С древних времен греки , этруски и кельты населяли юг, центр и север итальянского полуострова соответственно. Очень многочисленным наскальным рисункам в Валькамонике около 8000 лет до нашей эры, и есть богатые останки этрусского искусства из тысяч гробниц, а также богатые останки из греческих колоний в Пестуме , Агридженто и других местах. Древний Рим , наконец, стал доминирующей итальянской и европейской державой. Римские останки в Италии необычайно богаты, от грандиозных императорских памятников самого Рима до исключительно сохранившихся обычных зданий в Помпеях и соседних местах. После падения Римской империи , в Средние века Италия оставалась важным центром не только искусства Каролингов , Оттоновского искусства императоров Священной Римской империи , нормандского искусства , но и византийского искусства Равенны и других мест.
Италия была главным центром художественного развития на протяжении всей эпохи Возрождения (1300–1600), начиная с Проторенессанса Джотто и достигнув особого пика в Высоком Возрождении Антонелло да Мессина , Леонардо да Винчи , Микеланджело и Рафаэля , чьи работы вдохновили позднюю фазу Возрождения, известную как маньеризм . Италия сохраняла свое художественное господство в 17 веке с барокко (1600–1750) и в 18 веке с неоклассицизмом (1750–1850). В этот период культурный туризм стал основной опорой итальянской экономики. И барокко, и неоклассицизм зародились в Риме [1] [2] и распространились на все западное искусство . Италия сохраняла свое присутствие на международной художественной сцене с середины XIX века, благодаря таким движениям, как « маккьяйоли» , футуризм , метафизика , «итальянский новеченто» , спациализм , «арте повера » и трансавангард .
Итальянское искусство оказало влияние на несколько крупных движений на протяжении веков и породило несколько великих художников, включая художников, архитекторов и скульпторов. Сегодня Италия занимает важное место на международной художественной сцене, имея несколько крупных художественных галерей, музеев и выставок; основные художественные центры страны включают Рим, Флоренцию, Венецию, Милан, Турин, Геную, Неаполь, Палермо, Сиракузы и другие города. В Италии находится 60 объектов Всемирного наследия , что является самым большим числом среди всех стран мира.
Этрусские бронзовые фигуры и терракотовые погребальные рельефы являются примерами активной центральноитальянской традиции, которая сошла на нет к тому времени, когда Рим начал строить свою империю на полуострове.
Этрусские картины, сохранившиеся до наших дней, в основном представляют собой настенные фрески из могил, в основном из Тарквинии . Это наиболее важный пример доримского изобразительного искусства в Италии, известный ученым.
Фрески представляют собой роспись поверх свежей штукатурки, так что когда штукатурка высыхает, картина становится частью штукатурки и неотъемлемой частью стены, что помогает ей так хорошо сохраниться (действительно, почти вся сохранившаяся этрусская и римская живопись выполнена в технике фрески). Краски изготавливались из камней и минералов разных цветов, которые измельчались и смешивались в среде, а тонкие кисти изготавливались из шерсти животных (даже лучшие кисти изготавливаются из бычьей шерсти). С середины IV века до н. э. для изображения глубины и объема начали использовать светотени . Иногда изображаются сцены повседневной жизни, но чаще традиционные мифологические сцены. Концепция пропорции не встречается ни в одной из сохранившихся фресок, и мы часто находим изображения животных или людей с некоторыми непропорциональными частями тела. Одна из самых известных этрусских фресок — фреска Гробницы львицы в Тарквинии.
Этруски были ответственны за строительство самых ранних монументальных зданий Рима. Римские храмы и дома были тесно связаны с этрусскими моделями. Элементы этрусского влияния в римских храмах включали подиум и акцент на передней части за счет остальных трех сторон. Большие этрусские дома были сгруппированы вокруг центрального зала во многом так же, как и римские города. Большие дома позже строились вокруг атриума . Влияние этрусской архитектуры постепенно снижалось во время республики под воздействием влияний (особенно греческих ) из других мест. Сама этрусская архитектура находилась под влиянием греков, так что когда римляне переняли греческие стили, это была не совсем чуждая культура. Во время республики, вероятно, наблюдалось устойчивое поглощение архитектурных влияний, в основном из эллинистического мира, но после падения Сиракуз в 211 г. до н. э. греческие произведения искусства хлынули в Рим. Во II веке до н. э. поток этих работ, и что более важно, греческих мастеров, продолжался, таким образом, решительно влияя на развитие римской архитектуры . К концу республики, когда Витрувий написал свой трактат об архитектуре, греческая архитектурная теория и пример были доминирующими. С расширением империи римская архитектура распространилась на обширную территорию, использовавшись как для общественных зданий, так и для некоторых более крупных частных. Во многих областях элементы стиля были подвержены влиянию местных вкусов, особенно декора, но архитектура оставалась узнаваемо римской. Стили народной архитектуры были в разной степени подвержены влиянию римской архитектуры, и во многих регионах римские и местные элементы встречаются в одном здании.
К I веку нашей эры Рим стал крупнейшим и самым развитым городом в мире. Древние римляне придумали новые технологии для улучшения городских санитарных систем, дорог и зданий. Они разработали систему акведуков, по которым в город поступала пресная вода, и построили канализацию, которая удаляла городские отходы. Самые богатые римляне жили в больших домах с садами. Однако большая часть населения жила в многоквартирных домах из камня, бетона или известняка. Римляне разработали новые технологии и использовали такие материалы, как вулканическая почва из Поццуоли, деревни недалеко от Неаполя, чтобы сделать свой цемент более твердым и прочным. Этот бетон позволил им строить большие многоквартирные дома, называемые инсулами .
Настенные росписи украшали дома богатых людей. На картинах часто изображались садовые пейзажи, события из греческой и римской мифологии, исторические сцены или сцены повседневной жизни. Римляне украшали полы мозаикой — картинами или узорами, созданными из небольших цветных плиток. Богато раскрашенные картины и мозаики помогали сделать комнаты в римских домах больше и ярче и демонстрировать богатство владельца. [3]
В христианскую эпоху поздней империи, с 350 по 500 г. н. э., процветали настенная живопись, мозаичные потолки и напольные работы, а также погребальная скульптура, в то время как полноразмерная скульптура в круглой и панельной живописи вымерла, скорее всего, по религиозным причинам. [4] Когда Константин перенес столицу империи в Византию (переименованную в Константинополь ), римское искусство включило в себя восточные влияния, чтобы создать византийский стиль поздней империи. Когда Рим был разграблен в V веке, ремесленники переехали и нашли работу в восточной столице. Церковь Святой Софии в Константинополе наняла около 10 000 рабочих и ремесленников, что стало последним всплеском римского искусства при императоре Юстиниане I , который также приказал создать знаменитые мозаики Равенны . [5]
На протяжении всего Средневековья итальянское искусство состояло в основном из архитектурных украшений (фресок и мозаик). Византийское искусство в Италии было очень формальным и изысканным украшением со стандартизированной каллиграфией и восхитительным использованием цвета и золота. До 13-го века искусство в Италии было почти полностью региональным, находившимся под влиянием внешних европейских и восточных течений. После 1250 года искусство различных регионов развивало общие черты, так что наблюдается определенное единство, а также большая оригинальность.
С падением западной столицы Римская империя просуществовала еще 1000 лет под руководством Константинополя . [6] Византийские ремесленники использовались в важных проектах по всей Италии, и так называемые итало-византийские стили живописи можно найти вплоть до XIV века.
Итало-византийский стиль изначально охватывает религиозные картины, копирующие или имитирующие стандартные византийские типы икон , но написанные художниками без обучения византийским техникам. Это версии византийских икон, в основном Мадонны с младенцем , но также и других сюжетов; по сути, они представили относительно небольшую переносную картину с рамой в Западной Европе. Очень часто они находятся на золотом фоне . Это был доминирующий стиль в итальянской живописи до конца XIII века , когда Чимабуэ и Джотто начали выводить итальянскую или, по крайней мере, флорентийскую живопись на новую территорию. Но стиль продолжал существовать до XV века и позже в некоторых областях и контекстах. [7]
Duecento — итальянский термин для обозначения культуры XIII века. В этот период готическая архитектура , которая зародилась в Северной Европе, распространилась на юг в Италию, по крайней мере на севере. Доминиканский и францисканский ордены монахов , основанные святым Домиником и святым Франциском Ассизским соответственно, стали популярными и хорошо финансировались в этот период и приступили к масштабным строительным программам, в основном используя более дешевую и менее богато украшенную версию готики. Большие схемы фресковых росписей были дешевы и могли использоваться для обучения прихожан. Базилика Святого Франциска Ассизского , по сути, две большие церкви, одна над другой на холмистом участке, является одним из лучших примеров, начатым в 1228 году и расписанным фресками Чимабуэ , Джотто , Симоне Мартини , Пьетро Лоренцетти и, возможно , Пьетро Каваллини , большинства ведущих художников того периода.
Треченто — итальянский термин для обозначения культуры XIV века. Этот период считается началом итальянского Возрождения или, по крайней мере, Проторенессанса в истории искусств. Художниками Треченто были Джотто ди Бондоне , а также художники сиенской школы , которая стала самой важной в Италии в течение столетия, включая Дуччо ди Буонинсенья , Симоне Мартини , Липпо Мемми , Амброджо Лоренцетти и его брата Пьетро . Среди выдающихся скульпторов были два ученика Джованни Пизано : Арнольфо ди Камбио и Тино ди Камайно , а также Бонино да Кампионе .
В средние века художники и скульпторы пытались придать своим работам духовное качество. Они хотели, чтобы зрители сосредоточились на глубоком религиозном смысле их картин и скульптур. Но художники и скульпторы эпохи Возрождения, как и писатели эпохи Возрождения, хотели реалистично изображать людей и природу. Средневековые архитекторы проектировали огромные соборы, чтобы подчеркнуть величие Бога и смирить человеческий дух. Архитекторы эпохи Возрождения проектировали здания, пропорции которых основывались на пропорциях человеческого тела, а орнаментация имитировала античные образцы.
.jpg/1280px-La_nascita_di_Venere_(Botticelli).jpg)
В начале XIV века флорентийский художник Джотто стал первым художником, реалистично изображавшим природу после падения Римской империи. Он создал великолепные фрески (живопись по сырой штукатурке) для церквей в Ассизи, Флоренции, Падуе и Риме. Джотто пытался создавать реалистичные фигуры, демонстрирующие настоящие эмоции. Он изображал многие из своих фигур в реалистичных условиях.
В начале XV века работала замечательная группа флорентийских архитекторов, художников и скульпторов . Среди них были художник Мазаччо , скульптор Донателло и архитектор Филиппо Брунеллески .
Лучшим произведением Мазаччо была серия фресок, написанных им около 1427 года в капелле Бранкаччи церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции. Фрески реалистично изображают библейские сцены эмоциональной интенсивности. В этих картинах Мазаччо использовал систему Брунеллески для достижения линейной перспективы.
В своих скульптурах Донателло пытался изобразить достоинство человеческого тела в реалистичных и часто драматичных деталях. Среди его шедевров — три статуи библейского героя Давида. В версии, законченной в 1430-х годах, Донателло изобразил Давида как изящного, обнаженного юношу, через несколько мгновений после того, как он убил великана Голиафа. Работа высотой около 5 футов (1,5 метра) стала первой большой отдельно стоящей обнаженной фигурой, созданной в западном искусстве со времен классической античности.
Брунеллески был первым архитектором эпохи Возрождения, возродившим древнеримский стиль архитектуры. Он использовал арки, колонны и другие элементы классической архитектуры в своих проектах. Одно из его самых известных зданий — прекрасно и гармонично пропорциональная капелла Пацци во Флоренции. Часовня, строительство которой началось в 1442 году и было завершено около 1465 года, была одним из первых зданий, спроектированных в новом стиле эпохи Возрождения. Брунеллески также был первым художником эпохи Возрождения, освоившим линейную перспективу — математическую систему, с помощью которой художники могли показывать пространство и глубину на плоской поверхности.
_-_The_Last_Supper_(1495-1498).jpg/1280px-Leonardo_da_Vinci_(1452-1519)_-_The_Last_Supper_(1495-1498).jpg)
Искусство конца XV и начала XVI века определялось тремя людьми: Леонардо да Винчи , Микеланджело и Рафаэль .
Леонардо да Винчи написал два самых известных произведения искусства эпохи Возрождения: настенную живопись « Тайная вечеря» и портрет «Мона Лиза» . У Леонардо был один из самых пытливых умов за всю историю. Он хотел знать, как работает все, что он видел в природе. На более чем 4000 страницах блокнотов он рисовал подробные схемы и записывал свои наблюдения. Леонардо делал тщательные зарисовки человеческих скелетов и мышц, пытаясь узнать, как работает тело. Благодаря своему пытливому уму Леонардо стал символом духа познания и интеллектуального любопытства эпохи Возрождения. [8]
Микеланджело преуспел как художник, архитектор и поэт. Кроме того, его называли величайшим скульптором в истории. [9] Микеланджело был мастером изображения человеческой фигуры. Например, его знаменитая статуя израильского вождя Моисея (1516) производит подавляющее впечатление физической и духовной силы. Эти качества также проявляются во фресках на библейские и классические сюжеты, которые Микеланджело нарисовал на потолке Сикстинской капеллы в Ватикане . Фрески, написанные с 1508 по 1512 год, входят в число величайших произведений искусства эпохи Возрождения.
Картины Рафаэля мягче по контуру и поэтичнее картин Микеланджело. Рафаэль был искусен в создании перспективы и в тонком использовании цвета. Он написал ряд картин Мадонны (Девы Марии) и множество выдающихся портретов. Одной из его величайших работ является фреска « Афинская школа» . Картина была создана под влиянием классических греческих и римских моделей. На ней изображены великие философы и ученые Древней Греции в окружении классических арок. Таким образом, Рафаэль устанавливал связь между культурой классической античности и итальянской культурой своего времени.
Создателем архитектуры Высокого Возрождения был Донато Браманте , который приехал в Рим в 1499 году, когда ему было 55 лет. Его первый римский шедевр, Темпьетто (1502) в Сан-Пьетро-ин-Монторио, представляет собой централизованную купольную конструкцию, которая напоминает архитектуру классического храма. Папа Юлий II выбрал Браманте папским архитектором, и вместе они разработали план замены старого собора Святого Петра IV века новой церковью гигантских размеров. Однако проект был завершен лишь спустя долгое время после смерти Браманте.
Маньеризм был элегантным, придворным стилем. Он процветал во Флоренции, Италия, где его ведущими представителями были Джорджо Вазари и Бронзино . Стиль был представлен французскому двору Россо Фьорентино и Франческо Приматиччо . Венецианский художник Тинторетто находился под влиянием этого стиля.
Маньеристский подход к живописи также оказал влияние на другие формы искусства. В архитектуре ярким примером является творчество Джулио Романо . Главными представителями стиля в скульптуре были итальянец Бенвенуто Челлини и фламандец Джамболонья . [10]
Некоторые историки рассматривают этот период как вырождение классицизма Высокого Возрождения или даже как интермедию между Высоким Возрождением и барокко; в этом случае даты обычно припадают на период с 1520 по 1600 год, и он считается позитивным стилем, завершенным сам по себе.
.jpg/1280px-The_Calling_of_Saint_Matthew-Caravaggo_(1599-1600).jpg)
В начале XVII века Рим стал центром возрождения итальянского господства в искусстве. В Парме Антонио да Корреджо украсил церковные своды живыми фигурами, плавно плывущими на облаках — схема, которая оказала глубокое влияние на барочную потолочную живопись. Бурные картины светотени Караваджо и мощные, иллюзионистские картины семьи Болоньи Карраччи дали начало периоду барокко в итальянском искусстве. Доменикино , Франческо Альбани и позднее Андреа Сакки были среди тех, кто осуществлял классические импликации в искусстве Карраччи.
С другой стороны, Гвидо Рени , Гверчино , Орацио Джентилески , Джованни Ланфранко , а позднее Пьетро да Кортона и Андреа Поццо , хотя и были основательно обучены в классически-аллегорическом стиле, поначалу были склонны рисовать динамичные композиции, полные жестикулирующих фигур, в манере, близкой к манере Караваджо. Возвышающимся виртуозом барочного изобилия и величия в скульптуре и архитектуре был Джан Лоренцо Бернини . К 1640 году многие художники склонялись к классическому стилю, который был выдвинут на первый план в Риме французским эмигрантом Никола Пуссеном . Скульпторы Алессандро Альгарди и Франсуа Дюкенуа также тяготели к классике. Известными художниками позднего барокко являются генуэзец Джованни Баттиста Гаулли и неаполитанцы Лука Джордано и Франческо Солимена .
Великие светила 18 века были выходцами из Венеции. Среди них были блестящий представитель стиля рококо Джованни Баттиста Тьеполо ; художники-архитекторы Франческо Гварди , Каналетто , Джованни Баттиста Пьяццетта и Бернардо Беллотто ; и гравер римских древностей Джованни Баттиста Пиранези .
Итальянский неоклассицизм был самым ранним проявлением общего периода, известного как неоклассицизм , и просуществовал дольше, чем другие национальные варианты неоклассицизма. Он развивался в противовес стилю барокко около 1750 года и просуществовал до 1850 года. Неоклассицизм начался около периода повторного открытия Помпей и распространился по всей Европе, когда поколение студентов-художников вернулось в свои страны из Гранд-тура по Италии с заново открытыми греко-римскими идеалами.
Как и в других частях Европы, итальянское неоклассическое искусство в основном основывалось на принципах древнеримского и древнегреческого искусства и архитектуры, а также на итальянской архитектуре эпохи Возрождения и ее основах, таких как вилла Капра «Ла Ротонда» . [11] Классицизм и неоклассицизм в итальянском искусстве и архитектуре развивались в эпоху итальянского Возрождения , в частности, в трудах и проектах Леона Баттисты Альберти и работах Филиппо Брунеллески .
.jpg/1280px-El_Beso_(Pinacoteca_de_Brera,_Mil%C3%A1n,_1859).jpg)
Он делает акцент на симметрии , пропорции, геометрии и регулярности частей, как они продемонстрированы в архитектуре классической античности и, в частности, в архитектуре Древнего Рима , многие примеры которой сохранились. Упорядоченное расположение колонн , пилястр и перемычек , а также использование полукруглых арок, полусферических куполов , ниш и эдикул заменили более сложные пропорциональные системы и нерегулярные профили средневековых зданий. Этот стиль быстро распространился на другие итальянские города, а затем и на остальную часть континентальной Европы.
Сначала он сосредоточился в Риме, где во второй половине XVIII века творили такие художники, как Антонио Канова и Жак-Луи Давид , а затем переехал в Париж. Художники ведут , такие как Каналетто и Джованни Паоло Панини , также пользовались огромным успехом во время Гранд-тура. Скульптор Антонио Канова был ведущим представителем неоклассического стиля. Получив международную известность, он считался самым блестящим скульптором в Европе. [12] Франческо Айец является величайшим представителем романтизма в Италии: многие из его работ, как правило, средневекового обрамления, содержат зашифрованное патриотическое послание Рисорджименто . Неоклассицизм был последним стилем, рожденным в Италии, после Ренессанса и барокко , который распространился на все западное искусство.
Италия создала свою собственную форму импрессионизма , художников Macchiaioli , которые были там первыми, до более известных импрессионистов: Джованни Фаттори , Сильвестро Лега , Телемако Синьорини , Джузеппе Аббати . Художники Macchiaioli были предшественниками импрессионизма во Франции. Они считали, что области света и тени, или macchie (буквально пятна или заплатки), были главными компонентами произведения искусства. Слово macchia обычно использовалось итальянскими художниками и критиками в 19 веке для описания сверкающего качества рисунка или картины, будь то из-за схематичного и спонтанного исполнения или из-за гармоничной широты его общего эффекта.
Враждебный обзор, опубликованный 3 ноября 1862 года в журнале Gazzetta del Popolo , знаменует собой первое появление в печати термина Macchiaioli. [13] Термин имел несколько коннотаций: он насмешливо подразумевал, что законченные работы художников были не более чем набросками, и напоминал фразу «darsi alla macchia», означавшую, идиоматически, прятаться в кустах или кустарнике. Художники, на самом деле, рисовали большую часть своих работ в этих диких местах. Это значение имени также отождествляло художников с преступниками, отражая точку зрения традиционалистов, что новая школа художников работала вне правил искусства, в соответствии со строгими законами, определявшими художественное выражение в то время.
В начале 20-го века представители футуризма разработали динамическое видение современного мира, в то время как Джорджо де Кирико выразил странное метафизическое спокойствие, а Амедео Модильяни присоединился к школе Парижа. Талантливые художники позднего модерна включают скульпторов Джакомо Манцу , Марино Марини , художника натюрморта Джорджо Моранди и иконоборческого художника Лучо Фонтана . Во второй половине 20-го века итальянские дизайнеры, особенно миланские, оказали глубокое влияние на международные стили своими творческими и гениальными функциональными работами.
Футуризм был итальянским художественным движением, которое процветало с 1909 по 1916 год. Это было первое из многих художественных движений, которые пытались порвать с прошлым во всех областях жизни. Футуризм прославлял силу, скорость и волнение, которые характеризовали век машин. От французских художников-кубистов и фотографии с множественной экспозицией футуристы научились разбивать реалистические формы на множественные изображения и перекрывающиеся фрагменты цвета. Таким образом, они пытались изобразить энергию и скорость современной жизни. В литературе футуризм требовал отмены традиционных структур предложений и стихотворных форм. [15]
Футуризм был впервые заявлен 20 февраля 1909 года, когда парижская газета Le Figaro опубликовала манифест итальянского поэта и редактора Филиппо Томмазо Маринетти . (См. Манифест футуризма .) Маринетти придумал слово футуризм, чтобы отразить свою цель — отказаться от искусства прошлого и прославить перемены, оригинальность и инновации в культуре и обществе. Манифест Маринетти прославлял новую технологию автомобиля и красоту его скорости, мощи и движения. Превознося насилие и конфликт, он призывал к всеобщему отказу от традиционных ценностей и разрушению культурных учреждений, таких как музеи и библиотеки. Риторика манифеста была страстно напыщенной; его агрессивный тон был намеренно направлен на то, чтобы вызвать общественный гнев и вызвать споры.
Манифест Маринетти вдохновил группу молодых художников в Милане применить идеи футуризма в изобразительном искусстве. Умберто Боччони , Карло Карра , Луиджи Руссоло , Джакомо Балла и Джино Северини опубликовали несколько манифестов о живописи в 1910 году. Как и Маринетти, они прославляли оригинальность и выражали свое презрение к унаследованным художественным традициям.
Боччони также заинтересовался скульптурой , опубликовав манифест на эту тему весной 1912 года. Считается, что он наиболее полно реализовал свои теории в двух скульптурах: « Развитие бутылки в пространстве» (1912), в которой он представил как внутренние, так и внешние контуры бутылки, и «Уникальные формы непрерывности в пространстве » (1913), в которой человеческая фигура не изображается как одна сплошная форма, а вместо этого состоит из нескольких плоскостей в пространстве, через которые движется фигура. Реалистичные принципы распространились и на архитектуру. Антонио Сант'Элия сформулировал футуристический манифест об архитектуре в 1914 году. Его визионерские рисунки высокомеханизированных городов и смелых современных небоскребов предвосхищают некоторые из самых воображаемых архитектурных планов 20-го века.
Боччони, который был самым талантливым художником в группе, [16] и Сант'Элия оба погибли во время военной службы в 1916 году. Смерть Боччони, в сочетании с расширением состава группы и отрезвляющей реальностью разрушений, вызванных Первой мировой войной , фактически положили конец футуристскому движению как важной исторической силе в изобразительном искусстве.
Метафизическая живопись — итальянское художественное течение, зародившееся в 1917 году в Ферраре с работами Карло Карра и Джорджо де Кирико . Слово «метафизический», принятое самим Де Кирико, является основным в поэтике движения.
Они изображали сновидные образы, с фигурами и объектами, которые кажутся застывшими во времени. Художники метафизической живописи принимают изображение видимого мира в традиционном перспективном пространстве, но необычное расположение людей как манекенов, объектов в странных, нелогичных контекстах, нереальные огни и цвета, неестественную статику неподвижных фигур.
Движение Новеченто — группа итальянских художников, образованная в 1922 году в Милане, которая выступала за возвращение к великому итальянскому изобразительному искусству прошлого.
Основателями движения Новеченто ( итал . 20 век) были критик Маргерита Сарфатти и семь художников: Ансельмо Буччи , Леонардо Дюдревиль , Акилле Фуни , Джан Эмилио Малерба, Пьеро Маруссиг, Убальдо Оппи и Марио Сирони. Под руководством Сарфатти группа стремилась обновить итальянское искусство, отвергнув европейские авангардные движения и приняв художественные традиции Италии.
Среди других художников, связанных с Новеченто, были скульпторы Марино Марини и Артуро Мартини , а также художники Оттоне Розаи , Массимо Кампильи , Карло Карра и Феличе Казорати .
Движение, основанное итальянским художником Лучо Фонтана как спациализм , его принципы были повторены в манифестах между 1947 и 1954 годами.
Объединяя элементы конкретного искусства, дадаизма и ташизма, приверженцы движения отвергли станковую живопись и приняли новые технологические разработки, стремясь включить время и движение в свои работы. Разрезанные и пронзенные картины Фонтаны иллюстрируют его тезисы.
Arte Povera — художественное движение, возникшее в Италии в 1960-х годах, сочетающее в себе аспекты концептуального, минималистского и перформансного искусства, и использующее бесполезные или обычные материалы, такие как земля или газеты, в надежде подорвать коммерциализацию искусства. Фраза итальянского происхождения и буквально означает «обесцененное искусство».
Термин «трансавангард» был придуман итальянским критиком Акилле Бонито Оливой . Он определил трансавангардное искусство как традиционное по формату (то есть, в основном, живопись или скульптура); аполитичное; и, прежде всего, эклектичное.
Согласно поправкам 2017 года к итальянскому Кодексу культурных ценностей и пейзажей , [17] [18] произведение искусства может быть юридически определено как представляющее общественный и культурный интерес, если оно было завершено не менее 70 лет назад. Предыдущий предел составлял 50 лет. Чтобы облегчить экспорт и международную торговлю предметами искусства как средством сбережения , частным владельцам и их дилерам впервые была предоставлена возможность самостоятельно сертифицировать коммерческую стоимость менее 13 500 евро, чтобы иметь право вывозить товары за пределы страны и в Европейский Союз без необходимости получения государственного административного разрешения. [19] [20] Законопроект был принят и вступил в силу 29 августа 2017 года . [18] Для археологических останков, обнаруженных под землей или под уровнем моря, должно быть предоставлено государственное разрешение. [17]
