone : eine Anleitung zum Genuss der Kunstwerke Italiens. Schweighauser. p. 356. OCLC 315796790.
  19. ^ Hopkins, Owen, Les Styles en Architecture (2014), p. 70.
  20. ^ Denizeau, Gérard (2018). Zapping Prin Istoria Artelor (in Romanian). rao. p. 117. ISBN 978-606-006-149-6.
  21. ^ Hughes, J. Quentin (1953). The Influence of Italian Mannerism Upon Maltese Architecture Archived 14 March 2017 at the Wayback Machine. Melitensiawath. Retrieved 8 July 2016. pp. 104–110.
  22. ^ Helen Gardner, Fred S. Kleiner, and Christin J. Mamiya, Gardner's Art Through the Ages (Belmont, CA: Thomson/Wadsworth, 2005), p. 516.
  23. ^ Heal, Bridget (20 February 2018). "The Reformation and Lutheran Baroque". Oxford University Press. Retrieved 1 May 2018. However, the writings of theologians can go only so far towards explaining the evolution of confessional consciousness and the shaping of religious identity. Lutheran attachment to religious images was a result not only of Luther's own cautious endorsement of their use, but also of the particular religious and political context in which his Reformation unfolded. After the reformer's death in 1546, the image question was fiercely contested once again. But as Calvinism, with its iconoclastic tendencies, spread, Germany's Lutherans responded by reaffirming their commitment to the proper use of religious images. In 1615, Berlin's Lutheran citizens even rioted when their Calvinist rulers removed images from the city's Cathedral.
  24. ^ Ducher, p. 102
  25. ^ a b Ducher (1988) pp. 106–107
  26. ^ Ducher (1988), p. 102
  27. ^ a b c Bailey 2012, p. 211.
  28. ^ Hodge 2019, p. 29.
  29. ^ Bailey 2012, p. 213.
  30. ^ Hopkins 2014, p. 73.
  31. ^ Cabanne (1988) p.12
  32. ^ Ducher (1988)
  33. ^ a b Ducher (1988) p. 104.
  34. ^ Cabanne (1988) p. 15
  35. ^ Cabanne (1988), pp. 18–19.
  36. ^ 1000 de Minuni Arhitecturale (in Romanian). Editura Aquila. 2009. p. 190. ISBN 978-973-714-450-8.
  37. ^ Bailey 2012, p. 12.
  38. ^ Cabanne (1988) page 48–49
  39. ^ a b c Cabanne (1988) pp. 48–51
  40. ^ Cabanne (1988) p. 63
  41. ^ 1000 de Minuni Arhitecturale (in Romanian). Editura Aquila. 2009. p. 208. ISBN 978-973-714-450-8.
  42. ^ Bailey 2012, p. 216.
  43. ^ Bailey 2012, p. 188.
  44. ^ a b Jones 2014, p. 230.
  45. ^ Hopkins 2014, p. 77.
  46. ^ Bailey 2012, p. 231.
  47. ^ a b Ducher (2014), p. 92.
  48. ^ Cabanne (1988), pp. 89–94.
  49. ^ "Kolumna Zygmunta III Wazy w Warszawie". Culture.pl. Retrieved 24 June 2019.
  50. ^ "WILANÓW PALACE". www.anothertravelguide.com. Retrieved 24 June 2019.
  51. ^ "Tylman z Gameren – architekt Warszawy: Polak z wyboru, Holender z pochodzenia". CODART. Retrieved 24 June 2019.
  52. ^ "Holy Roman Empire Architecture".
  53. ^ Ducher (1988) pp. 104–105.
  54. ^ Hopkins 2014, p. 85.
  55. ^ Sharman, Ruth (2022). Yves Saint Laurent & Art. Thames & Hudson. p. 147. ISBN 978-0-500-02544-4.
  56. ^ Hopkins 2014, p. 86.
  57. ^ Martin, Henry (1927). Le Style Louis XIV (in French). Flammarion. p. 39.
  58. ^ Larbodière, Jean-Marc (2015). L'Architecture de Paris des Origins à Aujourd'hui (in French). Massin. p. 73. ISBN 978-2-7072-0915-3.
  59. ^ Bailey 2012, p. 238.
  60. ^ Martin, Henry (1927). Le Style Louis XIV (in French). Flammarion. p. 31.
  61. ^ Martin, Henry (1927). Le Style Louis XIV (in French). Flammarion. p. 21.
  62. ^ Martin, Henry (1927). Le Style Louis XIV (in French). Flammarion. p. 18.
  63. ^ Martin, Henry (1927). Le Style Louis XIV (in French). Flammarion. p. 15.
  64. ^ Martin, Henry (1927). Le Style Louis XIV (in French). Flammarion. p. 37.
  65. ^ Cabanne (1988) pp. 25–32.
  66. ^ Jones 2014, p. 223.
  67. ^ Hopkins 2014, pp. 84, 85.
  68. ^ Cabanne (1988), pp. 28–33.
  69. ^ Bailey 2012, p. 269.
  70. ^ Bailey 2012, p. 245.
  71. ^ van Lemmen, Hans (2013). 5000 Years of Tiles. The British Museum Press. p. 129. ISBN 978-0-7141-5099-4.
  72. ^ Bailey 2012, p. 246.
  73. ^ "Age of the Baroque in Portugal". www.nga.gov.
  74. ^ "Caracterização da arquitetura chã". Archived from the original on 8 August 2014. Retrieved 3 February 2020.
  75. ^ Bury, J. B. (1956). "Late Baroque and Rococo in North Portugal". Journal of the Society of Architectural Historians. 15 (3): 7–15. doi:10.2307/987760. JSTOR 987760.
  76. ^ "Um Roteiro pelo Barroco bracarense". Taste Braga. 30 August 2017.
  77. ^ "Notícias – Direção Regional de Cultura do Norte". culturanorte.gov.pt. Archived from the original on 3 February 2020. Retrieved 3 February 2020.
  78. ^ Centre, UNESCO World Heritage. "Historic Centre of Oporto, Luiz I Bridge and Monastery of Serra do Pilar". UNESCO World Heritage Centre.
  79. ^ "Architecture and the Baroque". www.torredosclerigos.pt.
  80. ^ "Church of S. João Novo". www.upt.pt.
  81. ^ "DGPC | Pesquisa Geral". www.patrimoniocultural.gov.pt.
  82. ^ "DGPC | Pesquisa Geral". www.patrimoniocultural.gov.pt.
  83. ^ Bailey 2012, p. 360.
  84. ^ Bailey 2012, p. 354.
  85. ^ Bailey 2012, p. 358.
  86. ^ William Craft Brumfield (1993). "Chapter Eight: The Foundations of the Baroque in Saint Petersburg". A History of Russian Architecture. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-40333-7.
  87. ^ Conner Gorry (2018). 100 Places in Cuba Every Woman Should Go. Travelers' Tales. ISBN 978-1609521301.
  88. ^ "Iglesia de Santo Domingo". Ministry of Tourism of Chile website (in Spanish). Archived from the original on 21 January 2016.
  89. ^ Hopkins 2014, p. 83.
  90. ^ Fred S. Kleiner (2010). Gardner's Art through the Ages: The Western Perspective. Vol. 2 (Fifteen ed.). Boston: Cengage. p. 608. ISBN 978-1-305-64505-9.
  91. ^ Elena Phipps; Joanna Hecht; Cristina Esteras Martín (2004). The Colonial Andes: Tapestries and Silverwork, 1530–1830. New York: Metropolitan Museum of Art. p. 106. ISBN 030010491X.
  92. ^ Santiago Sebastián López (1990). El bárroco iberoamericano. Mensaje iconográfico. Madrid: Ediciones Encuentro. p. 241. ISBN 9788474902495.
  93. ^ Ananda Cohen Suarez (May 2016). "Painting Beyond the Frame: Religious Murals of Colonial Peru". MAVCOR of the Yale University.
  94. ^ Thomas da Costa Kaufmann (1999). "12 / East and West: Jesuit Art and Artists in Central Europe, and Central European Art in the Americas". In John W. O'Malley; Gauvin Alexander Bailey; Steven J. Harris; T. Frank Kennedy (eds.). The Jesuits: Cultures, Sciences, and the Arts, 1540–1773, Volume 1. University of Toronto Press. pp. 274–304. ISBN 978-0-8020-4287-3.
  95. ^ Gauvin Alexander Bailey (1999). Art on the Jesuit Missions in Asia and Latin America, 1542–1773. University of Toronto Press. pp. 4–10. ISBN 978-0-8020-8507-8.
  96. ^ José Maria Azcarate Ristori; Alfonso Emilio Perez Sanchez; Juan Antonio Ramirez Dominguez (1983). "Historia Del Arte".
  97. ^ Larousse (1990). Diccionario Enciclopedico Larousse. 12 Tomos. Barcelona: Editorial Planeta.
  98. ^ Bailey 2012, p. 226.
  99. ^ Bailey 2012, p. 378.
  100. ^ Florea, Vasile (2016). Arta Românească de la Origini până în Prezent (in Romanian). Litera. p. 243. ISBN 978-606-33-1053-9.
  101. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017, p. 216.
  102. ^ George Oprescu (1985). Manual de Istoria Artei - Barocu (in Romanian). Editura Meridiane. pp. 233, 234, 235, 236, 237, 238.
  103. ^ Hodge 2017, p. 23.
  104. ^ Fortenberry 2017, p. 246.
  105. ^ Fortenberry 2017, p. 244.
  106. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 150. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  107. ^ Fortenberry 2017, p. 243.
  108. ^ Fortenberry 2017, p. 256.
  109. ^ Fortenberry 2017, p. 262.
  110. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 425. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  111. ^ Morrill, Rebecca (2019). Great Women Artists. Phaidon. p. 304. ISBN 978-0-7148-7877-5.
  112. ^ Prater and Bauer, La Peinture du baroque (1997), p. 11
  113. ^ Prater and Bauer, La Peinture du baroque (1997), pp. 3–15
  114. ^ Prater and Bauer, La Peinture du baroque (1997), p. 12
  115. ^ "Elements of the Baroque Style." In Arts and Humanities Through the Eras, edited by Edward I. Bleiberg, James Allan Evans, Kristen Mossler Figg, Philip M. Soergel, and John Block Friedman, 466–470. Vol. 5, The Age of the Baroque and Enlightenment 1600–1800. Detroit, MI: Gale, 2005.
  116. ^ Ducher (1988) pp. 108–109
  117. ^ Cabanne (1988) pp. 102–104
  118. ^ Fortenberry 2017, p. 252.
  119. ^ "La Renommée à cheval sur Pégase". collections.louvre.fr. 1698. Retrieved 14 April 2022.
  120. ^ Boucher (1998), p. 146.
  121. ^ Boucher (1998), p. 16.
  122. ^ Jacquemart, Albert (2012). Decorative Art. Parkstone. p. 44. ISBN 978-1-84484-899-7.
  123. ^ "Cabinet parisien 17e siècle". musees-strasbourg.skin-web.org. Retrieved 13 September 2023.
  124. ^ "Pier Table". The Art Institute of Chicago.
  125. ^ Jacquemart, Albert (2012). Decorative Art. Parkstone. p. 70. ISBN 978-1-84484-899-7.
  126. ^ Bailey 2012, p. 287.
  127. ^ "Slant-Front Desk". The Art Institute of Chicago.
  128. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. p. 168.
  129. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (in Romanian). Cerces. pp. 176–177.
  130. ^ a b Renault and Lazé, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), p. 59
  131. ^ a b Palisca 2001.
  132. ^ Sachs, Curt (1919). Barockmusik [Baroque Music]. Jahrbuch der Musikbibliothek Peters (in German). Vol. 26. Leipzig: Edition Peters. pp. 7–15.
  133. ^ a b Bély (2005), pp. 152–54.
  134. ^ Erlich, Cyril (1990). The Piano: A History (rev. ed.). Oxford University Press, USA. ISBN 0-19-816171-9.
  135. ^ Powers, Wendy (October 2003). "The Piano: The Pianofortes of Bartolomeo Cristofori (1655–1731)". Heilbrunn Timeline of Art History. New York: The Metropolitan Museum of Art. Retrieved 27 January 2014.
  136. ^ Isacoff (2012), p. 23.
  137. ^ Heinrich Wölfflin, Renaissance und Barock (Munich: F. Bruckmann, 1888); in English, Renaissance and Baroque, trans. Kathrin Simon (Ithaca: Cornell University Press, 1964).
  138. ^ Sohm, Philip (1991). Pittoresco. Marco Boschini, His Critics, and Their Critiques of Painterly Brushwork in Seventeenth- and Eighteenth-Century Italy. Cambridge University Press. p. 126. ISBN 9780521382564.
  139. ^ "Baroque theatres and staging". Encyclopædia Britannica. Retrieved 14 November 2019.
  140. ^ González Mas (1980), pp. 1–2.
  141. ^ González Mas (1980), p. 8.
  142. ^ González Mas (1980), p. 13.
  143. ^ González Mas (1980), p. 91.
  144. ^ Lope de Vega, 2010, Comedias: El Remedio en la Desdicha. El Mejor Alcalde El Rey, pp. 446–447
  145. ^ Amadei-Pulice (1990), p. 6.
  146. ^ Wilson, Edward M.; Moir, Duncan (1992). Historia de la literatura española: Siglo De Oro: Teatro (1492–1700). Editorial Ariel, pp. 155–158
  147. ^ Amadei-Pulice (1990), pp. 26–27.
  148. ^ Molina Jiménez, María Belén (2008). El teatro musical de Calderón de la Barca: Análisis textual. EDITUM, p. 56
  149. ^ Amadei-Pulice (1990), pp. 6–9.
  150. ^ Kahn, Andrew; Lipovetsky, Mark; Reyfman, Irina; Sandler, Stephanie (2018). A History of Russian Literature. Oxford: Oxford University Press. pp. 153–157. ISBN 9780199663941.
  151. ^ a b c d Maya Ramos Smith; Concepción Reverte Bernal; Mercedes de los Reyes Peña (1996). América y el teatro español del Siglo de Oro. II Congreso Iberoamericano del Teatro – Tercera ponencia: Actores y compañías de América durante la época virreinal. Cádiz: Publications Service of the University of Cádiz. pp. 79–80, 85–86, 133–134, 141. ISBN 84-7786-536-1.
  152. ^ According to the playwright's own statements, he was born in Mexico City in 1580 or 1581. However, a baptismal certificate dated December 30, 1572 has been found in Taxco, belonging to a boy named Juan, son of Pedro Ruiz de Alarcón and Leonor de Mendoza, the poet's parents. Despite Alarcón's statements, most critics consider Taxco his birthplace. See Lola Josa, Juan Ruiz de Alarcón y su nuevo arte de entender la comedia, Madrid, International Association of Hispanists, 2008, pp. 7–14.
  153. ^ Bailey 2012, p. 328.
  154. ^ Bailey 2012, p. 332.
  155. ^ Bailey 2012, p. 334.
  156. ^ Bailey 2012, p. 336.
  157. ^ a b c Kluckert, Ehrenfried (2015). "Les Jardins Baroques". L'Art Baroque – Architecture – Sculpture – Peinture. Cologne: H.F. Ulmann. pp. 152–160. ISBN 978-3-8480-0856-8. (French translation from German)
  158. ^ Cohen, Gary B.; Szabo, Franz A.J. (31 December 2022). "Introduction Embodiments of Power: Building Baroque Cities in Austria and Europe". Embodiments of Power. Berghahn Books. pp. 1–8. doi:10.1515/9780857450500-004. ISBN 978-0-85745-050-0. Retrieved 1 December 2023.
  159. ^ moore544. "Baroque Replanning of Rome".{{cite web}}: CS1 maint: numeric names: authors list (link)
  160. ^ Rideout, Amy. Beyond the Façade: Haussmannization in Paris as a Transformation of ..., University of Tennessee Knoxville, Apr. 2016, trace.tennessee.edu/cgi/viewcontent.cgi?article=1321&context=pursuit.
  161. ^ Bausells, Marta (1 April 2016). "Story of cities #13: Barcelona's unloved planner invents science of 'urbanisation'". The Guardian. ISSN 0261-3077. Retrieved 1 December 2023.
  162. ^ Martin, Henry (1927). Le Style Louis XIV (in French). Flammarion. p. 38.
  163. ^ Hodge 2019, p. 95.
  164. ^ Hopkins 2014, p. 94.
  165. ^ Sund 2019, p. 104.
  166. ^ Sund 2019, p. 99, 100.
  167. ^ Hopkins 2014, p. 294.
  168. ^ a b Boucher (1998), p. 9.
  169. ^ asisbiz.com (27 January 2020). "Asisbiz article and photo's of 3 Zhongshan Road Shanghai China". asisbiz. Retrieved 24 October 2022.
  170. ^ "Grande console à ressaut central". collections.louvre.fr. Retrieved 20 September 2023.
  171. ^ Bresc-Bautier, Geneviève (2008). The Louvre, a Tale of a Palace. Musée du Louvre Éditions. p. 136. ISBN 978-2-7572-0177-0.
  172. ^ "Candélabre à onze lumières". collections.louvre.fr. Retrieved 20 September 2023.
  173. ^ a b Jones 2014, p. 296.
  174. ^ Jones 2014, p. 294.
  175. ^ The Architecture Book – Big Ideas Simply Explained. DK. 2023. p. 164. ISBN 978-0-2414-1503-0.
  176. ^ M. Jallut, C. Neuville (1966). Histoire des Styles Décoratifs (in French). Larousse. p. 37.
  177. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. pp. 128, 141.
  178. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. pp. 141, 143.
  179. ^ Sylvie, Chadenet (2001). French Furniture • From Louis XIII to Art Deco. Little, Brown and Company. p. 157.
  180. ^ Hopkins 2014, p. 203.
  181. ^ Giorgi, Rosa (2010). Secolul al XVII – lea – Secole de Artâ. rao. p. 76. ISBN 978-606-8251-30-1.
  182. ^ Hopkins, Owen (2020). Postmodern Architecture – Less is a Bore. Phaidon. p. 198. ISBN 978-0-7148-7812-6.
  183. ^ Hodge 2019, p. 102.
  184. ^ Hopkins, Owen (2020). Postmodern Architecture – Less is a Bore. Phaidon. p. 57. ISBN 978-0-7148-7812-6.
  185. ^ "Woonhuis, Herengracht 120, 1015 BT te Amsterdam". monumentenregister.cultureelerfgoed.nl. Retrieved 22 September 2023.
  186. ^ "Lambris du Cabinet de L'Hôtel Colbert de Villacerf". carnavalet.paris.fr. Retrieved 31 August 2023.
  187. ^ "Paire de Cases 'Fuseau'". amisdulouvre.fr. Retrieved 10 May 2023.

Sources

Further reading

External links

Wikimedia Commons has media related to Baroque art.