Между концом 18-го и началом 19-го веков были заложены основы современного общества, отмеченные в политической области концом абсолютизма и установлением демократических правительств — импульсом, который начался с Французской революции — и в экономической области промышленной революцией и консолидацией капитализма , которые нашли отклик в марксизме и классовой борьбе . В области искусства эволюционная динамика стилей начала следовать друг за другом хронологически с возрастающей скоростью, достигнув кульминации в 20-м веке с атомизацией стилей и течений, которые сосуществуют и противостоят, влияют и противостоят друг другу. Век начался с выживания неоклассицизма , движения, за которым последовали романтизм , реализм , импрессионизм , модернизм и символизм . [1]
В этом столетии частое использование офорта продолжалось, его применяли такие художники, как Добиньи , Милле , Уистлер , Мане , Дега , Писсарро и т. д. Однако преобладало использование литографии, начатое в предыдущем столетии, с двумя тенденциями: одна, которая стремилась конкурировать с фотографией, подчеркивая точность и чувствительность ее композиций, во главе с Клодом Фердинандом Гайяром ; и другая, более художественная и спокойная, представленная Леопольдом Фламенгом . В этот период гравюра стала высокоиндустриализированной и достигла высокого уровня производства с большими тиражами, нацеленными на все более широкую публику. В конце века, и особенно в связи с поколением постимпрессионистов, литография имела привилегированное средство выражения в плакате, которому посвятили себя такие великие художники, как Жюль Шере , Альфонс Муха , Пьер Боннар и Анри де Тулуз-Лотрек . [2]
В этот период появились новые техники — или некоторые из тех, что появились в предыдущем столетии, были консолидированы — такие как гравюра на дереве, гравюра на стали или стереотипия . С другой стороны, изобретение фотографии произвело революцию в графическом искусстве и повлияло на новые техники: в 1827 году Нисефор Ньепс представил гелиографию , сделанную на цинковой пластине, чувствительной к свету и полой гравированной кислотой; в 1852 году Жозеф Лемерсье изобрел фотолитографию , фотонегатив на стекле, проецируемый на литографский камень, чувствительный к свету; в том же году появилось cliché verre , стеклянное клише, напечатанное на светочувствительной бумаге; а в 1860-х годах появилась фотогравюра , использующая пластину, покрытую лаком или светочувствительной смолой, разъеденной кислотой, без вмешательства художника. Другой новой техникой, не связанной в данном случае с фотографией, был гиллотаж — также называемый цинкографией — изобретенный Фирмином Жилло в 1850 году, который заключался в переносе рисунка на цинковую пластину, обработанную кислотой и проштампованную типографским прессом. Прогрессивная индустриализация печатной графики все больше приводила к дифференциации между ремесленником-печатником и художником-гравером — или художником-гравером — который требовал большего признания своей творческой работы. [3]
Романтизм был стилем, родившимся в начале века, хотя он уже был выкован в конце предыдущего в так называемом предромантизме. Это было движение глубокого обновления во всех художественных жанрах, которое уделяло особое внимание области духовности, фантазии, чувства, любви к природе, наряду с более темным элементом иррациональности, тяготением к оккультизму , безумию, мечтам. Массовая культура, экзотика, возвращение к недооцененным художественным формам прошлого — особенно средневековым — особенно ценились, а пейзаж приобрел известность, став главным героем сам по себе. Романтики имели идею искусства, которое возникло спонтанно из личности, поэтому они подчеркивали фигуру «гения»: искусство — это выражение эмоций художника. [4]
Романтизм сменил реализм , течение, которое подчеркивало реальность, описание окружающего мира, особенно рабочих и крестьян в новых рамках индустриальной эпохи, с определенным компонентом социального обличения, связанного с политическими движениями, такими как утопический социализм . Эти художники отошли от обычных исторических, религиозных или мифологических тем, чтобы иметь дело с более приземленными темами современной жизни. [4]
Во Франции на рубеже веков произошел переход от неоклассицизма к романтизму. Двое из лучших французских художников-романтиков, Теодор Жерико и Эжен Делакруа , занимались литографией. [5] Жерико создал между 1817 и 1820 годами семь литографских камней, посвященных наполеоновской армии , а также другие отдельные работы, включая «Кони, сражающиеся в конюшне» и «Боксерский поединок» ; во время пребывания в Великобритании между 1820 и 1821 годами он создал ряд гравюр со сценами из повседневной жизни. [6] Делакруа создавал гравюры в основном на основе литературного вдохновения, например, его серия из семнадцати литографий « Фауста » Гете (1826), которая была высоко оценена самим писателем; или его серия « Гамлета » Шекспира (1843). [7]
Среди французских граверов этого периода: Луи Пьер Энрикель-Дюпон был известен своими гравюрами, воспроизводящими художников прошлого и своего времени; [8] Клод Фердинанд Гайар был искусным рисовальщиком и виртуозным гравером, автором репродукций таких картин, как «Ужин в Эммаусе » Рембрандта , « Мадонна с младенцем » Боттичелли и « Мона Лиза » Леонардо да Винчи ; [9] Леопольд Фламенг воспроизводил Ван Эйка , Ван дер Гуса , Рембрандта и Энгра и опубликовал многочисленные иллюстрации в Gazette des Beaux-Arts ; [10] Жан Жигу был представителем стиля трубадуров , иллюстратором таких книг, как «Жиль Блаз» и «Абеляр и Элоиза» ; [11] Эрнест Мейсонье иллюстрировал различные книги, включая работы Бальзака ; Шарль Мерион был талантливым гравером, автором офортов с видами Парижа , которые примечательны своим хроматическим распределением и интенсивностью света. [12] Также следует отметить рост карикатуры , которую практиковали такие художники, как Анри Монье , Ж.-Ж. Гранвиль , Поль Гаварни и Шарль Филипон , и публиковали в журналах и газетах, таких как Le Miroir, La Pandore, La Caricature и Le Charivari . [13]
Из эпохи реализма первым следует упомянуть Оноре Домье . Он некоторое время работал в литографической мастерской, пока его не нанял Филиппон для La Caricature благодаря его навыкам рисовальщика. В 1831 году его карикатура на Луи-Филиппа I в образе Гаргантюа принесла ему шесть месяцев тюрьмы, но и огромную известность. С тех пор он выполнил интенсивную литографическую работу (около четырех тысяч работ), особенно в Le Charivari , как сериями ( Робер Макер , 1836-1838; Бабисты , 1839; Боги Олимпа , 1841; Люди правосудия , 1845-1848; Арендаторы и землевладельцы , 1848), так и отдельными произведениями, которые он позже сгруппировал в альбомы, такие как Actualities или All That is Wanted . В целом его творчество было сатирическим, в нем он высмеивал буржуазию и круги власти, используя стиль изогнутых линий и модулированных фигур со скульптурным внешним видом. [14]
С реализмом была связана барбизонская пейзажная школа ( Камиль Коро , Теодор Руссо , Шарль-Франсуа Добиньи , Нарцисс Вирхилио Диас де ла Пенья ), отмеченная пантеистическим чувством природы, с заботой об эффектах света в пейзаже, таких как свет, который просачивается сквозь ветви деревьев. [15] Почти все ее члены практиковали гравюру — особенно офорт — с работами Коро, который поздно начал заниматься графическим искусством, но овладел им в совершенстве. Он создал около пятнадцати офортов и еще пятнадцать литографий, а также около семидесяти клише verres, в основном пейзажей. [16] Жан-Франсуа Милле , известный художник, особенно преданный крестьянским темам, как в его знаменитом «Анжелюсе », был связан с этой школой. В своих графических работах он продемонстрировал влияние Рембрандта, особенно в его световых эффектах, с кратким и решительным мазком, как в «Чесальщике шерсти» (1855). [17]
Особое место следует отдать Гюставу Доре , одному из лучших граверов своего времени. Одаренный в рисунке, в возрасте двадцати двух лет он проиллюстрировал «Гаргантюа и Пантагрюэля» Рабле ( 1854), а в следующем году — «Занимательные сказки » Бальзака ( 1855). С тех пор его творчество стало интенсивным, в основном в области гравюры на дереве, в анахроничном стиле, далеком от стилистических новшеств, хотя в его работах прослеживается влияние Дюрера, Рембрандта и английских романтиков, особенно Блейка и Тернера : « Божественная комедия » Данте (1857-1867), «Буря » Шекспира (1860), «Сказки » Перро (1862), « Дон Кихот » Сервантеса (1863), «Макбет» Шекспира (1863), «Атала » Шатобриана (1865), Библия (1866), «Потерянный рай » Мильтона (1866), « Басни » Лафонтена ( 1867), « Сказание о старом мореходе » Сэмюэля Тейлора Кольриджа (1870), «Идиллии короля » Альфреда Теннисона (1875), « Идиллии короля » Ариосто « Неистовый Роланд» (1877), «Ворон » Эдгара Аллана По (1884). [18]
В течение этого столетия во Франции практиковался тип гравюры на дереве (« à la langue de chat »), особенно для иллюстрирования книг. Его пропагандировал в основном англичанин Чарльз Томпсон , основавший школу гравюры на дереве в Париже в 1817 году. Его практиковали такие художники, как Домье, Доре и Мейсонье, а одними из лучших его представителей были Селестен Нантей и Тони Жоанно . [19] Литография также была очень популярна: в 1816 году Шарль Филибер де Ластейри и Годфруа Энгельман открыли свои мастерские в Париже, а в 1820 году эту технику выбрал Исидор Тейлор для иллюстрирования своих « Путешествий по живописным и романтическим местам древней Франции » в сотрудничестве с широким кругом художников. Его использовали такие художники, как Делакруа и Домье, а также карикатуристы, такие как Гранвиль и Гаварни. [20]
В 1830-1840 годах использование офорта стало возрождаться среди художников: в 1835 году Родольф Бресден сделал несколько офортов, в 1844 году Теодор Шассерио создал пятнадцать офортов для издания «Отелло» , а Камиль Коро практиковал эту технику в середине 1840-х годов. Феликс Бракемон выставил четыре офорта на Всемирной выставке 1855 года . В 1861 году в Париже было основано Общество аквафортистов с целью привнести искусство ради искусства в гравюру. Его покровителем был предприниматель Альфред Кадар , с которым сотрудничали такие художники, как Шарль-Франсуа Добиньи и Шарль Жак . В его состав входили Бракемон, Коро, Добиньи, Милле, Мерион, Домье и Делакруа, а также Гюстав Курбе , Анри Фантен-Латур , Карлос де Гаес , Йохан Бартольд Йонгкинд , Максим Лаланн , Альфонс Легро , Эдуард Мане , Теодюль Рибо и др. Его главным органом было издание Eaux-Fortes Modernes . Публикация Artistique d'œuvres originales par la Société des aquafortistes с ежемесячным тиражом; между 1863 и 1867 годами было издано пять альбомов со сборниками журнала, в первом из которых, предисловием которого выступил Теофиль Готье , термин «аквафортист» возник как синоним оригинального гравера. Один из ее членов, Лаланн, опубликовал в 1866 году « Трактат о гравюре », в котором он описал новые способы применения этой техники, такие как « a la pluma », выполненная пером на меди; или ретроуссаж , очистка муслином окрашенного листа, с помощью которого получаются лессировки , тона и полутона. [21]
В Германии и Австрии гравюрой занимались такие художники, как: Адриан Людвиг Рихтер , который гравировал виды Дрездена и иллюстрировал книги, такие как «Volksmärchen der Dentschen» Иоганна Карла Августа Мусеуса (1841); [22] Мориц фон Швинд иллюстрировал популярные легенды; [23] Адольф фон Менцель унаследовал от отца литографическую компанию, с помощью которой он добился первых успехов как художник ( Жизнь Фридриха Великого , 1840-1842); [24] Вильгельм Лейбль посвятил себя в основном жанровой живописи. [23] Литографией занимались Карл фон Пилоти и Иоганн Непомук Штрикснер, авторы факсимиле рисунков и картин из берлинской и мюнхенских галерей. [25] Ответвлением романтизма было немецкое движение назареев , вдохновленное итальянским кватроченто и немецким Возрождением, в основном Дюрером . Видное место среди них занимал Иоганн Фридрих Овербек , известный гравёр, автор тридцати шести резных изображений Евангелий . [ 23]
В течение первых десятилетий века в Великобритании преобладал романтизм, у которого уже были некоторые заметные предшественники в лице Фюссли и Блейка. Одним из его наиболее выдающихся представителей был Джозеф Мэллорд Уильям Тернер , пейзажист, который выделялся атмосферными и световыми эффектами своих работ. В области графики он был автором серии под названием Liber Studiorum (1807-1819), вдохновленной Liber Veritatis Клода Лоррена , набора из семидесяти одного меццо-тинто , в которых он воссоздал различные типы пейзажа: морской, горный, исторический, архитектурный и эпический. [26] Также стоит упомянуть: Авраама Раймбаха , иллюстратора Жиля Блаза (1809) и Дон Кихота (1818); [27] Джордж Крукшенк , карикатурист и иллюстратор, автор произведений сатирического содержания ( «Жизнь в Лондоне» , 1821; «Наброски» Боза , 1836; «Оливер Твист» Диккенса , 1838; «Бутылка» , 1847); [28] и Фрэнсис Сеймур Хейден , художник-самоучка, работавший в основном с пейзажами, первый президент Королевского общества художников-граверов , основанного в Лондоне в 1880 году. [29]
В этой стране возникла школа прерафаэлитов , которые вдохновлялись — как следует из их названия — итальянскими художниками до Рафаэля , а также недавно появившейся фотографией, представителями которой были Данте Габриэль Россетти , Эдвард Берн-Джонс , Джон Эверетт Милле , Уильям Холман Хант и Форд Мэдокс Браун . [30] Члены Братства прерафаэлитов в основном практиковали ксилографию testa. Особо следует отметить работу Россетти, который иллюстрировал поэмы Теннисона (1857) и « Старые итальянские поэты» (1861). [31]
В Италии работы Луиджи Каламатты , бурильщика, получившего образование в Париже, который в основном посвятил себя воспроизведению работ Энгра, были примечательны. Паоло Меркури , директор Ватиканской калькографии, был известным гравером, посвятившим себя воспроизведению изображений Комнат Рафаэля в сотрудничестве с другими художниками. [32]
В Испании первая литографическая мастерская была открыта в Мадриде в 1819 году под руководством Фелипе Кардано; два года спустя еще одна была открыта в Барселоне под руководством Антонио Бруси. В 1825 году король Фердинанд VII способствовал созданию Королевского литографического учреждения, руководство которым было поручено Хосе де Мадрасо , который отвечал за издание двухсот гравюр с репродукциями картин королевских мест и общественных зданий , выполненных такими художниками, как Фернандо Брамбила , Флорентино Декраене, Хосе Камарон Боронат , Гаэтано Пальмароли и Гаспар Сенси.
В 1835 году начал издаваться романтический журнал El Artista , в который вошли иллюстрации рассказов и поэзии, а также портреты и другие изображения таких художников, как Федерико де Мадрасо , Элен Фейе и Карлос Луис де Рибера . В 1839 году Франсиско Хавьер Парсериса начал серию Recuerdos y bellezas de España (1839 -1865), в общей сложности десять томов с изображениями памятников и пейзажей Испании. Аналогичным образом, между 1842 и 1850 годами, Хенаро Перес Вильямиль опубликовал свою серию España artística y monumental , со 144 отпечатками самых выдающихся памятников Испании. Другой заметной серией была «El Real Museo de Madrid y las joyas de la Pintura de España» Педро де Мадрасо («Королевский музей Мадрида и драгоценности испанской живописи») (1857). [33]
Также были Доминго Мартинес Апаричи, профессор гравюры в Академии Сан-Фернандо, воспроизводивший работы великих мастеров эпохи Возрождения и барокко; Бернардо Рико, иллюстратор книг и газет; Артуро Карретеро, известный резчик по дереву, сотрудничавший с несколькими газетами; Хоакин Пи-и-Маргаль, посвятивший себя сладкой резьбе, создав репродукции работ Джона Флаксмана и Йозефа фон Фюриха и участвовавший в серии Monumentos Arquitectónicos de España (1859–1881); Бартоломе Маура, автор офортов портретов и репродукций испанских картин; Леонардо Аленса продолжил линию, начатую Гойей , с романтическими и темпераментными изображениями, в основном портретами и жанровыми сценами; Эухенио Лукас также находился под влиянием Гойи, автора офортов на тривиальные темы и дивертисментов; Мариано Фортуни был выдающимся художником и рисовальщиком, автором около сорока офортов с сюжетами, вдохновленными его пребыванием в Марокко , такими как El árabe muerto и La familia marroquí (Мертвый араб и марокканская семья); Карлос де Хаес был известным пейзажистом, автором пятидесяти четырех гравюр, объединенных в Ensayos de grabado al aguafuerte ; Хосе Мария Гальван был предан репродукционной офортной живописи, особенно Гойи, и сотрудничал с изданием El Artista al aguafuerte . [34]
Импрессионизм был глубоко новаторским движением, которое означало разрыв с академическим искусством и трансформацию художественного языка, тем самым положив начало пути к авангардным движениям. Импрессионисты вдохновлялись природой, от которой они стремились запечатлеть визуальное «впечатление», запечатлеть мгновение на холсте — под влиянием фотографии — с помощью техники свободных мазков и ясных и светящихся тонов, которые особенно ценили свет. Возникла новая тематика, полученная из нового способа наблюдения за миром: вместе с пейзажами и морскими пейзажами, городскими и ночными видами, интерьерами с искусственным освещением, сценами кабаре , цирка и мюзик-холла , персонажами богемы , нищими, изгоями и т. д. [35]
Большое значение в этот период имело влияние на графическое искусство японской гравюры, которая широко распространилась по Западу. Японская гравюра на дереве повлияла прежде всего на использование плоских цветов, новые концепции в использовании перспективы, элегантность линий и смелость в сочетании формы и цвета. Вкус к японской гравюре был введен в основном Феликсом Бракемоном и был особенно распространен в 1880-х и 1890-х годах. Его влияние наиболее очевидно в творчестве Мэри Кассат и Анри Ривьера , а также в группе Наби — особенно Пьера Боннара — и других художников, таких как Уистлер , Мане и Фантен-Латур . Также следует отметить популяризаторскую работу журнала Le Japon Artistique , издаваемого Сэмюэлем Бингом между 1888 и 1891 годами. [36]
_1895.jpg/1280px-Lautrec_la_revue_blanche_(poster)_1895.jpg)
Стоит также упомянуть важность газетной и журнальной иллюстрации в этот период, в которой принимали участие как художники, так и графики. Некоторые художники, маргинализированные академическими кругами и официальными салонами, нашли способ опубликовать свои работы, такие как Анри де Тулуз-Лотрек , Анри-Габриэль Ибельс , Адольф Вийетт , Теофиль Александр Стейнлен , Луи Анкетен , Герман-Поль и Жан-Луи Форен . Среди этих иллюстрированных газет стоит вспомнить: Les Temps nouveaux , Le Courrier français , La Revue Blanche , L'Escarmouche и Le Chambard . [37]
В 1880-х годах, после опыта Société des aquafortistes , возникла инициатива переоценить оригинальный отпечаток не только в офорте, но и во всех техниках гравюры. С этой целью было создано Société de l'estampe originale , а также издание L'Estampe originale под руководством Огюста-Луи Лепера , которое опубликовало два альбома в 1888 и 1889 годах, которые, несмотря на свой ограниченный успех, заложили основу для большей осведомленности о художественном творчестве гравера. Членами этого общества были Феликс Бракемон, Уистлер, Джеймс Тиссо , Камиль Писсарро , Эдгар Дега , Тони Бельтран и Даниэль Вьерж . Коммерческий провал этой инициативы произошел из-за более высокой цены, полученной от оригинальной работы, поэтому начала формироваться идея, что общественность должна быть осведомлена об исключительности этого типа творений, продукта гения художника, посредством ручного, а не просто промышленного процесса. Несмотря на противоречие, что одним из отличительных признаков гравюры является ее повторение, целью было выделить оригинальный отпечаток. Так возникла техника eau-forte mobile («переменный офорт »), инициированная Людовиком-Наполеоном Лепиком , заключающаяся в том, что при каждом отпечатке пластина по-разному покрывается краской, так что из одной и той же композиции может возникнуть бесконечное количество переменных, и каждый отпечаток становится уникальным. Эти уникальные отпечатки назывались belle épreuve («редкий оттиск») и стали частью каталогов художественных галерей, как правило, в ограниченных и пронумерованных выпусках, предназначенных для коллекционеров. Хотя они начинались с офорта, позже они перешли и к литографии. Эту новую концепцию подхватило Общество художников-граверов , основанное в 1889 году и возглавляемое Феликсом Бракемоном, которое объединило художников, также интересовавшихся гравюрой как аспектом своей художественной деятельности, среди них Эдгар Дега , Огюст Роден , Одилон Редон , Джеймс Тиссо , Камиль Писсарро , Мэри Кассат , Эжен Каррьер , Марк Шагал , Эдуард Вюйар , Анри Фантен-Латур и Альбер Беснар . [38]
Одним из художников, больше всего занимавшихся гравюрой, был Эдуард Мане , которого обычно считают предимпрессионистом, автор около сотни работ, большинство из которых не были опубликованы. Поклонник Гойи и Рембрандта, в своих гравюрах он не точно воспроизводил картины или рисунки, а интерпретировал их в черно-белом цвете, ища свою собственную форму выражения. Он практиковал офорт и литографию, всегда в индивидуальном и новом ключе. Его самые творческие периоды в гравюре были 1860-1863 и 1865-1874; в первом он сделал около сорока офортов, в то время как во втором он больше сосредоточился на иллюстрациях к книгам, в основном в литографии и гильотаже. Одной из его самых известных работ является El globo , литография 1862 года, решенная в свободной и неортодоксальной манере, поэтому она не была опубликована в то время. Его «Казнь Максимилиано» (1868) была подвергнута цензуре властями. В 1874 году он создал Поличинелу , карикатуру на президента Мак-Магона , которая также была запрещена. В 1875 году он проиллюстрировал Ворона Эдгара Аллана По , а в следующем году — Послеполуденный отдых фавна Стефана Малларме . [39]
Среди импрессионистов стоит отметить графические работы Эдгара Дега , который осознавал силу гравюры как средства распространения своих работ. Он начал заниматься офортом в возрасте двадцати двух лет, хотя позже он также практиковал акватинту, литографию и монотипию . Его ранние работы показывают влияние Рембрандта, хотя его стиль развивался благодаря влиянию художников его времени, таких как Мане, Уистлер, Тиссо и Бракемон. В его работах мы можем заметить стремление к экспериментам и новаторству, а также настойчивость в работе в одиночку. В ранний период (1856-1864) он посвятил себя в основном портретной живописи, находясь под влиянием Рембрандта, Делакруа и Энгра. После нескольких лет бездействия, в 1875 году он возобновил свою графическую работу и начал изображать свои любимые сюжеты: танцовщиц, сцены в театрах и мюзик-холлах, кафе, публичные дома и туалетные сцены. Под влиянием своего друга Марселена Дебутена он затем практиковал стиль сухой иглы esquisses sur métal , который сочетал в себе гравюру и рисунок. Вскоре после этого он заинтересовался оригинальной гравюрой и монотипией, техникой, в которой он экспериментировал с различными методами, в сочетании с маслом или пастелью. В этих работах он особенно выразил свой интерес к эффектам искусственного света, которые иногда принимали почти абстрактный вид. Между 1879 и 1880 годами он экспериментировал с новыми инструментами для гравюры, такими как наждачный карандаш и угольный дуговой или электрический карандаш, с помощью которых он создавал новые тональные эффекты. Он также работал в литографии, в основном с автографической бумагой, иногда перенося монотипии. Он также использовал фотографию для получения мотивов, используя позитивы в качестве основы для своих графических композиций. С 1884 года он практически отказался от своей графической работы, которую он частично возобновил в конце 1880-х годов с литографической серией, посвященной женской обнаженной натуре. Уже в 1890-х годах он окончательно отказался от гравюры в пользу фотографии. [40]
Другие художники-импрессионисты, которые занимались гравюрой, были: Камиль Писсарро , который практиковал офорт оригинальным способом, стремясь к различным вариациям одного и того же изображения, для чего он начинал с простого эскиза сухой иглой или офортом и применял последовательные акватинты в разных состояниях и цветах; [41] Пьер-Огюст Ренуар посвятил себя прежде всего литографии, в основном воспроизведению своих живописных работ, с изображениями, которые имеют вид пастели, с округлыми объемами и сладострастной атмосферой; [42] Мэри Кассат была одним из художников, которые больше всего восприняли японское влияние — особенно Утамаро — от которого она переняла как формы, композиции и перспективы, так и цветовые схемы, все это она применила к некоторым изображениям западного контекста, в основном бытовым и семейным изображениям, отдавая предпочтение отношениям между матерями и детьми. [43]
Также следует отметить работу американского художника, проживающего в Великобритании, Джеймса Макнила Уистлера , художника интенсивного лиризма, который стремится в своих изображениях запечатлеть атмосферу и атмосферные эффекты, дневную и ночную светимость. Он практиковал офорт, литографию и сухую иглу. Он был одним из первых художников, которые гравировали непосредственно на меди, рисуя, а не покрывая металл чернилами, чтобы запечатлеть мгновение более подходящим способом, так что все его отпечатки были уникальными. [41] В 1858 году он опубликовал серию из двенадцати эскизных отпечатков парижских районов Монруж и Монмартр , а в следующем году — похожую серию с видами Темзы ; ему пришлось ждать двадцать лет своей третьей серии, на этот раз посвященной Венеции. [44]
В Германии главными художниками-импрессионистами были Макс Либерман , Ловис Коринт и Макс Слефогт . Первый перешёл от реализма к импрессионизму, создав пейзажи, портреты и крестьянские сцены; [45] Коринт также балансировал на грани реализма, импрессионизма и, в конце своей карьеры, экспрессионизма, создав обильное графическое творчество из девятисот работ в технике литографии и сухой иглы, с быстрыми и резкими мазками, некоторые из них были выполнены сериями ( Лютер , Анна Болейн , Гётц фон Берлихинген ); [46] Слефогт создал серию литографированных и гравированных иллюстраций на меди с уверенным рисунком и творческой фантазией ( Lederstrumpf Джеймса Фенимора Купера , 1906-1909). [47]
Швед Андерс Цорн практиковал офорт в спокойном и непосредственном стиле, больше заботясь о выражении, чем о техническом качестве, автор портретов, обнаженной натуры и жанровых сцен. [48]
В Испании творчество Томаса Кампусано, художника, писавшего пейзажи и морские виды в пленэристическом стиле; Рикардо де лос Риоса , репродукционного акварелиста и автора пейзажей и портретов, таких как Гарибальди и Карлос де Хаэс ; и Хуана Эспины , пейзажиста, писавшего в пленэристическом стиле. [49]
После первого поколения импрессионистов во Франции появилось несколько художников, которые, отталкиваясь от его предпосылок, эволюционировали в сторону новых форм выражения, которые обычно объединяются в два течения: неоимпрессионизм и постимпрессионизм . Первое характеризовалось техникой пуантилизма (или дивизионизма ), заключающейся в составлении работы посредством ряда точек чистых цветов, которые размещаются рядом с другими точками дополнительных цветов, сливаясь на сетчатке зрителя в новый тон. [50] Его главным представителем в области графики был Поль Синьяк , автор литографий, в которых он отражал свои живописные композиции, сосредоточенные на пейзажах, портретах и социальных сценах. [51]
Со своей стороны, постимпрессионисты переосмыслили по-своему новые технические открытия, сделанные импрессионизмом, тем самым открыв различные пути развития, имеющие большое значение для эволюции искусства в двадцатом веке. Таким образом, постимпрессионизм был не определенным стилем, а способом объединения различных художников разного знака, среди которых выделяются Винсент Ван Гог , Анри де Тулуз-Лотрек и Поль Сезанн . [52] Ван Гог был автором работ, отличавшихся сильным драматизмом и внутренней перспективой, с извилистыми и плотными мазками, интенсивным цветом, в которых он деформировал реальность, которой он придавал сказочный вид. [53] Он мало работал в области графики, из которых известны только девять литографий его голландского периода (1882-1885), обычно репродукции его работ, таких как «Едоки картофеля» (1883-1885); и офорт, сделанный в Овер-сюр-Уаз , « Портрет доктора Гаше» (1890). [54] [55]
Творчество Тулуз-Лотрека было отмечено ярко выраженной графикой. В 1886 году он начал сотрудничать с изданием Le Courrier français , для которого он делал рисунки, которые были переведены в фотореализм. Он работал в основном в цветной литографии, в которой создавал гравюры и плакаты, вдохновленные ночной жизнью Парижа (кафе, театры, кабаре), с реалистичным стилем, но с декоративным тоном, который сочетал наивность и социальную сатиру. В его изображениях появляются сцены люстр с певцами и танцорами в драматических и непропорциональных жестах, увиденных с точки зрения человека, страдающего карликовостью . В 1893 году он сделал с Анри-Габриэлем Ибельсом серию из двадцати двух литографий Le Café-Concert , на которых они изобразили самых известных артистов варьете того времени. Он также затронул тему проституции в своей серии из одиннадцати литографий Elles (1896), в которой он изображает моменты интимной близости этих женщин, которые могли бы показаться домашними интерьерами, если бы не тонкий эротизм, который он придает этим сценам. [56]
Сезанна часто считают пионером художественного авангарда 20-го века. В своих работах он структурировал композицию в геометрических формах ( цилиндр , конус и сфера ), в аналитическом синтезе реальности, предшественнике кубизма . Он практиковал литографию, в репродукциях своих работ, в основном пейзажей, портретов и ню — особенно купальщиц. [57]
Два основных движения перехода между 19 и 20 веками были модернизм и символизм . Модернизм был архитектурным движением, которое возникло около 1880 года в нескольких странах, в соответствии с которыми он получил разные названия: ар-нуво во Франции, модерн в Соединенном Королевстве, югендстиль в Германии, сецессион в Австрии, либерти в Италии и модернизм в Испании, стране, в которой выделялся каталонский модернизм . Он просуществовал до начала Первой мировой войны . [58] Этот стиль, из-за своего орнаментального характера, означал большое оживление графического и декоративного искусства, с новой концепцией, более сосредоточенной на творческом акте и на уравнивании его с остальными пластическими искусствами, до такой степени, что его создатели впервые предложили «единство искусств». Модернистский дизайн в целом предлагал переоценку внутренних свойств каждого материала с органическими формами, вдохновленными природой. [59]
Символизм был фантастическим и мечтательным стилем, который возник как реакция на натурализм реалистических и импрессионистских течений, против объективности и детального описания реальности которых они выступали против субъективности и выражения оккультизма и иррационального; против представления, вызывания или внушения. Главной характеристикой символизма был эстетизм , реакция на господствующий утилитаризм того времени и на уродство и материализм индустриальной эпохи. Напротив, символизм дал искусству и красоте собственную автономию, синтезированную в формуле Теофиля Готье «искусство ради искусства» ( L'art pour l'art ). [60]
Последняя четверть века ознаменовалась большим расцветом дизайна плаката, особенно в литографии. Великим новатором этого средства был Жюль Шере , который превратил рекламные плакаты в настоящие произведения искусства. В 1866 году он открыл литографическую мастерскую в Париже, с которой он начал большую работу над плакатами, которые выделялись своей красочностью, тщательной композицией и богатством эффектов. Его основными клиентами были парижские театры, такие как Фоли- Бержер , а также бизнесмены и торговцы. Он пошел по их стопам Эжена Грассе , который стилистически связывал плакат с ар-нуво , вдохновленным, прежде всего, природой, цветочными мотивами и орнаментальными элементами. Почти до 1890 года лишь немногие известные художники занимались плакатным искусством — следует упомянуть Эдуарда Мане ( Champfleury-Les chats , 1868) и Оноре Домье ( Entrepôt d'Ivry , 1872), — но с тех пор это стало еще одним средством выражения для любого художника. Самым выдающимся именем было имя Альфонса Мухи , чешского художника, который обосновался в Париже, где он создал великолепную графическую работу: его первым большим успехом стал плакат к пьесе «Жисмонда» Сары Бернар (1894), который так понравился актрисе, что она наняла его для создания всех своих плакатов ( Дама с камелиями , 1896; Лоренцаччо , 1896; Самаритянка , 1897; Медея , 1898; Гамлет , 1899; Тоска , 1899). Творчество Мухи было сосредоточено на женской фигуре — томной, меланхоличной фигуре с длинными волосами и струящимися платьями, украшенной драгоценностями и обрамленной растительным орнаментом. [61]
Между 1893 и 1895 годами L'estampe originale снова был опубликован под руководством Андре Марти. Они выпустили девять альбомов, где были выставлены работы семидесяти четырех художников, при содействии художественного критика Роджера Маркса. Вдохновленные английским движением Arts & Crafts , эти художники стремились к интеграции искусств и их с промышленностью, а также к переоценке декоративно-прикладного искусства. Издаваемый ежеквартально, он имел тираж в сто экземпляров; годовая подписка стоила 150 франков. Издание фокусировалось на оригинальности работ, независимо от используемой техники. Оно также поощряло эксперименты и использование новых техник (таких как gypsographie , изобретенная Пьером Рошем ; или тиснение, разработанное Александром Шарпантье ), и всячески продвигало цветную печать. Среди художников, принимавших участие в этой инициативе, были: Одилон Редон , Эжен Карьер , Пьер Боннар , Эдуард Вюйяр , Анри-Габриэль Ибельс , Морис Дени , Феликс Бракемон , Жюль Шере , Анри Фантен-Латур , Джеймс Макнил Уистлер , Камиль Писсарро , Пьер Пюви де Шаванн , Огюст Роден , Пьер Огюст Ренуар , Поль Гоген , Эмиль Бернар , Анри де Тулуз-Лотрек , Поль Синьяк , Тео ван Риссельберг , Поль Серюзье , Феликс Валлоттон , Константин Менье , Люсьен Писсарро , Виктор Пруве , Уолтер Крейн , Шарль Рикеттс , Антонио де ла Гандара , Адольф Виллетт , Огюст-Луи Лепер , Герман-Поль и Жан-Франсуа Рафаэлли . [62]
Импульс к графическому искусству, благоприятствовавшему модернизму, привел к буму в издании журналов. Одним из пионеров была британская The Studio , которая ежегодно представляла около тысячи репродукций художественных произведений всех видов. В той же стране выделялась The Yellow Book , руководимая иллюстратором Обри Винсентом Бирдслеем . В Бельгии издавались L'Art moderne и Van nu en Straks , где представлялись основные новинки модернизма и распространялись работы Виктора Орты и Генри Ван де Вельде . В Германии появились литературно-художественные журналы Pan , Jugend и Simplicissimus , которые выделялись своим критическим и сатирическим языком. В Австрии Ver Sacrum был главным органом Венского сецессиона , где сотрудничали такие художники, как Густав Климт и Коломан Мозер . В Испании барселонский Joventut публиковал ранние работы Пикассо , а также ведущих художников того времени. [63]
С символизмом связана школа Понт-Авен , художники которой питали особую склонность к литографии. В этом городе Бретон встретил между 1888 и 1894 годами ряд художников во главе с Полем Гогеном , который разработал стиль, наследующий постимпрессионизму с тенденцией к примитивизму и вкусом к экзотике, с различными влияниями, начиная от средневекового искусства и заканчивая японским искусством . Они разработали стиль, называемый синтетизмом , характеризующийся поиском формального упрощения и обращением к памяти в противовес живописи, скопированной с натуры. [64] Гоген и Эмиль Бернар создали несколько цинкографий в этот период, которые были выставлены на выставке Peintures du Groupe Impressionniste et Synthétiste, организованной в Café Volpini в Париже в 1889 году. Гоген представил одиннадцать цинкографий ( Dessins lithographiques ), а Бернар — шесть ( Les bretonneries ), показывающих пейзажи и людей Бретани в стиле синтеза. Другими членами группы, которые занимались гравюрой, были Арман Сеген , Максим Мофра и Родерик О'Конор . Позже, во время своего пребывания на Таити , Гоген практиковал гравюру на дереве, на которую он переносил свои живописные композиции того времени. [65]
Гоген и группа Понт-Авен оказали влияние на Наби , группу художников, работавших в Париже в 1890-х годах, известную интенсивным хроматизмом сильной выразительности. [66] Некоторые из ее членов занимались гравюрой, например, Морис Дени , Поль Серюзье , Эдуар Вюйар , Пьер Боннар и Феликс Валлотон . Дени был художником, иллюстратором, литографом и сценографом, а также художественным критиком. Под влиянием Энгра и Пюви де Шаванна , а также Гогена и группы Понт-Авен, и с определенными реминисценциями к Уильяму Блейку и живописи прерафаэлитов, он разработал работу с ярко выраженным сентиментализмом, которая обозначает натуралистическую и благочестивую концепцию жизни. Он иллюстрировал такие книги, как « Ответ пастушки пастуху» Эдуарда Дюжардена , «Здравомыслие » Поля Верлена , «Подражание Христу » Томаса Кемпийского или «Путешествие Уриена » Андре Жида . [67] Боннар был художником, иллюстратором и литографом. Он был превосходным рисовальщиком, с мягко очерченными фигурами, изящно выражающими самые тонкие движения. [68] Вместе с Вюйаром он разработал тематику, сосредоточенную на типе изображений социальной атмосферы, отражающих повседневную жизнь в основном в сценах интерьера, стиль, определенный критиками как «интимизм». [69] Вюйар был также художником и литографом, и, как и его друг Боннар, его работа была сосредоточена на интимности. Увлекаясь фотографией, он иногда использовал ее в качестве отправной точки для своих композиций. [70] Швейцарец Валлоттон начинал с гравюры на дереве с определенной модернистской тенденцией. Его работам свойственны эротизм и черный юмор, плоскостные обнаженные фигуры, в которых заметно влияние японского искусства, и лица, похожие на маски. [71]
Во Франции одним из главных художников-символистов был Одилон Редон , который развивал фантастическую и сказочную тему, находясь под влиянием литературы Эдгара Аллана По , которая во многом предшествовала сюрреализму . До пятидесяти лет он работал почти исключительно в угольном рисунке и литографии, хотя позже он показал себя прекрасным колористом как в масле, так и в пастели, со стилем, основанным на мягком рисунке и фосфоресцирующей раскраске. [72] Он иллюстрировал многочисленные произведения писателей-символистов, таких как Эдгар Аллан По или «Искушение Святого Антония» Гюстава Флобера (1886). [73]
В Бельгии развилась известная школа символистов, наиболее заметными из которых были Фелисьен Ропс и Джеймс Энсор . Ропс был живописцем и графиком с большим воображением, с пристрастием к темам, сосредоточенным на фантастическом и сверхъестественном, извращенности и эротизме. [74] Он иллюстрировал книги Бодлера , Малларме и Барбе д'Оревильи . [75] Он возглавлял Международное общество акварелистов, основанное в 1875 году. [76] Энсор отдавал предпочтение популярным темам, переводя их в загадочные и непочтительные сцены, абсурдные и бурлескные по характеру, с едким и едким чувством юмора, сосредоточенным на фигурах бродяг, пьяниц, скелетов, масок и карнавальных сцен. [77] Он занимался офортом, с некоторым влиянием Рембрандта, особенно в технике светотени, быстрыми, курсивными штрихами ( Собор , 1886; Уличный фонарь , 1888; Купальни Остенде , 1899). [78]
В Германии выделяется творчество Макса Клингера . В его работах можно оценить влияние Гойи и Рембрандта, а также ощутить тягу к фантастическому и тревожному. [79] Его работы, отличающиеся большой технической и стилистической сложностью, полны фантазий и символических намеков. Как художник-график он был великим новатором, особенно в офорте, в стиле, который предшествовал сюрреализму, как обозначено в его серии «Перчатка» (1881), сосредоточенной на фетишизме . [80] Главным новшеством Клингера было введение повествовательных серий — которые он называл опусами — в которых он рассказывал историю с помощью последовательных отпечатков; Примерами могут служить: «Ева и будущее» (1880), «Амур и Психея» (1880), «Промежуточные» (1881), « Драмы» (1883), «Жизнь » (1884), «Любовь» (1887), «Смерть» (1889 и 1898-1909) и «Фантазия Брамса» (1894). В своих работах он сочетал офорт, акватинту, сухую иглу, резец и литографию. У Гойи он взял моделирование в функции света, света драматических эффектов, который артикулирует сцены. Он также представил новый способ организации пространства, подчеркивая определенные мотивы в изображении, а также обрамляя изображения серией переплетенных линий в манере арабески. Его сюжеты сосредоточены на таких важных темах, как любовь и смерть, с большой долей фантазии. Он также был автором трактата о графическом искусстве « Malerei und Zeichnung» (1891). Здесь он отстаивает, например, пригодность гравюры как лучшего средства выражения фантазии и воображения, мира подсознания. [81]
Франц фон Штук был художником, гравёром, скульптором и архитектором, одним из основателей Мюнхенского сецессиона . [71] Он разработал декоративный стиль, близкий к модернизму, хотя из-за своей тематики он более символичен, с эротизмом пылкой чувственности, которая отражает концепцию женщины как олицетворения извращенности. [82]
_(8477718108).jpg/1280px-Edvard_Munch-_The_Scream_(1895,_signed_1896)_(8477718108).jpg)
Норвежец Эдвард Мунк также был великим графиком. Он создал в своих работах личную вселенную, которая отражает его экзистенциальные тревоги, в которой обозначено влияние ницшеанской философии. Его работа вращается вокруг его личных одержимостей относительно любви и секса, а также его концепции общества как враждебной и угнетающей среды. [83] В своих графических работах он находился под прямым влиянием Клингера, особенно в его мучительных и навязчивых темах, в его экзистенциальных заботах. Он начал заниматься офортом в 1892 году, во время пребывания в Берлине, результатом чего стала так называемая Папка Майера-Грефе , опубликованная в 1894 году. Между 1895 и 1897 годами он жил в Париже, где познакомился с последними техническими новшествами и находился под влиянием Мане, Тулуз-Лотрека, Ван Гога, Гогена и Уистлера, а также символистов Ропса и Редона. Он работал тогда, в дополнение к офорту, акватинте, сухой игле, литографии и автографу, и экспериментировал с черным способом на цинковых пластинах и резьбой по дереву. В 1895 году литографическая репродукция его знаменитой работы «Крик» была воспроизведена в La Revue Blanche . Во время своего пребывания в Париже он занялся темой кабаре, распространенной в постимпрессионистской среде, в стиле Дега и Тулуз-Лотрека; и он сделал несколько программ для Théâtre de l'Œuvre (« Пер Гюнт» , 1896; Джон Габриэль Боркман , 1897). После возвращения в Норвегию он прожил несколько лет в экономических трудностях, смягченных благодаря продаже своей графической продукции. Он никогда не нумеровал свои издания, оставляя за собой право делать больше тиражей в соответствии со спросом. В целом, в гравюре он следовал тем же композиционным схемам, что и в своих картинах, характеризующимся сильным контрастом между передним и задним планом, иногда с использованием ракурса. Среди его работ: «Мадонна» (1894-1895), «Канкан» (1895), «Автопортрет со скелетообразным телом» (1895), «Меланхолия I» (1896) , «Тоска » (1896), «Лунный свет» (1896), «Больная девочка» (1896) и «Поцелуй» (1897). Творчество Мунка было связано с экспрессионизмом начала XX века, одним из главных мастеров которого он считался. [84]
В Соединенном Королевстве стоит упомянуть Обри Винсента Бердслея , который был в основном рисовальщиком, характеризующимся извилистым стилем линий, очень близким к модернизму, хотя его считают символистом по выбору сюжетов, часто с сильным эротическим содержанием. Его рисунок находился под влиянием греческой вазовой живописи, с декоративным и несколько извращенным стилем, ритмичным и элегантным, легкомысленным и тяготеющим к гротеску. [85] Его любимыми сюжетами были также некоторые из наиболее повторяющихся символизма: роковая женщина , артуровский цикл и художественная вселенная вагнеровского периода . В 1891 году он проиллюстрировал книгу «Саломея» Оскара Уайльда . [86] Уолтер Крейн был художником, иллюстратором, типографом и дизайнером керамики, витражей, текстиля, ювелирных изделий и плакатов. Он начал в художественном плане в стиле прерафаэлитов, под влиянием романтика Уильяма Блейка , чей стиль, основанный на ярких линиях и арабесках, оказал сильное влияние на английский модернизм и символизм. Также решающее значение в его творчестве имели флорентийское кватроченто и японская гравюра на дереве. Он сосредоточился на литературных и мифологических темах, используя язык сказочных и сказочных символов. [87]
В Испании стоит упомянуть работы: Рохелио де Эгускисы , автора офортов на вагнеровские темы; Александр де Рикер посвятил себя в основном книжной иллюстрации и оформлению экслибрисов; [88] Мариано Фортуни-и-Мадрасо также создавал вагнеровские сцены, а также изображения Венеции, но не ее монументальных достопримечательностей, а ее маленьких уголков и повседневных сцен. [89] Стоит также упомянуть каталонский модернизм , разработанный такими художниками, как Сантьяго Русиньоль и Рамон Касас , которые разработали стиль, смешивающий натурализм и символизм, и которые были авторами гравюр и плакатов отличного качества. Эрменеджильдо Англада Камараса поселился во Франции, где он сделал несколько гравюр — в основном портретов — с динамичными линиями. Жоаким Суньер разработал стиль выразительных контуров и вызывающей воспоминания атмосферы, который он подчеркивал цветными гравюрами ( En el Moulin Rouge , 1899). [90]
_1895.jpg/1280px-Anders_Zorn_-_Souvenir-The_Guitar_(etching)_1895.jpg)
_(The_Large_Bathers)_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Paul_C%C3%A9zanne_-_Les_Baigneurs_(grande_planche)_(The_Large_Bathers)_-_Google_Art_Project.jpg)
_(Tenderness_-_Tendresse)_MET_DP834406.jpg/1280px-Madeleine_(Two_Head_-_deux_t%C3%AAtes)_(Tenderness_-_Tendresse)_MET_DP834406.jpg)
.jpg/1280px-Edvard_Munch_-_Madonna_-_Google_Art_Project_(495100).jpg)