stringtranslate.com

Искусство модерн

Модерн ( / ˌ ɑː r ( t ) n uː ˈ v oʊ / AR(T) noo- VOH , французский: [aʁ nuvo] ⓘ ;горит. «Новое искусство») — международныйстильискусства, архитектуры иприкладного искусства, особеннодекоративного искусства. Его часто вдохновляли природные формы, такие как извилистые изгибы растений и цветов.[1]Другими характеристиками модерна были ощущение динамизма и движения, часто придаваемые асимметрией илихлыстовыми линиями, а также использование современных материалов, особенно железа, стекла, керамики и позже бетона, для создания необычных форм и больших открытых пространств.[2]Он был популярен между 1890 и 1910 годами вПрекрасной эпохи,[3]и был реакцией наакадемизм,эклектизмиисторизмархитектуры и декоративного искусства 19-го века.

Одной из основных целей модерна было разрушить традиционное различие между изобразительным искусством (особенно живописью и скульптурой) и прикладным искусством. Наиболее широко он использовался в дизайне интерьера, графике, мебели, искусстве стекла, текстиле, керамике, ювелирных изделиях и работе с металлом. Этот стиль откликнулся на взгляды ведущих теоретиков XIX века, таких как французский архитектор Эжен-Эммануэль Виолле-ле-Дюк (1814–1879) и британский искусствовед Джон Раскин (1819–1900). В Великобритании на него повлияли Уильям Моррис и движение искусств и ремесел . Немецкие архитекторы и дизайнеры искали духовно возвышающий Gesamtkunstwerk («полное произведение искусства»), которое объединило бы архитектуру, мебель и искусство в интерьере в едином стиле, чтобы поднимать настроение и вдохновлять жителей. [2]

Первые дома и внутренняя отделка в стиле модерн появились в Брюсселе в 1890-х годах, в архитектуре и дизайне интерьера домов, спроектированных Полем Ханкаром , Генри ван де Вельде и особенно Виктором Ортой , чей отель Tassel был завершен в 1893 году. [4] [ 5] [6] Он быстро переехал в Париж, где был адаптирован Гектором Гимаром , который увидел работу Орты в Брюсселе и применил этот стиль к входам в новое парижское метро . Своего пика оно достигло на Парижской международной выставке 1900 года , которая представила работы таких художников, как Луи Тиффани, в стиле модерн . В графике он появился на плакатах Альфонса Мухи , в стеклянной посуде Рене Лалика и Эмиля Галле .

Из Великобритании, Бельгии и Франции стиль модерн распространился на остальную Европу, принимая разные названия и характеристики в каждой стране (см. раздел «Именование» ниже). Он часто появлялся не только в столицах, но и в быстро растущих городах, которые хотели утвердить художественную идентичность ( Турин и Палермо в Италии; Глазго в Шотландии; Мюнхен и Дармштадт в Германии), а также в центрах движения за независимость ( Хельсинки в Финляндии). , тогда часть Российской империи; Барселона в Каталонии , Испания).

К 1914 году, с началом Первой мировой войны , модерн был в значительной степени исчерпан. В 1920-х годах его сменил доминирующий стиль в архитектурном и декоративном искусстве на ар-деко, а затем на модернизм . [7] Стиль модерн начал получать более положительное внимание критиков в конце 1960-х годов, после крупной выставки работ Эктора Гимара в Музее современного искусства в 1970 году. [8]

Именование

Термин «ар-нуво» впервые был использован в 1880-х годах в бельгийском журнале L'Art Moderne для описания работ Les Vingt , двадцати художников и скульпторов, стремившихся к реформам через искусство. Название было популяризировано Maison de l'Art Nouveau («Дом нового искусства»), художественной галереей, открытой в Париже в 1895 году франко-германским торговцем произведениями искусства Зигфридом Бингом . В Великобритании широко использовался французский термин «Ар Нуво» , а во Франции его часто называли термином « Стиль модерн» (сродни британскому термину «Современный стиль ») или «Стиль 1900 года ». [9] Во Франции его также иногда называли Style Jules Verne (в честь романиста Жюля Верна ), Style Métro (в честь железных и стеклянных входов в метро Гектора Гимара ), Art Belle Époque или Art fin de siècle . [10]

Стиль модерн известен под разными названиями на разных языках: « Югендстиль» на немецком языке, «Stile Liberty» на итальянском языке, «Модернизм» на каталонском языке, а также известный как « Модернистский стиль» на английском языке. Этот стиль часто связан со стилями, которые возникли во многих странах Европы и других странах примерно в одно и то же время, но не всегда идентичен им. Их местные имена часто использовались в соответствующих странах для описания всего движения.

История

Происхождение

Новое художественное движение имело свои корни в Великобритании, в цветочном дизайне Уильяма Морриса и в движении искусств и ремесел, основанном учениками Морриса. Ранние прототипы стиля включают Красный дом с интерьерами Морриса и архитектурой Филипа Уэбба (1859 г.), а также роскошную Павлинью комнату Джеймса Эбботта Макнила Уистлера . На новое движение также сильное влияние оказали художники -прерафаэлиты , в том числе Данте Габриэль Россетти и Эдвард Бёрн-Джонс , и особенно британские художники-графики 1880-х годов, в том числе Селвин Имидж , Хейвуд Самнер , Уолтер Крейн , Альфред Гилберт и особенно Обри. Бердслей . [15] Стул, спроектированный Артуром Макмёрдо, был признан предшественником дизайна в стиле модерн. [16]

Во Франции на него повлиял архитектурный теоретик и историк Эжен Виолле-ле-Дюк , заядлый враг исторического архитектурного стиля изящных искусств , чьи теории рационализма были основаны на его изучении средневекового искусства :

Виолле-ле-Дюк сам был предшественником модерна: в 1851 году в Нотр-Дам де Пари он создал серию фресок, типичных для этого стиля. [21] Эти картины были удалены в 1945 году как неакадемические. В замке Рокетайлад в регионе Бордо его внутренние украшения, датированные 1865 годом, также предвосхищают стиль модерн. В своей книге 1872 года «Entretiens sur l'architecture» он писал: «Используйте средства и знания, данные нам нашим временем, без мешающих традиций, которые сегодня уже нежизнеспособны, и таким образом мы сможем создать новую архитектуру. Для каждого функция — свой материал; для каждого материала — своя форма и свой орнамент». [22] Эта книга повлияла на поколение архитекторов, в том числе Луи Салливана , Виктора Орта , Гектора Гимара и Антонио Гауди . [23]

Французские художники Морис Дени , Пьер Боннар и Эдуард Вюйар сыграли важную роль в объединении живописи изобразительного искусства с декорированием. «Я считаю, что прежде всего картина должна украшать», - писал Денис в 1891 году. «Выбор сюжетов или сцен ничего не значит. Именно ценностью тонов, цветной поверхностью и гармонией линий я могу достичь духа и разбуди эмоции». [24] Все эти художники занимались как традиционной живописью, так и декоративной росписью на экранах, стекле и других носителях. [25]

Другим важным влиянием на новый стиль оказался японизм . Это была волна энтузиазма по поводу японской гравюры на дереве , особенно работ Хиросигэ , Хокусая и Утагавы Кунисада , которые были импортированы в Европу, начиная с 1870-х годов. Предприимчивый Зигфрид Бинг основал ежемесячный журнал Le Japon Artistique в 1888 году и опубликовал тридцать шесть номеров до его закрытия в 1891 году. Он оказал влияние как на коллекционеров, так и на художников, включая Густава Климта . Стилизованные черты японской гравюры проявились в графике, фарфоре, ювелирных изделиях и мебели в стиле модерн. С начала 1860 года внезапно проявилось дальневосточное влияние. В 1862 году любители искусства из Лондона или Парижа могли купить японские произведения искусства , поскольку в этом году Япония впервые выступила в качестве экспонента на Международной выставке в Лондоне. Также в 1862 году в Париже был открыт магазин La Porte Chinoise , на улице Риволи , где продавалось японское укиё-э и другие предметы с Дальнего Востока. В 1867 г. появились «Примеры китайских орнаментов» Оуэна Джонса , в 1870 г. «Искусство и промышленность в Японии» Р. Алкока, а два года спустя О.Г. Мозер и Т.В. Катлер опубликовали книги о японском искусстве. Некоторые художники в стиле модерн, такие как Виктор Орта , владели коллекциями дальневосточного искусства, особенно японского. [11]

Новые технологии в печати и издательском деле позволили модерну быстро охватить мировую аудиторию. Художественные журналы, иллюстрированные фотографиями и цветными литографиями , сыграли существенную роль в популяризации нового стиля. Студия в Англии, Arts et idees и Art et Decoration во Франции и Jugend в Германии позволили этому стилю быстро распространиться во все уголки Европы. Обри Бердсли в Англии, а также Эжен Грассе , Анри де Тулуз-Лотрек и Феликс Валлоттон добились международного признания как иллюстраторы. [26] Благодаря плакатам Жюля Шере для танцовщицы Лои Фуллер в 1893 году и Альфонса Мухи для актрисы Сары Бернар в 1895 году плакат стал не просто рекламой, а формой искусства. Сара Бернар отложила большое количество своих плакатов на продажу коллекционерам. [27]

Развитие - Брюссель (1893–1898)

Первые таунхаусы в стиле модерн, дом Ханкара Поля Ханкара (1893 г.) и отель Tassel Виктора Орты (1892–1893 гг.), [4] [5] были построены почти одновременно в Брюсселе . Они были похожи по своей оригинальности, но сильно различались по конструкции и внешнему виду.

Виктор Орта был одним из самых влиятельных архитекторов раннего модерна, а его отель Tassel (1892–1893) в Брюсселе является одной из достопримечательностей этого стиля. [28] [29] Орта получил архитектурное образование в качестве помощника Альфонса Балата , архитектора короля Леопольда II , строя монументальные королевские теплицы из железа и стекла в Лакене . [30] Он был большим поклонником Виолле-ле-Дюка , идеи которого он полностью идентифицировал. [31] [32] В 1892–1893 годах он применил этот опыт совсем по-другому. Он спроектировал резиденцию выдающегося бельгийского химика Эмиля Тасселя на очень узком и глубоком участке. Центральным элементом дома была лестница, не огороженная стенами, а открытая, украшенная вьющимися коваными перилами и помещенная под высоким световым люком. Полы поддерживались тонкими железными колоннами, похожими на стволы деревьев. Мозаичные полы и стены были украшены изящными арабесками цветочных и растительных форм, которые стали самой популярной визитной карточкой стиля. [33] [34] За короткий период Орта построил еще три таунхауса, все с открытыми интерьерами и все с мансардными окнами для максимального внутреннего освещения: Hôtel Solvay , Hôtel van Eetvelde (для Эдмонда ван Эетвельде ) и Maison . и Ателье Орта . Все четыре теперь являются частью Всемирного наследия ЮНЕСКО .

Поль Ханкар также был новатором раннего модерна. Он родился во Фремри , в Эно , в семье мастера-резчика по камню. С 1873 по 1884 год он изучал декоративную скульптуру и декорирование в Королевской академии изящных искусств в Брюсселе, одновременно работая скульптором-орнаменталистом. С 1879 по 1904 год работал в мастерской выдающегося архитектора Анри Бейэра , мастера эклектической и неоклассической архитектуры . Благодаря Бейерту Ханкар также стал поклонником Виолле-ле-Дюк. [35] В 1893 году Ханкар спроектировал и построил Ханкар-хаус, свою собственную резиденцию в Брюсселе. С целью создать синтез изобразительного и декоративного искусства он объединил скульптора Рене Янсенса и художника Альберта Чамберлани, чтобы украсить интерьер и экстерьер сграффити или фресками. Фасад и балконы украшены железным декором и завитками стилизованных цветочных узоров, что стало важной чертой модерна. По этой модели он построил несколько домов для своих друзей-художников. Он также разработал серию инновационных стеклянных витрин для брюссельских магазинов, ресторанов и галерей, что местный критик назвал «настоящим бредом оригинальности». [36] Он умер в 1901 году, когда движение начало получать признание. [37]

Генри ван де Вельде , родившийся в Антверпене , был еще одним основоположником зарождения стиля модерн. Проекты Ван де Вельде включали интерьер его резиденции в Брюсселе, виллы Блуменверф (1895 г.). [38] [39] Внешний вид дома был вдохновлен Красным домом , резиденцией писателя и теоретика Уильяма Морриса , основателя движения искусств и ремесел . По образованию художник, Ван де Вельде обратился к иллюстрации, затем к дизайну мебели и, наконец, к архитектуре. Для виллы Блуменверф он создал текстиль, обои, столовое серебро, украшения и даже одежду, соответствующие стилю резиденции. [40] Ван де Вельде отправился в Париж, где спроектировал мебель и украшения для немецко-французского торговца произведениями искусства Зигфрида Бинга , чья парижская галерея дала этому стилю название. Он также был одним из первых теоретиков модерна, требуя использования динамичных, часто противоположных линий. Ван де Вельде писал: «Линия — это сила, подобная всем другим элементарным силам. Несколько линий, соединенных вместе, но противостоящих друг другу, обладают такой же силой, как несколько сил». В 1906 году он уехал из Бельгии в Веймар (Германия), где основал Великогерцогскую школу искусств и ремесел, где было запрещено преподавание исторических стилей. Он играл важную роль в немецком Веркбунде , прежде чем вернуться в Бельгию. [41]

Дебют архитектуры модерна в Брюсселе сопровождался волной декоративного искусства в новом стиле. Среди важных художников были Гюстав Штраувен , который использовал кованое железо для достижения эффектов барокко на фасадах Брюсселя; дизайнер мебели Гюстав Серрюрье-Бови , известный своими весьма оригинальными стульями и шарнирно-сочлененной металлической мебелью; и ювелирный дизайнер Филипп Вольферс , создавший украшения в виде стрекоз, бабочек, лебедей и змей. [42]

Брюссельская международная выставка , состоявшаяся в 1897 году, привлекла к этому стилю международное внимание; Орта, Ханкар, Ван де Вельде и Серрюрье-Бови, среди других, принимали участие в оформлении ярмарки, а Анри Прива-Ливемон создал плакат для выставки.

Париж – Дом в стиле модерн (1895 г.) и Кастель Беранже (1895–1898 гг.)

Франко-немецкий арт-дилер и издатель Зигфрид Бинг сыграл ключевую роль в популяризации этого стиля. В 1891 году он основал журнал, посвященный искусству Японии, который способствовал популяризации японизма в Европе. В 1892 году он организовал выставку семи художников, в том числе Пьера Боннара , Феликса Валлоттона , Эдуара Вюйара , Тулуз-Лотрека и Эжена Грассе , которая включала как современную живопись, так и декоративные работы. Эта выставка была показана в Национальном обществе изящных искусств в 1895 году. В том же году Бинг открыл новую галерею на улице Прованс, 22 в Париже, Maison de l'Art Nouveau , посвященную новым произведениям как изобразительного, так и художественного искусства. декоративное искусство. Интерьер и мебель галереи спроектированы бельгийским архитектором Генри ван де Вельде , одним из пионеров архитектуры модерна. В Доме модерна были представлены картины Жоржа Сёра , Поля Синьяка и Тулуз-Лотрека , стекло от Луи Комфорта Тиффани и Эмиля Галле , украшения Рене Лалика и плакаты Обри Бердслея . Представленные там работы вовсе не были однородными по стилю. Бинг писал в 1902 году: «Ар нуво на момент своего создания ни в коей мере не стремился к чести стать общим термином. Это было просто название дома, открытого как точка сплочения всей молодежи и молодежи». пылкие художники, которым не терпится показать современность своих тенденций». [43]

Этот стиль быстро заметили в соседней Франции. После посещения отеля Tassel Орты Эктор Гимар в период с 1895 по 1898 год построил Кастель Беранже , одно из первых парижских зданий в новом стиле. [nb 1] Парижане жаловались на однообразие архитектуры бульваров, построенных при Наполеоне III Жорж-Эжен Осман . Замок Беранже представлял собой любопытную смесь неоготики и модерна с изогнутыми линиями и естественными формами. Гимар, опытный публицист своей работы, заявил: «Чего следует избегать любой ценой, так это… параллели и симметрии. Природа – величайший строитель из всех, и природа не создает ничего параллельного и ничего симметричного». [45]

Парижане приветствовали оригинальный и колоритный стиль Гимара; Кастель Беранже был выбран одним из лучших новых фасадов Парижа, положив начало карьере Гимара. Гимару было поручено спроектировать входы в новую систему парижского метро , ​​что привлекло внимание миллионов посетителей городской выставки Exposition Universelle 1900 года . [10]

Парижская вселенная выставка (1900)

Всемирная выставка в Париже 1900 года ознаменовала высшую точку стиля модерн. В период с апреля по ноябрь 1900 года он привлек почти пятьдесят миллионов посетителей со всего мира и продемонстрировал архитектуру, дизайн, стеклянную посуду, мебель и декоративные предметы этого стиля. Архитектура экспозиции часто представляла собой смесь архитектуры в стиле модерн и изящных искусств : главный выставочный зал Большого дворца имел фасад в стиле изящных искусств, совершенно не связанный с впечатляющей лестницей в стиле модерн и выставочным залом в интерьере.

Французские дизайнеры создали для выставки специальные работы: хрусталь и украшения Lalique ; украшения Анри Вевера и Жоржа Фуке ; стекло Даум ; Национальная Севрская мануфактура фарфора ; керамика Александра Биго ; скульптурные стеклянные лампы и вазы Эмиля Галле ; мебель Эдуарда Колонны и Луи Мажореля ; и многие другие известные фирмы декоративно-прикладного искусства. На Парижской выставке 1900 года Зигфрид Бинг представил павильон под названием Art Nouveau Bing , в котором было представлено шесть различных интерьеров, полностью оформленных в этом стиле. [46] [47]

Выставка стала первой международной выставкой дизайнеров и художников в стиле модерн со всей Европы и за ее пределами. Лауреатами и участниками премии стали Альфонс Муха , оформивший фрески для павильона Боснии и Герцеговины и оформивший меню для ресторана павильона; декораторы и дизайнеры Бруно Пауль и Бруно Меринг из Берлина; Карло Бугатти из Турина ; Бернхардт Панкок из Баварии ; Российский архитектор-дизайнер Федор Шехтель и Louis Comfort Tiffany and Company из США. [48] ​​Венский архитектор Отто Вагнер был членом жюри и представил модель ванной комнаты в стиле модерн своей городской квартиры в Вене со стеклянной ванной. [49] Йозеф Хоффманн спроектировал венскую выставку на парижской выставке, подчеркнув проекты Венского сецессиона . [50] Элиэль Сааринен впервые получил международное признание за свой творческий дизайн павильона Финляндии. [51]

Хотя Парижская выставка была самой крупной, другие выставки во многом способствовали популяризации этого стиля. Универсальная выставка 1888 года в Барселоне ознаменовала начало стиля модернизма в Испании с некоторыми зданиями Луиса Доменека и Монтаньера . Международная выставка современного декоративного искусства 1902 года в Турине, Италия, представила дизайнеров со всей Европы, в том числе Виктора Орту из Бельгии и Джозефа Марию Ольбриха из Вены, а также местных художников, таких как Карло Бугатти , Галилео Чини и Эухенио Кварти . [52]

Местные варианты

Стиль модерн во Франции.

После выставки 1900 года столицей стиля модерн стал Париж. Самые экстравагантные резиденции в этом стиле были построены Жюлем Лавироттом , который полностью покрыл фасады керамическим скульптурным декором. Самый яркий пример — здание Лавиротт на авеню Рапп , 29 (1901 г.). Офисные здания и универмаги имели высокие дворы, покрытые витражными куполами и керамическим декором. Этот стиль был особенно популярен в ресторанах и кафе, в том числе Maxim's на улице Рояль , 3 и Le Train bleu на Лионском вокзале (1900). [53]

Статус Парижа привлекал в город иностранных художников. Художник швейцарского происхождения Эжен Грассе был одним из первых создателей французского плаката в стиле модерн. Он помог украсить знаменитое кабаре «Шат Нуар» в 1885 году, сделал свои первые плакаты для Парижских праздников и знаменитый плакат Сары Бернар в 1890 году. В Париже он преподавал в школе искусств Герена ( Écolenormale d'enseignement du dessin). ), где среди его учеников были Аугусто Джакометти и Поль Бертон . [54] [55] Теофиль-Александр Стейнлен, уроженец Швейцарии, создал знаменитый плакат для парижского кабаре «Шат нуар» в 1896 году. Чешский художник Альфонс Муха (1860–1939) приехал в Париж в 1888 году, а в 1895 году сделал плакат. для актрисы Сары Бернар в пьесе Викторьена Сарду «Жисмонда» в Театре Возрождения . Успех этого плаката привел к заключению контракта на изготовление плакатов еще к шести пьесам Бернхардта.

Другой французской столицей нового стиля стал город Нанси в Лотарингии . В 1901 году был основан Провинциальный союз промышленности искусства , также известный как Школа Нанси , целью которого было разрушить иерархию, ставившую живопись и скульптуру выше декоративного искусства. Среди основных художников, работавших там, были создатели стеклянных ваз и ламп Эмиль Галле , братья Даум , занимающиеся дизайном стекла, и дизайнер Луи Мажорель , создавший мебель с изящными цветочными и растительными формами. Архитектор Анри Соваж привнес в Нанси новый архитектурный стиль со своей виллой Мажорель в 1902 году.

Французский стиль широко пропагандировался новыми журналами, в том числе The Studio , Arts et Idées и Art et Décoration , чьи фотографии и цветные литографии сделали стиль известным дизайнерам и богатым клиентам по всему миру.

Во Франции этот стиль достиг своего апогея в 1900 году, а затем быстро вышел из моды, практически исчезнув из Франции к 1905 году. Ар-нуво был роскошным стилем, который требовал опытных и высокооплачиваемых мастеров, и его нельзя было легко или дешево сделать массовым. -произведено. Одним из немногих продуктов в стиле модерн, который можно было производить массово, был флакон для духов, и они до сих пор производятся в этом стиле.

Стиль модерн в Бельгии.

Бельгия была ранним центром стиля модерн, во многом благодаря архитектуре Виктора Орты , который спроектировал один из первых домов в стиле модерн, отель Tassel в 1893 году, и три других таунхауса в вариациях того же стиля. Теперь они являются объектами Всемирного наследия ЮНЕСКО . Орта оказал сильное влияние на творчество молодого Эктора Гимара , который приехал посмотреть строящийся отель Tassel, а позже заявил, что Орта был «изобретателем» стиля модерн. [56] Новшеством Орты был не фасад, а интерьер: он использовал обилие железа и стекла, чтобы открыть пространство и наполнить комнаты светом, и украсил их коваными железными колоннами и перилами изогнутых растительных форм, которые нашли отражение в полы и стены, а также мебель и ковры, разработанные Ортой. [57]

Пол Ханкар был еще одним пионером брюссельского модерна. Его дом был построен в 1893 году, в том же году, что и отель Tassel Орты, и на фасаде были фрески в стиле сграффити . На Ханкара повлияли как Виолле-ле-Дюк , так и идеи английского движения искусств и ремесел . Его концепция заключалась в том, чтобы объединить декоративное и изобразительное искусство в единое целое. Он поручил скульптору Альфреду Крику и художнику Адольфу Креспену  [ фр ] украсить своими работами фасады домов. Самым ярким примером был дом и студия, построенные для художника Альберта Чамберлани по адресу 48, rue Defacqz / Defacqzstraat в Брюсселе, для которого он создал пышный фасад, покрытый фресками сграффито с нарисованными фигурами и орнаментом, воссоздающими декоративную архитектуру Кватроченто . или Италия 15 века. [30] Ханкар умер в 1901 году, когда его работа только получала признание. [58]

Гюстав Штраувен начал свою карьеру в качестве помощника дизайнера, работая с Ортой, а затем в возрасте 21 года начал свою собственную практику, создавая одни из самых экстравагантных зданий в стиле модерн в Брюсселе. Его самая известная работа — Дом Сен-Сира на площади Амбиорикс , 11 / Ambiorixsquare . Ширина дома всего 4 метра (13 футов), но благодаря его сложным архитектурным изобретениям ему придается необычайная высота. Он полностью покрыт полихромным кирпичом и сетью вьющихся растительных форм из кованого железа , практически в стиле модерн-барокко. [59]

Среди других важных художников в стиле модерн из Бельгии были архитектор и дизайнер Генри ван де Вельде , хотя самая важная часть его карьеры прошла в Германии; он сильно повлиял на оформление модерна . Среди других были декоратор Гюстав Серрюрье-Бови и художник-график Фернан Кнопф . [5] [60] [61] Бельгийские дизайнеры воспользовались обильными поставками слоновой кости , импортированной из Бельгийского Конго ; были популярны смешанные скульптуры, сочетающие камень, металл и слоновую кость, выполненные такими художниками, как Филипп Вольферс . [62]

Ньюве Кунст в Нидерландах

В Нидерландах этот стиль был известен как Nieuwe Stijl («Новый стиль») или Nieuwe Kunst («Новое искусство»), и он принял направление, отличное от более цветочного и изогнутого стиля в Бельгии. На него повлияли более геометрические и стилизованные формы немецкого модерна и австрийского венского сецессиона . [62] На него также повлияло искусство и импорт древесины из Индонезии , затем из Голландской Ост-Индии , особенно дизайн текстиля и батика с Явы .

Самым важным архитектором и дизайнером мебели в этом стиле был Хендрик Петрус Берлаге , который осуждал исторические стили и выступал за чисто функциональную архитектуру. Он писал: «Необходимо бороться с искусством иллюзий, распознавать ложь, чтобы найти суть, а не иллюзию». [63] Как Виктор Орта и Гауди , он был поклонником архитектурных теорий Виолле-ле-Дюк . [63] Его мебель была спроектирована так, чтобы быть строго функциональной и уважать естественные формы дерева, а не сгибать или скручивать ее, как если бы она была металлической. Он указал на пример египетской мебели и предпочел стулья с прямыми углами. Его первой и самой известной архитектурной работой была Beurs van Berlage (1896–1903), Амстердамская товарная биржа, которую он построил, следуя принципам конструктивизма . Все было функционально, включая линии заклепок, украшавших стены главной комнаты. Он часто добавлял в свои здания очень высокие башни, чтобы сделать их более заметными - практику, которую использовали другие архитекторы в стиле модерн того периода, в том числе Йозеф Мария Ольбрих в Вене и Элиэль Сааринен в Финляндии. [64]

Другие здания в этом стиле включают Американский отель (1898–1900), также построенный Берлаге; и Астория (1904–1905) Германа Хендрика Баандерса и Геррита ван Аркеля в Амстердаме ; железнодорожный вокзал в Харлеме (1906–1908) и бывшее офисное здание компании Holland America Lines (1917) в Роттердаме , ныне отель «Нью-Йорк» .

Среди выдающихся художников-графиков и иллюстраторов этого стиля был Ян Тороп , чьи работы были склонны к мистицизму и символизму , даже в его плакатах с салатным маслом. В своих цветах и ​​дизайне они также иногда проявляли влияние искусства Явы. [64]

Важными фигурами в голландской керамике и фарфоре были Юрриан Кок и Тео Коленбрандер . Они использовали красочный цветочный узор и более традиционные мотивы модерна в сочетании с необычными формами керамики и контрастными темными и светлыми цветами, заимствованными из батика в убранстве Явы. [65]

Современный стиль и школа Глазго в Великобритании

Стиль модерн берет свое начало в Великобритании, в движении искусств и ремесел, которое зародилось в 1860-х годах и достигло международного признания к 1880-м годам. Он призывал к лучшему обращению с декоративным искусством и черпал вдохновение в средневековом мастерстве и дизайне, а также в природе. [68] Одним из ярких ранних примеров современного стиля является дизайн Артура Макмёрдо для обложки его эссе о городских церквях сэра Кристофера Рена , опубликованного в 1883 году, а также его стул из красного дерева того же года. [69]

Среди других важных новаторов в Британии были графические дизайнеры Обри Бердсли , чьи рисунки отличались изогнутыми линиями, которые стали самой узнаваемой чертой стиля. Также можно было бы представить струящееся кованое железо 1880-х годов или некоторые плоские цветочные текстильные узоры, большинство из которых в некоторой степени были связаны с образцами дизайна 19 века. Среди других британских художников-графиков, которые играли важную роль в этом стиле, были Уолтер Крейн и Чарльз Эшби . [70]

Универмаг Liberty в Лондоне сыграл важную роль благодаря своим красочным стилизованным цветочным орнаментам для текстиля, а также серебряным, оловянным и ювелирным дизайнам мэнского жителя (шотландского происхождения) Арчибальда Нокса . Его ювелирные изделия по материалам и формам полностью отошли от исторических традиций ювелирного дизайна.

Для архитектуры и дизайна мебели в стиле модерн самым важным центром в Великобритании был Глазго с творениями Чарльза Ренни Макинтоша и Школы Глазго , чья работа была вдохновлена ​​шотландской баронской архитектурой и японским дизайном. [71] Начиная с 1895 года, Макинтош демонстрировал свои проекты на международных выставках в Лондоне, Вене и Турине; его проекты особенно повлияли на стиль сецессиона в Вене. Его архитектурные творения включали здание Glasgow Herald Building (1894 г.) и библиотеку Школы искусств Глазго (1897 г.). Он также заработал репутацию дизайнера и декоратора мебели, тесно сотрудничая со своей женой Маргарет Макдональд Макинтош , выдающимся художником и дизайнером. Вместе они создали поразительные конструкции, в которых геометрические прямые линии сочетались с плавно изогнутыми цветочными украшениями, в частности, знаменитый символ стиля — Роза Глазго» .

Леон-Виктор Солон внес важный вклад в керамику в стиле модерн в качестве арт-директора Mintons. Он специализировался на табличках и вазах с трубчатой ​​подкладкой , продаваемых как «сепаратистская посуда» (обычно называемая в честь венского художественного движения ). [73] Помимо керамики, он разработал текстиль для шелковой промышленности лука-порея [74] и дублюры для переплетчика (GTBagguley из Ньюкасла-андер-Лайма), который запатентовал переплет Сазерленда в 1895 году.

Джордж Скиппер был, пожалуй, самым активным архитектором в стиле модерн в Англии. Здание Эдварда Эверарда в Бристоле, построенное в 1900–01 годах для размещения типографии Эдварда Эверарда , имеет фасад в стиле модерн. На изображенных фигурах изображены Иоганн Гутенберг и Уильям Моррис , выдающиеся в области книгопечатания. Крылатая фигура символизирует «Дух Света», а фигура, держащая лампу и зеркало, символизирует свет и истину.

Югендстиль в Германии

Немецкий модерн широко известен под немецким названием « Югендстиль» , или «Молодежный стиль». Название взято из художественного журнала Jugend («Молодежь»), издававшегося в Мюнхене. Журнал был основан в 1896 году Георгом Хиртом , который оставался редактором до своей смерти в 1916 году. Журнал просуществовал до 1940 года. В начале 20 века модерн применялся только к графическому искусству. [75] В частности, это относилось к формам типографики и графического дизайна , встречающимся в немецких журналах, таких как Jugend , Pan и Simplicissimus . Позже модерн был применен к другим версиям модерна в Германии, Нидерландах. Термин был заимствован из немецкого языка несколькими языками стран Балтии и Северной Европы для описания модерна (см. раздел «Именование»). [12] [76]

В 1892 году Георг Хирт выбрал название « Мюнхенский сецессион» для Ассоциации художников Мюнхена . Венский сецессион , основанный в 1897 году, [77] и Берлинский сецессион также получили свои названия от Мюнхенской группы.

Журналы «Югенд» и «Симплициссимус» , издаваемые в Мюнхене, и « Пан », издаваемые в Берлине, были важными сторонниками «Югендстиля » . Искусство модерна сочетало в себе извилистые кривые и более геометрические линии и использовалось для обложек романов, рекламы и выставочных плакатов. Дизайнеры часто создавали оригинальные стили шрифтов , которые гармонично сочетались с изображением, например, шрифт Арнольда Бёклина в 1904 году.

Отто Экманн был одним из самых выдающихся немецких художников, связанных как с Die Jugend , так и с Pan . Его любимым животным был лебедь, и его влияние было настолько велико, что лебедь стал символом всего движения. Другим выдающимся дизайнером этого стиля был Рихард Римершмид , который создавал мебель, керамику и другие декоративные предметы в сдержанном геометрическом стиле, указывающем на ар-деко. [78] Швейцарский художник Герман Обрист , живущий в Мюнхене, изобразил мотив переворота или хлыстовой травмы, сильно стилизованную двойную кривую, напоминающую движение стебля цветка цикламена .

Колония художников Дармштадта была основана в 1899 году Эрнестом Людвигом, великим герцогом Гессеном . Архитектором, построившим дом великого князя, а также самое большое сооружение колонии (Брачную башню), был Йозеф Мария Ольбрих , один из основателей Венского сецессиона . Другими известными художниками колонии были Питер Беренс и Ганс Кристиансен . Эрнест Людвиг также поручил в начале века перестроить курортный комплекс в Бад-Наухайме . Совершенно новый комплекс Шпрудельхоф  [ де ] был построен в 1905–1911 годах под руководством Вильгельма Йоста  [ де ] и достиг одной из главных целей модерна: синтеза всех искусств. [79] Еще одним членом правящей семьи, заказавшим структуру в стиле модерн, была принцесса Елизавета Гессенская и Рейнская . В 1908 году она основала Марфо-Мариинский женский монастырь в Москве, а его католикон признан шедевром модерна. [80]

Другим заметным союзом в Германской империи был Deutscher Werkbund , основанный в 1907 в Мюнхене по инициативе Германа Мутезиуса художниками Дармштадтской колонии Йозефом Марией Ольбрихом , Петером Беренсом ; другим основателем Венского сецессиона Йозефом Хоффманном , а также Wiener Werkstätte (основанным Хоффманном), Рихардом Римершмидом , Бруно Паулем и другими художниками и компаниями. [81] Позже к движению присоединился бельгиец Генри ван де Вельде [nb 2] . Великогерцогская школа искусств и ремесел  [де] , основанная им в Веймаре , была предшественницей Баухауза , одного из самых влиятельных течений в модернистской архитектуре . [83]

В Берлине модерн был выбран для строительства нескольких железнодорожных вокзалов. Наиболее примечательной [84] является Бюловштрассе Бруно Мёринга (1900–1902), другими примерами являются Мексикоплац (1902–1904), Ботанический сад (1908–1909), Фронау (1908–1910), Виттенбергплац (1911–1913) и Панков. (1912–1914) станции. Еще одно примечательное сооружение Берлина - Hackesche Höfe (1906 г.), в котором для фасада внутреннего двора использовался полихромный глазурованный кирпич.

Стиль модерн в Страсбурге (тогда входившем в состав Германской империи в качестве столицы Рейхсланда Эльзас-Лотринген ) был особым брендом, поскольку он сочетал в себе влияние Нанси и Брюсселя с влияниями Дармштадта и Вены , чтобы создать местный синтез, который отражал история города между германским и французским королевствами.

Сецессия в Австро-Венгрии

Венский сецессион

Вена стала центром особого варианта модерна, который стал известен как Венский Сецессион . Движение получило свое название от Мюнхенского сецессиона , основанного в 1892 году. Венский сецессион был основан в апреле 1897 года группой художников, в которую входили Густав Климт , Коломан Мозер , Йозеф Хоффманн , Йозеф Мария Ольбрих , Макс Курцвейл , Эрнст Штер и другие. [77] Художник Климт стал президентом группы. Они возражали против консервативной ориентации на историзм , выраженной Венским Кюнстлерхаусом , официальным союзом художников. Сецессион основал журнал Ver Sacrum для продвижения своих работ во всех средствах массовой информации. [85] Архитектор Йозеф Ольбрих спроектировал куполообразное здание Сецессиона в новом стиле, которое стало витриной для картин Густава Климта и других художников Сецессиона.

Климт стал самым известным из художников Сецессиона, часто стирая границу между изобразительной и декоративной живописью. Коломан Мозер был чрезвычайно разносторонним художником в этом стиле; его работы включают журнальные иллюстрации, архитектуру, столовое серебро, керамику, фарфор, текстиль, витражи и мебель.

Самым видным архитектором Венского сецессиона был Отто Вагнер , [86] он присоединился к движению вскоре после его возникновения, чтобы последовать за своими учениками Гофманом и Ольбрихом. Его основные проекты включали несколько станций городской железнодорожной сети (Stadtbahn ) , здания Linke Wienzeile (состоящие из Дома Майолики, Дома Медальонов и дома на Кёстлергассе). Станция Карлсплац сейчас является выставочным залом Венского музея . Кирхе -ам-Штайнхоф психиатрической больницы Штайнхоф (1904–1907) представляет собой уникальный и искусно выполненный образец религиозной архитектуры Сецессиона с традиционным куполообразным внешним видом, но гладким современным золото-белым интерьером, освещенным обилием современных витражей.

В 1899 году Йозеф Мария Ольбрих переехал в Дармштадтскую колонию художников , в 1903 году Коломан Мозер и Йозеф Хоффманн основали Wiener Werkstätte , школу и мастерскую для дизайнеров и мастеров мебели, ковров, текстиля и декоративных предметов. [87] В 1905 году Коломан Мозер и Густав Климт отделились от Венского сецессиона, позже в 1907 году Коломан Мозер также покинул Wiener Werkstätte , а другой ее основатель Йозеф Хоффманн присоединился к Deutscher Werkbund . [81] Густав Климт и Йозеф Хоффманн продолжили сотрудничество, они организовали выставку Kunstschau  [de] в 1908 году в Вене и построили дворец Стоклет в Брюсселе (1905–1911), который возвестил о приходе модернистской архитектуры . [88] [89] В июне 2009 года он был внесен в список Всемирного наследия ЮНЕСКО . [90]

Венгерский Сесессио

Пионер и пророк Szecesszió ( «Сецессион» на венгерском языке), архитектор Одон Лехнер , создал здания, которые ознаменовали переход от историзма к модернизму в венгерской архитектуре. [91] Его идея венгерского архитектурного стиля заключалась в использовании архитектурной керамики и восточных мотивов. В своих работах он использовал пигорганит, запущенный в производство к 1886 году Жолнайской фарфоровой мануфактурой . [91] Этот материал использовался при строительстве известных венгерских зданий других стилей, например, здания венгерского парламента и церкви Матьяша .

Работы Одена Лехнера [92] включают Музей прикладного искусства (1893–1896), другие здания с аналогичными отличительными чертами – Геологический музей (1896–1899) и здание Почтовой сберегательной кассы (1899–1902), все в Будапеште . Однако из-за противодействия венгерскому архитектурному истеблишменту успеху Лехнера он вскоре не смог получить новые заказы, сопоставимые с его предыдущими зданиями. [91] Но Лехнер был источником вдохновения и мастером для следующего поколения архитекторов, которые сыграли главную роль в популяризации нового стиля. [91] В процессе мадьяризации его ученикам были переданы в эксплуатацию многочисленные здания на окраинах королевства: например, Марселлу Комору  [ху] и Дежсо Якабу было поручено построить синагогу (1901–1903) и ратушу (1908–1910) в Сабадка (ныне Суботица , Сербия ), уездная префектура (1905–1907) и Дворец культуры (1911–1913) в Марошвашаргее (ныне Тыргу-Муреш , Румыния ). Позже Лехнер сам построил Голубую церковь в Пожошах (современная Братислава , Словакия ) в 1909–1913 годах.

Другим важным архитектором был Карой Кос , который был последователем Джона Раскина и Уильяма Морриса . Кос взял за образец движение финского национального романтизма , а за вдохновение — трансильванский язык. [93] Его наиболее известные здания включают Римско-католическую церковь в Зебегень (1908–09), павильоны Будапештского муниципального зоопарка (1909–1912) и Национальный музей Секели в Сепсисентдьёрдь (ныне Сфынту- Георге , Румыния, 1911–12).

Движением, которое продвигало Сецессио в искусстве, была Художественная колония Гёдёллё , основанная Аладаром Кёрёсфой-Кришем , также последователем Джона Рёскина и Уильяма Морриса и профессором Королевской школы прикладных искусств в Будапеште в 1901 году . множество проектов, в том числе Музыкальная академия Ференца Листа в Будапеште. [95]

Сотрудник Художественной колонии Гёдёллё, [96] Микса Рот также участвовал в нескольких десятках проектов Сесессио, включая здания в Будапеште, включая дворец Грешам (витраж, 1906 г.) и банк Тёрёк  [ фр ] (мозаика, 1906 г.), а также создавал мозаику и витражи. стекло для Дворца культуры (1911–1913) в Марошвашархее.

Известным дизайнером мебели является Одон Фараго  [ху] , который объединил традиционную народную архитектуру, восточную архитектуру и международный модерн в очень живописном стиле. Пал Хорти  [ху] , другой венгерский дизайнер, имел гораздо более сдержанный и функциональный стиль: он был выполнен из дуба с тонкими узорами из черного дерева и латуни.

Сецессия в Богемии, Моравии и Словакии

Самые известные сецессионские здания в Праге являются образцами тотального искусства с самобытной архитектурой, скульптурой и картинами. [97] Главный железнодорожный вокзал (1901–1909) был спроектирован Йозефом Фантой и украшен картинами Вацлава Янсы и скульптурами Ладислава Шалоуна и Станислава Сухарды, а также других художников. Муниципальный дом (1904–1912) был спроектирован Освальдом Поливкой и Антонином Бальшанеком, написан известным чешским художником Альфонсом Мухой и украшен скульптурами Йозефа Маржатки и Ладислава Шалоуна . Поливка, Маржатка и Шалоун одновременно сотрудничали в строительстве Новой ратуши (1908–1911) вместе со Станиславом Сухардой , а Муха позже расписал витражи собора Святого Вита в своем своеобразном стиле.

Самым важным чешским архитектором этого периода был Ян Котера , который учился в Вене у Отто Вагнера. Его самые известные работы — Дом Петерки на Вацлавской площади, 12 в Праге (1899–1900), Национальный дом в Простеёве (1905–1907) и Музей Восточной Чехии в Градце Кралове (1909–1912). Многие важные венские архитекторы родились в Моравии или Австрийской Силезии , например, Йозеф Хоффманн , Хуберт Гесснер, Йозеф Мария Ольбрих и Леопольд Бауэр .

Стиль сочетания венгерского Сецессио и национальных архитектурных элементов был типичен для словацкого архитектора Душана Юрковича . Его наиболее оригинальными работами являются Дом культуры в Сакольце (ныне Скалица в Словакии , 1905 г.), здания курорта в Лугачовице (ныне Чехия) в 1901–1903 гг. и 35 военных кладбищ возле Нового Жмигода в Галиции (ныне Польша), большая часть на них сильно повлияло местное лемковское ( русинское ) народное искусство и столярное дело (1915–1917).

Сецессия в Галиции

Важнейшими центрами сецессии в Галиции были Краков , Львов и Бельско-Бяла . Важнейшим примером стиля в Кракове является Дворец искусств (1898–1901), спроектированный Францишеком Мончинским под влиянием Сецессионного зала в Вене. Другие важные произведения, созданные Мончинским в Кракове вместе с Тадеушем Стриеньским: Дом под земным шаром (1904–1905) и Старый театр (1903–1906). Самыми важными дизайнерами интерьера были Станислав Выспянский и Юзеф Мехоффер , которые спроектировали множество витражей и интерьеров зданий. Наиболее важными работами первых являются витражи во францисканской церкви и в Доме Краковского медицинского общества (1905 г.), а вторых в интерьере Дома под земным шаром.

Во Львове самым важным архитектором был Владислав Садловский , который учился в Вене и находился под влиянием Отто Вагнера . Он проектировал Львовский вокзал (1899–1904), Львовскую филармонию (1905–1908), Индустриальное училище (1907–1908). Другим важным архитектором, также вдохновленным Вагнером, был Иван Левинский .

Одним из самых известных зданий Бельско-Бялы является так называемый «Лягушачий дом» Эмануэля Роста (1903 г.). Другие важные примеры сецессиона были спроектированы венскими архитекторами: Максом Фабиани , автором дома на улице Барлицкого, 1 (1900 г.), а также Леопольдом Бауэром , который спроектировал дом на улице Стояловского, 51 (1903 г.) и восстановление церкви Святого Николая. 'Собор (1909–10).

Отделение в Словении, Боснии, Хорватии и Триесте

Самым плодовитым словенским архитектором-сецессионистом был Цирил Метод Кох . [98] Он учился в классах Отто Вагнера в Вене и работал в городском совете Лайбаха (ныне Любляна , Словения ) с 1894 по 1923 год. После землетрясения в Лайбахе в 1895 году он спроектировал множество светских зданий в стиле сецессион, который он принял. с 1900 по 1910 год: [98] Дом Погачника (1901 г.), Здание Чудена (1901 г.), Фермерский ссудный банк (1906–07), отреставрированное здание Гауптмана в стиле сецессион в 1904 году. Кульминацией его карьеры стал Ссудный банк в Радмансдорфе. (ныне Радовлица ) в 1906 году. [98]

Другим важным словенским архитектором, который работал также в Боснии, был Иосип Ванкаш , автор таких работ, как Гранд-отель Юнион (1902–1903) или Городской сберегательный банк в Любляне (1902–1903), а также особняк Йешуа Д. Салома. (1901 г.) и Главпочтамт в Сараево (1907–1913 гг.). Также Йоже Плечник и Макс Фабиани , оба важные архитекторы Венского сецессиона , родились в Словении. Последний спроектировал несколько зданий в Словении и Триесте, например, Дом Бартоли в Триесте (1906 г.).

В Хорватии наиболее важными примерами сецессии являются Дом Каллина в Загребе Вьекослава Бастла (1903–1904) и Хорватский государственный архив в Загребе Рудольфа Любинского (1911–1913).

Стиль модерн в Румынии.

Модерн появляется в Румынии в те же годы, что и в Западной Европе (с начала 1890-х годов до начала Первой мировой войны в 1914 году), но здесь мало зданий в этом стиле, преобладает изящное искусство . Самым известным из них является казино Констанца . Большинство румынских образцов архитектуры в стиле модерн на самом деле представляют собой смесь изящных искусств и модерна, например, дом Ромула Пореску или дом № 1. 61 на улице Василе Ласкара, оба в Бухаресте. [102] Это связано с тем, что этот стиль был несколько незаконным в румынской архитектуре из-за того, что он был популярен в Трансильвании , части Австро-Венгерской империи в то время, где румыны подвергались притеснениям и дискриминации, несмотря на то, что они составляли большинство населения. Таким образом, люди, которые хотели дом в стиле модерн в 1900-х и начале 1910-х годов, могли разместить только некоторые тонкие орнаменты, напоминающие этот стиль, в то время как остальное было полностью изящным искусством или, в некоторых редких случаях, румынским возрождением . Примером этого является Дом Фанни и Исака Попперов в Бухаресте (Strada Sfintilor № 1), 1914 год, построенный Альфредом Поппером, который в основном выполнен в академическом стиле изящных искусств, но имеет некоторые рельефы в стиле модерн с изображением женщин, танцующих и играющих на музыкальных инструментах. у оснований двух пилястр и цветов над арочной дверью. Частой особенностью, напоминающей этот стиль, являются арочные окна с изогнутыми деревянными элементами. Однако эта оконная особенность не обязательно может быть в стиле модерн, поскольку в архитектуре изящных искусств и возрождения рококо обычно используются изогнутые и извилистые линии, особенно в 1890-х, 1900-х и 1910-х годах.

Одним из самых известных художников в стиле модерн из Румынии был Штефан Лучиан , который на короткое время быстро взял на себя новаторские и декоративные направления в стиле модерн. Этот момент был синхронизирован с основанием Общества Илеана в 1897 году, одним из основателей которого он был, компании, которая организовала выставку (1898) в отеле «Юнион» под названием «Выставка независимых художников» и издала журнал – Журнал «Илеана». [103]

В Трансильвании есть примеры зданий как в стиле модерн, так и в стиле румынского возрождения, причем первые относятся к австро-венгерской эпохе. Большинство из них можно найти в Ораде , прозванной «столицей Румынии в стиле модерн», [104] , а также в Тимишоаре , Тыргу-Муреше и Сибиу . [105] [106] [107]

Стиль Либерти в Италии

Стиль модерн в Италии был известен как arte nuova , stile floreale , stile Moderno и особенно стиль Liberty . Стиль Liberty получил свое название от Артура Ласенби Liberty и магазина, основанного им в 1874 году в Лондоне, универмага Liberty , который специализировался на импорте украшений, текстиля и предметов искусства из Японии и Дальнего Востока и чей красочный текстиль пользовался особой популярностью в Италии. . Среди известных итальянских дизайнеров этого стиля был Галилео Чини , чья керамика часто вдохновлялась узорами майолики . Позже он был известен как художник и театральный декоратор; он оформил декорации для двух знаменитых опер Пуччини «Джанни Скикки» и «Турандот» . [108] [109] [12]

Архитектура стиля Либерти сильно различалась и часто следовала историческим стилям, особенно барокко. Фасады часто были украшены украшениями и скульптурой. Примеры стиля Либерти включают Виллино Флорио (1899–1902) Эрнесто Базиле в Палермо ; Палаццо Кастильони в Милане работы Джузеппе Соммаруги (1901–1903); Милан и Casa Guazzoni (1904–05) в Милане Джованни Баттиста Босси (1904–06). [110]

Красочные фрески, нарисованные или керамические, а также скульптура как внутри, так и снаружи были популярной чертой стиля Либерти. Они опирались как на классические, так и на цветочные темы. как в термах Acque della Salute, так и в Casa Guazzoni в Милане.

Самой важной фигурой в дизайне стиля Либерти был Карло Бугатти , сын архитектора и декоратора, отец Рембрандта Бугатти , скульптора Либерти, и Этторе Бугатти , известного автомобильного дизайнера. Он учился в миланской Академии Брера , а затем в Академии изящных искусств в Париже. Его работы отличались экзотикой и эксцентричностью и включали в себя изделия из серебра, текстиля, керамики и музыкальных инструментов, но больше всего его помнят за его новаторский дизайн мебели, впервые показанный на Миланской ярмарке изящных искусств 1888 года. Его мебель часто имела дизайн замочной скважины и имела необычные покрытия, в том числе пергамент и шелк, а также вставки из кости и слоновой кости. Иногда он также имел удивительные органические формы, скопированные с улиток и кобр. [111]

Модерн и сецессион в Сербии

Из-за непосредственной близости к Австро-Венгрии и Воеводине , которые до 1918 года были частью империи, как Венское отделение, так и венгерское Сецессион были распространенными движениями на территории современной северной Сербии, а также в столице Белграде . [112] Известные австрийские и венгерские архитекторы спроектировали множество зданий в Суботице , Нови-Саде , Паличе , Зренянине , Врбасе , Сенте и Кикинде . Наследие ар-нуво в Белграде , Панчево , Аранджеловаце и Врнячка-Бане представляет собой смесь французских, немецких, австрийских, венгерских и местных сербских движений. От пышной цветочной красоты синагоги Суботицы до розеток в моравском стиле на здании телеграфа в Белграде, архитектура в стиле модерн принимает различные формы в современной Сербии.

Еще в начале 1900-х годов, к северу от Савы и Дуная, возрождающиеся венгерские национальные настроения наполнили здания в Суботице и Сенте местными цветочными этническими мотивами, а в крошечном Королевстве Сербия такие национальные романтики, как Бранко Танезевич и Драгутин Инкиостири-Меденьяк (оба родившийся в Австро-Венгерской империи), воплотил традиционные мотивы Сербии в чудесные здания. Другие архитекторы, такие как Милан Антонович и Никола Несторович, привнесли модные тогда извилистые линии и естественные мотивы в дома и предприятия своих богатых покровителей, чтобы они могли продемонстрировать свою светскую жизнь и идти в ногу с тенденциями Парижа, Мюнхена и Вены. [113]

Модернизм и модернизм в Испании.

Весьма оригинальный вариант стиля появился в Барселоне , Каталония , примерно в то же время, когда стиль модерн появился в Бельгии и Франции. На каталонском языке он назывался Modernismo , на испанском – Modernismo . Самым известным его создателем был Антонио Гауди . Гауди совершенно по-новому использовал цветочные и органические формы во Дворце Гуэля (1886–1890). По данным ЮНЕСКО, «архитектура парка сочетала в себе элементы движения искусств и ремесел, символизма, экспрессионизма и рационализма, а также предвосхищала и повлияла на многие формы и методы модернизма 20-го века». [115] [116] [117] Он интегрировал в свою архитектуру такие ремесла, как керамика , витражи , ковка кованого железа и столярные изделия . В своих павильонах Гуэля (1884–1887), а затем в парке Гуэля (1900–1914) он также использовал новую технику под названием тренкадис , в которой использовались отходы керамики. Его проекты примерно 1903 года, Дом Бальо (1904–1906) и Дом Мила (1906–1912), [114] наиболее тесно связаны со стилистическими элементами модерна. [118] Более поздние структуры, такие как Саграда Фамилия, сочетали элементы модерна с возрожденческой неоготикой . [118] Дом Бальо , Дом Мила , Павильоны Гуэля и Парк Гуэля были результатом его сотрудничества с Хосепом Марией Хухолем , который сам создал дома в Сан-Жоан-Деспи (1913–1926), несколько церквей недалеко от Таррагоны (1918 и 1926) и извилистый Casa Planells (1924 г.) в Барселоне .

Помимо доминирующего присутствия Гауди, Луис Доменек-и-Монтанер также использовал стиль модерн в Барселоне в таких зданиях, как Кастель-дель-Трес-Драконы (1888 г.), Дом Ллео Морера , Дворец каталонской музыки (1905 г.) и Больница Сант-Пау (1901–1901 гг. ). 1930). [118] Два последних здания были внесены в список Всемирного культурного наследия ЮНЕСКО . [119]

Другим крупным модернистом был Хосеп Пуч-и-Кадафалк , который спроектировал Casa Martí и его кафе Els Quatre Gats , текстильную фабрику Casimir Casaramona (ныне художественный музей CaixaForum ), Casa Macaya, Casa Amatller , Palau del Baró de Quadras (жилой дом Casa Àsia). на 10 лет до 2013 года) и Casa de les Punxes («Дом шипов»).

Отличительное движение в стиле модерн было также в Валенсийском сообществе . Некоторые из известных архитекторов были Деметрио Рибес Марко, Висенте Паскуаль Пастор , Тимотео Бриет Монто и Хосе Мария Мануэль Кортина Перес . Определяющими характеристиками валенсийского модерна являются заметное использование керамики в отделке, как на фасаде, так и в орнаменте, а также использование региональных мотивов Валенсии.

Еще одним замечательным вариантом является мадриленский модерн или Modernismo madrileño с такими известными зданиями, как дворец Лонгория , Казино Мадрида или кладбище Альмудена , среди других. Известными модернистами из Мадрида были архитекторы Хосе Лопес Саллаберри , Фернандо Арбос-и-Треманти и Франсиско Андрес Октавио  [исп] .

Движение модернизма оставило обширное художественное наследие, включая рисунки, картины, скульптуры, изделия из стекла и металла, мозаику, керамику и мебель. Часть его можно найти в Национальном музее искусства Каталонии .

Вдохновленный парижским кафе Le Chat Noir , где он ранее работал, Пере Ромеу и Боррас  [ок.] решил открыть в Барселоне кафе под названием Els Quatre Gats (Четыре кошки по-каталонски). [120] Кафе стало центральным местом встречи самых выдающихся деятелей модернизма Барселоны , таких как Пабло Пикассо и Рамон Касас-и-Карбо , которые помогали продвигать это движение своими плакатами и открытками. Для кафе он создал картину « Рамон Касас и Пере Роме в тандеме» , которую в 1901 году заменила другая его композиция под названием « Рамон Касас и Пере Роме в автомобиле» , символизирующая новый век.

Антонио Гауди спроектировал мебель для многих построенных им домов; Одним из примеров является кресло под названием Battle House . Он оказал влияние на другого известного каталонского дизайнера мебели, Гаспара Хомара  [ок.] (1870–1953), который часто сочетал в своей мебели маркетри и мозаику. [121]

Арте Нова в Португалии

Вариант модерна в Авейру (Португалия) назывался Arte Nova , и его главной характерной особенностью была показная показуха: стиль использовался буржуазией, которая хотела выразить свое богатство на фасадах, оставив при этом консервативные интерьеры. [123] Еще одной отличительной особенностью Arte Nova было использование плитки местного производства с мотивами модерна. [123]

Самым влиятельным художником Arte Nova был Франсиско Аугусто да Силва Роча. [123] Хотя он не получил архитекторского образования, он спроектировал множество зданий в Авейру и других городах Португалии. [124] [123] Один из них, резиденция майора Пессоа, имеет фасад и интерьер в стиле модерн, и теперь в нем находится Музей Arte Nova. [123]

Есть и другие примеры Arte Nova в других городах Португалии. [125] [126] Некоторые из них - это музей-резиденция доктора Анастасио Гонсалвеса Мануэля Хоакима Норте Жуниора  [pt] (1904–1905) в Лиссабоне , кафе Majestic Жоау Кейруша  [pt] (1921) и книжный магазин Livraria Lello Ксавье Эстевес  [pt] (1906), оба в Порту .

Югендстиль в странах Северной Европы

Финляндия

Стиль модерн был популярен в скандинавских странах , где он обычно был известен как модерн и часто сочетался с национальным романтическим стилем каждой страны. Скандинавской страной с наибольшим количеством зданий в стиле модерн является Великое Княжество Финляндское , входившее в то время в состав Российской Империи . [127] Период модерна совпал с Золотым веком финского искусства и национальным пробуждением. После Парижской выставки 1900 года ведущим финским художником стал Аксели Галлен-Каллела . [128] Он известен своими иллюстрациями к «Калевале» , финскому национальному эпосу, а также росписью многочисленных зданий в стиле юдендстиль в герцогстве.

Архитекторами финского павильона на выставке были Герман Гезеллиус , Армас Линдгрен и Элиэль Сааринен . Они работали вместе с 1896 по 1905 год и создали множество примечательных зданий в Хельсинки , в том числе здание страхования Похьола (1899–1901) и Национальный музей Финляндии (1905–1910) [129] , а также их совместную резиденцию Хвиттреск в Киркконумми (1902). Архитекторов вдохновили скандинавские легенды и природа, поэтому грубый гранитный фасад стал символом принадлежности к финской нации. [130] После роспуска фирмы Сааринен спроектировал железнодорожный вокзал Хельсинки (1905–1914) в более четких формах под влиянием американской архитектуры. [130] Скульптором, который работал с Саариненом при строительстве Национального музея Финляндии и железнодорожного вокзала Хельсинки, был Эмиль Викстрём .

Другим архитектором, создавшим в Финляндии несколько заметных произведений, был Ларс Сонк . Его основные работы в стиле модерн включают собор Тампере (1902–1907), Айнолу , дом Яна Сибелиуса (1903), штаб-квартиру Хельсинкской телефонной ассоциации (1903–1907) и церковь Каллио в Хельсинки (1908–1912). Кроме того, Магнус Шерфбек , брат Хелен Шерфбек , в 1903 году построил туберкулезный санаторий , известный как Санаторий Нуммела, в стиле модерн. [131] [132] [133]

Норвегия

Норвегия также стремилась к независимости (от Швеции), и местный модерн был связан с возрождением, вдохновленным народным искусством и ремеслами викингов . Среди известных дизайнеров были Ларс Кисарвик, который разработал стулья с традиционными узорами викингов и кельтов , и Герхард Мунте , который разработал стул со стилизованной эмблемой головы дракона с древних кораблей викингов, а также большое разнообразие плакатов, картин и графики. [134]

Норвежский город Олесунн считается главным центром стиля модерн в Скандинавии, поскольку он был полностью реконструирован после пожара 23 января 1904 года. В период с 1904 по 1907 год по городскому плану, разработанному инженером Фредериком, было построено около 350 зданий. Нэссер. Слияние единства и разнообразия породило стиль, известный как Ål Stil. Здания этого стиля имеют линейный декор и отголоски как модерна, так и народных элементов, например, башни деревянных церквей или гребневые крыши. [135] В одном из зданий, «Лебединой аптеки», сейчас располагается Центр модерна .

Швеция и Дания

Шедевры модерна других стран Северной Европы включают Энгельбректскиркан (1914 г.) и Королевский драматический театр (1901–1908 гг.) в Стокгольме , Швеция [136] и бывшую городскую библиотеку (ныне Датский национальный бизнес-архив ) в Орхусе , Дания (1898–1901 гг.). [137] Архитектором последнего является Хак Кампманн , в то время сторонник национального романтического стиля , который также создал таможню , театр и виллу Кампен в Орхусе . Самым известным датским дизайнером в стиле модерн был серебряный мастер Георг Йенсен . Балтийскую выставку в Мальмё 1914 года можно рассматривать как последнее крупное проявление модерна в Швеции. [138]

Модерн в России

Модерн («Модерн») был очень красочной русской вариацией модерна, появившейся в Москве и Санкт-Петербурге в 1898 году с публикацией нового художественного журнала « Мир искусства » (Мир искусства), созданного русскими художниками. Александр Бенуа и Леон Бакст , а также главный редактор Сергей Дягилев . В журнале организовывались выставки ведущих русских художников, в том числе Михаила Врубеля , Константина Сомова , Исаака Левитана , книжного иллюстратора Ивана Билибина . В стиле «Мир искусства» меньше использовались растительные и цветочные формы французского модерна; он во многом опирался на яркие цвета и экзотические узоры русского фольклора и сказок. Самым влиятельным вкладом « Мира искусства» стало создание новой балетной труппы « Русские балеты » во главе с Дягилевым с костюмами и декорациями, разработанными Бакстом и Бенуа. Премьера новой балетной труппы состоялась в Париже в 1909 году, и она выступала там каждый год до 1913 года. Экзотические и красочные декорации, созданные Бенуа и Бакстом, оказали большое влияние на французское искусство и дизайн. Эскизы костюмов и декораций были воспроизведены в ведущих парижских журналах L'Illustration , La Vie parisienne и Gazette du bon ton , а русский стиль стал известен в Париже как à la Bakst . Труппа застряла в Париже сначала из-за начала Первой мировой войны, а затем из-за русской революции 1917 года и, по иронии судьбы, никогда не выступала в России. [139]

Из русских архитекторов наиболее выдающимся представителем чистого стиля модерн был Фёдор Шехтель . Самый известный пример – Дом Рябушинского в Москве. Он был построен российским бизнесменом и владельцем газеты, а затем, после русской революции , стал резиденцией писателя Максима Горького , а сейчас является музеем Горького . Его главная лестница, выполненная из полированного заполнителя бетона, мрамора и гранита, имеет плавные, вьющиеся, как морские волны, линии и освещена лампой в виде плавающей медузы. В интерьере также присутствуют двери, окна и потолок, украшенные красочными мозаичными фресками. [140] Шехтель, который также считается важной фигурой в русском символизме , спроектировал несколько других знаковых зданий в Москве, в том числе реконструкцию Московского Ярославского вокзала , в более традиционном стиле московского возрождения. [140]

Другие русские архитекторы того периода создали архитектуру русского возрождения , основанную на исторической русской архитектуре . Эти постройки были созданы преимущественно из дерева и отсылали к архитектуре Киевской Руси . Одним из примеров является Дом Теремка в Талашкино (1901–1902) Сергея Малютина и Дом Перцовой (также известный как Дом Перцова) в Москве (1905–1907). Он также был членом движения «Мир искусства» . Перед эмиграцией в 1923 году петербургский архитектор Николай Васильев строил в разных стилях. Это здание наиболее примечательно резьбой по камню, выполненной Сергеем Вашковым по мотивам резьбы Дмитриевского собора во Владимире и Георгиевского собора в Юрьеве- Польском XII и XIII вв. Еще одним примером архитектуры русского возрождения является Марфо-Мариинский монастырь (1908–1912), обновленная Русская православная церковь Алексея Щусева , который позже, по иронии судьбы, спроектировал Мавзолей Ленина в Москве.

Несколько художественных колоний в России в этот период были построены в стиле русского возрождения . Двумя наиболее известными колониями были Абрамцево , финансируемое Саввой Мамонтовым , и Талашкино Смоленской губернии , финансируемое княгиней Марией Тенишевой .

Украинская современная архитектура

Архитектура начала 20 века на украинских землях (юго-западная часть Российской империи, Восточная Галичина , Буковина и Закарпатье в Австро-Венгрии) развивалась под влиянием украинского народного зодчества , а также течений европейского модерна, таких как закопанский стиль . Украинская «современная» архитектура впервые приобрела известность в Полтавской губернии , где ее наиболее активными пропагандистами были Василий Кричевский и Опанас Сластион . В конце 1900-х — начале 1910-х годов ряд зданий в так называемом тогда просто «украинском стиле» был построен в Киеве , Харькове , Одессе , Екатеринославе и ряде других мест Российской империи. В Западной Украине , входившей в то время в состав Австро-Венгрии, местный украинский стиль находился под влиянием гуцульской архитектуры, а также западноевропейских тенденций и влияний Великой Украины . [141]

Югендстильс (модерн в Риге)

Рига , нынешняя столица Латвии , была в то время одним из крупнейших городов Российской империи . Тем не менее архитектура модерна в Риге развивалась по своей собственной динамике, и этот стиль стал чрезвычайно популярен в городе. Вскоре после Латвийской этнографической выставки в 1896 году и выставки промышленности и ремесел в 1901 году стиль модерн стал доминирующим в городе. [142] Таким образом, архитектура в стиле модерн составляет одну треть всех зданий в центре Риги, что делает его городом с самой высокой концентрацией таких зданий в мире. Количество и качество архитектуры в стиле модерн было одним из критериев включения Риги в список Всемирного культурного наследия ЮНЕСКО . [143]

В Риге существовали разные варианты архитектуры модерна:

Некоторые более поздние неоклассические здания также содержали детали в стиле модерн.

Стиль Сапен в Ла-Шо-де-Фон, Швейцария

Вариант под названием Style Sapin («Стиль ели») появился в Ла-Шо-де-Фон в кантоне Невшатель в Швейцарии. Этот стиль был разработан художником и художником Шарлем Л'Эплаттенье и был особенно вдохновлен сапином , « елкой » и другими растениями и дикой природой гор Юра . Одной из его главных работ был городской крематорий, в котором были представлены треугольные формы деревьев, сосновые шишки и другие природные темы региона. Стиль также сочетал в себе более геометрические стилистические элементы модерна и венского сецессиона . [144]

Еще одним примечательным зданием в этом стиле является вилла Фалле Ла Шо-де-Фон , шале, спроектированное и построенное в 1905 году учеником Л'Эпплаттенье, восемнадцатилетним Ле Корбюзье . По форме дом представлял собой традиционное швейцарское шале , но в оформлении фасада использовались треугольные деревья и другие природные элементы. Ле Корбюзье построил в этом районе еще два шале, в том числе виллу Стотцер, в более традиционном стиле шале. [145] [144] [146] [147]

Тиффани Стайл и Луи Салливан в США

В США фирма Луи Комфорт Тиффани сыграла центральную роль в американском модерне. Он родился в 1848 году, учился в Национальной академии дизайна в Нью-Йорке, начал работать со стеклом в возрасте 24 лет, вошел в семейный бизнес, начатый его отцом, а в 1885 году основал собственное предприятие по производству высококачественного стекла. разработали новые методы его окраски. В 1893 году он начал делать стеклянные вазы и чаши, снова разрабатывая новые методы, позволяющие получить более оригинальные формы и цвета, и начал экспериментировать с декоративным оконным стеклом. Слои стекла были напечатаны, мраморизованы и наложены друг на друга, что придало исключительное богатство и разнообразие цветов. В 1895 году его новые работы были представлены в галерее Зигфрида Бинга в стиле модерн, что дало ему новую европейскую клиентуру. После смерти отца в 1902 году он взял на себя все предприятие Tiffany, но по-прежнему посвящал большую часть своего времени проектированию и производству предметов искусства из стекла. По настоянию Томаса Эдисона он начал производить электрические лампы с разноцветными стеклянными плафонами из бронзы и железа или украшенные мозаикой, выпускаемые многочисленными сериями и выпусками, каждое из которых выполнено с тщательностью ювелирного изделия. Над каждым изделием работала команда дизайнеров и мастеров. Лампа Тиффани, в частности, стала одной из икон модерна, но мастера Тиффани проектировали и изготавливали необычные окна, вазы и другие произведения искусства из стекла. Бокал Тиффани также имел большой успех на Всемирной выставке 1900 года в Париже; его витраж под названием « Полет душ» получил золотую медаль. [148] Колумбийская выставка была важным местом проведения Tiffany; спроектированная им часовня была показана в Павильоне искусства и промышленности. Часовня Тиффани вместе с одним из окон дома Тиффани в Нью-Йорке сейчас выставлены в Музее американского искусства Чарльза Хосмера Морса в Винтер-Парке , Флорида.

Другой важной фигурой американского модерна был архитектор Луи Салливан . Салливан был ведущим пионером американской современной архитектуры. Он был основателем Чикагской школы , архитектором некоторых из первых небоскребов и учителем Фрэнка Ллойда Райта . Его самым известным высказыванием было «Форма следует за функцией». Хотя форма его зданий определялась их назначением, его убранство было образцом американского модерна. На Всемирной Колумбийской выставке 1893 года в Чикаго, наиболее известной неоклассической архитектурой знаменитого Белого города , он спроектировал впечатляющий вход в стиле модерн для очень функционального Транспортного здания. [149] [150]

Хотя архитектура его здания «Карсон, Пири, Скотт и компания » (1899 г.) (ныне Центр Салливана ) была поразительно современной и функциональной, он окружил окна стилизованным цветочным декором. Он изобрел столь же оригинальное украшение для Национального фермерского банка Оватонны , штат Миннесота (1907–1908), и торгового национального банка в Гринелле, штат Айова. Он изобрел специфически американскую разновидность модерна, заявив, что декоративные формы должны колебаться, волноваться, смешиваться и развиваться без конца. Он создавал произведения большой точности, в которых иногда сочетались готика с темами модерна. [151]

Стиль модерн в Аргентине.

Наводненная европейскими иммигрантами, Аргентина приветствовала все художественные и архитектурные европейские стили, включая модерн. Существовала среда огромных инвестиций и гибких правил строительства, что побуждало молодых архитекторов из Европы приезжать и расширять свое портфолио, чтобы позже вернуться в Европу. В результате Аргентина стала страной за пределами Европы с наибольшим количеством зданий в стиле модерн. [152] Городами с наиболее заметным наследием в стиле модерн в Аргентине являются Буэнос-Айрес , Росарио и Мар-дель-Плата . [153]

Париж стал прототипом Буэнос-Айреса благодаря строительству больших бульваров и проспектов в 19 веке. [152] Местный стиль наряду с французским влиянием также следовал итальянской свободе, поскольку многие архитекторы ( Вирджинио Коломбо , Франсиско Джанотти , Марио Паланти ) были итальянцами. В работах Хулиана Гарсиа Нуньеса  [ es ] можно отметить каталонское влияние, когда он завершил учебу в Барселоне в 1900 году, а также в работах Эдуардо Родригеса Ортеги. [152] Влияние Венского сецессиона можно найти в здании Paso y Viamonte, Club Español, Regimiento de Granaderos a Caballo и отеле Savoy. [152]

Некоторые местные особенности включают адаптацию к ранее существовавшему формату зданий «дома чоризо», который подразумевал относительно узкий фасад для действительно глубокого здания внутри квартала с множеством патио или отверстий для воздуха и света; а также характерные «срезанные углы» на каждом квартале, что было требованием закона Буэнос-Айреса с конца 1800-х годов; доступность материалов также отличалась от Европы, и здания часто были покрыты «simil piedra Paris», который представлял собой имитацию парижского камня, сделанного путем смешивания цемента с песком и различными минералами.

Появление стиля модерн в Росарио связано с Франсиско Рока Симо  [ эс ] , который обучался в Барселоне. [154] В его здании Club Español  [es] (1912 г.) имеется один из крупнейших витражей в Латинской Америке, произведенный (а также плитка и керамика) местной фирмой Buxadera, Fornells y Cía. [155] Скульптор здания — Диего Масана из Барселоны. [155]

Бельгийское влияние на аргентинский модерн представлено виллой Ортис Басуальдо, где сейчас находится Муниципальный художественный музей Хуана Карлоса Кастаньино в Мар-дель-Плата, где мебель, интерьеры и освещение созданы Гюставом Серрюрье-Бови .

Арт-нуво в остальном мире

Как и в Аргентине, модерн в других странах находился под сильным влиянием иностранных художников:

Мотивы в стиле модерн также можно найти во французской колониальной архитектуре по всему Французскому Индокитаю .

Известное художественное движение под названием школа Бецалель появилось в палестинском регионе в поздние периоды Османской империи и британского мандата . Его описывают как «слияние восточного искусства и модерна». [166] Несколько художников, связанных со школой Бецалель, были известны своим стилем модерн, в том числе Зеев Рабан , Эфраим Мозес Лилиен и Абель Панн . [167]

Характеристики, украшения и мотивы

Ранний модерн, особенно в Бельгии и Франции, характеризовался волнообразными, изогнутыми формами, вдохновленными лилиями, виноградными лозами, стеблями цветов и другими природными формами, которые использовались, в частности, в интерьерах Виктора Орта и украшениях Луи Мажореля и Эмиля Галле . [169] Он также опирался на узоры на основе бабочек и стрекоз, заимствованные из японского искусства, которые были популярны в Европе в то время. [169]

В раннем стиле модерн также часто использовались более стилизованные формы, выражающие движение, такие как переворот или « хлыстовая » линия, изображенная на растениях цикламенов, нарисованных дизайнером Германом Обристом в 1894 году. В журнале Pan опубликовано описание настенного ковра Германа Обриста . Цикламен (1894) сравнил его с «внезапными резкими изгибами, возникающими от щелчка кнута» [170]. Термин «хлыстовая травма», хотя первоначально он использовался для высмеивания этого стиля, часто применяется к характерным изгибам, используемым Художники модерна. [170] Такие декоративные волнистые и плавные линии в синкопированном ритме и асимметричной форме часто встречаются в архитектуре, живописи, скульптуре и других формах дизайна в стиле модерн. [170]

Были популярны и другие цветочные формы, вдохновленные лилиями, глицинией и другими цветами, особенно в лампах Луи Комфорта Тиффани и стеклянных предметах, созданных художниками Школы Нанси и Эмиля Галле . Другие изогнутые и волнообразные формы, заимствованные у природы, включали бабочек, павлинов, лебедей и кувшинок. На многих рисунках были изображены женские волосы, переплетенные со стеблями лилий, ирисов и других цветов. [171] Стилизованные цветочные формы особенно использовались Виктором Ортой в коврах, балюстрадах, окнах и мебели. Они также широко использовались Гектором Гимаром для балюстрад и, что наиболее известно, для фонарей и перил у входов в парижское метро . Гимар объяснил: «Во всем непрерывном следует избегать параллельности и симметрии. Природа – величайший строитель, и природа не создает ничего параллельного и ничего симметричного». [172]

Более ранняя мебель в стиле модерн, например, изготовленная Луи Мажорелем и Генри ван де Вельде , характеризовалась использованием экзотических и дорогих материалов, в том числе красного дерева со вставками из ценных пород дерева и отделкой, а также изогнутыми формами без прямых углов. Это давало ощущение легкости.

На втором этапе модерна, после 1900 года, декор стал чище, а линии более стилизованными. Изогнутые линии и формы превратились в многоугольники, а затем в кубы и другие геометрические формы. Эти геометрические формы с особым эффектом использовались в архитектуре и мебели Йозефа Марии Ольбриха , Отто Вагнера , Коломана Мозера и Йозефа Хоффмана , особенно во дворце Стоклет в Брюсселе, который возвестил о приходе ар-деко и модернизма . [88] [89] [90]

Еще одной особенностью архитектуры в стиле модерн было использование света за счет открытия внутренних пространств, удаления стен и широкого использования мансардных окон, чтобы внести максимальное количество света в интерьер. Резиденция-мастерская Виктора Орты и другие построенные им дома имели обширные мансардные окна, опиравшиеся на изогнутые железные рамы. В отеле Tassel он убрал традиционные стены вокруг лестницы, так что лестница стала центральным элементом дизайна интерьера.

Связь с современными стилями и движениями

Как художественный стиль, модерн имеет сходство с прерафаэлитами и символистскими стилями, и такие художники, как Обри Бердслей , Альфонс Муха , Эдвард Бёрн-Джонс , Густав Климт и Ян Тороп , могут быть отнесены к более чем одному из этих стилей. Однако, в отличие от живописи символистов, модерн имеет особый внешний вид; и, в отличие от ремесленного движения «Искусство и ремесла» , художники в стиле модерн с готовностью использовали новые материалы, обработанные поверхности и абстракцию на службе чистого дизайна.

В отличие от движения «Искусство и ремесла» в стиле модерн не избегали использования машин. Для скульптуры основными материалами были стекло и кованое железо, что приводило к скульптурным качествам даже в архитектуре. Керамика также использовалась при создании изданий скульптур таких художников, как Огюст Роден . [175] хотя его скульптура не считается модерном.

В архитектуре в стиле модерн использовались многие технологические инновации конца 19 века, особенно использование открытого железа и больших кусков стекла неправильной формы в архитектуре.

Тенденции модерна также были впитаны в местные стили. В Дании, например, это был один из аспектов Скёнвирке («Эстетическая работа»), который сам по себе более тесно связан со стилем декоративно-прикладного искусства . [176] [177] Точно так же художники переняли многие цветочные и органические мотивы модерна в стиль Młoda Polska («Молодая Польша») в Польше. [178] Млода Польска , однако, включала и другие художественные стили и охватывала более широкий подход к искусству, литературе и образу жизни. [179]

В архитектурном отношении модерн имеет сходство со стилями, которые, хотя и являются современными, существуют за пределами модернистской традиции, установленной такими архитекторами, как Вальтер Гропиус и Ле Корбюзье . Он особенно тесно связан с экспрессионистской архитектурой , которая разделяет предпочтение органических форм, но выросла из интеллектуальной неудовлетворенности подходом модерна к орнаменту. В отличие от акцента в стиле модерн на растениях и растительных мотивах, экспрессионизм черпает вдохновение из таких вещей, как пещеры, горы, молнии, кристаллы и скальные образования. [180] Еще одним стилем, задуманным как реакция на модерн, был ар-деко , который полностью отвергал органические поверхности в пользу прямолинейного стиля, заимствованного из современного художественного авангарда.

Жанры

Модерн представлен в живописи и скульптуре , но наиболее заметно он проявляется в архитектуре и декоративном искусстве . Он хорошо подходил для графического искусства , особенно плаката , дизайна интерьера , искусства металла и стекла , ювелирных изделий , дизайна мебели , керамики и текстиля .

Плакаты и графика

Графика процветала в период модерна благодаря новым технологиям печати, в частности цветной литографии , которая позволила массово производить цветные плакаты. Искусство больше не ограничивалось галереями, музеями и салонами; его можно было найти на стенах Парижа и в иллюстрированных художественных журналах, которые распространялись по всей Европе и в Соединенных Штатах. Самой популярной темой плакатов в стиле модерн были женщины; женщины, символизирующие гламур, современность и красоту, часто окружены цветами.

В Великобритании ведущим графиком стиля модерн был Обри Бердслей (1872–1898). Начинал он с гравированных книжных иллюстраций к «Смерти д'Артура» , затем черно-белых иллюстраций к « Саломее» Оскара Уайльда (1893), принесших ему известность. В том же году он начал гравировать иллюстрации и плакаты для художественного журнала The Studio , который помогал популяризировать европейских художников, таких как Фернан Кнопф, в Великобритании. Извилистые линии и замысловатые цветочные узоры привлекли не меньше внимания, чем текст. [181]

Швейцарско-французский художник Эжен Грассе (1845–1917) был одним из первых создателей французского плаката в стиле модерн. Он помог украсить знаменитое кабаре Le Chat noir в 1885 году и сделал свои первые плакаты для Fêtes de Paris . В 1890 году он сделал знаменитый плакат с изображением Сары Бернар и множество книжных иллюстраций. Художники-дизайнеры Жюль Шере , Жорж де Фёр и художник Анри де Тулуз-Лотрек создавали плакаты для парижских театров, кафе, танцевальных залов-кабаре. Чешский художник Альфонс Муха (1860–1939) приехал в Париж в 1888 году и в 1895 году сделал афишу актрисы Сары Бернар к пьесе Викторьена Сарду « Жисмонда » . Успех этого плаката привел к заключению контракта на изготовление плакатов еще к шести пьесам Бернхардта. В течение следующих четырех лет он также создавал для актрисы декорации, костюмы и даже украшения. [182] [183] ​​Основываясь на успехе своих театральных афиш, Муха сделал плакаты для самых разных товаров, от сигарет и мыла до пивного печенья, на всех из них была изображена идеализированная женская фигура с фигурой песочных часов. Он продолжал разрабатывать продукты, от ювелирных украшений до коробок для печенья, в своем характерном стиле. [184]

В Вене самым плодовитым дизайнером графики и плакатов был Коломан Мозер (1868–1918), который активно участвовал в движении Сецессиона вместе с Густавом Климтом и Йозефом Гофманом , а также делал иллюстрации и обложки для журнала движения Ver Sacrum , а также а также картины, мебель и украшения. [185]

Рисование

Живопись была еще одной областью модерна, хотя большинство художников, связанных с модерном, в первую очередь описываются как представители других течений, особенно постимпрессионизма и символизма . Альфонс Муха был известен своими плакатами в стиле модерн, которые его расстраивали. По словам его сына и биографа Иржи Мухи , он не очень много думал о стиле модерн. «Что это, модерн ? - спросил он. - ...Искусство никогда не может быть новым». [186] Он больше всего гордился своей работой как исторический художник . дочь его покровителя в славянском костюме, созданном по образцу его театральных плакатов. [186]

Художниками, наиболее тесно связанными с ар-нуво, были Ле Наби , художники-постимпрессионисты, которые работали в Париже с 1888 по 1900 год. Одной из их заявленных целей было разрушить барьер между изобразительным и декоративным искусством. Писали не только полотна, но и декоративные ширмы и панно. Многие из их работ созданы под влиянием эстетики японской гравюры. В ее состав входили Пьер Боннар , Морис Дени , Поль Рэнсон , Эдуард Вюйар , Кер-Ксавье Руссель , Феликс Валлоттон и Поль Серюзье . [187]

Австрийский художник Густав Климт был представителем живописи в стиле модерн, а точнее представителем модернистского движения Венского сецессиона. Климт писал холсты и фрески в богато украшенном личном стиле, который он также выражал в изделиях ручной работы, например, в галерее Венского сецессиона. Климт нашел один из самых постоянных источников вдохновения в женской обнаженной натуре. Его работы чувственны, имеют натуралистический, индивидуальный, органический стиль, вдохновленный природой и следуя декоративному стилю Гауди.

Каталонские художники-модернисты (Рамон Касас, Сантьяго Русиньоль, Алейш Клапес, Хоаким Суньер, Эрменегильдо Англада Камараса, Хуан Брюлль, Рикар Канальс, Хавьер Госе, Хосеп Мария Серт, Мигель Утрилло и др.), тесно связанные с авангардом Парижа. и находившиеся под огромным влиянием Антонио Гауди, местом встреч была таверна Els Quatre Gats. Из группы вышел Пабло Пикассо.

Учениками Англады Камарасы были аргентинцы Грегорио Лопес Нагиль, Тито Читтадини и Рауль Мацца, которые были ответственны за доставку живописи в стиле модерн в Южную Америку.

В Бельгии Фернан Кнопф работал как в живописи, так и в графическом дизайне. Настенные росписи Густава Климта были интегрированы в декоративную схему Йозефа Гофмана дворца Стоклет (1905–1911). Фреска Климта для столовой дворца Стокле считается шедевром позднего модерна.

Один сюжет действительно появлялся как в традиционной живописи, так и в стиле модерн; Американскую танцовщицу Лои Фуллер изображали французские и австрийские художники и плакатисты. [43]

Одним из особых стилей, который стал популярным в период модерна, особенно в Брюсселе, было сграффито , техника, изобретенная в эпоху Возрождения, заключающаяся в нанесении слоев тонированной штукатурки для создания фресок на фасадах домов. В частности, его использовал бельгийский архитектор Поль Ханкар для домов, которые он построил для двух друзей-художников, Поля Коши и Альберта Чамберлани.

Стеклянное искусство

Искусство стекла было средой, в которой модерн нашел новые и разнообразные способы выражения. Было проведено интенсивное количество экспериментов, особенно во Франции, чтобы найти новые эффекты прозрачности и непрозрачности: в гравюре были камеи, двойные слои и кислотная гравировка - техника, позволяющая производить серийное производство. Город Нанси стал важным центром французской стекольной промышленности, здесь располагались мастерские Эмиля Галле и студия «Даум» , которой руководили Огюст и Антонен Даум. Они работали со многими известными дизайнерами, в том числе с Эрнестом Бюссьером  [фр] , Анри Берже (иллюстратор)  [фр] и Амальриком Вальтером . Они разработали новый метод инкрустации стекла путем вдавливания в незавершенное изделие фрагментов разноцветного стекла. Они часто сотрудничали с дизайнером мебели Луи Мажорелем , чей дом и мастерские находились в Нанси. Еще одной особенностью модерна было использование витражей с этой цветочной тематикой в ​​жилых салонах, особенно в домах в стиле модерн в Нанси. Многие из них были работой Жака Грюбера , который делал окна для Виллы Мажорель и других домов. [189]

В Бельгии ведущей фирмой была стекольная фабрика Валь Сен-Ламбер , которая создавала вазы органических и цветочных форм, многие из которых были созданы Филиппом Вольферсом . Вольферс был особенно известен созданием произведений из символистского стекла, часто с металлическими украшениями. В Богемии , тогдашнем регионе Австро-Венгерской империи, известном производством хрусталя, компании J. & L. Lobmeyr и Joh. Лётц Витве также экспериментировал с новыми техниками окраски, создавая более яркие и насыщенные цвета. В Германии эксперименты возглавил Карл Кёппинг, который из выдувного стекла создал чрезвычайно изящные бокалы в форме цветов; настолько хрупкий, что немногие выживают сегодня. [190]

В Вене стеклянные конструкции движения Сецессиона были гораздо более геометрическими, чем во Франции или Бельгии; Отто Пручер был самым строгим дизайнером стекла этого механизма. [190] В Великобритании Маргарет Макдональд Макинтош создала ряд цветочных витражей для архитектурной выставки под названием « Дом любителя искусства» .

В Соединенных Штатах Луи Комфорт Тиффани и его дизайнеры прославились своими лампами, в стеклянных абажурах которых использовались общие цветочные темы, замысловато соединенные вместе. Лампы Тиффани приобрели популярность после Всемирной Колумбийской выставки в Чикаго в 1893 году, где Тиффани выставил свои лампы в часовне, напоминающей византийский стиль. Тиффани много экспериментировала с процессами окраски стекла, запатентовав в 1894 году процесс стекла Favrile , в котором оксиды металлов использовались для окраски внутренней части расплавленного стекла, придавая ему переливающийся эффект. В его мастерских было произведено несколько различных серий ламп Тиффани с разными цветочными узорами, а также витражи, ширмы, вазы и ряд декоративных предметов. Его работы были сначала импортированы в Германию, затем во Францию ​​Зигфридом Бингом , а затем стали одной из декоративных сенсаций Выставки 1900 года. Американский конкурент Tiffany, компания Steuben Glass , была основана в 1903 году в Корнинге, штат Нью-Йорк , Фредериком Кардером , который, как и Tiffany, использовал процесс Fevrile для создания поверхностей с переливающимися цветами. Другим известным американским художником по стеклу был Джон Ла Фарж , создавший сложные и красочные витражи как на религиозные, так и на чисто декоративные темы. [190]

Примеры витражей в церквях можно найти в статье Религиозные постройки в стиле модерн .

Металлическое искусство

Теоретик архитектуры XIX века Виолле-ле-Дюк выступал за демонстрацию, а не за скрытие железных каркасов современных зданий, но архитекторы в стиле модерн Виктор Орта и Эктор Гимар пошли еще дальше: они добавили железный декор в форме кривых, вдохновленных цветочными и растительными мотивами. формы как в интерьерах, так и в экстерьерах зданий. Они приняли форму лестничных перил внутри, светильников и других деталей внутри, а также балконов и других украшений снаружи. Они стали одними из самых отличительных особенностей архитектуры в стиле модерн. Использование металлических украшений в растительных формах вскоре также появилось в столовом серебре, лампах и других декоративных предметах. [191]

В США дизайнер Джордж Грант Элмсли выполнил чрезвычайно замысловатые чугунные конструкции для балюстрад и другого внутреннего убранства зданий чикагского архитектора Луи Салливана .

В то время как французские и американские дизайнеры использовали цветочные и растительные формы, Джозеф Мария Ольбрих и другие художники Сецессиона создавали чайники и другие металлические предметы в более геометрическом и сдержанном стиле. [192]

Ювелирные изделия

Ювелирные изделия в стиле модерн характеризуются тонкими изгибами и линиями. В его дизайне часто используются природные объекты, включая цветы, животных или птиц. Женское тело также популярно, часто появляясь в камео . Оно часто включало длинные ожерелья из жемчуга или цепочки из стерлингового серебра, перемежающиеся стеклянными бусинами или заканчивающиеся серебряным или золотым кулоном, который сам по себе часто создавался как украшение для хранения одного ограненного драгоценного камня из аметиста , перидота или цитрина . [193]

Период ар-нуво принес заметную стилистическую революцию в ювелирную промышленность, возглавляемую главным образом крупными фирмами Парижа. В течение предыдущих двух столетий в ювелирных украшениях основное внимание уделялось созданию эффектных оправ для бриллиантов. Во времена правления модерна бриллианты обычно играли второстепенную роль. Ювелиры экспериментировали с множеством других камней, включая агат , гранат , опал , лунный камень , аквамарин и другие полудрагоценные камни, а также с широким спектром новых техник, среди прочего эмалирования , и новыми материалами, включая рог , формованное стекло, и слоновая кость .

Среди первых известных парижских ювелиров в стиле модерн был Луи Окок , чья семейная ювелирная фирма была основана в 1821 году. Самый известный дизайнер периода модерн, Рене Лалик , проходил обучение в студии Aucoc с 1874 по 1876 год. Лалик стал центральным дизайнером фигура из ювелирных украшений и стекла в стиле модерн, использующая в качестве моделей природу, от стрекоз до трав. Художники, не относящиеся к традиционному миру ювелирных изделий, такие как Поль Фолло , наиболее известный как дизайнер мебели, экспериментировали с дизайном ювелирных изделий. Среди других известных французских дизайнеров ювелирных украшений в стиле модерн были Жюль Брато и Жорж Анри. В США самым известным дизайнером был Луи Комфорт Тиффани , чьи работы демонстрировались в магазине Зигфрида Бинга , а также на Парижской выставке 1900 года.

В Великобритании наиболее заметной фигурой был дизайнер Liberty & Co. & Cymric Арчибальд Нокс , который изготовил множество предметов в стиле модерн, в том числе серебряные пряжки для ремней. CR Ashbee разработал подвески в форме павлинов. Универсальный дизайнер из Глазго Чарльз Ренни Макинтош также создавал украшения с использованием традиционных кельтских символов. В Германии центром ювелирного модерна был город Пфорцхайм , где располагалось большинство немецких фирм, в том числе Theodor Fahrner . Они быстро создали работы, отвечающие спросу на новый стиль. [193]

Архитектура и орнамент

Архитектура модерна была реакцией на эклектичные стили, которые доминировали в европейской архитектуре во второй половине XIX века. Это выражалось в декорировании: либо декоративном (на основе цветов и растений, например чертополоха, [195] ирисов, [196] цикламенов, орхидей, кувшинок и т. д.), либо скульптурном (см. соответствующий раздел ниже). Если к орнаменту относят лица людей (или маскароны ), то использование людей в различных формах скульптуры (статуи и рельефы: см. соответствующий раздел ниже) было распространено и в некоторых формах модерна. До Венского сецессии модерн и различные формы фасадов национального романтического стиля были асимметричными и часто украшались полихромной керамической плиткой. Украшение обычно предполагало движение; не было никакого различия между структурой и орнаментом. [197] Мотив завитка или «хлыста» , основанный на формах растений и цветов, широко использовался в раннем модерне, но украшение стало более абстрактным и симметричным в Венском сецессионе и других более поздних версиях стиля, как в Дворец Стокле в Брюсселе (1905–1911). [198]

Этот стиль впервые появился в Брюссельском доме Ханкара Поля Ханкара (1893) и в отеле Tassel (1892–93) Виктора Орты . Отель «Тассель» посетил Эктор Гимар , который использовал тот же стиль в своей первой крупной работе « Замок Беранже» (1897–98). Орта и Гимар также разработали мебель и внутреннюю отделку, вплоть до дверных ручек и коврового покрытия. В 1899 году, основываясь на славе замка Беранже, Гимар получил заказ на проектирование входов на станции нового парижского метро , ​​открывшегося в 1900 году. Хотя немногие из оригиналов сохранились, они стали символом движения в стиле модерн. в Париже.

В Париже архитектурный стиль также был реакцией на строгие правила, наложенные на фасады зданий Жоржем-Эженом Османом , префектом Парижа при Наполеоне III . Эркерные окна были наконец разрешены в 1903 году, и архитекторы в стиле модерн пошли на противоположную крайность, особенно в домах Жюля Лавиротта , которые по сути представляли собой большие скульптурные произведения, полностью покрытые декором. Важный квартал домов в стиле модерн возник во французском городе Нанси , вокруг виллы Мажорель (1901–02), резиденции дизайнера мебели Луи Мажореля . Он был спроектирован Анри Соважем как витрина для дизайна мебели Мажореля. [197]

Многие здания в стиле модерн были включены в список Всемирного культурного наследия ЮНЕСКО как часть городских центров (в Берне , Будапеште , Львове , Париже, Порту , Праге , Риге , Санкт-Петербурге , Страсбурге ( Нойштадте ), Вене ). Наряду с ними были здания, вошедшие в список как отдельные объекты:

Скульптура

Скульптура была еще одной формой самовыражения художников модерна, иногда пересекающейся с керамикой. Фарфоровая статуэтка «Танцующая с шарфом» работы Агатона Леонара получила признание как в керамике, так и в скульптуре на Парижской выставке 1900 года. Керамические скульптуры создавали и скульпторы других стран: богемцы Станислав Сухарда и Ладислав Шалун , бельгиец Шарль Ван дер Стаппен и каталонец Ламберт Эскалер.  [ок] , создавший статуи из полихромной терракоты. Другим известным скульптором того времени был Агусти Кероль Субирас из Каталонии , создавший статуи в Испании, Мексике, Аргентине и на Кубе . [200]

В архитектурной скульптуре использовались не только статуи, но и рельефы. Архитекторы и скульпторы в стиле модерн черпали вдохновение в животных мотивах (бабочки, [201] павлины, [202] лебеди, [203] совы, [204] летучие мыши, [205] драконы, [206] медведи [207] ). Использовались также атланты , [208] кариатиды , [209] путти , [210] и горгульи [211] .

Мебель

Дизайн мебели в период модерна был тесно связан с архитектурой зданий; архитекторы часто проектировали мебель, ковры, светильники, дверные ручки и другие декоративные детали. Мебель зачастую была сложной и дорогой; тонкая отделка, обычно полированная или покрытая лаком, считалась необходимой, а континентальный дизайн обычно был очень сложным, с изогнутыми формами, изготовление которых было дорогостоящим. У этого также был недостаток: владелец дома не мог изменить мебель или добавить предметы в другом стиле, не нарушая при этом общий эффект комнаты. По этой причине, когда архитектура модерна вышла из моды, стиль мебели также во многом исчез.

Во Франции центр дизайна и производства мебели находился в Нанси , где два крупных дизайнера, Эмиль Галле и Луи Мажорель , имели свои студии и мастерские и где был основан Альянс промышленности искусств (позже названный Школой Нанси). в 1901 году. Оба дизайнера основывали свою структуру и орнамент на формах, взятых из природы, включая цветы и насекомых, таких как стрекоза, популярный мотив в дизайне в стиле модерн. Галле был особенно известен тем, что использовал рельефную маркетри в виде пейзажей или поэтических тем. Мажорель был известен тем, что использовал экзотические и дорогие породы дерева, а также прикреплял бронзовые скульптуры на растительные темы к своим предметам мебели. Оба дизайнера использовали машины на первых этапах производства, но все детали были обработаны вручную. Среди других известных дизайнеров мебели школы Нэнси были Эжен Валлен и Эмиль Андре ; оба были архитекторами по образованию, и оба проектировали мебель, напоминавшую мебель бельгийских дизайнеров, таких как Орта и Ван де Вельде, которая имела меньше декора и более точно повторяла изогнутые растения и цветы. Среди других известных французских дизайнеров были Анри Беллери-Дефонтен , который черпал вдохновение из неоготических стилей Виолле-ле-Дюк ; и Жорж де Фёр , Эжен Гайяр и Эдуард Колонна , которые работали вместе с арт-дилером Зигфридом Бингом , чтобы оживить французскую мебельную промышленность новыми темами. Их работы были известны «абстрактным натурализмом», единством прямых и изогнутых линий и влиянием рококо . Мебель de Feure в павильоне Bing завоевала золотую медаль на Парижской выставке 1900 года. Самым необычным и колоритным французским дизайнером был Франсуа-Руперт Карабин , скульптор по образованию, чья мебель отличалась скульптурными обнаженными женскими формами и символическими животными, особенно кошками, сочетавшими элементы модерна с символизмом . Другими влиятельными парижскими дизайнерами мебели были Шарль Плюме и Александр Шарпантье . [212] Во многих отношениях старый словарный запас и методы классической французской мебели в стиле рококо 18-го века были переосмыслены в новом стиле. [10]

В Бельгии архитекторы - пионеры движения в стиле модерн Виктор Орта и Генри ван де Вельде проектировали мебель для своих домов, используя энергичные изогнутые линии и минимум декора. Бельгийский дизайнер Гюстав Серрюрье-Бови добавил больше декора, применив латунные полоски изогнутой формы. В Нидерландах, где этот стиль назывался Nieuwe Kunst или Новое искусство, HP Berlag, Lion Cachet и Theodor Nieuwenhuis следовали другому курсу, курсу английского движения искусств и ремесел , с более геометрическими рациональными формами.

В Британии мебель Чарльза Ренни Макинтоша была чисто декоративно-прикладной, строгой и геометрической, с длинными прямыми линиями и прямыми углами и минимумом декора. [213] Континентальный дизайн был гораздо более сложным, часто с использованием изогнутых форм как в основных формах изделия, так и в прикладных декоративных мотивах. В Германии мебель Питера Беренса и модерна была в основном рационалистической, с геометрическими прямыми линиями и некоторым декором, прикрепленным к поверхности. Их целью была полная противоположность французскому модерну; простота конструкции и простота материалов для мебели, которая может быть недорогой и легко производиться серийно. То же самое можно сказать и о мебели дизайнеров Wiener Werkstätte в Вене во главе с Отто Вагнером , Йозефом Хоффманном , Йозефом Марией Ольбрихом и Коломаном Мозером . Мебель была геометрической и имела минимум декора, хотя по стилю она часто следовала национальным историческим прецедентам, особенно стилю Бидемайер . [214]

Итальянский и испанский дизайн мебели пошел в своем направлении. Карло Бугатти в Италии спроектировал необычный стул «Улитка», деревянный, покрытый расписным пергаментом и медью, для Туринской международной выставки 1902 года. В Испании, следуя примеру Антонио Гауди и движения модернизма , дизайнер мебели Гаспар Хомар создал работы, вдохновленные естественными формами с элементами каталонского исторического стиля. [134]

В Соединенных Штатах дизайн мебели чаще вдохновлялся движением искусств и ремесел или историческими американскими моделями, чем модерном. Одним из дизайнеров, который представил темы ар-нуво, был Чарльз Рольфс из Буффало, штат Нью-Йорк , чей дизайн мебели из американского белого дуба был основан на мотивах кельтского искусства и готического искусства с элементами ар-нуво в металлической отделке, нанесенной на детали. [134]

Керамика

Керамическое искусство, в том числе фаянс , было еще одной процветающей сферой творчества художников в стиле модерн в англоязычных странах, подпадающих под более широкое движение художественной керамики . В последней половине 19-го века произошло множество технологических инноваций в производстве керамики, в частности, разработка высокотемпературной ( grand feu ) керамики с кристаллизованной и матовой глазурью. В то же время были заново открыты несколько утерянных техник, таких как глазурь сан-де-беф . Керамика в стиле модерн также находилась под влиянием традиционной и современной японской и китайской керамики, растительные и цветочные мотивы которой хорошо сочетались со стилем модерн. Во Франции художники также заново открыли для себя традиционные методы обработки керамики ( gres ) и заново изобрели их, добавив новые мотивы. [219]

Эмиль Галле из Нанси создавал глиняные изделия естественных цветов земли с натуралистическими темами растений и насекомых. Керамика также нашла новое важное применение в архитектуре: архитекторы в стиле модерн, в том числе Жюль Лавирот и Гектор Гимар , начали украшать фасады зданий архитектурной керамикой , многие из которых были изготовлены фирмой Александра Биго , придавая им особый характер в стиле модерн. скульптурный вид. [219]

Одним из пионеров французского керамиста в стиле модерн был Эрнест Шаплет , чья карьера в керамике длилась тридцать лет. Он начал производить керамику под влиянием японских и китайских прототипов. Начиная с 1886 года, он работал с художником Полем Гогеном над изделиями из керамики с накладными фигурами, множеством ручек, окрашенными и частично глазурованными, а также сотрудничал со скульпторами Феликсом Бракемоном , Жюлем Далу и Огюстом Роденом . Его работы были высоко оценены на выставке 1900 года.

Крупнейшие национальные керамические фирмы заняли важное место на Парижской выставке 1900 года: Национальная мануфактура в Севре за пределами Парижа; Нимфенбург , Мейсен , Villeroy & Boch в Германии и Doulton в Великобритании. Среди других ведущих французских керамистов были Таксиль Доат , Пьер-Адриен Дальпайра , Эдмон Лашеналь , Альберт Даммус  [фр] и Огюст Делаэрш . [220]

Во Франции керамика в стиле модерн иногда переходила грань скульптуры. Фарфоровая статуэтка « Танцовщица с шарфом» работы Агатона Леонара , изготовленная для Национальной мануфактуры в Севре , получила признание в обеих категориях на Парижской выставке 1900 года.

Фабрика Zsolnay в Пече , Венгрия, была основана Миклошем Жолнаем (1800–1880) в 1853 году и возглавлялась его сыном Вилмошем Жолнаем (1828–1900) вместе с главным дизайнером Таде Сикорским (1852–1940) для производства керамики и другой керамики. В 1893 году Жолнай представил фарфоровые изделия из эозина . Он привел фабрику к всемирному признанию, демонстрируя ее инновационную продукцию на всемирных ярмарках и международных выставках, в том числе на Всемирной выставке 1873 года в Вене , затем на Всемирной выставке 1878 года в Париже , где Жолнай получил Гран-при . Морозостойкие строительные украшения Жолнаи использовались во многих зданиях, особенно во времена модерна. [221]

Керамическая плитка также была отличительной особенностью португальского Arte Nova , продолжавшего давнюю традицию страны азулежу .

Мозаика

Мозаики использовались многими художниками в стиле модерн разных направлений, особенно каталонского модернизма ( Госпиталь Сан-Пау , Дворец каталонской музыки , Дом Ллео-Морера и многие другие). Антонио Гауди изобрел новую технику обработки материалов под названием тренкадис , в которой использовались отходы керамики.

Красочная майоликовая плитка с цветочным орнаментом была отличительной чертой Майоликового дома в Вене Отто Вагнера (1898 г.) и построек произведений русской Абрамцевской колонии , особенно Михаила Врубеля .

Текстиль и обои

Текстиль и обои были важным средством стиля модерн с самого начала и важным элементом дизайна интерьера в стиле модерн. В Великобритании текстильные проекты Уильяма Морриса помогли запустить движение искусств и ремесел , а затем и модерн. Многие дизайны были созданы для универмага Liberty в Лондоне, что популяризировало этот стиль по всей Европе. Одним из таких дизайнеров была студия Silver Studio , представившая красочные стилизованные цветочные узоры. Другие отличительные проекты были созданы Школой Глазго и Маргарет Макдональд Макинтош . Школа Глазго представила несколько отличительных мотивов, в том числе стилизованные яйца, геометрические формы и «Розу Глазго».

Во Франции большой вклад был внесен дизайнером Эженом Грассе , который в 1896 году опубликовал La Plante et ses Applications Decorationales , предложив дизайн в стиле модерн, основанный на различных цветах и ​​растениях. Многие выкройки были разработаны и изготовлены для крупнейших французских производителей текстиля в Мюлузе, Лилле и Лионе немецкими и бельгийскими мастерскими. Немецкий дизайнер Герман Обрист специализировался на цветочных узорах, особенно на цикламенах и стиле «хлыст», основанном на цветочных стеблях, который стал основным мотивом этого стиля. Бельгиец Генри ван де Вельде представил текстильную работу La Veillée d'Anges в Салоне La Libre Esthéthique в Брюсселе, вдохновленную символикой Поля Гогена и Наби . В Нидерландах текстиль часто вдохновлялся узорами батика из голландских колоний в Ост-Индии . Народное искусство также вдохновило на создание гобеленов, ковров, вышивки и текстиля в Центральной Европе и Скандинавии, в творчестве Герхарда Мунте и Фриды Хансен в Норвегии. Дизайн Отто Экмана « Пять лебедей» существовал более чем в ста различных вариантах. Венгерский дизайнер Янош Васари объединил элементы модерна с фольклорными темами. [223]

Музеи

Есть 4 типа музеев, представляющих наследие в стиле модерн:

Есть много других зданий и сооружений в стиле модерн, которые не имеют статуса музея, но могут быть официально посещены за плату или неофициально бесплатно (например, железнодорожные вокзалы, церкви, кафе, рестораны, пабы, гостиницы, магазины, офисы, библиотеки, кладбища, фонтаны, а также многочисленные жилые дома, которые до сих пор обитаемы).

Потомство

Критикуемый за «примитивную экстравагантность», модерн начал угасать после 1911 года .

В истории европейской архитектуры XX века, с 1930-х по 1940-е и 1950-е годы, влиятельные историки, такие как Николаус Певснер , Зигфрид Гидион и Генри-Рассел Хичкок , не принимали во внимание модерн. В результате первые версии книги Певснера « Гений европейской архитектуры» остались без упоминания Гектора Гимара или Антонио Гауди . Первые крупные работы, посвященные модерну, были опубликованы в конце 1950-х годов Джонни Уотсером.

Влияние на ар-деко

Ар-нуво был одним из факторов, которые привели к ар -деко , стилю, созданному в результате коллективных усилий нескольких французских дизайнеров по созданию нового современного стиля примерно в 1910 году . академические конвенции. Через свои разнообразные проявления он изобрел новые орнаментальные системы, уже не зависящие от исторических формул, через извилистые растительные формы в большинстве стран мира, геометрический декор в Австро-Венгрии и Великобритании, переосмысление национальных традиций в странах Северной , Центральной и Восточной Европы . Идея создания нового стиля, с новыми орнаментами и формами, стала значительным вкладом, который внес модерн в изобретение ар-деко. Еще один аспект, заимствованный из модерна, — это акцент на домашней роскоши.

Некоторые мелкие детали и извилистые линии модерна также встречаются в архитектуре и дизайне ар-деко 1920-х годов, но немного упрощены. Точно так же плоские цвета и видимые контуры, популяризированные плакатами в стиле модерн, очень часто используются в иллюстрациях в стиле ар-деко. По сравнению со многими дизайнами в стиле модерн, где растительные мотивы кажутся разрастающимися и трансформирующимися на объекте или архитектурном орнаменте, большинство работ в стиле ар-деко имеют четкую композиционную структуру, подобную неоклассицизму .

Помимо идей, взятых из франко-бельгийского модерна, влияние оказали также геометрические мотивы и объемы, найденные в Великобритании и Вене. Найденные здесь цветы, спирали и квадраты очень похожи на те, что встречаются в ар-деко. Чарльз Ренни Макинтош даже предвосхитил формы ар-деко в своих более поздних творениях. Одной из сецессионистских работ, которая лучше всего предвосхищает этот стиль, является дворец Стокле в Брюсселе с его зиккуратными выступами, вертикальной щелью лестничного окна, а также общей простотой и скромным орнаментом. [233]

возрождения

В 1960-е годы зародился постмодернизм . Это было и остается движением, которое ставит под сомнение модернизм ( статус-кво после Второй мировой войны ) и способствует включению и переосмыслению элементов исторических стилей в новые проекты. Хотя в 1950-х годах состоялось несколько международных выставок модерна, успешное возрождение произошло в 1960-х, и особенно в 1970-х годах с подъемом постмодернизма. Помимо выставок, это возрождение могло быть связано с поколением « цветочной власти », которое задавало тон в то время, признавало свои жизненные идеалы в цветочном орнаменте и эротически «эмансипированных» художественных темах около 1900-х годов.

Стиль модерн также был одним из главных источников вдохновения для многих плакатов психоделического рока того же периода. Ведущими сторонниками движения психоделического искусства 1960-х годов были художники плакатов из Сан-Франциско , такие как Рик Гриффин , Виктор Москосо , Бонни Маклин , Стэнли Маус , Элтон Келли и Уэс Уилсон . По сравнению с землистыми цветами, характерными для модерна, эти плакаты имели очень насыщенные контрастные цвета, а также сильно стилизованный текст, иногда трудно читаемый. Этот стиль процветал примерно с 1966 по 1972 год.

С другой стороны, культовые картины Густава Климта сегодня встречаются на многих китчевых сувенирах: кружках, тарелках, салфетках, брелоках и так далее. Это проблематично, поскольку одно из определений китча — это «воспроизведение или копирование в промышленных масштабах произведений искусства, размножаемых и эксплуатируемых в коммерческих целях». [234] «Поцелуй» был напечатан на бесчисленных размерах и материалах. В похожей ситуации находятся плакаты Альфонса Мухи .

Одним из художников, которые нашли в стиле модерн главный источник вдохновения, был австрийский художник и архитектор Фриденсрайх Хундертвассер . Он черпал вдохновение из множества источников, в том числе из Эгона Шиле , барочной и персидской миниатюры, а также извилистых орнаментов в стиле модерн. [235]

Смотрите также

Примечания

  1. ↑ Некоторые исследователи также относят отель Jassedé (1893 г.) к модерну [44].
  2. ^ Некоторые источники, например, архив Werkbund, называют Ван де Вельде одним из основателей. [82]
  3. ↑ Сделано в качестве пасхального подарка императора Николая II своей жене.

Рекомендации

  1. ^ Хронология истории искусств Хайльбрунна, Метрополитен-музей, модерн
  2. ^ abc Sembach, Клаус-Юрген, L'Art Nouveau (2013), стр. 8–30
  3. ^ Стернер (1982), 6.
  4. ^ ab Виктор Орта. Архивировано 19 апреля 2019 года в Wayback Machine - Британская энциклопедия.
  5. ^ Центр всемирного наследия abcd, ЮНЕСКО. «Крупные городские дома архитектора Виктора Орты (Брюссель)». whc.unesco.org . Архивировано из оригинала 13 мая 2013 года . Проверено 26 декабря 2019 г.
  6. ^ Уден, Бернар, статья Dictionnaire des Architectes Виктора Орта
  7. ^ «Ар нуво», Хронология истории искусств Хайльбрунна , Метрополитен-музей
  8. ^ Винь, Жорж, Гектор Гимар – Le geste Magnifique de l'Art Nouveau , (2016), Editions du Patrimoine, Centre des Monuments National, стр. 194
  9. ^ abcde Дункан (1994), стр. 23–24.
  10. ^ abcdef Гонтар, Кибела. Искусство модерн. В Хайльбрунне Хронология истории искусств. Архивировано 15 мая 2021 года в Wayback Machine . Нью-Йорк: Метрополитен-музей, 2000 г. (октябрь 2006 г.)
  11. ^ Аб Мэдсен, С. Чуди (1977). Модерн (на румынском языке). Эдитура Меридиан. стр. 7, 71.
  12. ^ abcd Мишель Лавалле, «Ар нуво», Словарь искусства Grove Oxford University Press , по состоянию на 11 апреля 2008 г.
  13. ^ "Ретоа в стиле модерн". 7 мая 2019 года. Архивировано из оригинала 9 июля 2020 года . Проверено 6 мая 2020 г.
  14. ^ Фар-Беккер 2015, стр. 335–358.
  15. ^ Бульон, Жан-Поль, Journal de l'Art Nouveau (1985), стр. 6
  16. ^ «Председатель | Макмердо, Артур Хейгейт | Виктория и Альберта Исследуйте коллекции» . 1883. Архивировано из оригинала 27 февраля 2020 года . Проверено 27 февраля 2020 г.
  17. ^ Лингенхайм, Клэр. Модерн и индустрия (PDF) (на французском языке). Академия Страсбурга. Архивировано (PDF) из оригинала 20 января 2022 года . Проверено 20 января 2022 г. Виолле ле Дюк — представитель рационалистического движения, в котором архитектура становится настоящей наукой, в которой форма вытекает из функции.
  18. ^ Фруассар-Пезоне, Росселла (2005). L'Art dans tout . Париж: издания CNRS.
  19. ^ Рехт, Роланд (2000). «Виолле-ле-Дюк и Готфрид Земпер: монументальные концепции наследия». Revue Germanique Internationale (на французском языке) (13): 155–168. дои : 10.4000/rgi.780 . Архивировано из оригинала 20 января 2022 года . Проверено 20 января 2022 г. Природа как модель
  20. ^ Брессани, Мартин (2014). Виолле ле Дюк, материалы и строительные технологии (на французском языке). Париж: Editions du Patrimoine. Строительство для архитектора означает использование материалов с учетом их качества и их природы.
  21. ^ Полиак, Лоуренс (2005). Виолле-ле-Дюк и восстановление полихромии (на французском языке). Монреаль: Университет Монреаля. Интересно видеть, как стиль его фресок в Нотр-Даме является предшественником стиля модерн.
  22. ^ Виолле-ле-Дюк, Entretiens sur l'architecture
  23. ^ Бульон 1985, с. 24.
  24. ^ Интервью в L'Echo de Paris , 28 декабря 1891 г., цитируется по Bouillon (1985).
  25. ^ Бульон 1985, с. 26.
  26. ^ Лахор 2007, с. 30.
  27. ^ Фар-Беккер 2015, стр. 91–93.
  28. ^ Уден, Бернар, Dictionnaiare des Architectes (1994), стр. 237
  29. ^ Сембах, L'Art Nouveau, с. 47
  30. ^ ab Culot и Pirlot, Брюссельский модерн (2005), стр. 74–75.
  31. ^ БЕКАЭРТ, ГЕРТ (1985). L'Influence de Viollet-le-Duc sur l'architecture en Belgique et aux Pays-Bas vers 1900 . Септентрион. п. 38.
  32. ^ Орта, Виктор (1925). Рассказывает Виктор Орта в Королевской академии Бельгии .
  33. ^ Сембах, L'Art Nouveau-L'Utopie de la Reconciliation (1991), стр. 46–47.
  34. ^ Лахор 2007, с. 127.
  35. ^ Кюло и Пирло 2005, с. 74.
  36. ^ Кюло и Пирло 2005, с. 74–75.
  37. ^ Фар-Беккер 2015, с. 143.
  38. ^ Сачар, Брайан (1984). Атлас европейской архитектуры. Ван Ностранд Рейнхольд. п. 27. ISBN 978-0-4422-8149-6.
  39. ^ Шампиньёль, Бернар (1976). Искусство модерн . Образовательная серия Бэррона. стр. 115, 121. ISBN. 978-0-8120-5111-7.
  40. ^ Цитировать веб-сайт ЮНЕСКО. Архивировано 28 мая 2020 г. на Wayback Machine.
  41. ^ Кюло и Пирло (2005), с. 20
  42. ^ Фар-Беккер 2015, с. 152.
  43. ^ аб Бульон 1985.
  44. ^ Гектор Гимар. Архивировано 25 февраля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  45. ^ Фар-Беккер 2015, с. 74.
  46. ^ Мартин Эйдельберг и Сюзанна Генрион-Гиле, «Орта и Бинг: ненаписанный эпизод модерна», The Burlington Magazine , vol. 119, Специальный выпуск, посвященный европейскому искусству с 1890 года (ноябрь 1977 г.), стр. 747–752.
  47. ^ Дункан (1994), стр. 15–16, 25–27.
  48. ^ Фар-Беккер 2015, стр. 391–413.
  49. ^ Сарниц, Август, Отто Вагнер (2018), стр. 49–50.
  50. ^ Сарниц, Август, Хоффманн , (2016), с. 14
  51. ^ Фар-Беккер 2015, стр. 296–27.
  52. ^ Фар-Беккер 2015, стр. 179–188.
  53. ^ Тексье, 2012, стр. 86–87.
  54. ^ Лахор 2007, с. 104.
  55. ^ Дункан (1994), с. 37.
  56. ^ Фар-Беккер 2015, с. 136.
  57. ^ Фар-Беккер 2015, стр. 136–137.
  58. ^ Фар-Беккер 2015, с. 140.
  59. ^ Кюло и Пирло 2005, с. 87.
  60. ^ Лахор 2007, с. 91.
  61. ^ Стернер (1982), стр. 38–42.
  62. ^ ab Райли 2004, с. 323.
  63. ^ ab Фар-Беккер 2015, с. 171.
  64. ^ ab Fahr-Becker 2015, стр. 170–171.
  65. ^ Фар-Беккер 2015, стр. 166–167.
  66. ^ Ходж, Сьюзи (2020). Краткая история женщин-художниц . Издательство Лоуренса Кинга. п. 21. ISBN 978-1786276551.
  67. ^ Гуди, Лахлан (2020). История шотландского искусства . Темза и Гудзон. п. 250. ИСБН 978-0-500-29695-0.
  68. ^ «V&A · Искусство и ремесла: Введение» . Архивировано из оригинала 15 февраля 2020 года . Проверено 29 февраля 2020 г.
  69. ^ Ар-нуво Розалинд Ормистон и Майкла Робинсона, 58 лет.
  70. ^ "Ар Нуво - Искусство модерна" . 22 февраля 2013 г. Архивировано из оригинала 22 февраля 2013 г.
  71. ^ Ар-нуво Ормистона и Робинсона, 61 год.
  72. ^ Лахор 2007, с. 160.
  73. ^ Мутер, Грант (1985). «Леон Солон и Джон Уодсворт». Журнал Общества декоративного искусства (9): 41–49. JSTOR  41809144.
  74. ^ Он был заказан семьей красильщиков и печатников Уордлов, торгующих под торговыми марками Thomas Wardle & Co и Bernard Wardle and Co. Обнародованы книги выкроек Уордлов. Архивировано 3 декабря 2013 года в Wayback Machine.
  75. ^ А. Филип МакМахон, «Рецензия на Ф. Шмаленбаха, Югендстиль », Парнас , том. 7 (октябрь 1935 г.), 27.
  76. ^ Рейнхольд Хеллер, «Недавняя стипендия по «золотому веку» Вены, Густав Климт и Эгон Шиле», The Art Bulletin , vol. 59 (март 1977 г.), стр. 111–118.
  77. ^ ab «Ассоциация художников-визуалистов Венского отделения - Официальный сайт» . Архивировано из оригинала 25 апреля 2019 года . Проверено 16 августа 2019 г.
  78. ^ Лахор 2007, с. 52.
  79. ^ Бад-Наухайм. Архивировано 16 июля 2019 г. в Wayback Machine - Европейский маршрут в стиле модерн.
  80. ↑ Москва. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  81. ^ Аб Юнгханнс, Курт (1982). Немецкий Веркбунд. Sein erstes Jahrzehnt (на немецком языке). Henschelverlag Kunst und Gesellschaft. п. 140. ИСБН 388520097X.
  82. ^ Генри ван де Вельде. Архивировано 8 августа 2019 г. в Wayback Machine - Werkbundarchiv.
  83. ^ Певснер, Николаус; Флеминг, Джон; Честь, Хью, ред. (1999). Словарь архитектуры и ландшафтной архитектуры (мягкая обложка) (5-е изд.). Лондон: Книги Пингвина. п. 880. ИСБН 978-0-14-051323-3.
  84. ^ Берлин. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  85. ^ Лахор 2007, с. 63.
  86. ^ «Журнал «Coup de Fouet», том 27 (2016), стр. 14–25» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 28 июля 2019 года . Проверено 28 июля 2019 г.
  87. ^ Лахор 2007, с. 120.
  88. ^ аб Уден, Бернар, Dictionnaire des Architectes (1994), стр. 33–34.
  89. ^ аб Сембах, L'Art Nouveau (2013), стр. 203–213.
  90. ^ ab "Стоклет Хаус". Центр всемирного наследия ЮНЕСКО . 4 июля 2009 г. Архивировано из оригинала 21 июля 2016 г. Проверено 24 июля 2019 г.
  91. ^ abcd «Журнал «Coup de Fouet», том 23 (2014), стр. 2–35» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 14 июля 2020 г. Проверено 7 июля 2019 г.
  92. ^ Одон Лехнер. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  93. ^ «Журнал Coup de Fouet, том 8 (2006), стр. 37–41» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 23 августа 2019 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  94. ^ "Журнал Coup de Fouet, том 14 (2009), стр. 16" (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 16 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  95. ↑ Аладар Кёрёсфёи-Криш. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  96. ^ [1] Архивировано 10 июля 2019 года в Wayback Machine. Колония художников Гёдёллё - статья Дэвида А. Хилла.
  97. ^ Прага. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  98. ^ abc «Журнал Coup de Fouet, том 13 (2009), стр. 36–41» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 16 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  99. ^ Константин, Пол (1972). Арта 1900 г. в Румынии (на румынском языке). Эдитура Меридиан. п. 93.
  100. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017, стр. 85.
  101. ^ «Города». Европейский маршрут в стиле модерн .
  102. ^ Флоря, Василе (2016). Arta Românească de la Origini pană in Prezent . Литера. стр. 297, 302, 305, 306, 313, 317. ISBN . 978-606-33-1053-9.
  103. ^ Елена Олариу... с. 16
  104. ^ "Орадя, столица модерна в Румынии, знаменитость 'Ziua International Art Nouveau 2019'" . infooradea.ro . 7 июня 2019 года. Архивировано из оригинала 23 мая 2021 года . Проверено 23 мая 2021 г.
  105. ^ «Наследие Тимишоары - Кладири». Heritageoftimisoara.ro . Архивировано из оригинала 16 мая 2021 года . Проверено 23 мая 2021 г.
  106. ^ Унгвари, Зриньи Имре. «Общественные здания Тыргу-Муреша в стиле модерн». Wondersoftransylvania.com . Архивировано из оригинала 23 мая 2021 года . Проверено 23 мая 2021 г.
  107. ^ "Ул. Митрополии № 20" . Патримониу.Сибиу.ру . Архивировано из оригинала 23 мая 2021 года . Проверено 23 мая 2020 г.
  108. ^ "Сицилийская свобода - итальянский модерн - журнал Best of Sicily" . Bestofsicily.com. Архивировано из оригинала 29 января 2020 года . Проверено 15 февраля 2022 г.
  109. ^ Генри Р. Хоуп, обзор Х. Леннинга, The Art Nouveau , The Art Bulletin , vol. 34 (июнь 1952 г.), 168–171 (особенно 168–169): В 1952 г., обсуждая состояние модерна, автор отметил, что модерн еще не был приемлемым исследованием для серьезной истории искусства или предметом, подходящим для крупного музея. выставки и соответствующие каталоги. Он предсказал грядущие перемены
  110. ^ "История Милана ::: Дворцы свободы" . Архивировано из оригинала 15 июня 2012 года . Проверено 2 августа 2019 г.
  111. ^ Райли 2004, с. 310.
  112. ^ "Мир модерна - Сербия" . Проверено 8 сентября 2022 г.
  113. ^ «Лица и цветы модерна в Сербии». 9 июня 2019 года . Проверено 8 сентября 2022 г.
  114. ^ ab Chronology. Архивировано 25 июля 2019 г. в Wayback Machine - Официальный сайт Casa Milà.
  115. ^ Упоминание Парка Гуэля в классификации ЮНЕСКО.
  116. ^ Джеймс Грейди, «Специальное библиографическое приложение: библиография модерна», в Журнале Общества историков архитектуры , том. 14 (май 1955 г.), стр. 18–27.
  117. ↑ Cronologia. Архивировано 19 сентября 2020 г. в Wayback Machine - Официальный сайт Палау Гуэля.
  118. ^ abc Дункан (1994), с. 52.
  119. ^ ab «Список всемирного наследия: Дворец каталонской музыки и больница Сан-Пау, Барселона». ЮНЕСКО. Архивировано из оригинала 6 января 2022 года . Проверено 19 марта 2022 г.
  120. ^ Маккалли, Мэрилин (1978). Els Quarte Gats: Искусство в Барселоне около 1900 года . Издательство Принстонского университета. п. 64.
  121. ^ Райли 2004, с. 311.
  122. ^ Casa do Major Pessoa. Архивировано 11 августа 2020 года в Wayback Machine - Sistema de Informação para o Património Arquitetónico.
  123. ^ abcde «Журнал Coup de Fouet, том 11 (2008), стр. 2–7» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 18 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  124. ^ Франсиско Аугусто да Силва Роша. Архивировано 31 октября 2020 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  125. ^ Лиссабон. Архивировано 17 марта 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  126. ^ Порту. Архивировано 5 марта 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  127. ^ "Мир модерна". Архивировано из оригинала 21 марта 2021 года . Проверено 11 апреля 2021 г.
  128. ^ Мартин, Т. и Пуса, Э. 1985, с. 12.
  129. ^ Национальный музей Финляндии. Архивировано 26 июля 2019 г. в Wayback Machine - Музеи ЕС.
  130. ^ ab «Европейский маршрут в стиле модерн: Хельсинки». www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 26 апреля 2016 года . Проверено 2 января 2016 г.
  131. ^ "Магнус Шерфбек". Музей финской архитектуры . Архивировано из оригинала 15 февраля 2020 года . Проверено 15 февраля 2020 г.
  132. ^ Пальмберг, Альберт (апрель 1908 г.). «Борьба с туберкулезом в Финляндии». Британский журнал туберкулеза . 2 (2): 109–114. дои : 10.1016/S0366-0850(08)80065-8. Архивировано из оригинала 15 февраля 2022 года . Проверено 26 марта 2019 г.
  133. ^ фон Бонсдорф, Аксель (1926). «Опыт лечения санокризином в санатории Нуммела в Финляндии». Акта Медика Скандинавия . 64 : 123–130. doi : 10.1111/j.0954-6820.1926.tb14017.x.
  134. ^ abc Райли 2004, с. 312.
  135. ^ ab «Европейский маршрут в стиле модерн: Олесунн». www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 4 июня 2016 года . Проверено 2 января 2016 г.
  136. ^ Стокгольм. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  137. ^ Орхус. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  138. ^ "Baltiska utställningen 1914" . Архивировано из оригинала 24 октября 2020 года . Проверено 24 ноября 2020 г.
  139. ↑ Дункан, Алистер, Art Déco , Thames and Hudson (1988), стр. 147–48.
  140. ^ ab Fahr-Becker 2015, стр. 189–192.
  141. ^ "Украинская современная архитектура". Архивировано из оригинала 16 апреля 2013 года . Проверено 8 декабря 2023 г.
  142. ^ "Европейский маршрут в стиле модерн: Рига" . www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 23 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  143. ^ "Исторический центр Риги". ЮНЕСКО . Архивировано из оригинала 22 июня 2020 года . Проверено 11 марта 2016 г.
  144. ^ ab «Журнал Coup de Fouet, том 16 (2010), стр. 2–10» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 25 июля 2019 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  145. ^ Журнал 2015, с. 49.
  146. ^ Ecole d'art et Style sapin. Архивировано 26 июля 2019 г. в Wayback Machine - Ла Шо-де-Фон.
  147. ^ "Фонд Ле Корбюзье". Архивировано из оригинала 14 марта 2014 года . Проверено 28 июля 2019 г.
  148. ^ Лахор 2007, с. 167.
  149. ^ Купер, HF "Луи Салливан". Британская энциклопедия . Архивировано из оригинала 27 июля 2019 года . Проверено 27 июля 2019 г.
  150. ↑ Крэйвен, Джеки (15 ноября 2018 г.). «О Луи Салливане, архитекторе». МысльКо . Архивировано из оригинала 27 июля 2019 года . Проверено 27 июля 2019 г.
  151. ^ Фар-Беккер 2015, стр. 325–330.
  152. ^ abcd «Европейский маршрут в стиле модерн: Буэнос-Айрес». www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 23 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  153. ^ "Европейский маршрут в стиле модерн: Карта" . www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 17 апреля 2019 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  154. ^ "Европейский маршрут в стиле модерн: Росарио" . www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 23 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  155. ^ ab «Журнал Coup de Fouet, том 10 (2012), стр. 44–47» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 16 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  156. ^ 10 лучших очевидцев DK в Мехико. Лондон: ДК / Пингвин. 2012. ISBN 9780756694562. Архивировано из оригинала 12 февраля 2022 года . Проверено 12 февраля 2022 г. - через Google Книги.
  157. ^ Снимок Rough Guides: Мехико. Лондон: Rough Guides / Пингвин. 2016. ISBN 9780241290705. Архивировано из оригинала 15 февраля 2022 года . Проверено 12 февраля 2022 г.
  158. ^ «Европейский маршрут в стиле модерн: Гавана» . www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 23 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  159. ^ "Журнал Coup de Fouet, том 12 (2008), стр. 28–29" (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 15 июля 2019 года . Проверено 15 июля 2019 г.
  160. ^ "Европейский маршрут в стиле модерн: Людериц" . www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 23 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  161. ^ "Европейский маршрут в стиле модерн: Вальпараисо" . www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 23 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  162. ^ Виллино Сильвейра. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  163. ^ Харбин. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  164. ^ «Журнал Coup de Fouet, том 30 (2018), стр. 77–83» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 15 февраля 2022 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  165. ^ Дворец изящных искусств. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  166. ^ "Художники AATC - Зеев Рабан" . Архивировано из оригинала 10 мая 2004 года . Проверено 12 января 2020 г.
  167. ^ Мишофи, Алек (2019). Секуляризация священного . Брилл.
  168. ^ Ричард (10 сентября 2018 г.). «Гробницы Пер-Лашез - Эрнест Кайя». paristoric.com .
  169. ^ аб Дюшер, Caractéristique des Styles (1989), стр. 198–199.
  170. ^ abc Дункан (1994), стр. 27–28.
  171. ^ Renault и Lazé, (2006) Les Styles de l'architecture et du mobilier , стр. 108–109.
  172. ^ Фар-Беккер 2015, стр. 74–85.
  173. ^ "Мезон". pop.cultural.gouv.fr . Проверено 8 сентября 2023 г.
  174. ^ Константин, Пол (1972). Арта 1900 г. в Румынии (на румынском языке). Эдитура Меридиан. п. 93.
  175. ^ «Роден, японская мечта» (PDF) . Архивировано из оригинала (PDF) 26 июля 2011 года . Проверено 30 июня 2010 г.Эдмон Лашеналь выпустил издания скульптур Родена.
  176. ^ Дженнифер Опи, «Блюдо Торвальда Биндесбёлля», в журнале The Burlington Magazine , том. 132 (май 1990 г.), с. 356.
  177. ^ Клэр Селькурт, «Новый классицизм: дизайн 1920-х годов в Дании», в « Журнале декоративного и пропагандистского искусства» , том. 4 (весна 1987 г.), стр. 16–29 (особенно 18, № 4).
  178. ^ Данута А. Бочзар, «Польский плакат», в Art Journal , вып. 44 (весна 1984 г.), стр. 16–27 (особенно 16).
  179. ^ Данута Баторска, «Зофия Стриеньская: принцесса польской живописи», в журнале Woman's Art Journal , том. 19 (осень 1998 г. – зима 1999 г.), стр. 24–29 (особенно 24–25).
  180. ^ Пент, Вольфганг (1973). Экспрессионистская архитектура , Темза и Гудзон, ISBN 0-500-34058-7 , стр.19. Упоминание Таута об «архитектуре земной коры» и о том, что Пельциг считал «важным для скульптурной реконструкции земной поверхности». 
  181. ^ Лахор 2007, с. 99.
  182. ^ Введение в творчество Альфонса Мухи и модерн. Архивировано 18 января 2012 года в Wayback Machine , лекция Яна К. Джонстона из Университетского колледжа Маласпина , Нанаймо , Британская Колумбия.
  183. ^ Фрейзер, Джули. H. «Искусство переработки». Архивировано 11 апреля 2015 г. на Wayback Machine style2000.com.
  184. ^ Лахор 2007, с. 112.
  185. ^ Лахор 2007, стр. 120–121.
  186. ^ аб Сато 2015, с. 43.
  187. ^ Бетар, Дафна, «La revolution Nabie», в Les Nabis et le Decor , Beaux-Arts Éditions, стр. 8–21.
  188. ^ "Журнал Coup de Fouet, том 31 (2019), стр. 34" (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 7 августа 2019 года . Проверено 15 августа 2019 г.
  189. ^ Райли 2004, с. 318.
  190. ^ abc Райли 2004, с. 320.
  191. ^ Райли 2004, с. 322.
  192. ^ Райли 2004, с. 324.
  193. ^ ab "Ювелирные изделия в стиле модерн". Архивировано из оригинала 23 ноября 2016 года . Проверено 22 ноября 2016 г.
  194. ^ Кроитору-Тончиу, Моника (2022). Альфред Поппер - 1874-1946 - (re)descoperirea unui архитектор (на румынском языке). СИМЕТРИЯ. п. 60. ИСБН 978-973-1872-51-3.
  195. ^ Чертополох. Архивировано 15 марта 2021 года в Wayback Machine - Мир ар-нуво.
  196. ^ Ирис. Архивировано 15 марта 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  197. ^ ab Renault и Lazé, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), стр. 107–111.
  198. ^ Бони, Энн, L'Architecture Moderne (2012), стр. 36–40.
  199. ^ «Список всемирного наследия: Работы Антонио Гауди». ЮНЕСКО. Архивировано из оригинала 5 октября 2021 года . Проверено 19 марта 2022 г.
  200. ^ Agustí Querol Subirats. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  201. ↑ Бабочка. Архивировано 28 февраля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  202. ^ Павлин. Архивировано 16 марта 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  203. ^ Лебедь. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  204. ^ Сова. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  205. ^ Летучая мышь. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  206. ^ Дракон. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  207. ^ Медведь. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  208. ↑ Атлант. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  209. ^ Кариатида. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  210. ^ Путти. Архивировано 21 января 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  211. ↑ Горгулья. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  212. ^ Райли 2004, с. 302.
  213. ^ Люси-Смит, 160 лет.
  214. ^ Райли 2004, с. 308.
  215. ^ ван Леммен, Ганс (2013). 5000 лет плитки . Издательство Британского музея. п. 223. ИСБН 978-0-7141-5099-4.
  216. ^ "Бессмертный". pop.cultural.gouv.fr . Проверено 8 сентября 2023 г.
  217. ^ "Магазин". pop.cultural.gouv.fr . Проверено 16 января 2024 г.
  218. ^ Мариана Челак, Октавиан Карабела и Мариус Марку-Лападат (2017). Архитектура Бухареста — аннотированный путеводитель . Ординул Архитектилор в Румынии. п. 85. ИСБН 978-973-0-23884-6.
  219. ^ ab Riley 2004, стр. 314–15.
  220. ^ Эдмонд Лашеналь и его наследие , Мартин Эйдельберг, Клэр Касс, Hudson Hills Press; иллюстрированное издание (25 февраля 2007 г.)
  221. ↑ Хронология. Архивировано 19 августа 2013 г. на Wayback Machine , по состоянию на 23 января 2008 г.
  222. ^ Журнал УралНИИПроект РААСН – 2014. – № 2. – с. 27—32. – ISSN 2074-2932 (на русском языке)
  223. ^ Райли 2004, с. 328.
  224. ^ "Официальный сайт музея-заповедника "Место рождения Ленина"". Архивировано из оригинала 15 февраля 2022 года . Проверено 31 мая 2020 г.
  225. ↑ Маседо, Гизела (21 марта 2019 г.). «Resucitada una de las primeras obras de Gaudí». Эль Периодико . Проверено 3 июня 2021 г.
  226. ^ «Художественная галерея Haworth». Архивировано 21 июня 2017 года в Wayback Machine на веб-сайте городского совета Хиндберна.
  227. ^ Критикос, Михаэла (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - Арт-деко или хорошо темперированный модернизм (на английском и румынском языках). СИМЕТРИЯ. п. 79. ИСБН 978-973-1872-03-2.
  228. ^ Критикос, Михаэла (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - Арт-деко или хорошо темперированный модернизм (на английском и румынском языках). СИМЕТРИЯ. п. 80. ИСБН 978-973-1872-03-2.
  229. ^ Симина Стэн. «Вила Базиле Г. Ассан в Бухаресте» . Проверено 14 апреля 2023 г.
  230. ^ Критикос, Михаэла (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - Арт-деко или хорошо темперированный модернизм (на английском и румынском языках). СИМЕТРИЯ. п. 81. ИСБН 978-973-1872-03-2.
  231. ^ Уилхайд, Элизабет (2022). Дизайн – целая история . Темза и Гудзон. п. 105. ИСБН 978-0-500-29687-5.
  232. ^ «Авеню Монтень, 26» . pss-archi.eu . Проверено 27 сентября 2023 г.
  233. ^ Критикос, Михаэла (2009). Art Deco sau Modernismul Bine Temperat - Арт-деко или хорошо темперированный модернизм (на английском и румынском языках). СИМЕТРИЯ. стр. 79–80. ISBN 978-973-1872-03-2.
  234. ^ "Китч - определение и парадигма" . dexonline.ro . Проверено 19 сентября 2023 г.
  235. ^ Вольф, Норберт (2015). Искусство модерн . Престель. п. 277. ИСБН 978-3-7913-8155-8.

Библиография

дальнейшее чтение

Внешние ссылки