Барокко ( Великобритания : / bə ˈ r ɒ k / bə- ROK , США : / - ˈ r oʊ k / - ROHK ; франц.: [baʁɔk] ) — западный стиль архитектуры , музыки , танца , живописи , скульптуры , поэзии и других искусств, который процветал с начала 17 века до 1750-х годов. [1] Он последовал за искусством Возрождения и маньеризмом и предшествовал стилям рококо (в прошлом часто называемому «поздним барокко») и неоклассицизму . Он поощрялся католической церковью как средство противодействия простоте и строгости протестантской архитектуры, искусства и музыки, хотя лютеранское барочное искусство также развивалось в некоторых частях Европы. [2]
Стиль барокко использовал контраст, движение, обильные детали, глубокий цвет, величие и удивление, чтобы достичь чувства благоговения. Стиль зародился в начале XVII века в Риме, затем быстро распространился на остальную часть Италии, Францию, Испанию и Португалию, затем на Австрию, южную Германию и Польшу. К 1730-м годам он превратился в еще более яркий стиль, называемый рокайль или рококо , который появился во Франции и Центральной Европе до середины-конца XVIII века. На территориях Испанской и Португальской империй, включая Пиренейский полуостров, он продолжался вместе с новыми стилями до первого десятилетия XIX века.
В декоративном искусстве стиль использует обильную и сложную орнаментацию. Отход от классицизма эпохи Возрождения имеет свои собственные пути в каждой стране. Но общей чертой является то, что везде отправной точкой являются орнаментальные элементы, введенные эпохой Возрождения . Классический репертуар переполнен, плотен, перекрывается, нагружается, чтобы вызвать шокирующие эффекты. Новые мотивы, введенные барокко, это: картуш , трофеи и оружие, корзины с фруктами или цветами и другие, выполненные в технике маркетри , лепнины или резьбы. [3]
Английское слово baroque происходит напрямую от французского . Некоторые ученые утверждают, что французское слово произошло от португальского термина barroco 'испорченная жемчужина', указывая на латинское verruca 'бородавка', [4] или на слово с романским суффиксом -ǒccu (распространенным в доримской Иберии ). [5] [6] Другие источники предполагают, что средневековый латинский термин, используемый в логике, baroco , является наиболее вероятным источником. [7]
В XVI веке средневековое латинское слово baroco вышло за рамки схоластической логики и вошло в употребление для характеристики всего, что казалось абсурдно сложным. Французский философ Мишель де Монтень (1533–1592) помог придать термину baroco (написанному им как Barroco ) значение «причудливый, бесполезно сложный». [8] Другие ранние источники связывают baroco с магией, сложностью, путаницей и излишеством. [7]
Слово baroque также ассоциировалось с неровными жемчужинами до XVIII века. Французское baroque и португальское barroco были терминами, часто связанными с ювелирными изделиями. Пример из 1531 года использует термин для описания жемчуга в описи сокровищ Карла V Французского . [9] Позже слово появляется в издании Le Dictionnaire de l'Académie Française 1694 года , где барокко описывается как «используемое только для жемчужин, которые несовершенно круглые». [10] Португальский словарь 1728 года аналогичным образом описывает barroco как относящееся к «грубому и неровному жемчугу». [11]
Альтернативное происхождение слова «барокко» указывает на имя итальянского художника Федерико Бароччи (1528–1612). [12]
В XVIII веке этот термин стал использоваться для описания музыки, и не в лестном смысле. В анонимном сатирическом обзоре премьеры оперы Жана-Филиппа Рамо « Ипполит и Арисия» в октябре 1733 года, напечатанной в « Mercure de France» в мае 1734 года, критик писал, что новизна этой оперы была « du barocque », жалуясь на то, что музыке не хватало связной мелодии, она была беспощадна к диссонансам, постоянно меняла тональность и метр и быстро пробегала все композиционные приемы. [13]
В 1762 году в словаре Французской академии было записано, что этот термин может образно описывать что-то «неправильное, странное или неравное» [14] .
Жан-Жак Руссо , который был музыкантом, композитором и философом, писал в « Энциклопедии» в 1768 году: «Музыка барокко — это музыка, в которой гармония запутана и перегружена модуляциями и диссонансами. Пение резкое и неестественное, интонация трудная, а движение ограниченное. Похоже, этот термин происходит от слова «baroco», используемого логиками». [8] [15]
В 1788 году Катрмер де Кенси определил этот термин в «Методической энциклопедии» как «архитектурный стиль, который отличается крайней изысканностью и мучительностью» [16] .
Французские термины style baroque и musique baroque появились в Le Dictionnaire de l'Académie Française в 1835 году. [17] К середине 19 века критики и историки искусства приняли термин baroque как способ высмеять искусство эпохи Возрождения. Именно такой смысл вкладывал в это слово в 1855 году ведущий историк искусства Якоб Буркхардт , который писал, что художники эпохи барокко «презирали и злоупотребляли деталями», потому что им не хватало «уважения к традициям». [18]
В 1888 году историк искусства Генрих Вёльфлин опубликовал первую серьезную академическую работу о стиле «Ренессанс и барокко» , в которой описывались различия между живописью, скульптурой и архитектурой Ренессанса и барокко. [19]
Стиль барокко в архитектуре возник в результате доктрин, принятых католической церковью на Тридентском соборе в 1545–1563 годах в ответ на протестантскую Реформацию . Первая фаза Контрреформации навязала строгий академический стиль религиозной архитектуре, который был обращен к интеллектуалам, но не к массе прихожан. Тридентский собор решил вместо этого обратиться к более широкой аудитории и заявил, что искусство должно передавать религиозные темы с прямым и эмоциональным вовлечением. [21] [22] Аналогичным образом, лютеранское барочное искусство развивалось как конфессиональный маркер идентичности в ответ на Великое иконоборчество кальвинистов . [ 23]
Церкви в стиле барокко были спроектированы с большим центральным пространством, где верующие могли находиться близко к алтарю, с куполом или главкой высоко над головой, позволяя свету освещать церковь внизу. Купол был одной из центральных символических черт архитектуры барокко, иллюстрирующей союз между небесами и землей. Внутренняя часть купола была щедро украшена картинами ангелов и святых, а также лепными статуэтками ангелов, создавая у тех, кто внизу, впечатление, что они смотрят на небеса. [24] Еще одной особенностью церквей в стиле барокко являются квадратуры ; картины -обманки на потолке в лепных рамах, как настоящих, так и нарисованных, переполненные картинами святых и ангелов и соединенные архитектурными деталями с балюстрадами и консолями. Картины квадратуры атлантов под карнизами, по-видимому, поддерживают потолок церкви. В отличие от расписных потолков Микеланджело в Сикстинской капелле , на которых были изображены различные сцены, каждая из которых имела свою перспективу, и которые можно было рассматривать по одной, росписи потолков в стиле барокко создавались с особой тщательностью, чтобы зритель, сидящий на полу церкви, мог видеть весь потолок в правильной перспективе, как будто фигуры были реальными.
Интерьеры барочных церквей становились все более и более богато украшенными в Высоком барокко и сосредотачивались вокруг алтаря, обычно помещавшегося под куполом. Наиболее знаменитыми декоративными работами Высокого барокко являются Кафедра Святого Петра (1647–1653) и Балдахин Святого Петра (1623–1634), оба Джан Лоренцо Бернини , в соборе Святого Петра в Риме. Балдахин Святого Петра является примером баланса противоположностей в искусстве барокко; гигантские пропорции произведения с кажущейся легкостью балдахина; и контраст между массивными витыми колоннами, бронзой, золотом и мрамором произведения с струящимися драпировками ангелов на балдахине. [25] Дрезденская Фрауэнкирхе служит ярким примером лютеранского барочного искусства, строительство которой было завершено в 1743 году по заказу лютеранского городского совета Дрездена и «сравнивалось наблюдателями восемнадцатого века с собором Святого Петра в Риме». [2]
Витая колонна в интерьере церквей является одной из характерных черт барокко. Она дает как ощущение движения, так и новый драматический способ отражения света.
Картуш был еще одной характерной чертой декора в стиле барокко. Это были большие пластины , вырезанные из мрамора или камня, обычно овальные и с округлой поверхностью, которые несли изображения или текст позолоченными буквами, и размещались в качестве внутреннего украшения или над дверными проемами зданий, передавая сообщения тем, кто находился внизу. Они демонстрировали широкий спектр изобретений и были найдены во всех типах зданий, от соборов и дворцов до небольших часовен. [26]
Архитекторы эпохи барокко иногда использовали принудительную перспективу для создания иллюзий. Для Палаццо Спада в Риме Франческо Борромини использовал колонны уменьшающегося размера, сужающийся пол и миниатюрную статую в саду за ним, чтобы создать иллюзию, что проход был длиной тридцать метров, когда на самом деле он был всего семь метров. Статуя в конце прохода кажется в натуральную величину, хотя ее высота всего шестьдесят сантиметров. Борромини разработал иллюзию с помощью математика.
Первым зданием в Риме с фасадом в стиле барокко была церковь Джезу в 1584 году; она была простой по стандартам позднего барокко, но знаменовала разрыв с традиционными фасадами эпохи Возрождения, которые ей предшествовали. Интерьер этой церкви оставался очень строгим до высокого барокко, когда он был щедро украшен.
В Риме в 1605 году Павел V стал первым из ряда пап , которые заказали базилики и церковные здания, призванные вызывать эмоции и благоговение посредством умножения форм, богатства цветов и драматических эффектов. [31] Среди наиболее влиятельных памятников раннего барокко были фасад собора Святого Петра (1606–1619), а также новый неф и лоджия, которые соединили фасад с куполом Микеланджело в более ранней церкви. Новый дизайн создал драматический контраст между парящим куполом и непропорционально широким фасадом, а также контраст на самом фасаде между дорическими колоннами и огромной массой портика. [32]
В середине-конце XVII века стиль достиг своего пика, позже названного Высоким барокко. Многие монументальные работы были заказаны Папами Урбаном VIII и Александром VII . Скульптор и архитектор Джан Лоренцо Бернини спроектировал новую четверную колоннаду вокруг площади Святого Петра (1656-1667). Три галереи колонн в гигантском эллипсе уравновешивают огромный купол и придают церкви и площади единство и ощущение гигантского театра. [33]
Другим крупным новатором итальянского высокого барокко был Франческо Борромини , чьей главной работой была церковь Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане или Святого Карла Четырех Фонтанов (1634–1646). Ощущение движения создается не декором, а самими стенами, которые волнообразны, и вогнутыми и выпуклыми элементами, включая овальную башню и балкон, вставленный в вогнутую траверсу. Интерьер был столь же революционным; основное пространство церкви было овальным, под овальным куполом. [33]
Расписные потолки, переполненные ангелами и святыми, а также архитектурные эффекты trompe-l'œil, были важной чертой итальянского высокого барокко. Среди основных работ — «Вход святого Игнатия в рай» Андреа Поццо (1685–1695) в церкви Сант-Игнацио в Риме и «Триумф имени Иисуса» Джованни Баттиста Гаулли в церкви Джезу в Риме (1669–1683), в которой фигурки выплескивались из рамы картины, а также драматическое косое освещение и контрасты света и тени. [34]
Стиль быстро распространился из Рима в другие регионы Италии: он появился в Венеции в церкви Санта-Мария-делла-Салюте (1631–1687) Бальдассаре Лонгены , весьма оригинальной восьмиугольной формы, увенчанной огромным куполом . Он также появился в Турине , в частности, в часовне Святой Плащаницы (1668–1694) Гварино Гварини . Стиль также начал использоваться во дворцах; Гварини спроектировал Палаццо Кариньяно в Турине, в то время как Лонгена спроектировал Ка' Реццонико на Гранд-канале (1657), законченный Джорджо Массари и украшенный картинами Джованни Баттиста Тьеполо . [35] Серия мощных землетрясений на Сицилии потребовала перестройки большинства из них, и несколько были построены в пышном стиле позднего барокко или рококо .
Католическая церковь в Испании, и в частности иезуиты , были движущей силой архитектуры испанского барокко. Первым крупным произведением в этом стиле была часовня Сан-Исидро в Мадриде , начатая в 1643 году Педро де ла Торре . Она контрастировала с чрезвычайной богатой отделкой снаружи и простотой внутри, разделенной на несколько пространств и использующей эффекты света для создания ощущения таинственности. [38] Собор Сантьяго-де-Компостела был модернизирован серией барочных пристроек, начиная с конца 17-го века, начиная с богато украшенной колокольни (1680), затем окруженной двумя еще более высокими и богато украшенными башнями, называемыми Обрадорио , добавленными между 1738 и 1750 годами Фернандо де Касас Новоа . Еще одной достопримечательностью испанского барокко является часовня дворца Сан-Тельмо в Севилье Леонардо де Фигероа . [39]
Гранада была отвоевана у мавров только в 15 веке и имела свою собственную разновидность барокко. Художник, скульптор и архитектор Алонсо Кано спроектировал барочный интерьер Гранадского собора между 1652 годом и своей смертью в 1657 году. Он отличается драматическими контрастами массивных белых колонн и золотого декора.
Наиболее орнаментальная и богато украшенная архитектура испанского барокко называется стилем Чурригереско , названным в честь братьев Чурригера , которые работали в основном в Саламанке и Мадриде. Их работы включают здания на главной площади Саламанки, Пласа Майор (1729). [39] Этот очень орнаментальный стиль барокко оказал влияние на многие церкви и соборы, построенные испанцами в Америке.
Другие известные испанские архитекторы позднего барокко включают Педро де Риберу , ученика Чурригеры, который спроектировал Королевский госпиталь Сан-Фернандо в Мадриде, и Нарцисо Томе , который спроектировал знаменитый алтарь «Прозрачный» в Толедском соборе (1729–1732), который при определенном освещении создает иллюзию парения вверх. [39]
Архитекторы испанского барокко оказали влияние далеко за пределами Испании; их работа оказала большое влияние на церкви, построенные в испанских колониях в Латинской Америке и на Филиппинах. Церковь, построенная иезуитами для колледжа Сан-Франциско Хавьер в Тепоцотлане , с ее богато украшенным фасадом и башней в стиле барокко, является хорошим примером. [40]
С 1680 по 1750 год в Центральной Европе, Австрии, Богемии и юго-западной Польше было построено множество богато украшенных соборов, аббатств и паломнических церквей . Некоторые из них были в стиле рококо , отчетливом, более ярком и асимметричном стиле, который возник из барокко, затем заменил его в Центральной Европе в первой половине 18 века, пока его, в свою очередь, не сменил классицизм. [47]
Князья многочисленных государств этого региона также выбирали стиль барокко или рококо для своих дворцов и резиденций и часто использовали для их строительства архитекторов, получивших образование в Италии. [48]
Ярким примером является церковь Святого Николая (Malá Strana) в Праге (1704–1755), построенная Кристофом Динценхофером и его сыном Килианом Игнацем Динценхофером . Украшения покрывают все стены интерьера церкви. Алтарь расположен в нефе под центральным куполом и окружен часовнями, свет падает с купола выше и из окружающих часовен. Алтарь полностью окружен арками, колоннами, изогнутыми балюстрадами и пилястрами из цветного камня, которые богато украшены скульптурами, создавая преднамеренную путаницу между реальной архитектурой и декором. Архитектура превращается в театр света, цвета и движения. [25]
В Польше польское барокко, вдохновленное итальянцами, длилось с начала XVII до середины XVIII века и подчеркивало богатство деталей и цвета. Первым зданием в стиле барокко в современной Польше и, вероятно, одним из самых узнаваемых является церковь Святых Петра и Павла в Кракове , спроектированная Джованни Баттиста Тревано . Колонна Сигизмунда в Варшаве , возведенная в 1644 году, была первым в мире светским памятником в стиле барокко, построенным в форме колонны. [49] Стиль дворцовой резиденции был представлен дворцом Вилянув , построенным между 1677 и 1696 годами. [50] Самым известным архитектором барокко, работавшим в Польше, был голландец Тильман ван Гамерен , среди его выдающихся работ — костел Святого Казимира и дворец Красинских в Варшаве , костел Святой Анны в Кракове и дворец Браницких в Белостоке . [51] Однако самым знаменитым произведением польского барокко является церковь Фара в Познани с деталями Помпео Феррари . После Тридцатилетней войны в соответствии с соглашениями Вестфальского мира были построены два уникальных барочных сооружения из лозы и глины : костел Мира в Яворе , костел Святой Троицы Мира в Свиднице — крупнейший деревянный храм в стиле барокко в Европе.
Многие государства в пределах Священной Римской империи на территории сегодняшней Германии стремились представить себя впечатляющими зданиями в стиле барокко. [52] Среди известных архитекторов были Иоганн Бернхард Фишер фон Эрлах , Лукас фон Хильдебрандт и Доминик Циммерман в Баварии , Бальтазар Нойман в Брюле и Маттеус Даниэль Пёппельман в Дрездене. В Пруссии Фридрих II Прусский был вдохновлен Большим Трианоном Версальского дворца и использовал его в качестве модели для своей летней резиденции Сан-Суси в Потсдаме , спроектированной для него Георгом Венцеслаусом фон Кнобельсдорфом (1745–1747). Еще одним произведением дворцовой архитектуры в стиле барокко является Цвингер (Дрезден) , бывшая оранжерея дворца курфюрстов Саксонии в 18 веке.
Одним из лучших образцов церкви в стиле рококо является Базилика Фирценхайлиген, или Базилика Четырнадцати Святых Помощников , паломническая церковь, расположенная недалеко от города Бад-Штаффельштайн недалеко от Бамберга в Баварии, на юге Германии. Базилика была спроектирована Бальтазаром Нойманном и была построена между 1743 и 1772 годами, ее план представляет собой ряд взаимосвязанных кругов вокруг центрального овала с алтарем, размещенным точно в центре церкви. Интерьер этой церкви иллюстрирует вершину декора в стиле рококо. [53] Еще одним ярким примером стиля является Паломническая церковь Вис ( ‹См. Tfd› нем .: Wieskirche ). Она была спроектирована братьями Й. Б. и Доминикусом Циммерманнами . Она расположена в предгорьях Альп , в коммуне Штайнгаден в районе Вайльхайм-Шонгау , Бавария, Германия. Строительство велось между 1745 и 1754 годами, а интерьер был украшен фресками и лепниной в традициях школы Вессобруннера . В настоящее время это объект Всемирного наследия ЮНЕСКО .
Барокко во Франции развивалось совершенно иначе, чем богато украшенные и драматичные местные версии барокко из Италии, Испании и остальной Европы. Оно кажется строгим, более отстраненным и сдержанным в сравнении, предвосхищая неоклассицизм и архитектуру Просвещения . В отличие от итальянских зданий, французские здания барокко не имеют сломанных фронтонов или криволинейных фасадов. Даже религиозные здания избегали интенсивной пространственной драмы, которую можно найти в работах Борромини . Стиль тесно связан с работами, построенными для Людовика XIV (правил в 1643–1715 гг.), и из-за этого он также известен как стиль Людовика XIV . Людовик XIV пригласил мастера барокко Бернини представить проект нового восточного крыла Лувра , но отклонил его в пользу более классического проекта Клода Перро и Луи Лево . [65] [66]
Главными архитекторами стиля были Франсуа Мансар (1598–1666), Пьер Ле Мюэ (церковь Валь-де-Грас , 1645–1665) и Луи Лево ( Во-ле-Виконт , 1657–1661). Мансар был первым архитектором, который ввел стиль барокко, в основном частое использование прикладного ордера и тяжелой рустовки , во французский архитектурный словарь. Мансардная крыша не была изобретена Мансаром, но она стала ассоциироваться с ним, поскольку он часто ее использовал. [67]
Главным королевским проектом того периода было расширение Версальского дворца , начатое в 1661 году Ле Во с декором художника Шарля Лебрена . Сады были спроектированы Андре Ленотром специально для того, чтобы дополнить и усилить архитектуру. Галерея Зеркала (Galerie des Glaces ) , центральная часть замка, с картинами Лебрена, была построена между 1678 и 1686 годами. Мансар завершил Большой Трианон в 1687 году. Часовня, спроектированная Робером де Коттом , была закончена в 1710 году. После смерти Людовика XIV Людовик XV добавил более интимный Малый Трианон и богато украшенный театр. Фонтаны в садах были спроектированы так, чтобы их было видно изнутри, и чтобы усилить драматический эффект. Дворец вызывал восхищение и копировался другими монархами Европы, в частности, Петром Великим из России, который посетил Версаль в начале правления Людовика XV и построил свою собственную версию во дворце Петергоф недалеко от Санкт-Петербурга между 1705 и 1725 годами. [68]
![Университетская библиотека, Университет Коимбры, Коимбра, Португалия, Гаспар Феррейра, 1716–1728[69]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Biblioteca_Joanina_Universidade_de_Coimbra_IMG_0664.JPG/1280px-Biblioteca_Joanina_Universidade_de_Coimbra_IMG_0664.JPG)
Архитектура барокко в Португалии просуществовала около двух столетий (конец семнадцатого века и восемнадцатый век). Правление Жуана V и Жозефа I увеличило импорт золота и алмазов в период, называемый королевским абсолютизмом, что позволило португальскому барокко расцвести.
Архитектура барокко в Португалии занимает особое положение и отличается от остальной Европы своей хронологией.
Это обусловлено несколькими политическими, художественными и экономическими факторами, которые порождают несколько фаз, и различными видами внешних влияний, приводящих к уникальному сочетанию, [73] часто неправильно понимаемому теми, кто ищет итальянское искусство, вместо этого находят определенные формы и характер, которые придают ему уникальное португальское разнообразие. Другим ключевым фактором является существование иезуитской архитектуры, также называемой «простым стилем» (Estilo Chão или Estilo Plano) [74], которая, как и вызывает название, более проста и выглядит несколько строгой.
Здания представляют собой однокомнатные базилики, глубокую главную часовню, боковые часовни (с небольшими дверями для общения), без внутренней и внешней отделки, с простым порталом и окнами. Это практичное здание, позволяющее строить его по всей империи с небольшими изменениями, и подготовленное к украшению позже или при наличии экономических ресурсов.
На самом деле, первое португальское барокко не страдает от недостатка в строительстве, поскольку «простой стиль» легко трансформируется с помощью декора (покраска, облицовка плиткой и т. д.), превращая пустые пространства в помпезные, сложные барочные сценарии. То же самое можно применить и к экстерьеру. Впоследствии здание легко адаптировать к вкусу времени и места, добавить новые черты и детали. Практично и экономично.
С ростом населения и улучшением экономических ресурсов на севере, особенно в районах Порту и Браги , [75] [76] [77] произошло архитектурное обновление, заметное в большом количестве церквей, монастырей и дворцов, построенных аристократией.
Порту — город барокко в Португалии. Его исторический центр входит в список Всемирного наследия ЮНЕСКО . [78]
Многие из работ в стиле барокко в исторической части города и за его пределами принадлежат Николау Насони, итальянскому архитектору, живущему в Португалии, создавшему оригинальные здания с живописными композициями, такие как церковь и башня Клеригуш , [79] лоджия собора Порту , церковь Мизерикордия, дворец Сан-Жуан-Нову , [80] дворец Фрейшу , [81] Епископальный дворец ( португальский : Paço Episcopal do Porto ) [82] и многие другие.
Дебют русского барокко, или петровского барокко , последовал за длительным визитом Петра Великого в Западную Европу в 1697–1698 годах, где он посетил замки Фонтенбло и Версаль , а также другие архитектурные памятники. По возвращении в Россию он решил построить аналогичные памятники в Санкт-Петербурге , который стал новой столицей России в 1712 году. Ранние крупные памятники петровского барокко включают Петропавловский собор и дворец Меншикова .
В период правления Анны и Елизаветы в русской архитектуре доминировал роскошный стиль барокко итальянца Франческо Бартоломео Растрелли , который развился в елизаветинское барокко . Среди знаковых зданий Растрелли — Зимний дворец , Екатерининский дворец и Смольный собор . Другими отличительными памятниками елизаветинского барокко являются колокольня Троице -Сергиевой Лавры и Красные ворота . [86]
В Москве получило распространение нарышкинское барокко , особенно в архитектуре православных церквей конца XVII века. Оно представляло собой сочетание западноевропейского барокко с традиционными русскими народными стилями.
Из-за колонизации Америки европейскими странами, барокко естественным образом переместилось в Новый Свет , найдя особенно благоприятную почву в регионах, где доминировали Испания и Португалия , обе страны были централизованными и непреклонно католическими монархиями, в более широком смысле подчиненными Риму и приверженцами барочной контрреформации . Европейские художники мигрировали в Америку и создали школу, и наряду с широким проникновением католических миссионеров , многие из которых были искусными художниками, создали многообразное барокко, часто находящееся под влиянием народного вкуса. Криолло и местные ремесленники сделали многое, чтобы придать этому барокко уникальные черты. Главными центрами культивирования американского барокко, которые все еще существуют, являются (в этом порядке) Мексика , Перу , Бразилия , Куба , Эквадор , Колумбия , Боливия , Гватемала , Никарагуа , Пуэрто-Рико и Панама .
Особого внимания заслуживает так называемое «миссионерское барокко», развившееся в рамках испанских сокращений в областях, простирающихся от Мексики и юго-западных частей современных Соединенных Штатов до таких южных районов, как Аргентина и Чили, коренные поселения, организованные испанскими католическими миссионерами с целью обратить их в христианскую веру и аккультурировать их в западной жизни, образуя гибридное барокко, находящееся под влиянием культуры коренных народов, где процветали креолы и многие коренные ремесленники и музыканты, даже грамотные, некоторые из которых обладали большими способностями и талантом. Отчеты миссионеров часто повторяют, что западное искусство, особенно музыка, оказывало гипнотическое воздействие на лесников, а образы святых рассматривались как имеющие великую силу. Многие коренные жители были обращены, и была создана новая форма преданности, страстной интенсивности, нагруженная мистицизмом, суеверием и театральностью, которая восхищала праздничными мессами, священными концертами и мистериями. [94] [95]
Архитектура колониального барокко в испанской Америке характеризуется обильным декором (портал церкви Ла Професа , Мехико; фасады, покрытые азулежу в стиле Пуэбла , как в церкви Сан-Франциско Акатепек в Сан-Андрес-Чолуле и монастырской церкви Сан-Франциско, Пуэбла ), который будет усугубляться в так называемом стиле чурригереско (фасад табернакля кафедрального собора Мехико , работы Лоренсо Родригеса; церковь Сан-Франциско Хавьер, Тепоцотлан ; церковь Санта-Приска-де-Таско ). В Перу конструкции, в основном развитые в городах Лима , Куско , Арекипа и Трухильо , с 1650 года демонстрируют оригинальные характеристики, продвинутые даже до европейского барокко, как, например, использование мягких стен и соломоновых колонн ( Iglesia de la Compañía de Jesús, Куско ; Базилика и монастырь Сан-Франциско, Лима ). [96] Другие страны включают: Кафедральный собор Сукре в Боливии; Соборная базилика Эскипулас в Гватемале; Собор Тегусигальпы в Гондурасе; Леонский собор в Никарагуа; Церковь Ла Компаньиа де Хесус, Кито , Эквадор; церковь Сан-Игнасио, Богота, Колумбия; Кафедральный собор Каракаса в Венесуэле; Кабильдо Буэнос-Айреса в Аргентине; церковь Санто-Доминго в Сантьяго , Чили; и Гаванский собор на Кубе. Также стоит вспомнить качество церквей Испанских иезуитских миссий в Боливии , Испанских иезуитских миссий в Парагвае , Испанских миссий в Мексике и Испанских францисканских миссий в Калифорнии . [97]
В Бразилии , как и в метрополии Португалии , архитектура имеет определенное итальянское влияние , как правило, борроминского типа, как это можно увидеть в соборе Ресифи (1784) и церкви Носса-Сеньора-да-Глория-ду-Оутейру в Рио-де-Жанейро (1739). В регионе Минас-Жерайс выделяется работа Алейжадинью , автора группы церквей, которые выделяются своей изогнутой планиметрией, фасадами с вогнуто-выпуклыми динамическими эффектами и пластической обработкой всех архитектурных элементов ( церковь Сан-Франциско-де-Ассис, Ору-Прету , 1765–1788).
В португальских колониях Индии ( Гоа , Даман и Диу ) процветал архитектурный стиль барочных форм, смешанный с индуистскими элементами, такими как собор Се и базилика Бон-Жезуш в Гоа, в которой находится гробница Святого Франциска Ксавьера . Комплекс церквей и монастырей Гоа был объявлен объектом Всемирного наследия в 1986 году.
На Филиппинах , которые были испанской колонией более трех столетий, сохранилось большое количество сооружений в стиле барокко . Четыре из них, а также барочный и неоклассический город Виган являются объектами Всемирного наследия ЮНЕСКО ; и хотя они не имеют формальной классификации, город-крепость Манила вместе с городом Таябас содержат значительную часть архитектуры эпохи испанского барокко.
![Витые колонны и перила дворца Могошоая, Могошоая, неизвестный архитектор, начало 18 века[101]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8d/Mogosoaia_Museum_(128813769).jpeg/1280px-Mogosoaia_Museum_(128813769).jpeg)
Как мы видели, барокко — западный стиль, родившийся в Италии. Благодаря торговым и культурным связям итальянцев со странами Балканского полуострова , включая Молдавию и Валахию , барочные влияния проникают в Восточную Европу. Эти влияния не были очень сильными, поскольку они обычно проявляются в архитектуре и каменных скульптурных украшениях, а также интенсивно смешиваются с деталями, взятыми из византийского и исламского искусства .
До и после падения Византийской империи все искусство Валахии и Молдавии находилось в первую очередь под влиянием Константинополя . До конца XVI века, с небольшими изменениями, планы церквей и монастырей, фрески и орнаменты, вырезанные на камне, оставались такими же, как и прежде. С периода, начинающегося с правления Матея Басараба (1632–1654) и Василе Лупу (1634–1653), который совпал с популяризацией итальянского барокко, были добавлены новые орнаменты, и стиль религиозной мебели изменился. Это было совсем не случайно. Декоративные элементы и принципы были привезены из Италии через Венецию или через далматинские регионы, и они были приняты архитекторами и мастерами с востока. Оконные и дверные рамы, писания с посвящением, надгробия, колонны и перила, а также часть бронзовой, серебряной или деревянной мебели получили более важную роль, чем та, которую они имели раньше. Они существовали и раньше, вдохновленные византийской традицией, но приобрели более реалистичный вид, показывая нежные цветочные мотивы. Рельеф , который существовал и раньше, стал более акцентированным, объемным и последовательным. До этого периода рельефы из Валахии и Молдавии, как и рельефы с Востока, имели только два уровня, на небольшом расстоянии друг от друга, один на поверхности, а другой в глубине. Большие цветы, возможно, розы , пионы или чертополох , толстые листья аканта или другого похожего растения, вились на колоннах или окружали двери и окна. Местом, где барокко оказало сильное влияние, были колонны и перила . Капители были больше, чем раньше, украшены листвой. Колонны часто имеют витые стволы, местная переинтерпретация Соломоновой колонны . Между этими колоннами размещены максималистские перила, украшенные ринсо . Некоторые из них из дворца Могошоая также украшены дельфинами. Иногда также используются картуши , в основном на надгробиях, как на могиле Константина Брынковяну . Это движение известно как стиль Брынковянеск , в честь Константина Брынковяну , правителя Валахии, чье правление (1654–1714) тесно связано с этим типом архитектуры и дизайна. Стиль также присутствует в 18 веке и в части 19 века. Многие церкви и резиденции, возведенные боярами и воеводамииз этих периодов — брынковенский. Хотя влияние барокко можно ясно увидеть, стиль брынковенский черпает гораздо больше вдохновения из местной традиции.
По мере того, как в XVIII веке, с правлением фанариотов (членов видных греческих семей в Фанаре , Стамбуле) в Валахии и Молдавии, барочные влияния приходят также из Стамбула. Они приходили и раньше, в XVII веке, но с фанариотами, более западные мотивы барокко, которые прибыли в Османскую империю, нашли свое конечное место в современной Румынии. В Молдавии барочные элементы приходят также из России, где влияние итальянского искусства было сильным. [102]
![Триумф Вакха; Михаэлина Вотье; до 1659; холст, масло; 270 x 354 см; Музей истории искусств[110]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b3/Michaelina_wautier-triunfo_de_baco.JPG/1280px-Michaelina_wautier-triunfo_de_baco.JPG)
Художники эпохи барокко сознательно работали над тем, чтобы отделить себя от художников эпохи Возрождения и периода маньеризма после него. В своей палитре они использовали интенсивные и теплые цвета, и особенно использовали основные цвета: красный, синий и желтый, часто помещая все три в непосредственной близости. [112] Они избегали равномерного освещения живописи эпохи Возрождения и использовали сильные контрасты света и тени на определенных участках картины, чтобы направить внимание на центральные действия или фигуры. В своей композиции они избегали спокойных сцен картин эпохи Возрождения и выбирали моменты наибольшего движения и драмы. В отличие от спокойных лиц картин эпохи Возрождения, лица на картинах эпохи барокко ясно выражали свои эмоции. Они часто использовали асимметрию, когда действие происходило вдали от центра картины, и создавали оси, которые не были ни вертикальными, ни горизонтальными, а наклонными влево или вправо, создавая ощущение нестабильности и движения. Они усиливали это впечатление движения, заставляя костюмы персонажей развеваться на ветру или двигаться от их собственных жестов. Общее впечатление было движением, эмоциями и драмой. [113] Другим важным элементом живописи барокко была аллегория; каждая картина рассказывала историю и имела сообщение, часто зашифрованное в символах и аллегорических персонажах, которые образованный зритель должен был знать и читать. [114]
Ранние свидетельства итальянских барочных идей в живописи появились в Болонье, где Аннибале Карраччи , Агостино Карраччи и Людовико Карраччи стремились вернуть изобразительное искусство к упорядоченному классицизму эпохи Возрождения. Однако их искусство также включало в себя идеи, центральные для Контрреформации; они включали в себя сильные эмоции и религиозные образы, которые больше апеллировали к сердцу, чем к интеллекту. [115]
Другим влиятельным художником эпохи барокко был Микеланджело Меризи да Караваджо . Его реалистичный подход к человеческой фигуре, написанной непосредственно с натуры и драматически освещенной на темном фоне, шокировал его современников и открыл новую главу в истории живописи. Другие крупные художники, тесно связанные со стилем барокко, включают Артемизия Джентилески , Элизабетта Сирани , Джованна Гарцони , Гвидо Рени , Доменикино , Андреа Поццо и Паоло де Маттеис в Италии; Франсиско де Сурбаран , Бартоломе Эстебан Мурильо и Диего Веласкес в Испании; Адам Эльсхаймер в Германии; и Николя Пуссен и Жорж де Латур во Франции (хотя Пуссен провел большую часть своей творческой жизни в Италии). Пуссен и де Латур приняли «классический» стиль барокко, уделяя меньше внимания эмоциям и больше внимания линиям фигур на картине, чем цвету.
Питер Пауль Рубенс был самым важным художником стиля фламандского барокко . Яркие композиции Рубенса отсылают к эрудированным аспектам классической и христианской истории. Его уникальный и чрезвычайно популярный стиль барокко подчеркивал движение, цвет и чувственность, которые следовали непосредственному, драматическому художественному стилю, пропагандируемому Контрреформацией . Рубенс специализировался на создании алтарных образов, портретов, пейзажей и исторических картин на мифологические и аллегорические сюжеты.
Одной из важных областей барочной живописи была Quadratura , или картины в trompe-l'œil , которые буквально «обманывали глаз». Они обычно рисовались на лепнине потолков или верхних стен и балюстрад, и создавали впечатление у тех, кто лежал на земле и смотрел вверх, что они видят небеса, населенные толпами ангелов, святых и других небесных фигур, на фоне нарисованных небес и воображаемой архитектуры. [47]
В Италии художники часто сотрудничали с архитекторами в оформлении интерьеров; Пьетро да Кортона был одним из художников 17 века, которые использовали этот иллюзионистский способ живописи. Среди его самых важных заказов были фрески, которые он написал для Палаццо Барберини (1633–39), чтобы прославить правление папы Урбана VIII . Композиции Пьетро да Кортона были крупнейшими декоративными фресками, выполненными в Риме со времен работы Микеланджело в Сикстинской капелле . [116]
Франсуа Буше был важной фигурой в более тонком французском стиле рококо, который появился в период позднего барокко. Он проектировал гобелены, ковры и театральные декорации, а также занимался живописью. Его работы были чрезвычайно популярны у мадам де Помпадур , любовницы короля Людовика XV . Его картины представляли мифологические романтические и слегка эротические темы. [117]
В испаноязычной Америке первыми влияниями были севильский тенебризм , в основном Сурбарана — некоторые работы которого до сих пор сохранились в Мексике и Перу — как это можно увидеть в работах мексиканцев Хосе Хуареса и Себастьяна Лопеса де Артеаги, а также боливийца Мельчора Переса де Ольгина. Кускская школа живописи возникла после прибытия итальянского художника Бернардо Битти в 1583 году, который представил маньеризм в Америке. Она выдвинула на первый план работу Луиса де Рианьо , ученика итальянца Анджелино Медоро , автора фресок церкви Сан-Педро, Андауайлильяс. Он также выделил индийских художников ( кечуа ) Диего Киспе Тито и Базилио Санта-Крус Пумакальяо , а также Маркоса Сапату , автора пятидесяти больших полотен, украшающих высокие арки собора Куско . В Эквадоре была сформирована Школа Кито , представленная главным образом метисом Мигелем де Сантьяго и криолло Николасом Хавьером де Горибаром.
В XVIII веке скульптурные алтари начали заменяться картинами, что особенно способствовало развитию барочной живописи в Америке. Аналогичным образом рос спрос на гражданские работы, в основном портреты аристократических классов и церковной иерархии. Основное влияние оказал мурильеско , а в некоторых случаях — как в случае с креольо Кристобалем де Вильяльпандо — Хуан де Вальдес Леаль . Живопись этой эпохи имеет более сентиментальный тон, с более милыми и мягкими формами. Среди ее сторонников — Грегорио Васкес де Арсе и Себальос в Колумбии, а также Хуан Родригес Хуарес и Мигель Кабрера в Мексике.
The dominant figure in baroque sculpture was Gian Lorenzo Bernini. Under the patronage of Pope Urban VIII, he made a remarkable series of monumental statues of saints and figures whose faces and gestures vividly expressed their emotions, as well as portrait busts of exceptional realism, and highly decorative works for the Vatican such as the imposing Chair of St. Peter beneath the dome in St. Peter's Basilica. In addition, he designed fountains with monumental groups of sculpture to decorate the major squares of Rome.[120]
Baroque sculpture was inspired by ancient Roman statuary, particularly by the famous first century CE statue of Laocoön and His Sons, which was unearthed in 1506 and put on display in the gallery of the Vatican. When he visited Paris in 1665, Bernini addressed the students at the academy of painting and sculpture. He advised the students to work from classical models, rather than from nature. He told the students, "When I had trouble with my first statue, I consulted the Antinous like an oracle."[121] That Antinous statue is known today as the Hermes of the Museo Pio-Clementino.
Notable late French baroque sculptors included Étienne Maurice Falconet and Jean Baptiste Pigalle. Pigalle was commissioned by Frederick the Great to make statues for Frederick's own version of Versailles at Sanssouci in Potsdam, Germany. Falconet also received an important foreign commission, creating the famous Bronze Horseman statue of Peter the Great found in St. Petersburg.
In Spain, the sculptor Francisco Salzillo worked exclusively on religious themes, using polychromed wood. Some of the finest baroque sculptural craftsmanship was found in the gilded stucco altars of churches of the Spanish colonies of the New World, made by local craftsmen; examples include the Chapel del Rosario, Puebla, (Mexico), 1724–1731.
![Cabinet with caryatids; c.1675; ebony, kingwood, marquetry of hard stones, gilt bronze, pewter, glass, tinted mirror and horn; unknown dimensions; Musée des Arts décoratifs, Strasbourg, France[123]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3b/Antichambre_du_prince-%C3%A9v%C3%AAque_(Palais_Rohan,_Strasbourg)_cabinet.JPG/1280px-Antichambre_du_prince-%C3%A9v%C3%AAque_(Palais_Rohan,_Strasbourg)_cabinet.JPG)
The main motifs used are: horns of plenty, festoons, baby angels, lion heads holding a metal ring in their mouths, female faces surrounded by garlands, oval cartouches, acanthus leaves, classical columns, caryatids, pediments, and other elements of Classical architecture sculpted on some parts of pieces of furniture,[128] baskets with fruits or flowers, shells, armour and trophies, heads of Apollo or Bacchus, and C-shaped volutes.[129]
During the first period of the reign of Louis XIV, furniture followed the previous Louis XIII style, and was massive, and profusely decorated with sculpture and gilding. After 1680, thanks in large part to the furniture designer André-Charles Boulle, a more original and delicate style appeared, sometimes known as Boulle work. It was based on the inlay of ebony and other rare woods, a technique first used in Florence in the 15th century, which was refined and developed by Boulle and others working for Louis XIV. Furniture was inlaid with plaques of ebony, copper, and exotic woods of different colors.[130]
New and often enduring types of furniture appeared; the commode, with two to four drawers, replaced the old coffre, or chest. The canapé, or sofa, appeared, in the form of a combination of two or three armchairs. New kinds of armchairs appeared, including the fauteuil en confessionale or "Confessional armchair", which had padded cushions ions on either side of the back of the chair. The console table also made its first appearance; it was designed to be placed against a wall. Another new type of furniture was the table à gibier, a marble-topped table for holding dishes. Early varieties of the desk appeared; the Mazarin desk had a central section set back, placed between two columns of drawers, with four feet on each column.[130]
The term Baroque is also used to designate the style of music composed during a period that overlaps with that of Baroque art. The first uses of the term 'baroque' for music were criticisms. In an anonymous, satirical review of the première in October 1733 of Jean-Philippe Rameau's Hippolyte et Aricie, printed in the Mercure de France in May 1734, the critic implied that the novelty of this opera was "du barocque," complaining that the music lacked coherent melody, was filled with unremitting dissonances, constantly changed key and meter, and speedily ran through every compositional device.[131] Jean-Jacques Rousseau, who was a musician and noted composer as well as philosopher, made a very similar observation in 1768 in the famous Encyclopédie of Denis Diderot: "Baroque music is that in which the harmony is confused, and loaded with modulations and dissonances. The singing is harsh and unnatural, the intonation difficult, and the movement limited. It appears that term comes from the word 'baroco' used by logicians."[15]
Common use of the term for the music of the period began only in 1919, by Curt Sachs,[132] and it was not until 1940 that it was first used in English in an article published by Manfred Bukofzer.[131]
The baroque was a period of musical experimentation and innovation which explains the amount of ornaments and improvisation performed by the musicians. New forms were invented, including the concerto and sinfonia. Opera was born in Italy at the end of the 16th century (with Jacopo Peri's mostly lost Dafne, produced in Florence in 1598) and soon spread through the rest of Europe: Louis XIV created the first Royal Academy of Music. In 1669, the poet Pierre Perrin opened an academy of opera in Paris, the first opera theatre in France open to the public, and premiered Pomone, the first grand opera in French, with music by Robert Cambert, with five acts, elaborate stage machinery, and a ballet.[133] Heinrich Schütz in Germany, Jean-Baptiste Lully in France, and Henry Purcell in England all helped to establish their national traditions in the 17th century.
Several new instruments, including the piano, were introduced during this period. The invention of the piano is credited to Bartolomeo Cristofori (1655–1731) of Padua, Italy, who was employed by Ferdinando de' Medici, Grand Prince of Tuscany, as the Keeper of the Instruments.[134][135] Cristofori named the instrument un cimbalo di cipresso di piano e forte ("a keyboard of cypress with soft and loud"), abbreviated over time as pianoforte, fortepiano, and later, simply, piano.[136]
The classical ballet also originated in the Baroque era. The style of court dance was brought to France by Marie de' Medici, and in the beginning the members of the court themselves were the dancers. Louis XIV himself performed in public in several ballets. In March 1662, the Académie Royale de Danse, was founded by the King. It was the first professional dance school and company, and set the standards and vocabulary for ballet throughout Europe during the period.[133]
Heinrich Wölfflin was the first to transfer the term Baroque to literature.[137] The key concepts of Baroque literary theory, such as "conceit" (concetto), "wit" (acutezza, ingegno), and "wonder" (meraviglia), were not fully developed in literary theory until the publication of Emanuele Tesauro's Il Cannocchiale aristotelico (The Aristotelian Telescope) in 1654. This seminal treatise - inspired by Giambattista Marino's epic Adone and the work of the Spanish Jesuit philosopher Baltasar Gracián - developed a theory of metaphor as a universal language of images and as a supreme intellectual act, at once an artifice and an epistemologically privileged mode of access to truth.[138]
The Baroque period was a golden age for theatre in France and Spain; playwrights included Corneille, Racine and Molière in France; and Lope de Vega and Pedro Calderón de la Barca in Spain.
During the Baroque period, the art and style of the theatre evolved rapidly, alongside the development of opera and of ballet. The design of newer and larger theatres, the invention the use of more elaborate machinery, the wider use of the proscenium arch, which framed the stage and hid the machinery from the audience, encouraged more scenic effects and spectacle.[139]
The Baroque had a Catholic and conservative character in Spain, following an Italian literary model during the Renaissance.[140] The Hispanic Baroque theatre aimed for a public content with an ideal reality that manifested fundamental three sentiments: Catholic religion, monarchist and national pride and honour originating from the chivalric, knightly world.[141]
Two periods are known in the Baroque Spanish theatre, with the division occurring in 1630. The first period is represented chiefly by Lope de Vega, but also by Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente or Juan Pérez de Montalbán. The second period is represented by Pedro Calderón de la Barca and fellow dramatists Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto, and Francisco Bances Candamo.[142] These classifications are loose because each author had his own way and could occasionally adhere himself to the formula established by Lope. It may even be that Lope's "manner" was more liberal and structured than Calderón's.[143]
Lope de Vega introduced through his Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) the new comedy. He established a new dramatic formula that broke the three Aristotle unities of the Italian school of poetry (action, time, and place) and a fourth unity of Aristotle which is about style, mixing of tragic and comic elements showing different types of verses and stanzas upon what is represented.[144] Although Lope has a great knowledge of the plastic arts, he did not use it during the major part of his career nor in theatre or scenography. The Lope's comedy granted a second role to the visual aspects of the theatrical representation.[145]
Tirso de Molina, Lope de Vega, and Calderón were the most important play writers in Golden Era Spain. Their works, known for their subtle intelligence and profound comprehension of a person's humanity, could be considered a bridge between Lope's primitive comedy and the more elaborate comedy of Calderón. Tirso de Molina is best known for two works, The Convicted Suspicions and The Trickster of Seville, one of the first versions of the Don Juan myth.[146]
Upon his arrival to Madrid, Cosimo Lotti brought to the Spanish court the most advanced theatrical techniques of Europe. His techniques and mechanic knowledge were applied in palace exhibitions called "Fiestas" and in lavish exhibitions of rivers or artificial fountains called "Naumaquias". He was in charge of styling the Gardens of Buen Retiro, of Zarzuela, and of Aranjuez and the construction of the theatrical building of Coliseo del Buen Retiro.[147] Lope's formulas begin with a verse that it unbefitting of the palace theatre foundation and the birth of new concepts that begun the careers of some play writers like Calderón de la Barca. Marking the principal innovations of the New Lopesian Comedy, Calderón's style marked many differences, with a great deal of constructive care and attention to his internal structure. Calderón's work is in formal perfection and a very lyric and symbolic language. Liberty, vitality and openness of Lope gave a step to Calderón's intellectual reflection and formal precision. In his comedy it reflected his ideological and doctrine intentions in above the passion and the action, the work of Autos sacramentales achieved high ranks.[148] The genre of Comedia is political, multi-artistic and in a sense hybrid. The poetic text interweaved with Medias and resources originating from architecture, music and painting freeing the deception that is in the Lopesian comedy was made up from the lack of scenery and engaging the dialogue of action.[149]
The best known German playwright was Andreas Gryphius, who used the Jesuit model of the Dutch Joost van den Vondel and Pierre Corneille. There was also Johannes Velten who combined the traditions of the English comedians and the commedia dell'arte with the classic theatre of Corneille and Molière. His touring company was perhaps the most significant and important of the 17th century.
The foremost Italian baroque tragedian was Federico Della Valle. His literary activity is summed up by the four plays that he wrote for the courtly theater: the tragicomedy Adelonda di Frigia (1595) and especially his three tragedies, Judith (1627), Esther (1627) and La reina di Scotia (1628). Della Valle had many imitators and followers who combined in their works Baroque taste and the didactic aims of the Jesuits (Francesco Sforza Pallavicino, Girolamo Graziani, etc.)
In the Tsardom of Russia, the development of the Russian version of Baroque took shape only in the second half of the 17th century, primarily due to the initiative of tsar Alexis of Russia, who wanted to open a court theatre in 1672. Its director and dramatist was Johann Gottfried Gregorii, a German-Russian Lutheran pastor, who wrote, in particular, a 10-hour play The Action of Artaxerxes. The dramaturgy of Symeon of Polotsk and Demetrius of Rostov became key contribution to the Russian Baroque.[150]
Following the evolution marked from Spain, at the end of the 16th century, the companies of comedians, essentially transhumant, began to professionalize. With professionalization came regulation and censorship: as in Europe, the theatre oscillated between tolerance and even government protection and rejection (with exceptions) or persecution by the Church. The theatre was useful to the authorities as an instrument to disseminate the desired behavior and models, respect for the social order and the monarchy, school of religious dogma.[151]
The corrales were administered for the benefit of hospitals that shared the benefits of the representations. The itinerant companies (or "of the league"), who carried the theatre in improvised open-air stages by the regions that did not have fixed locals, required a viceregal license to work, whose price or pinción was destined to alms and works pious.[151] For companies that worked stably in the capitals and major cities, one of their main sources of income was participation in the festivities of the Corpus Christi, which provided them with not only economic benefits, but also recognition and social prestige. The representations in the viceregal palace and the mansions of the aristocracy, where they represented both the comedies of their repertoire and special productions with great lighting effects, scenery, and stage, were also an important source of well-paid and prestigious work.[151]
Born in the Viceroyalty of New Spain[152] but later settled in Spain, Juan Ruiz de Alarcón is the most prominent figure in the Baroque theatre of New Spain. Despite his accommodation to Lope de Vega's new comedy, his "marked secularism", his discretion and restraint, and a keen capacity for "psychological penetration" as distinctive features of Alarcón against his Spanish contemporaries have been noted. Noteworthy among his works La verdad sospechosa, a comedy of characters that reflected his constant moralizing purpose.[151] The dramatic production of Sor Juana Inés de la Cruz places her as the second figure of the Spanish-American Baroque theatre. It is worth mentioning among her works the auto sacramental El divino Narciso and the comedy Los empeños de una casa.
![Gardens of the Het Loo Palace, Netherlands, unknown architect, 1689[155]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/28/Het_Loo_Hauptachse.JPG/1280px-Het_Loo_Hauptachse.JPG)
The Baroque garden, also known as the jardin à la française or French formal garden, first appeared in Rome in the 16th century, and then most famously in France in the 17th century in the gardens of Vaux le Vicomte and the Palace of Versailles. Baroque gardens were built by Kings and princes in Germany, the Netherlands, Austria, Spain, Poland, Italy and Russia until the mid-18th century, when they began to be remade into by the more natural English landscape garden.
The purpose of the baroque garden was to illustrate the power of man over nature, and the glory of its builder, Baroque gardens were laid out in geometric patterns, like the rooms of a house. They were usually best seen from the outside and looking down, either from a château or terrace. The elements of a baroque garden included parterres of flower beds or low hedges trimmed into ornate Baroque designs, and straight lanes and alleys of gravel which divided and crisscrossed the garden. Terraces, ramps, staircases and cascades were placed where there were differences of elevation, and provided viewing points. Circular or rectangular ponds or basins of water were the settings for fountains and statues. Bosquets or carefully trimmed groves or lines of identical trees, gave the appearance of walls of greenery and were backdrops for statues. On the edges, the gardens usually had pavilions, orangeries and other structures where visitors could take shelter from the sun or rain.[157]
Baroque gardens required enormous numbers of gardeners, continual trimming, and abundant water. In the later part of the Baroque period, the formal elements began to be replaced with more natural features, including winding paths, groves of varied trees left to grow untrimmed; rustic architecture and picturesque structures, such as Roman temples or Chinese pagodas, as well as "secret gardens" on the edges of the main garden, filled with greenery, where visitors could read or have quiet conversations. By the mid-18th century most of the Baroque gardens were partially or entirely transformed into variations of the English landscape garden.[157]
Besides Versailles and Vaux-le-Vicomte, celebrated baroque gardens still retaining much of their original appearance include the Royal Palace of Caserta near Naples; Nymphenburg Palace and Augustusburg and Falkenlust Palaces, Brühl in Germany; Het Loo Palace, Netherlands; the Belvedere Palace in Vienna; Royal Palace of La Granja de San Ildefonso, Spain; and Peterhof Palace in St. Petersburg, Russia.[157]
16th through 19th century European cities witnessed a large change in urban design and planning principals that reshaped the landscapes and built environment. Rome, Paris, and other major cities were transformed to accommodate growing populations through improvements in housing, transportation, and public services. Throughout this time, the Baroque style was in full swing, and the influences of elaborate, dramatic, and artistic architectural styles extended into the urban fabric through what is known as Baroque urban planning. The experience of living and walking in the cities aims to complement the emotions of the Baroque style. This style of planning often embraced displaying the wealth and strength of the ruling powers, and the important buildings served as the visual and symbolic center of the cities.[158]
The replanning of the city of Rome under the rule of Pope Sixtus V revived and expanded the city in the 16th century. Many grand piazzas and squares were added as public spaces to contribute to the dramatic effect of the Baroque style. The piazzas featured fountains and other decorative features to embody the emotions of the time. An important factor in Baroque style planning was to connect churches, government structures, and piazzas together in a refined network of axis'. This allowed the important landmarks of the Catholic Church to become the focal points of the city.[159]
As another example of Baroque urban planning, Paris was in desperate need for an urban revival in the 19th century. The city underwent a dramatic change within its urban fabric through the help of Baron Haussmann. Under the rule of Napoleon III, Haussmann was appointed to reconstruct Paris by adding a new network of streets, parks, trains, and public services. Some of the characteristics of Haussmann's design include straight, wide boulevards lined with trees, and short access to parks and green spaces.[160] The plan highlights some important buildings, such as the Paris Opera House.
_(cropped).jpg/1280px-Aerial_view_of_Barcelona,_Spain_(51227309370)_(cropped).jpg)
More characteristics of Baroque urban planning are embodied in Barcelona. The Eixample district, designed by Ildefons Cerdà, showcases wide avenues in a grid system with a few diagonal boulevards. The intersections are unique with octagonal blocks, which provide the streets with great visibility and light.[161] Many works in this district come from architect Antoni Gaudí, who displays a unique style. Centered in the Eixample district design is the Sagrada Família by Gaudí, which poses great significance to the city.
![Vieux-Laque Room, Schönbrunn Palace, Vienna, Austria, decorated with Chinese black lacquerware panels, by Nikolaus Pacassi, 1743–1763[164]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5f/Vienna_(124619801).jpeg/1280px-Vienna_(124619801).jpeg)
The Rococo is the final stage of the Baroque, and in many ways took the Baroque's fundamental qualities of illusion and drama to their logical extremes. Beginning in France as a reaction against the heavy Baroque grandeur of Louis XIV's court at the Palace of Versailles, the rococo movement became associated particularly with the powerful Madame de Pompadour (1721–1764), the mistress of the new king, Louis XV (1710–1774). Because of this, the style was also known as Pompadour. Although it's highly associated with the reign of Louis XV, it didn't appear in this period. Multiple works from the last years of Louis XIV's reign are examples of early Rococo. The name of the movement derives from the French rocaille, or pebble, and refers to stones and shells that decorate the interiors of caves, as similar shell forms became a common feature in Rococo design. It began as a design and decorative arts style, and was characterized by elegant flowing shapes. Architecture followed and then painting and sculpture. The French painter with whom the term Rococo is most often associated is Jean-Antoine Watteau, whose pastoral scenes, or fêtes galantes, dominate the early part of the 18th century.
There are multiple similarities between Rococo and Baroque. Both styles insist on monumental forms, and so use continuous spaces, double columns or pilasters, and luxurious materials (including gilded elements). There also noticeable differences. Rococo designed freed themselves from the adherence to symmetry that had dominated architecture and design since the Renaissance. Many small objects, like ink pots or porcelain figures, but also some ornaments, are often asymmetrical. This goes hand in hand with the fact that most ornamentation consisted of interpretation of foliage and sea shells, not as many Classical ornaments inherited from the Renaissance like in Baroque. Another key difference is the fact that since the Baroque is the main cultural manifestation of the spirit of the Counter-Reformation, it is most often associated with ecclesiastical architecture. In contrast, the Rococo is mainly associated with palaces and domestic architecture. In Paris, the popularity of the Rococo coincided with the emergence of the salon as a new type of social gathering, the venues for which were often decorated in this style. Rococo rooms were typically smaller than their Baroque counterparts, reflecting a movement towards domestic intimacy.[167] Colours also match this change, from the earthy tones of Caravaggio's paintings, and the interiors of red marble and gilded mounts of the reign of Louis XIV, to the pastel and relaxed pale blue, Pompadour pink, and white of the Louis XV and Madame de Pompadour's France. Similarly to colours, there was also a transition from serious, dramatic and moralistic subjects in painting and sculpture, to lighthearted and joyful themes.
One last difference between Baroque and Rococo is the interest that 18th century aristocrats had for East Asia. Chinoiserie was a style in fine art, architecture and design, popular during the 18th century, that was heavily inspired by Chinese art, but also by Rococo at the same time. Because traveling to China or other Far Eastern countries was hard at that time and so remained mysterious to most Westerners, European imagination were fuelled by perceptions of Asia as a place of wealth and luxury, and consequently patrons from emperors to merchants vied with each other in adorning their living quarters with Asian goods and decorating them in Asian styles. Where Asian objects were hard to obtain, European craftsmen and painters stepped up to fill the demand, creating a blend of Rococo forms and Asian figures, motifs and techniques. Aside from European recreations of objects in East Asian style, Chinese lacquerware was reused in multiple ways. European aristocrats fully decorated a handful of rooms of palaces, with Chinese lacquer panels used as wall panels. Due to its aspect, black lacquer was popular for Western men's studies. Those panels used were usually glossy and black, made in the Henan province of China. They were made of multiple layers of lacquer, then incised with motifs in-filled with colour and gold. Chinese, but also Japanese lacquer panels were also used by some 18th century European carpenters for making furniture. In order to be produced, Asian screens were dismantled and used to veneer European-made furniture.
The pioneer German art historian and archeologist Johann Joachim Winckelmann also condemned the baroque style, and praised the superior values of classical art and architecture. By the 19th century, Baroque was a target for ridicule and criticism. The neoclassical critic Francesco Milizia wrote: "Borrominini in architecture, Bernini in sculpture, Pietro da Cortona in painting...are a plague on good taste, which infected a large number of artists."[168] In the 19th century, criticism went even further; the British critic John Ruskin declared that baroque sculpture was not only bad, but also morally corrupt.[168]
The Swiss-born art historian Heinrich Wölfflin (1864–1945) started the rehabilitation of the word Baroque in his Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identified the Baroque as "movement imported into mass", an art antithetic to Renaissance art. He did not make the distinctions between Mannerism and Baroque that modern writers do, and he ignored the later phase, the academic Baroque that lasted into the 18th century. Baroque art and architecture became fashionable in the interwar period, and has largely remained in critical favor. The term "Baroque" may still be used, often pejoratively, describing works of art, craft, or design that are thought to have excessive ornamentation or complexity of line.[169] At the same time "baroque" has become an accepted terms for various trends in Roman art and Roman architecture in the 2nd and 3rd centuries AD, which display some of the same characteristics as the later Baroque.[citation needed]
Highly criticized, the Baroque would later be a source of inspiration for artists, architects and designers during the 19th century through Romanticism, a movement that developed in the 18th century and that reached its peak in the 19th. It was characterized by its emphasis on emotion and individualism, as well as glorification of the past and nature, preferring the medieval to the classical. A mix of literary, religious, and political factors prompted late-18th and 19th century British architects and designers to look back to the Middle Ages for inspiration. Romanticism is the reason the 19th century is best known as the century of revivals.[175] In France, Romanticism was not the key factor that led to the revival of Gothic architecture and design. Vandalism of monuments and buildings associated with the Ancien Régime (Old Regime) happened during the French Revolution. Because of this an archaeologist, Alexandre Lenoir, was appointed curator of the Petits-Augustins depot, where sculptures, statues and tombs removed from churches, abbeys and convents had been transported. He organized the Museum of French Monuments (1795–1816), and was the first to bring back the taste for the art of the Middle Ages, which progressed slowly to flourish a quarter of a century later.[176]
This taste and revival of medieval art led to the revival of other periods, including the Baroque and Rococo. Revivalism started with themes first from the Middle Ages, then, towards the end of the reign of Louis Philippe I (1830–1848), from the Renaissance. Baroque and Rococo inspiration was more popular during the reign of Napoleon III (1852–1870), and continued later, after the fall of the Second French Empire.[177]
Compared to how in England architects and designers saw the Gothic as a national style, Rococo was seen as one of the most representative movements for France. The French felt much more connected to the styles of the Ancien Régime and Napoleon's Empire, than to the medieval or Renaissance past, although Gothic architecture appeared in France, not in England.
The revivalism of the 19th century led in time to eclecticism (mix of elements of different styles). Because architects often revived Classical styles, most Eclectic buildings and designs have a distinctive look. Besides pure revivals, the Baroque was also one of the main sources of inspiration for eclecticism. The coupled column and the giant order, two elements widely used in Baroque, are often present in this kind of 19th and early 20th century buildings. Eclecticism was not limited only to architecture. Many designs from the Second Empire style (1848–1870) have elements taken from different styles. Little furniture from the period escaped its three most prevalent historicist influences, which are sometimes kept distinct and sometimes combined: the Renaissance, Louis XV (Rococo), and Louis XVI styles. Revivals and inspiration also came sometimes from Baroque, like in the case of remakes and arabesques that imitate Boulle marquetry, and from other styles, like Gothic, Renaissance, or English Regency.[178]
The Belle Époque was a period that begun around 1871–1880 and that ended with the outbreak of World War I in 1914. It was characterized by optimism, regional peace, economic prosperity, colonial expansion, and technological, scientific, and cultural innovations. Eclecticism reached its peak in this period, with Beaux Arts architecture. The style takes its name from the École des Beaux-Arts in Paris, where it developed and where many of the main exponents of the style studied. Buildings in this style often feature Ionic columns with their volues on the corner (like those found in French Baroque), a rusticated basement level, overall simplicity but with some really detailed parts, arched doors, and an arch above the entrance like the one of the Petit Palais in Paris. The style aimed for a Baroque opulence through lavishly decorated monumental structures that evoked Louis XIV's Versailles. When it comes to the design of the Belle Époque, all furniture from the past was admired, including, perhaps, contrary to expectations, the Second Empire style (the style of the proceeding period), which remained popular until 1900. In the years around 1900, there was a gigantic recapitulation of styles of all countries in all preceding periods. Everything from Chinese to Spanish models, from Boulle to Gothic, found its way into furniture production, but some styles were more appreciated than others. The High Middle Ages and the early Renaissance were especially prized. Exoticism of every stripe and exuberant Rococo designs were also favoured.[179]
Revivals and influence of the Baroque faded away and disappeared with Art Deco, a style created as a collective effort of multiple French designers to make a new modern style around 1910. It was obscure before WW1, but became very popular during the interwar period, being heavily associated with the 1920s and the 1930s. The movement was a blend of multiple characteristics taken from Modernist currents from the 1900s and the 1910s, like the Vienna Secession, Cubism, Fauvism, Primitivism, Suprematism, Constructivism, Futurism, De Stijl, and Expressionism. Besides Modernism, elements taken from styles popular during the Belle Époque, like Rococo Revival, Neoclassicism, or the neo-Louis XVI style, are also present in Art Deco. The proportions, volumes and structure of Beaux Arts architecture before WW1 is present in early Art Deco buildings of the 1910s and 1920s. Elements taken from Baroque are quite rare, architects and designers preferring the Louis XVI style.
At the end of the interwar period, with the rise in popularity of the International Style, characterized by the complete lack of any ornamentation led to the complete abandonment of influence and revivals of the Baroque. Multiple International Style architects and designers, but also Modernist artists criticized Baroque for its extravagance and what they saw as "excess". Ironically this was just at the same time as the critical appreciation of the original Baroque was reviving strongly.
![St. Peter's Basilica, Rome, by Donato Bramante, Michelangelo, Carlo Maderno and others, completed in 1615[27]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b5/Via_della_Conciliazione_at_dawn.JPG/1280px-Via_della_Conciliazione_at_dawn.JPG)
![Dolphin Hotel, Orlando, Florida, US, with urn tops that are reminiscent of urns that decorate corners, tops and roof railings of buildings and furniture from the reign of Louis XIV, by Michael Graves, 1989[182]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/Downtown_Disney_05.JPG/1280px-Downtown_Disney_05.JPG)
![Herengracht no. 120, Amsterdam, unknown architect, c.1625[185]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/46/WLM2011_-_Amsterdam_-_Herengracht_120.JPG/1280px-WLM2011_-_Amsterdam_-_Herengracht_120.JPG)
Appreciation for the Baroque reappeared with the rise of Postmodernism, a movement that questioned Modernism (the status quo after WW2), and which promoted the inclusion of elements of historic styles in new designs, and appreciation for the pre-Modernist past. Specific references to Baroque are rare, since Postmodernism often included highly simplified elements that were 'quotations' of Classicism in general, like pediments or columns.
More references to Baroque are found in Versace ceramic ware and fashion, decorated with maximalist acanthus rinceaux, very similar to the ones found in Italian Baroque ornament plates and in Boulle work, but also similar to the ones found on Empire objects, especially textiles, from the reign of Napoleon I.
empr. au port. barroco « rocher granitique » et « perle irrégulière », attesté dep. le xiiie s. sous la forme barroca (Inquisitiones, p. 99, Portugaliae Monumenta Historica, 1856 sqq. dans Mach.), d'orig. obsc., prob. préromane en raison du suff. -ǒccu très répandu sur le territoire ibérique
But Klein suggests the name may be from Italian painter Federico Barocci (1528–1612), whose work influenced the style.
However, the writings of theologians can go only so far towards explaining the evolution of confessional consciousness and the shaping of religious identity. Lutheran attachment to religious images was a result not only of Luther's own cautious endorsement of their use, but also of the particular religious and political context in which his Reformation unfolded. After the reformer's death in 1546, the image question was fiercely contested once again. But as Calvinism, with its iconoclastic tendencies, spread, Germany's Lutherans responded by reaffirming their commitment to the proper use of religious images. In 1615, Berlin's Lutheran citizens even rioted when their Calvinist rulers removed images from the city's Cathedral.
_-_2021-08-25_-_4.jpg/1280px-Basilique_Saint_Pierre_-_Vatican_(VA)_-_2021-08-25_-_4.jpg)
![Площадь Святого Петра в Риме, Джованни Лоренцо Бернини, 1656–1667[27]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d6/St_Peter's_Square,_Vatican_City_-_April_2007.jpg/1280px-St_Peter's_Square,_Vatican_City_-_April_2007.jpg)
_-_2021-08-28_-_3.jpg/1280px-%C3%89glise_Santa_Maria_Pace_-_Rome_(IT62)_-_2021-08-28_-_3.jpg)
.jpg/1280px-Palacio_de_La_Merced_(52004775643).jpg)
![Королевский дворец в Мадриде, Жан Баутиста Сакетти, 1735–1764[36]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fd/Palacio_Real_de_Madrid_-_13.jpg/1280px-Palacio_Real_de_Madrid_-_13.jpg)
.jpg/1280px-Catedral_de_Santiago_de_Compostela_agosto_2018_(cropped).jpg)
![Дворец Вилянув, Варшава, Польша, неизвестный архитектор, 1677–1679[41]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7b/281012_Detail_of_the_Wilan%C3%B3w_Palace_-_19.jpg/1280px-281012_Detail_of_the_Wilan%C3%B3w_Palace_-_19.jpg)
![Церковь Святого Николая, Прага, Чешская Республика, Кристоф Динценхофер, 1703–1711[43]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4a/St._Nikolaus_auf_der_Kleinseite_Innenraum_1.jpg/1280px-St._Nikolaus_auf_der_Kleinseite_Innenraum_1.jpg)
![Восточный фасад Луврского дворца, Париж, Клод Перро и Луи Лево, 1665–1680[56]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Louvre-facade-est.jpg/1280px-Louvre-facade-est.jpg)
![Часовня Версальского дворца, Версаль, Франция, 1696–1710[57]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Versailles_Chapel_-_July_2006_edit.jpg/1280px-Versailles_Chapel_-_July_2006_edit.jpg)
![Зеркальный зал Версальского дворца, 1678–1684[60]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f1/Chateau_Versailles_Galerie_des_Glaces.jpg/1280px-Chateau_Versailles_Galerie_des_Glaces.jpg)
![Садовый фасад Версальского дворца, Жюль Ардуэн-Мансар, 1678–1688[61]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/76/Palace_of_Versailles_June_2010.jpg/1280px-Palace_of_Versailles_June_2010.jpg)
![Мраморный двор Версальского дворца, 1680[62]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e8/Cour_de_Marbre_du_Ch%C3%A2teau_de_Versailles_October_5,_2011.jpg/1280px-Cour_de_Marbre_du_Ch%C3%A2teau_de_Versailles_October_5,_2011.jpg)
_(cropped).jpg/1280px-Mafra_(27595630149)_(cropped).jpg)
![Азулежу в монастыре Сан-Висенте-де-Фора, Лиссабон, Португалия, со сценой, основанной на гравюре Жана Ле Потра, неизвестного архитектора или мастера, 1730–1735 гг.[71]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/18/Patriarcato_di_Lisbona_(3093346552).jpg/1280px-Patriarcato_di_Lisbona_(3093346552).jpg)
![Большая лестница святилища Бом-Жезуш-ду-Монте, Брага, Португалия, работа Карлоса Луиса Феррейры Амаранте и других, ок. 1784 г. [72]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Bom_Jesus_2017_(10).jpg/1280px-Bom_Jesus_2017_(10).jpg)
![Петергофские сады, Санкт-Петербург, Россия, неизвестный архитектор, 1746–1758[83]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d3/2019-08-02-3847-Saint_Petersburg.jpg/1280px-2019-08-02-3847-Saint_Petersburg.jpg)
![Смольный монастырь, Санкт-Петербург, Франческо Бартоломео Растрелли, 1748[84]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a1/Smolny_Cathedral_SPB_02.jpg/1280px-Smolny_Cathedral_SPB_02.jpg)
_por_Rodrigo_Tetsuo_Argenton.jpg/1280px-Igreja_de_S%C3%A3o_Francisco_de_Assis_(Ouro_Preto,_MG)_por_Rodrigo_Tetsuo_Argenton.jpg)
.jpg/1280px-Catedral_metropolitana_de_Quito_-_panoramio_-_Quito_magn%C3%ADfico_(17).jpg)
![Церковь Санто-Доминго, Сантьяго, Чили, неизвестный архитектор, 1747–1808[88]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e1/Iglesia_de_Santo_Domingo,_Santiago,_2017-09-24.jpg/1280px-Iglesia_de_Santo_Domingo,_Santiago,_2017-09-24.jpg)
.jpg/1280px-Iglesia_de_la_Recoleccion_-_Leon_-_Nicaragua_-_01_(31416391552).jpg)
_by_Brambila.jpg/1280px-Manila_Cathedral_(1792)_by_Brambila.jpg)
.jpg/1280px-Biserica_%E2%80%9E%C3%8En%C4%83l%C8%9Barea_Domnului%E2%80%9D_(1).jpg)
![Монастырь Хорезу, Хорезу, Румыния, с Соломоновой колонной, неизвестный архитектор, XVII–XVIII вв.[100]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/79/Hurezi_(14572944446).jpg/1280px-Hurezi_(14572944446).jpg)
![Воскресение Христа; Аннибале Карраччи; 1593; холст, масло; 217 x 160 см; Лувр[103]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/07/Annibale_Carracci,_Resurrezione,_Louvre.jpg/1280px-Annibale_Carracci,_Resurrezione,_Louvre.jpg)
![Триумф Вакха и Адрианы (часть цикла «Любовь богов»); Аннибале Карраччи; ок. 1597–1600; фреска; длина (галерея): 20,2 м; Палаццо Фарнезе, Рим[104]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0a/The_Triumph_of_Bacchus_and_Ariadne_-_Annibale_Carracci_-_1597_-_Farnese_Gallery,_Rome.jpg/1280px-The_Triumph_of_Bacchus_and_Ariadne_-_Annibale_Carracci_-_1597_-_Farnese_Gallery,_Rome.jpg)
![Призвание святого Матфея; Караваджо; ок. 1602–1604; холст, масло; 3 x 2 м; Сан-Луиджи-деи-Франчези, Рим[105]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/48/The_Calling_of_Saint_Matthew-Caravaggo_(1599-1600).jpg/1280px-The_Calling_of_Saint_Matthew-Caravaggo_(1599-1600).jpg)
![Юдифь, убивающая Олоферна; Артемизия Джентилески; 1611–1612; холст, масло; 163 x 126 см; Уффици, Флоренция, Италия[106]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/50/Artemisia_Gentileschi_-_Giuditta_decapita_Oloferne_-_Google_Art_Project-Adjust.jpg/1280px-Artemisia_Gentileschi_-_Giuditta_decapita_Oloferne_-_Google_Art_Project-Adjust.jpg)
![Похищение сабинянок; Николя Пуссен; 1634–1635; холст, масло; 1,55 × 2,1 м; Музей Метрополитен, Нью-Йорк[107]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Nicolas_Poussin_-_L'Enl%C3%A8vement_des_Sabines_(1634-5).jpg/1280px-Nicolas_Poussin_-_L'Enl%C3%A8vement_des_Sabines_(1634-5).jpg)
![Ночной дозор; Рембрандт; 1642; холст, масло; 3,63 × 4,37 м; Рейксмузеум, Амстердам, Нидерланды[108]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3a/La_ronda_de_noche,_por_Rembrandt_van_Rijn.jpg/1280px-La_ronda_de_noche,_por_Rembrandt_van_Rijn.jpg)
![Лас Менины; Диего Веласкес; 1656 г.; холст, масло; 3,18 см × 2,76 м; Музей Прадо, Мадрид, Испания[109]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/31/Las_Meninas,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg/1280px-Las_Meninas,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg)
![Ванитас Натюрморт; Мария ван Остервейк; 1668; холст, масло; 73 х 88,5 см; Музей истории искусств[111]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b3/Maria_van_Oosterwijck,_Kunsthistorisches_Museum_Wien,_Gem%C3%A4ldegalerie_-_Vanitas-Stilleben_-_GG_5714.jpg/1280px-Maria_van_Oosterwijck,_Kunsthistorisches_Museum_Wien,_Gem%C3%A4ldegalerie_-_Vanitas-Stilleben_-_GG_5714.jpg)
![Экстаз Святой Терезы; Джан Лоренцо Бернини; 1647–1652; мрамор; высота: 3,5 м; Санта-Мария-делла-Виттория, Рим[118]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg/1280px-Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg)
![Слава короля верхом на Пегасе; Антуан Куазевокс; 1698–1702; каррарский мрамор; высота: 3,15 м; Лувр[119]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/93/Fame_riding_Pegasus_Coysevox_Louvre_MR1824.jpg/1280px-Fame_riding_Pegasus_Coysevox_Louvre_MR1824.jpg)
.jpg/1280px-Ermit%C3%A1%C5%BE_(39).jpg)
![Four-poster bed from the Château d'Effiat; c.1650; natural walnut, chiselled Genoa silk velvet and embroidered silks; 295 cm; Louvre[122]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b9/Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_32_D201903_(cropped).jpg/1280px-Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_32_D201903_(cropped).jpg)
![Pier table; 1685–1690; carved, gessoed, and gilded wood, with a marble top; 83.6 × 128.6 × 71.6 cm; Art Institute of Chicago, US[124]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a2/Francia,_tavolo_da_parete,_1685-90_ca.jpg/1280px-Francia,_tavolo_da_parete,_1685-90_ca.jpg)
![Cupboard; by André Charles Boulle; c.1700; ebony and amaranth veneering, polychrome woods, brass, tin, shell, and horn marquetry on an oak frame, gilt-bronze; 255.5 x 157.5 cm; Louvre[125]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d2/Armoire_aux_perroquets_du_Louvre.jpg/1280px-Armoire_aux_perroquets_du_Louvre.jpg)
![Commode; by André-Charles Boulle; c.1710–1732; walnut veneered with ebony and marquetry of engraved brass and tortoiseshell, gilt-bronze mounts, antique marble top; 87.6 x 128.3 x 62.9 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)[126]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/97/Commode_MET_DP108742.jpg/1280px-Commode_MET_DP108742.jpg)
![German slant-front desk; by Heinrich Ludwig Rohde or Ferdinand Plitzner; c.1715–1725; marquetry with maple, amaranth, mahogany, and walnut on spruce and oak; 90 × 84 × 44.5 cm; Art Institute of Chicago[127]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/51/Heinrich_ludwig_rohde_o_ferdinand_plitzner_(attr.),_scrittoio_a_ribalta,_magonza_1720_ca.jpg/1280px-Heinrich_ludwig_rohde_o_ferdinand_plitzner_(attr.),_scrittoio_a_ribalta,_magonza_1720_ca.jpg)
![Gardens at Vaux-le-Vicomte, France, by André Le Nôtre, 1657–1661[153]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0e/Kasteel_van_Vaux-le-Vicomte_-_Maincy_06.jpg/1280px-Kasteel_van_Vaux-le-Vicomte_-_Maincy_06.jpg)
![Gardens of Versailles, by André Le Nôtre, begun in 1661[154]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5c/Vue_a%C3%A9rienne_du_domaine_de_Versailles_le_20_ao%C3%BBt_2014_par_ToucanWings_-_Creative_Commons_By_Sa_3.0_-_22.jpg/1280px-Vue_a%C3%A9rienne_du_domaine_de_Versailles_le_20_ao%C3%BBt_2014_par_ToucanWings_-_Creative_Commons_By_Sa_3.0_-_22.jpg)
![Garden of the Tessin Palace, Stockholm, Sweden, by Nicodemus Tessin the Younger, 1692–1700[156]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/1_Tessinska_palatset_tr%C3%A4dg%C3%A5rd_2.jpg/1280px-1_Tessinska_palatset_tr%C3%A4dg%C3%A5rd_2.jpg)
![Meudon Observatory, Château de Meudon, Meudon, France, an example of an early Rococo building from the last years of Louis XIV, unknown architect, 1706–1709[162]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6a/Meudon_observatoire_2016_(15).jpg/1280px-Meudon_observatoire_2016_(15).jpg)
![Amalienburg, Nymphenburg Palace Park, Munich, Germany, by François de Cuvilliés, 1734–1739[163]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d7/20230209_Amalienburg_Nymphenburg.jpg/1280px-20230209_Amalienburg_Nymphenburg.jpg)
.jpg/1280px-Salon_ovale_de_la_princesse_in_the_H%C3%B4tel_de_Soubise_(11).jpg)
![Chinese House, Sanssouci Park, Potsdam, Germany, an example of Chinoiserie, by Johann Gottfried Büring, 1755–1764[165]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dd/Chinese_House_Potsdam-,_Germany.jpg/1280px-Chinese_House_Potsdam-,_Germany.jpg)
,.jpg/1280px-Coffeepot_MET_DP103144_(cropped),.jpg)
.jpg/1280px-The_Music_Lesson_MET_DP-14272-001_(cropped).jpg)
![Pagod, based on Asian figures of Budai, an example of Chinoiserie; by Johann Joachim Kändler; c.1765; hard paste porcelain; Metropolitan Museum of Art[166]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e5/Nodding_pagod,_Meissen,_Germany,_c._1760,_porcelain,_1892.60.325_-_Metropolitan_Museum_of_Art_-_New_York_City_-_DSC07727.jpg/1280px-Nodding_pagod,_Meissen,_Germany,_c._1760,_porcelain,_1892.60.325_-_Metropolitan_Museum_of_Art_-_New_York_City_-_DSC07727.jpg)
,_RP-P-2011-164-8.jpg/1280px-Cartouche_bekroond_met_drietand_Second_livre_de_cartouches_(serietitel_op_object),_RP-P-2011-164-8.jpg)
_-_MUDO_-_%22Cabaret_%C3%A0_la_mani%C3%A8re_de_Boulle%22_(vers_1850-1870).jpg/1280px-Beauvais_(Oise)_-_MUDO_-_%22Cabaret_%C3%A0_la_mani%C3%A8re_de_Boulle%22_(vers_1850-1870).jpg)
![Large console with central projection; by Benjamin Deguil and Benjamin-Paul Ramillon; 1850–1875; gilt wood and marble; 100 x 283 x 77 cm; Napoleon III Apartments, Louvre Palace, Paris[170]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/50/Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_85_(01).jpg/1280px-Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_85_(01).jpg)
![The Grand Salon of the apartments of the minister of state, currently known as the Napoleon III Apartments, designed by Hector Lefuel and decorated with paintings by Charles Raphaël Maréchal, 1859-1860[171]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/18/Napoleon_III_Apartments_(44883695984).jpg/1280px-Napoleon_III_Apartments_(44883695984).jpg)
![Candelabrum with eleven lights; by Ferdinand Barbedienne; 1861; gilt bronze; height: 83.7 cm, length: 49.4 cm; Napoleon III Apartments[172]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/88/Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_83_(07).jpg/1280px-Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_83_(07).jpg)
![Exterior of the Palais Garnier, Paris, an example of Beaux Arts architecture, by Charles Garnier, 1860–1875[173]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6d/Paris_Palais_Garnier_2010-04-06_16.55.07.jpg/1280px-Paris_Palais_Garnier_2010-04-06_16.55.07.jpg)
![Grand foyer of the Palais Garnier, inspired by the Hall of Mirrors of the Palace of Versailles, but with some ornaments taken from other historical styles, like the neo-Renaissance column lower parts, or the Greek Revival lyres at the tops of windows, by Charles Garnier, 1860–1875[173]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c4/Foyer_(51865286672).jpg/1280px-Foyer_(51865286672).jpg)
![Petit Palais, Paris, an example of Beaux Arts architecture, with Ionic columns very similar to those of the reign of Louis XIV, by Charles Giraud, 1900[174]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Petit-Palais-Paris-02-2018.jpg/1280px-Petit-Palais-Paris-02-2018.jpg)
![550 Madison Avenue, New York, with a top broken pediment, reminiscent of those found in Baroque highboys, by Philip Johnson, 1981-1984[180]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d5/Sony_Building_by_David_Shankbone_crop.jpg/1280px-Sony_Building_by_David_Shankbone_crop.jpg)
![Broken pediment of San Marcello al Corso, Rome, by Carlo Fontana, 1682-1683[181]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/33/Chiesa_San_Marcello_al_Corso_(cropped_broken_pediment).jpg/1280px-Chiesa_San_Marcello_al_Corso_(cropped_broken_pediment).jpg)
![Urns that decorate the roof railing of the Marble Court of the Palace of Versailles, Versailles, France, by Louis Le Vau and Jules Hardouin-Mansart, c. 1660–1715[183]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/93/Versailles_roof_details_dormer_windows.jpg/1280px-Versailles_roof_details_dormer_windows.jpg)
![Hotel Zaandam, Amsterdam, the Netherlands, inspired by Dutch 16th and 17th century canal houses, by Wam Architecten, 2010[184]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c6/Zaanstad_Inntel_Hotel_15.jpg/1280px-Zaanstad_Inntel_Hotel_15.jpg)
![Baroque rinceaux with putti painted on the boiserie of a room from the Hôtel Colbert de Villacerf, now in the Musée Carnavalet, Paris, unknown architect, sculptor and painter, c.1650[186]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f0/H%C3%B4tel_Colbert_de_Villacerf_3.jpg/1280px-H%C3%B4tel_Colbert_de_Villacerf_3.jpg)
_Armoire_Mus%C3%A9e_des_Arts_D%C3%A9coratifs_Paris_001.jpg/1280px-Nicolas_Sageot_(attr.)_Armoire_Mus%C3%A9e_des_Arts_D%C3%A9coratifs_Paris_001.jpg)
![Empire style rinceaux on a vase, by the Sèvres Porcelain Manufactory, 1814, hard-paste porcelain with platinum background and gilt bronze mounts, Louvre[187]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f4/Pair_of_Spindle_Vases_-_OA_11090_-_Louvre_(08).jpg/1280px-Pair_of_Spindle_Vases_-_OA_11090_-_Louvre_(08).jpg)
{{cite journal}}: Cite journal requires |journal= (help)CS1 maint: numeric names: authors list (link)