stringtranslate.com

Искусство Европы

Апеллес рисует Кампаспу , произведение искусства, на котором изображены люди, окруженные изобразительным искусством; Виллем ван Хехт ; в. 16:30; масло, панель; высота: 104,9 см, ширина: 148,7 см; Маурицхейс ( Гаага , Нидерланды )
Искусство живописи ; Йоханнес Вермеер ; 1666–1668; масло на холсте; 1,3 х 1,1 м; Художественно-исторический музей ( Вена , Австрия )

Искусство Европы , также известное как западное искусство , охватывает историю изобразительного искусства в Европе . Европейское доисторическое искусство начиналось как мобильная наскальная и наскальная живопись верхнего палеолита и искусство петроглифов и было характерно для периода между палеолитом и железным веком . [1] Письменные истории европейского искусства часто начинаются с Эгейских цивилизаций , датируемых 3-м тысячелетием до нашей эры. Однако последовательная модель художественного развития в Европе становится ясной только благодаря древнегреческому искусству , которое было перенято и преобразовано Римом и продолжено; с Римской империей , на большей части Европы, Северной Африки и Западной Азии . [2]

Влияние искусства классического периода росло и ослабевало в течение следующих двух тысяч лет, в некоторых частях средневекового периода оно, казалось, ускользало в далекие воспоминания , чтобы вновь проявиться в эпоху Возрождения , пережить период, который некоторые ранние историки искусства пережили. рассматриваемый как «распад» в период барокко , [3] вновь появиться в изысканной форме в неоклассицизме [4] и возродиться в постмодернизме . [5]

До 1800-х годов христианская церковь оказывала большое влияние на европейское искусство, а церковные заказы служили основным источником работы для художников. В тот же период возобновился интерес к классической мифологии, великим войнам, героям и героиням, а также темам, не связанным с религией. [6] Большая часть произведений искусства за последние 200 лет создавалась без привязки к религии и часто вообще без какой-либо конкретной идеологии , но искусство часто подвергалось влиянию политических проблем, отражающих интересы покровителей или художника.

Европейское искусство разделено на несколько стилистических периодов, которые исторически перекрывают друг друга, поскольку в разных областях процветали разные стили. В целом это следующие периоды: классический , византийский , средневековый , готический , ренессансный , барочный , рококо , неоклассический , современный , постмодернистский и новоевропейский . [6]

Доисторическое искусство

Европейское доисторическое искусство является важной частью европейского культурного наследия. [7] Историю доисторического искусства обычно делят на четыре основных периода: каменный век , неолит , бронзовый век и железный век . Большинство сохранившихся артефактов этого периода представляют собой небольшие скульптуры и наскальные рисунки.

Венера Виллендорфская ; в. 26000 г. до н.э. (граветтский период); известняк цвета охры; Музей естествознания ( Вена , Австрия)

Большая часть сохранившегося доисторического искусства представляет собой небольшие переносные скульптуры с небольшой группой женских фигурок Венеры , таких как Венера Виллендорфская (24 000–22 000 до н. э.), найденные по всей Центральной Европе; [8] Статуэтка Левенменша высотой 30 см, датируемая примерно 30 000 г. до н. э., практически не содержит каких-либо частей, которые могли бы быть связаны с ней. Плавающий северный олень , датируемый примерно 11 000 г. до н.э., является одним из лучших из множества мадленских резных фигурок из костей или рогов животных в искусстве верхнего палеолита , хотя их численность превосходит гравированные произведения, которые иногда классифицируются как скульптуры. [9] С началом мезолита в Европе фигуративная скульптура значительно сократилась, [10] и оставалась менее распространенным элементом в искусстве, чем рельефное украшение практических предметов до римского периода, несмотря на некоторые работы, такие как котел Гундеструпа из европейского железа. Эпоха и бронзовый век Трундхольмская солнечная колесница . [11]

Самое старое европейское наскальное искусство датируется 40 800 годом, и его можно найти в пещере Эль-Кастильо в Испании. [12] Другие места наскальной живописи включают Ласко , пещеру Альтамира , Грот-де-Кюссак , Пеш-Мерль , пещеру Нио , пещеру Шове , Фон-де-Гом , скалы Кресвелл, Ноттингемшир, Англия (пещерные гравюры и барельефы, обнаруженные в 2003), пещера Колибоая из Румынии (считается старейшей наскальной живописью в Центральной Европе ) [13] и Магура, [1] Белоградчик, Болгария. [14] Наскальные рисунки также выполнялись на скалах, но из-за эрозии сохранилось меньшее их количество. Одним из хорошо известных примеров являются наскальные рисунки Астувансалми в районе Саймы в Финляндии. Когда Марселино Санс де Саутуола впервые столкнулся с мадленианскими рисунками пещеры Альтамира в Кантабрии, Испания, в 1879 году, ученые того времени сочли их подделками. Недавние переоценки и многочисленные дополнительные открытия с тех пор продемонстрировали их подлинность, одновременно стимулируя интерес к искусству народов верхнего палеолита. Наскальные рисунки, выполненные с использованием лишь самых элементарных инструментов, также могут дать ценное представление о культуре и верованиях той эпохи.

Наскальные рисунки Иберийского Средиземноморского бассейна представляют собой совершенно другой стиль, в котором основное внимание уделяется человеческой фигуре, которую часто можно увидеть в больших группах, со сражениями, танцами и охотой, а также с другими видами деятельности и деталями, такими как одежда. Фигуры, как правило, довольно схематично изображены тонкой краской, при этом отношения между группами людей и животных изображены более тщательно, чем отдельные фигуры. Другие, менее многочисленные группы наскальных рисунков, многие из которых скорее выгравированы, чем нарисованы, демонстрируют аналогичные характеристики. Считается, что иберийские образцы относятся к длительному периоду, возможно, охватывающему верхний палеолит, мезолит и ранний неолит.

Доисторическое кельтское искусство происходит из большей части Европы железного века и сохранилось в основном в виде высококлассных металлических изделий, искусно украшенных сложными, элегантными и в основном абстрактными узорами, часто с использованием изогнутых и спиральных форм. Есть человеческие головы и некоторые полностью изображенные животные, но человеческие фигуры в полный рост любого размера настолько редки, что их отсутствие может представлять собой религиозное табу. Когда римляне завоевали кельтские территории, он почти полностью исчез, но этот стиль продолжал ограниченно использоваться на Британских островах , а с приходом христианства возродился там в островном стиле раннего средневековья.

Древний

Минойский

Минойская цивилизация Крита считается старейшей цивилизацией Европы . [15] Минойское искусство отличается творческими образами и исключительным мастерством. Синклер Худ описал «важное качество лучшего минойского искусства - способность создавать атмосферу движения и жизни, хотя и следует ряду весьма формальных условностей». [16] Он является частью более широкой группы эгейского искусства , а в более поздние периоды на какое-то время стал оказывать доминирующее влияние на кикладское искусство . Дерево и текстиль разложились, поэтому наиболее сохранившимися примерами минойского искусства являются керамика , минойские печати с замысловатой резьбой , дворцовые фрески с пейзажами), небольшие скульптуры из различных материалов, ювелирные изделия и изделия из металла.

Отношения минойского искусства с искусством других современных культур, а затем и с древнегреческим искусством, широко обсуждались. Она явно доминировала в микенском искусстве и кикладском искусстве тех же периодов, [17] даже после того, как Крит был оккупирован микенцами, но лишь некоторые аспекты традиции пережили греческие темные века после распада Микенской Греции . [18]

Минойское искусство имеет разнообразную тематику, большая часть которого проявляется в разных средствах массовой информации, хотя только некоторые стили керамики включают фигуративные сцены. Прыжок быка встречается в живописи и некоторых видах скульптуры и, как полагают, имел религиозное значение; головы быка также являются популярным предметом в терракоте и других скульптурных материалах. Нет фигур, которые выглядели бы портретами отдельных лиц или явно принадлежали к королевской семье, а личности религиозных деятелей часто являются предварительными, [19] при этом ученые не уверены, являются ли они божествами, духовенством или преданными. [20] Точно так же далеко не ясно, были ли расписные комнаты «святынями» или светскими; Утверждается, что одна комната в Акротири была спальней с остатками кровати или святыней. [21]

Часто изображаются животные, в том числе необычное разнообразие морской фауны; « Морской стиль » — это тип расписной дворцовой керамики из MM III и LM IA, на которой изображены морские существа, включая осьминога , распространяющиеся по всему судну, и, вероятно, возникший на основе аналогичных фресковых сцен; [22] иногда они появляются в других средствах массовой информации. Сцены охоты и войны, а также лошадей и всадников в основном встречаются в более поздние периоды, возможно, в произведениях, созданных критянами для микенского рынка или микенскими правителями Крита.

Хотя минойские фигуры, будь то люди или животные, обладают прекрасным ощущением жизни и движения, они часто не очень точны, и иногда невозможно определить вид; по сравнению с древнеегипетским искусством они часто более яркие, но менее натуралистичные. [23] По сравнению с искусством других древних культур здесь высока доля женских фигур, хотя идея о том, что у минойцев были только богини, а не боги, сейчас не принимается во внимание. Большинство человеческих фигур изображены в профиль или в версии египетской традиции: голова и ноги в профиль, а туловище видно спереди; но минойские фигуры преувеличивают такие черты, как тонкая мужская талия и большая женская грудь. [24]

Классический греческий и эллинистический

В Древней Греции были великие художники, великие скульпторы и великие архитекторы. Парфенон является примером их архитектуры , сохранившейся до наших дней. Греческую мраморную скульптуру часто называют высшей формой классического искусства. Роспись керамики и керамики Древней Греции дает особенно информативное представление о том, как функционировало общество Древней Греции. Чернофигурная вазопись и краснофигурная вазопись дают множество сохранившихся примеров того, чем была греческая живопись. Некоторые известные греческие художники, работающие на деревянных панелях, которые упоминаются в текстах, - это Апеллес , Зевксис и Паррасий , однако никаких примеров древнегреческой живописи на панно не сохранилось, только письменные описания их современников или более поздних римлян. Зевксис жил в 5–6 г. до н.э. и, как говорят, первым использовал сфумато . По словам Плиния Старшего , реализм его картин был таков, что нарисованный виноград пытались съесть птицы. Апеллеса называют величайшим художником античности за совершенную технику рисунка, блестящие цвета и лепку.

Римский

Римское искусство находилось под влиянием Греции и отчасти может считаться потомком древнегреческой живописи и скульптуры, но также находилось под сильным влиянием более местного этрусского искусства Италии. Римская скульптура — это прежде всего портретная живопись, принадлежащая высшим классам общества, а также изображения богов. Однако римская живопись имеет важные уникальные характеристики. Среди сохранившихся римских картин — настенные росписи, многие из вилл в Кампании , в Южной Италии, особенно в Помпеях и Геркулануме . Подобная живопись может быть сгруппирована в четыре основных «стиля» или периода [26] и может содержать первые образцы обманки , псевдоперспективы и чистого пейзажа. [27]

Почти все сохранившиеся живописные портреты Древнего мира представляют собой большое количество гробов-портретов бюстной формы, найденных на позднеантичном кладбище Аль-Файюма . Они дают представление о том качестве, которым должно было обладать самое прекрасное древнее произведение. Сохранилось также очень небольшое количество миниатюр из позднеантичных иллюстрированных книг и гораздо большее количество их экземпляров периода раннего средневековья. Раннехристианское искусство выросло из римского народного, а затем и имперского искусства и адаптировало свою иконографию из этих источников.

Средневековый

Большая часть сохранившегося искусства средневекового периода носила религиозный характер и часто финансировалась церковью , влиятельными церковными личностями, такими как епископы , общинными группами, такими как аббатства , или богатыми светскими покровителями . Многие из них имели определенные литургические функции — например, процессийные кресты и запрестольные образы .

Один из центральных вопросов о средневековом искусстве касается отсутствия реализма. Большая часть знаний о перспективе в искусстве и понимании человеческой фигуры была утрачена с падением Рима . Но реализм не был главной заботой средневековых художников. Они просто пытались передать религиозное послание, задача, которая требует четких иконических изображений, а не точно воспроизведенных.

Период времени : с 6 по 15 век.

Раннесредневековое искусство

Искусство периода миграции — общий термин для искусства «варварских» народов, переселившихся на бывшие римские территории. Кельтское искусство VII и VIII веков произошло слияние с германскими традициями благодаря контакту с англосаксами, создавшим то, что называется хиберно-саксонским стилем или островным искусством , которое оказало большое влияние на остальную часть Средневековья. Искусство Меровингов описывает искусство франков примерно до 800 года, когда искусство Каролингов сочетало островные влияния с застенчивым классическим возрождением, перерастая в оттоновское искусство . Англосаксонское искусство — это искусство Англии после островного периода. Иллюминированные рукописи содержат почти всю сохранившуюся живопись того периода, но важными материалами также были архитектура, изделия из металла и небольшие резные изделия из дерева или слоновой кости.

византийский

Византийское искусство частично совпадает с тем, что мы называем раннехристианским искусством, или сливается с ним до периода иконоборчества 730–843 годов, когда подавляющее большинство произведений искусства с фигурами было уничтожено; осталось так мало, что сегодня любое открытие проливает новое понимание. С 843 по 1453 год существует четкая традиция византийского искусства. Часто это лучшее искусство средневековья с точки зрения качества материала и исполнения, производство которого сосредоточено в Константинополе. Венцом византийского искусства стали монументальные фрески и мозаики внутри куполообразных церквей, большинство из которых не сохранились из-за стихийных бедствий и присвоения церквей мечетям.

романский

Романское искусство относится к периоду примерно с 1000 года до возникновения готического искусства в 12 веке. Это был период растущего процветания, и первый период, когда единый стиль использовался по всей Европе, от Скандинавии до Сицилии. Романское искусство энергично и прямолинейно, изначально было ярким и часто очень изысканным. Витражи и эмаль на металлических изделиях стали важными материалами, и появились более крупные круглые скульптуры, хотя основной техникой был горельеф . В его архитектуре преобладают толстые стены, закругленные окна и арки с большим количеством резного декора.

Готика

Готическое искусство — это переменный термин, зависящий от ремесла, места и времени. Этот термин возник в готической архитектуре в 1140 году, но готическая живопись появилась только примерно в 1200 году (эта дата имеет много оговорок), когда она отошла от романского стиля. Готическая скульптура зародилась во Франции в 1144 году при реконструкции церкви аббатства Сан-Дени и распространилась по всей Европе, к 13 веку стала международным стилем, придя на смену романскому. Международная готика описывает готическое искусство примерно с 1360 по 1430 год, после чего готическое искусство сливается с искусством эпохи Возрождения в разное время в разных местах. В этот период такие формы, как живопись, фреска и панно, приобретают новое значение, а в конце периода появляются новые средства массовой информации, такие как гравюры.

Ренессанс

«Витрувианский человек» Леонардо да Винчи ( Uomo Vitruviano ) (ок. 1490 г.), основополагающее произведение эпохи Возрождения. Рисунок вдохновлен и впоследствии назван в честь римского архитектора -писателя I века до н. э. Витрувия и его представлений об «идеальных» пропорциях человеческого тела , найденных в его «О архитектуре» . [28] [29] Рисунок подчеркивает увлечение движения греко-римскими цивилизациями и присвоением классического искусства , а также его стремление к корреляции между структурой тела и природой. [29]

Для эпохи Возрождения характерно внимание к искусству Древней Греции и Рима , что привело ко многим изменениям как в технических аспектах живописи и скульптуры, так и в их тематике. Все началось в Италии , стране, богатой римским наследием и материальным процветанием, для финансирования художников. В эпоху Возрождения художники начали повышать реалистичность своих работ, используя новые техники перспективы , тем самым более достоверно изображая три измерения . Художники также начали использовать новые методы манипулирования светом и тьмой, такие как контраст тонов, очевидный во многих портретах Тициана , и развитие сфумато и светотени Леонардо да Винчи . Скульпторы тоже начали заново открывать для себя многие древние техники, такие как контрапосто . Следуя гуманистическому духу того времени, искусство стало более светским по тематике, изображая древнюю мифологию в дополнение к христианским темам. Этот жанр искусства часто называют ренессансным классицизмом . На Севере самым важным нововведением эпохи Возрождения было широкое использование масляных красок , которые позволяли добиться большего цвета и интенсивности.

От готики к Ренессансу

В конце 13-го и начале 14-го века большая часть живописи в Италии носила византийский характер, особенно картины Дуччо Сиены и Чимабуэ Флоренции, в то время как Пьетро Каваллини в Риме был более готическим по стилю. В течение 13 века итальянские скульпторы начали черпать вдохновение не только в средневековых прототипах, но и в античных произведениях. [30]

В 1290 году Джотто начал рисовать в менее традиционной манере, больше основанной на наблюдении за природой. Его знаменитый цикл в капелле Скровеньи в Падуе считается началом стиля Возрождения .

Другие художники 14 века довели готический стиль до большой проработки и детализации. Среди этих художников выделяются Симоне Мартини и Джентиле да Фабриано .

В Нидерландах техника живописи маслом, а не темперой , привела к форме разработки, которая зависела не от применения сусального золота и тиснения, а от мельчайшего изображения мира природы. В это время развивалось искусство рисования фактур с большим реализмом. Голландские художники, такие как Ян ван Эйк и Хьюго ван дер Гус, оказали большое влияние на живопись поздней готики и раннего Возрождения.

Раннее Возрождение

Идеи Возрождения впервые возникли в городе-государстве Флоренция , Италия . Скульптор Донателло вернулся к классическим техникам, таким как контрапосто , и классическим предметам, таким как обнаженная натура без опоры - его вторая скульптура Давида была первой отдельно стоящей бронзовой обнаженной фигурой, созданной в Европе со времен Римской империи. Скульптор и архитектор Брунеллески для вдохновения изучал архитектурные идеи древнеримских зданий. Мазаччо усовершенствовал такие элементы, как композиция, индивидуальное выражение и человеческая форма, чтобы нарисовать фрески, особенно в капелле Бранкаччи , удивительной элегантности, драматизма и эмоций.

Замечательное количество этих крупных художников работало над различными частями Флорентийского собора . Купол собора, созданный Брунеллески, был одним из первых по-настоящему революционных архитектурных нововведений со времен готического контрфорса. Донателло создал множество его скульптур. Джотто и Лоренцо Гиберти также внесли свой вклад в строительство собора.

Высокое Возрождение

Художники Высокого Возрождения включают таких фигур, как Леонардо да Винчи , Микеланджело Буонарроти и Рафаэлло Санцио .

Художественное развитие Италии XV века (например, интерес к системам перспективы, изображению анатомии и классическим культурам) достигло зрелости в XVI веке, что привело к обозначениям «Раннего Возрождения» XV века и «Высокого Возрождения». для 16 века. Хотя ни один особый стиль не характеризует Высокое Возрождение, искусство тех, кто наиболее тесно связан с этим периодом — Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело и Тициана — демонстрирует поразительное мастерство, как техническое, так и эстетическое. Художники Высокого Возрождения создавали настолько авторитетные произведения, что поколения более поздних художников полагались на эти произведения искусства в качестве обучения. Эти образцовые художественные произведения еще больше подняли престиж художников. Художники могли претендовать на божественное вдохновение, тем самым поднимая визуальное искусство до статуса, ранее придававшегося только поэзии. Таким образом, проявили себя художники, скульпторы и архитекторы, успешно заявив своим творчеством высокое положение среди изобразительных искусств. В каком-то смысле мастера XVI века создали новую профессию со своими правами на выражение и своим почтенным характером.

Северное искусство до Возрождения.

Ранняя нидерландская живопись разработала (но не изобрела строго) технику масляной живописи , позволяющую лучше контролировать мельчайшие детали с реализмом - Ян ван Эйк  (1366–1441) был фигурой в движении от иллюминированных рукописей к панно .

Иероним Босх (1450?–1516), голландский художник, — еще одна важная фигура Северного Возрождения . В своих картинах он использовал религиозные темы, но сочетал их с гротескными фантазиями, красочными образами и крестьянскими народными преданиями. Его картины часто отражают растерянность и тоску, связанную с концом Средневековья.

Альбрехт Дюрер представил Германии стиль итальянского Возрождения в конце 15 века и доминировал в искусстве немецкого Возрождения .

Временной период :

Маньеризм, барокко и рококо

Различия между искусством барокко и рококо

В европейском искусстве классицизм эпохи Возрождения породил два разных движения — маньеризм и барокко . Маньеризм, реакция на идеалистическое совершенство классицизма, использовал искажение световых и пространственных рамок, чтобы подчеркнуть эмоциональное содержание картины и эмоции художника. Творчество Эль Греко представляет собой особенно яркий образец маньеризма в живописи конца 16 — начала 17 веков. Северному маньеризму потребовалось больше времени, чтобы развиться, и он в основном был движением второй половины 16 века. Искусство барокко подняло репрезентативизм эпохи Возрождения на новую высоту, подчеркивая детали, движение, освещение и драму в поисках красоты. Возможно, самыми известными художниками эпохи барокко являются Караваджо , Рембрандт , Питер Пауль Рубенс и Диего Веласкес .

Совершенно другое искусство развилось из северных реалистических традиций в голландской живописи Золотого века 17-го века , в которой было очень мало религиозного искусства и мало исторической живописи , вместо этого играя решающую роль в развитии светских жанров, таких как натюрморт , жанровые картины повседневных сцен. и пейзажная живопись . Хотя барочная природа искусства Рембрандта очевидна, Вермеер и многие другие голландские художники используют этот ярлык меньше. Живопись фламандского барокко разделяла эту тенденцию, продолжая при этом создавать традиционные категории.

Искусство барокко часто рассматривается как часть Контрреформации — художественного элемента возрождения духовной жизни в Римско-католической церкви . Кроме того, акцент, который искусство барокко делает на величии, рассматривается как абсолютистский по своей природе. Религиозные и политические темы широко исследовались в художественном контексте барокко, а картины и скульптуры характеризовались сильным элементом драмы, эмоций и театральности. Известные художники эпохи барокко включают Караваджо или Рубенса . [34] Артемизия Джентилески была еще одним заслуживающим внимания художником, вдохновленным стилем Караваджо. Искусство барокко носило особенно богатый и сложный характер, часто используя насыщенные, теплые цвета с темными оттенками. Помпезность и величие были важными элементами художественного движения барокко в целом, как можно видеть, когда Людовик XIV сказал: «Я — воплощенное величие»; многие художники эпохи барокко служили королям, которые пытались реализовать эту цель. Искусство барокко во многом было похоже на искусство Возрождения; Фактически, этот термин изначально использовался в уничижительной форме для описания искусства и архитектуры постренессансного периода, которые были чрезмерно сложными. [34] Искусство барокко можно рассматривать как более сложную и драматическую реадаптацию искусства позднего Возрождения.

Однако к 18 веку искусство барокко вышло из моды, поскольку многие считали его слишком мелодраматичным и мрачным, и оно превратилось в рококо , возникшее во Франции. Искусство рококо было еще более сложным, чем барокко, но менее серьезным и более игривым. [35] В то время как барокко использовало насыщенные, яркие цвета, рококо использовало бледные, кремовые оттенки. Художественное движение больше не делало упор на политику и религию, вместо этого сосредоточившись на более легких темах, таких как романтика, праздник и понимание природы. Искусство рококо также контрастировало с барокко, поскольку оно часто отказывалось от симметрии в пользу асимметричного дизайна. Кроме того, он искал вдохновение в художественных формах и орнаментах Дальневосточной Азии , что привело к росту популярности фарфоровых статуэток и шинуазри в целом. [36] Стиль 18-го века процветал на короткое время; тем не менее, стиль рококо вскоре вышел из моды, и многие считали его ярким и поверхностным движением, в котором эстетика преобладала над смыслом. Неоклассицизм во многом развивался как противоположное движение рококо, толчком к которому послужило чувство отвращения к витиеватым качествам последнего.

Маньеризм (16 век)

Барокко (начало 17 века – середина начала 18 века)

Рококо (начало-середина 18 века)

Неоклассицизм, романтизм, академизм и реализм

Неоклассическое искусство, вдохновленное различными классическими темами, характеризовалось акцентом на простоте, порядке и идеализме. В образе Антонио Кановы « Психика, возрожденная поцелуем Купидона» (1787-1793)

На протяжении XVIII века в разных частях Европы возникло встречное движение, выступающее против рококо, широко известное как неоклассицизм . Он презирал кажущуюся поверхностность и легкомыслие искусства рококо и желал возвращения к простоте, порядку и «пуризму» классической античности, особенно Древней Греции и Рима. Частично на это движение также повлияла эпоха Возрождения, которая сама находилась под сильным влиянием классического искусства. Неоклассицизм был художественной составляющей интеллектуального движения, известного как Просвещение ; Просвещение было идеалистическим и делало упор на объективность, разум и эмпирическую истину. Неоклассицизм получил широкое распространение в Европе на протяжении 18 века, особенно в Соединенном Королевстве , где в этот период возникли великие произведения неоклассической архитектуры; Увлечение неоклассицизма классической античностью можно увидеть в популярности Гранд-тура в течение этого десятилетия, когда богатые аристократы путешествовали по древним руинам Италии и Греции. Тем не менее, решающий момент для неоклассицизма наступил во время Французской революции в конце 18 века; во Франции искусство рококо было заменено предпочтительным неоклассическим искусством, которое считалось более серьезным, чем первое движение. Во многих отношениях неоклассицизм можно рассматривать как политическое движение, а также как художественное и культурное. [37] Неоклассическое искусство делает упор на порядок, симметрию и классическую простоту; общие темы в неоклассическом искусстве включают храбрость и войну, которые обычно исследовались в древнегреческом и римском искусстве. Энгр , Канова и Жак-Луи Давид — одни из самых известных неоклассиков. [38]

Эжен Делакруа , Свобода, ведущая народ 1830, Романтическое искусство .

Как маньеризм отвергал классицизм, так и романтизм отвергал идеи Просвещения и эстетику неоклассиков. Романтизм отверг весьма объективную и упорядоченную природу неоклассицизма и выбрал более индивидуальный и эмоциональный подход к искусству. [39] Романтизм делал акцент на природе, особенно когда стремился изобразить силу и красоту мира природы и эмоций, и стремился к очень личному подходу к искусству. Романтическое искусство было посвящено индивидуальным чувствам, а не общим темам, как, например, в неоклассицизме; таким образом, в романтическом искусстве цвета часто использовались для выражения чувств и эмоций. [39] Подобно неоклассицизму, романтическое искусство во многом черпало вдохновение из древнегреческого и римского искусства и мифологии, но, в отличие от неоклассицизма, это вдохновение в основном использовалось как способ создания символизма и образов. Романтическое искусство также заимствует большую часть своих эстетических качеств из средневековья и готики , а также из мифологии и фольклора . Среди величайших художников-романтиков были Эжен Делакруа , Франсиско Гойя , Дж. М. У. Тернер , Джон Констебль , Каспар Давид Фридрих , Томас Коул и Уильям Блейк . [38]

Большинство художников пытались использовать центристский подход, который перенимал различные черты стилей неоклассицизма и романтизма, чтобы синтезировать их. Различные попытки имели место во Французской академии и в совокупности называются академическим искусством . Адольф Уильям Бугро считается главным примером этого направления искусства.

Однако в начале 19 века облик Европы радикально изменился в результате индустриализации . Бедность, убожество и отчаяние должны были стать судьбой нового рабочего класса , созданного «революцией». В ответ на эти изменения, происходящие в обществе, возникло движение реализма . Реализм стремился точно изобразить условия и трудности бедных слоев населения в надежде изменить общество. В отличие от романтизма, который по существу оптимистично относился к человечеству, реализм предлагал резкое видение бедности и отчаяния. Точно так же, в то время как романтизм прославлял природу, реализм изображал жизнь в глубинах городской пустыни. Как и романтизм, реализм был как литературным, так и художественным движением. Среди великих художников -реалистов Жан-Батист-Симеон Шарден , Гюстав Курбе , Жан-Франсуа Милле , Камиль Коро , Оноре Домье , Эдуард Мане , Эдгар Дега (оба считаются импрессионистами ) и Томас Икинс , среди других.

Реакция архитектуры на индустриализацию, в отличие от других искусств, заключалась в повороте в сторону историзма. Хотя железнодорожные станции, построенные в этот период, часто считаются наиболее истинным отражением его духа – их иногда называют «соборами эпохи», – основными движениями в архитектуре индустриальной эпохи были возрождения стилей далекого прошлого, таких как Готическое возрождение . Родственными движениями были Братство прерафаэлитов , которое пыталось вернуть искусство в его состояние «чистоты» до Рафаэля , и Движение искусств и ремесел , которое выступало против безличности товаров массового производства и выступало за возвращение к средневековому мастерству.

Временной период :

Современное искусство

Импрессионизм был известен использованием света и движения в своих картинах, как, например, в « Зданиях парламента » Клода Моне 1902 года , закате.
Art & Language известны своим важным вкладом в концептуальное искусство.

Из натуралистической этики реализма выросло крупное художественное движение — импрессионизм . Импрессионисты были пионерами в использовании света в живописи, пытаясь запечатлеть свет, видимый человеческим глазом. Эдгар Дега , Эдуард Мане , Клод Моне , Камиль Писсарро и Пьер Огюст Ренуар — все они были вовлечены в движение импрессионистов. Как прямой результат импрессионизма, возник постимпрессионизм . Поль Сезанн , Винсент Ван Гог , Поль Гоген , Жорж Сёра — самые известные постимпрессионисты.

Вслед за импрессионистами и постимпрессионистами пришел фовизм , который часто считают первым «современным» жанром искусства. Точно так же, как импрессионисты произвели революцию в свете, фовисты переосмыслили цвет , раскрасив свои полотна в яркие, дикие оттенки. После фовистов современное искусство начало развиваться во всех своих формах, начиная от экспрессионизма , озабоченного вызовом эмоций посредством объективных произведений искусства, до кубизма , искусства переноса четырехмерной реальности на плоский холст, и до абстрактного искусства . Эти новые формы искусства раздвинули границы традиционных представлений об «искусстве» и соответствовали аналогичным быстрым изменениям, которые происходили в человеческом обществе, технологиях и мышлении.

Сюрреализм часто классифицируют как форму современного искусства. Однако сами сюрреалисты возражали против изучения сюрреализма как эпохи в истории искусства, утверждая, что оно чрезмерно упрощает сложность движения (которое, по их словам, не является художественным движением), искажает отношение сюрреализма к эстетике и ложно характеризует продолжающийся сюрреализм как законченная, исторически заключенная эпоха. Другие формы современного искусства (некоторые из которых граничат с современным искусством ) включают:

Временной период :

Современное искусство и постмодернистское искусство

Чарльз Томсон . Сэр Николас Серота принимает решение о приобретениях , 2000, Stuckism .

Современное искусство предвосхитило некоторые характеристики того, что позже будет определено как постмодернистское искусство; на самом деле, некоторые направления современного искусства часто можно классифицировать как модерн, так и постмодерн, например поп-арт . Постмодернистское искусство, например, уделяет большое внимание иронии, пародии и юмору в целом; современное искусство начало развивать более ироничный подход к искусству, который позже разовьется в постмодернистском контексте. Постмодернистское искусство видит размытие между высоким и изобразительным искусством и дешевым и коммерческим искусством; современное искусство начало экспериментировать с этим размытием. [39] Недавние события в искусстве характеризуются значительным расширением того, что сейчас можно считать искусством, с точки зрения материалов, средств массовой информации, деятельности и концепции. Концептуальное искусство, в частности, оказало большое влияние. Это началось буквально с замены концепции на готовый объект, одной из целей которой было опровержение коммодификации искусства. Однако теперь это обычно относится к произведению искусства, в котором есть объект, но основная претензия к произведению делается к мыслительному процессу, который его сформировал. В работу вернулся аспект коммерциализма.

Также возросло количество произведений искусства, отсылающих к предыдущим движениям и художникам и приобретающих обоснованность от этих ссылок.

Постмодернизм в искусстве, выросший с 1960-х годов, отличается от модернизма тем, что движения современного искусства были в первую очередь ориентированы на свою собственную деятельность и ценности, в то время как постмодернизм использует весь спектр предыдущих движений в качестве ориентира. Это по определению породило релятивистский взгляд, сопровождаемый иронией и определенным неверием в ценности, поскольку можно увидеть, что одна из них заменяется другой. Другим результатом этого стал рост коммерциализации и известности. Постмодернистское искусство поставило под сомнение общепринятые правила и руководящие принципы того, что считается « изобразительным искусством », объединяя низкое искусство с изобразительным искусством до тех пор, пока ни одно из них не стало полностью отличимым. [40] [41] До появления постмодернизма изобразительное искусство характеризовалось формой эстетического качества, элегантности, мастерства, утонченности и интеллектуальной стимуляции, которая была предназначена для обращения к высшим или образованным классам; это отличало высокое искусство от низкого искусства, которое, в свою очередь, рассматривалось как безвкусное, китчевое , легко изготавливаемое и лишенное каких-либо интеллектуальных стимулов, искусства, которое было призвано обратиться к массам. Постмодернистское искусство стирало эти различия, привнося в современное изобразительное искусство сильный элемент китча, коммерциализма и лагерности ; [39] то, что сегодня считается изобразительным искусством, возможно, рассматривалось как низкое искусство до того, как постмодернизм произвел революцию в представлении о том, что такое высокое или изобразительное искусство на самом деле. [39] Кроме того, постмодернистская природа современного искусства оставляет много места для индивидуализма на арт-сцене; например, постмодернистское искусство часто черпает вдохновение из прошлых художественных движений, таких как искусство готики или барокко, и одновременно сопоставляет и перерабатывает стили этих прошлых периодов в другом контексте. [39]

Некоторые сюрреалисты , в частности Жоан Миро , призывавший к «убийству живописи» (в многочисленных интервью, начиная с 1930-х годов, Миро выражал презрение к традиционным методам рисования и свое желание «убить», «убить» или «изнасиловать» их). в пользу более современных средств выражения). [42] осудили или попытались «вытеснить» живопись, а также среди художественных движений были и другие антиживописные тенденции, такие как дадаизм и концептуальное искусство . Тенденции ухода от живописи в конце 20 века противостояли различные движения, например, продолжение минимализма , лирической абстракции , поп-арта , оп-арта , нового реализма , фотореализма , нео-гео , неоэкспрессионизма , новой европейской живописи . Стакизм , Эксцессивизм и другие важные и влиятельные направления живописи.

Смотрите также

Рекомендации

  1. ^ аб Остербек, Луис. «Европейское доисторическое искусство». Европаарт . Проверено 4 декабря 2012 г.
  2. ^ Бордман, редактор Джона, Оксфордская история классического искусства , стр. 349-369, Oxford University Press , 1993, ISBN 0198143869 
  3. ^ Банистер Флетчер исключил почти все здания в стиле барокко из своего огромного тома «История архитектуры на сравнительном методе» . Издатели в конечном итоге это исправили.
  4. ^ Мюррей П. и Мюррей Л. (1963) Искусство Возрождения . Лондон: Темза и Гудзон (Мир искусства), с. 9. ISBN 978-0-500-20008-7 . «...в 1855 году мы впервые находим слово «Ренессанс», использованное французским историком Мишле в качестве прилагательного для описания целого периода истории, не ограничивающегося возрождением латинских букв или классическим вдохновением. стиль в искусстве». 
  5. ^ Хаус, С. и Молтби, В. (2001). История европейского общества. Основы западной цивилизации (т. 2, стр. 245–246). Белмонт, Калифорния: Thomson Learning, Inc.
  6. ^ ab «Искусство Европы». Художественный музей Сент-Луиса . Слэм . Проверено 4 декабря 2012 г.
  7. ^ Остербек, Луис. «Европейское доисторическое искусство». Европаарт . Проверено 4 декабря 2012 г.
  8. ^ Сандарс, 8–16, 29–31.
  9. ^ Хан, Иоахим, «Доисторическая Европа, §II: Палеолит 3. Портативное искусство» в Oxford Art Online , по состоянию на 24 августа 2012 г.; Сандарс, 37-40
  10. ^ Сандарс, 75-80.
  11. ^ Сандарс, 253–257, 183–185.
  12. ^ Квонг, Мэтт. «Самое древнее искусство пещерного человека в Европе насчитывает 40 800 лет». Новости ЦБК . Проверено 4 декабря 2012 г.
  13. ^ «Румынская пещера может похвастаться старейшим наскальным искусством в Центральной Европе | Наука / AAAS | Новости» . News.sciencemag.org. 21 июня 2010 года . Проверено 25 августа 2013 г.
  14. ^ Гюнтер, Майкл. «Искусство доисторической Европы» . Проверено 4 декабря 2012 г.
  15. ^ Ханиотис, Ангелос. «Древний Крит». Оксфордские библиографии . Издательство Оксфордского университета . Проверено 2 января 2013 г.
  16. ^ Худ, 56 лет.
  17. ^ Худ, 17–18, 23–23.
  18. ^ Худ, 240-241.
  19. ^ Гейтс (2004), 33-34, 41.
  20. ^ например, Худ, 53, 55, 58, 110
  21. ^ Чапин, 49-51.
  22. ^ Худ, 37-38.
  23. ^ Худ, 56, 233-235.
  24. ^ Худ, 235-236.
  25. ^ Маттинсон, Линдси (2019). Понимание архитектуры. Руководство по архитектурным стилям . Янтарные книги. п. 21. ISBN 978-1-78274-748-2.
  26. ^ "Римская живопись". Art-and-archaeology.com . Проверено 25 августа 2013 г.
  27. ^ "Римская живопись". Хайльбрунн. Хронология истории искусств . Метрополитен-музей . Проверено 19 октября 2013 г.
  28. ^ "Витрувианский человек". leonardodavinci.stanford.edu . Проверено 25 марта 2018 г.
  29. ^ ab "BBC - Наука и природа - Леонардо - Витрувианский человек" . www.bbc.co.uk. _ Проверено 25 марта 2018 г.
  30. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ . Файдон. п. 156. ИСБН 978-0-7148-7502-6.
  31. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ . Файдон. п. 156. ИСБН 978-0-7148-7502-6.
  32. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ . Файдон. п. 157. ИСБН 978-0-7148-7502-6.
  33. ^ Фортенберри, Дайан (2017). ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ . Файдон. п. 157. ИСБН 978-0-7148-7502-6.
  34. ^ ab «Искусство барокко». Arthistory-famousartists-paintings.com. 24 июля 2013 года . Проверено 25 августа 2013 г.
  35. ^ "Древний режим рококо". Bc.edu. Архивировано из оригинала 11 апреля 2018 года . Проверено 25 августа 2013 г.
  36. ^ «Факты, информация, изображения о китайском стиле - статьи Encyclepedia.com о китайском стиле» . www.энциклопедия.com . Проверено 25 марта 2018 г.
  37. ^ «Искусство в неоклассицизме». Artsz.org. 26 февраля 2008 года . Проверено 25 августа 2013 г.
  38. ^ ab Джеймс Дж. Шихан, «Искусство и его публика, около 1800 г.», «Единство и разнообразие в европейской культуре», ок. 1800, изд. Тим Бланнинг и Хаген Шульце (Нью-Йорк: Oxford University Press, 2006), 5–18.
  39. ^ abcdef «Общее введение в постмодернизм». Cla.purdue.edu . Проверено 25 августа 2013 г.
  40. ^ Идеи об искусстве , Десмонд, Кэтлин К. [1] Архивировано 29 октября 2022 года в Wayback Machine John Wiley & Sons, 2011, стр.148.
  41. ^ Международный постмодернизм: теория и литературная практика , Бертенс, Ганс [2] Архивировано 29 октября 2022 года в Wayback Machine , Routledge, 1997, стр.236.
  42. ^ М. Роуэлл, Джоан Миро: Избранные произведения и интервью (Лондон: Thames & Hudson , 1987), стр. 114–116.

Библиография

Внешние ссылки

Викискладе есть медиафайлы, связанные с искусством Европы .