Пейзажная живопись , также известная как ландшафтное искусство , — это изображение в живописи природных пейзажей, таких как горы, долины, реки, деревья и леса , особенно там, где основным предметом является широкий вид — с его элементами, организованными в связную композицию . В других работах пейзажные фоны для фигур все еще могут составлять важную часть работы. Небо почти всегда включено в вид, а погода часто является элементом композиции. Подробные пейзажи как отдельный предмет встречаются не во всех художественных традициях и развиваются, когда уже существует сложная традиция представления других предметов. [1]
Две основные традиции берут начало в западной живописи и китайском искусстве , в обоих случаях им более тысячи лет. Признание духовного элемента в ландшафтном искусстве присутствует с самого начала в восточноазиатском искусстве, черпая вдохновение в даосизме и других философских традициях, но на Западе становится явным только с романтизмом .
Пейзажные виды в искусстве могут быть полностью воображаемыми или скопированными с реальности с различной степенью точности. Если основная цель картины — изобразить реальное, определенное место, особенно включая здания на видном месте, то это называется топографическим видом . [2] Такие виды, чрезвычайно распространенные в виде гравюр на Западе, часто рассматриваются как уступающие пейзажам изобразительного искусства, хотя это различие не всегда имеет смысл; похожие предрассудки существовали и в китайском искусстве, где литераторы обычно изображали воображаемые виды, в то время как профессиональные художники рисовали реальные виды. [3]
Слово «landscape» вошло в современный английский язык как landskip (в разных вариантах написания), англицизация голландского landschap , примерно в начале 17-го века, исключительно как термин для обозначения произведений искусства, с его первым использованием в качестве слова для обозначения картины в 1598 году. [4] В течение нескольких десятилетий оно использовалось для описания перспектив в поэзии, [5] и в конечном итоге как термин для обозначения реальных видов. Однако родственный термин landscaef или landskipe для расчищенного участка земли существовал в древнеанглийском языке , хотя он не зафиксирован в среднеанглийском языке . [6]
Самые ранние формы искусства по всему миру изображают мало того, что можно было бы назвать пейзажем, хотя линии земли и иногда указания на горы, деревья или другие природные особенности включены. Самые ранние «чистые пейзажи» без человеческих фигур — это фрески минойского искусства около 1500 г. до н. э. [7]
Сцены охоты, особенно те, что происходят в закрытом пространстве тростниковых зарослей дельты Нила в Древнем Египте, могут дать сильное ощущение места, но акцент делается на отдельных формах растений и фигурах людей и животных, а не на общей обстановке ландшафта. Известным примером являются фрески из гробницы Небамуна , которая сейчас находится в Британском музее (ок. 1350 г. до н. э.).
Для связного изображения целого ландшафта необходима некоторая грубая система перспективы или масштабирования для расстояния, и, судя по литературным свидетельствам, это впервые было разработано в Древней Греции в эллинистический период, хотя крупномасштабных примеров не сохранилось. Более древние римские пейзажи сохранились с 1-го века до н. э. и далее, особенно фрески пейзажей, украшающие комнаты, которые сохранились на археологических раскопках Помпеи , Геркуланума и других мест, а также мозаики . [8]
_-_right_hand_screen.jpg/1280px-Hasegawa_Tohaku_-_Pine_Trees_(Sh%C5%8Drin-zu_by%C5%8Dbu)_-_right_hand_screen.jpg)
Китайская традиция живописи тушью шань-шуй («гора-вода»), или «чистый» пейзаж, в которой единственным признаком человеческой жизни обычно является мудрец или проблеск его хижины, использует сложные пейзажные фоны для изображения объектов, и пейзажное искусство этого периода сохраняет классический и часто подражаемый статус в китайской традиции.
Как римская, так и китайская традиции обычно показывают грандиозные панорамы воображаемых ландшафтов, обычно на заднем плане с рядом впечатляющих гор — в Китае часто с водопадами, а в Риме часто с морем, озерами или реками. Они часто использовались, как в проиллюстрированном примере, чтобы перекинуть мост между сценой на переднем плане с фигурами и отдаленной панорамной перспективой, что было постоянной проблемой для художников-пейзажистов. Китайский стиль обычно показывал только отдаленный вид или использовал мертвую землю или туман, чтобы избежать этой трудности.
Главным отличием между пейзажной живописью на Западе и в Восточной Азии было то, что в то время как на Западе до 19 века она занимала низкое положение в принятой иерархии жанров , в Восточной Азии классическая китайская горно-водная живопись тушью традиционно была самой престижной формой визуального искусства. Эстетические теории в обоих регионах придавали наивысший статус работам, которые, как считалось, требовали от художника наибольшего воображения. На Западе это была историческая живопись , но в Восточной Азии это был воображаемый пейзаж, где известные практики были, по крайней мере, в теории, любителями -литераторами , включая нескольких императоров как Китая, так и Японии. Они часто были также поэтами, чьи строки и образы иллюстрировали друг друга. [9]
Однако на Западе историческая живопись стала требовать обширного ландшафтного фона там, где это было уместно, поэтому эта теория не полностью препятствовала развитию пейзажной живописи — на протяжении нескольких столетий пейзажи регулярно повышались до статуса исторической живописи путем добавления небольших фигурок для создания повествовательной сцены, как правило, религиозной или мифологической.
В раннем западном средневековом искусстве интерес к пейзажу почти полностью исчезает, сохраняясь только в копиях позднеантичных произведений, таких как Утрехтская Псалтырь ; последняя переработка этого источника в ранней готической версии сводит ранее обширные пейзажи к нескольким деревьям, заполняющим пробелы в композиции, без ощущения общего пространства. [10] Возрождение интереса к природе первоначально в основном проявилось в изображениях небольших садов, таких как Hortus Conclusus или гобеленов millefleur . Фрески с работающими или играющими на фоне густых деревьев фигурами во Дворце Пап в Авиньоне, вероятно, являются уникальным пережитком того, что было обычным предметом. [11] Несколько фресок садов сохранились из римских домов, таких как Вилла Ливии . [12]
В XIV веке Джотто ди Бондоне и его последователи начали признавать природу в своих работах, все чаще вводя элементы пейзажа в качестве фоновой обстановки для действия фигур в своих картинах. [13] В начале XV века пейзажная живопись утвердилась как жанр в Европе, как обстановка для человеческой деятельности, часто выраженная в религиозной теме, такой как темы Отдыха на пути в Египет , Путешествия волхвов или Святого Иеронима в пустыне . Роскошные иллюминированные рукописи были очень важны в раннем развитии пейзажа, особенно серии Трудов месяцев, такие как те, что в Великолепном часослове герцога Беррийского , которые традиционно показывали небольшие жанровые фигуры в более крупных пейзажных обстановках. Особый прогресс показан в менее известных Туринско-Миланских часах , которые сейчас в значительной степени уничтожены пожаром, чьи разработки были отражены в ранней нидерландской живописи до конца столетия. Художник, известный как «Hand G», вероятно, один из братьев Ван Эйк , был особенно успешен в воспроизведении эффектов света и в кажущемся естественным переходе от переднего плана к дальнему виду. [14] Это было то, что другие художники считали трудным в течение столетия или больше, часто решая проблему, показывая пейзажный фон сверху парапета или подоконника, как будто со значительной высоты. [15]
Пейзажные фоны для различных видов живописи становились все более заметными и искусными в течение 15-го века. Период около конца 15-го века видел чистые пейзажные рисунки и акварели от Леонардо да Винчи , Альбрехта Дюрера , Фра Бартоломео и других, но чистые пейзажные сюжеты в живописи и гравюре , все еще небольшие, были впервые созданы Альбрехтом Альтдорфером и другими представителями немецкой Дунайской школы в начале 16-го века. [16] Однако внешние части крыльев триптиха Герарда Давида , датированные «около 1510–1515 гг.», являются самыми ранними из Нидерландов , и, возможно, в Европе. [17] В то же время Иоахим Патинир в Нидерландах разработал « мировой пейзаж » — стиль панорамного пейзажа с маленькими фигурами и использованием высокой воздушной точки обзора, который оставался влиятельным в течение столетия, использовался и совершенствовался Питером Брейгелем Старшим . Итальянская разработка тщательно продуманной системы графической перспективы теперь была известна по всей Европе, что позволяло очень эффективно изображать большие и сложные виды.
Пейзажи были идеализированы, в основном отражая пасторальный идеал, почерпнутый из классической поэзии, который впервые был полностью выражен Джорджоне и молодым Тицианом , и оставался связанным прежде всего с холмистым лесистым итальянским пейзажем, который изображали художники из Северной Европы, которые никогда не были в Италии, так же как простые литераторы в Китае и Японии рисовали головокружительные горы. Хотя часто молодых художников поощряли посещать Италию, чтобы увидеть итальянский свет , многие североевропейские художники могли зарабатывать себе на жизнь, продавая итальянские пейзажи, даже не утруждая себя поездкой. Действительно, определенные стили были настолько популярны, что стали формулами, которые можно было копировать снова и снова. [18]
Публикация в Антверпене в 1559 и 1561 годах двух серий из 48 гравюр ( Маленькие пейзажи ) по рисункам анонимного художника, которого называли Мастером малых пейзажей, ознаменовала переход от воображаемых, далеких пейзажей с религиозным содержанием мирового пейзажа к крупным планам на уровне глаз узнаваемых загородных поместий и деревень, населенных фигурами, занятыми повседневной деятельностью. Отказавшись от панорамной точки зрения мирового пейзажа и сосредоточившись на скромном, сельском и даже топографическом, Маленькие пейзажи заложили основу для нидерландской пейзажной живописи в 17 веке. После публикации Маленьких пейзажей пейзажисты в Нидерландах либо продолжили работать с мировым пейзажем, либо следовали новому режиму, представленному Маленькими пейзажами. [19]
Популярность экзотических пейзажных сцен можно увидеть в успехе художника Франса Поста , который провел остаток своей жизни, рисуя бразильские пейзажи после поездки туда в 1636–1644 годах. Другие художники, которые никогда не пересекали Альпы, могли зарабатывать деньги, продавая пейзажи Рейнской области , а третьи — создавая фантастические сцены для конкретного заказа, например, вид Смеренбурга Корнелиса де Мана в 1639 году.
Были разработаны композиционные формулы с использованием таких элементов, как репуссуар , которые остаются влиятельными в современной фотографии и живописи, в частности, Пуссеном [20] и Клодом Лорреном , французскими художниками, жившими в Риме 17 века и писавшими в основном классические сюжеты или библейские сцены, расположенные в тех же ландшафтах. В отличие от своих голландских современников, итальянские и французские пейзажисты по-прежнему чаще всего хотели сохранить свою классификацию в иерархии жанров как историческая живопись , включая небольшие фигуры для представления сцен из классической мифологии или Библии. Сальватор Роза придал своим пейзажам живописное волнение, показав более дикую южноитальянскую страну, часто населенную бандитами . [21]
Голландская живопись Золотого века XVII века ознаменовалась резким ростом пейзажной живописи, в которой специализировались многие художники, и развитием чрезвычайно тонких реалистических техник для изображения света и погоды. Существуют различные стили и периоды, а также поджанры морской и животной живописи, а также особый стиль итальянского пейзажа. Большинство голландских пейзажей были относительно небольшими, но пейзажи во фламандской барочной живописи , все еще обычно населенные, часто были очень большими, прежде всего в сериях работ, которые Питер Пауль Рубенс писал для своих собственных домов. Пейзажные гравюры также были популярны, причем работы Рембрандта и экспериментальные работы Геркулеса Сегерса обычно считались лучшими.
Голландцы, как правило , писали картины меньшего размера для домов поменьше. Некоторые голландские пейзажные особенности, названные в инвентарях того периода, включают Batalje , или сцену битвы; [22] Maneschijntje , [23] или лунную сцену; Bosjes , [24] или лесную сцену; Boederijtje , или фермерскую сцену, [25] и Dorpje , или деревенскую сцену. [26] Хотя в то время это не было названо как конкретный жанр, популярность римских руин вдохновила многих голландских пейзажистов того периода рисовать руины своего собственного региона, такие как монастыри и церкви, разрушенные после Бельденшторма . [ 27]
Якоб ван Рейсдал считается самым разносторонним из всех голландских пейзажистов Золотого века. [28] Популярность пейзажей в Нидерландах отчасти была отражением фактического исчезновения религиозной живописи в кальвинистском обществе и упадка религиозной живописи в XVIII и XIX веках по всей Европе в сочетании с романтизмом , что дало пейзажам гораздо более важное и престижное место в искусстве XIX века, чем они предполагали ранее.
В Англии пейзажи изначально были в основном фоном для портретов, как правило, предполагая парки или поместья землевладельца, хотя в основном они были написаны в Лондоне художником, который никогда не посещал холмистые акры своего натурщика. Английская традиция была основана Антонисом ван Дейком и другими в основном фламандскими художниками, работавшими в Англии, но в XVIII веке работы Клода Лоррена были тщательно собраны и оказали влияние не только на картины пейзажей, но и на английские ландшафтные сады Кэпэбилидж Брауна и других.
В XVIII веке акварельная живопись, в основном пейзажи, стала английской специальностью, с оживленным рынком для профессиональных работ и большим количеством художников-любителей, многие из которых следовали популярным системам, найденным в книгах Александра Козенса и других. К началу XIX века английские художники с самой высокой современной репутацией были в основном преданными пейзажистами, показывающими широкий спектр романтических интерпретаций английского пейзажа, найденных в работах Джона Констебля , Дж. М. У. Тернера и Сэмюэла Палмера . Однако все они с трудом утвердились на современном рынке искусства, который по-прежнему предпочитал исторические картины и портреты. [29]
В Европе, как сказал Джон Раскин [30] и подтвердил сэр Кеннет Кларк , пейзажная живопись была «главным художественным творением девятнадцатого века» и «господствующим искусством», в результате чего в последующий период люди были «склонны предполагать, что восприятие природной красоты и рисование пейзажей являются нормальной и постоянной частью нашей духовной деятельности» [31]. В анализе Кларка основными европейскими способами преобразования сложности ландшафта в идею были четыре фундаментальных подхода: принятие описательных символов, любопытство к фактам природы, создание фантазии для смягчения глубоко укоренившихся страхов перед природой и вера в Золотой Век гармонии и порядка, который можно восстановить.
XVIII век также был великим веком топографической печати, изображавшей более или менее точно реальный вид так, как редко делала пейзажная живопись. Изначально они были в основном сосредоточены на здании, но в течение столетия, с ростом романтического движения, чистые пейзажи стали более распространенными. Топографическая печать, часто предназначенная для того, чтобы быть в рамке и повешенной на стену, оставалась очень популярным средством в XX веке, но часто классифицировалась как более низкая форма искусства, чем воображаемый пейзаж.
Пейзажи акварелью на бумаге стали отдельной специализацией, прежде всего в Англии, где развилась особая традиция талантливых художников, которые только или почти полностью рисовали пейзажи акварелью, чего не произошло в других странах. Очень часто это были реальные виды, хотя иногда композиции корректировались для достижения художественного эффекта. Картины продавались относительно дёшево, но их было гораздо быстрее создавать. Эти профессионалы могли увеличить свой доход, обучая «армии любителей», которые также рисовали. [32]
Ведущими художниками были Джон Роберт Козенс , Фрэнсис Таун , Томас Гиртин , Майкл Анджело Рукер , Уильям Парс , Томас Хирн и Джон Уорик Смит , все в конце 18-го века, а также Джон Гловер , Джозеф Мэллорд Уильям Тернер , Джон Варли , Джон Селл Котман , Энтони Копли Филдинг , Сэмюэл Палмер в начале 19-го века. [33]
Романтическое движение усилило существующий интерес к ландшафтному искусству, и отдаленные и дикие ландшафты, которые были одним из повторяющихся элементов в более раннем ландшафтном искусстве, теперь стали более заметными. Немец Каспар Давид Фридрих имел отличительный стиль, на который повлияло его датское обучение , где развился особый национальный стиль, опирающийся на голландский пример 17-го века. К этому он добавил квазимистический романтизм. Французские художники медленнее развивали пейзажную живопись, но примерно с 1830-х годов Жан-Батист-Камиль Коро и другие художники Барбизонской школы основали французскую пейзажную традицию, которая станет самой влиятельной в Европе на столетие, с импрессионистами и постимпрессионистами, впервые сделавшим пейзажную живопись основным источником общих стилистических инноваций во всех типах живописи.
Национализм новых Соединенных провинций был фактором популярности голландской пейзажной живописи 17-го века, а в 19-м веке, когда другие нации пытались развить отличительные национальные школы живописи, попытка выразить особую природу ландшафта родины стала общей тенденцией. В России, как и в Америке, гигантский размер картин сам по себе был националистическим заявлением. В Польше главными представителями пейзажной живописи во второй половине 19-го века были Максимилиан Герымский , Юзеф Хелмоньский и Станислав Масловский [34] [35] [36]
В Испании главным пропагандистом жанра был родившийся в Бельгии художник Карлос де Хаес , один из самых активных профессоров пейзажа в Академии изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде с 1857 года. После обучения у великих фламандских мастеров пейзажа он разработал свою технику рисования на открытом воздухе. [37] Вернувшись в Испанию, Хаес брал своих учеников с собой рисовать в сельской местности; под его руководством «художники размножались и использовали преимущества новой железнодорожной системы, чтобы исследовать самые дальние уголки рельефа страны». [38] [39]
В Соединенных Штатах Школа реки Гудзон , известная в середине и конце 19 века, вероятно, является самым известным местным развитием в ландшафтном искусстве. Эти художники создавали работы гигантских масштабов, которые пытались запечатлеть эпический размах ландшафтов, которые их вдохновляли. Творчество Томаса Коула , общепризнанного основателя школы, имеет много общего с философскими идеалами европейской пейзажной живописи — своего рода светской верой в духовные преимущества, которые можно получить от созерцания природной красоты. Некоторые из более поздних художников Школы реки Гудзон, такие как Альберт Бирштадт , создавали менее утешительные работы, которые делали больший акцент (с большой долей романтического преувеличения) на грубой, даже ужасающей силе природы. Фредерик Эдвин Чёрч , ученик Коула, синтезировал идеи своих современников с идеями европейских старых мастеров и трудами Джона Раскина и Александра фон Гумбольдта, чтобы стать выдающимся американским пейзажистом века. [40] Лучшие образцы канадского ландшафтного искусства можно найти в работах «Группы семи» , выдающейся в 1920-х годах. [41]
Хотя в период после Первой мировой войны их влияние, безусловно, снизилось, многие выдающиеся художники по-прежнему писали пейзажи в самых разных стилях, примером которых являются Эдвард Мунк , Джорджия О'Киф , Чарльз Э. Берчфилд , Нил Уэлливер , Алекс Кац , Милтон Эвери , Питер Дойг , Эндрю Уайет , Дэвид Хокни и Сидни Нолан .
,_watercolor_on_paper,_1909.jpeg/1280px-Stanis%C5%82aw_Mas%C5%82owski_(1853-1926,_%C5%81ubin_-_Droga_polna_(Lupin_-_A_Cart_way),_watercolor_on_paper,_1909.jpeg)
Пейзажная живопись была названа «величайшим вкладом Китая в искусство мира» [44], и обязана своим особым характером даосской (даосской) традиции в китайской культуре. [45] Уильям Уотсон отмечает, что «было сказано, что роль пейзажного искусства в китайской живописи соответствует роли обнаженной натуры на Западе, как темы, неизменной самой по себе, но ставшей средством выражения бесконечных нюансов видения и чувств». [46]
Начиная с династии Хань, все более сложные фоны пейзажей используются для изображения объектов, изображающих охоту, земледелие или животных , причем сохранившиеся примеры в основном представлены в виде каменных или глиняных рельефов из гробниц, которые, как предполагается, следуют преобладающим стилям в живописи, без сомнения, не передавая полного эффекта оригинальных картин. [47] Точный статус более поздних копий известных работ известных художников (многие из которых зафиксированы в литературе) до 10-го века неясен. Одним из примеров является известная картина 8-го века из императорской коллекции под названием « Император Мин Хуан путешествует в Шу» . На ней изображена свита, едущая через головокружительные горы, типичные для более поздних картин, но она выполнена в полном цвете, «создавая общий рисунок, который почти персидский», в том, что, очевидно, было популярным и модным придворным стилем. [48]
Решительный переход к монохромному пейзажному стилю, почти лишенному фигур, приписывается Ван Вэю (699–759), также известному как поэту; в основном сохранились только копии его работ. [49] Начиная с 10-го века все большее количество оригинальных картин сохраняется, и лучшие работы династии Сун (960–1279) Южной школы остаются одними из самых высоко ценимых в том, что было непрерывной традицией и по сей день. Китайская традиция ценила картины любителя -ученого-джентльмена , часто также поэта, выше тех, что были созданы профессионалами, хотя ситуация была более сложной. [50] Если они включают какие-либо фигуры, то очень часто это такие люди, или мудрецы, созерцающие горы. Известные работы накопили множество красных «печатей признательности» , и часто стихотворения, добавленные более поздними владельцами — император Цяньлун (1711–1799) был плодовитым сумматором собственных стихотворений, следуя за более ранними императорами.
Традиция шань-шуй никогда не предназначалась для представления реальных мест, даже если они были названы в их честь, как в конвенции Восьми видов . [ 51] Другой стиль, созданный мастерскими профессиональных придворных художников, рисовал официальные виды императорских туров и церемоний, с основным акцентом на очень подробных сценах многолюдных городов и грандиозных церемоний с высокой точки обзора. Они были нарисованы на свитках огромной длины ярким цветом (пример ниже).
Китайская скульптура также достигает трудного подвига создания эффективных ландшафтов в трех измерениях. Существует давняя традиция признания « камней для просмотра» — естественно сформированных валунов, как правило, известняка с берегов горных рек, который был размыт до фантастических форм, которые перевозились во дворы и сады литераторов. Вероятно, с этим связана традиция вырезания гораздо меньших валунов из нефрита или какого-либо другого полудрагоценного камня в форме горы, включая крошечные фигурки монахов или мудрецов. Китайские сады также развили весьма сложную эстетику намного раньше, чем на Западе; каренсансуй или японский сухой сад дзен -буддизма делает сад еще ближе к произведению скульптуры, представляя собой весьма абстрактный пейзаж.
Японское искусство изначально адаптировало китайские стили, чтобы отразить их интерес к повествовательным темам в искусстве, со сценами, установленными в пейзажах, смешивающимися с теми, которые показывают дворцовые или городские сцены, используя ту же высокую точку обзора, срезая крыши по мере необходимости. Они появились в очень длинных свитках ямато-э сцен, иллюстрирующих Повесть о Гэндзи и другие сюжеты, в основном с 12-го и 13-го веков. Концепция джентльмена-художника-любителя не имела большого резонанса в феодальной Японии, где художники, как правило, были профессионалами с сильной связью со своим хозяином и его школой, а не классическими художниками из далекого прошлого, из которых китайские художники, как правило, черпали свое вдохновение. [55] Живопись изначально была полностью цветной, часто яркой, и пейзаж никогда не подавлял фигуры, которые часто были довольно большими.
Сцена из « Жизнеописания священника Иппена» , показанная ниже, взята со свитка, который в полном размере составляет 37,8 см × 802,0 см, и является лишь одним из двенадцати свитков, иллюстрирующих жизнь буддийского монаха ; подобно своим западным коллегам, монастыри и храмы заказывали много таких работ, и у них было больше шансов на выживание, чем у придворных эквивалентов. [56] Еще реже встречаются сохранившиеся пейзажные складные ширмы бёбу и подвесные свитки , которые, по-видимому, были распространены в придворных кругах — в « Повести о Гэндзи» есть эпизод, где члены двора представляют лучшие картины из своих коллекций для конкурса. Они были ближе к китайскому шань-шуй, но все еще полностью цветные. [57]
Многие более чистые пейзажные сюжеты сохранились с 15-го века и далее; несколько ключевых художников были дзен-буддийскими священнослужителями и работали в монохромном стиле с большим акцентом на мазках кисти в китайской манере. Некоторые школы приняли менее изысканный стиль, с меньшими видами, дающими больший акцент на переднем плане. Тип изображения, который имел неизменную привлекательность для японских художников и стал называться «японским стилем», на самом деле впервые был найден в Китае. Он сочетает одну или несколько крупных птиц, животных или деревьев на переднем плане, как правило, с одной стороны в горизонтальной композиции, с более широким пейзажем за ним, часто покрывающим только части фона. Более поздние версии этого стиля часто обходились без пейзажного фона вообще.
Стиль укиё-э , который развивался с XVI века, сначала в живописи, а затем в цветных гравюрах на дереве , которые были дешевы и широко доступны, изначально концентрировался на человеческой фигуре, индивидуальной и групповой. Но с конца XVIII века пейзаж укиё-э развивался под руководством Хокусая и Хиросигэ, став самым известным типом японского пейзажного искусства. [58]
Хотя в более раннем искусстве есть некоторые элементы пейзажа, пейзажная традиция персидской миниатюры действительно начинается в период Ильханидов , в основном под китайским влиянием. Предпочтение отдается скалистым горным странам, которые показаны полными животных и растений, которые тщательно и индивидуально изображены, как и скальные образования. Особая условность возвышенной точки обзора, которая развилась в традиции, заполняет большую часть вертикального формата картинных пространств ландшафтом, хотя облака также обычно показаны на небе, показанные в завитой условности, заимствованной из китайского искусства. Обычно все видимое находится довольно близко к зрителю, и есть несколько отдаленных видов. Обычно все пейзажные изображения показывают повествовательные сцены с фигурами, но есть несколько нарисованных чистых пейзажных сцен в альбомах.
Индуистская живопись имела длинные установленные сцены среди пышной растительности, как того требовали многие из изображенных историй. Моголовская живопись сочетала этот и персидский стиль, и в миниатюрах королевских охот часто изображала обширные ландшафты. Популярны сцены, происходящие во время муссонных дождей, с темными облаками и вспышками молний. Позже влияние европейских гравюр стало очевидным.
Большинство ранних пейзажей явно воображаемые, хотя с самого начала городские пейзажи явно предназначены для представления реальных городов с разной степенью точности. Различные методы использовались для имитации случайности природных форм в придуманных композициях: средневековый совет Ченнино Ченнини копировать неровные скалы с небольших грубых камней, по-видимому, был принят как Пуссеном , так и Томасом Гейнсборо , в то время как Дега копировал формы облаков со скомканного носового платка, поднесенного к свету. [61] Система Александра Козенса использовала случайные чернильные пятна, чтобы придать основную форму придуманному пейзажу, который должен был быть разработан художником. [62]
Характерный фоновый вид через Женевское озеро на вершину Ле-Моль в «Чудесном улове рыб» Конрада Вица (1444) часто упоминается как первый западный сельский пейзаж, показывающий определенную сцену. [63] Пейзажные этюды Дюрера явно представляют реальные сцены, которые можно идентифицировать во многих случаях и которые были, по крайней мере, частично сделаны на месте; рисунки Фра Бартоломео также кажутся явно зарисованными с натуры. Завершенные работы Дюрера, как правило, используют вымышленные пейзажи, хотя захватывающий вид с высоты птичьего полета на его гравюре «Немезида» показывает реальный вид в Альпах с дополнительными элементами. Известно, что несколько пейзажистов делали рисунки и акварельные наброски с натуры, но свидетельства того, что ранняя масляная живопись создавалась на открытом воздухе, ограничены. Братство прерафаэлитов приложило особые усилия в этом направлении, но лишь с появлением в 1870-х годах готовых масляных красок в тюбиках, а затем и переносных «ящиков- мольбертов », живопись на пленэре стала широко распространенной.
Занавес из гор на заднем плане пейзажа является стандартным для широких римских видов и тем более для китайских пейзажей. Относительно мало места отведено небу в ранних работах в обеих традициях; китайцы часто использовали туман или облака между горами, а также иногда показывали облака на небе намного раньше, чем западные художники, которые изначально в основном использовали облака в качестве опор или прикрытий для божественных фигур или небес. Как панно, так и миниатюры в рукописях обычно имели узорчатое или золотое «небо» или фон над горизонтом примерно до 1400 года, но фрески Джотто и других итальянских художников долгое время показывали простое голубое небо. Единственный сохранившийся алтарь от Мельхиора Брудерлама , завершенный для Шампмоля в 1399 году, имеет золотое небо, населенное не только Богом и ангелами, но и летящей птицей. Прибрежная сцена в часах Турина-Милана имеет небо, покрытое тщательно наблюдаемыми облаками. В гравюрах на дереве большое пустое пространство может привести к провисанию бумаги во время печати, поэтому Дюрер и другие художники, чтобы избежать этого, часто добавляют облака или закорючки, изображающие птиц.
Монохромная китайская традиция использовала тушь на шелке или бумаге с момента своего зарождения, уделяя большое внимание индивидуальному мазку кисти для обозначения цунь или «морщин» на склонах гор и других особенностей ландшафта. Западная акварель — более тональная среда, даже с видимым подрисунком .
Традиционно в ландшафтном искусстве изображают поверхность Земли, но существуют и другие виды пейзажей, например, лунные пейзажи .
.jpg/1280px-Paul_C%C3%A9zanne_-_Mont_Sainte-Victoire_and_the_Viaduct_of_the_Arc_River_Valley_(Metropolitan_Museum_of_Art).jpg)
.jpg/1280px-Stanis%C5%82aw_Mas%C5%82owski_-_Wsch%C3%B3d_ksi%C4%99%C5%BCyca_(ol_n_p%C5%82_1884).jpg)
.jpg/1280px-Along_the_River_During_the_Qingming_Festival_(Qing_Court_Version).jpg)
![Фань Куань (кит.: 范寬; пиньинь: Fàn Kuān; Уэйд-Джайлс: Fan K'uan, ок. 960 – ок. 1030), Путешественники среди гор и ручьев (谿山行旅), тушь и слегка окрашенный шелк, размеры 6¾ фута x 2½ фута. 11 век, Китай.[52] Национальный дворец-музей, Тайбэй[53]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c2/Fan_Kuan_-_Travelers_Among_Mountains_and_Streams_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Fan_Kuan_-_Travelers_Among_Mountains_and_Streams_-_Google_Art_Project.jpg)
![Шэнь Чжоу, Поэт на горе, ок. 1500 г. Картина и стихотворение Шэнь Чжоу: «Белые облака окутывают талию горы, словно пояс,/Каменные ступени поднимаются высоко в пустоту, где узкая тропа ведет далеко./Один, опираясь на свой деревенский посох, я лениво смотрю вдаль./Моя тоска по звукам флейты находит ответ в шепоте ущелья».[54]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/7/72/Poetonmountain.jpg/1280px-Poetonmountain.jpg)
![Кано Масанобу, основатель школы Кано, живший в XV веке и доминировавший в японской живописи кистью до XIX века, Чжоу Маошу, восхищающийся лотосами, висящий свиток[59]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c5/Zhou_Maoshu_Appreciating_Lotuses.jpg/1280px-Zhou_Maoshu_Appreciating_Lotuses.jpg)
![Мост в Уби — известная экранная композиция, встречающаяся во многих версиях XVI или XVII века, демонстрирующая красочный абстрактный стиль профессиональных художников.[60] Стиль ямато-э в японской живописи.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/98/Japanischer_Maler_001.jpg/1280px-Japanischer_Maler_001.jpg)
_of_Shah_Tahmasp_MET_is1970.301.2.R_(cropped).jpg/1280px-%22The_Feast_of_Sada%22,_Folio_22v_from_the_Shahnama_(Book_of_Kings)_of_Shah_Tahmasp_MET_is1970.301.2.R_(cropped).jpg)
,_oil_on_canvas,_52.1_x_54.6_cm,_Stiftung_Sammlung_E.G._B%C3%BChrle,_Zurich.jpg/1280px-Wassily_Kandinsky,_1903,_The_Blue_Rider_(Der_Blaue_Reiter),_oil_on_canvas,_52.1_x_54.6_cm,_Stiftung_Sammlung_E.G._B%C3%BChrle,_Zurich.jpg)
,_oil_on_canvas,_82_x_101_cm,_Pushkin_Museum,_Moscow._Exhibited_at_the_1905_Salon_d'Automne.jpg/1280px-Andr%C3%A9_Derain,_1905,_Le_s%C3%A9chage_des_voiles_(The_Drying_Sails),_oil_on_canvas,_82_x_101_cm,_Pushkin_Museum,_Moscow._Exhibited_at_the_1905_Salon_d'Automne.jpg)
,_oil_on_canvas,_72.5_x_100_cm,_Rijksmuseum_Kr%C3%B6ller-M%C3%BCller,_Otterlo,_Netherlands.jpg/1280px-Jean_Metzinger,_1906,_Coucher_de_Soleil_No._1_(Landscape),_oil_on_canvas,_72.5_x_100_cm,_Rijksmuseum_Kr%C3%B6ller-M%C3%BCller,_Otterlo,_Netherlands.jpg)
,_oil_on_canvas,_60_x_73_cm,_Mus%C3%A9e_Picasso,_Paris.jpg/1280px-Pablo_Picasso,_1908,_Paysage_aux_deux_figures_(Landscape_with_Two_Figures),_oil_on_canvas,_60_x_73_cm,_Mus%C3%A9e_Picasso,_Paris.jpg)
{{cite book}}: CS1 maint: другие ( ссылка ){{cite book}}: CS1 maint: другие ( ссылка )
Медиа, связанные с Пейзажная живопись на Wikimedia Commons