stringtranslate.com

Театр

По часовой стрелке, слева направо:

Театр или театр [а] — это совместная форма исполнительского искусства , которая использует живых исполнителей, обычно актеров или актрис , для представления опыта реального или воображаемого события перед живой аудиторией в определенном месте, часто на сцене. Исполнители могут передавать этот опыт аудитории посредством сочетания жеста , речи, песни, музыки и танца . Это старейшая форма драмы , хотя к живому театру теперь присоединились современные записанные формы. Элементы искусства, такие как нарисованные декорации и сценическое мастерство, такое как освещение, используются для усиления телесности, присутствия и непосредственности опыта. [1] Места, обычно здания, где регулярно проходят представления, также называются «театрами» (или «театрами»), что происходит от древнегреческого θέατρον (théatron, «место для просмотра»), которое в свою очередь происходит от θεάομαι (theáomai, «видеть», «смотреть», «наблюдать»). [2]

Современный западный театр в значительной степени происходит от театра Древней Греции , из которого он заимствует техническую терминологию, классификацию по жанрам и многие из его тем , основных персонажей и сюжетных элементов. Театральный художник Патрис Павис определяет театральность, театральный язык , сценическое письмо и специфику театра как синонимичные выражения, которые отличают театр от других исполнительских искусств , литературы и искусств в целом. [3] [b]

Театральная компания — это организация, которая занимается постановкой театральных представлений, [4] в отличие от театральной труппы (или актерской компании), которая представляет собой группу театральных исполнителей, работающих вместе. [5] [6]

Современный театр включает в себя постановки пьес и музыкальный театр . Формы искусства балета и оперы также являются театром и используют много условностей, таких как актерская игра , костюмы и постановка. Они оказали влияние на развитие музыкального театра .

История театра

Классическая и эллинистическая Греция

Греческий театр Таормины , Сицилия , Италия
Изображение актеров, играющих роли господина (справа) и его раба (слева) в греческой пьесе флиакс , ок.  350/340 гг. до н. э.

Город -государство Афины — место , где зародился западный театр. [7] [8] [9] [c] Он был частью более широкой культуры театральности и представлений в классической Греции , которая включала фестивали , религиозные ритуалы , политику , право , атлетику и гимнастику, музыку , поэзию , свадьбы, похороны и симпозиумы . [10] [9] [11] [12] [d]

Участие во многих фестивалях города-государства — и обязательное посещение Городских Дионисий в качестве зрителя (или даже участника театральных постановок) в частности — было важной частью гражданства . [14] Гражданское участие также включало оценку риторики ораторов , демонстрируемой в выступлениях в суде или политическом собрании , которые понимались как аналоги театра и все больше впитывали его драматический словарь. [15] [16] Греки также разработали концепции драматической критики и театральной архитектуры. [17] [18] [19] [ проверка не удалась ] Актеры были либо любителями, либо, в лучшем случае, полупрофессионалами. [20] Театр Древней Греции состоял из трех типов драмы : трагедии , комедии и сатировской пьесы . [21]

Истоки театра в Древней Греции, по мнению Аристотеля (384–322 гг. до н. э.), первого теоретика театра, следует искать в празднествах, которые чествовали Диониса. Представления давались в полукруглых аудиториях, высеченных в склонах холмов, способных вместить 10 000–20 000 человек. Сцена состояла из танцевальной площадки (оркестра), гримерной и зоны построения сцены (скены). Поскольку слова были самой важной частью, хорошая акустика и четкая подача имели первостепенное значение. Актеры (всегда мужчины) носили маски, соответствующие персонажам, которых они представляли, и каждый мог играть несколько ролей. [22]

Афинская трагедия — древнейшая сохранившаяся форма трагедии — это тип танцевальной драмы, которая составляла важную часть театральной культуры города-государства. [7] [8] [9] [23] [24] [e] Возникнув где-то в VI веке до н. э., она расцвела в V веке до н. э. (с конца которого она начала распространяться по всему греческому миру) и продолжала быть популярной до начала эллинистического периода . [26] [27] [8] [f]

не сохранилось ни одной трагедии VI века до н. э. и только 32 из более чем тысячи, поставленных в V веке до н. э. [29] [30] [g] У нас есть полные тексты Эсхила , Софокла и Еврипида . [31] [h] Истоки трагедии остаются неясными, хотя к V веку до н. э. она была институционализирована в соревнованиях ( агонах ), проводившихся как часть празднеств в честь Диониса ( бога вина и плодородия ). [32] [33] В качестве участников конкурса Городских Дионисий (самого престижного из фестивалей для постановки драмы) драматурги должны были представить тетралогию пьес (хотя отдельные произведения не обязательно были связаны сюжетом или темой), которая обычно состояла из трех трагедий и одной сатировской пьесы. [34] [35] [i] Представление трагедий на Городских Дионисиях, возможно, началось уже в 534 г. до н. э.; официальные записи ( didaskaliai ) начинаются с 501 г. до н. э., когда была введена пьеса сатиров. [36] [34] [j]

Большинство афинских трагедий драматизируют события из греческой мифологии , хотя «Персы », в которых инсценируется персидский ответ на известие об их военном поражении в битве при Саламине в 480 г. до н. э., являются заметным исключением среди сохранившихся драм. [34] [k] Когда Эсхил получил за нее первую премию на Городских Дионисиях в 472 г. до н. э., он писал трагедии уже более 25 лет, однако ее трагическое отношение к недавней истории является самым ранним примером драмы , сохранившимся до наших дней. [34] [38] Более 130 лет спустя философ Аристотель проанализировал афинскую трагедию V века в старейшем сохранившемся труде по теории драмы — своей «Поэтике» ( ок.  335 г. до н. э. ).

Афинская комедия условно делится на три периода: «Старая комедия», «Средняя комедия» и «Новая комедия». Старая комедия сохранилась сегодня в основном в виде одиннадцати сохранившихся пьес Аристофана , в то время как Средняя комедия в значительной степени утрачена (сохранилась только в относительно коротких фрагментах у таких авторов, как Афиней из Навкратиса ). Новая комедия известна в основном по существенным фрагментам папируса Менандра . Аристотель определял комедию как изображение смешных людей, которое включает в себя какую-то ошибку или уродство, которые не вызывают боли или катастрофы. [l]

В дополнение к категориям комедии и трагедии на Городских Дионисиях, фестиваль также включал Сатирскую пьесу . Находя свои истоки в сельских, сельскохозяйственных ритуалах, посвященных Дионису, сатирская пьеса в конечном итоге нашла свой путь в Афины в своей самой известной форме. Сами сатиры были привязаны к богу Дионису как его верные лесные товарищи, часто участвуя в пьяном разгуле и озорстве рядом с ним. Сама сатирская пьеса была классифицирована как трагикомедия, отклоняясь в сторону более современных традиций бурлеска начала двадцатого века. Сюжетные линии пьес, как правило, были связаны с делами пантеона богов и их участием в человеческих делах, подкрепленными хором сатиров . Однако, по словам Вебстера , актеры-сатиры не всегда исполняли типичные действия сатиров и нарушали актерские традиции, приписанные типу персонажа мифического лесного существа. [39]

Римский театр

Римская мозаика с изображением актеров и игрока на авлосе (Дом трагического поэта, Помпеи ).

Западный театр значительно развился и расширился при римлянах . Римский историк Ливий писал, что римляне впервые столкнулись с театром в 4 веке до н. э., с представлением этрусских актеров . [40] Бичем утверждает, что они были знакомы с «дотеатральными практиками» за некоторое время до этого зафиксированного контакта. [41] Театр Древнего Рима был процветающей и разнообразной формой искусства, начиная от праздничных представлений уличного театра , обнаженных танцев и акробатики , до постановки широко привлекательных комедий положений Плавта и высококлассных , словесно сложных трагедий Сенеки . Хотя в Риме была исконная традиция представления, эллинизация римской культуры в 3 веке до н. э. оказала глубокое и энергичное воздействие на римский театр и способствовала развитию латинской литературы высочайшего качества для сцены. Единственными сохранившимися пьесами Римской империи являются десять драм, приписываемых Луцию Аннею Сенеке (4 г. до н. э. – 65 г. н. э.), стоическому философу, родившемуся в Кордубе, и наставнику Нерона. [42]

индийский театр

Ракшаса или демон, изображенный в Якшагане , форме музыкального танца - драмы из Индии.

Первой формой индийского театра был санскритский театр , [43] самые ранние сохранившиеся фрагменты которого датируются I веком н. э. [44] [45] Он начался после развития греческого и римского театра и до развития театра в других частях Азии. [43] Он возник где-то между II веком до н. э. и I веком н. э. и процветал между I веком н. э. и X веком, что было периодом относительного мира в истории Индии , в течение которого были написаны сотни пьес. [46] [47] Богатство археологических свидетельств более ранних периодов не дает никаких указаний на существование традиции театра. [47] Древние Веды ( гимны между 1500 и 1000 годами до н. э., которые являются одними из самых ранних примеров литературы в мире) не содержат намека на него (хотя небольшое количество составлено в форме диалога ), а ритуалы ведического периода , по-видимому, не развились в театр. [47] « Махабхашья » Патанджали содержит самое раннее упоминание о том, что могло быть зачатками санскритской драмы. [48] Этот трактат по грамматике, датируемый 140 годом до н. э., дает достоверную дату зарождения театра в Индии . [48]

Основным источником доказательств для санскритского театра является «Трактат о театре» ( Nātyaśāstra ), сборник, дата составления которого неизвестна (оценки варьируются от 200 г. до н. э. до 200 г. н. э.) и авторство которого приписывается Бхарате Муни . Трактат является наиболее полным произведением драматургии в древнем мире. Он рассматривает актерское мастерство , танец , музыку , драматическое построение , архитектуру , костюмы , грим , реквизит , организацию трупп, зрителей, соревнования и предлагает мифологический рассказ о происхождении театра. [48] При этом он дает указания о природе реальных театральных практик. Санскритский театр исполнялся на священной земле жрецами, которые были обучены необходимым навыкам (танец, музыка и декламация) в [наследственном процессе]. Его целью было как обучение, так и развлечение.

Исполнитель роли Сугривы в санскритском театре Кудияттам

Под покровительством королевских дворов исполнители принадлежали к профессиональным труппам, которыми руководил управляющий сценой ( сутрадхара ), который, возможно, также играл. [44] [48] Эта задача считалась аналогичной работе кукловода — буквальное значение слова « сутрадхара » — «держатель нитей». [48] Исполнители проходили строгую подготовку в области вокальной и физической техники. [49] Не было никаких запретов против женщин-исполнителей; труппы были полностью мужскими, полностью женскими и смешанного пола. Однако некоторые чувства считались неподходящими для исполнения мужчинами и считались более подходящими для женщин. Некоторые исполнители играли персонажей своего возраста, в то время как другие играли персонажей, отличающихся от их собственного (будь то моложе или старше). Из всех элементов театра « Трактат» уделяет наибольшее внимание актерской игре ( абхинайя ), которая состоит из двух стилей: реалистичного ( локадхарми ) и условного ( натйадхарми ), хотя основное внимание уделяется последнему. [49] [м]

Его драма считается высшим достижением санскритской литературы . [44] В ней использовались стандартные персонажи , такие как герой ( nayaka ), героиня ( nayika ) или клоун ( vidusaka ). Актеры могли специализироваться на определенном типе. Калидаса в I веке до н. э., возможно, считается величайшим санскритским драматургом Древней Индии . Три известные романтические пьесы, написанные Калидасой, — это Mālavikāgnimitram ( Mālavikā и Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( Относящийся к Викраме и Урваши ) и Abhijñānaśākuntala ( Признание Шакунталы ). Последняя была вдохновлена ​​историей из Махабхараты и является самой известной. Она была первой, переведенной на английский и немецкий языки . «Шакунтала» (в английском переводе) оказала влияние на «Фауста» Гёте (1808–1832). [44]

Следующим великим индийским драматургом был Бхавабхути ( ок.  7 в. н. э. ). Говорят, что он написал следующие три пьесы: «Малати-Мадхава» , «Махавирачарита» и «Уттар Рамачарита» . Из этих трех последние две охватывают весь эпос «Рамаяна» . Могущественному индийскому императору Харше (606–648) приписывают написание трех пьес: комедии «Ратнавали» , «Приядаршика » и буддийской драмы «Нагананда» .

Восточноазиатский театр

Публичное выступление в Театре под открытым небом «Нефритовый дракон Снежная гора»

Династию Тан иногда называют «Эпохой 1000 развлечений». В эту эпоху Мин Хуан основал актерскую школу, известную как « Грушевый сад» , чтобы создать форму драмы, которая была в первую очередь музыкальной. Вот почему актеров обычно называют «Детями грушевого сада». Во время правления династии императрицы Лин теневой кукольный театр впервые появился как признанная форма театра в Китае. Существовало две различные формы теневого кукольного театра: пекинская (северная) и кантонская (южная). Два стиля различались по способу изготовления кукол и расположению стержней на куклах , в отличие от типа пьесы, исполняемой куклами. Оба стиля обычно исполняли пьесы, изображающие большие приключения и фэнтези, редко эта очень стилизованная форма театра использовалась для политической пропаганды.

Японские формы Кабуки , Но и Кёгэн развились в XVII веке нашей эры. [50]

Куклы-тени Кантонской кухни были более крупными из двух. Они были сделаны из толстой кожи, которая создавала более существенные тени. Символический цвет также был очень распространен: черное лицо представляло честность, красное — храбрость. Стержни, используемые для управления куклами-тенями Кантонской кухни, были прикреплены перпендикулярно к головам кукол. Таким образом, они не были видны зрителям, когда создавалась тень. Куклы-пекинесы были более изящными и маленькими. Они были сделаны из тонкой полупрозрачной кожи (обычно взятой из живота осла). Они были раскрашены яркими красками, поэтому они отбрасывали очень красочную тень. Тонкие стержни, которые управляли их движениями, были прикреплены к кожаному ошейнику на шее куклы. Стержни проходили параллельно телу куклы, а затем поворачивались под углом девяносто градусов, чтобы соединиться с шеей. Хотя эти стержни были видны, когда отбрасывалась тень, они лежали вне тени куклы; таким образом, они не мешали внешнему виду фигуры. Стержни прикреплены к шеям, чтобы облегчить использование нескольких голов с одним телом. Когда головы не использовались, их хранили в муслиновой книге или коробке с тканевой подкладкой. Головы всегда снимали на ночь. Это соответствовало старому суеверию, что если оставить их нетронутыми, то куклы оживут ночью. Некоторые кукловоды зашли так далеко, что хранили головы в одной книге, а тела в другой, чтобы еще больше уменьшить вероятность оживления кукол. Говорят, что теневой кукольный театр достиг своего наивысшего художественного развития в одиннадцатом веке, прежде чем стать инструментом правительства.

В династии Сун было много популярных пьес, включающих акробатику и музыку. Они развились в династии Юань в более сложную форму, известную как дзацзю , с четырех- или пятиактной структурой. Юаньская драма распространилась по всему Китаю и разделилась на многочисленные региональные формы, одной из самых известных из которых является Пекинская опера , которая популярна и сегодня.

Сяншэн — это традиционное китайское комедийное представление в форме монолога или диалога.

индонезийский театр

Рама и Шинта в представлении Ваянг Вонг возле храмового комплекса Прамбанан

В Индонезии театральные представления стали важной частью местной культуры, театральные представления в Индонезии развивались на протяжении тысяч лет. Большинство старейших театральных форм Индонезии напрямую связаны с местными литературными традициями (устными и письменными). Известные кукольные театры — wayang golek (игра деревянных кукол-марионеток) сунданцев и wayang kulit (игра кожаных теневых кукол) яванцев и балийцев — черпают большую часть своего репертуара из местных версий Рамаяны и Махабхараты . Эти сказки также служат исходным материалом для wayang wong (человеческого театра) Явы и Бали , в котором используются актеры. Однако некоторые представления wayang golek также представляют мусульманские истории, называемые menak . [51] [52] Wayang — это древняя форма повествования, известная своими сложными кукольными/человеческими и сложными музыкальными стилями. [53] Самые ранние свидетельства относятся к концу 1-го тысячелетия н. э., в средневековых текстах и ​​археологических памятниках. [54] Самые старые известные записи, касающиеся ваянг, относятся к 9-му веку. Около 840 г. н. э. в древнеяванских (кави) надписях, называемых Jaha Inscriptions, выпущенных Махараджей Шри Локапалой из королевства Матарам в Центральной Яве , упоминаются три вида исполнителей: атапукан, аринггит и абанол. Аринггит означает кукольное представление ваянг, атапукан означает шоу танца в маске, а абанвал означает шуточное искусство. Ринггит описывается в яванской поэме 11-го века как кожаная теневая фигура.

Средневековые исламские традиции

Театр в средневековом исламском мире включал кукольный театр (который включал кукол-марионеток, теневые пьесы и постановки марионеток ) и живые страстные пьесы, известные как тазийе , где актеры воспроизводят эпизоды из мусульманской истории . В частности, шиитские исламские пьесы вращались вокруг истишхада (мученичества) сыновей Али Хасана ибн Али и Хусейна ибн Али . Светские пьесы были известны как ахраджа , зафиксированные в средневековой литературе адаба , хотя они были менее распространены, чем кукольный театр и театр тазийя . [55]

Ранний современный и современный театр на Западе

Статуи Панталоне и Арлекина , двух основных персонажей комедии дель арте , в Музее театра Ла Скала , Милан, Италия

Театр принял множество альтернативных форм на Западе между 15 и 19 веками, включая комедию дель арте из итальянского театра и мелодраму . Общая тенденция была вдали от поэтической драмы греков и эпохи Возрождения и в сторону более натуралистичного прозаического стиля диалога, особенно после промышленной революции . [56]

Театр в Англии сделал большую паузу в 1642 и 1660 годах из-за пуританского междуцарствия. [57] Растущие антитеатральные настроения среди пуритан привели к тому, что Уильям Принн написал Histriomastix (1633), самую известную атаку на театр до запрета. [57] Считая театр греховным, пуритане приказали закрыть лондонские театры в 1642 году . [58] 24 января 1643 года актеры протестовали против запрета, написав памфлет под названием « Протест актеров или жалоба на замалчивание их профессии и изгнание из их нескольких театральных домов» . [59] Этот застойный период закончился, когда Карл II вернулся на престол в 1660 году в ходе Реставрации . Театр (среди других искусств) взорвался под влиянием французской культуры, поскольку Карл был сослан во Францию ​​в годы, предшествовавшие его правлению.

Королевский театр Друри-Лейн в Вест-Энде . Открытый в мае 1663 года, он является старейшим театром в Лондоне. [60]

В 1660 году две компании получили лицензию на выступления, Duke's Company и King's Company . Спектакли проходили в переоборудованных зданиях, таких как Lisle's Tennis Court . Первый театр Вест-Энда , известный как Theatre Royal в Ковент-Гардене , Лондон, был спроектирован Томасом Киллигрю и построен на месте нынешнего Theatre Royal, Друри-Лейн . [60]

Одним из больших изменений стало новое здание театра. Вместо типа елизаветинской эпохи, такого как театр «Глобус» , круглого, без места для актеров, чтобы подготовиться к следующему акту, и без «театральных манер», здание театра превратилось в место утонченности, со сценой спереди и стадионными сиденьями напротив нее. Поскольку сиденья больше не располагались по всему периметру сцены, они стали приоритетными — некоторые места были, очевидно, лучше других. У короля было лучшее место в здании: в самой середине театра, которое давало самый широкий обзор сцены, а также лучший способ увидеть точку обзора и точку схода, вокруг которой была построена сцена. Филипп Жак де Лютербург был одним из самых влиятельных художников-декораторов того времени из-за его использования пространства пола и декораций.

Из-за беспорядков, которые были до этого времени, все еще существовали некоторые разногласия о том, что следует и не следует ставить на сцене. Джереми Колльер , проповедник, был одним из лидеров этого движения благодаря своей работе «Краткий взгляд на безнравственность и профанацию английской сцены» . Убеждения, изложенные в этой статье, в основном разделялись не любителями театра и остальной частью пуритан и очень религиозных людей того времени. Главный вопрос заключался в том, влияет ли вид чего-то безнравственного на сцене на поведение в жизни тех, кто это смотрит, — спор, который продолжается и сегодня. [61]

XVII век также ввел женщин на сцену, что ранее считалось неуместным. Эти женщины считались знаменитостями (тоже более новая концепция, благодаря идеям индивидуализма, возникшим на волне гуманизма эпохи Возрождения ), но с другой стороны, это было все еще очень ново и революционно, что они были на сцене, и некоторые говорили, что они неженственны, и смотрели на них свысока. Карл II не любил молодых мужчин, играющих роли молодых женщин, поэтому он попросил, чтобы женщины играли свои собственные роли. [62] Поскольку женщинам разрешалось выходить на сцену, у драматургов было больше свободы в поворотах сюжета, например, женщины переодевались в мужчин и едва избегали морально неприятных ситуаций как форм комедии.

Выставление счетов за британский театр в 1829 году

Комедии были полны молодежи и были очень модны, с сюжетной линией, следующей за их любовной жизнью: обычно молодой плутоватый герой признается в любви целомудренной и свободомыслящей героине ближе к концу пьесы, во многом как « Школа злословия» Шеридана . Многие комедии были созданы по французской традиции, в основном Мольера, снова отсылая к французскому влиянию, возвращенному королем и королевской семьей после их изгнания. Мольер был одним из ведущих комедийных драматургов того времени, революционизировавшим способ написания и исполнения комедии, объединив итальянскую комедию дель арте и неоклассическую французскую комедию, чтобы создать некоторые из самых продолжительных и влиятельных сатирических комедий. [63] Трагедии также были победоносными в своем чувстве восстановления политической власти, особенно острым из-за недавней Реставрации короны. [64] Они также были имитациями французской трагедии, хотя французы проводили больше различий между комедией и трагедией, тогда как англичане иногда подделывали строки и вставляли некоторые комедийные части в свои трагедии. Распространенными формами некомедийных пьес были сентиментальные комедии, а также то, что позже назовут tragédiebourse , или домашней трагедией — то есть трагедией повседневной жизни — были более популярны в Англии, потому что они больше апеллировали к английским чувствам. [65]

Хотя театральные труппы раньше часто путешествовали, идея национального театра получила поддержку в XVIII веке, вдохновленная Людвигом Хольбергом . Главным пропагандистом идеи национального театра в Германии, а также поэтов « Бури и натиска» , был Абель Зейлер , владелец Hamburgische Entreprise и Seyler Theatre Company . [66]

«Маленький домик» театра «Ванемуйне » 1918 года в Тарту , Эстония [67]

В течение XIX века популярные театральные формы романтизма , мелодрама , викторианский бурлеск и хорошо сделанные пьесы Скриба и Сарду уступили место проблемным пьесам натурализма и реализма ; фарсам Фейдо ; оперному Gesamtkunstwerk Вагнера ; музыкальному театру (включая оперы Гилберта и Салливана); салонным комедиям Ф. К. Бернанда , У. С. Гилберта и Оскара Уайльда ; символизму ; протоэкспрессионизму в поздних произведениях Августа Стриндберга и Генрика Ибсена ; [68] и эдвардианской музыкальной комедии .

Эти тенденции продолжились в XX веке в реализме Станиславского и Ли Страсберга , политическом театре Эрвина Пискатора и Бертольта Брехта , так называемом Театре абсурда Сэмюэля Беккета и Эжена Ионеско , американских и британских мюзиклах, коллективных творениях трупп актеров и режиссеров, таких как Театральная мастерская Джоан Литтлвуд , экспериментальный и постмодернистский театр Роберта Уилсона и Робера Лепажа , постколониальный театр Огаста Уилсона или «Томсон Хайвэй » и Театр угнетенных Аугусто Боаля .

Типы

Драма

Драма — это особый вид художественного произведения, представленный в представлении . [69] Термин происходит от греческого слова, означающего « действие », которое происходит от глагола δράω, dráō , «делать» или «действовать». Постановка драмы в театре, исполняемая актерами на сцене перед публикой , предполагает совместные способы производства и коллективную форму приема. Структура драматических текстов , в отличие от других форм литературы , напрямую зависит от этого совместного производства и коллективного приема. [70] Ранняя современная трагедия «Гамлет» (1601) Шекспира и классическая афинская трагедия «Царь Эдип» ( ок.  429 г. до н. э. ) Софокла являются одними из шедевров искусства драмы. [71] Современный пример — « Долгий день уходит в ночь» Юджина О'Нила (1956). [72]

Рассматриваемый как жанр поэзии в целом, драматический режим противопоставлялся эпическому и лирическому режимам еще со времен «Поэтики » Аристотеля ( ок .  335 г. до н. э. ) ; самой ранней работы по теории драмы . [n] Использование термина «драма» в узком смысле для обозначения определенного типа пьесы датируется 19 веком . Драма в этом смысле относится к пьесе, которая не является ни комедией, ни трагедией, например, «Тереза ​​Ракен» Золя (1873) или «Иванов» Чехова (1887). Однако в Древней Греции слово «драма» охватывало все театральные пьесы, трагические, комические или что-то среднее между ними.

Драма часто сочетается с музыкой и танцами : драма в опере обычно поется на протяжении всего действия; мюзиклы обычно включают как разговорный диалог, так и песни ; а некоторые формы драмы имеют сопутствующую музыку или музыкальное сопровождение, подчеркивающее диалог ( например, мелодрама и японский Но ). [o] В определенные периоды истории (древнеримский и современный романтизм ) некоторые драмы писались для чтения , а не для исполнения. [p] В импровизации драма не существует до момента исполнения; исполнители спонтанно придумывают драматический сценарий перед аудиторией. [q]

Музыкальный театр

Кошки в лондонском Палладиуме

Музыка и театр тесно связаны с древних времен — например, афинская трагедия была формой танцевальной драмы , в которой использовался хор , партии которого пелись (под аккомпанемент авлоса — инструмента, сопоставимого с современным гобоем ), как и некоторые ответы актеров и их «сольные песни» ( монодии ). [73] Современный музыкальный театр — это форма театра, которая также сочетает в себе музыку, разговорный диалог и танец. Он возник из комической оперы (особенно Гилберта и Салливана ), варьете , водевиле и жанрах мюзик-холла конца 19-го и начала 20-го века . [74] После эдвардианской музыкальной комедии , которая началась в 1890-х годах, мюзиклов театра «Принцесса» начала 20-го века и комедий 1920-х и 1930-х годов (таких как работы Роджерса и Хаммерштейна ), с «Оклахомой!» (1943), мюзиклы стали более драматичными. [r] Известные мюзиклы последующих десятилетий включают «Мою прекрасную леди» (1956), «Вестсайдскую историю» (1957), «Фантастикс» (1960), «Волосы» (1967), «Кордебалет» (1975), «Отверженные» (1980), «Кошки» (1981), «В лес » (1986) и «Призрак оперы» (1986), [75] а также более современные хиты, включая «Аренду » (1994), «Король Лев» (1997), «Злая» (2003), «Гамильтон» (2015) и «Холодное сердце » (2018).

Музыкальный театр может быть поставлен в интимном масштабе вне Бродвея , в региональных театрах и в других местах, но он часто включает в себя зрелище. Например, мюзиклы на Бродвее и Вест-Энде часто включают в себя роскошные костюмы и декорации, поддерживаемые многомиллионными бюджетами.

Театральные маски Трагедии и Комедии. Мозаика, римское произведение искусства , II в. н.э. Капитолийские музеи , Рим

комедия

Театральные постановки, в которых юмор используется как средство повествования, считаются комедиями. Это может быть современный фарс, такой как Boeing Boeing , или классическая пьеса, такая как As You Like It . Театр, выражающий мрачные, спорные или табуированные темы в намеренно юмористической форме, называется черной комедией . Черная комедия может иметь несколько жанров, таких как фарс, темная и саркастическая комедия.

трагедия

Трагедия, таким образом, есть имитация действия серьезного, завершенного и имеющего определенную величину: на языке, украшенном каждым видом художественного украшения, различные виды которого встречаются в отдельных частях пьесы; в форме действия, а не повествования; посредством жалости и страха осуществляя надлежащее очищение этих эмоций.

—  Аристотель , Поэтика [76]

Фраза Аристотеля «несколько видов, находящихся в отдельных частях пьесы» является ссылкой на структурные истоки драмы. В ней разговорные части были написаны на аттическом диалекте, тогда как хоровые (декламируемые или певшиеся) — на дорическом диалекте , эти расхождения отражают различное религиозное происхождение и поэтические размеры частей, которые были объединены в новое целое, театральную драму .

Трагедия относится к особой традиции драмы , которая сыграла уникальную и важную роль в историческом самоопределении западной цивилизации . [77] [78] Эта традиция была множественной и прерывистой, однако этот термин часто использовался для обозначения мощного эффекта культурной идентичности и исторической преемственности — « греки и елизаветинцы в одной культурной форме; эллины и христиане в общей деятельности», как выразился Рэймонд Уильямс . [79] От своих неясных истоков в театрах Афин 2500 лет назад, от которых сохранилась лишь часть работ Эсхила , Софокла и Еврипида , через свои уникальные артикуляции в произведениях Шекспира , Лопе де Веги , Расина и Шиллера , до более поздней натуралистической трагедии Стриндберга , модернистских размышлений Беккета о смерти, утрате и страдании и постмодернистских переработок трагического канона Мюллером , трагедия оставалась важным местом культурного эксперимента, переговоров, борьбы и изменений. [80] [81] Вслед за «Поэтикой» Аристотеля (335 г. до н. э.) трагедия использовалась для проведения жанровых различий, будь то в масштабе поэзии в целом (где трагическое разделяется с эпосом и лирикой ) или в масштабе драмы (где трагедия противопоставляется комедии ). В современную эпоху трагедию также определяли как драму, мелодраму , трагикомический и эпический театр . [с]

Импровизация

Дарио Фо

Импровизация была неотъемлемой чертой театра, причем первой формой импровизации в шестнадцатом веке была признана комедия дель арте. Популяризированный лауреатом Нобелевской премии по литературе 1997 года Дарио Фо и такими труппами, как Upright Citizens Brigade, импровизационный театр продолжает развиваться, охватывая множество различных направлений и философий.

Кейт Джонстон и Виола Сполин признаны первыми учителями импровизации в наше время, причем Джонстон исследовал импровизацию как альтернативу сценарному театру, а Сполин и ее последователи исследовали импровизацию в основном как инструмент для развития драматической работы или навыков или как форму для ситуационной комедии. Сполин также заинтересовался тем, как процесс обучения импровизации применим к развитию человеческого потенциала. [82]

Сын Сполина, Пол Силлс, популяризировал импровизационный театр как форму театрального искусства, основав в качестве его первого директора театр The Second City в Чикаго.

Теории

Деревенский праздник с театральным представлением, ок.  1600 г.

Будучи важной частью человеческой культуры на протяжении более 2500 лет, театр развил широкий спектр различных теорий и практик. Некоторые из них связаны с политическими или духовными идеологиями, в то время как другие основаны исключительно на «художественных» проблемах. Некоторые процессы сосредоточены на истории, некоторые на театре как событии, а некоторые на театре как катализаторе социальных изменений. Классический греческий философ Аристотель в своем основополагающем трактате «Поэтика » ( ок.  335 г. до н. э. ) является самым ранним сохранившимся примером, и его аргументы с тех пор оказывают влияние на теории театра. [17] [18] В нем он предлагает отчет о том, что он называет «поэзией» (термин, который в греческом буквально означает «создание» и в этом контексте включает драму — комедию , трагедию и пьесу сатиров — а также лирическую поэзию , эпическую поэзию и дифирамб ). Он исследует ее «первые принципы» и определяет ее жанры и основные элементы; его анализ трагедии составляет ядро ​​обсуждения. [83]

Аристотель утверждает, что трагедия состоит из шести качественных частей, которые (в порядке важности) являются: мифос или «сюжет», этос или «характер», дианойя или «мысль», лексис или «дикция», мелос или «песня» и опсис или «зрелище». [84] [85] «Хотя «Поэтика» Аристотеля общепризнана в западной критической традиции», — объясняет Марвин Карлсон , — «почти каждая деталь его основополагающего труда вызвала различные мнения». [86] Среди выдающихся театральных деятелей XX века были Константин Станиславский , Всеволод Мейерхольд , Жак Копо , Эдвард Гордон Крейг , Бертольт Брехт , Антонен Арто , Джоан Литтлвуд , Питер Брук , Ежи Гротовский , Аугусто Боаль , Эухенио Барба , Дарио Фо , Виола Сполин , Кит Джонстон и Роберт Уилсон (режиссер) .

Станиславский рассматривал театр как форму искусства , которая автономна от литературы и в которой вклад драматурга должен уважаться как вклад только одного из ансамбля творческих художников. [87] [88] [89] [90] [t] Его новаторский вклад в современную теорию актерского мастерства оставался в основе мейнстримного западного актерского обучения на протяжении большей части прошлого столетия. [91] [92] [93] [94] [95] То, что многие из предписаний его системы актерского обучения кажутся здравым смыслом и самоочевидными, свидетельствует о ее гегемоническом успехе. [96] Актеры часто используют его основные концепции, не зная, что они делают это. [96] Благодаря ее продвижению и разработке преподавателями актерского мастерства, которые были его бывшими учениками, и многочисленным переводам его теоретических трудов, «система» Станиславского приобрела беспрецедентную способность пересекать культурные границы и приобрела международный охват, доминируя в дебатах об актерском мастерстве в Европе и Соединенных Штатах. [91] [97] [98] [99] Многие актеры обычно отождествляют его «систему» ​​с североамериканским методом , хотя исключительно психологические приемы последнего резко контрастируют с многовариантным, целостным и психофизическим подходом Станиславского, который исследует характер и действие как «изнутри наружу», так и «снаружи внутрь» и рассматривает разум и тело актера как части континуума. [100] [101]

Технические аспекты

Здание театральной сцены за кулисами Венской государственной оперы

Theatre presupposes collaborative modes of production and a collective form of reception. The structure of dramatic texts, unlike other forms of literature, is directly influenced by this collaborative production and collective reception.[70] The production of plays usually involves contributions from a playwright, director, a cast of actors, and a technical production team that includes a scenic or set designer, lighting designer, costume designer, sound designer, stage manager, production manager and technical director. Depending on the production, this team may also include a composer, dramaturg, video designer or fight director.

The rotating auditorium of the open air Pyynikki Summer Theatre in Tampere, Finland

Stagecraft is a generic term referring to the technical aspects of theatrical, film, and video production. It includes, but is not limited to, constructing and rigging scenery, hanging and focusing of lighting, design and procurement of costumes, makeup, procurement of props, stage management, and recording and mixing of sound. Stagecraft is distinct from the wider umbrella term of scenography. Considered a technical rather than an artistic field, it relates primarily to the practical implementation of a designer's artistic vision.

In its most basic form, stagecraft is managed by a single person (often the stage manager of a smaller production) who arranges all scenery, costumes, lighting, and sound, and organizes the cast. At a more professional level, for example in modern Broadway houses, stagecraft is managed by hundreds of skilled carpenters, painters, electricians, stagehands, stitchers, wigmakers, and the like. This modern form of stagecraft is highly technical and specialized: it comprises many subdisciplines and a vast trove of history and tradition. The majority of stagecraft lies between these two extremes. Regional theatres and larger community theatres will generally have a technical director and a complement of designers, each of whom has a direct hand in their respective designs.

Subcategories and organisation

There are many modern theatre movements which produce theatre in a variety of ways. Theatrical enterprises vary enormously in sophistication and purpose. People who are involved vary from novices and hobbyists (in community theatre) to professionals (in Broadway and similar productions). Theatre can be performed with a shoestring budget or on a grand scale with multimillion-dollar budgets. This diversity manifests in the abundance of theatre subcategories, which include:

Repertory companies

Theatre Royal, Drury Lane, London, c. 1821

While most modern theatre companies rehearse one piece of theatre at a time, perform that piece for a set "run", retire the piece, and begin rehearsing a new show, repertory companies rehearse multiple shows at one time. These companies are able to perform these various pieces upon request and often perform works for years before retiring them. Most dance companies operate on this repertory system. The Royal National Theatre in London performs on a repertory system.

Repertory theatre generally involves a group of similarly accomplished actors, and relies more on the reputation of the group than on an individual star actor. It also typically relies less on strict control by a director and less on adherence to theatrical conventions, since actors who have worked together in multiple productions can respond to each other without relying as much on convention or external direction.[102]

Other terminology

A theatre company is an organisation that produces theatrical performances,[4] as distinct from a theatre troupe (or acting company), which is a group of theatrical performers working together.[5]

A touring company is an independent theatre or dance company that travels, often internationally, being presented at a different theatre venue in each city.[citation needed]

Interior of the Teatro Colón, a modern theatre

In order to put on a piece of theatre, both a theatre company and a theatre venue are needed. When a theatre company is the sole company in residence at a theatre venue, this theatre (and its corresponding theatre company) are called a resident theatre or a producing theatre, because the venue produces its own work. Other theatre companies, as well as dance companies, who do not have their own theatre venue, perform at rental theatres or at presenting theatres. Both rental and presenting theatres have no full-time resident companies. They do, however, sometimes have one or more part-time resident companies, in addition to other independent partner companies who arrange to use the space when available. A rental theatre allows the independent companies to seek out the space, while a presenting theatre seeks out the independent companies to support their work by presenting them on their stage.[citation needed]

Some performance groups perform in non-theatrical spaces. Such performances can take place outside or inside, in a non-traditional performance space, and include street theatre, and site-specific theatre. Non-traditional venues can be used to create more immersive or meaningful environments for audiences. They can sometimes be modified more heavily than traditional theatre venues, or can accommodate different kinds of equipment, lighting and sets.[103]

Unions

There are many theatre unions, including:

See also

Explanatory notes

  1. ^ Originally spelled theatre and teatre. From around 1550 to 1700 or later, the most common spelling was theater. Between 1720 and 1750, theater was dropped in British English, but was either retained or revived in American English (Oxford English Dictionary, 2nd ed., 2009, CD-ROM: ISBN 978-0-19-956383-8). Recent dictionaries of American English list theatre as a less common variant, e.g., Random House Webster's College Dictionary (1991); The American Heritage Dictionary of the English Language, 4th edition (2006); New Oxford American Dictionary, third edition (2010); Merriam-Webster Dictionary (2011).
  2. ^ Drawing on the "semiotics" of Charles Sanders Peirce, Pavis goes on to suggest that "the specificity of theatrical signs may lie in their ability to use the three possible functions of signs: as icon (mimetically), as index (in the situation of enunciation), or as symbol (as a semiological system in the fictional mode). In effect, theatre makes the sources of the words visual and concrete: it indicates and incarnates a fictional world by means of signs, such that by the end of the process of signification and symbolization the spectator has reconstructed a theoretical and aesthetic model that accounts for the dramatic universe."[3]
  3. ^ Brown writes that ancient Greek drama "was essentially the creation of classical Athens: all the dramatists who were later regarded as classics were active at Athens in the 5th and 4th centuries BCE (the time of the Athenian democracy), and all the surviving plays date from this period".[7] "The dominant culture of Athens in the fifth century", Goldhill writes, "can be said to have invented theatre".[9]
  4. ^ Goldhill argues that although activities that form "an integral part of the exercise of citizenship" (such as when "the Athenian citizen speaks in the Assembly, exercises in the gymnasium, sings at the symposium, or courts a boy") each have their "own regime of display and regulation", nevertheless the term "performance" provides "a useful heuristic category to explore the connections and overlaps between these different areas of activity".[13]
  5. ^ Taxidou notes that "most scholars now call 'Greek' tragedy 'Athenian' tragedy, which is historically correct".[25]
  6. ^ Cartledge writes that although Athenians of the 4th century judged Aeschylus, Sophocles, and Euripides "as the nonpareils of the genre, and regularly honoured their plays with revivals, tragedy itself was not merely a 5th-century phenomenon, the product of a short-lived golden age. If not attaining the quality and stature of the fifth-century 'classics', original tragedies nonetheless continued to be written and produced and competed with in large numbers throughout the remaining life of the democracy—and beyond it".[28]
  7. ^ We have seven by Aeschylus, seven by Sophocles, and eighteen by Euripides. In addition, we also have the Cyclops, a satyr play by Euripides. Some critics since the 17th century have argued that one of the tragedies that the classical tradition gives as Euripides'—Rhesus—is a 4th-century play by an unknown author; modern scholarship agrees with the classical authorities and ascribes the play to Euripides; see Walton (1997, viii, xix). (This uncertainty accounts for Brockett and Hildy's figure of 31 tragedies.)
  8. ^ The theory that Prometheus Bound was not written by Aeschylus adds a fourth, anonymous playwright to those whose work survives.
  9. ^ Exceptions to this pattern were made, as with Euripides' Alcestis in 438 BCE. There were also separate competitions at the City Dionysia for the performance of dithyrambs and, after 488–87 BCE, comedies.
  10. ^ Rush Rehm offers the following argument as evidence that tragedy was not institutionalised until 501 BCE: "The specific cult honoured at the City Dionysia was that of Dionysus Eleuthereus, the god 'having to do with Eleutherae', a town on the border between Boeotia and Attica that had a sanctuary to Dionysus. At some point Athens annexed Eleutherae—most likely after the overthrow of the Peisistratid tyranny in 510 and the democratic reforms of Cleisthenes in 508–07 BCE—and the cult-image of Dionysus Eleuthereus was moved to its new home. Athenians re-enacted the incorporation of the god's cult every year in a preliminary rite to the City Dionysia. On the day before the festival proper, the cult-statue was removed from the temple near the theatre of Dionysus and taken to a temple on the road to Eleutherae. That evening, after sacrifice and hymns, a torchlight procession carried the statue back to the temple, a symbolic re-creation of the god's arrival into Athens, as well as a reminder of the inclusion of the Boeotian town into Attica. As the name Eleutherae is extremely close to eleutheria, 'freedom', Athenians probably felt that the new cult was particularly appropriate for celebrating their own political liberation and democratic reforms."[37]
  11. ^ Jean-Pierre Vernant argues that in The Persians Aeschylus substitutes for the usual temporal distance between the audience and the age of heroes a spatial distance between the Western audience and the Eastern Persian culture. This substitution, he suggests, produces a similar effect: "The 'historic' events evoked by the chorus, recounted by the messenger and interpreted by Darius' ghost are presented on stage in a legendary atmosphere. The light that the tragedy sheds upon them is not that in which the political happenings of the day are normally seen; it reaches the Athenian theatre refracted from a distant world of elsewhere, making what is absent seem present and visible on the stage"; Vernant and Vidal-Naquet (1988, 245).
  12. ^ Aristotle, Poetics, line 1449a: "Comedy, as we have said, is a representation of inferior people, not indeed in the full sense of the word bad, but the laughable is a species of the base or ugly. It consists in some blunder or ugliness that does not cause pain or disaster, an obvious example being the comic mask which is ugly and distorted but not painful'."
  13. ^ The literal meaning of abhinaya is "to carry forwards".
  14. ^ Francis Fergusson writes that "a drama, as distinguished from a lyric, is not primarily a composition in the verbal medium; the words result, as one might put it, from the underlying structure of incident and character. As Aristotle remarks, 'the poet, or "maker" should be the maker of plots rather than of verses; since he is a poet because he imiates, and what he imitates are actions'" (1949, 8).
  15. ^ See the entries for "opera", "musical theatre, American", "melodrama" and "Nō" in Banham 1998
  16. ^ While there is some dispute among theatre historians, it is probable that the plays by the Roman Seneca were not intended to be performed. Manfred by Byron is a good example of a "dramatic poem". See the entries on "Seneca" and "Byron (George George)" in Banham 1998.
  17. ^ Some forms of improvisation, notably the Commedia dell'arte, improvise on the basis of 'lazzi' or rough outlines of scenic action (see Gordon 1983 and Duchartre 1966). All forms of improvisation take their cue from their immediate response to one another, their characters' situations (which are sometimes established in advance), and, often, their interaction with the audience. The classic formulations of improvisation in the theatre originated with Joan Littlewood and Keith Johnstone in the UK and Viola Spolin in the US; see Johnstone 2007 and Spolin 1999.
  18. ^ The first "Edwardian musical comedy" is usually considered to be In Town (1892), even though it was produced eight years before the beginning of the Edwardian era; see, for example, Fraser Charlton, "What are EdMusComs?" (FrasrWeb 2007, accessed May 12, 2011).
  19. ^ See Carlson 1993, Pfister 2000, Elam 1980, and Taxidou 2004. Drama, in the narrow sense, cuts across the traditional division between comedy and tragedy in an anti- or a-generic deterritorialization from the mid-19th century onwards. Both Bertolt Brecht and Augusto Boal define their epic theatre projects (Non-Aristotelian drama and Theatre of the Oppressed respectively) against models of tragedy. Taxidou, however, reads epic theatre as an incorporation of tragic functions and its treatments of mourning and speculation.[81]
  20. ^ In 1902, Stanislavski wrote that "the author writes on paper. The actor writes with his body on the stage" and that the "score of an opera is not the opera itself and the script of a play is not drama until both are made flesh and blood on stage"; quoted by Benedetti (1999a, 124).

Citations

  1. ^ Carlson 1986, p. 36.
  2. ^ In British English always "theatre", in American English normally "theater".
  3. ^ a b Pavis 1998, pp. 345–346.
  4. ^ a b "Theatre company definition and meaning". Collins English Dictionary. Retrieved December 14, 2021.
  5. ^ a b "Definition of Troupe". www.merriam-webster.com. Retrieved June 15, 2020.
  6. ^ "Troupe definition and meaning". Collins English Dictionary. Retrieved December 14, 2021.
  7. ^ a b c Brown 1998, p. 441.
  8. ^ a b c Cartledge 1997, pp. 3–5.
  9. ^ a b c d Goldhill 1997, p. 54.
  10. ^ Cartledge 1997, pp. 3, 6.
  11. ^ Goldhill 2004, pp. 20–xx.
  12. ^ Rehm 1992, p. 3.
  13. ^ Goldhill 2004, p. 1.
  14. ^ Pelling 2005, p. 83.
  15. ^ Goldhill 2004, p. 25.
  16. ^ Pelling 2005, pp. 83–84.
  17. ^ a b Dukore 1974, p. 31.
  18. ^ a b Janko 1987, p. ix.
  19. ^ Ward 2007, p. 1.
  20. ^ "Introduction to Theatre – Ancient Greek Theatre". novaonline.nvcc.edu.
  21. ^ Brockett & Hildy 2003, pp. 15–19.
  22. ^ "Theatre | Chambers Dictionary of World History – Credo Reference". search.credoreference.com.
  23. ^ Ley 2007, p. 206.
  24. ^ Styan 2000, p. 140.
  25. ^ Taxidou 2004, p. 104.
  26. ^ Brockett & Hildy 2003, pp. 32–33.
  27. ^ Brown 1998, p. 444.
  28. ^ Cartledge 1997, p. 33.
  29. ^ Brockett & Hildy 2003, p. 5.
  30. ^ Kovacs 2005, p. 379.
  31. ^ Brockett & Hildy 2003, p. 15.
  32. ^ Brockett & Hildy 2003, pp. 13–15.
  33. ^ Brown 1998, pp. 441–447.
  34. ^ a b c d Brown 1998, p. 442.
  35. ^ Brockett & Hildy 2003, pp. 15–17.
  36. ^ Brockett & Hildy 2003, pp. 13, 15.
  37. ^ Rehm 1992, p. 15.
  38. ^ Brockett & Hildy 2003, pp. 15–16.
  39. ^ Webster 1967.
  40. ^ Beacham 1996, p. 2.
  41. ^ Beacham 1996, p. 3.
  42. ^ Gassner & Allen 1992, p. 93.
  43. ^ a b Richmond, Swann & Zarrilli 1993, p. 12.
  44. ^ a b c d Brandon 1993, p. xvii.
  45. ^ Brandon 1997, pp. 516–517.
  46. ^ Brandon 1997, p. 70.
  47. ^ a b c Richmond 1998, p. 516.
  48. ^ a b c d e Richmond 1998, p. 517.
  49. ^ a b Richmond 1998, p. 518.
  50. ^ Deal 2007, p. 276.
  51. ^ Don Rubin; Chua Soo Pong; Ravi Chaturvedi; et al. (2001). The World Encyclopedia of Contemporary Theatre: Asia/Pacific. Taylor & Francis. pp. 184–186. ISBN 978-0-415-26087-9.
  52. ^ "Pengetahuan Teater" (PDF). Kemdikbud. Archived (PDF) from the original on June 3, 2021.
  53. ^ ""Wayang puppet theatre", Inscribed in 2008 (3.COM) on the Representative List of the Intangible Cultural Heritage of Humanity (originally proclaimed in 2003)". UNESCO. Retrieved October 10, 2014.
  54. ^ James R. Brandon (2009). Theatre in Southeast Asia. Harvard University Press. pp. 143–145, 352–353. ISBN 978-0-674-02874-6.
  55. ^ Moreh 1986, pp. 565–601.
  56. ^ Kuritz 1988, p. 305.
  57. ^ a b Beushausen, Katrin (2018). "From Audience to Public: Theatre, Theatricality and the People before the Civil Wars". Theatre, Theatricality and the People before the Civil Wars. Cambridge University Press. pp. 80–112. doi:10.1017/9781316850411.004. ISBN 9781107181458.
  58. ^ "From pandemics to puritans: when theatre shut down through history and how it recovered". The Stage. Retrieved December 17, 2020.
  59. ^ The Actors remonstrance or complaint for the silencing for their profession, and banishment from their severall play-houses. January 24, 1643 – via Early English Books Online – University of Michigan Library.
  60. ^ a b "London's 10 oldest theatres". The Telegraph. Archived from the original on January 11, 2022. Retrieved April 6, 2020.
  61. ^ Robinson, Scott R. "The English Theatre, 1642–1800". Scott R. Robinson Home. CWU Department of Theatre Arts. Archived from the original on May 2, 2012. Retrieved August 6, 2012.
  62. ^ "Women's Lives Surrounding Late 18th Century Theatre". English 3621 Writing by Women. Retrieved August 7, 2012.
  63. ^ Bermel, Albert. "Moliere – French Dramatist". Discover France. Grolier Multimedia Encyclopedia. Retrieved August 7, 2012.
  64. ^ Black 2010, pp. 533–535.
  65. ^ Matthew, Brander. "The Drama in the 18th Century". Moonstruch Drama Bookstore. Retrieved August 7, 2012.
  66. ^ Wilhelm Kosch, "Seyler, Abel", in Dictionary of German Biography, eds. Walther Killy and Rudolf Vierhaus, Vol. 9, Walter de Gruyter editor, 2005, ISBN 3-11-096629-8, p. 308.
  67. ^ "7028 end. Tartu Saksa Teatrihoone Vanemuise 45a, 1914–1918.a." Kultuurimälestiste register (in Estonian). Retrieved June 23, 2020.
  68. ^ Brockett & Hildy 2003, pp. 293–426.
  69. ^ Elam 1980, p. 98.
  70. ^ a b Pfister 2000, p. 11.
  71. ^ Fergusson 1968, pp. 2–3.
  72. ^ Burt 2008, pp. 30–35.
  73. ^ Rehm 1992, 150n7.
  74. ^ Jones 2003, pp. 4–11.
  75. ^ Kenrick, John (2003). "History of Stage Musicals". Retrieved May 26, 2009.
  76. ^ S. H. Butcher, [1], 2011[dead link]
  77. ^ Banham 1998, p. 1118.
  78. ^ Williams 1966, pp. 14–16.
  79. ^ Williams 1966, p. 16.
  80. ^ Williams 1966, pp. 13–84.
  81. ^ a b Taxidou 2004, pp. 193–209.
  82. ^ Gordon 2006, p. 194.
  83. ^ Aristotle Poetics 1447a13 (1987, 1).[full citation needed]
  84. ^ Carlson 1993, p. 19.
  85. ^ Janko 1987, pp. xx, 7–10.
  86. ^ Carlson 1993, p. 16.
  87. ^ Benedetti 1999, pp. 124, 202.
  88. ^ Benedetti 2008, p. 6.
  89. ^ Carnicke 1998, p. 162.
  90. ^ Gauss 1999, p. 2.
  91. ^ a b Banham 1998, p. 1032.
  92. ^ Carnicke 1998, p. 1.
  93. ^ Counsell 1996, pp. 24–25.
  94. ^ Gordon 2006, pp. 37–40.
  95. ^ Leach 2004, p. 29.
  96. ^ a b Counsell 1996, p. 25.
  97. ^ Carnicke 1998, pp. 1, 167.
  98. ^ Counsell 1996, p. 24.
  99. ^ Milling & Ley 2001, p. 1.
  100. ^ Benedetti 2005, pp. 147–148.
  101. ^ Carnicke 1998, pp. 1, 8.
  102. ^ Peterson 1982.
  103. ^ Alice T. Carter, "Non-traditional venues can inspire art, or just great performances Archived 2010-09-03 at the Wayback Machine", Pittsburgh Tribune-Review, July 7, 2008. Retrieved February 12, 2011.
  104. ^ a b c "Actors' Equity Association joins other arts, entertainment and media industry unions To Announce Legislative Push To Advance Diversity, Equity and Inclusion". Actors' Equity Association. February 11, 2021. Retrieved May 29, 2022.
  105. ^ "About". Equity. Retrieved January 8, 2023.
  106. ^ "About Us". MEAA. Retrieved February 25, 2021.

General sources

Further reading

External links

Library resources about
Theatre
  • Resources in your library