Театр или театр [а] — это совместная форма исполнительского искусства , которая использует живых исполнителей, обычно актеров или актрис , для представления опыта реального или воображаемого события перед живой аудиторией в определенном месте, часто на сцене . Исполнители могут передавать этот опыт аудитории посредством сочетания жеста , речи, песни, музыки и танца . Это старейшая форма драмы , хотя к живому театру теперь присоединились современные записанные формы. Элементы искусства, такие как нарисованные декорации и сценическое мастерство, такое как освещение, используются для усиления телесности, присутствия и непосредственности опыта. [1] Места, обычно здания, где регулярно проходят представления, также называются «театрами» (или «театрами»), что происходит от древнегреческого θέατρον (théatron, «место для просмотра»), которое в свою очередь происходит от θεάομαι (theáomai, «видеть», «смотреть», «наблюдать»). [2]
Современный западный театр в значительной степени происходит от театра Древней Греции , из которого он заимствует техническую терминологию, классификацию по жанрам и многие из его тем , основных персонажей и сюжетных элементов. Театральный художник Патрис Павис определяет театральность, театральный язык , сценическое письмо и специфику театра как синонимичные выражения, которые отличают театр от других исполнительских искусств , литературы и искусств в целом. [3] [b]
Театральная компания — это организация, которая занимается постановкой театральных представлений, [4] в отличие от театральной труппы (или актерской компании), которая представляет собой группу театральных исполнителей, работающих вместе. [5] [6]
Современный театр включает в себя постановки пьес и музыкальный театр . Формы искусства балета и оперы также являются театром и используют много условностей, таких как актерская игра , костюмы и постановка. Они оказали влияние на развитие музыкального театра .
Город -государство Афины — место , где зародился западный театр. [7] [8] [9] [c] Он был частью более широкой культуры театральности и представлений в классической Греции , которая включала фестивали , религиозные ритуалы , политику , право , атлетику и гимнастику, музыку , поэзию , свадьбы, похороны и симпозиумы . [10] [9] [11] [12] [d]
Участие во многих фестивалях города-государства — и обязательное посещение Городских Дионисий в качестве зрителя (или даже участника театральных постановок) в частности — было важной частью гражданства . [14] Гражданское участие также включало оценку риторики ораторов , демонстрируемой в выступлениях в суде или политическом собрании , которые понимались как аналоги театра и все больше впитывали его драматический словарь. [15] [16] Греки также разработали концепции драматической критики и театральной архитектуры. [17] [18] [19] [ проверка не удалась ] Актеры были либо любителями, либо, в лучшем случае, полупрофессионалами. [20] Театр Древней Греции состоял из трех типов драмы : трагедии , комедии и сатировской пьесы . [21]
Истоки театра в Древней Греции, по мнению Аристотеля (384–322 гг. до н. э.), первого теоретика театра, следует искать в празднествах, которые чествовали Диониса. Представления проходили в полукруглых аудиториях, высеченных в склонах холмов, способных вместить 10 000–20 000 человек. Сцена состояла из танцевальной площадки (оркестра), гримерной и зоны построения сцены (скены). Поскольку слова были самой важной частью, хорошая акустика и четкая подача имели первостепенное значение. Актеры (всегда мужчины) носили маски, соответствующие персонажам, которых они представляли, и каждый мог играть несколько ролей. [22]
Афинская трагедия — древнейшая сохранившаяся форма трагедии — это тип танцевальной драмы, которая составляла важную часть театральной культуры города-государства. [7] [8] [9] [23] [24] [e] Возникнув где-то в VI веке до н. э., она расцвела в V веке до н. э. (с конца которого она начала распространяться по всему греческому миру) и продолжала быть популярной до начала эллинистического периода . [26] [27] [8] [f]
не сохранилось ни одной трагедии VI в. до н. э. и только 32 из более чем тысячи, поставленных в V в. до н. э. [29] [30] [g] У нас есть полные тексты Эсхила , Софокла и Еврипида . [31] [h] Истоки трагедии остаются неясными, хотя к V в. до н. э. она была институционализирована в соревнованиях (агонах), проводившихся как часть празднеств в честь Диониса (бога вина и плодородия ) . [ 32 ] [ 33 ] В качестве участников конкурса Городских Дионисий (самого престижного из фестивалей для постановки драмы) драматурги должны были представить тетралогию пьес (хотя отдельные произведения не обязательно были связаны сюжетом или темой), которая обычно состояла из трех трагедий и одной сатировской пьесы. [34] [35] [i] Представление трагедий на Городских Дионисиях, возможно, началось уже в 534 г. до н. э.; официальные записи ( didaskaliai ) начинаются с 501 г. до н. э., когда была введена пьеса сатиров. [36] [34] [j]
Большинство афинских трагедий драматизируют события из греческой мифологии , хотя «Персы », в которых инсценируется персидский ответ на известие об их военном поражении в битве при Саламине в 480 г. до н. э., являются заметным исключением среди сохранившихся драм. [34] [k] Когда Эсхил получил за нее первую премию на Городских Дионисиях в 472 г. до н. э., он писал трагедии уже более 25 лет, однако ее трагическое отношение к недавней истории является самым ранним примером драмы , сохранившимся до наших дней. [34] [38] Более 130 лет спустя философ Аристотель проанализировал афинскую трагедию V века в старейшем сохранившемся труде по теории драмы — своей «Поэтике» ( ок. 335 г. до н. э. ).
Афинская комедия условно делится на три периода: «Старая комедия», «Средняя комедия» и «Новая комедия». Старая комедия сохранилась сегодня в основном в виде одиннадцати сохранившихся пьес Аристофана , в то время как Средняя комедия в значительной степени утрачена (сохранилась только в относительно коротких фрагментах у таких авторов, как Афиней из Навкратиса ). Новая комедия известна в основном по существенным фрагментам папируса Менандра . Аристотель определял комедию как изображение смешных людей, которое включает в себя какую-то ошибку или уродство, которые не вызывают боли или катастрофы. [l]
В дополнение к категориям комедии и трагедии на Городских Дионисиях, фестиваль также включал Сатирскую пьесу . Находя свои истоки в сельских, сельскохозяйственных ритуалах, посвященных Дионису, сатирская пьеса в конечном итоге нашла свой путь в Афины в своей самой известной форме. Сами сатиры были привязаны к богу Дионису как его верные лесные товарищи, часто участвуя в пьяном разгуле и озорстве рядом с ним. Сама сатирская пьеса была классифицирована как трагикомедия, отклоняясь в сторону более современных традиций бурлеска начала двадцатого века. Сюжетные линии пьес, как правило, были связаны с делами пантеона богов и их участием в человеческих делах, подкрепленными хором сатиров . Однако, по словам Вебстера , актеры-сатиры не всегда исполняли типичные действия сатиров и нарушали актерские традиции, приписанные типу персонажа мифического лесного существа. [39]
Западный театр значительно развился и расширился при римлянах . Римский историк Ливий писал, что римляне впервые столкнулись с театром в 4 веке до н. э., с представлением этрусских актеров . [40] Бичем утверждает, что они были знакомы с «дотеатральными практиками» за некоторое время до этого зафиксированного контакта. [41] Театр Древнего Рима был процветающей и разнообразной формой искусства, начиная от праздничных представлений уличного театра , обнаженных танцев и акробатики , до постановки широко привлекательных комедий положений Плавта и высококлассных , словесно сложных трагедий Сенеки . Хотя в Риме была исконная традиция представления, эллинизация римской культуры в 3 веке до н. э. оказала глубокое и энергичное воздействие на римский театр и способствовала развитию латинской литературы высочайшего качества для сцены. Единственные сохранившиеся пьесы Римской империи — это десять драм, приписываемых Луцию Аннею Сенеке (4 г. до н. э. — 65 г. н. э.), стоическому философу, родившемуся в Кордубе, и наставнику Нерона. [42] Эти трагедии известны своими философскими темами, сложными персонажами и риторическим стилем. Хотя пьесы Сенеки дают ценную информацию о римском театре, они представляют собой лишь малую часть драматического репертуара, существовавшего в Древнем Риме.
Первой формой индийского театра был санскритский театр , [43] самые ранние сохранившиеся фрагменты которого датируются I веком н. э. [44] [45] Он начался после развития греческого и римского театра и до развития театра в других частях Азии. [43] Он возник где-то между II веком до н. э. и I веком н. э. и процветал между I веком н. э. и X веком, что было периодом относительного мира в истории Индии , в течение которого были написаны сотни пьес. [46] [47] Обилие археологических свидетельств более ранних периодов не дает никаких указаний на существование традиции театра. [47] Древние Веды ( гимны между 1500 и 1000 годами до н. э., которые являются одними из самых ранних примеров литературы в мире) не содержат намека на него (хотя небольшое количество составлено в форме диалога ), а ритуалы ведического периода , по-видимому, не развились в театр. [47] « Махабхашья » Патанджали содержит самое раннее упоминание о том, что могло быть зачатками санскритской драмы. [48] Этот трактат по грамматике, датируемый 140 годом до н. э., дает достоверную дату зарождения театра в Индии . [48]
Основным источником доказательств для санскритского театра является «Трактат о театре» ( Nātyaśāstra ), сборник, дата составления которого неизвестна (оценки варьируются от 200 г. до н. э. до 200 г. н. э.) и авторство которого приписывается Бхарате Муни . Трактат является наиболее полным произведением драматургии в древнем мире. Он рассматривает актерское мастерство , танец , музыку , драматическое построение , архитектуру , костюмы , грим , реквизит , организацию трупп, зрителей, соревнования и предлагает мифологический рассказ о происхождении театра. [48] При этом он дает указания о природе реальных театральных практик. Санскритский театр исполнялся на священной земле жрецами, которые были обучены необходимым навыкам (танец, музыка и декламация) в [наследственном процессе]. Его целью было как обучение, так и развлечение.
Под покровительством королевских дворов исполнители принадлежали к профессиональным труппам, которыми руководил управляющий сценой ( сутрадхара ), который, возможно, также играл. [44] [48] Эта задача считалась аналогичной работе кукловода — буквальное значение слова « сутрадхара » — «держатель нитей или ниточек». [48] Исполнители проходили строгую подготовку в области вокальной и физической техники. [49] Не было никаких запретов против женщин-исполнителей; труппы были полностью мужскими, полностью женскими и смешанного пола. Однако некоторые чувства считались неподходящими для исполнения мужчинами и считались более подходящими для женщин. Некоторые исполнители играли персонажей своего возраста, в то время как другие играли персонажей, отличающихся от их собственного (будь то моложе или старше). Из всех элементов театра « Трактат» уделяет наибольшее внимание актерской игре ( абхинайя ), которая состоит из двух стилей: реалистичного ( локадхарми ) и условного ( натйадхарми ), хотя основное внимание уделяется последнему. [49] [м]
Его драма считается высшим достижением санскритской литературы . [44] В ней использовались стандартные персонажи , такие как герой ( nayaka ), героиня ( nayika ) или клоун ( vidusaka ). Актеры могли специализироваться на определенном типе. Калидаса в I веке до н. э., возможно, считается величайшим санскритским драматургом Древней Индии . Три известные романтические пьесы, написанные Калидасой, — это Mālavikāgnimitram ( Mālavikā и Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( Относящийся к Викраме и Урваши ) и Abhijñānaśākuntala ( Признание Шакунталы ). Последняя была вдохновлена историей из Махабхараты и является самой известной. Она была первой, переведенной на английский и немецкий языки . «Шакунтала» (в английском переводе) оказала влияние на «Фауста» Гёте (1808–1832). [44]
Следующим великим индийским драматургом был Бхавабхути ( ок. 7 в. н. э. ). Говорят, что он написал следующие три пьесы: «Малати-Мадхава» , «Махавирачарита» и «Уттар Рамачарита» . Из этих трех последние две охватывают весь эпос «Рамаяна» . Могущественному индийскому императору Харше (606–648) приписывают написание трех пьес: комедии «Ратнавали» , «Приядаршика » и буддийской драмы «Нагананда» .
Династию Тан иногда называют «Эпохой 1000 развлечений». В эту эпоху Мин Хуан основал актерскую школу, известную как « Грушевый сад» , чтобы создать форму драмы, которая была в первую очередь музыкальной. Вот почему актеров обычно называют «Детями грушевого сада». Во время правления династии императрицы Лин теневой кукольный театр впервые появился как признанная форма театра в Китае. Существовало две различные формы теневого кукольного театра: пекинская (северная) и кантонская (южная). Два стиля различались по способу изготовления кукол и расположению стержней на куклах , в отличие от типа пьесы, исполняемой куклами. Оба стиля обычно исполняли пьесы, изображающие большие приключения и фэнтези, редко эта очень стилизованная форма театра использовалась для политической пропаганды.
Японские формы Кабуки , Но и Кёгэн развились в XVII веке нашей эры. [50]
Куклы-тени кантонского театра были крупнее из двух. Они были сделаны из толстой кожи, которая создавала более существенные тени. Символический цвет также был очень распространен: черное лицо представляло честность, красное — храбрость. Стержни, используемые для управления куклами-кантонцами, были прикреплены перпендикулярно к головам кукол. Таким образом, они не были видны зрителям, когда создавалась тень. Куклы-пекинесы были более изящными и маленькими. Они были сделаны из тонкой, полупрозрачной кожи (обычно взятой из живота осла). Они были раскрашены яркими красками, поэтому они отбрасывали очень красочную тень. Тонкие стержни, которые управляли их движениями, были прикреплены к кожаному ошейнику на шее куклы. Стержни проходили параллельно телу куклы, а затем поворачивались под углом девяносто градусов, чтобы соединиться с шеей. Хотя эти стержни были видны, когда отбрасывалась тень, они лежали вне тени куклы; таким образом, они не мешали внешнему виду фигуры. Стержни прикреплены к шеям, чтобы облегчить использование нескольких голов с одним телом. Когда головы не использовались, их хранили в муслиновой книге или коробке с тканевой подкладкой. Головы всегда снимали на ночь. Это соответствовало старому суеверию, что если оставить их нетронутыми, то куклы оживут ночью. Некоторые кукловоды зашли так далеко, что хранили головы в одной книге, а тела в другой, чтобы еще больше уменьшить вероятность оживления кукол. Говорят, что теневой кукольный театр достиг своего наивысшего художественного развития в одиннадцатом веке, прежде чем стать инструментом правительства.
В династии Сун было много популярных пьес, включающих акробатику и музыку. Они развились в династии Юань в более сложную форму, известную как zaju , с четырех- или пятиактной структурой. Юаньская драма распространилась по всему Китаю и разделилась на многочисленные региональные формы, одной из самых известных из которых является Пекинская опера , которая популярна и сегодня.
Сяншэн — это традиционное китайское комедийное представление в форме монолога или диалога.
В Индонезии театральные представления стали важной частью местной культуры, театральные представления в Индонезии развивались на протяжении тысяч лет. Большинство старейших театральных форм Индонезии напрямую связаны с местными литературными традициями (устными и письменными). Известные кукольные театры — wayang golek (игра деревянных кукол-марионеток) сунданцев и wayang kulit (игра кожаных теневых кукол) яванцев и балийцев — черпают большую часть своего репертуара из местных версий Рамаяны и Махабхараты . Эти сказки также служат исходным материалом для wayang wong (человеческого театра) Явы и Бали , в котором используются актеры. Однако некоторые представления wayang golek также представляют мусульманские истории, называемые menak . [51] [52] Wayang — древняя форма повествования, известная своими сложными кукольными/человеческими и сложными музыкальными стилями. [53] Самые ранние свидетельства относятся к концу 1-го тысячелетия н. э., в средневековых текстах и археологических памятниках. [54] Самые старые известные записи, касающиеся ваянг, относятся к 9-му веку. Около 840 г. н. э. в древнеяванских (кави) надписях, называемых Jaha Inscriptions, выпущенных Махараджей Шри Локапалой из королевства Матарам в Центральной Яве , упоминаются три вида исполнителей: атапукан, аринггит и абанол. Аринггит означает кукольное представление ваянг, атапукан означает шоу танца в маске, а абанвал означает шуточное искусство. Ринггит описывается в яванской поэме 11-го века как кожаная теневая фигура.
Театр в средневековом исламском мире включал кукольный театр (который включал кукол-марионеток, теневые пьесы и постановки марионеток ) и живые страстные пьесы, известные как тазийе , где актеры воспроизводят эпизоды из мусульманской истории . В частности, шиитские исламские пьесы вращались вокруг истишхада (мученичества) сыновей Али Хасана ибн Али и Хусейна ибн Али . Светские пьесы были известны как ахраджа , зафиксированные в средневековой литературе адаба , хотя они были менее распространены, чем кукольный театр и театр тазийя . [55]
Театр принял множество альтернативных форм на Западе между 15 и 19 веками, включая комедию дель арте из итальянского театра и мелодраму . Общая тенденция была вдали от поэтической драмы греков и эпохи Возрождения и в сторону более натуралистичного прозаического стиля диалога, особенно после промышленной революции . [56]
Театр в Англии сделал большую паузу в 1642 и 1660 годах из-за пуританского междуцарствия. [57] Растущие антитеатральные настроения среди пуритан привели к тому, что Уильям Принн написал Histriomastix (1633), самую известную атаку на театр до запрета. [57] Считая театр греховным, пуритане приказали закрыть лондонские театры в 1642 году . [58] 24 января 1643 года актеры протестовали против запрета, написав памфлет под названием « Протест актеров или жалоба на замалчивание их профессии и изгнание из их нескольких театральных домов» . [59] Этот период застоя закончился, когда Карл II вернулся на престол в 1660 году в ходе Реставрации . Театр (среди других искусств) взорвался под влиянием французской культуры, поскольку Карл был сослан во Францию в годы, предшествовавшие его правлению.
В 1660 году две компании получили лицензию на выступления, Duke's Company и King's Company . Спектакли проходили в переоборудованных зданиях, таких как Lisle's Tennis Court . Первый театр Вест-Энда , известный как Theatre Royal в Ковент-Гардене , Лондон, был спроектирован Томасом Киллигрю и построен на месте нынешнего Theatre Royal, Друри-Лейн . [60]
Одним из больших изменений стало новое здание театра. Вместо типа елизаветинской эпохи, такого как театр «Глобус» , круглого, без места для актеров, чтобы подготовиться к следующему акту, и без «театральных манер», здание театра превратилось в место утонченности, со сценой спереди и стадионными сиденьями напротив нее. Поскольку сиденья больше не располагались по всему периметру сцены, они стали приоритетными — некоторые места были, очевидно, лучше других. У короля было лучшее место в здании: в самой середине театра, которое давало самый широкий обзор сцены, а также лучший способ увидеть точку обзора и точку схода, вокруг которой была построена сцена. Филипп Жак де Лютербург был одним из самых влиятельных художников-декораторов того времени из-за его использования пространства пола и декораций.
Из-за беспорядков, которые были до этого времени, все еще существовали некоторые разногласия о том, что следует и не следует ставить на сцене. Джереми Колльер , проповедник, был одним из лидеров этого движения благодаря своей работе «Краткий взгляд на безнравственность и нечестие английской сцены» . Убеждения, изложенные в этой статье, в основном разделялись не любителями театра и остальной частью пуритан и очень религиозных людей того времени. Главный вопрос заключался в том, влияет ли вид чего-то безнравственного на сцене на поведение в жизни тех, кто это смотрит, — спор, который продолжается и сегодня. [61]
XVII век также ввел женщин на сцену, что ранее считалось неуместным. Эти женщины считались знаменитостями (тоже более новая концепция, благодаря идеям индивидуализма, возникшим на волне гуманизма эпохи Возрождения ), но с другой стороны, это было все еще очень ново и революционно, что они были на сцене, и некоторые говорили, что они неженственны, и смотрели на них свысока. Карл II не любил, когда молодые мужчины играли роли молодых женщин, поэтому он попросил, чтобы женщины играли свои собственные роли. [62] Поскольку женщинам разрешалось выходить на сцену, у драматургов было больше свободы в поворотах сюжета, например, женщины переодевались в мужчин и едва избегали морально неприятных ситуаций как форм комедии.
Комедии были полны молодежи и были очень популярны, с сюжетной линией, следующей за их любовной жизнью: обычно молодой плутоватый герой признается в любви целомудренной и свободомыслящей героине ближе к концу пьесы, во многом как « Школа злословия» Шеридана . Многие комедии были созданы по французской традиции, в основном Мольера, снова отсылая к французскому влиянию, возвращенному королем и королевской семьей после их изгнания. Мольер был одним из ведущих комедийных драматургов того времени, революционизировавшим способ написания и исполнения комедии, объединив итальянскую комедию дель арте и неоклассическую французскую комедию, чтобы создать некоторые из самых продолжительных и влиятельных сатирических комедий. [63] Трагедии также были победоносными в своем чувстве восстановления политической власти, особенно острым из-за недавней Реставрации короны. [64] Они также были имитациями французской трагедии, хотя французы проводили большее различие между комедией и трагедией, тогда как англичане иногда подделывали строки и вставляли некоторые комедийные части в свои трагедии. Распространенными формами некомедийных пьес были сентиментальные комедии, а также то, что позже назовут tragédiebourse , или домашней трагедией — то есть трагедией повседневной жизни — были более популярны в Англии, потому что они больше апеллировали к английским чувствам. [65]
Хотя театральные труппы раньше часто путешествовали, идея национального театра получила поддержку в XVIII веке, вдохновленная Людвигом Хольбергом . Главным пропагандистом идеи национального театра в Германии, а также поэтов « Бури и натиска» , был Абель Зейлер , владелец Hamburgische Entreprise и Seyler Theatre Company . [66]
В течение XIX века популярные театральные формы романтизма , мелодрама , викторианский бурлеск и хорошо сделанные пьесы Скриба и Сарду уступили место проблемным пьесам натурализма и реализма ; фарсам Фейдо ; оперному Gesamtkunstwerk Вагнера ; музыкальному театру (включая оперы Гилберта и Салливана); салонным комедиям Ф. К. Бернанда , У. С. Гилберта и Оскара Уайльда ; символизму ; протоэкспрессионизму в поздних произведениях Августа Стриндберга и Генрика Ибсена ; [68] и эдвардианской музыкальной комедии .
Эти тенденции продолжились в XX веке в реализме Станиславского и Ли Страсберга , политическом театре Эрвина Пискатора и Бертольта Брехта , так называемом Театре абсурда Сэмюэля Беккета и Эжена Ионеско , американских и британских мюзиклах, коллективных творениях трупп актеров и режиссеров, таких как Театральная мастерская Джоан Литтлвуд , экспериментальный и постмодернистский театр Роберта Уилсона и Робера Лепажа , постколониальный театр Огаста Уилсона или «Томсон Хайвэй » и Театр угнетенных Аугусто Боаля .
Драма — это особый вид художественного произведения, представленный в представлении . [69] Термин происходит от греческого слова, означающего « действие », которое происходит от глагола δράω, dráō , «делать» или «действовать». Постановка драмы в театре, исполняемая актерами на сцене перед публикой , предполагает совместные способы производства и коллективную форму приема. Структура драматических текстов , в отличие от других форм литературы , напрямую зависит от этого совместного производства и коллективного приема. [70] Ранняя современная трагедия «Гамлет» (1601) Шекспира и классическая афинская трагедия «Царь Эдип» ( ок. 429 г. до н. э. ) Софокла являются одними из шедевров искусства драмы. [71] Современный пример — « Долгий день уходит в ночь» Юджина О'Нила (1956). [72]
Рассматриваемый как жанр поэзии в целом, драматический режим противопоставлялся эпическому и лирическому режимам еще со времен «Поэтики » Аристотеля ( ок . 335 г. до н. э. ) ; самой ранней работы по теории драмы . [n] Использование термина «драма» в узком смысле для обозначения определенного типа пьесы датируется 19 веком . Драма в этом смысле относится к пьесе, которая не является ни комедией, ни трагедией, например, «Тереза Ракен» Золя (1873) или «Иванов» Чехова (1887). Однако в Древней Греции слово «драма» охватывало все театральные пьесы, трагические, комические или что-то среднее между ними.
Драма часто сочетается с музыкой и танцами : драма в опере обычно поется на протяжении всего действия; мюзиклы обычно включают как разговорный диалог, так и песни ; а некоторые формы драмы имеют сопутствующую музыку или музыкальное сопровождение, подчеркивающее диалог ( например, мелодрама и японский но ). [o] В определенные периоды истории (древнеримский и современный романтизм ) некоторые драмы писались для чтения , а не для исполнения. [p] В импровизации драма не существует до момента исполнения; исполнители спонтанно придумывают драматический сценарий перед аудиторией. [q]
.jpg/1280px-Palladium_Theatre_(16427934069).jpg)
Музыка и театр тесно связаны с древних времен — например, афинская трагедия была формой танцевальной драмы , в которой использовался хор , партии которого пелись (под аккомпанемент авлоса — инструмента, сопоставимого с современным гобоем ), как и некоторые ответы актеров и их «сольные песни» ( монодии ). [73] Современный музыкальный театр — это форма театра, которая также сочетает в себе музыку, разговорный диалог и танец. Он возник из комической оперы (особенно Гилберта и Салливана ), варьете , водевиле и жанрах мюзик-холла конца 19-го и начала 20-го века . [74] После эдвардианской музыкальной комедии , которая началась в 1890-х годах, мюзиклов театра «Принцесса» начала 20-го века и комедий 1920-х и 1930-х годов (таких как работы Роджерса и Хаммерштейна ), с «Оклахомой!» (1943), мюзиклы стали более драматичными. [r] Известные мюзиклы последующих десятилетий включают «Мою прекрасную леди» (1956), «Вестсайдскую историю» (1957), «Фантастикс» (1960), «Волосы» (1967), «Кордебалет» (1975), «Отверженные» (1980), «Кошки» (1981), «В лес » (1986) и «Призрак оперы» (1986), [75] а также более современные хиты, включая «Аренду » (1994), «Король Лев» (1997), «Злая» (2003), «Гамильтон» (2015) и «Холодное сердце » (2018).
Музыкальный театр может быть поставлен в интимном масштабе вне Бродвея , в региональных театрах и в других местах, но он часто включает в себя зрелище. Например, мюзиклы на Бродвее и Вест-Энде часто включают в себя роскошные костюмы и декорации, поддерживаемые многомиллионными бюджетами.
.jpg/1280px-Mosaic_depicting_theatrical_masks_of_Tragedy_and_Comedy_(Thermae_Decianae).jpg)
Театральные постановки, в которых юмор используется как средство повествования, считаются комедиями. Это может быть современный фарс, такой как Boeing Boeing , или классическая пьеса, такая как As You Like It . Театр, выражающий мрачные, спорные или табуированные темы в намеренно юмористической форме, называется черной комедией . Черная комедия может иметь несколько жанров, таких как фарс, темная и саркастическая комедия.
Трагедия, таким образом, есть имитация действия серьезного, завершенного и имеющего определенную величину: на языке, украшенном каждым видом художественного украшения, различные виды которого встречаются в отдельных частях пьесы; в форме действия, а не повествования; посредством жалости и страха осуществляя надлежащее очищение этих эмоций.
— Аристотель , Поэтика [76]
Фраза Аристотеля «несколько видов, находящихся в отдельных частях пьесы» является ссылкой на структурные истоки драмы. В ней разговорные части были написаны на аттическом диалекте, тогда как хоровые (декламируемые или певшиеся) — на дорическом диалекте , эти расхождения отражают различное религиозное происхождение и поэтические размеры частей, которые были объединены в новое целое, театральную драму .
Трагедия относится к особой традиции драмы , которая сыграла уникальную и важную роль в историческом самоопределении западной цивилизации . [77] [78] Эта традиция была множественной и прерывистой, однако этот термин часто использовался для обозначения мощного эффекта культурной идентичности и исторической преемственности — « греки и елизаветинцы в одной культурной форме; эллины и христиане в общей деятельности», как выразился Рэймонд Уильямс . [79] От своих неясных истоков в театрах Афин 2500 лет назад, от которых сохранилась лишь часть работ Эсхила , Софокла и Еврипида , через свои уникальные артикуляции в произведениях Шекспира , Лопе де Веги , Расина и Шиллера , до более поздней натуралистической трагедии Стриндберга , модернистских размышлений Беккета о смерти, утрате и страдании и постмодернистских переработок трагического канона Мюллером , трагедия оставалась важным местом культурного эксперимента, переговоров, борьбы и изменений. [80] [81] Вслед за «Поэтикой» Аристотеля (335 г. до н. э.) трагедия использовалась для проведения жанровых различий, будь то в масштабе поэзии в целом (где трагическое разделяется с эпосом и лирикой ) или в масштабе драмы (где трагедия противопоставляется комедии ). В современную эпоху трагедию также определяли как драму, мелодраму , трагикомический и эпический театр . [с]
Импровизация была неотъемлемой чертой театра, причем первой формой импровизации в шестнадцатом веке была признана комедия дель арте. Популяризированный лауреатом Нобелевской премии по литературе 1997 года Дарио Фо и такими труппами, как Upright Citizens Brigade, импровизационный театр продолжает развиваться, охватывая множество различных направлений и философий.
Кейт Джонстон и Виола Сполин признаны первыми учителями импровизации в наше время, причем Джонстон исследовал импровизацию как альтернативу сценарному театру, а Сполин и ее последователи исследовали импровизацию в основном как инструмент для развития драматической работы или навыков или как форму для ситуационной комедии. Сполин также заинтересовался тем, как процесс обучения импровизации применим к развитию человеческого потенциала. [82]
Сын Сполина, Пол Силлс, популяризировал импровизационный театр как форму театрального искусства, основав в качестве его первого директора театр The Second City в Чикаго.
Будучи важной частью человеческой культуры на протяжении более 2500 лет, театр развил широкий спектр различных теорий и практик. Некоторые из них связаны с политическими или духовными идеологиями, в то время как другие основаны исключительно на «художественных» проблемах. Некоторые процессы сосредоточены на истории, некоторые на театре как событии, а некоторые на театре как катализаторе социальных изменений. Классический греческий философ Аристотель в своем основополагающем трактате «Поэтика » ( ок. 335 г. до н. э. ) является самым ранним сохранившимся примером, и его аргументы с тех пор оказывают влияние на теории театра. [17] [18] В нем он предлагает отчет о том, что он называет «поэзией» (термин, который в греческом буквально означает «создание» и в этом контексте включает драму — комедию , трагедию и пьесу сатиров — а также лирическую поэзию , эпическую поэзию и дифирамб ). Он исследует ее «первые принципы» и определяет ее жанры и основные элементы; его анализ трагедии составляет ядро обсуждения. [83]
Аристотель утверждает, что трагедия состоит из шести качественных частей, которые (в порядке важности) являются: мифос или «сюжет», этос или «характер», дианойя или «мысль», лексис или «дикция», мелос или «песня» и опсис или «зрелище». [84] [85] «Хотя «Поэтика» Аристотеля общепризнана в западной критической традиции», — объясняет Марвин Карлсон , — «почти каждая деталь его основополагающего труда вызвала различные мнения». [86] Среди выдающихся театральных деятелей XX века были Константин Станиславский , Всеволод Мейерхольд , Жак Копо , Эдвард Гордон Крейг , Бертольт Брехт , Антонен Арто , Джоан Литтлвуд , Питер Брук , Ежи Гротовский , Аугусто Боаль , Эухенио Барба , Дарио Фо , Виола Сполин , Кит Джонстон и Роберт Уилсон (режиссер) .
Станиславский рассматривал театр как форму искусства , которая автономна от литературы и в которой вклад драматурга должен уважаться как вклад только одного из ансамбля творческих художников. [87] [88] [89] [90] [t] Его новаторский вклад в современную теорию актерского мастерства оставался в основе мейнстримного западного актерского обучения на протяжении большей части прошлого столетия. [91] [92] [93] [94] [95] То, что многие из предписаний его системы актерского обучения кажутся здравым смыслом и самоочевидными, свидетельствует о ее гегемоническом успехе. [96] Актеры часто используют его основные концепции, не зная, что они делают это. [96] Благодаря ее продвижению и разработке преподавателями актерского мастерства, которые были его бывшими учениками, и многочисленным переводам его теоретических трудов, «система» Станиславского приобрела беспрецедентную способность пересекать культурные границы и приобрела международный охват, доминируя в дебатах об актерском мастерстве в Европе и Соединенных Штатах. [91] [97] [98] [99] Многие актеры обычно отождествляют его «систему» с североамериканским методом , хотя исключительно психологические приемы последнего резко контрастируют с многовариантным, целостным и психофизическим подходом Станиславского, который исследует характер и действие как «изнутри наружу», так и «снаружи внутрь» и рассматривает разум и тело актера как части континуума. [100] [101]
Театр предполагает совместные способы производства и коллективную форму приема. Структура драматических текстов , в отличие от других форм литературы , напрямую зависит от этого совместного производства и коллективного приема. [70] Производство пьес обычно включает в себя вклад драматурга , режиссера , актерского состава и технической производственной группы , которая включает в себя художника - декоратора , художника по свету , художника по костюмам , звукорежиссера , менеджера по сцене , менеджера по производству и технического директора. В зависимости от постановки, эта команда может также включать композитора , драматурга , видеодизайнера или режиссера боев .
Stagecraft — это общий термин, относящийся к техническим аспектам театрального, кино- и видеопроизводства. Он включает в себя, помимо прочего, постройку и установку декораций, развешивание и фокусировку освещения, дизайн и закупку костюмов, грим, закупку реквизита, управление сценой, а также запись и микширование звука. Stagecraft отличается от более широкого обобщающего термина сценография. Считаясь скорее технической, чем художественной областью, он в первую очередь относится к практической реализации художественного видения дизайнера.
В своей самой базовой форме сценическое мастерство управляется одним человеком (часто менеджером сцены небольшой постановки), который организует все декорации, костюмы, освещение и звук, а также организует актерский состав. На более профессиональном уровне, например, в современных бродвейских домах, сценическое мастерство управляется сотнями квалифицированных плотников, маляров, электриков, рабочих сцены, швейников, париков и тому подобного. Эта современная форма сценического мастерства является высокотехничной и специализированной: она включает в себя множество субдисциплин и обширную сокровищницу истории и традиций. Большая часть сценического мастерства лежит между этими двумя крайностями. Региональные театры и более крупные общественные театры, как правило, имеют технического директора и набор дизайнеров, каждый из которых принимает непосредственное участие в своих проектах.
Существует множество современных театральных движений, которые создают театр разными способами. Театральные предприятия сильно различаются по сложности и цели. Люди, которые в них участвуют, варьируются от новичков и любителей (в любительском театре) до профессионалов (в бродвейских и подобных постановках). Театр может быть представлен с ограниченным бюджетом или в больших масштабах с многомиллионными бюджетами. Это разнообразие проявляется в изобилии театральных подкатегорий, которые включают:
В то время как большинство современных театральных компаний репетируют одну пьесу за раз, показывают эту пьесу для набора "прогона", снимают пьесу с производства и начинают репетировать новое шоу, репертуарные компании репетируют несколько шоу одновременно. Эти компании могут исполнять эти различные пьесы по запросу и часто исполняют работы в течение многих лет, прежде чем снимут их с производства. Большинство танцевальных компаний работают по этой репертуарной системе. Королевский национальный театр в Лондоне играет по репертуарной системе.
Репертуарный театр обычно включает в себя группу одинаково успешных актеров и больше полагается на репутацию группы, чем на отдельного звездного актера. Он также обычно меньше полагается на строгий контроль со стороны режиссера и меньше на соблюдение театральных условностей, поскольку актеры, которые работали вместе в нескольких постановках, могут реагировать друг на друга, не полагаясь так сильно на условности или внешнее руководство. [102]
Театральная компания — это организация, которая занимается постановкой театральных представлений, [4] в отличие от театральной труппы (или актерской компании), которая представляет собой группу театральных исполнителей, работающих вместе. [5]
Гастролирующая компания — это независимая театральная или танцевальная компания, которая путешествует, часто по всему миру, выступая на разных театральных площадках в каждом городе. [ необходима ссылка ]
.jpg/1280px-Panor%C3%A1mica_interior_del_Teatro_Col%C3%B3n_(cropped).jpg)
Для постановки театральной постановки необходимы как театральная компания, так и театральная площадка . Когда театральная компания является единственной компанией, проживающей на театральной площадке, этот театр (и соответствующая ему театральная компания) называются резидентным театром или производящим театром, потому что площадка производит свою собственную работу. Другие театральные компании, а также танцевальные компании, у которых нет собственной театральной площадки, выступают в арендных театрах или в театрах-представителях. Как арендные, так и представляющие театры не имеют постоянных резидентных компаний. Однако иногда у них есть одна или несколько частично занятых резидентных компаний, в дополнение к другим независимым партнерским компаниям, которые договариваются об использовании пространства, когда оно доступно. Арендный театр позволяет независимым компаниям искать пространство, в то время как представляющий театр ищет независимые компании, чтобы поддержать их работу, представляя их на своей сцене. [ необходима цитата ]
Некоторые перформанс-группы выступают в нетеатральных пространствах. Такие выступления могут проходить снаружи или внутри, в нетрадиционном перформанс-пространстве, и включают уличный театр и театр, привязанный к месту . Нетрадиционные площадки могут использоваться для создания более иммерсивной или значимой среды для зрителей. Иногда их можно модифицировать сильнее, чем традиционные театральные площадки, или вмещать различные виды оборудования, освещения и декораций. [103]
Существует множество театральных союзов , в том числе:
