Многонациональное население Соединенных Штатов отражается в разнообразном наборе стилей музыки . Это смесь музыки, на которую повлияла музыка Европы , коренных народов , Западной Африки , Латинской Америки , Ближнего Востока , Северной Африки и многих других мест. Наиболее известные в мире жанры страны — это традиционная поп- музыка , джаз , блюз , кантри , блюграсс , рок , рок-н-ролл , R&B , поп , хип-хоп/рэп , соул , фанк , религиозная , диско , хаус , техно , регтайм , ду-воп , фолк , американа , бугалу , техано , сёрф и сальса , а также многие другие. Американская музыка звучит во всем мире. С начала 20-го века некоторые формы американской популярной музыки приобрели почти мировую аудиторию. [1]
Коренные американцы были первыми жителями земли, которая сегодня известна как Соединенные Штаты, и играли свою первую музыку. Начиная с 17 века, поселенцы из Великобритании, Ирландии, Испании, Германии и Франции начали прибывать в больших количествах, принося с собой новые стили и инструменты. Порабощенные люди из Западной Африки приносили свои музыкальные традиции, и каждая последующая волна иммигрантов вносила свой вклад в плавильный котел .
Также есть некоторые афроамериканские влияния в музыкальной традиции европейско-американских поселенцев, такие как джаз, блюз, рок, кантри и блюграсс. В Соединенных Штатах также были задокументированы народная музыка и записана популярная музыка, созданная в этнических стилях украинской , ирландской , шотландской , польской , латиноамериканской и еврейской общин , среди прочих.
Во многих американских городах и поселках есть яркие музыкальные сцены, которые, в свою очередь, поддерживают ряд региональных музыкальных стилей. Музыкальные центры по всей стране создали и внесли свой вклад во многие отличительные стили американской музыки. Каджунские и креольские традиции в музыке Луизианы , народные и популярные стили гавайской музыки , а также блюграсс и старинная музыка юго -восточных штатов — вот несколько примеров разнообразия в американской музыке.
Музыку Соединенных Штатов можно охарактеризовать использованием синкоп и асимметричных ритмов, длинных, нерегулярных мелодий , которые, как говорят, «отражают широко открытую географию (американского ландшафта)» и «чувство личной свободы, характерное для американской жизни». [2] Некоторые отличительные аспекты американской музыки, такие как формат «вызов-ответ» , происходят от африканских техник и инструментов.
На протяжении всей более поздней части американской истории и в современности отношения между американской и европейской музыкой были темой для обсуждения среди исследователей американской музыки. Некоторые настаивали на принятии более чисто европейских техник и стилей, которые иногда воспринимаются как более утонченные или элегантные, в то время как другие настаивали на чувстве музыкального национализма, которое прославляет отчетливо американские стили. Современный исследователь классической музыки Джон Уортен Страбл противопоставил американское и европейское, заключив, что музыка Соединенных Штатов по своей сути отличается, потому что Соединенные Штаты не имели столетий музыкальной эволюции как нации. Вместо этого музыка Соединенных Штатов - это музыка десятков или сотен коренных и иммигрантских групп, все из которых развивались в значительной степени в региональной изоляции до Гражданской войны в США , когда люди со всей страны были объединены в армейские подразделения, обмениваясь музыкальными стилями и практиками. Страбл считал баллады Гражданской войны "первой американской народной музыкой с заметными чертами, которые можно считать уникальными для Америки: первой 'американской' звучащей музыкой, отличной от любого регионального стиля, происходящего из другой страны". [3]
Гражданская война и последовавший за ней период стали периодом всеобщего расцвета американского искусства , литературы и музыки. Любительские музыкальные ансамбли этой эпохи можно рассматривать как рождение американской популярной музыки. Музыкальный автор Дэвид Юэн описывает эти ранние любительские группы как сочетающие «глубину и драматизм классики с нетребовательной техникой, избегая сложности в пользу прямого выражения. Если бы это была вокальная музыка, слова были бы на английском языке, несмотря на снобов, которые объявляли английский язык неподходящим для пения. В некотором смысле, это было частью всего пробуждения Америки, которое произошло после Гражданской войны, времени, когда американские художники, писатели и «серьёзные» композиторы обращались именно к американским темам». [4] В этот период сформировались корни блюза, госпела, джаза и кантри; в 20 веке они стали ядром американской популярной музыки, которая далее развилась в такие стили, как ритм-н-блюз, рок-н-ролл и хип-хоп.
Музыка переплетается с аспектами американской социальной и культурной идентичности, в том числе через социальный класс , расу и этническую принадлежность , географию , религию , язык , пол и сексуальность . Связь между музыкой и расой, возможно, является самым мощным фактором определения музыкального смысла в Соединенных Штатах. Развитие афроамериканской музыкальной идентичности из разрозненных источников из Африки и Европы было постоянной темой в истории музыки Соединенных Штатов . Существует мало документации об афроамериканской музыке колониальной эпохи, когда стили, песни и инструменты со всей Западной Африки смешивались с европейскими стилями и инструментами, что привело к созданию новых жанров и самовыражению рабов. К середине 19-го века отчетливо афроамериканская народная традиция была хорошо известна и широко распространена, и афроамериканские музыкальные приемы, инструменты и образы стали частью мейнстримной американской музыки через спиричуэлс , шоу менестрелей и песни рабов. [5] Афроамериканские музыкальные стили стали неотъемлемой частью американской популярной музыки через блюз , джаз , ритм-энд-блюз , а затем рок-н-ролл , соул и хип-хоп ; все эти стили были потреблены американцами всех рас, но были созданы в афроамериканских стилях и идиомах, прежде чем в конечном итоге стали общими для исполнения и потребления по расовым признакам. Напротив, музыка кантри происходит как из африканских, так и из европейских, а также индейских и гавайских традиций и долгое время воспринималась как форма белой музыки. [6]
Экономические и социальные классы разделяют американскую музыку через создание и потребление музыки, например, покровительство высшего класса любителей симфоний и в целом плохие исполнители сельской и этнической народной музыки. Музыкальные разделения, основанные на классе, однако, не являются абсолютными и иногда воспринимаются так же, как и фактически; [7] популярная американская кантри-музыка, например, является коммерческим жанром, разработанным для «обращения к идентичности рабочего класса, независимо от того, являются ли ее слушатели фактически рабочим классом». [8] Кантри-музыка также переплетена с географической идентичностью и является конкретно сельской по происхождению и функции; другие жанры, такие как R&B и хип-хоп, воспринимаются как изначально городские. [9] На протяжении большей части американской истории создание музыки было «феминизированной деятельностью». [10] В 19 веке любительская игра на фортепиано и пение считались подходящими для женщин среднего и высшего класса. Женщины также были важной частью раннего исполнения популярной музыки, хотя записанные традиции быстро стали больше доминировать над мужчинами. Большинство жанров популярной музыки, в которых доминируют мужчины, включают в себя и женщин-исполнителей, часто в нише, привлекательной в первую очередь для женщин; к ним относятся гангста-рэп и хэви-метал . [11]
Соединенные Штаты часто называют плавильным котлом культур , впитывающим влияния со всего мира и создающим совершенно новые методы культурного выражения. Хотя аспекты американской музыки можно проследить до конкретных истоков, утверждение о какой-либо конкретной оригинальной культуре для музыкального элемента по своей сути проблематично из-за постоянной эволюции американской музыки посредством трансплантации и гибридизации техник, инструментов и жанров. Элементы иностранной музыки прибыли в Соединенные Штаты как через формальное спонсорство образовательных и просветительских мероприятий отдельными лицами и группами, так и через неформальные процессы, как при случайной трансплантации западноафриканской музыки через рабство и ирландской музыки через иммиграцию. Наиболее отчетливо американская музыка является результатом кросс-культурной гибридизации через тесный контакт. Рабство, например, смешало людей из многочисленных племен в тесных жилых помещениях, что привело к общей музыкальной традиции, которая была обогащена путем дальнейшей гибридизации с элементами коренной, латинской и европейской музыки. [12] Американское этническое, религиозное и расовое разнообразие также породило такие смешанные жанры, как франко-африканская музыка луизианских креолов , индейская, мексиканская и европейская музыка техано , а также полностью гибридная гитара слэк-кей и другие стили современной гавайской музыки .
Процесс трансплантации музыки между культурами не обходится без критики. Например, народное возрождение середины 20-го века присвоило музыку различных сельских народов, отчасти для продвижения определенных политических причин, что заставило некоторых усомниться в том, что этот процесс стал причиной «коммерческой коммерциализации песен других народов... и неизбежного разбавления подлости» в присвоенной музыке. Использование афроамериканских музыкальных приемов, образов и тщеславия в популярной музыке в основном белыми американцами и для них было широко распространено, по крайней мере, с середины 19-го века песен Стивена Фостера и подъема шоу менестрелей . Американская музыкальная индустрия активно пыталась популяризировать белых исполнителей афроамериканской музыки, потому что они более приемлемы для американцев мейнстрима и среднего класса. [ требуется цитата ] Этот процесс был связан с ростом таких разных звезд, как Бенни Гудмен , Эминем и Элвис Пресли , а также с популярными стилями, такими как голубоглазый соул и рокабилли . [12]
Народная музыка в США разнообразна среди многочисленных этнических групп страны. Каждое из племен коренных американцев играет свои собственные разновидности народной музыки, в основном духовной по своей природе. Афроамериканская музыка включает в себя блюз и госпел , потомков западноафриканской музыки, привезенной в Америку рабами и смешанной с западноевропейской музыкой. В колониальную эпоху в Америку были завезены английские , французские и испанские стили и инструменты. К началу 20 века Соединенные Штаты стали крупным центром народной музыки со всего мира, включая польку , украинскую и польскую скрипичную музыку , ашкенази , клезмер и несколько видов латиноамериканской музыки .
Коренные американцы играли первую народную музыку на территории нынешних Соединенных Штатов, используя самые разные стили и приемы. Однако некоторые общие черты почти универсальны для традиционной музыки коренных американцев, особенно отсутствие гармонии и полифонии , а также использование вокабул и нисходящих мелодических фигур. Традиционные инструменты используют флейту и многие виды ударных инструментов , такие как барабаны , трещотки и шейкеры . [13] С тех пор, как были установлены европейские и африканские контакты, народная музыка коренных американцев развивалась в новых направлениях, в слияниях с разрозненными стилями, такими как европейские народные танцы и музыка техано . Современная музыка коренных американцев, возможно, наиболее известна по пау-вау , панплеменным собраниям, на которых исполняются танцы и музыка в традиционном стиле. [14]
Тринадцать колоний первоначальных Соединенных Штатов были бывшими английскими владениями, и англоязычная культура стала основной основой для американской народной и популярной музыки. Многие американские народные песни идентичны британским песням в аранжировках, но с новыми текстами, часто как пародии на оригинальный материал. Американо-англоязычные песни также характеризуются меньшим количеством пентатонических мелодий, менее заметным аккомпанементом (но с более интенсивным использованием дронов ) и большим количеством мелодий в мажоре. [15] Англо-американская традиционная музыка также включает в себя различные баллады , юмористические истории и небылицы , а также песни о катастрофах, касающиеся добычи полезных ископаемых, кораблекрушений и убийств. Легендарные герои, такие как Джо Магарак , Джон Генри и Джесси Джеймс, являются частью многих песен. Народные танцы британского происхождения включают квадратный танец , произошедший от кадрили , в сочетании с американским нововведением, когда вызывающий инструктирует танцоров. [16] Религиозное сообщество, известное как шейкеры, эмигрировало из Англии в 18 веке и разработало свой собственный стиль народного танца. Их ранние песни можно датировать британскими образцами народных песен. [17] Другие религиозные общества создали свои собственные уникальные музыкальные культуры в начале американской истории, такие как музыка амишей , Harmony Society и Ephrata Cloister в Пенсильвании. [18]
Предки сегодняшнего афроамериканского населения были привезены в Соединенные Штаты в качестве рабов, работая в основном на плантациях Юга. Они были из сотен племен по всей Западной Африке, и они принесли с собой определенные черты западноафриканской музыки, включая призывный и ответный вокал и сложную ритмическую музыку, [19] а также синкопированные ритмы и меняющиеся акценты. [20] Африканский музыкальный акцент на ритмичном пении и танцах был принесен в Новый Свет, где он стал частью особой народной культуры, которая помогла африканцам «сохранить преемственность со своим прошлым через музыку». Первые рабы в Соединенных Штатах пели рабочие песни , полевые кличи [21] и, после христианизации, гимны . В 19 веке Великое Пробуждение религиозного рвения охватило людей по всей стране, особенно на Юге. Протестантские гимны, написанные в основном проповедниками Новой Англии, стали характерной чертой лагерных собраний, проводимых среди набожных христиан по всему Югу. Когда чернокожие начали петь адаптированные версии этих гимнов, их стали называть Negro spirituals . Именно из этих корней, духовных песен, рабочих песен и полевых кричалок, развились блюз, джаз и госпел.
Спиричуэлс были в первую очередь выражением религиозной веры, которую пели рабы на южных плантациях. [22] В середине-конце 19-го века спиричуэлс распространились с юга США. В 1871 году Университет Фиска стал домом для Fisk Jubilee Singers , пионерской группы, которая популяризировала спиричуэлс по всей стране. В подражание этой группе возникли госпел-квартеты, за которыми последовало увеличение разнообразия с появлением в начале 20-го века jackleg и поющих проповедников, откуда и появился популярный стиль госпел-музыки .
Блюз — это сочетание африканских рабочих песен, полевых криков и криков. [23] Он развился в сельском Юге в первом десятилетии 20-го века. Наиболее важными характеристиками блюза являются использование им блюзовой гаммы с пониженной или неопределенной терцией, а также типично плачущая лирика; хотя оба эти элемента существовали в афроамериканской народной музыке до 20-го века, кодифицированная форма современного блюза (например, со структурой AAB) не существовала до начала 20-го века. [24]
Соединенные Штаты — это плавильный котел, состоящий из многочисленных этнических групп. Многие из этих народов сохранили фольклорные традиции своей родины, часто создавая отчетливо американские стили иностранной музыки. Некоторые национальности создали местные сцены в регионах страны, где они сгруппировались, как музыка Кабо-Верде в Новой Англии , [25] армянская музыка в Калифорнии , [26] и итальянская и украинская музыка в Нью-Йорке. [27]
Креолы — это сообщество с разнообразным неанглоязычным происхождением, в основном потомки людей, которые жили в Луизиане до ее покупки США. Каджуны — это группа франкоговорящих, которые прибыли в Луизиану после того, как покинули Акадию в Канаде. [28] Город Новый Орлеан, Луизиана , будучи крупным портом, выступал в качестве плавильного котла для людей со всего Карибского бассейна. Результатом является разнообразный и синкретический набор стилей музыки каджунов и креольской музыки .
Испания, а затем Мексика контролировали большую часть того, что сейчас является западной частью Соединенных Штатов до мексикано-американской войны , включая весь штат Техас. После того, как Техас присоединился к Соединенным Штатам, коренные жители штата техано начали культурно развиваться отдельно от своих соседей на юге и оставались культурно отличными от других техасцев. Центральным моментом в эволюции ранней музыки техано было смешение традиционных мексиканских форм, таких как мариачи и корридо , и стилей континентальной Европы, введенных немецкими и чешскими поселенцами в конце 19 века. [29] В частности, аккордеон был принят народными музыкантами техано примерно в начале 20 века, и он стал популярным инструментом для музыкантов-любителей в Техасе и Северной Мексике.
Классическая музыка была завезена в Соединенные Штаты некоторыми из первых колонистов. Европейская классическая музыка коренится в традициях европейского искусства, церковной и концертной музыки. Основные нормы этой традиции развивались между 1550 и 1825 годами, сосредоточившись на том, что известно как период общей практики . Многие американские классические композиторы пытались работать полностью в рамках европейских моделей до конца 19 века. Когда Антонин Дворжак , выдающийся чешский композитор, посетил Соединенные Штаты с 1892 по 1895 год, он повторил идею о том, что американской классической музыке нужны собственные модели, а не подражание европейским композиторам; он помог вдохновить последующих композиторов на создание отчетливо американского стиля классической музыки. [30] К началу 20 века многие американские композиторы включали в свои работы разрозненные элементы, начиная от джаза и блюза и заканчивая музыкой коренных американцев.
В колониальную эпоху существовало два отдельных направления того, что сейчас считается классической музыкой. Одно было связано с композиторами-любителями и педагогами, чей стиль изначально был взят из простых гимнов и со временем приобрел изысканность. Другая колониальная традиция была в среднеатлантических городах, таких как Филадельфия и Балтимор, которые дали ряд выдающихся композиторов, работавших почти полностью в рамках европейской модели; эти композиторы были в основном англичанами по происхождению и работали в стиле выдающихся английских композиторов того времени. [31]
Классическая музыка была завезена в Соединенные Штаты в колониальную эпоху. Многие американские композиторы этого периода работали исключительно с европейскими моделями, в то время как другие, такие как Саплай Белчер и Джастин Морган , также известные как Первая школа Новой Англии , разработали стиль, почти полностью независимый от европейских моделей. [32] Среди самых ранних композиторов страны был Уильям Биллингс , который, родившись в Бостоне, сочинял патриотические гимны в 1770-х годах; [33] он также был влиятельным «как основатель американского церковного хора, как первый музыкант, использовавший тоновую трубу , и как первый, кто ввел виолончель в церковную службу». [34] Многие из этих композиторов были певцами-любителями, которые разрабатывали новые формы духовной музыки, подходящие для исполнения любителями, и часто использовали гармонические методы, которые считались бы странными по современным европейским стандартам. [35] Стили этих композиторов не были затронуты «влиянием их утонченных европейских современников», они использовали модальные или пентатонические гаммы или мелодии и избегали европейских правил гармонии. [36]
В начале 19 века Америка породила разнообразных композиторов, таких как Энтони Генрих , который сочинял в своеобразном, намеренно американском стиле и был первым американским композитором, писавшим для симфонического оркестра. Многие другие композиторы, наиболее известные из которых Уильям Генри Фрай и Джордж Фредерик Бристоу , поддерживали идею американского классического стиля, хотя их работы были очень европейской направленности. Однако именно Джон Ноулз Пейн стал первым американским композитором, принятым в Европе. Пример Пейна вдохновил композиторов Второй школы Новой Англии , в которую входили такие деятели, как Эми Бич , Эдвард Макдауэлл и Горацио Паркер . [37]
Луи Моро Готтшалк , возможно, самый запоминающийся американский композитор 19 века, по словам историка музыки Ричарда Кроуфорда, был известен тем, что «привносил в музыку для концертного зала темы и ритмы коренных народов». Музыка Готтшалка отражала культурный микс его родного города, Нового Орлеана, штат Луизиана, который был домом для множества латиноамериканских, карибских, афроамериканских, каджунских и креольских музыкальных произведений. Он был широко признан как талантливый пианист при жизни, а также был известным композитором, которым по-прежнему восхищаются, хотя его мало исполняют. [38]
Нью-йоркская классическая музыкальная сцена включала Чарльза Гриффеса , родом из Элмиры, штат Нью-Йорк , который начал публиковать свой самый новаторский материал в 1914 году. Его ранние совместные работы были попытками использовать незападные музыкальные темы. Самым известным нью-йоркским композитором был Джордж Гершвин . Гершвин был автором песен для Tin Pan Alley и бродвейских театров , и его работы находились под сильным влиянием джаза , или, скорее, предшественников джаза, которые существовали в его время. Творчество Гершвина сделало американскую классическую музыку более целенаправленной и привлекло неслыханное количество международного внимания. После Гершвина первым крупным композитором был Аарон Копленд из Бруклина, который использовал элементы американской народной музыки, хотя она оставалась европейской по технике и форме. Позже он обратился к балету, а затем к серийной музыке . [39] Чарльз Айвз был одним из первых американских классических композиторов, имевших непреходящее международное значение, создававшим музыку в уникальном американском стиле, хотя его музыка была в основном неизвестна до его смерти в 1954 году.
Многие из более поздних композиторов 20-го века, такие как Джон Кейдж , Джон Корильяно , Терри Райли , Стив Райх , Джон Адамс и Мигель дель Агила , использовали модернистские и минималистские приемы. Райх открыл прием, известный как фазирование , в котором два музыкальных действия начинаются одновременно и повторяются, постепенно рассинхронизируясь, создавая естественное чувство развития. Райх также очень интересовался не-западной музыкой, включая африканские ритмические приемы в свои композиции. [40] Современные композиторы и исполнители находятся под сильным влиянием минималистских работ Филипа Гласса , уроженца Балтимора, живущего в Нью-Йорке, Мередит Монк и других. [41]
Соединенные Штаты дали миру множество популярных музыкантов и композиторов. Начиная с рождения записанной музыки, американские исполнители продолжают лидировать в области популярной музыки, которая из «всех вкладов, сделанных американцами в мировую культуру... была принята всем миром близко к сердцу». [42] [43] Большинство историй популярной музыки начинаются с американского регтайма или Tin Pan Alley ; другие, однако, прослеживают популярную музыку до эпохи Возрождения и через широкоформатные листы , баллады и другие популярные традиции. [44] Другие авторы обычно рассматривают популярные ноты, прослеживая американскую популярную музыку до спиричуэлс , шоу менестрелей , водевилей и патриотических песен Гражданской войны.
Патриотические мирские песни Американской революции составили первый вид популярной музыки. К ним относится «The Liberty Tree» Томаса Пейна . Дешево напечатанные в виде листовок , ранние патриотические песни распространились по всем колониям и исполнялись дома и на публичных собраниях. [45] Песни файфа были особенно отмечены и исполнялись на полях сражений во время Американской революции. Самая продолжительная из этих песен файфа — « Yankee Doodle », до сих пор хорошо известная. Мелодия восходит к 1755 году и исполнялась как американскими, так и британскими войсками. [46] Патриотические песни были основаны в основном на английских мелодиях с добавлением новых текстов, осуждающих британский колониализм; другие, однако, использовали мелодии из Ирландии, Шотландии или других мест или не использовали знакомую мелодию. Песня « Hail, Columbia » была крупным произведением [47] , которое оставалось неофициальным национальным гимном до принятия « The Star-Spangled Banner ». Большая часть этой ранней американской музыки до сих пор сохранилась в Sacred Harp . Хотя Simple Gifts относительно неизвестна за пределами Shaker Communities, она была написана в 1848 году старейшиной Джозефом Брэкеттом , и с тех пор мелодия стала всемирно известной. [48]
Во время Гражданской войны, когда солдаты со всей страны смешивались, разнообразные течения американской музыки начали перекрестно опылять друг друга, процесс, которому способствовала бурно развивающаяся железнодорожная промышленность и другие технологические разработки, которые упростили путешествия и общение. Армейские подразделения включали людей со всей страны, и они быстро обменивались мелодиями, инструментами и приемами. Война стала толчком к созданию отчетливо американских песен, которые стали и оставались дико популярными. [3] Самые популярные песни эпохи Гражданской войны включали « Dixie », написанную Дэниелом Декатуром Эмметом . Песня, первоначально называвшаяся «Dixie's Land», была написана для закрытия шоу менестрелей ; она сначала распространилась в Новом Орлеане, где была опубликована и стала «одним из величайших песенных успехов периода до Гражданской войны». [49] В дополнение к популярным патриотическим песням, эпоха Гражданской войны также произвела большое количество произведений духовых оркестров . [50]
После Гражданской войны менестрель-шоу стали первой отчетливо американской формой музыкального выражения. Менестрель-шоу было коренной формой американского развлечения, состоящей из комических сценок, варьете, танцев и музыки, обычно исполняемой белыми людьми в черном гриме . Менестрель-шоу использовали афроамериканские элементы в музыкальных выступлениях, но только в упрощенном виде; сюжетные линии в шоу изображали чернокожих как прирожденных рабов и дураков, прежде чем в конечном итоге стали ассоциироваться с аболиционизмом . [51] Менестрель-шоу было изобретено Дэниелом Декатуром Эмметом и Virginia Minstrels . [52] Менестрель-шоу произвели на свет первых хорошо запомнившихся популярных авторов песен в истории американской музыки: Томаса Д. Райса , Дэниела Декатура Эммета и, что наиболее известно, Стивена Фостера . После того, как популярность менестрель-шоу сошла на нет, популярными стали песни енотов , похожее явление.
Композитор Джон Филип Суза тесно связан с самым популярным направлением в американской популярной музыке незадолго до начала 20-го века. Бывший капельмейстер оркестра морской пехоты США , Суза написал военные марши, такие как « The Stars and Stripes Forever », которые отражали его «ностальгию по [своему] дому и стране», придавая мелодии «волнующий мужественный характер». [53] [54]
В начале 20 века американский музыкальный театр был основным источником популярных песен, многие из которых оказали влияние на блюз, джаз, кантри и другие существующие стили популярной музыки. Центром развития этого стиля был Нью-Йорк, где театры Бродвея стали одними из самых известных мест в городе. Театральные композиторы и поэты-песенники, такие как братья Джордж и Айра Гершвин, создали уникальный американский театральный стиль, который использовал американскую разговорную речь и музыку. Мюзиклы включали популярные песни и динамичные сюжеты, которые часто вращались вокруг любви и романтики. [55]
Блюз — жанр афроамериканской народной музыки, который является основой для большей части современной американской популярной музыки. Блюз можно рассматривать как часть континуума музыкальных стилей, таких как кантри, джаз, регтайм и госпел; хотя каждый жанр развился в отдельные формы, их истоки часто были нечеткими. Ранние формы блюза развивались в дельте Миссисипи и вокруг нее в конце 19-го и начале 20-го веков. Самая ранняя блюзовая музыка была в основном вокальной музыкой вызова и ответа , без гармонии или аккомпанемента и без какой-либо формальной музыкальной структуры. Рабы и их потомки создали блюз, адаптировав полевые крики и вопли, превратив их в страстные сольные песни. [56] Смешанный с христианскими духовными песнями афроамериканских церквей и собраний возрождения, блюз стал основой госпел-музыки . Современный госпел начался в афроамериканских церквях в 1920-х годах в форме провозглашения верующими своей веры в импровизированной, часто музыкальной манере (свидетельствование). Такие композиторы, как Томас А. Дорси, сочиняли госпел-произведения, в которых использовались элементы блюза и джаза в традиционных гимнах и духовных песнях. [57]
.jpg/1280px-BB_King_onstage_(Toronto,_2007).jpg)
Рэгтайм изначально был стилем фортепиано, отличающимся синкопированными ритмами и хроматизмами . [24] Это в первую очередь форма танцевальной музыки, использующая шагающий бас , и, как правило, сочиняется в сонатной форме . Рэгтайм — это утонченная и развитая форма афроамериканского танца кейкуок , смешанная со стилями, начиная от европейских маршей [58] и популярных песен до джиг и других танцев, исполняемых большими афроамериканскими группами в северных городах в конце 19-го века. Самым известным исполнителем и композитором регтайма был Скотт Джоплин , известный такими произведениями, как «Maple Leaf Rag». [59]
Блюз стал частью американской популярной музыки в 1920-х годах, когда стали популярными классические блюзовые певицы, такие как Бесси Смит . В то же время звукозаписывающие компании запустили область расовой музыки , которая в основном была блюзом, ориентированным на афроамериканскую аудиторию. Самые известные из этих артистов продолжили вдохновлять большую часть более позднего популярного развития блюза и производных от блюза жанров, включая легендарного музыканта дельта-блюза Роберта Джонсона и музыканта пьемонтского блюза Блайнда Вилли МакТелла . Однако к концу 1940-х годов чистый блюз был лишь незначительной частью популярной музыки, будучи поглощенным ответвлениями, такими как ритм-энд-блюз и зарождающийся стиль рок-н-ролла. Некоторые стили электрического, фортепианного блюза, такие как буги-вуги , сохранили большую аудиторию. Блюзовый стиль госпел также стал популярным в основной Америке в 1950-х годах во главе с певицей Махалией Джексон . [60] Жанр блюза пережил крупное возрождение в 1950-х годах с чикагскими блюзовыми музыкантами, такими как Мадди Уотерс и Литтл Уолтер , [61] а также в 1960-х годах во время Британского вторжения и возрождения американской фолк-музыки , когда были заново открыты кантри-блюзовые музыканты, такие как Миссисипи Джон Хёрт и преподобный Гэри Дэвис . Знаменитые блюзовые музыканты этих периодов оказали огромное влияние на рок-музыкантов, таких как Чак Берри в 1950-х годах, а также на британские блюзовые и блюз-роковые сцены 1960-х и 1970-х годов, включая Эрика Клэптона в Британии и Джонни Винтера в Техасе.
Джаз — это разновидность музыки, характеризующаяся свинговыми и блюзовыми нотами , вокалом вызова и ответа, полиритмией и импровизацией . Хотя изначально джаз был разновидностью танцевальной музыки, он стал важной частью популярной музыки и также стал важным элементом западной классической музыки. Джаз имеет корни в западноафриканской культуре и музыкальном выражении, а также в афроамериканских музыкальных традициях, включая блюз и регтайм, а также европейскую военную музыку. [62] Ранний джаз был тесно связан с регтаймом, от которого его можно было отличить по использованию более сложной ритмической импровизации. Самые ранние джазовые группы переняли большую часть лексики блюза, включая бентовые и блюзовые ноты и инструментальные «рычания» и мазки, которые в противном случае не использовались на европейских инструментах. Корни джаза берут начало в городе Новый Орлеан, штат Луизиана , населенном каджунами и черными креолами, которые в 19 веке объединили франко-канадскую культуру каджунов со своими собственными стилями музыки. Большие креольские оркестры, игравшие на похоронах и парадах, стали основной основой раннего джаза, который распространился от Нового Орлеана до Чикаго и других северных городских центров.
Хотя джаз уже давно достиг некоторой ограниченной популярности, именно Луи Армстронг стал одной из первых популярных звезд и главной силой в развитии джаза, вместе со своим другом пианистом Эрлом Хайнсом . Армстронг, Хайнс и их коллеги были импровизаторами, способными создавать многочисленные вариации на одну мелодию. Армстронг также популяризировал скэт-пение , импровизационную вокальную технику, в которой поются бессмысленные слоги ( вокабулы ). Армстронг и Хайнс оказали влияние на возникновение своего рода поп-джаза биг-бэнда, называемого свингом . Свинг характеризуется сильной ритм-секцией, обычно состоящей из контрабаса и барабанов, средним или быстрым темпом и ритмическими приемами, такими как свинговая нота, которая характерна для большинства джазовых произведений. Свинг — это в первую очередь сплав джаза 1930-х годов с элементами блюза и Tin Pan Alley. [59] В свинге использовались более крупные группы, чем в других видах джаза, что привело к тому, что руководители групп жестко аранжировали материал, что препятствовало импровизации, ранее являвшейся неотъемлемой частью джаза. Свинг стал важной частью афроамериканского танца и стал сопровождаться популярным танцем под названием свинг-танец .
Джаз повлиял на многих исполнителей всех основных стилей более поздней популярной музыки, хотя сам джаз никогда больше не стал такой важной частью американской популярной музыки, как в эпоху свинга. Однако американская джазовая сцена конца 20-го века произвела на свет несколько популярных звезд кроссовера, таких как Майлз Дэвис . В середине 20-го века джаз превратился в различные поджанры, начиная с бибопа . Бибоп — это форма джаза, характеризующаяся быстрым темпом, импровизацией, основанной на гармонической структуре, а не на мелодии, и использованием пониженной квинты . Бибоп был разработан в начале и середине 1940-х годов, позже развившись в такие стили, как хард-боп и фри-джаз . Новаторами стиля были Чарли Паркер и Диззи Гиллеспи , которые появились в небольших джаз-клубах Нью-Йорка. [63]
Кантри-музыка — это в первую очередь сплав афроамериканского блюза и спиричуэлс с народной музыкой Аппалачей , адаптированной для поп-аудитории и популяризированной с 1920-х годов. Истоки кантри лежат в сельской южной народной музыке, которая была в основном ирландской и британской, с африканской и континентальной европейской музыкой. [64] Англо-кельтские мелодии, танцевальная музыка и баллады были самыми ранними предшественниками современного кантри, тогда известного как музыка хиллбилли . Ранний хиллбилли также заимствовал элементы блюза и черпал больше аспектов из поп-песен 19-го века, поскольку музыка хиллбилли превратилась в коммерческий жанр, в конечном итоге известный как кантри и вестерн , а затем просто кантри . [65] Самые ранние кантри-инструменты вращались вокруг европейской скрипки и африканского банджо , к которым позже добавилась гитара . [66] Струнные инструменты, такие как укулеле и стил-гитара, стали обычным явлением из-за популярности гавайских музыкальных групп в начале 20-го века. [67]
Корни коммерческой кантри-музыки обычно прослеживаются в 1927 году, когда искатель музыкальных талантов Ральф Пир записал Джимми Роджерса и The Carter Family . [69] Популярный успех был очень ограничен, хотя небольшой спрос подстегнул некоторую коммерческую запись. После Второй мировой войны возрос интерес к специальным стилям, таким как кантри, что привело к появлению нескольких крупных поп-звезд. [70] Самым влиятельным кантри-музыкантом той эпохи был Хэнк Уильямс , блюзовый кантри-певец из Алабамы. [60] [71] Он по-прежнему известен как один из величайших авторов песен и исполнителей кантри-музыки, которого считают «народным поэтом» с «хонки-тонкским чванством» и «симпатиями к рабочему классу». [72] На протяжении десятилетия грубость хонки-тонка постепенно размывалась, поскольку звучание Нэшвилла становилось все более поп-ориентированным. Такие продюсеры, как Чет Аткинс, создали звучание Нэшвилла, убрав элементы хиллбилли из инструментальной обработки и используя плавную инструментовку и передовые методы продюсирования. [73] В конце концов, большинство записей из Нэшвилла были сделаны в этом стиле, который начал включать струнные и вокальные хоры. [74]
Однако к началу 1960-х годов звучание Нэшвилла стало восприниматься многими более традиционными исполнителями и поклонниками как слишком разбавленное, что привело к появлению ряда местных сцен, таких как звучание Бейкерсфилда . Однако несколько исполнителей сохранили популярность, например, давняя культурная икона Джонни Кэш . [75] Звучание Бейкерсфилда началось в середине-конце 1950-х годов, когда исполнители, такие как Уинн Стюарт и Бак Оуэнс, начали использовать элементы западного свинга и рока, такие как брейкбит , в своей музыке. [76] В 1960-х годах исполнители, такие как Мерл Хаггард, популяризировали это звучание. В начале 1970-х годов Хаггард также был частью аутло-кантри , наряду с такими авторами-исполнителями, как Вилли Нельсон и Уэйлон Дженнингс . [63] Outlaw country был ориентирован на рок и лирически фокусировался на криминальных выходках исполнителей, в отличие от чистоплотных кантри-певцов нэшвиллского звучания. [77] К середине 1980-х годов в чартах кантри-музыки доминировали поп-певцы, наряду с зарождающимся возрождением кантри в стиле хонки-тонк с появлением таких исполнителей, как Дуайт Йоакам . 1980-е годы также ознаменовались развитием альтернативных кантри -исполнителей, таких как Uncle Tupelo , которые выступали против более поп-ориентированного стиля мейнстримного кантри. В начале 2000-х годов рок-ориентированные кантри-исполнители оставались среди самых продаваемых исполнителей в Соединенных Штатах, особенно Гарт Брукс . [78]
R&B, сокращение от ритм-энд-блюз , — это стиль, возникший в 1930-х и 1940-х годах. Ранний R&B состоял из больших ритм-групп, «громождавших позади кричащих блюзовых певцов (которым) приходилось кричать, чтобы их услышали сквозь лязг и бренчание различных электрифицированных инструментов и бурлящую ритм-секцию». [80] R&B не был широко записан и продвинут, потому что звукозаписывающие компании посчитали, что он не подходит для большинства аудиторий, особенно белых представителей среднего класса, из-за вызывающих слов и драйвовых ритмов. [81] Такие руководители оркестров, как Луи Джордан, обновили звучание раннего R&B, используя группу с небольшой духовой секцией и выдающейся ритм-инструментацией. К концу 1940-х годов у него было несколько хитов, и он помог проложить путь для современников, таких как Уайнони Харрис и Джон Ли Хукер . Многие из самых популярных песен R&B не исполнялись в разухабистой манере Джордана и его современников; вместо этого их исполняли белые музыканты, такие как Пэт Бун, в более приемлемом мейнстримовом стиле, который превратился в поп-хиты. [82] Однако к концу 1950-х годов прошла волна популярного черного блюз-рока и исполнителей R&B с влиянием кантри, таких как Чак Берри, которые приобрели беспрецедентную известность среди белых слушателей. [83] [84]
Motown Records добился большого успеха в начале и середине 1960-х годов, выпуская музыку с черными американскими корнями, которая бросала вызов расовой сегрегации в музыкальной индустрии и на потребительском рынке. Музыкальный журналист Джерри Векслер (который придумал фразу «ритм-энд-блюз») однажды сказал о Motown: «[Они] сделали то, что вы должны были бы сказать на бумаге как невозможное. Они взяли черную музыку и передали ее напрямую белым американским подросткам». Берри Горди основал Motown в 1959 году в Детройте, штат Мичиган . Это был один из немногих лейблов R&B, который стремился выйти за рамки рынка R&B (который был определенно черным в американском мышлении) и специализировался на кроссоверной музыке . Компания стала ведущим производителем (или «сборочной линией», что отсылает к ее происхождению из автогорода) популярной музыки для чернокожих к началу 1960-х годов и продавала свою продукцию как «The Motown Sound» или «The Sound of Young America», которая сочетала в себе элементы соула, фанка, диско и R&B. [86] Известные исполнители Motown включают Four Tops , the Temptations , the Supremes , Smokey Robinson , Stevie Wonder и Jackson 5. Визуальное представление было центральным для роста Motown; они уделяли больше внимания визуальным медиа, чем другие звукозаписывающие лейблы. Многие люди впервые познакомились с Motown по телевидению и в кино. Образ артистов Motown как успешных чернокожих американцев, которые держались с изяществом и апломбом, транслировал особую форму черноты среднего класса для аудитории, что было особенно привлекательно для белых. [87]
Соул-музыка — это сочетание ритм-энд-блюза и госпела, которое зародилось в конце 1950-х годов в Соединенных Штатах. Для нее характерно использование приемов госпел-музыки с большим акцентом на вокалистов и использование светских тем. Записи 1950-х годов Рэя Чарльза , Сэма Кука [ 88] и Джеймса Брауна обычно считаются началом соула. Записи Чарльза Modern Sounds (1962) представляли собой слияние соула и кантри-музыки, кантри-соула и пересекали расовые барьеры в музыке того времени. [89] Одна из самых известных песен Кука « A Change Is Gonna Come » (1964) была принята как классика и гимн Американского движения за гражданские права в 1960-х годах. [90] Согласно AllMusic , Джеймс Браун сыграл решающую роль, благодаря «страстной ярости своего вокала и сложной полиритмии своих битов», в «двух революциях в черной американской музыке. Он был одной из фигур, наиболее ответственных за превращение R&B в соул, и он был, как согласится большинство, фигурой, наиболее ответственной за превращение соул-музыки в фанк конца 60-х и начала 70-х годов». [79]
Чистый соул был популяризирован Отисом Реддингом и другими артистами Stax Records в Мемфисе, штат Теннесси . К концу 1960-х годов певица Atlantic Recording Арета Франклин стала самой популярной женщиной-соул-звездой в стране. [92] [93] Известная пением в самых разных жанрах, Франклин считается одной из величайших американских певиц всех времен. [94] Также к этому времени соул раскололся на несколько жанров, [95] под влиянием психоделического рока и других стилей. Социальное и политическое брожение 1960-х годов вдохновило таких артистов, как Марвин Гэй и Кертис Мэйфилд, на выпуск альбомов с жесткими социальными комментариями, в то время как другая разновидность стала более танцевальной музыкой, эволюционировав в фанк . Несмотря на свою предыдущую близость к политически и социально заряженным лирическим темам, Гэй помог популяризировать музыку и фанк на сексуальную и романтическую тематику, [96] в то время как его записи 70-х годов, включая Let's Get It On (1973) и I Want You (1976), помогли развить тихий штормовой звук и формат. [97] Один из самых влиятельных альбомов, когда-либо записанных, There's a Riot Goin' On (1971) группы Sly & the Family Stone , считается одним из первых и лучших примеров зрелой версии фанк-музыки, после прототипических примеров звучания в более ранних работах группы. [98] Такие исполнители, как Джил Скотт-Херон и The Last Poets, практиковали эклектичную смесь поэзии, джаз-фанка и соула, показывая критические политические и социальные комментарии с афроцентричными настроениями. Проторэп- работы Скотта-Херона , включая « The Revolution Will Not Be Televised » (1971) и «Winter in America » (1974), оказали значительное влияние на более поздних исполнителей хип-хопа [99] , в то время как его уникальное звучание с Брайаном Джексоном повлияло на исполнителей неосоула [100] .
_(cropped).jpg/1280px-MariahRAH270519-51_(49620845103)_(cropped).jpg)
В середине 1970-х годов такие блестящие и коммерческие группы, как филадельфийская соул -группа The O'Jays и голубоглазая соул- группа Hall & Oates , добились мейнстримового успеха. К концу 1970-х годов большинство музыкальных жанров, включая соул, находились под влиянием диско . С появлением влияний электромузыки и фанка в конце 1970-х и начале 1980-х годов соул-музыка стала менее сырой и более изящной, что привело к появлению жанра музыки, который снова стали называть R&B , обычно отличаемого от раннего ритм-энд-блюза, идентифицируя его как современный R&B .
Первые современные звезды R&B появились в 1980-х годах, с танцевальной поп-звездой Майклом Джексоном , певцом Принсом, на которого повлиял фанк , и волной вокалисток, таких как Тина Тернер и Уитни Хьюстон . [78] Майкл Джексон и Принс были описаны как самые влиятельные фигуры в современном R&B и популярной музыке из-за их эклектичного использования элементов из различных жанров. [101] Принс был в значительной степени ответственен за создание звучания Миннеаполиса : «смесь духовых инструментов, гитар и электронных синтезаторов, поддерживаемых устойчивым, подпрыгивающим ритмом». [102] Работа Джексона была сосредоточена на плавных балладах или танцевальной музыке с влиянием диско ; как артист, он «вытащил танцевальную музыку из диско-уныния своим сольным дебютом для взрослых 1979 года Off the Wall , объединил R&B с роком в Thriller и ввел стилизованные шаги, такие как робот и лунная походка, на протяжении своей карьеры». [103] Джексона часто называют «королем поп-музыки» за его достижения.
К 1983 году концепция кроссовера популярной музыки стала неразрывно связана с Майклом Джексоном. Thriller имел беспрецедентный успех, было продано более 10 миллионов копий только в Соединенных Штатах. К 1984 году альбом получил более 140 золотых и платиновых наград и был признан Книгой рекордов Гиннесса как самая продаваемая запись всех времен , этот титул он сохраняет и по сей день. [85] Трансляция « Billie Jean » на MTV была первой для любого чернокожего исполнителя, тем самым сломав «цветной барьер» поп-музыки на малом экране. [85] Thriller остается единственным музыкальным видео, признанным Национальным реестром фильмов . Джанет Джексон сотрудничала с бывшими коллегами Принса Джимми Джемом и Терри Льюисом на своем третьем студийном альбоме Control (1986); второй сингл альбома « Nasty » был описан как источник нового звука джек-свинга , жанра, изобретенного Тедди Райли . [101] Работа Райли над Make It Last Forever (1987) Кейта Суэта , Guy ( 1988 ) и Don't Be Cruel (1998) Бобби Брауна сделала new jack swing основным элементом современного R&B в середине 1990-х годов. [ 101] New jack swing был стилем и тенденцией вокальной музыки, часто с рэп-куплетами и драм-машинами . [60] Кроссоверная привлекательность ранних современных исполнителей R&B в мейнстримовой популярной музыке, включая работы Принса, Майкла и Джанет Джексон, Уитни Хьюстон, Тины Тернер, Аниты Бейкер и The Pointer Sisters, стала поворотным моментом для чернокожих исполнителей в этой отрасли, поскольку их успех «был, возможно, первым намеком на то, что больший космополитизм мирового рынка может привести к некоторым изменениям в облике популярной музыки». [104]
Использование мелизмы , госпел-традиции, адаптированной вокалистками Уитни Хьюстон и Мэрайей Кэри, станет краеугольным камнем современных R&B-исполнителей, начиная с конца 1980-х и на протяжении 1990-х годов. [101] R&B-хиты Уитни Хьюстон включают « All the Man That I Need » (1990) и « I Will Always Love You » (1992), позже ставшие самым продаваемым физическим синглом женской группы всех времен, с продажами более 20 миллионов копий по всему миру. Ее хит 1992 года «Телохранитель» , провел 20 недель на вершине Billboard Hot 200 , был продан тиражом более 45 миллионов копий по всему миру и остается самым продаваемым альбомом саундтреков всех времен.
Хип-хоп оказал влияние на современный R&B позже в 1980-х годах, сначала через new jack swing, а затем в связанной серии поджанров, называемых hip hop soul и neo soul . Hip hop soul и neo soul развились позже, в 1990-х годах. Характерный для работ Mary J. Blige , R. Kelly и Bobby Brown , первый представляет собой смесь современного R&B с битами хип-хопа, в то время как образы и темы гангста-рэпа могут присутствовать. Последний представляет собой более экспериментальную, более резкую и в целом менее мейнстримовую комбинацию вокала в стиле соул 1960-х и 1970-х годов с некоторым влиянием хип-хопа и получил некоторое мейнстримовое признание благодаря работам D'Angelo , Erykah Badu , Alicia Keys и Lauryn Hill . [105] Признанный критиками альбом Д'Анджело Voodoo (2000) был признан музыкальными авторами шедевром и краеугольным камнем жанра неосоул. [106] [107] [108]
Поп-музыка — жанр популярной музыки , зародившийся в своей современной форме в середине 1950-х годов в Соединенных Штатах и Великобритании . В 1950-х и 1960-х годах поп-музыка охватывала рок-н-ролл и молодежные стили, на которые он влиял. Рок и поп оставались примерно синонимами до конца 1960-х годов, после чего поп стал ассоциироваться с музыкой, которая была более коммерческой, эфемерной и доступной. Хотя большая часть музыки, которая появляется в чартах, рассматривается как поп-музыка, этот жанр отличается от музыки в чартах. Бинг Кросби был одним из первых артистов, получивших прозвище «Король песен» или «Король популярной музыки». Инди-поп , который появился в конце 1970-х годов, ознаменовал собой еще один отход от гламура современной поп-музыки, с гитарными группами, сформированными на тогдашней новой предпосылке, что можно записывать и выпускать свою собственную музыку без необходимости получения контракта на запись от крупного лейбла. [110] К началу 1980-х годов на продвижение поп-музыки сильно повлиял рост музыкальных телеканалов, таких как MTV , которые «отдавали предпочтение таким артистам, как Майкл Джексон и Мадонна , которые имели сильную визуальную привлекательность». 1980-е годы обычно помнят по увеличению использования цифровой записи , связанной с использованием синтезаторов , с синти-поп -музыкой и другими электронными жанрами с нетрадиционными инструментами, которые становились все популярнее. [111] К 2014 году поп-музыка во всем мире была пронизана электронной танцевальной музыкой . В 2018 году исследователи из Калифорнийского университета в Ирвайне пришли к выводу, что поп-музыка стала «печальнее» с 1980-х годов. Элементы счастья и яркости в конечном итоге были заменены электронными битами, что сделало поп-музыку более «печальной, но танцевальной». [112]
Рок-н-ролл развился из кантри, блюза и R&B. Точное происхождение рока и ранние влияния были предметом горячих споров и являются предметом многих исследований. Хотя рок полностью соответствует блюзовой традиции, он взял элементы из афро-карибских и латинских музыкальных приемов. [113] Рок был городским стилем, сформировавшимся в районах, где разнообразное население привело к смешению афроамериканских, латинских и европейских жанров, начиная от блюза и кантри до польки и зайдеко . [114] Рок-н-ролл впервые вошел в популярную музыку через стиль, называемый рокабилли , [115] который соединил зарождающееся звучание с элементами кантри-музыки. Исполняемый чернокожими рок-н-ролл ранее имел ограниченный успех в мейнстриме, но именно белый исполнитель Элвис Пресли первым обратился к мейнстримовой аудитории с помощью черного стиля музыки, став одним из самых продаваемых музыкантов в истории и принес рок-н-ролл аудитории по всему миру. [116]
В 1960-х годах произошло несколько важных изменений в популярной музыке, особенно в роке. Многие из этих изменений произошли во время британского вторжения , когда такие группы, как The Beatles , The Who и The Rolling Stones , [117] стали чрезвычайно популярными и оказали глубокое влияние на американскую культуру и музыку. Эти изменения включали переход от профессионально сочиненных песен к авторам-исполнителям и понимание популярной музыки как искусства , а не формы коммерции или чистого развлечения. [118] Эти изменения привели к росту музыкальных движений, связанных с политическими целями, такими как Американское движение за гражданские права и оппозиция войне во Вьетнаме . Рок был в авангарде этих изменений.
В начале 1960-х годов рок породил несколько поджанров, начиная с сёрфа . Сёрф был жанром инструментальной гитары, характеризующимся искажённым звучанием, связанным с культурой молодёжи сёрфинга Южной Калифорнии. [119] [120] Вдохновлённые лирической направленностью сёрфинга, The Beach Boys начали записываться в 1961 году с тщательно продуманным, попсовым и гармоничным звучанием. [121] [122] По мере того, как росла их слава, автор песен The Beach Boys Брайан Уилсон экспериментировал с новыми студийными приёмами и стал ассоциироваться с контркультурой . Контркультура была движением, которое охватывало политический активизм и было тесно связано с субкультурой хиппи . Хиппи ассоциировались с фолк-роком , кантри-роком и психоделическим роком . [123] Фолк и кантри-рок были связаны с ростом политизированной фолк-музыки во главе с Питом Сигером и другими, особенно на музыкальной сцене Гринвич-Виллидж в Нью-Йорке. [124] Фолк-рок вошел в мейнстрим в середине 1960-х годов, когда певец и автор песен Боб Дилан начал свою карьеру. Редактор AllMusic Стивен Томас Эрлевайн приписывает сдвиг The Beatles к интроспективному написанию песен в середине 1960-х годов влиянию Боба Дилана в то время. [125] За ним последовало несколько кантри-рок-групп и мягких, фолк-исполнителей и авторов песен. Психоделический рок был жесткой разновидностью гитарного рока, тесно связанной с городом Сан-Франциско . Хотя Jefferson Airplane была единственной местной группой, у которой был крупный национальный хит, Grateful Dead , джем-группа со вкусом кантри и блюграсс , стала знаковой частью психоделической контркультуры, связанной с хиппи, ЛСД и другими символами той эпохи. [123] Некоторые говорят, что Grateful Dead были действительно самой американской патриотической рок-группой из когда-либо существовавших; формирование и формирование культуры, которая определяет американцев сегодня. [126]
После бурных политических, социальных и музыкальных изменений 1960-х и начала 1970-х годов рок-музыка стала разнообразной. То, что раньше было отдельным жанром, известным как рок-н-ролл, превратилось в обширную категорию, называемую просто рок-музыкой , которая стала включать в себя разнообразные стили, разработанные в США, такие как панк-рок . В 1970-е годы большинство этих стилей развивались на андеграундной музыкальной сцене, в то время как основная аудитория начала десятилетие с волны авторов-исполнителей , которые черпали вдохновение в глубоко эмоциональных и личных текстах фолк-рока 1960-х годов. В тот же период произошел подъем помпезных рок- групп, блюзовых южных рок- групп и мягких звезд софт-рока . Начиная с конца 1970-х годов, рок-певец и автор песен Брюс Спрингстин стал главной звездой с гимновыми песнями и плотными, непостижимыми текстами, которые восхваляли бедный и рабочий класс. [78]
Панк был формой мятежного рока, которая началась в 1970-х годах, и была громкой, агрессивной и часто очень простой. Панк начался как реакция на популярную музыку того периода, особенно диско и арена-рок . Американские группы в этой области включали, наиболее известные, The Ramones и Talking Heads , последняя играла в более авангардном стиле, который был тесно связан с панком, прежде чем превратиться в мейнстримовую новую волну . [78] Другие крупные группы включают Blondie , Patti Smith и Television . В 1980-х годах некоторые поклонники панка и группы разочаровались в растущей популярности стиля, что привело к появлению еще более агрессивного стиля, называемого хардкор-панком . Хардкор был формой разреженного панка, состоящего из коротких, быстрых, интенсивных песен, которые обращались к недовольной молодежи, с такими влиятельными группами, как Bad Religion , Bad Brains , Black Flag , Dead Kennedys и Minor Threat . Хардкор зародился в мегаполисах, таких как Вашингтон, округ Колумбия , хотя в большинстве крупных американских городов в 1980-х годах появились свои собственные местные сцены. [127]
Хардкор, панк и гаражный рок были корнями альтернативного рока , разнообразной группы рок-поджанров, которые были явно противопоставлены мейнстримовой музыке и которые возникли из стилей панк и пост-панк. В Соединенных Штатах во многих городах развивались местные альтернативные рок-сцены, включая Миннеаполис и Сиэтл. [129] Местная сцена Сиэтла производила гранж-музыку , темный и задумчивый стиль, вдохновленный хардкором, психоделией и альтернативным роком. [130] С добавлением более мелодичного элемента в звучание таких групп, как Nirvana , Pearl Jam , Soundgarden и Alice in Chains , гранж стал невероятно популярен в Соединенных Штатах [131] в 1991 году. Три года спустя такие группы, как Green Day , The Offspring , Rancid , Bad Religion и NOFX, стали мейнстримом (со своими новыми альбомами Dookie , Smash , Let's Go , Stranger than Fiction и Punk in Drublic ) и принесли калифорнийской панк- сцене мировую известность.
Heavy metal характеризуется агрессивными, драйвовыми ритмами, усиленными и искаженными гитарами, грандиозными текстами и виртуозной инструментовкой. Истоки Heavy metal лежат в хард-рок-группах, которые взяли блюз и рок и создали тяжелое звучание, построенное на гитаре и барабанах. Первые крупные американские группы появились в начале 1970-х годов, такие как Blue Öyster Cult , KISS и Aerosmith . Однако Heavy metal оставался в значительной степени андеграундным явлением. В 1980-х годах возник первый крупный стиль поп-метала, который доминировал в чартах в течение нескольких лет, начатый металлической группой Quiet Riot и доминируемый такими группами, как Mötley Crüe и Ratt ; это был глэм-метал , сплав хард-рока и поп-музыки с шумным духом и визуальной эстетикой, вдохновленной глэмом . Некоторые из этих групп, такие как Bon Jovi , стали международными звездами. Группа Guns N' Roses обрела известность ближе к концу десятилетия благодаря имиджу, который был реакцией на эстетику глэм-метала.
К середине 1980-х годов хэви-метал разветвился в стольких разных направлениях, что фанаты, звукозаписывающие компании и фэнзины создали многочисленные поджанры. Соединенные Штаты были особенно известны одним из этих поджанров, трэш-металом , который был новаторским для таких групп, как Metallica , Megadeth , Slayer и Anthrax , причем Metallica была наиболее коммерчески успешной. [134] Соединенные Штаты были известны как одно из мест рождения дэт-метала в середине-конце 1980-х годов. Сцена Флориды была наиболее известной, с такими группами, как Death , Cannibal Corpse , Morbid Angel , Deicide и многими другими. Сейчас по всей стране существует бесчисленное множество дэт-метал и дэтграйнд-групп.
Хип-хоп — это культурное движение, частью которого является музыка. Хип-хоп-музыка по большей части сама по себе состоит из двух частей: рэпа , исполнения быстрого, очень ритмичного и лирического вокала; и диджеинга и/или продюсирования , создания инструментов посредством сэмплирования , инструментовки , тёрнтейблизма или битбоксинга , создания музыкальных звуков посредством вокализованных тонов. [135] Хип-хоп возник в начале 1970-х годов в Бронксе , Нью-Йорк. Ямайский иммигрант диджей Кул Херк широко считается прародителем хип-хопа; он привез с собой с Ямайки практику произнесения тостов за ритмы популярных песен. Изначально ведущие появились, чтобы знакомить с песнями в стиле соул, фанк и R&B, которые играли диджеи, и держать толпу в восторге и танцевать; Со временем диджеи начали выделять ударные паузы в песнях (когда ритм достигает кульминации), создавая повторяющийся бит, под который ведущие читали рэп.
.jpg/1280px-Eminem_(cropped).jpg)
В отличие от Motown, который основывал свой мейнстримовый успех на классовой привлекательности своих действий, которая делала расовую идентичность несущественной, хип-хоп 1980-х годов, особенно хип-хоп, который перешел в рок-н-ролл, основывался на своей (неявной, но выразительной) первичной идентификации с черной идентичностью. [136] К началу 1980-х годов появились популярные хип-хоп-песни, и знаменитости сцены, такие как LL Cool J , обрели мейнстримовую известность. Другие исполнители экспериментировали с политизированными текстами и социальной осведомленностью или смешивали хип-хоп с джазом, хэви-металом, техно , фанком и соулом. Новые стили появились во второй половине 1980-х годов, такие как альтернативный хип-хоп и тесно связанный с ним джаз-рэп- фьюжн, пионерами которого были такие рэперы, как De La Soul .
Гангста-рэп — это разновидность хип-хопа, наиболее характеризующаяся лирическим акцентом на сексуальности мачо, физичности и опасном образе преступника. [137] Хотя истоки гангста-рэпа можно проследить до стиля середины 1980-х годов Schoolly D из Филадельфии и Ice-T с Западного побережья , стиль расширился и стал применяться во многих различных регионах страны, к рэперам из Нью-Йорка, таким как Notorious BIG и влиятельная хип-хоп группа Wu-Tang Clan , и к рэперам с Западного побережья, таким как Too Short и NWA . Отличительная рэп-сцена Западного побережья породила звучание G-funk начала 1990-х годов , которое сочетало тексты гангста-рэпа с густым и туманным звучанием, часто из сэмплов фанка 1970-х годов ; наиболее известными сторонниками были рэперы 2Pac , Dr. Dre , Ice Cube и Snoop Dogg . Гангста-рэп продолжал оказывать значительное присутствие в американской популярной музыке до конца 1990-х и начала 21-го века.
Доминирование гангста-рэпа в мейнстримном хип-хопе было вытеснено в конце 2000-х годов, во многом из-за мейнстримного успеха хип-хоп-исполнителей, таких как Канье Уэст . [138] Результат широко разрекламированного соревнования по продажам между одновременным выпуском его и гангста-рэпера 50 Cent третьих студийных альбомов, Graduation и Curtis соответственно, с тех пор был приписан к упадку. [139] Соревнование привело к рекордным показателям продаж обоих альбомов, и Уэст превзошел 50 Cent, продав почти миллион копий Graduation только за первую неделю. [140] Наблюдатели в отрасли отмечают, что победа Уэста над 50 Cent доказала, что рэп-музыке не обязательно соответствовать условностям гангста-рэпа, чтобы быть коммерчески успешной. [141] Уэст фактически проложил путь для новой волны хип-хоп-исполнителей, включая Дрейка , Кендрика Ламара и Дж. Коула , которые не следовали шаблону хардкор - гангстеров и стали артистами, чьи альбомы стали платиновыми. [142] [143]
Jay-Z стал всемирно известной иконой хип-хопа после смерти The Notorious BIG и Тупака Шакура в середине 1990-х годов. [144] Канье Уэст был наставником Jay-Z и продюсировал его, [145] прежде чем добился аналогичного уровня успеха. [146]
.jpg/1280px-Cardi_B_at_Vogue_Taiwan_(2).jpg)
Женщины-рэперы Nicki Minaj , Cardi B , Saweetie , Doja Cat , Iggy Azalea , City Girls и Megan Thee Stallion также вошли в мейнстрим. [147] Есть много женщин, которые оказали заметное влияние на культуру хип-хопа. Однако несколько имен, которые нельзя не упомянуть, — это MC Sha-rock, MC Lyte , Queen Latifah , Lauryn Hill , Missy Elliot , Lil Kim , Erykah Badu , Foxy Brown и многие другие. Из этого списка MC Sha-rock считается историком/пионером женской культуры хип-хопа. Она начала свою карьеру как брейк-дансер в Бронксе, Нью-Йорк, а позже стала «первой женщиной-ведущей/рэпером хип-хоп культуры». [148] Ее карьера была долгой. От бывшего члена Funky 4+1 more до участия в битвах MC по рифмованию с такими группами, как Grandmaster Flash и Furious 5. Еще одним заметным пионером женского хип-хопа является знаменитая Куин Латифа, урожденная Дана Элейн Оуэнс в Ньюарке, штат Нью-Джерси. Куин Латифа начала свою карьеру в юном возрасте, в 17 лет. Но вскоре после ее начала она быстро взлетела. Она выпустила свой первый полноформатный альбом All Hail the Queen в 1989 году. [149] По мере того, как она продолжала выпускать музыку, она становилась все более и более популярной, и ее известность росла в хип-хоп-культуре. Однако Куин Латифа была не обычным рэпером. Она читала рэп о проблемах, связанных с тем, чтобы быть чернокожей женщиной, и общих проблемах социальной несправедливости, которые возникают в музыкальной индустрии. Эти ранние пионеры возглавили женскую рэп-культуру и повлияли на сегодняшних популярных женщин-хип-хоп-исполнителей. Например, такими популярными исполнителями могут быть Cardi B, Megan Thee Stallion, Miss Mulatto , Flo Milli , Cupcakke и многие другие. У каждого исполнителя есть своя собственная идентичность в рэп-игре, однако по мере развития хип-хопа меняется и стиль музыки. Первый студийный альбом Cardi B, Invasion of Privacy (2018), дебютировал на первом месте в Billboard 200 и был назван Billboard лучшим женским рэп-альбомом 2010-х годов . Получивший признание критиков, он сделал Cardi B единственной женщиной, которая выиграла премию Грэмми за лучший рэп-альбом как сольная исполнительница, и стал первым женским рэп-альбомом за пятнадцать лет, номинированным на премию « Альбом года» .
Американская музыкальная индустрия находится во власти крупных компаний, которые производят, продают и распространяют определенные виды музыки. Как правило, эти компании не производят или производят только в очень ограниченных количествах записи в стилях, которые не привлекают очень большую аудиторию. Более мелкие компании часто заполняют пустоту, предлагая широкий спектр записей в стилях от польки до сальсы . Многие небольшие музыкальные индустрии строятся вокруг основной фан-базы, которая может базироваться в основном в одном регионе, например, техано или гавайская музыка , или они могут быть широко разбросаны, например, аудитория еврейского клезмера .
Среди испаноязычных американских музыкантов, которые были пионерами на ранних этапах рок-н-ролла, были Ричи Валенс , который написал несколько хитов, наиболее известным из которых является « La Bamba », и Герман Сантьяго, написавший текст культовой рок-н-ролльной песни « Why Do Fools Fall in Love ». Песни, которые стали популярными в Соединенных Штатах и звучат в праздничный/рождественский сезон: «¿Dónde Está Santa Claus?» — это новая рождественская песня с 12-летним Оги Риосом, которая стала рекордным хитом в 1959 году при участии оркестра Марка Джеффри. « Feliz Navidad » (1970) Хосе Фелисиано — еще одна известная латиноамериканская песня.
Самая большая нишевая индустрия основана на латиноамериканской музыке. Латинская музыка долгое время влияла на американскую популярную музыку и была особенно важной частью развития джаза. Современные поп-латинские стили включают в себя широкий спектр жанров, импортированных со всей Латинской Америки, включая колумбийскую кумбию , пуэрториканский реггетон и мексиканский корридо . Латинская популярная музыка в Соединенных Штатах началась с волны танцевальных коллективов в 1930-х и 1950-х годах. Наиболее популярными стилями были конга , румба и мамбо . В 1950-х годах Перес Прадо прославил ча-ча-ча , а подъем афро-кубинского джаза открыл многим уши для гармонических, мелодических и ритмических возможностей латиноамериканской музыки. Однако самой известной американской формой латиноамериканской музыки является сальса . Сальса включает в себя множество стилей и вариаций; этот термин можно использовать для описания большинства форм популярных жанров кубинского происхождения. Однако, более конкретно, сальса относится к определенному стилю, который был разработан в середине 1970-х годов группами кубинских и пуэрториканских иммигрантов из Нью-Йорка, и стилистическими потомками, такими как сальса романтика 1980-х годов . [150] Ритмы сальсы сложны, с несколькими рисунками, исполняемыми одновременно. Ритм клаве составляет основу песен сальсы и используется исполнителями в качестве общей ритмической основы для их собственных фраз . [151]
Латиноамериканская музыка долгое время оказывала влияние на американскую популярную музыку, джаз , ритм-энд-блюз и даже кантри . Сюда входит музыка из испанских, португальских и (иногда) франкоязычных стран и территорий Латинской Америки. [152]
Сегодня американская звукозаписывающая индустрия определяет латиноамериканскую музыку как любой тип релиза с текстами песен в основном на испанском языке. [153] [154] Популярные исполнители и продюсеры, как правило, больше участвуют в песнях латиноамериканских исполнителей, а также становится более вероятным, что англоязычные песни попадают на испанское радио и наоборот.
Соединенные Штаты сыграли значительную роль в развитии электронной танцевальной музыки , в частности хауса и техно , которые зародились в Чикаго и Детройте соответственно.
Сегодня латиноамериканская музыка стала термином для музыки, исполняемой латиноамериканцами, независимо от того, содержит ли она латинский элемент или нет. Такие исполнители, как Шакира , Дженнифер Лопес , Энрике Иглесиас , Питбуль , Селена Гомес , Кристина Агилера , Глория Эстефан , Деми Ловато , Мэрайя Кэри , Бекки Джи , Паулина Рубио и Камила Кабельо , занимают видное место в поп-чартах. Иглесиас, который удерживает рекорд по количеству первых мест в чарте Billboard Hot Latin Tracks, выпустил двуязычный альбом, вдохновленный городскими исполнителями, он выпускает две совершенно разные песни в латиноамериканском и поп-форматах одновременно.
Правительство Соединенных Штатов регулирует музыкальную индустрию, обеспечивает соблюдение законов об интеллектуальной собственности , а также продвигает и собирает определенные виды музыки. Согласно американскому закону об авторском праве , музыкальные произведения, включая записи и композиции, защищаются как интеллектуальная собственность, как только они фиксируются в материальной форме. Владельцы авторских прав часто регистрируют свои работы в Библиотеке Конгресса , которая ведет коллекцию материалов. Кроме того, Библиотека Конгресса активно искала культурно и музыковедчески значимые материалы с начала 20-го века, например, отправляя исследователей для записи народной музыки. Эти исследователи включают пионера американской народной песни собирателя Алана Ломакса , чья работа помогла вдохновить возрождение корней в середине 20-го века. Федеральное правительство также финансирует Национальный фонд искусств и гуманитарных наук , который выделяет гранты музыкантам и другим артистам, Смитсоновский институт , который проводит исследовательские и образовательные программы, и Корпорацию общественного вещания , которая финансирует некоммерческие и телевизионные вещатели. [155]
Музыка долгое время влияла на политику Соединенных Штатов . Политические партии и движения часто используют музыку и песни для выражения своих идеалов и ценностей, а также для развлечения на политических мероприятиях. Президентская кампания Уильяма Генри Гаррисона была первой, которая извлекла большую пользу из музыки, после чего для основных кандидатов стало стандартной практикой использовать песни для создания общественного энтузиазма. В более поздние десятилетия политики часто выбирали тематические песни , некоторые из которых стали культовыми; например, песня «Happy Days Are Here Again» была связана с Демократической партией со времен кампании Франклина Д. Рузвельта 1932 года . Однако с 1950-х годов музыка утратила свое значение в политике, ее заменила телевизионная агитация с небольшим количеством музыки или без нее. Некоторые формы музыки стали более тесно связаны с политическим протестом, особенно в 1960-х годах. Звезды госпела, такие как Махалия Джексон, стали важными фигурами в Движении за гражданские права , в то время как американское народное возрождение помогло распространить контркультуру 1960-х годов и оппозицию войне во Вьетнаме . [156]
В Соединенных Штатах находится крупнейший в мире музыкальный рынок с общей розничной стоимостью 4,9 млрд долларов в 2014 году, [157] Американская музыкальная индустрия включает в себя ряд областей, начиная от звукозаписывающих компаний до радиостанций и общественных оркестров. Общий доход отрасли составляет около 40 млрд долларов во всем мире и около 12 млрд долларов в Соединенных Штатах. [158] Большинство крупнейших мировых звукозаписывающих компаний базируются в Соединенных Штатах; они представлены Ассоциацией звукозаписывающей индустрии Америки (RIAA). Крупнейшие звукозаписывающие компании выпускают материал артистов, которые подписали контракт с одним из их звукозаписывающих лейблов , бренд, часто связанный с определенным жанром или продюсером . Звукозаписывающие компании также могут продвигать и продавать своих артистов с помощью рекламы, публичных выступлений и концертов, а также появлений на телевидении. Звукозаписывающие компании могут быть связаны с другими музыкальными медиакомпаниями, которые производят продукт, связанный с популярной записанной музыкой. К ним относятся телевизионные каналы, такие как MTV , журналы, такие как Rolling Stone , и радиостанции. В последние годы музыкальная индустрия была втянута в хаос из-за роста скачивания из Интернета музыки, защищенной авторским правом ; многие музыканты и RIAA пытались наказать фанатов, которые незаконно скачивают музыку, защищенную авторским правом. [159]
Радиостанции в Соединенных Штатах часто транслируют популярную музыку. Каждая музыкальная станция имеет формат или категорию песен для воспроизведения; они, как правило, похожи, но не совпадают с обычной общей классификацией. Многие радиостанции в Соединенных Штатах принадлежат и управляются местными жителями и могут предлагать эклектичный ассортимент записей; многие другие станции принадлежат крупным компаниям, таким как Clear Channel , и, как правило, отформатированы в меньших, более повторяющихся плейлистах . Коммерческие продажи записей отслеживаются журналом Billboard , который составляет ряд музыкальных чартов для различных областей продаж записанной музыки. Billboard Hot 100 является главным чартом поп-музыки для синглов , записей, состоящих из нескольких песен; более длинные поп-записи являются альбомами и отслеживаются Billboard 200. [ 160] Хотя записанная музыка является обычным явлением в американских домах, большая часть доходов музыкальной индустрии поступает от небольшого числа преданных; например, 62% продаж альбомов поступает от менее чем 25% аудитории, покупающей музыку. [161] Общий объем продаж компакт-дисков в Соединенных Штатах в 2005 году превысил 705 миллионов единиц, а продажи синглов составили чуть менее трех миллионов. [162]
Хотя крупные звукозаписывающие компании доминируют в американской музыкальной индустрии, независимая музыкальная индустрия ( инди-музыка ) все же существует. Большинство инди-лейблов имеют ограниченную, если вообще имеют, розничную дистрибуцию за пределами небольшого региона. Иногда артисты записываются для инди-лейбла и получают достаточно признания, чтобы подписать контракт с крупным лейблом; другие предпочитают оставаться на инди-лейбле на протяжении всей своей карьеры. Инди-музыка может быть в стилях, в целом схожих с мейнстримовой музыкой, но часто она недоступна, необычна или иным образом непривлекательна для многих людей. Инди-музыканты часто выпускают некоторые или все свои песни в Интернете, чтобы поклонники и другие могли их скачать и послушать. [159] Помимо записывающихся артистов многих видов, в Соединенных Штатах существует множество областей профессиональной музыкальности, многие из которых редко записываются, включая общественные оркестры, свадебные певцы и группы, лаунж-певцы и диджеи ночных клубов. Американская федерация музыкантов является крупнейшим американским профсоюзом профессиональных музыкантов. Однако только 15% членов Федерации имеют постоянную музыкальную работу. [163]
Музыка является важной частью образования в Соединенных Штатах и является частью большинства или всех школьных систем в стране. Музыкальное образование, как правило, является обязательным в государственных начальных школах и является факультативом в более поздних годах. [164]
Научное изучение музыки в Соединенных Штатах включает в себя работу, связывающую музыку с социальным классом, расовой, этнической и религиозной идентичностью, полом и сексуальностью, а также исследования истории музыки, музыковедения и других тем. Академическое изучение американской музыки можно проследить до конца 19 века, когда такие исследователи, как Элис Флетчер и Фрэнсис Ла Флеш, изучали музыку народов Омаха , работая в Бюро американской этнологии и Музее археологии и этнологии Пибоди . В 1890-х годах и в начале 20 века музыковедческие записи делались среди коренных, испаноязычных, афроамериканских и англо-американских народов Соединенных Штатов. Многие работали в Библиотеке Конгресса , сначала под руководством Оскара Соннека , начальника музыкальных отделов библиотеки. [165] В число этих исследователей входили Роберт У. Гордон, основатель Архива американской народной песни , и Джон и Алан Ломакс ; Алан Ломакс был самым выдающимся из нескольких собирателей народных песен, которые помогли вдохновить возрождение корней американской народной культуры в 20 веке. [166]
Научный анализ американской музыки начала 20-х годов имел тенденцию интерпретировать европейские классические традиции как наиболее достойные изучения, в то время как народная, религиозная и традиционная музыка простых людей принижалась как низкопробная и имеющая небольшую художественную или социальную ценность. Американская музыкальная история сравнивалась с гораздо более длительной исторической летописью европейских стран и была признана неудовлетворительной, что побудило таких авторов, как композитор Артур Фарвелл, задуматься о том, какие музыкальные традиции могут возникнуть из американской культуры, в его работе 1915 года «Музыка в Америке» . В 1930 году «Наша американская музыка » Джона Таскера Говарда стала стандартным анализом, в основном сосредоточенным на концертной музыке, написанной в Соединенных Штатах. [167] После анализа музыковеда Чарльза Сигера в середине 20-го века американская музыкальная история часто описывалась как тесно связанная с восприятием расы и происхождения. Согласно этой точке зрения, разнообразное расовое и этническое происхождение Соединенных Штатов способствовало возникновению чувства музыкального разделения между расами, в то же время способствуя постоянной аккультурации, поскольку элементы европейской, африканской и местной музыки перемещались между областями. [165] « Музыка Америки от пилигримов до наших дней » Гилберта Чейза была первой крупной работой, изучающей музыку всех Соединенных Штатов и признающей народные традиции более культурно значимыми, чем музыка для концертного зала. Анализ Чейзом разнообразной американской музыкальной идентичности оставался доминирующей точкой зрения среди академического истеблишмента. [167] Однако до 1960-х и 1970-х годов большинство музыкальных ученых в Соединенных Штатах продолжали изучать европейскую музыку, ограничиваясь только определенными областями американской музыки, особенно классическими и оперными стилями европейского происхождения, а иногда и афроамериканским джазом. Более современные музыковеды и этномузыкологи изучали предметы, начиная от национальной музыкальной идентичности и заканчивая индивидуальными стилями и приемами конкретных сообществ в определенное время американской истории. [165] Известные недавние исследования американской музыки включают «Музыку в Новом Свете» Чарльза Хэмма ( 1983) и «Музыкальную жизнь Америки » Ричарда Кроуфорда (2001). [168]
Музыка является важной частью нескольких американских праздников, особенно играя главную роль в зимнем праздновании Рождества . Музыка праздника включает как религиозные песни, такие как " O Holy Night ", так и светские песни, такие как " Jingle Bells ". Патриотические песни, такие как национальный гимн " The Star-Spangled Banner ", являются важной частью празднования Дня независимости . Музыка также играет роль во многих региональных праздниках, которые не отмечаются по всей стране, наиболее известный из которых - Марди Гра , музыкальный и танцевальный парад и фестиваль в Новом Орлеане, штат Луизиана .
Соединенные Штаты являются домом для многочисленных музыкальных фестивалей , которые демонстрируют стили от блюза и джаза до инди-рока и хэви-метала. Некоторые музыкальные фестивали строго локальны по своему охвату, включают мало или вообще не включают исполнителей с национальной репутацией, и обычно проводятся местными промоутерами. Крупные звукозаписывающие компании проводят собственные музыкальные фестивали, такие как Lollapalooza и Ozzfest , которые собирают огромные толпы.
По региону :
{{cite web}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link) CS1 maint: numeric names: authors list (link)Американская звукозаписывающая индустрия определяет латиноамериканскую музыку как любой релиз с текстами, в основном на испанском языке.
{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
