stringtranslate.com

Классическая музыка

Выступление молодежного оркестра

Классическая музыка обычно относится к музыкальному искусству западного мира , которое считается отличным от западной народной музыки или популярных музыкальных традиций. Иногда ее выделяют как западную классическую музыку , поскольку термин «классическая музыка» может также применяться к не-западной художественной музыке . Классическая музыка часто характеризуется формальностью и сложностью в своей музыкальной форме и гармонической организации , [1] особенно с использованием полифонии . [2] По крайней мере с девятого века она была в первую очередь письменной традицией, [2] порождая сложную систему нотации , а также сопровождающую литературу в аналитических , критических , историографических , музыковедческих и философских практиках. Будучи основополагающим компонентом западной культуры , классическая музыка часто рассматривается с точки зрения отдельных или групп композиторов , чьи композиции, личности и убеждения в корне сформировали ее историю.

Укорененная в покровительстве церквей и королевских дворов в Западной Европе , [1] сохранившаяся ранняя средневековая музыка в основном религиозная , монофоническая и вокальная, с музыкой Древней Греции и Рима , влияющей на ее мысль и теорию. Самые ранние сохранившиеся музыкальные рукописи датируются Каролингской империей (800–888), [3] примерно в то время, когда западный распев постепенно объединился в то, что называется григорианским хоралом . [4] Музыкальные центры существовали в аббатстве Сен-Галлен , аббатстве Сен-Марциал и аббатстве Сен-Эммерама , в то время как в 11 веке развивалась нотная запись и увеличивался выпуск средневековых музыкальных теоретиков . К середине 12 века Франция стала крупным европейским музыкальным центром: [3] Религиозная школа Нотр-Дам впервые полностью исследовала организованные ритмы и полифонию , в то время как светская музыка процветала с традициями трубадуров и труверов, возглавляемыми поэтами-музыкантами из знати. [5] Это достигло кульминации в спонсируемом двором французском ars nova и итальянском Trecento , которые превратились в ars subtilior , стилистическое движение чрезвычайного ритмического разнообразия. [5] Начиная с начала 15-го века, композиторы эпохи Возрождения влиятельной франко-фламандской школы развивали гармонические принципы в английском contenance angloise , привнося хоровую музыку в новые стандарты, в частности, мессу и мотет . [6] Северная Италия вскоре стала центральным музыкальным регионом, где Римская школа занималась весьма сложными методами полифонии в таких жанрах, как мадригал , [6] который вдохновил на короткое время английскую школу мадригалов .

В период барокко (1580–1750) наблюдалась относительная стандартизация общепринятой тональности [7] , а также возросла важность музыкальных инструментов , которые превратились в ансамбли значительных размеров. Италия оставалась доминирующей, будучи родиной оперы , концертного жанра, сосредоточенного на солисте , организованной сонатной формы , а также масштабных вокально-центрированных жанров оратории и кантаты . Техника фуги, отстаиваемая Иоганном Себастьяном Бахом, служила примером тенденции барокко к сложности, и в качестве реакции были разработаны более простые и песенные стили galant music и empfindsamkeit . В более короткий, но решающий классический период (1730–1820) такие композиторы, как Вольфганг Амадей Моцарт , Йозеф Гайдн и Людвиг ван Бетховен , создали широко признанных представителей абсолютной музыки [8] [9], включая симфонии , струнные квартеты и концерты. Последующая романтическая музыка (1800–1910) вместо этого сосредоточилась на программной музыке , для которой романс , симфоническая поэма и различные жанры фортепиано были важными сосудами. В это время воспевалась виртуозность , поощрялась грандиозность, в то время как философия и национализм были встроены — все аспекты, которые сошлись в операх Рихарда Вагнера . К 20 веку стилистическое объединение постепенно рассеялось, в то время как значимость популярной музыки значительно возросла. Многие композиторы активно избегали прошлых техник и жанров в линзе модернизма , некоторые отказались от тональности вместо сериализма , в то время как другие нашли новое вдохновение в народных мелодиях или импрессионистских настроениях. После Второй мировой войны впервые зрители стали ценить старую музыку по сравнению с современными произведениями, предпочтение, которое было удовлетворено появлением и широкой доступностью коммерческих записей. [10] Тенденции середины 20-го века и до наших дней включают в себя Новую Простоту , Новую Сложность , Минимализм , Спектральную музыку , а в последнее время — Постмодернистскую музыку и Постминимализм.. Становясь все более глобальными, специалисты из Америки, Африки и Азии получили решающие роли [3] , в то время как симфонические оркестры и оперные театры теперь выступают по всему миру.

Терминология и определения

Идеологические истоки

(слева направо) Гайдн, Моцарт и Бетховен из Мемориала Бетховена–Гайдна–Моцарта 1904 года . Эти трое являются частью Первой венской школы и одними из первых композиторов, которых называют «классическими».

И английский термин classic , и его немецкий эквивалент Klassik произошли от французского classique , которое, в свою очередь, произошло от латинского слова classicus , которое изначально относилось к высшему классу граждан Древнего Рима . [11] [n 1] В римском употреблении термин позже стал средством для различения почитаемых литературных деятелей; [11] римский автор Авл Геллий называл таких писателей, как Демосфен и Вергилий , classicus . [ 13] К эпохе Возрождения прилагательное приобрело более общее значение: запись в « Словаре французского и английского языков » Рэндла Котгрейва 1611 года является одним из самых ранних сохранившихся определений, переводя classique как «классический, формальный [ sic ], упорядоченный, в должном или подходящем ранге; также одобренный, подлинный, главный, принципиальный». [11] [14] Музыковед Дэниел Хартц суммирует это в два определения: 1) «формальная дисциплина» и 2) «модель совершенства». [11] Подобно Геллию, более поздние ученые эпохи Возрождения, писавшие на латыни, использовали classicus по отношению к писателям классической античности ; [12] [n 2] однако, это значение развивалось лишь постепенно и некоторое время подчинялось более широким классическим идеалам формальности и совершенства. [15] Литература и изобразительное искусство, для которых существовали существенные древнегреческие и римские примеры, в конечном итоге приняли термин «классический» как относящийся к классической античности, но практически никакая музыка того времени не была доступна музыкантам эпохи Возрождения, что ограничивало связь между классической музыкой и греко-римским миром . [15] [n 3]

Именно в Англии XVIII века термин «классический» «впервые стал обозначать определенный канон произведений для исполнения». [15] В Лондоне развилась выдающаяся публичная концертная музыкальная сцена, беспрецедентная и непревзойденная другими европейскими городами. [11] Королевский двор постепенно утратил свою монополию на музыку, во многом из-за нестабильности, которую распад Содружества Англии и Славная революция наложили на придворных музыкантов. [11] [n 4] В 1672 году бывший придворный музыкант Джон Банистер начал давать популярные публичные концерты в лондонской таверне; [n 5] его популярность быстро открыла известность публичных концертов в Лондоне. [19] Возникла концепция «классической» — или чаще «старинной музыки», которая по-прежнему строилась на принципах формальности и совершенства, и, по словам Хартца, «гражданский ритуал, религия и моральный активизм играли значительную роль в этой новой конструкции музыкального вкуса». [15] Исполнение такой музыки было специализировано Академией старинной музыки , а позднее в серии Концертов старинной музыки , где были представлены работы избранных композиторов XVI и XVII веков, [20] особенно Георга Фридриха Генделя . [15] [n 6] Во Франции в период правления Людовика XIV ( годы правления  1638–1715 ) наблюдался культурный ренессанс, к концу которого такие писатели, как Мольер , Жан де Лафонтен и Жан Расин , как считалось, превзошли достижения классической античности. [21] Таким образом, их характеризовали как «классических», как и музыку Жана-Батиста Люлли (а позже Кристофа Виллибальда Глюка ), обозначаемую как «l'opéra française classique». [21] В остальной части континентальной Европы отказ от определения «классического» как аналога греко-римского мира происходил медленнее, в первую очередь потому, что формирование канонических репертуаров было либо минимальным, либо эксклюзивным для высших классов. [15]

Многие европейские комментаторы начала 19 века нашли новое объединение в своем определении классической музыки: противопоставить старых композиторов Вольфганга Амадея Моцарта , Йозефа Гайдна и (исключая некоторые из его поздних работ ) Людвига ван Бетховена как «классических» против зарождающегося стиля романтической музыки . [22] [23] [24] Эти три композитора, в частности, были сгруппированы в Первую венскую школу , иногда называемую «венскими классиками», [n 7] объединение, которое остается проблематичным по причине того, что никто из троих не родился в Вене, и минимального времени, которое Гайдн и Моцарт провели в городе. [25] Хотя это была часто высказываемая характеристика, она не была строгой. В 1879 году композитор Чарльз Кенсингтон Саламан определил следующих композиторов как классических: Бах , Гендель, Гайдн, Моцарт, Бетховен, Вебер , Шпор и Мендельсон . [26] В более широком смысле некоторые авторы использовали термин «классический», чтобы в целом восхвалять хорошо известные произведения различных композиторов, особенно тех, кто создал много произведений в устоявшемся жанре. [11] [n 8]

Современное понимание

Современное понимание термина «классическая музыка» остается неопределенным и многогранным. [30] [31] Другие термины, такие как «художественная музыка», «каноническая музыка», «культурная музыка» и «серьезная музыка» в значительной степени являются синонимами. [32] Термин «классическая музыка» часто указывается или подразумевается как относящийся исключительно к западному миру , [33] и наоборот, во многих академических историях термин «западная музыка» исключает неклассическую западную музыку. [34] [n 9] Другая сложность заключается в том, что «классическая музыка» иногда используется для описания незападной художественной музыки, демонстрирующей схожие длительные и сложные характеристики; примерами являются индийская классическая музыка (т. е. музыка карнатик, музыка хиндустани и музыка одисси ), музыка гамелан и различные стили двора императорского Китая (см ., например, яюэ ). [1] Таким образом, в конце 20-го века для решения этой проблемы стали использоваться такие термины, как «западная классическая музыка» и «западная художественная музыка». [33] Музыковед Ральф П. Локк отмечает, что ни один из этих терминов не является идеальным, поскольку они создают «интригующую сложность» при рассмотрении «определенных исполнителей западных музыкальных жанров, которые происходят из не-западных культур». [36] [n 10]

Сложность музыкальной формы и гармоническая организация являются типичными чертами классической музыки. [1] Оксфордский словарь английского языка ( OED ) предлагает три определения слова «классический» применительно к музыке: [27]

  1. "признанного совершенства"
  2. «относящийся к формальной музыкальной традиции или характерный для нее, в отличие от популярной или народной музыки»
  3. и, более конкретно, «относящийся к формальной европейской музыке конца XVIII и начала XIX веков, характеризующийся гармонией, равновесием и приверженностью устоявшимся композиционным формам».

Последнее определение касается того, что сейчас называется классическим периодом , особой стилистической эпохи европейской музыки со второй половины XVIII века до начала XIX века. [37]

История

Корни

Западная классическая традиция формально начинается с музыки, созданной ранней христианской церковью и для нее. [38] Вероятно, ранняя церковь хотела отмежеваться от преобладающей музыки древней Греции и Рима , поскольку она была напоминанием о языческой религии, которую она преследовала и которая преследовала ее . [38] Таким образом, остается неясным, в какой степени музыка христианской церкви, а следовательно, и западная классическая музыка в целом, находились под влиянием предшествующей античной музыки . [39] Общее отношение к музыке было заимствовано у древнегреческих и римских музыкальных теоретиков и комментаторов. [40] [n 11] Так же, как и в греко-римском обществе, музыка считалась центральной частью образования; наряду с арифметикой, геометрией и астрономией, музыка была включена в квадривиум , четыре предмета высшего отделения стандартного гуманитарного образования в Средние века . [42] Это высокое уважение к музыке впервые было высказано учеными Кассиодором , Исидором Севильским [43] и особенно Боэцием [44] , чья передача и расширение перспектив музыки от Пифагора , Аристотеля и Платона имели решающее значение для развития средневековой музыкальной мысли. [45] Однако ученые, средневековые теоретики музыки и композиторы регулярно неверно истолковывали или неправильно понимали труды своих греческих и римских предшественников. [46] Это было связано с полным отсутствием сохранившихся греко-римских музыкальных произведений, доступных средневековым музыкантам, [46] [n 12] до такой степени, что Исидор Севильский ( ок.  559 – 636 ) заявил, что «если звуки не будут запомнены человеком, они исчезнут, поскольку их нельзя записать», не зная о систематической практике нотации Древней Греции столетиями ранее. [47] [n 13] Музыковед Гюстав Риз , однако, отмечает, что многие греко-римские тексты все еще можно считать влиятельными для западной классической музыки, поскольку средневековые музыканты регулярно читали их произведения — независимо от того, делали ли они это правильно. [46]

Тем не менее, существуют некоторые бесспорные музыкальные продолжения из древнего мира . [48] Основные аспекты, такие как монофония , импровизация и доминирование текста в музыкальных установках, заметны как в раннем средневековье, так и в музыке почти всех древних цивилизаций. [49] Греческие влияния, в частности, включают церковные лады (которые были потомками разработок Аристоксена и Пифагора), [50] базовую акустическую теорию из пифагорейской настройки , [39] а также центральную функцию тетрахордов . [51] Древнегреческие инструменты, такие как авлос ( язычковый инструмент ) и лира (струнный инструмент, похожий на небольшую арфу ) в конечном итоге привели к появлению нескольких современных инструментов симфонического оркестра. [52] Однако Дональд Джей Гроут отмечает, что попытка создать прямую эволюционную связь от древней музыки к раннему средневековью безосновательна, поскольку на нее почти исключительно повлияла греко-римская музыкальная теория, а не исполнение или практика. [53]

Старинная музыка

Средневековый

Музыкант, играющий на виелле ( средневековая рукопись XIV века )

Средневековая музыка включает в себя западноевропейскую музыку с момента падения Западной Римской империи в 476 году до примерно 1400 года. Монофоническое пение, также называемое равнинным пением или григорианским хоралом , было доминирующей формой примерно до 1100 года. [54] Христианские монахи разработали первые формы европейской музыкальной нотации, чтобы стандартизировать литургию во всей Церкви. [55] [56] Полифоническая (многоголосая) музыка развилась из монофонического пения на протяжении позднего Средневековья и в эпоху Возрождения , включая более сложные голосоведения мотетов . В период раннего средневековья вокальная музыка литургического жанра, преимущественно григорианского пения , была монофонической , используя одну, несопровождаемую вокальную мелодическую линию. [57] Полифонические вокальные жанры, которые использовали несколько независимых вокальных мелодий, начали развиваться в эпоху высокого средневековья , став распространенными к концу 13-го и началу 14-го века. Известные средневековые композиторы включают Хильдегард Бинген , Леонин , Перотен , Филипп де Витри , Гийом де Машо , Франческо Ландини и Йоханнес Чикония .

Многие средневековые музыкальные инструменты существуют до сих пор, но в разных формах. Средневековые инструменты включали флейту , блокфлейту и щипковые струнные инструменты, такие как лютня . Также существовали ранние версии органа и скрипки ( или виеллы ). Средневековые инструменты в Европе чаще всего использовались по отдельности, часто в сопровождении монотонной ноты или иногда по частям. По крайней мере с 13-го века по 15-й век существовало разделение инструментов на хаут (громкие, пронзительные, уличные инструменты) и бас (более тихие, более интимные инструменты). [58] Ряд инструментов имеют корни в восточных предшественниках, которые были заимствованы из средневекового исламского мира . [59] Например, арабский ребаб является предком всех европейских смычковых инструментов , включая лиру , ребек и скрипку . [60] [61]

Ренессанс

Эпоха музыкального Возрождения длилась с 1400 по 1600 год. Она характеризовалась более широким использованием инструментовки , множественными переплетающимися мелодическими линиями и использованием более ранних форм басовых инструментов . Социальные танцы стали более распространенными, поэтому музыкальные формы, соответствующие сопровождению танца, начали стандартизироваться. Именно в это время начали формироваться нотация музыки на нотном стане и другие элементы музыкальной нотации . [62] Это изобретение сделало возможным разделение композиции музыкального произведения от его передачи ; без письменной музыки передача была устной и подлежала изменению каждый раз, когда она передавалась. С музыкальной партитурой музыкальное произведение могло быть исполнено без присутствия композитора. [63] Изобретение печатного станка с подвижным шрифтом в 15 веке имело далеко идущие последствия для сохранения и передачи музыки. [64]

Освещенный отрывок из кодекса Киджи с изображением Кирие из Окегема Missa Ecce ancilla Domini.

Многие инструменты возникли в эпоху Возрождения; другие были вариациями или усовершенствованиями инструментов, которые существовали ранее. Некоторые сохранились до наших дней; другие исчезли, только чтобы быть воссозданными для исполнения музыки на исторических инструментах. Как и в наши дни, инструменты можно классифицировать как медные, струнные, ударные и деревянные духовые. На медных инструментах в эпоху Возрождения традиционно играли профессионалы, которые были членами гильдий , и они включали скользящую трубу , деревянный корнет , бесклапанную трубу и сакбут . Струнные инструменты включали виолу , ребек , арфаобразную лиру , колесную лиру , лютню , гитару , цитерну , бандору и орфарион . Клавишные инструменты со струнами включали клавесин и клавикорд . Ударные инструменты включают треугольник , варган , тамбурин , колокольчики, рок-пот и различные виды барабанов. Деревянные духовые инструменты включают двухтростниковый шалм (ранний член семейства гобоев ), тростниковую трубу , волынку , поперечную флейту , блокфлейту , дульциан и крумхорн . Существовали простые духовые органы , но они в основном ограничивались церквями, хотя были и переносные разновидности. [65] Печать позволила стандартизировать описания и спецификации инструментов, а также инструкции по их использованию. [66]

Вокальная музыка эпохи Возрождения отмечена расцветом все более сложного полифонического стиля. Основными литургическими формами, которые сохранились на протяжении всего периода Возрождения, были мессы и мотеты, с некоторыми другими разработками к концу, особенно когда композиторы духовной музыки начали принимать светские формы (такие как мадригал ) для своих собственных проектов. К концу периода видны ранние драматические предшественники оперы, такие как монодия, мадригал-комедия и интермедио . Около 1597 года итальянский композитор Якопо Пери написал «Дафну» , первое произведение, которое сегодня называют оперой . Он также написал «Эвридику» , первую оперу, сохранившуюся до наших дней.

Среди известных композиторов эпохи Возрождения — Жокен де Пре , Джованни Пьерлуиджи да Палестрина , Джон Данстейпл , Йоханнес Окегем , Орланд де Лассус , Гийом Дю Фэй , Жиль Беншуа , Томас Таллис , Уильям Берд , Джованни Габриэли , Карло Джезуальдо , Джон Доуленд , Якоб Обрехт , Адриан Уилларт. , Жак Аркадельт и Сиприано де Роре .

Период общей практики

Период общепринятой практики обычно определяется как эпоха между формированием и распадом общепринятой тональности . [ необходима ссылка ] Этот термин обычно охватывает примерно два с половиной столетия, охватывая периоды барокко, классицизма и романтизма.

Барокко

Барочные инструменты, включая колесную лиру , клавесин , контрабас , лютню , скрипку и барочную гитару.

Для музыки барокко характерно использование сложного тонального контрапункта и использование basso continuo , непрерывной басовой линии. Музыка стала более сложной по сравнению с простыми песнями всех предыдущих периодов. [67] Зачатки сонатной формы оформились в канцоне , как и более формализованное понятие темы и вариаций . Тональности мажор и минор как средства управления диссонансом и хроматизмом в музыке обрели полную форму. [68]

В эпоху барокко клавирная музыка, исполняемая на клавесине и органе, становилась все более популярной, а скрипичное семейство струнных инструментов приняло форму, которую мы обычно видим сегодня. Опера как постановочная музыкальная драма начала отличаться от более ранних музыкальных и драматических форм, а вокальные формы, такие как кантата и оратория, стали более распространенными. [69] Впервые вокалисты начали добавлять орнаменты к музыке. [67]

Теории, окружающие равномерную темперацию, начали внедряться в более широкую практику, поскольку они позволяли расширить диапазон хроматических возможностей в трудно настраиваемых клавишных инструментах. Хотя И. С. Бах не использовал равномерную темперацию, изменения в темперациях от тогдашней распространенной системы meantone до различных темпераций, которые сделали модуляцию между всеми тональностями музыкально приемлемой, сделали возможным его Хорошо темперированный клавир . [70]

Барочные инструменты включали некоторые инструменты более ранних периодов (например, хёрди-гёрди и блокфлейту) и ряд новых инструментов (например, гобой, фагот, виолончель, контрабас и фортепиано). Некоторые инструменты предыдущих эпох вышли из употребления, такие как шалмей, циттерн , рэкет и деревянный корнет. Основные барочные инструменты для струнных включали скрипку , виолу , альт , виола д'амур , виолончель , контрабас , лютню , теорбу (которая часто играла партии бассо континуо ), мандолину , барочную гитару , арфу и хёрди-гёрди. Деревянные духовые включали барочную флейту , барочный гобой , блокфлейту и фагот . Медные инструменты включали корнет , натуральную валторну , натуральную трубу , серпент и тромбон . Клавишные инструменты включали клавикорд , тангенциальное фортепиано , клавесин , духовой орган и, позднее, фортепиано ( ранняя версия фортепиано). Ударные инструменты включали литавры , малый барабан , тамбурин и кастаньеты .

Одно из главных различий между музыкой барокко и классической эпохой, которая последовала за ней, заключается в том, что типы инструментов, используемых в ансамблях барокко, были гораздо менее стандартизированы. Ансамбль барокко мог включать один из нескольких различных типов клавишных инструментов (например, орган или клавесин), [71] дополнительные струнные аккордовые инструменты (например, лютню), смычковые струнные, деревянные духовые и медные инструменты, а также неопределенное количество басовых инструментов, исполняющих бассо континуо (например, виолончель, контрабас, альт, фагот, серпент и т. д.).

Вокальные произведения эпохи барокко включали сюиты, такие как оратории и кантаты . [72] [73] Светская музыка была менее распространена и, как правило, характеризовалась только инструментальной музыкой. Как и в искусстве барокко , [74] темы, как правило, были священными и предназначались для католической обстановки.

Важными композиторами этой эпохи являются Иоганн Себастьян Бах , Антонио Вивальди , Джордж Фридрих Гендель , Иоганн Пахельбель , Генри Перселл , Клаудио Монтеверди , Барбара Строцци , Доменико Скарлатти , Георг Филипп Телеман , Арканджело Корелли , Алессандро Скарлатти , Жан-Филипп Рамо , Жан-Батист. Люлли и Генрих Шютц .

Классическая

Йозеф Гайдн (1732–1809), портрет Томаса Харди (1791)

Хотя термин «классическая музыка» включает в себя всю западную музыкальную культуру со времен Средневековья до начала 2010-х годов, классическая эпоха — это период западной музыкальной культуры с 1750-х до начала 1820-х годов [75] — эпоха Вольфганга Амадея Моцарта , Йозефа Гайдна и Людвига ван Бетховена .

Классическая эпоха установила многие нормы композиции, представления и стиля, и когда фортепиано стало преобладающим клавишным инструментом. Основные силы, необходимые для оркестра, стали несколько стандартизированными (хотя они росли по мере развития потенциала более широкого спектра инструментов). Камерная музыка выросла и стала включать ансамбли с 8-10 исполнителями для серенад . Опера продолжала развиваться с региональными стилями в Италии, Франции и немецкоязычных странах. Opera buffa , форма комической оперы, стала популярной. Симфония обрела свою собственную музыкальную форму, а концерт был разработан как средство для демонстрации виртуозного мастерства игры. Оркестрам больше не требовался клавесин , и ими часто руководил ведущий скрипач (теперь называемый концертмейстером ). [76]

Музыканты классической эпохи продолжали использовать многие инструменты эпохи барокко, такие как виолончель, контрабас, блокфлейта, тромбон, литавры, фортепиано (предшественник современного фортепиано ) и орган. В то время как некоторые инструменты эпохи барокко вышли из употребления, например, теорба и рэкет, многие инструменты эпохи барокко были изменены на версии, которые используются и сегодня, такие как барочная скрипка (которая стала скрипкой ) , барочный гобой (который стал гобоем ) и барочная труба, которая перешла в обычную клапанную трубу. В классическую эпоху струнные инструменты, используемые в оркестровой и камерной музыке, такие как струнные квартеты, были стандартизированы как четыре инструмента, которые образуют струнную секцию оркестра: скрипка, альт, виолончель и контрабас. Струнные инструменты эпохи барокко, такие как ладовые смычковые виолы , были постепенно выведены из употребления. Деревянные духовые инструменты включали бассет-кларнет , бассетгорн , кларнет д'амур , классический кларнет , шалюмо , флейту, гобой и фагот. Клавишные инструменты включали клавикорд и фортепиано . Хотя клавесин все еще использовался в аккомпанементе бассо континуо в 1750-х и 1760-х годах, он вышел из употребления в конце века. Медные инструменты включали буксин , офиклеид ( заменитель басового серпента , который был предшественником тубы ) и натуральную валторну .

Духовые инструменты стали более утонченными в классическую эпоху. В то время как инструменты с двойной тростью, такие как гобой и фагот, стали несколько стандартизированы в эпоху барокко, семейство кларнетов с одинарной тростью не использовалось широко, пока Моцарт не расширил его роль в оркестровых, камерных и концертных постановках. [77]

Романтичный

Картина Йозефа Данхаузера 1840 года, изображающая Франца Листа за фортепиано в окружении (слева направо) Александра Дюма , Гектора Берлиоза , Жорж Санд , Никколо Паганини , Джоаккино Россини и Мари д'Агу с бюстом Людвига ван Бетховена на фортепиано.

Музыка эпохи романтизма , примерно с первого десятилетия XIX века до начала XX века, характеризовалась повышенным вниманием к расширенной мелодической линии, а также к выразительным и эмоциональным элементам, что соответствовало романтизму в других видах искусства. Музыкальные формы начали отходить от форм классической эпохи (даже когда они кодифицировались), при этом писались произведения свободной формы, такие как ноктюрны , фантазии и прелюдии , в которых общепринятые идеи об изложении и развитии тем игнорировались или сводились к минимуму. [78] Музыка стала более хроматической, диссонирующей и тонально красочной, с напряжением (по отношению к общепринятым нормам старых форм) по поводу ключевых знаков. [79] В эту эпоху достигла зрелости песня ( или Lied ), как и эпические масштабы большой оперы , в конечном итоге превзойденные циклом «Кольцо Нибелунга » Рихарда Вагнера . [ 80]

В 19 веке музыкальные учреждения вышли из-под контроля богатых покровителей, поскольку композиторы и музыканты могли строить жизнь независимо от дворянства. Растущий интерес к музыке со стороны растущего среднего класса по всей Западной Европе подстегнул создание организаций для обучения, исполнения и сохранения музыки. Фортепиано, которое достигло своей современной конструкции в эту эпоху (отчасти из-за промышленных достижений в металлургии ), стало широко популярным среди среднего класса, чей спрос на инструмент подстегнул многих производителей фортепиано. Многие симфонические оркестры датируют свое основание этой эпохой. [79] Некоторые музыканты и композиторы были звездами дня; некоторые, как Ференц Лист и Никколо Паганини , выполняли обе роли. [81]

Европейские культурные идеи и институты начали следовать за колониальной экспансией в другие части мира. Также наблюдался рост, особенно к концу эпохи, национализма в музыке (отражающий, в некоторых случаях, политические настроения того времени), поскольку такие композиторы, как Эдвард Григ , Николай Римский-Корсаков и Антонин Дворжак , отражали традиционную музыку своих родин в своих композициях. [82]

В эпоху романтизма современное фортепиано с более мощным, устойчивым тоном и более широким диапазоном пришло на смену более деликатно звучащему фортепиано. В оркестре были сохранены существующие классические инструменты и секции ( струнная секция , деревянные духовые, медные духовые и ударные), но эти секции обычно расширялись, чтобы сделать более полный, большой звук. Например, в то время как в оркестре эпохи барокко могло быть два контрабасиста, в оркестре эпохи романтизма их могло быть до десяти. «Поскольку музыка становилась все более выразительной, стандартная оркестровая палитра просто не была достаточно богатой для многих композиторов-романтиков». [83]

Семейства инструментов, используемых, особенно в оркестрах, стали больше; этот процесс достиг кульминации в начале 20-го века с очень большими оркестрами, используемыми поздними романтическими и модернистскими композиторами. Начал появляться более широкий спектр ударных инструментов. Медные духовые инструменты стали играть более важную роль, поскольку введение поворотных клапанов позволило им играть более широкий диапазон нот. Размер оркестра (обычно около 40 в классическую эпоху) вырос до более чем 100. [79] Симфония № 8 Густава Малера 1906 года , например, была исполнена с более чем 150 инструменталистами и хорами из более чем 400 человек. [84] Были добавлены новые деревянные духовые инструменты, такие как контрафагот , бас-кларнет и пикколо , а также новые ударные инструменты, включая ксилофоны , малые барабаны , челесты (колоколообразный клавишный инструмент), колокольчики и треугольники , [83] большие оркестровые арфы и даже духовые машины для звуковых эффектов . Саксофоны появляются в некоторых партитурах с конца 19 века и далее, обычно выступая в качестве сольного инструмента, а не как неотъемлемая часть оркестра.

Туба Вагнера , модифицированный член семейства валторн, появляется в цикле Рихарда Вагнера «Кольцо нибелунга» . Она также играет видную роль в Симфонии № 7 ми мажор Антона Брукнера , а также используется в нескольких позднеромантических и модернистских произведениях Рихарда Штрауса, Белы Бартока и других [85] Корнеты регулярно появляются в партитурах 19 века, наряду с трубами, которые считались менее подвижными, по крайней мере, до конца века.

Выдающимися композиторами этой эпохи являются Людвиг ван Бетховен , Пётр Ильич Чайковский , Фредерик Шопен , Гектор Берлиоз , Франц Шуберт , Роберт Шуман , Феликс Мендельсон , Франц Лист , Джузеппе Верди , Рихард Вагнер , Иоганнес Брамс , Александр Скрябин , Николай Метнер , Эдвард Григ и Иоганн Штраус II . Густав Малер и Рихард Штраус обычно считаются переходными композиторами, чья музыка сочетает в себе как поздние романтические, так и ранние модернистские элементы.

20-й и 21-й века

Концептуальное искусство для постановки «Весны священной» Стравинского 1913 года . Многие композиторы начала 20 века, такие как Малер, Сибелиус и Воан-Уильямс, находились под сильным влиянием сил природы.

На рубеже веков музыка была характерна для позднего романтизма по стилю с ее экспрессивными мелодиями, сложными гармониями и экспансивными формами. Эта эпоха была отмечена работами нескольких композиторов, которые продвигали пост-романтическое симфоническое письмо . Такие композиторы, как Густав Малер и Рихард Штраус, продолжали развивать западную классическую традицию с помощью экспансивных симфоний и опер, в то время как такие, как Ян Сибелиус и Воан-Уильямс, наполняли свои композиции националистическими элементами и влияниями народных песен. Сергей Прокофьев начинал в этой традиции, но вскоре рискнул перейти на модернистские территории. В то же время во Франции развивалось импрессионистское движение, возглавляемое Клодом Дебюсси , а Морис Равель был еще одним заметным пионером. [86]

Модернист

Модернистская классическая музыка охватывает множество стилей композиции, которые можно охарактеризовать как пост-романтические, импрессионистские, экспрессионистские и неоклассические. Модернизм ознаменовал собой эпоху, когда многие композиторы отвергли определенные ценности периода общей практики, такие как традиционная тональность, мелодия, инструментовка и структура. [87] Некоторые историки музыки рассматривают музыкальный модернизм как эпоху, продолжавшуюся примерно с 1890 по 1930 год. [88] [89] Другие считают, что модернизм закончился с одной или другой из двух мировых войн. [90] Другие же авторитеты утверждают, что модернизм не связан ни с какой исторической эпохой, а скорее является « отношением композитора; живой конструкцией, которая может развиваться со временем». [91] Несмотря на упадок в последней трети 20-го века, в конце века сохранилось активное ядро ​​композиторов, которые продолжали развивать идеи и формы модернизма, такие как Пьер Булез , Полин Оливерос , Тору Такемицу , Джордж Бенджамин , Джейкоб Дракман , Брайан Фернихоу , Джордж Перл , Вольфганг Рим , Ричард Верник , Ричард Уилсон и Ральф Шейпи . [92]

Два музыкальных движения, которые доминировали в это время, были импрессионистское, начавшееся около 1890 года, и экспрессионистское, начавшееся около 1908 года. Это был период разнообразных реакций, бросающих вызов и переосмысливающих старые категории музыки, инноваций, которые приводят к новым способам организации и подхода к гармоническим, мелодическим, звуковым и ритмическим аспектам музыки, и изменений в эстетических мировоззрениях в тесной связи с более крупным идентифицируемым периодом модернизма в искусстве того времени. Оперативное слово, наиболее связанное с ним, — «инновация». [93] Его ведущая черта — «лингвистическая множественность», то есть ни один музыкальный жанр никогда не занимал доминирующего положения. [94]

Оркестр продолжал расти в ранние годы модернистской эпохи, достигнув пика в первые два десятилетия 20-го века. Саксофоны, которые появлялись лишь изредка в 19-м веке, стали чаще использоваться в качестве дополнительных инструментов, но так и не стали основными членами оркестра. Хотя в некоторых произведениях он появлялся только как сольный инструмент, например, в оркестровке Мориса Равеля «Картинок с выставки » Модеста Мусоргского и « Симфонических танцев » Сергея Рахманинова , саксофон включен в другие произведения, такие как сюиты «Ромео и Джульетта» 1 и 2 Сергея Прокофьева и многие другие произведения в качестве члена оркестрового ансамбля. В некоторых композициях, таких как «Болеро » Равеля , два или более саксофонов разных размеров используются для создания целой секции, как и другие секции оркестра. Эуфониум используется в нескольких произведениях позднего романтизма и XX века , обычно исполняя партии, обозначенные как «теноровая туба», в том числе в « Планетах » Густава Холста и «Жизни героя» Рихарда Штрауса .

Выдающимися композиторами начала XX века являются Игорь Стравинский , Клод Дебюсси , Сергей Рахманинов , Сергей Прокофьев , Арнольд Шёнберг , Никос Скалкоттас , Эйтор Вилла-Лобос , Кароль Шимановский , Антон Веберн , Альбан Берг , Сесиль Шаминад , Пауль Хиндемит , Арам Хачатурян , Джордж Гершвин , Эми Бич , Бела Барток и Дмитрий Шостакович , а также вышеупомянутые Малер и Штраус как переходные фигуры, перешедшие из XIX века.

Постмодерн/современный

Постмодернистская музыка — это период в музыке, который, по мнению некоторых авторитетов, начался ещё в 1930-х годах. [88] [89] Он разделяет черты постмодернистского искусства , то есть искусства, которое приходит после модернизма и выступает против него .

Некоторые другие авторитеты более или менее приравнивают постмодернистскую музыку к «современной музыке», созданной после 1930 года, с конца 20-го века до начала 21-го века. [95] [96] Некоторые из разнообразных движений эпохи постмодернизма/современности включают неоромантизм, неосредневековье, минимализм и постминималистизм.

Современная классическая музыка в начале 21-го века часто рассматривалась как включающая все музыкальные формы после 1945 года. [97] Спустя поколение этот термин теперь правильно относится к музыке сегодняшнего дня, написанной композиторами, которые все еще живы; музыка, которая стала известна в середине 1970-х годов. Она включает в себя различные вариации модернистской , постмодернистской , неоромантической и плюралистической музыки . [92]

Производительность

Выступление струнного квартета в рамках Года Моцарта 2006 в Вене

Исполнители, которые изучали классическую музыку в широком смысле, считаются «классически обученными». Это обучение может быть получено в ходе частных уроков у преподавателей игры на инструментах или вокала или в результате завершения формальной программы, предлагаемой консерваторией, колледжем или университетом, например, степени бакалавра музыки или магистра музыки (которая включает индивидуальные занятия с профессорами). В классической музыке требуется «... обширное формальное музыкальное образование и обучение, часто до уровня аспирантуры [степени магистра]». [98]

Исполнение классического музыкального репертуара требует умения читать с листа и играть в ансамбле , владеть принципами гармонии , хорошо тренировать слух (чтобы корректировать и настраивать высоту звука на слух), знать исполнительскую практику (например, орнаментику барокко) и быть знакомым со стилем/музыкальной идиомой, ожидаемой от данного композитора или музыкального произведения (например, симфония Брамса или концерт Моцарта). [ необходима ссылка ]

Ключевой характеристикой европейской классической музыки, которая отличает ее от популярной музыки , народной музыки и некоторых других классических музыкальных традиций, таких как индийская классическая музыка , является то, что репертуар, как правило, записывается в нотной записи , создавая музыкальную часть или партитуру . Эта партитура обычно определяет детали ритма, высоты тона и, когда задействованы два или более музыканта (певцы или инструменталисты), то, как координируются различные части. Письменное качество музыки позволило достичь высокого уровня сложности в них: фуги , например, достигают замечательного союза смело отличительных мелодических линий, сплетающихся в контрапункт , но при этом создающих связную гармоническую логику . Использование письменной записи также сохраняет запись произведений и позволяет классическим музыкантам исполнять музыку многовековой давности.

Хотя классическая музыка в 2000-х годах утратила большую часть своей традиции музыкальной импровизации , от эпохи барокко до эпохи романтизма, есть примеры исполнителей, которые могли импровизировать в стиле своей эпохи. В эпоху барокко исполнители на органе импровизировали прелюдии , исполнители на клавишных, играющие на клавесине, импровизировали аккорды из фигурных басовых символов под басовыми нотами партии бассо континуо, а исполнители как вокала, так и инструментов импровизировали музыкальные украшения . [99] Иоганн Себастьян Бах был особенно известен своими сложными импровизациями. [100] В эпоху классицизма композитор и исполнитель Вольфганг Амадей Моцарт был известен своей способностью импровизировать мелодии в разных стилях. [101] В эпоху классицизма некоторые виртуозные солисты импровизировали разделы каденции концерта. В эпоху романтизма Людвиг ван Бетховен импровизировал на фортепиано. [102]

Женщины в классической музыке

Марта Аргерих в Культурном центре Киршнера , Буэнос-Айрес

Почти все композиторы, которые описаны в музыкальных учебниках по классической музыке и чьи произведения широко исполняются как часть стандартного концертного репертуара, являются композиторами-мужчинами, хотя на протяжении всей истории классической музыки было большое количество женщин-композиторов . Музыковед Марсия Ситрон задается вопросом: «[почему] музыка, сочиненная женщинами, так маргинальна по отношению к стандартному „классическому“ репертуару?» [103] Ситрон «исследует практики и отношения, которые привели к исключению женщин-композиторов из принятого „ канона “ исполняемых музыкальных произведений». Она утверждает, что в 1800-х годах женщины-композиторы обычно писали песни для исполнения на небольших сольных концертах, а не симфонии, предназначенные для исполнения с оркестром в большом зале, причем последние произведения считались наиболее важным жанром для композиторов; поскольку женщины-композиторы написали не так много симфоний, они считались непримечательными как композиторы. [103] В «... Краткой Оксфордской истории музыки » Клара С[к]уман — одна из немногих упомянутых женщин-композиторов». [104] Эбби Филипс утверждает, что «[в] течение 20-го века женщины, которые сочиняли/играли, привлекали гораздо меньше внимания, чем их коллеги-мужчины». [104]

Исторически сложилось так, что основные профессиональные оркестры в основном или полностью состояли из музыкантов-мужчин. Одним из самых ранних случаев найма женщин в профессиональные оркестры была должность арфистки . Например, Венская филармония не принимала женщин в постоянные члены до 1997 года, намного позже, чем другие оркестры, вошедшие в пятерку лучших в мире по версии Gramophone в 2008 году. [105] [n 14] Последним крупным оркестром, назначившим женщину на постоянную должность, была Берлинская филармония . [109] Еще в феврале 1996 года первый флейтист Венской филармонии Дитер Флури сказал Westdeutscher Rundfunk, что принятие женщин будет «игрой с эмоциональным единством ( emotionalelle Geschlossenheit ), которым в настоящее время обладает этот организм». [110] В апреле 1996 года пресс-секретарь оркестра написал, что «компенсация ожидаемых отпусков» по ​​беременности и родам станет проблемой. [111]

В 2013 году в статье в Mother Jones говорилось, что, хотя «многие престижные оркестры имеют значительное женское членство — в секции скрипок Нью-Йоркской филармонии женщин больше, чем мужчин — и несколько известных ансамблей, включая Национальный симфонический оркестр , Детройтский симфонический оркестр и Миннесотский оркестр, возглавляются женщинами-скрипачами», секции контрабаса , духовых инструментов и ударных инструментов крупных оркестров «... по-прежнему преимущественно мужские». [112] В статье BBC 2014 года говорилось, что «... введение «слепых» прослушиваний , когда потенциальный инструменталист играет за экраном, чтобы судейская коллегия не могла проявить никаких гендерных или расовых предрассудков, привело к постепенному изменению гендерного баланса в традиционно мужских симфонических оркестрах». [113]

Связь с другими музыкальными традициями

Популярная музыка

Классическая музыка часто включала элементы или материал из популярной музыки того времени. Примерами могут служить случайная музыка, такая как использование Брамсом студенческих застольных песен в его увертюре «Академический фестиваль» , жанры, представленные «Трехгрошовой оперой » Курта Вайля , и влияние джаза на композиторов начала и середины 20-го века, включая Мориса Равеля , представленное движением под названием «Блюз» в его сонате для скрипки и фортепиано. [114] Некоторые постмодернистские , минималистские и постминималистские классические композиторы признают долг перед популярной музыкой. [115] [ проверка не удалась ]

Оркестровая композиция Джорджа Гершвина 1924 года «Рапсодия в стиле блюз» описывается как оркестровый джаз или симфонический джаз . Композиция сочетает в себе элементы классической музыки с эффектами, навеянными джазом.

Многочисленные примеры показывают влияние в противоположном направлении, включая популярные песни, основанные на классической музыке, применение Канона Пахельбеля с 1970-х годов и явление музыкального кроссовера , когда классические музыканты добились успеха на популярной музыкальной арене. [116] В хэви-метале ряд ведущих гитаристов (играющих на электрогитаре ), включая Ричи Блэкмора и Рэнди Роудса , [117] смоделировали свои стили игры на основе барочной или классической инструментальной музыки. [118]

Народная музыка

Композиторы классической музыки часто использовали народную музыку (музыку, созданную музыкантами, которые обычно не имеют классического образования, часто из чисто устной традиции). Некоторые композиторы, такие как Дворжак и Сметана , [119] использовали народные темы, чтобы придать националистический оттенок своим работам, в то время как другие, такие как Барток, использовали определенные темы, взятые целиком из их народных музыкальных истоков. [120] Хачатурян широко включил в свое творчество народную музыку своей родной Армении , а также других этнических групп Ближнего Востока и Восточной Европы. [121] [122]

Коммерциализация

С появлением радиовещания и магазинов грампластинок живые выступления классической музыки стали издаваться на компакт-дисках-сборниках ( WQXR для Tower Records , 1986).

Некоторые основные элементы классической музыки часто используются в коммерческих целях (в рекламе или в саундтреках к фильмам). В телевизионной рекламе несколько отрывков стали клишированными , в частности, начало « Так говорил Заратустра » Рихарда Штрауса (прославившееся в фильме « Космическая одиссея 2001 года ») и вступительная часть « O Fortuna » из «Кармина Бурана » Карла Орфа ; Другие примеры включают « Dies irae » из Реквиема Верди , « В пещере горного короля » Эдварда Грига из « Пер Гюнта » , вступительные такты Симфонии № 5 Бетховена , « Танец с саблями » Арама Хачатуряна , « Полет валькирий » Вагнера из «Валькирии » , « Полет шмеля » Римского-Корсакова и отрывки из «Родео » Аарона Копленда . [ необходима ссылка ] Несколько произведений Золотого века анимации соответствовали действию классической музыки. Известными примерами являются «Фантазия » Уолта Диснея , « Иоганн Маус » Тома и Джерри и «Кролик Севильский» и «Что такое опера, Док?» Warner Bros.

Аналогично, фильмы и телевидение часто используют стандартные, шаблонные отрывки из классической музыки, чтобы передать утонченность или роскошь: некоторые из наиболее часто слышимых произведений в этой категории включают Сюиту для виолончели № 1 Баха , Маленькая ночная серенада Моцарта , Четыре времени года Вивальди , Ночь на Лысой горе Мусоргского (в оркестровке Римского-Корсакова) и Увертюра к опере « Вильгельм Телль » Россини . Шон Ванкур утверждает, что коммерциализация классической музыки в 1920-х годах могла нанести вред музыкальной индустрии . [123]

Образование

В 1990-х годах несколько исследовательских работ и популярных книг писали о том, что стало называться « эффектом Моцарта »: наблюдаемое временное, небольшое повышение баллов в тестах на пространственное мышление в результате прослушивания музыки Моцарта. Этот подход был популяризирован в книге Дона Кэмпбелла и основан на эксперименте, опубликованном в Nature, предполагающем, что прослушивание Моцарта временно повысило IQ учащихся на 8-9 баллов. [124] Эта популяризированная версия теории была кратко выражена музыкальным обозревателем New York Times Алексом Россом : «исследователи... определили, что прослушивание Моцарта на самом деле делает вас умнее». [125] Промоутеры, продвигавшие компакт-диски, утверждали, что вызывают этот эффект. Флорида приняла закон, требующий от малышей в государственных школах ежедневно слушать классическую музыку, а в 1998 году губернатор Джорджии выделил 105 000 долларов в год, чтобы обеспечить каждого ребенка, родившегося в Джорджии, кассетой или компакт-диском классической музыки. Один из соавторов оригинальных исследований эффекта Моцарта прокомментировал: «Я не думаю, что это может навредить. Я полностью за то, чтобы знакомить детей с прекрасным культурным опытом. Но я действительно думаю, что деньги можно было бы лучше потратить на программы музыкального образования ». [126]

Ссылки

Примечания

  1. ^ Рассматриваемые классы гражданства Древнего Рима были получены из руководящих принципов, изложенных легендарным царем Сервием Туллием в Сервиевой конституции . [12]
  2. ↑ В 1690 году, спустя много десятилетий после определения Котгрейва 1611 года, посмертный «Dictionnaire universel» Антуана Фюретьера вторил Авлу Геллию, восхваляя Цицерона , Юлия Цезаря , Саллюстия , Вергилия и Горация и называя их « классическими» . [13]
  3. ^ Вот почему движение неоклассицизма середины XVIII века было широко распространено в таких областях, как архитектура и живопись, но не в музыке. [16]
  4. ^ До начала XVIII века, после Реставрации Стюартов , наблюдался кратковременный расцвет придворной музыки . [11] Такие композиторы, как Мэтью Локк , а позднее Генри Перселл, добились значительного успеха, [17] особенно в популярных придворных масках . [18]
  5. ↑ Концерты Джона Банистера быстро приобрели популярность, что позволило ему позже перенести место проведения концертов в Линкольнс-Инн-Филдс , а затем на Эссекс-стрит ; на пике популярности его ансамбль состоял почти из 50 музыкантов. [19]
  6. ↑ Для получения дополнительной информации о развитии канона классической музыки в Англии XVIII века см. Вебер, Уильям (осень 1994 г.). «Интеллектуальные истоки музыкального канона в Англии XVIII века». Журнал Американского музыковедческого общества . 47 (3): 488–520. doi :10.2307/3128800. JSTOR  3128800.
  7. ^ Некоторые критики, с 19 по 21 век, определяли Первую венскую школу по-разному. Такие комментаторы, как Иоганн Вольфганг фон Гёте и позже Людвиг Финшер, полностью исключили Бетховена из школы, в то время как музыковед Фридрих Блюме включил всех троих в дополнение к Францу Шуберту . [22] Чарльз Розен включил Гайдна, Моцарта и Бетховена, но только их инструментальную музыку. [22]
  8. ↑ Самое раннее использование термина «классическая музыка» в английской литературе, данное Оксфордским словарем английского языка ( OED ), содержится в дневнике английского музыканта Винсента Новелло 1829 года , который сказал: «Это то место, куда я должен приходить каждое воскресенье, когда я хочу услышать классическую музыку, исполненную правильно и разумно». [27] Однако это предшествует по крайней мере 9 годам названию « Введения в элементарные принципы глубокого баса и классической музыки» английского писателя Джона Фелтхэма Дэннели 1820 года . [28] [29]
  9. ^ В дополнение к названию Taruskin 2005, см. также названия Grout 1973, Hanning 2002 и Stolba 1998, все из которых включают термин «западная музыка», но по сути исключают неклассическую музыку в западном мире. Grout 1973 был впервые опубликован в 1960 году, и только в пятом издании, подготовленном Клодом В. Палиской в ​​1996 году, была включена какая-либо информация о джазе и популярной музыке . [35]
  10. ^ Музыковед Ральф П. Локк приводит в пример композитора Тан Дуна и отмечает название публикации 2004 года « Расположение Восточной Азии в западной музыкальной культуре» . [36] См. также название Barone, Joshua (23 июля 2021 г.). «Азиатские композиторы размышляют о карьере в западной классической музыке». The New York Times . Архивировано из оригинала 28 декабря 2021 г.Burkholder, Grout & Palisca 2014, стр. 1009 отмечают, что «Мы можем задаться вопросом, является ли термин «западная [классическая] музыка» все еще уместным, когда западная культура распространилась по всему миру, а некоторые из самых практикующих исполнителей и интересных новых композиторов родом из Китая, Японии и Кореи. Учитывая ее глобальный охват, возможно, пришло время переименовать эту традицию, но какой бы эклектичной и разнообразной она ни стала, ее корни по-прежнему уходят в западную культуру, уходящую через Европу в Древнюю Грецию».
  11. ^ Из всех имеющихся свидетельств следует, что Древнему Риму не удалось или удалось добиться лишь немногих значительных музыкальных достижений, которые в значительной степени переняли традиции своих древнегреческих предшественников. [41]
  12. ↑ Музыковед Дональд Джей Гроут отмечает, что даже к 20 веку сохранились лишь фрагменты и несколько более значительных образцов такой греко-римской музыки. [38]
  13. ^ Вся Европа раннего средневековья, возможно, не обходилась без умозрительной системы музыки, см. Gampel 2012, который оспаривает традиционный вывод замечания Исидора Севильского.
  14. ^ В 1997 году Венская филармония «столкнулась с протестами во время [американского] тура» со стороны Национальной организации женщин и Международного альянса женщин в музыке . Наконец, «после того, как их подвергли все большему осмеянию даже в социально консервативной Австрии, члены оркестра собрались [28 февраля 1997 года] на внеочередном собрании накануне своего отъезда и согласились принять женщину, Анну Лелкес, в качестве арфистки». [106] По состоянию на 2013 год в оркестре было шесть женщин; одна из них, скрипачка Албена Данаилова, стала одним из концертмейстеров оркестра в 2008 году, первой женщиной, занявшей эту должность. [107] В 2012 году женщины по-прежнему составляли всего 6% от состава оркестра. Президент VPO Клеменс Хеллсберг сказал, что VPO теперь использует полностью отсортированные слепые прослушивания . [108]

Цитаты

  1. ^ abcd Оуэнс 2008, § параграф. 1.
  2. ^ ab Schulenberg 2000, стр. 99.
  3. ^ abc Шуленберг 2000, стр. 100.
  4. ↑ Шуленберг 2000, стр. 100–101.
  5. ^ ab Schulenberg 2000, стр. 102–104.
  6. ^ ab Schulenberg 2000, стр. 104–105.
  7. ^ Шуленберг 2000, стр. 110.
  8. ^ Шуленберг 2000, стр. 113.
  9. ^ Оуэнс 2008, § абз. 2.
  10. ^ Оуэнс 2008, § параграф 7.
  11. ^ abcdefgh Heartz 2001, § пункт 1.
  12. ^ ab Howatson, MC (2011). "classic" . Оксфордский компаньон по классической литературе . Оксфорд: Oxford University Press . ISBN 978-0-19-954854-5. Архивировано из оригинала 7 декабря 2021 г. . Получено 10 декабря 2021 г. .
  13. ^ ab Mignot, Claude [на французском] (2017). "Classic" . В Cassin, Barbara (ред.). Dictionary of Untranslatables: A Philosophical Lexicon . Princeton: Princeton University Press . ISBN 978-0-19-068116-6. Архивировано из оригинала 7 декабря 2021 г. . Получено 10 декабря 2021 г. .
  14. ↑ Котгрейв, Рэндл (1611). Словарь французского и английского языков. Лондон: Адам Айслип.
  15. ^ abcdef Heartz 2001, § абз. 2.
  16. ^ Поли 1988, стр. 3.
  17. ^ Тарускин 2005, «Реставрация».
  18. ^ Уоклинг, Эндрю Р. (февраль 1996 г.). «Маска и политика в суде Реставрации: «Калисто» Джона Крауна". Ранняя музыка . 24 (1): 27–62. doi :10.1093/earlyj/XXIV.1.27. JSTOR  3128449.
  19. ^ ab McVeigh 2001, § параграф. 1–4.
  20. ^ Вебер 1999, стр. 345.
  21. ^ ab Heartz 2001, «2. Более ранние «классицизмы»»: § абз. 1.
  22. ^ abc Heartz 2001, «1. Венская «классическая» идиома»: § абз. 1.
  23. ↑ Шуленберг 2000, стр. 110–111.
  24. ^ "classical (adj.)". Онлайн-словарь этимологии . Архивировано из оригинала 17 ноября 2021 г. Получено 1 декабря 2021 г.
  25. ^ Поли 1988, стр. 6.
  26. ↑ Саламан, Чарльз К. (1 апреля 1879 г.). «Классическая музыка». The Musical Times and Singing Class Circular . 20 (434): 200–203. doi :10.2307/3355606. JSTOR  3355606. Архивировано из оригинала 17 февраля 2022 г. Получено 7 февраля 2022 г.
  27. ^ ab "classical, adj. and n.: A9" . OED Online . Oxford: Oxford University Press . Архивировано из оригинала 17 февраля 2022 г. . Получено 10 декабря 2021 г. .(требуется подписка)
  28. ^ Сквайр, У. Б. (2004). «Дэннели, Джон Фелтем (р. 1785, ум. 1834x6), писатель о музыке» . В Baker, Энн Пимлотт (ред.). Оксфордский национальный биографический словарь . Исправлено Энн Пимлотт Бейкер. Оксфорд: Oxford University Press . doi :10.1093/ref:odnb/7129. ISBN 978-0-19-861412-8. Архивировано из оригинала 4 июня 2018 . Получено 10 декабря 2021 . (требуется подписка или членство в публичной библиотеке Великобритании)
  29. ^ Дэннели, Джон Фелтем (1820). Введение в элементарные принципы игры на басу и классической музыки . Ипсвич: Р. Дек. OCLC  1047597428.
  30. ^ Кеннеди, Майкл (1994). "классический". Оксфордский словарь музыки (новое издание). Оксфорд и Нью-Йорк: Oxford University Press . стр. 178. ISBN 978-0-19-869162-4.
  31. ^ Поли 1988, стр. 2.
  32. ^ Неттл, Бруно (1995). Heartland Excursions: Ethnomusicological Reflections on Schools of Music. Шампейн: University of Illinois Press . стр. 3. ISBN 978-0-252-06468-5.
  33. ^ аб Локк 2012, стр. 320–322.
  34. ^ Тарускин 2005, «Введение: История чего?».
  35. ^ Беркхолдер, Дж. Питер (2009–2010). «Изменение историй, которые мы рассказываем: репертуары, повествования, материалы, цели и стратегии в преподавании истории музыки». Симпозиум по музыкальному искусству колледжа . 49/50: 120. JSTOR  41225238.
  36. ^ Локк 2012, стр. 321.
  37. ↑ Поли 1988, стр. 3–4.
  38. ^ abc Grout 1973, стр. 2.
  39. ^ ab Grout 1973, стр. 11.
  40. ^ Юдкин 1989, стр. 20.
  41. ↑ Гроут 1973, стр. 10–11.
  42. ↑ Юдкин 1989, стр. 27–28.
  43. ↑ Юдкин 1989, стр. 28–29.
  44. ^ Юдкин 1989, стр. 25.
  45. ^ Фасслер 2014, стр. 28.
  46. ^ abc Риз 1940, стр. 4.
  47. ^ Фасслер 2014, стр. 20.
  48. ↑ Гроут 1973, стр. 4.
  49. ↑ Гроут 1973, стр. 4–5, 11.
  50. ↑ Гроут 1973, стр. 28.
  51. ↑ Гроут 1973, стр. 11, 22.
  52. ↑ Гроут 1973, стр. 24.
  53. ↑ Гроут 1973, стр. 5.
  54. ↑ Гроут 1973, стр. 75.
  55. ^ Бланчард, Бонни; Бланчард Акри, Синтия (2009). Создание музыки и веселье!: Руководство для всех студентов-музыкантов. Издательство Индианского университета. С. 173. ISBN 978-0-253-00335-5. Архивировано из оригинала 17 февраля 2022 . Получено 9 ноября 2020 .
  56. ↑ Guides, Rough (3 мая 2010 г.). The Rough Guide to Classical Music. Rough Guides UK. ISBN 978-1-84836-677-0. Архивировано из оригинала 17 февраля 2022 г. . Получено 21 июня 2018 г. – через Google Books.
  57. ^ Хоппин 1978, стр. 57.
  58. ↑ Боулз 1954, 119 и далее.
  59. ^ Сакс, Курт (1940), История музыкальных инструментов , Dover Publications, стр. 260, ISBN 978-0-486-45265-4
  60. ^ "рабаб (музыкальный инструмент)". Encyclopaedia Britannica. Архивировано из оригинала 17 декабря 2013 года . Получено 17 августа 2013 года .
  61. ↑ Encyclopædia Britannica (2009), лира, Encyclopædia Britannica Online , архивировано из оригинала 1 августа 2009 г. , извлечено 20 февраля 2009 г.
  62. ↑ Гроут 1973, стр. 61.
  63. ↑ Гроут 1973, стр. 75–76.
  64. ↑ Гроут 1973, стр. 175–176.
  65. ↑ Гроут 1973, стр. 72–74.
  66. ↑ Гроут 1973, стр. 222–225.
  67. ^ ab Kirgiss, Crystal (2004). Классическая музыка . Black Rabbit Books. стр. 6. ISBN 978-1-58340-674-8.
  68. ↑ Гроут 1973, стр. 300–32.
  69. ↑ Гроут 1973, стр. 341–355.
  70. ↑ Гроут 1973, стр. 378.
  71. ^ "Барокко оркестровая музыка". BBC . Архивировано из оригинала 7 июня 2019 года . Получено 6 июня 2019 года .
  72. ^ "Кантата". Encyclopaedia Britannica . Архивировано из оригинала 7 мая 2021 г. Получено 4 ноября 2017 г.
  73. ^ "Oratorio". Encyclopaedia Britannica . Архивировано из оригинала 3 июня 2021 г. Получено 4 ноября 2017 г.
  74. ^ "TheSacredBaroqueintheCatholicWorld". smarthistory . Получено 18 мая 2023 г. .
  75. ^ "Хронология классического периода времени". Timetoast timelines . 1 января 1750 г. Получено 10 ноября 2023 г.
  76. ↑ Гроут 1973, стр. 463.
  77. ↑ Уорд Кингдон, Марта (1 апреля 1947 г.). «Моцарт и кларнет». Music & Letters . XXVIII (2): 126–153. doi :10.1093/ml/XXVIII.2.126. Архивировано из оригинала 24 декабря 2019 г. Получено 5 ноября 2017 г.
  78. ^ Сваффорд 1992, стр. 200.
  79. ^ abc Swafford 1992, стр. 201
  80. ↑ Гроут 1973, стр. 595–612.
  81. ↑ Гроут 1973, стр. 543.
  82. ↑ Гроут 1973, стр. 634, 641–642.
  83. ^ ab "Романтическая музыка: руководство для начинающих – Музыкальные периоды". Classic FM. Архивировано из оригинала 30 ноября 2015 года . Получено 27 ноября 2015 года .
  84. ↑ Питчер, Джон (январь 2013 г.). «Nashville Symphony». American Record Guide . 76 (1): 8–10.
  85. ^ "The Wagner Tuba". The Wagner Tuba. Архивировано из оригинала 10 февраля 2014 года . Получено 4 июня 2014 года .
  86. ^ Роберт П. Морган (1991). Музыка двадцатого века: история музыкального стиля в современной Европе и Америке. Нортон. ISBN 9780393952728.
  87. ^ Ээро Тарасти, 1979. Миф и музыка: семиотический подход к эстетике мифа в музыке. Мутон, Гаага.
  88. ^ ab Károlyi 1994, стр. 135
  89. ^ ab Мейер 1994, стр. 331–332
  90. ^ Олбрайт 2004, стр. 13.
  91. ^ Макхард 2008, стр. 14.
  92. ^ ab Botstein 2001, §9.
  93. ^ Метцер 2009, стр. 3.
  94. ^ Морган 1984, стр. 443.
  95. ^ Салливан 1995, стр. 217.
  96. ↑ Бирд и Глоаг 2005, стр. 142.
  97. ^ «Современник» в Дю Нуайе, 2003, с. 272
  98. ^ "Job Guide – Classical Musician". Inputyouth.co.uk. Архивировано из оригинала 1 октября 2015 года . Получено 27 ноября 2015 года .
  99. ^ Габриэль Солис, Бруно Неттл . Музыкальная импровизация: искусство, образование и общество. Издательство Иллинойсского университета, 2009. С. 150
  100. ^ "On Baroque Improvisation". Community.middlebury.edu. Архивировано из оригинала 27 ноября 2015 года . Получено 27 ноября 2015 года .
  101. ↑ Дэвид Грейсон. Моцарт: Фортепианные концерты № 20 и 21. Cambridge University Press, 1998. С. 95.
  102. ^ Тильман Сковронек. Бетховен-пианист . Cambridge University Press, 2010. С. 160
  103. ^ ab Citron, Marcia J. (1993). Пол и музыкальный канон . Архив CUP . ISBN 978-0-521-39292-1.. [ нужна страница ]
  104. ^ ab Abbey Philips (1 сентября 2011 г.). «История женщин и гендерных ролей в музыке». Rvanews.com. Архивировано из оригинала 1 октября 2015 г. Получено 27 ноября 2015 г.
  105. ^ "Величайшие оркестры мира". gramophone.co.uk . 24 октября 2012 г. Архивировано из оригинала 4 декабря 2019 г. Получено 29 апреля 2013 г.
  106. ↑ Джейн Перлез, «Венская филармония позволяет женщинам объединиться в гармонии». Архивировано 25 июня 2017 г. в Wayback Machine , The New York Times , 28 февраля 1997 г.
  107. ^ "Венская опера назначает первую в истории женщину-концертмейстера". Франция 24. 8 мая 2008. Архивировано из оригинала 5 мая 2009.
  108. ↑ Джеймс Р. Острейх , «Даже легенды приспосабливаются ко времени и тенденциям, даже Венская филармония». Архивировано 25 июня 2017 г. в Wayback Machine , The New York Times , 28 февраля 1998 г.
  109. ^ Джеймс Р. Острейх , «Берлин в огнях: женский вопрос» Архивировано 19 ноября 2007 г. в Wayback Machine , Arts Beat, The New York Times , 16 ноября 2007 г.
  110. ↑ WDR 5 , «Musikalische Misogynie», 13 февраля 1996 г., транскрибировано Региной Химмельбауэр. Архивировано 22 декабря 2019 г. на Wayback Machine ; перевод Уильяма Осборна. Архивировано 18 июля 2021 г. на Wayback Machine.
  111. ^ «Ответное письмо Венской филармонии на список Gen-Mus». Osborne-conant.org . 25 февраля 1996 г. Архивировано из оригинала 22 октября 2018 г. Получено 5 октября 2013 г.
  112. ^ Ханна Левинтова. «Вот почему редко можно увидеть женщин, дирижирующих симфоническим оркестром». Mother Jones. Архивировано из оригинала 24 ноября 2015 г. Получено 27 ноября 2015 г.
  113. ↑ Бертон, Клеменси (21 октября 2014 г.). «Культура – ​​Почему мало женщин-дирижеров?». BBC. Архивировано из оригинала 23 ноября 2015 г. Получено 27 ноября 2015 г.
  114. ^ Келли, Барбара Л. (2001). «Равель, Морис, §3: 1918–37». В Сэди, Стэнли ; Тиррелл, Джон (ред.). Новый словарь музыки и музыкантов Гроува (2-е изд.). Лондон: Macmillan Publishers . ISBN 978-1-56159-239-5.‎
  115. ^ См., например, Siôn, Pwyll Ap (2001). "Nyman, Michael". В Sadie, Stanley ; Tyrrell, John (ред.). The New Grove Dictionary of Music and Musicians (2-е изд.). Лондон: Macmillan Publishers . ISBN 978-1-56159-239-5.‎
  116. ^ Яркими примерами являются серия записей Hooked on Classics , сделанная Королевским филармоническим оркестром в начале 1980-х годов, а также скрипачки Ванесса Мэй и Катя Маре , исполняющие классическую музыку .
  117. ^ Кэрью, Фрэнсис Уэйн (1 января 2018 г.). The Guitar Voice of Randy Rhoads (Master of Arts). Wayne State University . стр. 1–2. Архивировано из оригинала 29 марта 2019 г. Получено 2 октября 2019 г.
  118. ^ Уолсер, Роберт (октябрь 1992 г.). «Извержения: присвоение классической виртуозности тяжелым металлом». Popular Music . 11 (3): 263–308. doi :10.1017/s0261143000005158. ISSN  0261-1430. S2CID  162682249.
  119. ^ Йоманс, Дэвид (2006). Фортепианная музыка чешских романтиков: Руководство для исполнителей . Indiana University Press. стр. 2. ISBN 978-0-253-21845-2.
  120. ^ Стивенс, Хейли; Джиллис, Малкольм (1993). Жизнь и музыка Белы Бартока . Оксфорд: Clarendon Press. стр. 129. ISBN 978-0-19-816349-7.
  121. ^ Бакст, Джеймс (1977). "Хачатурян". История русско-советской музыки (переиздание). Вестпорт, Коннектикут: Greenwood Press . стр. 336. ISBN 0837194229.
  122. ^ Розенберг, Кеньон С. (1987). "Хачатурян, Арам". Базовая коллекция классических и оперных записей для библиотек . Метачен, Нью-Джерси: Scarecrow Press . стр. 112. ISBN 9780810820418.
  123. ^ Ванкур, Шон (март 2009 г.). «Популяризация классики: роль радио в движении за признание музыки 1922–34 гг.». Медиа, культура и общество . 31 (2): 19. doi :10.1177/0163443708100319. S2CID  144331723.
  124. ^ Стил, Кеннет М.; Белла, Симона Далла; Перец, Изабель; Данлоп, Трейси; Доу, Ллойд А.; Хамфри, Г. Кит; Шеннон, Роберта А.; Кирби, Джонни Л.; Олмстед, К. Г. (1999). «Прелюдия или реквием по „эффекту Моцарта“?» (PDF) . Nature . 400 (6747): 827–828. Bibcode :1999Natur.400..827S. doi :10.1038/23611. PMID  10476959. S2CID  4352029. Архивировано (PDF) из оригинала 30 октября 2021 г. . Получено 17 февраля 2022 г. .
  125. ↑ Росс, Алекс . «Классический взгляд; слушаем прозак... Э-э, Моцарта». Архивировано 17 февраля 2022 г. в Wayback Machine , The New York Times , 28 августа 1994 г. Получено 16 мая 2008 г.
  126. ↑ Гуд, Эрика. «Моцарт для младенца? Некоторые говорят, что, возможно, нет». Архивировано 17 февраля 2022 г. в Wayback Machine , The New York Times , 3 августа 1999 г. Получено 16 мая 2008 г.

Источники

Книги

Статьи в журналах и энциклопедиях

Дальнейшее чтение

Внешние ссылки