stringtranslate.com

Искусство Европы

Картина Апеллеса «Кампаспа» , произведение искусства, изображающее людей, окруженных изящными произведениями искусства; Виллем ван Хехт ; ок. 1630 г.; масло на панели; высота: 104,9 см, ширина: 148,7 см; Маурицхёйс ( Гаага , Нидерланды )
Косовская дева ; Урош Предич ; 1919 год; холст, масло; 1,95 х 2,64 м; Национальный музей Сербии ( Белград , Сербия )
Искусство живописи ; Иоганн Вермеер ; 1666–1668; холст, масло; 1,3 x 1,1 м; Музей истории искусств ( Вена , Австрия )

Искусство Европы , также известное как западное искусство , охватывает историю изобразительного искусства в Европе . Европейское доисторическое искусство началось как подвижная наскальная и пещерная живопись верхнего палеолита и петроглифическое искусство и было характерно для периода между палеолитом и железным веком . [1] Письменные истории европейского искусства часто начинаются с Эгейских цивилизаций , датируемых 3-м тысячелетием до нашей эры. Однако последовательная модель художественного развития в Европе становится ясной только с древнегреческим искусством , которое было принято и преобразовано Римом и распространено; с Римской империей , по большей части Европы, Северной Африке и Западной Азии . [2]

Влияние искусства классического периода то усиливалось, то ослабевало на протяжении следующих двух тысяч лет, словно растворившись в далеком воспоминании в некоторых частях Средневековья , чтобы вновь возникнуть в эпоху Возрождения , претерпев период, который некоторые ранние историки искусства рассматривали как «упадок» в эпоху барокко [3] , чтобы вновь появиться в утонченной форме в неоклассицизме [4] и возродиться в постмодернизме [5] .

До 1800-х годов христианская церковь оказывала большое влияние на европейское искусство, и заказы от церкви служили основным источником работы для художников. В тот же период также возобновился интерес к классической мифологии, великим войнам, героям и героиням, а также темам, не связанным с религией. [6] Большая часть искусства последних 200 лет создавалась без ссылки на религию и часто вообще без какой-либо определенной идеологии , но искусство часто находилось под влиянием политических вопросов, отражая заботы покровителей или художника.

Европейское искусство организовано в ряд стилистических периодов, которые исторически накладываются друг на друга, поскольку разные стили процветали в разных областях. В общих чертах периоды таковы: классический , византийский , средневековый , готический , ренессансный , барокко , рококо , неоклассический , модерн , постмодерн и новая европейская живопись . [6]

Доисторическое искусство

Европейское доисторическое искусство является важной частью европейского культурного наследия. [7] История доисторического искусства обычно делится на четыре основных периода: каменный век , неолит , бронзовый век и железный век . Большинство сохранившихся артефактов этого периода представляют собой небольшие скульптуры и наскальные рисунки.

Венера Виллендорфская ; ок. 26 000 г. до н. э. (граветтийский период); известняк с охровой окраской; Музей естественной истории ( Вена , Австрия)

Большая часть сохранившегося доисторического искусства — это небольшие переносные скульптуры, с небольшой группой женских фигурок Венеры, таких как Венера Виллендорфская (24 000–22 000 до н. э.), найденных по всей Центральной Европе; [8] 30-сантиметровая фигурка Löwenmensch , датируемая примерно 30 000 г. до н. э., вряд ли имеет какие-либо детали, которые можно было бы с ней соотнести. Плывущий олень, датируемый примерно 11 000 г. до н. э., является одной из лучших из ряда мадленских резных фигурок из кости или рогов животных в искусстве верхнего палеолита , хотя их превосходят по численности гравированные изделия, которые иногда классифицируются как скульптура. [9] С началом мезолита в Европе фигуративная скульптура значительно сократилась, [10] и оставалась менее распространенным элементом в искусстве, чем рельефное украшение практических предметов вплоть до римского периода, несмотря на некоторые работы, такие как котел из Гундеструпа из европейского железного века и солнечная колесница Трундхольма из бронзового века . [11]

Древнейшее европейское пещерное искусство датируется 40 800 годом и может быть найдено в пещере Эль-Кастильо в Испании. [12] Другие места наскальной живописи включают Ласко , пещеру Альтамира , Грот-де-Кюссак , Печ-Мерль , пещеру Нио , пещеру Шове , Фон-де-Гом , скалы Кресвелл, Ноттингемшир, Англия, (гравюры и барельефы пещеры были обнаружены в 2003 году), пещеру Колибоаиа в Румынии (считается старейшей наскальной живописью в Центральной Европе ) [13] и Магура, [1] Белоградчик, Болгария. [14] Наскальная живопись также выполнялась на скальных поверхностях, но из-за эрозии сохранилось меньше из них. Одним из известных примеров являются наскальные рисунки Астувансалми в районе Сайма в Финляндии. Когда Марселино Санс де Саутуола впервые столкнулся с мадленскими росписями пещеры Альтамира, Кантабрия, Испания в 1879 году, ученые того времени посчитали их подделками. Недавние переоценки и многочисленные дополнительные открытия с тех пор продемонстрировали их подлинность, одновременно стимулируя интерес к искусству народов верхнего палеолита. Пещерные росписи, выполненные только с помощью самых элементарных инструментов, также могут дать ценную информацию о культуре и верованиях той эпохи.

Наскальное искусство Иберийского средиземноморского бассейна представляет собой совершенно другой стиль, в котором человеческая фигура является основным объектом внимания, часто встречается в больших группах, с представленными сражениями, танцами и охотой, а также другими видами деятельности и деталями, такими как одежда. Фигуры, как правило, довольно схематично изображены тонкой краской, а отношения между группами людей и животных прорисованы более тщательно, чем отдельные фигуры. Другие менее многочисленные группы наскального искусства, многие из которых выгравированы, а не нарисованы, демонстрируют схожие характеристики. Считается, что иберийские образцы датируются длительным периодом, возможно, охватывающим верхний палеолит, мезолит и ранний неолит.

Доисторическое кельтское искусство происходит из большей части Европы железного века и сохранилось в основном в форме высокостатусных металлических изделий, искусно украшенных сложными, элегантными и в основном абстрактными узорами, часто с использованием изогнутых и спиральных форм. Есть человеческие головы и некоторые полностью представленные животные, но полноразмерные человеческие фигуры любого размера настолько редки, что их отсутствие может представлять религиозное табу. После завоевания римлянами кельтских территорий оно почти полностью исчезает, но стиль продолжал ограниченно использоваться на Британских островах , и с приходом христианства возродился там в островном стиле раннего Средневековья.

Древний

минойский

Минойская цивилизация Крита считается старейшей цивилизацией в Европе. [15] Минойское искусство отмечено образными образами и исключительным мастерством. Синклер Худ описал «основное качество лучшего минойского искусства, способность создавать атмосферу движения и жизни, хотя и следуя набору весьма формальных условностей». [ 16] Оно является частью более широкой группы эгейского искусства , и в более поздние периоды на некоторое время стало оказывать доминирующее влияние на кикладское искусство . Дерево и текстиль разложились, поэтому большинство сохранившихся примеров минойского искусства — это керамика , искусно вырезанные минойские печати , дворцовые фрески , включающие пейзажи), небольшие скульптуры из различных материалов, ювелирные изделия и изделия из металла.

Связь минойского искусства с другими современными культурами и более поздним древнегреческим искусством была предметом многочисленных обсуждений. Оно явно доминировало над микенским искусством и кикладским искусством тех же периодов, [17] даже после того, как Крит был занят микенцами, но только некоторые аспекты традиции пережили греческие Темные века после распада микенской Греции . [18]

Минойское искусство имеет разнообразную тематику, большая часть которой появляется в различных медиа, хотя только некоторые стили керамики включают фигуративные сцены. Прыжки через быка появляются в живописи и нескольких типах скульптуры и, как полагают, имели религиозное значение; головы быков также являются популярным предметом в терракоте и других скульптурных материалах. Нет никаких фигур, которые кажутся портретами людей или явно королевскими, а личности религиозных деятелей часто условны, [19] поскольку ученые не уверены, являются ли они божествами, духовенством или верующими. [20] Равным образом, далеко не ясно, были ли расписанные комнаты «святилищами» или светскими; одна комната в Акротири, как утверждается, была спальней с остатками кровати или святилищем. [21]

Животные, включая необычное разнообразие морской фауны, часто изображаются; « Морской стиль » — это тип расписной дворцовой керамики из MM III и LM IA, на которой изображены морские существа, включая осьминога , разбросанные по всему судну, и, вероятно, возникшие из похожих фресковых сцен; [22] иногда они появляются в других материалах. Сцены охоты и войны, а также лошади и всадники, в основном встречаются в более поздние периоды, в работах, возможно, созданных критянами для микенского рынка или микенскими правителями Крита.

Хотя минойские фигуры, будь то люди или животные, обладают большим чувством жизни и движения, они часто не очень точны, и вид иногда невозможно идентифицировать; по сравнению с древнеегипетским искусством они часто более яркие, но менее натуралистичные. [23] По сравнению с искусством других древних культур здесь высокая доля женских фигур, хотя идея о том, что у минойцев были только богини и никаких богов, теперь отвергается. Большинство человеческих фигур изображены в профиль или в версии египетской традиции с головой и ногами в профиль, а туловище показано спереди; но минойские фигуры преувеличивают такие черты, как тонкие мужские талии и большие женские груди. [24]

Классическая греческая и эллинистическая

В Древней Греции были великие художники, великие скульпторы и великие архитекторы. Парфенон является примером их архитектуры, которая сохранилась до наших дней. Греческая мраморная скульптура часто описывается как высшая форма классического искусства. Роспись на глиняной посуде Древней Греции и керамика дает особенно информативный взгляд на то, как функционировало общество в Древней Греции. Чернофигурная вазовая живопись и краснофигурная вазовая живопись дают много сохранившихся примеров того, какой была греческая живопись. Некоторые известные греческие художники на деревянных панелях, которые упоминаются в текстах, - это Апеллес , Зевксис и Паррасий , однако не сохранилось ни одного примера древнегреческой панельной живописи, только письменные описания их современников или более поздних римлян. Зевксис жил в 5-6 годах до нашей эры и, как говорят, был первым, кто использовал сфумато . По словам Плиния Старшего , реализм его картин был таков, что птицы пытались съесть нарисованный виноград. Апеллеса описывают как величайшего художника античности за совершенную технику рисунка, блестящий цвет и моделирование.

Роман

Римское искусство находилось под влиянием Греции и может быть отчасти принято считать потомком древнегреческой живописи и скульптуры, но также на него сильное влияние оказало более локальное этрусское искусство Италии. Римская скульптура — это в первую очередь портретная живопись, происходящая от высших слоев общества, а также изображения богов. Однако римская живопись имеет важные уникальные характеристики. Среди сохранившихся римских картин есть настенные росписи, многие из вилл в Кампании , в Южной Италии, особенно в Помпеях и Геркулануме . Такая живопись может быть сгруппирована в четыре основных «стиля» или периода [26] и может содержать первые примеры trompe-l'œil , псевдоперспективы и чистого пейзажа. [27]

Почти все сохранившиеся живописные портреты Древнего мира представляют собой большое количество портретов-гробов в форме бюста, найденных на позднеантичном кладбище Эль-Файюм . Они дают представление о качестве, которое должно было иметь лучшее античное произведение. Сохранилось также очень небольшое количество миниатюр из позднеантичных иллюстрированных книг, и довольно большое количество их копий из раннего средневекового периода. Раннее христианское искусство выросло из римского народного, а позднее императорского искусства и адаптировало свою иконографию из этих источников.

Средневековый

Большинство сохранившихся произведений искусства периода Средневековья были религиозного характера, часто финансировались Церковью , влиятельными церковными лицами, такими как епископы , общинными группами, такими как аббатства , или богатыми светскими покровителями . Многие из них имели определенные литургические функции — например, кресты для процессий и алтари .

Один из центральных вопросов о средневековом искусстве касается его отсутствия реализма. Значительная часть знаний о перспективе в искусстве и понимание человеческой фигуры были утрачены с падением Рима . Но реализм не был главной заботой средневековых художников. Они просто пытались передать религиозное послание, задача, которая требует ясных иконических образов вместо точно переданных.

Период времени : 6-15 вв.

Раннее средневековое искусство

Искусство периода миграции — это общий термин для искусства «варварских» народов, которые переселились на бывшие римские территории. Кельтское искусство в VII и VIII веках слилось с германскими традициями через контакт с англосаксами, создав то, что называется хиберно-саксонским стилем или островным искусством , которое оказало большое влияние на остальное Средневековье. Меровингское искусство описывает искусство франков до примерно 800 года, когда каролингское искусство сочетало островные влияния с осознанным классическим возрождением, развившись в оттоновское искусство . Англосаксонское искусство — это искусство Англии после островного периода. Иллюстрированные рукописи содержат почти всю сохранившуюся живопись того периода, но архитектура, металлообработка и небольшие резные работы по дереву или слоновой кости также были важными средствами.

византийский

Византийское искусство пересекается или сливается с тем, что мы называем ранним христианским искусством, до периода иконоборчества 730-843 гг., когда подавляющее большинство произведений искусства с фигурами было уничтожено; осталось так мало, что сегодня любое открытие проливает новое понимание. После 843 г. до 1453 г. существует четкая византийская художественная традиция. Это часто лучшее искусство Средневековья с точки зрения качества материала и мастерства, а производство было сосредоточено в Константинополе. Венцом византийского искусства были монументальные фрески и мозаики внутри купольных церквей, большинство из которых не сохранились из-за стихийных бедствий и присвоения церквей мечетям.

романский

Романское искусство относится к периоду примерно с 1000 года до подъема готического искусства в 12 веке. Это был период растущего процветания, и первый период, когда последовательный стиль использовался по всей Европе, от Скандинавии до Сицилии. Романское искусство энергичное и прямолинейное, изначально было ярко окрашено и часто очень сложное. Витражи и эмаль на металлических изделиях стали важными средствами, и более крупные скульптуры круглой формы развивались, хотя горельеф был основной техникой. В его архитектуре преобладают толстые стены, а также круглые окна и арки с большим количеством резных украшений.

готика

Готическое искусство — термин, который может меняться в зависимости от ремесла, места и времени. Термин возник в готической архитектуре в 1140 году, но готическая живопись появилась только около 1200 года (эта дата имеет много уточнений), когда она отделилась от романского стиля. Готическая скульптура родилась во Франции в 1144 году с реконструкцией церкви аббатства Сан-Дени и распространилась по всей Европе, к 13 веку она стала международным стилем, заменив романский. Международная готика описывает готическое искусство примерно с 1360 по 1430 год, после чего готическое искусство в разное время и в разных местах сливается с искусством эпохи Возрождения. В этот период такие формы, как живопись, фреска и на панели, становятся новыми важными, а конец периода включает в себя новые медиа, такие как гравюры.

Ренессанс

« Витрувианский человек » Леонардо да Винчи ( Uomo Vitruviano ) (ок. 1490 г.), основополагающее произведение эпохи Возрождения. Рисунок вдохновлен и впоследствии назван в честь римского архитектора - автора I в. до н. э. Витрувия и его представлений об «идеальных» пропорциях человеческого тела , изложенных в его труде «Об архитектуре» . [28] [29] Рисунок подчеркивает увлечение движения греко-римскими цивилизациями и присвоение классического искусства , а также его стремление к взаимосвязи между структурой тела и природой. [29]

Ренессанс характеризуется акцентом на искусстве Древней Греции и Рима , что привело ко многим изменениям как в технических аспектах живописи и скульптуры, так и в их тематике. Он начался в Италии , стране, богатой римским наследием, а также материальным процветанием для финансирования художников. В эпоху Возрождения художники начали повышать реализм своих работ, используя новые методы в перспективе , тем самым представляя три измерения более достоверно. Художники также начали использовать новые методы в манипуляции светом и тьмой, такие как контраст тонов, очевидный во многих портретах Тициана , и развитие сфумато и кьяроскуро Леонардо да Винчи . Скульпторы также начали заново открывать для себя многие древние техники, такие как контрапосто . Следуя гуманистическому духу эпохи, искусство стало более светским по тематике, изображая древнюю мифологию в дополнение к христианским темам. Этот жанр искусства часто называют классицизмом эпохи Возрождения . На Севере важнейшим нововведением эпохи Возрождения стало широкое использование масляных красок , что позволило добиться большей яркости и интенсивности цветов.

От готики до Ренессанса

В конце XIII века и начале XIV века большая часть живописи в Италии носила византийский характер, особенно Дуччо из Сиены и Чимабуэ из Флоренции, в то время как Пьетро Каваллини в Риме был более готического стиля. В XIII веке итальянские скульпторы начали черпать вдохновение не только из средневековых прототипов, но и из античных работ. [30]

В 1290 году Джотто начал писать в манере, которая была менее традиционной и больше основывалась на наблюдении за природой. Его знаменитый цикл в капелле Скровеньи в Падуе рассматривается как начало стиля Ренессанса .

Другие художники 14 века довели готический стиль до большой проработки и детализации. Среди этих художников выделяются Симоне Мартини и Джентиле да Фабриано .

В Нидерландах техника масляной живописи, а не темперной , привела к форме проработки, которая не зависела от нанесения листового золота и тиснения, а от мельчайшего изображения естественного мира. В это время развивалось искусство живописи текстур с большим реализмом. Голландские художники, такие как Ян ван Эйк и Хуго ван дер Гус, оказали большое влияние на живопись поздней готики и раннего Возрождения.

Раннее Возрождение

Идеи эпохи Возрождения впервые появились в городе-государстве Флоренция , Италия . Скульптор Донателло вернулся к классическим приемам, таким как контрапосто , и классическим сюжетам, таким как обнаженная фигура без опоры — его вторая скульптура Давида была первой отдельно стоящей бронзовой обнаженной фигурой, созданной в Европе со времен Римской империи. Скульптор и архитектор Брунеллески изучал архитектурные идеи древнеримских зданий для вдохновения. Мазаччо усовершенствовал такие элементы, как композиция, индивидуальное выражение и человеческая форма, чтобы написать фрески, особенно в капелле Бранкаччи , удивительно элегантные, драматичные и эмоциональные.

Значительное число этих выдающихся художников работали над различными частями Флорентийского собора . Купол Брунеллески для собора был одним из первых по-настоящему революционных архитектурных новшеств со времен готического аркбутана. Донателло создал многие из его скульптур. Джотто и Лоренцо Гиберти также внесли свой вклад в собор.

Высокий Ренессанс

Художники Высокого Возрождения включают таких фигур, как Леонардо да Винчи , Микеланджело Буонарроти и Рафаэлло Санцио .

Художественные разработки XV века в Италии (например, интерес к перспективным системам, изображению анатомии и классическим культурам) созрели в XVI веке, что объясняет обозначения «Раннее Возрождение» для XV века и «Высокое Возрождение» для XVI века. Хотя ни один отдельный стиль не характеризует Высокое Возрождение, искусство тех, кто наиболее тесно связан с этим периодом — Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело и Тициана — демонстрирует поразительное мастерство, как техническое, так и эстетическое. Художники Высокого Возрождения создавали произведения такого авторитета, что поколения последующих художников опирались на эти произведения искусства для обучения. Эти образцовые художественные творения еще больше подняли престиж художников. Художники могли претендовать на божественное вдохновение, тем самым поднимая визуальное искусство до статуса, ранее присуждавшегося только поэзии. Таким образом, художники, скульпторы и архитекторы обрели себя, успешно заявив своим работам высокое положение среди изящных искусств. В определенном смысле мастера XVI века создали новую профессию со своими собственными правами на выражение и своим собственным почтенным характером.

Северное искусство до эпохи Возрождения

Ранняя нидерландская живопись разработала (но не изобрела) технику масляной живописи , которая позволяла лучше контролировать изображение мельчайших деталей с реализмом. Ян ван Эйк  (1366–1441) был фигурой в движении от иллюминированных рукописей к живописи на досках .

Иероним Босх (1450?–1516), голландский художник, является еще одной важной фигурой Северного Возрождения . В своих картинах он использовал религиозные темы, но сочетал их с гротескными фантазиями, красочными образами и крестьянскими народными легендами. Его картины часто отражают смятение и тоску, связанные с концом Средневековья.

В конце XV века Альбрехт Дюрер познакомил Германию со стилем итальянского Возрождения и оказал влияние на немецкое искусство эпохи Возрождения.

Период времени :

Маньеризм, барокко и рококо

Различия между искусством барокко и рококо

В европейском искусстве классицизм эпохи Возрождения породил два различных течения — маньеризм и барокко . Маньеризм, реакция на идеалистическое совершенство классицизма, использовал искажение света и пространственных рамок, чтобы подчеркнуть эмоциональное содержание картины и эмоции художника. Творчество Эль Греко является особенно ярким примером маньеризма в живописи конца XVI — начала XVII веков. Северный маньеризм развивался дольше и был в значительной степени движением второй половины XVI века. Искусство барокко подняло репрезентативность Ренессанса на новые высоты, подчеркивая детали, движение, освещение и драму в их поисках красоты. Возможно, самыми известными художниками барокко являются Караваджо , Рембрандт , Питер Пауль Рубенс и Диего Веласкес .

Совсем другое искусство развилось из северных реалистических традиций в голландской живописи Золотого века 17-го века , в которой было очень мало религиозного искусства и мало исторической живописи , вместо этого играя важную роль в развитии светских жанров, таких как натюрморт , жанровые картины повседневных сцен и пейзажная живопись . В то время как барочная природа искусства Рембрандта очевидна, этот ярлык менее пригоден для Вермеера и многих других голландских художников. Фламандская барочная живопись разделила часть этой тенденции, продолжая при этом производить традиционные категории.

Искусство барокко часто рассматривается как часть Контрреформации — художественного элемента возрождения духовной жизни в Римско-католической церкви . Кроме того, акцент, который искусство барокко делало на величии, рассматривается как абсолютистский по своей природе. Религиозные и политические темы широко исследовались в художественном контексте барокко, и как картины, так и скульптуры характеризовались сильным элементом драмы, эмоций и театральности. Известные художники барокко включают Караваджо и Рубенса . [34] Артемизия Джентилески была еще одним примечательным художником, который был вдохновлен стилем Караваджо. Искусство барокко было особенно витиеватым и сложным по своей природе, часто используя насыщенные, теплые цвета с темными полутонами. Пышность и величие были важными элементами художественного движения барокко в целом, как можно увидеть, когда Людовик XIV сказал: «Я — воплощенное величие»; многие художники барокко служили королям, которые пытались достичь этой цели. Искусство барокко во многом было похоже на искусство Возрождения; на самом деле, этот термин изначально использовался в уничижительной манере для описания искусства и архитектуры после Ренессанса, которые были чрезмерно сложными. [34] Искусство барокко можно рассматривать как более сложную и драматичную реадаптацию искусства позднего Ренессанса.

Однако к XVIII веку искусство барокко вышло из моды, поскольку многие посчитали его слишком мелодраматичным и мрачным, и оно превратилось в рококо , возникшее во Франции. Искусство рококо было даже более сложным, чем барокко, но оно было менее серьезным и более игривым. [35] В то время как барокко использовало насыщенные, сильные цвета, рококо использовало бледные, кремовые оттенки. Художественное движение больше не делало акцента на политике и религии, вместо этого сосредоточившись на более легких темах, таких как романтика, празднование и оценка природы. Искусство рококо также контрастировало с барокко, поскольку оно часто отказывалось от симметрии в пользу асимметричных дизайнов. Кроме того, оно искало вдохновения в художественных формах и орнаментации Дальневосточной Азии , что привело к росту популярности фарфоровых статуэток и шинуазри в целом. [36] Стиль XVIII века процветал недолго; Тем не менее, стиль рококо вскоре вышел из моды, поскольку многие считали его безвкусным и поверхностным движением, подчеркивающим эстетику над смыслом. Неоклассицизм во многом развивался как контрдвижение рококо, толчком к которому послужило чувство отвращения, направленное на вычурные качества последнего.

Маньеризм (16 век)

Барокко (начало XVII века — середина начала XVIII века)

Рококо (начало-середина XVIII века)

Неоклассицизм, романтизм, академизм и реализм

Неоклассическое искусство, вдохновленное различными классическими темами, характеризовалось акцентом на простоте, порядке и идеализме. На изображении Антонио Канова « Психея, оживленная поцелуем Купидона» (1787-1793)

На протяжении 18 века в разных частях Европы возникло противостоящее рококо движение, обычно известное как неоклассицизм . Оно презирало воспринимаемую поверхностность и легкомысленность искусства рококо и желало вернуться к простоте, порядку и «пуризму» классической античности, особенно Древней Греции и Рима. Движение частично также находилось под влиянием Ренессанса, который сам находился под сильным влиянием классического искусства. Неоклассицизм был художественным компонентом интеллектуального движения, известного как Просвещение ; Просвещение было идеалистическим и делало акцент на объективности, разуме и эмпирической истине. Неоклассицизм получил широкое распространение в Европе на протяжении 18 века, особенно в Соединенном Королевстве , где в этот период появились великие произведения неоклассической архитектуры; очарованность неоклассицизма классической античностью можно увидеть в популярности Гранд- тура в это десятилетие, когда богатые аристократы путешествовали к древним руинам Италии и Греции. Тем не менее, определяющий момент для неоклассицизма наступил во время Французской революции в конце 18 века; во Франции искусство рококо было заменено предпочтительным неоклассическим искусством, которое считалось более серьезным, чем предыдущее движение. Во многих отношениях неоклассицизм можно рассматривать как политическое движение, а также как художественное и культурное. [37] Неоклассическое искусство делает акцент на порядке, симметрии и классической простоте; общие темы в неоклассическом искусстве включают мужество и войну, которые обычно исследовались в древнегреческом и римском искусстве. Энгр , Канова и Жак-Луи Давид являются одними из самых известных неоклассиков. [38]

Эжен Делакруа , Свобода, ведущая народ 1830, Романтическое искусство .

Так же, как маньеризм отверг классицизм, так и романтизм отверг идеи Просвещения и эстетику неоклассицизма. Романтизм отверг высоко объективную и упорядоченную природу неоклассицизма и выбрал более индивидуальный и эмоциональный подход к искусству. [39] Романтизм делал акцент на природе, особенно когда стремился изобразить силу и красоту природного мира, а также эмоции, и искал высоко личный подход к искусству. Романтическое искусство было об индивидуальных чувствах, а не об общих темах, как в неоклассицизме; таким образом, романтическое искусство часто использовало цвета для выражения чувств и эмоций. [39] Подобно неоклассицизму, романтическое искусство во многом черпало вдохновение из древнегреческого и римского искусства и мифологии, однако, в отличие от неоклассицизма, это вдохновение в первую очередь использовалось как способ создания символики и образов. Романтическое искусство также во многом черпает свои эстетические качества из средневековья и готики , а также из мифологии и фольклора . Среди величайших художников-романтиков были Эжен Делакруа , Франсиско Гойя , Дж. М. У. Тернер , Джон Констебл , Каспар Давид Фридрих , Томас Коул и Уильям Блейк . [38]

Большинство художников пытались использовать центристский подход, который перенял различные черты неоклассического и романтического стилей, чтобы синтезировать их. Различные попытки имели место в рамках Французской академии и в совокупности называются академическим искусством . Адольф Уильям Бугро считается главным примером этого течения искусства.

Однако в начале 19 века облик Европы радикально изменился из-за индустриализации . Бедность, нищета и отчаяние стали судьбой нового рабочего класса, созданного «революцией». В ответ на эти изменения, происходящие в обществе, возникло движение реализма . Реализм стремился точно изобразить условия и трудности бедных в надежде изменить общество. В отличие от романтизма, который был по сути оптимистичен в отношении человечества, реализм предлагал суровое видение бедности и отчаяния. Аналогично, в то время как романтизм прославлял природу, реализм изображал жизнь в глубинах городской пустоши. Как и романтизм, реализм был как литературным, так и художественным движением. Среди великих художников -реалистов Жан-Батист-Симеон Шарден , Гюстав Курбе , Жан-Франсуа Милле , Камиль Коро , Оноре Домье , Эдуард Мане , Эдгар Дега (оба считаются импрессионистами ) и Томас Икинс и другие.

Ответом архитектуры на индустриализацию, в резком контрасте с другими видами искусства, стало смещение в сторону историзма. Хотя железнодорожные станции, построенные в этот период, часто считаются наиболее верными отражениями его духа — их иногда называют «соборами эпохи» — основными движениями в архитектуре в индустриальную эпоху были возрождения стилей далекого прошлого, таких как неоготика . Связанными движениями были Братство прерафаэлитов , которое пыталось вернуть искусство к его состоянию «чистоты» до Рафаэля , и Движение искусств и ремесел , которое выступало против безличности товаров массового производства и выступало за возврат к средневековому мастерству.

Период времени :

Современное искусство

Импрессионизм был известен использованием света и движения в своих картинах, как, например, в картине Клода Моне 1902 года «Здание парламента, закат».
Art & Language известны своим значительным вкладом в концептуальное искусство.

Из натуралистической этики реализма выросло крупное художественное движение — импрессионизм . Импрессионисты были пионерами использования света в живописи, поскольку они пытались запечатлеть свет, видимый человеческим глазом. Эдгар Дега , Эдуард Мане , Клод Моне , Камиль Писсарро и Пьер-Огюст Ренуар — все они были вовлечены в движение импрессионистов. Как прямое следствие импрессионизма произошло развитие постимпрессионизма . Поль Сезанн , Винсент Ван Гог , Поль Гоген , Жорж Сёра — самые известные постимпрессионисты.

Вслед за импрессионистами и постимпрессионистами появился фовизм , часто считающийся первым «современным» жанром искусства. Так же, как импрессионисты произвели революцию в освещении, фовисты переосмыслили цвет , раскрашивая свои полотна в яркие, дикие оттенки. После фовистов современное искусство начало развиваться во всех его формах, начиная от экспрессионизма , озабоченного пробуждением эмоций посредством объективных произведений искусства, до кубизма , искусства переноса четырехмерной реальности на плоский холст, и до абстрактного искусства . Эти новые формы искусства раздвинули границы традиционных представлений об «искусстве» и соответствовали аналогичным быстрым изменениям, которые происходили в человеческом обществе, технологиях и мышлении.

Сюрреализм часто классифицируется как форма современного искусства. Однако сами сюрреалисты возражают против изучения сюрреализма как эпохи в истории искусств, утверждая, что это слишком упрощает сложность движения (которое, по их словам, не является художественным движением), искажает связь сюрреализма с эстетикой и ложно характеризует текущий сюрреализм как законченную, исторически завершенную эпоху. Другие формы современного искусства (некоторые из которых граничат с Contemporary art ) включают в себя:

Период времени :

Современное искусство и постмодернистское искусство

Чарльз Томсон . Сэр Николас Серота принимает решение о приобретении , 2000, Stuckism .

Современное искусство предвосхитило несколько характеристик того, что позже будет определено как постмодернистское искусство; на самом деле, несколько направлений современного искусства часто можно классифицировать как современные и постмодернистские, например, поп-арт . Постмодернистское искусство, например, делает сильный акцент на иронии, пародии и юморе в целом; современное искусство начало разрабатывать более ироничный подход к искусству, который позже продвинулся в постмодернистском контексте. Постмодернистское искусство видит размытие границ между высоким и изящным искусством и низкоуровневым и коммерческим искусством; современное искусство начало экспериментировать с этим размытием. [39] Недавние события в искусстве характеризуются значительным расширением того, что теперь можно считать искусством, с точки зрения материалов, медиа, деятельности и концепции. Концептуальное искусство , в частности, оказало широкое влияние. Это началось буквально как замена концепции на сделанный объект, одним из намерений которого было опровержение коммерциализации искусства. Однако теперь это обычно относится к произведению искусства, где есть объект, но основная претензия к произведению делается на мыслительный процесс, который его одушевил. Аспект коммерциализации вернулся к произведению.

Также возросло количество произведений искусства, ссылающихся на предыдущие движения и художников и обретающих обоснованность благодаря этой отсылке.

Постмодернизм в искусстве, который развился с 1960-х годов, отличается от модернизма тем, что современные художественные движения были в первую очередь сосредоточены на своих собственных действиях и ценностях, в то время как постмодернизм использует весь спектр предыдущих движений в качестве точки отсчета. Это по определению породило релятивистский взгляд, сопровождаемый иронией и определенным недоверием к ценностям, поскольку каждое может быть замещено другим. Другим результатом этого стал рост коммерциализации и знаменитостей. Постмодернистское искусство поставило под сомнение общие правила и руководящие принципы того, что считается « изящным искусством », смешав низкое искусство с изящным искусством до тех пор, пока ни одно из них не стало полностью различимым. [40] [41] До появления постмодернизма изящные искусства характеризовались формой эстетического качества, элегантности, мастерства, утонченности и интеллектуальной стимуляции, которая была предназначена для обращения к высшим или образованным классам; это отличало высокое искусство от низкого искусства, которое, в свою очередь, считалось безвкусным, китчевым , легко создаваемым и лишенным большого или какого-либо интеллектуального стимулирования, искусством, которое было призвано привлечь массы. Постмодернистское искусство размыло эти различия, привнеся сильный элемент китча, коммерциализации и манерности в современное изобразительное искусство; [39] то, что в настоящее время рассматривается как изящное искусство, могло рассматриваться как низкое искусство до того, как постмодернизм произвел революцию в концепции того, что такое высокое или изящное искусство на самом деле. [39] Кроме того, постмодернистская природа современного искусства оставляет много места для индивидуализма в рамках художественной сцены; например, постмодернистское искусство часто черпает вдохновение из прошлых художественных движений, таких как готическое или барочное искусство, и одновременно сопоставляет и перерабатывает стили из этих прошлых периодов в другом контексте. [39]

Некоторые сюрреалисты , в частности Жоан Миро , который призывал к «убийству живописи» (В многочисленных интервью, датируемых 1930-ми годами, Миро выражал презрение к традиционным методам живописи и свое желание «убить», «убить» или «изнасиловать» их в пользу более современных средств выражения). [42] осуждали или пытались «вытеснить» живопись, и были также другие антиживописные тенденции среди художественных движений, таких как дадаизм и концептуальное искусство . Тенденция отхода от живописи в конце 20-го века была противопоставлена ​​различными движениями, например, продолжением минимализма , лирической абстракции , поп-арта , оп-арта , нового реализма , фотореализма , неогео , неоэкспрессионизма , новой европейской живописи , стакизма , эксцессивизма и различных других важных и влиятельных живописных направлений.

Смотрите также

Ссылки

  1. ^ аб Остербек, Луис. «Европейское доисторическое искусство». Европаарт . Проверено 4 декабря 2012 г.
  2. ^ Бордман, Джон ред., Оксфордская история классического искусства , стр. 349-369, Oxford University Press , 1993, ISBN 0198143869 
  3. ^ Банистер Флетчер исключил почти все здания в стиле барокко из своего гигантского тома «История архитектуры по сравнительному методу» . Издатели в конечном итоге исправили это.
  4. ^ Мюррей, П. и Мюррей, Л. (1963) Искусство эпохи Возрождения . Лондон: Thames & Hudson (Мир искусства), стр. 9. ISBN 978-0-500-20008-7 . «...в 1855 году мы впервые находим слово «Возрождение», использованное — французским историком Мишле — как прилагательное для описания целого периода истории, а не ограничивающееся возрождением латинских букв или классическим стилем в искусстве». 
  5. ^ Хауз, С. и Малтби, В. (2001). История европейского общества. Основы западной цивилизации (т. 2, стр. 245–246). Белмонт, Калифорния: Thomson Learning, Inc.
  6. ^ ab "Искусство Европы". Музей искусств Сент-Луиса . Slam . Получено 4 декабря 2012 г.
  7. ^ Остербек, Луис. «Европейское доисторическое искусство». Европаарт . Проверено 4 декабря 2012 г.
  8. ^ Сандарс, 8-16, 29-31
  9. ^ Хан, Иоахим, «Доисторическая Европа, §II: Палеолит 3. Портативное искусство» в Oxford Art Online , доступ 24 августа 2012 г.; Сандарс, 37-40
  10. ^ Сандарс, 75-80
  11. ^ Сандарс, 253-257, 183-185
  12. ^ Квонг, Мэтт. «Самое древнее искусство пещерного человека в Европе датируется 40 800 годами». CBC News . Получено 4 декабря 2012 г.
  13. ^ "Румынская пещера может похвастаться старейшим пещерным искусством Центральной Европы | Наука/AAAS | Новости". News.sciencemag.org. 21 июня 2010 г. Получено 25 августа 2013 г.
  14. ^ Гюнтер, Михаэль. "Искусство доисторической Европы" . Получено 4 декабря 2012 г.
  15. ^ Ханиотис, Ангелос. «Древний Крит». Oxford Bibliographies . Oxford University Press . Получено 2 января 2013 г.
  16. ^ Худ, 56
  17. ^ Худ, 17-18, 23-23
  18. ^ Худ, 240-241
  19. ^ Гейтс (2004), 33-34, 41
  20. ^ например, Худ, 53, 55, 58, 110
  21. ^ Чапин, 49-51
  22. ^ Худ, 37-38
  23. ^ Худ, 56, 233-235
  24. ^ Худ, 235-236
  25. ^ Мэттинсон, Линдси (2019). Понимание архитектуры. Руководство по архитектурным стилям . Amber Books. стр. 21. ISBN 978-1-78274-748-2.
  26. ^ "Римская живопись". Art-and-archaeology.com . Получено 25 августа 2013 г. .
  27. ^ "Римская живопись". Хронология истории искусств Хайльбрунна . Музей Метрополитен . Получено 19 октября 2013 г.
  28. ^ "Витрувианский человек". leonardodavinci.stanford.edu . Получено 25 марта 2018 г. .
  29. ^ ab "BBC - Наука и природа - Леонардо - Витрувианский человек". www.bbc.co.uk . Получено 25 марта 2018 г. .
  30. ^ Фортенберри, Дайан (2017). МУЗЕЙ ИСКУССТВ . Phaidon. стр. 156. ISBN 978-0-7148-7502-6.
  31. ^ Фортенберри, Дайан (2017). МУЗЕЙ ИСКУССТВ . Phaidon. стр. 156. ISBN 978-0-7148-7502-6.
  32. ^ Фортенберри, Дайан (2017). МУЗЕЙ ИСКУССТВ . Phaidon. стр. 157. ISBN 978-0-7148-7502-6.
  33. ^ Фортенберри, Дайан (2017). МУЗЕЙ ИСКУССТВ . Phaidon. стр. 157. ISBN 978-0-7148-7502-6.
  34. ^ ab "Baroque Art". Arthistory-famousartists-paintings.com. 24 июля 2013 г. Получено 25 августа 2013 г.
  35. ^ "Ancien Regime Rococo". Bc.edu. Архивировано из оригинала 11 апреля 2018 года . Получено 25 августа 2013 года .
  36. ^ "Факты, информация, фотографии о шинуазри - статьи Encyclopedia.com о шинуазри". www.encyclopedia.com . Получено 25 марта 2018 г. .
  37. ^ "Искусство в неоклассицизме". Artsz.org. 26 февраля 2008 г. Получено 25 августа 2013 г.
  38. ^ ab Джеймс Дж. Шихан, «Искусство и его публика, ок. 1800», Единение и разнообразие в европейской культуре ок. 1800, ред. Тим Бланнинг и Хаген Шульце (Нью-Йорк: Oxford University Press, 2006), 5-18.
  39. ^ abcdef "Общее введение в постмодернизм". Cla.purdue.edu . Получено 25 августа 2013 г. .
  40. ↑ Идеи об искусстве , Десмонд, Кэтлин К. [1] Архивировано 29 октября 2022 г. в Wayback Machine John Wiley & Sons, 2011, стр. 148
  41. ^ Международный постмодернизм: теория и литературная практика , Бертенс, Ханс [2] Архивировано 29 октября 2022 г. в Wayback Machine , Routledge, 1997, стр. 236.
  42. ↑ М. Роуэлл, Джоан Миро: Избранные сочинения и интервью (Лондон: Thames & Hudson , 1987) стр. 114–116.

Библиография

Внешние ссылки

На Викискладе есть медиафайлы по теме «Искусство Европы» .