История кино — это хроника развития вида изобразительного искусства , созданного с использованием кинотехнологий , начавшегося в конце XIX века.
Появление кино как художественного средства четко не определено. Кинематографические показы других фильмов проводились и раньше , однако коммерческий публичный показ десяти короткометражных фильмов братьев Люмьер в Париже 28 декабря 1895 года можно считать прорывом в проектировании кинематографических кинофильмов. Самые ранние фильмы были черно-белыми, продолжительностью менее минуты, без записи звука и состояли из одного кадра, снятого стационарной камерой. В первое десятилетие кино превратилось из новинки в устоявшуюся индустрию массовых развлечений, когда по всему миру были созданы кинокомпании и студии. Были разработаны соглашения об общем кинематографическом языке, при этом монтаж фильмов, движения камеры и другие кинематографические приемы играли особую роль в повествовании фильмов.
Популярные новые медиа, включая телевидение (основное направление с 1950-х годов), домашнее видео (1980-е годы) и Интернет (1990-е годы), повлияли на распространение и потребление фильмов. Кинопроизводство обычно отвечало содержанием, соответствующим новым медиа, а также техническими инновациями (включая широкоэкранные (1950-е годы), 3D и 4D фильмы ) и более зрелищными фильмами, чтобы сохранить привлекательность театральных показов. Системы, которые были дешевле и проще в обращении (включая 8-миллиметровые пленочные , видеокамеры и камеры для смартфонов ), позволяли все большему числу людей создавать фильмы различного качества для любых целей, включая домашнее кино и видеоарт . Техническое качество обычно было ниже, чем у профессиональных фильмов, но улучшалось за счет цифрового видео и доступных высококачественных цифровых камер . Со временем методы цифрового производства стали более популярными, совершенствуясь в 1990-х годах, что привело к появлению все более реалистичных визуальных эффектов и популярной полнометражной компьютерной анимации .
На протяжении истории кино возникали различные жанры кино , которые пользовались разной степенью успеха.
Использование фильма как формы искусства берет свое начало в нескольких более ранних традициях в искусстве, таких как (устное) рассказывание историй , литература, театр и изобразительное искусство. Кантастория и подобные древние традиции сочетали повествование с серией изображений, которые показывались или обозначались одно за другим. Предшественниками кино, которые уже использовали свет и тени для создания искусства до появления современных кинотехнологий, являются теневая фотография , теневой кукольный театр , камера-обскура и волшебный фонарь .
Теневая графика и теневой кукольный театр представляют собой ранние примеры намерения использовать движущиеся образы для развлечения и рассказывания историй. [1] Считается, что этот вид искусства зародился на Дальнем Востоке и использовал тени, отбрасываемые руками или предметами, для создания повествований. Театр теней на протяжении веков пользовался популярностью по всей Азии, особенно на Яве , и в конечном итоге распространился в Европу в эпоху Просвещения . [2]
К 16 веку артисты часто вызывали в воображении образы призрачных явлений, используя такие методы, как камера-обскура и другие формы проекции, для улучшения своих выступлений. [3] Шоу волшебных фонарей, разработанные во второй половине 17-го века, похоже, продолжили эту традицию с изображениями смерти, монстров и других страшных фигур. [4] Примерно в 1790 году эта практика превратилась в разновидность мультимедийного шоу с привидениями, известного как фантасмагория . Эти популярные шоу развлекали публику, используя механические слайды, обратную проекцию, мобильные проекторы, наложение , растворение , живых актеров, дым (на который могли быть направлены проекции), запахи, звуки и даже удары током. [5] [6] В то время как многие первые шоу волшебных фонарей были предназначены для того, чтобы напугать зрителей, достижения киномехаников позволили создать творческое и даже образовательное повествование, которое могло понравиться более широкой семейной аудитории. [7] Недавно разработанные методы, такие как использование растворяющихся изображений и хроматропа, позволили добиться более плавных переходов между двумя проецируемыми изображениями и помогли создать более убедительные повествования. [8]
В 1833 году научное исследование стробоскопической иллюзии в колесах со спицами Джозефом Плато , Майклом Фарадеем и Саймоном Стампфером привело к изобретению Фантаскопа, также известного как стробоскопический диск или фенакистископ , который какое-то время был популярен в нескольких европейских странах. Плато подумал, что ее можно доработать для использования в фантасмагории, а Стампфер представил систему для более длинных сцен с полосами на роликах, а также прозрачную версию (вероятно, предназначенную для проецирования). Плато, Чарльз Уитстон , Антуан Клоде и другие пытались объединить эту технику со стереоскопом (введенным в 1838 году) и фотографией (введенным в 1839 году) для более полной иллюзии реальности, но на протяжении десятилетий такие эксперименты в основном тормозились необходимостью длительного время экспозиции с размытием изображения вокруг объектов, которые двигались, в то время как отраженный свет падал на светочувствительные химические вещества. Некоторым людям удалось получить приличные результаты от техники покадровой анимации , но они очень редко продавались, и ни одна форма анимационной фотографии не имела большого культурного влияния до появления хронофотографии.
Большинство ранних серий фотографий, известных как хронофотография , изначально не предназначались для просмотра в движении и обычно представлялись как серьезный, даже научный метод изучения передвижения. В этих эпизодах почти исключительно люди или животные выполняли простое движение перед камерой. [9] Начиная с 1878 года, когда были опубликованы карточки кабинета «Лошадь в движении» , фотограф Эдверд Мейбридж начал проводить сотни хронофотографических исследований движения животных и людей в режиме реального времени. Вскоре за ним последовали другие хронофотографы, такие как Этьен-Жюль Маре , Жорж Демени , Альберт Лонд и Оттомар Аншютц . В 1879 году Мейбридж начал читать лекции по передвижению животных и использовал свой зоопраксископ для проецирования анимации контуров своих записей, нанесенных на стеклянные диски. [10]
В 1887 году немецкий изобретатель и фотограф Оттомар Аншютц начал демонстрировать свои хронофотографические записи в движении, используя устройство, которое он назвал Elektrischen Schnellseher (также известное как Электротахоскоп ), которое отображало короткие петли на небольшом экране из молочного стекла. К 1891 году он начал массовое производство более экономичного одноименного смотрового устройства с монетоприемником, которое выставлялось на международных выставках и ярмарках. Некоторые машины были установлены на более длительный срок, в том числе в The Crystal Palace в Лондоне и в нескольких магазинах США. Сместив акцент с технического и научного интереса к движению на развлечение для масс, он записал борцов, танцоров, акробатов и сцены повседневной жизни. Около 34 000 человек заплатили за просмотр его представлений в Берлинском выставочном парке летом 1892 года. Другие видели его в Лондоне или на Всемирной выставке 1893 года в Чикаго . Хотя по большинству этих записей осталось мало свидетельств, некоторые сцены, вероятно, представляли собой постановочные комические эпизоды. Сохранившиеся записи позволяют предположить, что некоторые из его работ напрямую повлияли на более поздние работы компании Edison, такие как фильм 1894 года « Чихание Фреда Отта» . [11]
Прогресс в области технологий проекции кинофильмов был основан на популярности волшебных фонарей, хронофотографических демонстраций и других тесно связанных форм проецируемых развлечений, таких как иллюстрированные песни . С октября 1892 года по март 1900 года изобретатель Эмиль Рейно выставлял свою киносистему Théâtre Optique («Оптический театр») в Музее Гревена в Париже. Устройство Рейно, которое проецировало серию анимационных историй, таких как «Большой Пьеро» и «Autour d'une cabe» , было показано более чем 500 000 посетителям в ходе 12 800 представлений. [12] [13] 25, 29 и 30 ноября 1894 года Оттомар Аншютц проецировал движущиеся изображения с дисков электротахископа на большой экран в затемненной Большой аудитории здания почтового отделения в Берлине. С 22 февраля по 30 марта 1895 года коммерческая полуторачасовая программа из 40 различных сцен была показана перед 300-местной аудиторией в старом Рейхстаге и собрала около 4000 посетителей. [14]
На протяжении конца 19-го века несколько изобретателей, таких как Вордсворт Донисторп , Луи Ле Принс , Уильям Фриз-Грин и братья Складановски, внесли новаторский вклад в разработку устройств, которые могли захватывать и отображать движущиеся изображения, заложив основу для возникновения кино. как художественное средство. Сцены в этих экспериментах в первую очередь служили для демонстрации самой технологии и обычно снимались с семьей, друзьями или проезжающими мимо транспортными средствами в качестве движущихся объектов. Самый ранний из сохранившихся фильмов, известный сегодня как « Сцена в саду Раундхей» (1888), был снят Луи Ле Принсом и кратко изображал членов его семьи в движении. [15]
В июне 1889 года американский изобретатель Томас Эдисон поручил лаборанту Уильяму Кеннеди Диксону помочь разработать устройство, которое могло бы создавать визуальные эффекты, сопровождающие звуки, издаваемые фонографом . Опираясь на предыдущие машины Мейбриджа, Мари, Аншютца и других, Диксон и его команда создали зрительный ящик кинетоскопа с целлулоидными петлями, содержащими около полуминуты развлекательного кинофильма. [16] После раннего предварительного просмотра 20 мая 1891 года Эдисон представил машину в 1893 году. [17] Многие фильмы, представленные на кинетоскопе, демонстрировали известные водевильные номера, выступающие в студии Эдисона «Черная Мария» . [ 18 ] К 1895 году «Кинетоскоп» быстро стал мировой сенсацией : к 1895 году появилось множество кинозалов в крупных городах. к весне 1895 года замедлится. Чтобы исправить снижение прибыли, были проведены эксперименты, такие как « Экспериментальный звуковой фильм Диксона» , в попытке достичь первоначальной цели устройства - обеспечить визуальное сопровождение звукозаписей. Однако ограничения в синхронизации звука с визуальными эффектами помешали широкому применению. [19] В тот же период изобретатели начали продвигать технологии кинопроекции , которые в конечном итоге вытеснили формат пип-бокса Эдисона. [20]
Братья Складановские использовали свой самодельный биоскоп , чтобы показать платной аудитории первый киносеанс 1 ноября 1895 года в Берлине. Но у них не было ни качества, ни финансовых ресурсов, чтобы набрать обороты. Большинство этих фильмов так и не прошли экспериментальную стадию, и их усилия не привлекали особого внимания общественности до тех пор, пока кино не стало успешным.
Во второй половине 1895 года братья Огюст и Луи Люмьер сняли ряд коротких сцен с помощью своего изобретения « Синематограф» . 28 декабря 1895 года братья устроили свой первый коммерческий показ в Париже (хотя существуют свидетельства демонстрации устройства небольшой аудитории еще в октябре 1895 года). [21] Показ состоял из десяти фильмов и длился примерно 20 минут. Программа состояла в основном из реалити-шоу, таких как «Рабочие, покидающие фабрику Люмьер», как правдивых документов о мире, но в программу также входила постановочная комедия «L'Arroseur Arrosé» . [22] Самая продвинутая на тот момент демонстрация кинопроекции, «Синематограф», имела мгновенный успех, принося к концу января 1896 года в среднем от 2500 до 3000 франков в день. [17] После первого показа был заказан и выбран фильмы часто менялись. [20]
Основными деловыми интересами братьев Люмьер были продажа фотоаппаратов и кинооборудования экспонентам, а не фактическое производство фильмов. Несмотря на это, кинематографисты всего мира были вдохновлены потенциалом кино, поскольку экспоненты привозили свои шоу в новые страны. Эта эпоха кинопроизводства, названная историком кино Томом Ганнингом «кино аттракционов», предлагала относительно дешевый и простой способ развлечения масс. Ганнинг утверждает, что вместо того, чтобы сосредотачиваться на сюжетах, кинематографисты в основном полагались на способность восхищать зрителей посредством «иллюзорной силы» просмотра сцен в движении, как они это делали в предшествовавшую этому эпоху кинетоскопа. [23] Несмотря на это, первые эксперименты с художественным кинопроизводством (как в реальном кино, так и в других жанрах) все же имели место. Фильмы в основном демонстрировались во временных витринах, в палатках передвижных экспонентов на ярмарках или в виде «тупых» номеров в водевильных программах. [24] В течение этого периода, до того, как процесс пост-продакшена был четко определен, экспонентам было разрешено проявлять свою творческую свободу в своих презентациях. Чтобы улучшить впечатления зрителей, некоторые показы сопровождались живыми музыкантами в оркестре, театральным органом, живыми звуковыми эффектами и комментариями шоумена или киномеханика. [25] [26]
Эксперименты в монтаже фильмов, спецэффектах, построении повествования и движении камеры, проведенные в этот период кинематографистами Франции, Англии и США, оказали влияние на формирование идентичности фильма в будущем. И в студиях Эдисона, и в студии Люмьера свободные повествования, такие как фильм Эдисона 1895 года « Проблемы в день стирки», установили динамику коротких отношений и простые сюжетные линии . [27] В 1896 году впервые была выпущена книга «La Fée aux Choux» ( «Фея капусты» ) . Этот рассказ , снятый и отредактированный Элис Гай , возможно, является самым ранним повествовательным фильмом в истории, а также первым фильмом, снятым женщиной. [28] В том же году компания Edison Manufacturing Company выпустила в мае «Майский поцелуй Ирвина», имевший широкий финансовый успех. Фильм, в котором показан первый поцелуй в истории кинематографа, стал причиной первых известных призывов к цензуре фильмов . [29]
Еще одним ранним кинопродюсером была австралийская компания Limelight Department . Начиная с 1898 года, им управляла Армия Спасения в Мельбурне , Австралия. Еще в 1891 году отдел Limelight производил евангелизационные материалы для использования Армией Спасения, в том числе слайды для фонарей , а также по частным и государственным контрактам. За девятнадцать лет работы отдел Limelight выпустил около 300 фильмов различной продолжительности, что сделало его одним из крупнейших кинопродюсеров своего времени. В 1904 году отдел внимания общественности снял фильм Джозефа Перри под названием «Бушрейнджинг в Северном Квинсленде» , который считается первым в истории фильмом о бушрейнджерах.
На заре своего развития ведущие и зрители редко признавали кино как вид искусства. Считавшиеся высшим классом «вульгарной» и «низкой» формой дешевого развлечения, фильмы в основном нравились рабочему классу и часто были слишком короткими, чтобы нести какой-либо сильный повествовательный потенциал. [30] Первоначальные рекламные объявления продвигали технологии, используемые для показа фильмов, а не сами фильмы. По мере того, как устройства становились все более знакомыми публике, их потенциал для захвата и воссоздания событий использовался в основном в форме кинохроники и реальных событий. [31] При создании этих фильмов кинематографисты часто опирались на эстетические ценности, установленные прошлыми формами искусства, такими как кадрирование и намеренное размещение камеры в композиции своего изображения. [32] В статье 1955 года для «Ежеквартального журнала кинорадио и телевидения» кинопродюсер и историк Кеннет Макгоуэн утверждал, что преднамеренная постановка и воссоздание событий для кинохроники «перенесла повествование на экран». [33]
Когда реклама кинотехнологий преобладала над содержанием, реальность изначально начиналась как «серия просмотров», которая часто содержала кадры красивых и оживленных мест или перформансов. [32] После успеха показа в 1895 году братья Люмьер основали компанию и отправили операторов по всему миру, чтобы запечатлеть новые сюжеты для презентации. После того, как операторы отсняли сцены, они часто выставляли свои записи на местном уровне, а затем отправляли их обратно на фабрику компании в Лионе, чтобы сделать дубликаты для продажи всем, кто их хотел. [34] В процессе съемки реальных событий, особенно реальных событий, кинематографисты открыли и экспериментировали с методами работы с несколькими камерами, чтобы учесть их непредсказуемый характер. [35] Из-за небольшой длины (часто только одного кадра) многих реалий, записи в каталогах показывают, что продюсерские компании продавали экспонентам, продвигая несколько реалий со связанными предметами, которые можно было приобрести, чтобы дополнять друг друга. Экспоненты, купившие фильмы, часто представляли их в программе и обеспечивали устное сопровождение, чтобы объяснить зрителям действие на экране. [32]
Первая аудитория, платившая за фильм, собралась в Мэдисон-Сквер-Гарден, чтобы увидеть инсценировку, которая представляла собой боксерский бой, снятый Вудвиллом Лэтэмом с использованием устройства под названием «Эйдолоскоп» 20 мая 1895 года. По заказу Лэтэма, французского изобретателя Юджина Огюстен Лаусте создал устройство, опираясь на дополнительные знания Уильяма Кеннеди Диксона , и разработал механизм, который стал известен как петля Лэтама , который позволял увеличить время непрерывной работы и был менее абразивным для целлулоидной пленки. [36]
В последующие годы прибыльными оказались показы реалий и кинохроники. В 1897 году вышла книга «Битва Корбетта-Фитцсиммонса» . Фильм представлял собой полную запись боксерского поединка на звание чемпиона мира в тяжелом весе в Карсон-Сити, штат Невада . Он принес больше кассовых сборов, чем кассовых сборов, и был самым длинным фильмом, созданным в то время. Зрителей, вероятно, массово привлекал фильм Корбетта-Фитцсиммонса, потому что Джеймс Дж. Корбетт (он же Джентльмен Джим) стал кумиром утренников с тех пор, как он сыграл вымышленную версию самого себя в постановке. [37]
С 1910 года регулярно выставлялись кинохроники, которые вскоре стали популярным способом узнавать новости до появления телевидения - для кинохроники снималась Британская антарктическая экспедиция на Южный полюс, а также демонстрации суфражисток , проходившие в то же время. Ф. Перси Смит был одним из первых пионеров документального кино о природе, работая на Чарльза Урбана, когда он впервые использовал замедленную съемку и микрокинематографию в своем документальном фильме 1910 года о росте цветов. [38] [39]
После успешной выставки «Синематографа» во Франции быстро ускорилось развитие киноиндустрии. Многие режиссеры экспериментировали с этой технологией, стремясь добиться того же успеха, которого добились братья Люмьер при показе. Эти кинематографисты основали новые компании, такие как Star Film Company , Pathé Frères и Gaumont Film Company .
Наиболее широко упоминаемым родоначальником повествовательного кинопроизводства является французский режиссер Жорж Мельес . Мельес был иллюзионистом, который ранее использовал проекции волшебных фонарей для усиления своего магического действия. В 1895 году Мельес присутствовал на демонстрации кинематографа и осознал потенциал этого устройства, которое поможет ему в его выступлении. Он попытался купить устройство у братьев Люмьер, но они отказались. [40] Несколько месяцев спустя он купил камеру у Роберта Пола и начал экспериментировать с устройством, создавая реальность. В течение этого периода экспериментов Мельес обнаружил и реализовал в своих фильмах различные специальные эффекты, включая трюк с остановкой , мультиэкспозицию и использование растворения . [16] В конце 1896 года Мельес основал кинокомпанию Star Film и начал продюсировать, режиссировать и распространять произведения, которые в конечном итоге будут содержать более 500 короткометражных фильмов. [41] Осознавая повествовательный потенциал, который дает сочетание его театрального опыта с недавно обнаруженными эффектами для камеры, Мельес спроектировал сложную сцену, содержащую люки и систему полета . [33] Техники построения сцены и монтажа позволили создавать более сложные истории, такие как фильм 1896 года «Le Manoir du Diable» ( «Дом дьявола ») , считающийся первым в жанре фильмов ужасов, и фильм 1899 года. Сендриллон ( Золушка ) . [42] [43] В фильмах Мельеса он основывал размещение камеры на театральной конструкции обрамления авансцены , метафорической плоскости или четвертой стены , которая разделяет актеров и зрителей. [44] На протяжении всей своей карьеры Мельес постоянно устанавливал камеру в фиксированное положение и в конечном итоге впал в немилость зрителей, поскольку другие режиссеры экспериментировали с более сложными и творческими приемами. [45] Сегодня Мельес наиболее широко известен своим фильмом 1902 года « Путешествие на Луну» , где он использовал свой опыт в области эффектов и построения повествования для создания первого научно-фантастического фильма . [46]
В 1900 году Шарль Пате начал производство фильмов под брендом Pathé-Frères , а Фердинанд Зекка был нанят, чтобы возглавить творческий процесс. [47] До того, как сосредоточить внимание на производстве, Пате участвовал в этой отрасли, выставляя и продавая, вероятно, поддельные версии кинетоскопа в своем магазине фонографов. Благодаря творческому руководству Зекки и возможности массового производства копий фильмов благодаря партнерству с французской компанией по производству инструментов Шарль Пате стремился сделать Pathé-Frères ведущим кинопродюсером в стране. В течение следующих нескольких лет Pathé-Frères стала крупнейшей киностудией в мире со дополнительными офисами в крупных городах и расширяющимся выбором фильмов, доступных для презентации. [48] Фильмы компании были разнообразны по содержанию: режиссеры специализировались на различных жанрах для ярмарочных презентаций в начале 1900-х годов. [47]
Кинокомпания Gaumont была главным региональным конкурентом Pathé-Frères. Основанная в 1895 году Леоном Гомоном , фирма первоначально продавала фотооборудование и начала производство фильмов в 1897 году под руководством Алисы Гай , первой женщины-режиссера в отрасли. [49] Ее более ранние фильмы разделяют многие характеристики и темы с ее современными конкурентами, такими как Люмьер и Мельес . Она изучала фильмы о танцах и путешествиях, часто комбинируя их, например, «Болеро» в исполнении мисс Сахарет (1905) и «Танго» (1905). Многие из ранних танцевальных фильмов Гая пользовались популярностью в мюзик-холлах, например, фильмы о змеиных танцах , которые также вошли в каталоги фильмов Люмьера и Томаса Эдисона . [50] В 1906 году она поставила «Жизнь Христа» — крупнобюджетную по тем временам постановку, в которую вошли 300 статистов.
Немецкий изобретатель и киномагнат Оскар Месстер был важной фигурой на заре кинематографа. Его фирма Messter Film была одним из доминирующих немецких продюсеров до возникновения UFA, с которой она в конечном итоге слилась. Месстер первым добавил к проекторам Женевский привод , вызывающий прерывистое движение для продвижения кадров фильма, и в 1900 году основал первую киностудию в Германии.
С 1896 года Месстер интересовался поиском способа воспроизведения и синхронизации звуковых эффектов кинематографического спектакля времен немого кино . Поэтому Месстер изобрел Tonbilder Biophon для показа фильмов, в котором граммофон играл Unter den Linden, сопровождая проекцию анимированных изображений, но это было не просто дополнение, а точное соответствие серии музыкальных произведений движущимся изображениям. По сути, чтобы добавить звук в немое кино, необходимо было решить проблемы синхронизации, поскольку изображение и звук записывались и воспроизводились отдельными устройствами, которые было сложно запускать и поддерживать в рабочем состоянии. 31 августа 1903 года Месстер провел первую звуковую проекцию, состоявшуюся в Германии в театре «Аполлон» в Берлине.
И Сесил Хепворт , и Роберт В. Пол экспериментировали с использованием различных техник камеры в своих фильмах. «Кинематографическая камера № 1» Пола, выпущенная в 1895 году, была первой камерой с обратным вращением коленчатого вала, что позволяло экспонировать один и тот же отснятый материал несколько раз, создавая тем самым несколько экспозиций . Впервые эта техника была использована в его фильме 1901 года «Скрудж, или Призрак Марли» . Оба режиссера экспериментировали со скоростью камеры, чтобы создать новые эффекты. Пол снимал сцены из фильма «На сбежавшей машине через площадь Пикадилли» (1899), очень медленно проворачивая камеру. [51] Когда фильм проецировался с обычной частотой 16 кадров в секунду, казалось, что пейзаж движется с огромной скоростью. Хепворт использовал противоположный эффект в «Индейском вожде и порошке Зейдлица» (1901). Движения Шефа ускоряются за счет вращения камеры со скоростью гораздо быстрее, чем 16 кадров в секунду, создавая то, что современная публика назвала бы эффектом « замедленной съемки ». [52]
Первые фильмы, в которых переход от одиночных кадров к последовательным сценам, появились примерно на рубеже 20-го века. Из-за утраты многих ранних фильмов трудно определить окончательный переход от статичных отдельных кадров к серии сцен. Несмотря на эти ограничения, Майкл Брук из Британского института кино приписывает настоящую непрерывность фильма, включающую переход действия от одного эпизода к другому, фильму Роберта Пола 1898 года « Иди, делай!» . До наших дней сохранился лишь кадр из второго кадра. [53] Выпущенный в 1901 году британский фильм « Атака на китайскую миссию» стал одним из первых фильмов, демонстрирующих непрерывность действия в нескольких сценах. [33] Использование подзаголовков для объяснения действий и диалогов на экране началось в начале 1900-х годов. Снятые субтитры впервые были использованы в фильме Роберта Пола « Скрудж, или Призрак Марли». [54] В большинстве стран субтитры постепенно стали использоваться для обеспечения диалога и повествования к фильму, тем самым устраняя необходимость в повествовании со стороны экспонентов.
Развитию непрерывного действия в нескольких кадрах способствовала в Англии слабо связанная группа пионеров кино, под общим названием « Брайтонская школа ». В число этих режиссеров входили , среди прочих, Джордж Альберт Смит и Джеймс Уильямсон . Смит и Уильямсон экспериментировали с непрерывностью действия и, вероятно, были первыми, кто начал использовать вставки и крупные планы между кадрами. [33] Основной техникой трюковой кинематографии была двойная экспозиция пленки в камере. Этот эффект был впервые использован Смитом в фильме 1898 года « Фотографирование призрака» . Согласно записям каталога Смита, фильм (ныне утерянный ) рассказывает о попытках фотографа поймать призрак на камеру. Используя двойную экспозицию пленки, Смит в комической манере наложил на фон прозрачную призрачную фигуру, чтобы подразнить фотографа. [55] Книга Смита « Корсиканские братья» была описана в каталоге Warwick Trading Company в 1900 году: «При чрезвычайно тщательной фотографии призрак кажется *совершенно прозрачным*. После указания, что он был убит ударом меча, и призывающего к мести , он исчезает. Затем появляется «видение», показывающее роковую дуэль на снегу». [56] Смит также инициировал технику спецэффектов обратного движения . Он сделал это, повторив действие во второй раз, снимая его перевернутой камерой, а затем соединив хвост второго негатива с хвостом первого. [57] Первыми фильмами, снятыми с использованием этого устройства, были «Типси», «Топси», «Турви» и «Неуклюжий художник по вывескам» . Самым ранним сохранившимся примером этой техники является книга Смита « Дом, который построил Джек» , созданная до сентября 1900 года. Сесил Хепворт развил эту технику дальше, печатая негативы движения вперед в обратном порядке кадр за кадром, создавая отпечаток, на котором исходное действие было точно перевернутый. Для этого он построил специальный принтер, в котором негатив, проходящий через проектор, проецировался в объектив камеры через специальную линзу, создавая изображение того же размера. Это устройство стало называться «проекционным принтером», а со временем и « оптическим принтером ». [58]
В 1898 году Джордж Альберт Смит экспериментировал с крупными планами, снимая кадры мужчины, пьющего пиво, и женщины, нюхающей табак. [33] В следующем году Смит снял «Поцелуй в туннеле» , эпизод, состоящий из трех кадров: поезд въезжает в туннель; мужчина и женщина обмениваются коротким поцелуем в темноте, а затем возвращаются на свои места; поезд выходит из туннеля. Смит создал сценарий в ответ на успех жанра, известного как поездка-призрак . В фильме о фантомной поездке камеры фиксировали движение и окрестности спереди движущегося поезда. [59] [60] Отдельные кадры, смонтированные вместе, образовывали четкую последовательность событий и устанавливали причинно-следственную связь от одного кадра к другому. [61] После «Поцелуя в туннеле » Смит более решительно экспериментировал с непрерывностью действия в последовательных кадрах и начал использовать вставки в своих фильмах, таких как « Бабушкин стакан для чтения» и «Несчастный случай Мэри Джейн» . [33] В 1900 году Смит снял фильм «Как видно в телескоп» . В основном кадре показана уличная сцена, где молодой человек завязывает шнурок, а затем ласкает ногу своей девушки, а старик наблюдает за этим в телескоп. Затем следует крупный план рук на ноге девушки, показанных внутри черной круглой маски, а затем переход назад к продолжению исходной сцены. [62]
Джеймс Уильямсон усовершенствовал методы построения повествования в своем фильме 1900 года « Атака на китайскую миссию» . Фильм, который историк кино Джон Барнс позже назвал «самым полным повествованием из всех фильмов, снятых в Англии до того времени», начинается с того, что в первом кадре показаны китайские повстанцы-боксеры у ворот; Затем он переходит к миссионерской семье в саду, где завязывается драка. Жена с балкона подает знак британским морякам, которые приходят их спасти. [63] В фильме также впервые в истории кино использовался монтаж «обратным углом». [64] В следующем году Уильямсон создал «Большую ласточку» . В фильме. мужчину раздражает присутствие режиссера, и он «проглатывает» камеру и ее оператора, используя интерполированные снимки крупным планом. [65] Он объединил эти эффекты вместе с наложением, использованием переходов вытеснения для обозначения смены сцены и другими методами для создания киноязыка или « кинограмматики ». [66] [67] Использование Джеймсом Уильямсоном непрерывного действия в его фильме 1901 года « Остановите вора!» стимулировал появление жанра кино, известного как «фильм погони». [68] В фильме бродяга крадет баранью ногу у мальчика мясника в первом кадре, в следующем кадре его преследует мальчик мясника и разные собаки, а в третьем кадре его наконец ловят собаки. [68]
На картине «Казнь Марии Стюарт» , выпущенной в 1895 году компанией Edison для просмотра с помощью кинетоскопа , изображена казнь Марии, королевы Шотландии, на виду у камеры. Эффект, известный как стоп-трюк , был достигнут за счет замены актера манекеном для финального кадра. [69] [70] Техника, использованная в фильме, считается одним из первых известных применений спецэффектов в кино. [71]
Американский кинорежиссер Эдвин С. Портер начал снимать фильмы для компании Edison в 1901 году. Бывший киномеханик, нанятый Томасом Эдисоном для разработки своей новой проекционной модели, известной как Vitascope , Портер был частично вдохновлен работами Мельеса, Смита и Уильямсона. и использовали свои недавно разработанные методы для дальнейшего развития непрерывного повествования посредством редактирования. [16] Когда в 1902 году он начал снимать более длинные фильмы, он помещал растворение между каждым кадром, как это уже делал Жорж Мельес, и часто повторял одно и то же действие во всех кадрах.
В 1902 году Портер снял «Жизнь американского пожарного» для компании Edison Manufacturing Company и в следующем году распространил фильм. В фильме Портер объединил кадры из предыдущих фильмов Эдисона с недавно отснятыми кадрами и соединил их вместе, чтобы передать драматическую историю спасения женщины и ее ребенка героическими пожарными. [16]
Фильм Портера « Великое ограбление поезда» (1903) длился двенадцать минут, с двадцатью отдельными кадрами и десятью различными локациями внутри и снаружи. Этот фильм считается первым в жанре вестернов и отличается использованием кадров, предполагающих одновременное действие, происходящее в разных местах. [16] Использование Портером как постановочной, так и реальной среды на открытом воздухе помогло создать ощущение пространства, в то время как размещение камеры в более широком кадре установило глубину и позволило увеличить продолжительность движения на экране. [72] «Великое ограбление поезда» послужило одним из средств, которые привели к массовой популярности кино. [40] [73] В том же году братья Майлз открыли первую в стране кинобиржу , которая позволила постоянным экспонентам брать фильмы у компании напрокат по более низкой цене, чем продюсеры, которые продавали свои фильмы напрямую. [74]
Джон П. Харрис открыл первый постоянный театр, посвященный исключительно показу фильмов, « никелодеон» в 1905 году в Питтсбурге, штат Пенсильвания. Идея быстро получила распространение, и к 1908 году по всей стране насчитывалось около 8000 кинотеатров никелодеон. [75] С появлением никелодеона спрос зрителей на большее количество сюжетных фильмов с различными сюжетами и местами привел к необходимости нанимать больше творческих талантов и заставил студии инвестировать в более сложные сценические проекты. [74]
В 1908 году Томас Эдисон возглавил создание корпоративного фонда между крупнейшими кинокомпаниями Америки, известного как Патентная компания кинофильмов (MPPC), чтобы ограничить нарушение его патентов. Члены треста контролировали каждый аспект процесса кинопроизводства, от создания кинопленки, производства фильмов и их распространения в кинотеатрах посредством лицензионных соглашений. Доверие привело к повышению качества кинопроизводства, чему способствовала внутренняя конкуренция, и наложило ограничения на количество иностранных фильмов, чтобы стимулировать рост американской киноиндустрии, но также препятствовало созданию художественных фильмов. К 1915 году MPPC потеряла большую часть своего влияния в киноиндустрии, поскольку компании перешли к более широкому производству художественных фильмов. [46]
Благодаря всемирному кинобуму к серьезному кинопроизводству присоединилось все больше стран, присоединившихся к Великобритании, Франции, Германии и Соединенным Штатам. В Италии производство было распределено по нескольким центрам: Турин был первым крупным центром кинопроизводства, а в Милане и Неаполе появились первые киножурналы. [76] В Турине Ambrosio была первой компанией в этой области в 1905 году и оставалась крупнейшей в стране на протяжении всего этого периода. Его самым существенным конкурентом был Cines in Rome, который начал производство в 1906 году. Силой итальянской индустрии были исторические эпопеи с большими актерами и массивными декорациями. Еще в 1911 году двухбарабанный фильм Джованни Пастроне «La Caduta di Troia» ( «Падение Трои ») произвел большое впечатление во всем мире, за ним последовали еще более крупные постановки, такие как Quo Vadis? (1912), длившийся 90 минут, и «Кабирия » Пастроне 1914 года, длившаяся два с половиной часа. [77]
Итальянские компании также имели сильную позицию в фарсе: такие актеры, как Андре Дид , известный в местном масштабе как «Кретинетти», а в других местах как «Дурачок» и «Грибуй», добились всемирной известности своими почти сюрреалистическими шутками.
Вплоть до Первой мировой войны самой важной страной-производителем кино в Северной Европе была Дания. [77] [78] Компания Nordisk была основана там в 1906 году Оле Олсеном , ярмарочным шоуменом, и после непродолжительного периода, подражая успехам французских и британских кинематографистов, в 1907 году он выпустил 67 фильмов, большинство из которых были сняты Вигго Ларсеном, с сенсационными сюжетами, такими как Den hvide Славинде (Белый раб) , Isbjørnejagt (Охота на белого медведя) и Løvejagten (Охота на льва) . К 1910 году к бизнесу начали присоединяться новые, более мелкие датские компании, которые, помимо создания большего количества фильмов о торговле белыми рабами , представили и другие новые темы. Самой важной из этих находок была Аста Нильсен в фильме «Афгрюнден» («Бездна») , поставленном Урбаном Гадом для «Косморамы». Это сочетание цирка, секса, ревности и убийства, снятых с большой убежденностью, подтолкнуло других датских кинематографистов дальше в этом направлении. направление. К 1912 году датские кинокомпании быстро росли. [77]
Шведская киноиндустрия была меньше и медленнее развивалась, чем датская. Здесь Чарльз Магнуссон , кинооператор сети кинотеатров Svenskabiografteatern , в 1909 году начал для них производство игровых фильмов, сам срежиссировав ряд фильмов. Производство увеличилось в 1912 году, когда компания наняла директорами Виктора Шёстрема и Маурица Стиллера . Они начали с подражания сюжетам, любимым в датской киноиндустрии, но к 1913 году создали свои собственные поразительно оригинальные работы, которые очень хорошо продавались. [77]
В России началась киноиндустрия в 1908 году, когда Пате снимал там некоторые художественные сюжеты, а затем Александром Дранковым и Александром Ханжонковым были созданы настоящие русские кинокомпании . Компания Ханжонкова быстро стала крупнейшей российской кинокомпанией и оставалась таковой до 1918 года. [77]
В Германии Оскар Месстер занимался кинопроизводством с 1896 года, но не снимал значительного количества фильмов в год до 1910 года. Когда начался мировой кинобум, он и несколько других людей в немецком кинобизнесе продолжали продавать репродукции собственных фильмов напрямую, что ставит их в невыгодное положение. И только когда Пол Дэвидсон , владелец сети кинотеатров, привез Асту Нильсена и Урбана Гада в Германию из Дании в 1911 году и основал продюсерскую компанию Projektions-AG «Union» ( PAGU ), произошел переломный момент. началась аренда репродукций. [77] Месстер ответил серией более длинных фильмов с Хенни Портеном в главной роли, но, хотя они преуспели в немецкоязычном мире, они не имели особого успеха на международном уровне, в отличие от фильмов Асты Нильсен. Еще одним развивающимся немецким кинопродюсером незадолго до Первой мировой войны было немецкое отделение французской компании по производству эклеров Deutsche Éclair. Он был экспроприирован немецким правительством и преобразован в DECLA, когда началась война. Но в целом в 1914 году немецкие производители владели лишь незначительной частью немецкого рынка .
В целом примерно с 1910 года американские фильмы занимали наибольшую долю рынка во всех европейских странах , кроме Франции, и даже во Франции американские фильмы накануне Первой мировой войны просто вытеснили с первого места местное производство . Необходимо ] Pathé Frères расширил и значительно сформировал американский кинобизнес, создав множество «новинок» в киноиндустрии, например, впервые добавив к фильмам заголовки и субтитры, впервые выпустив свитки, впервые представив постеры к фильмам. , впервые производя цветные изображения, впервые выставляя коммерческие счета, впервые связываясь с экспонентами и изучая их потребности. Крупнейший в мире поставщик кинопленки Pathé ограничен рынком США, который достиг уровня насыщения, поэтому США стремятся получить дополнительную прибыль от зарубежных рынков. Кино в Соединенных Штатах определяется как «чистое» американское явление. [79]
Новые методы киносъемки, появившиеся в этот период, включают использование искусственного освещения, огненных эффектов и сдержанного освещения (т. е. освещения, при котором большая часть кадра темна) для усиления атмосферы во время зловещих сцен. [77]
Непрерывность действия от кадра к кадру также была усовершенствована, как, например, в фильме Пате « Le Cheval emballé» («Сбежавшая лошадь») (1907), где используется сквозное соединение параллельных действий . Д. У. Гриффит также начал использовать сквозные кадры в фильме «Роковой час» , снятом в июле 1908 года. Другим развитием событий стало использование точки зрения , впервые использованной в 1910 году в фильме « Назад к природе » Vitagraph . Вставные кадры также использовались в художественных целях; В итальянском фильме La Mala planta («Злое растение») режиссера Марио Казерини был вставленный кадр змеи, скользящей по «Зловещему растению». [ нужна цитата ] К 1914 году в американской киноиндустрии было широко распространено мнение, что сквозное изображение в целом полезно, потому что оно позволяет исключить неинтересные части действия, которые не играют никакой роли в развитии драмы. [80]
В 1909 году 35 мм стали всемирно признанным стандартом для театральной пленки. [46]
По мере того как фильмы становились длиннее, стали нанимать писателей-специалистов, чтобы упростить более сложные истории, взятые из романов или пьес, в форму, которую можно было бы уместить на одной катушке. Жанры стали использоваться как категории; Основное разделение было на комедию и драму, но эти категории подразделялись дальше. [77]
С 1908 года стали последовательно использоваться интертитры , содержащие строки диалога, [81] например, в «Автогероине» Витаграфа; или «Гонка за кубок Vitagraph и как он был выигран» . В конечном итоге диалог был вставлен в середину сцены и к 1912 году стал обычным явлением. Введение названий диалогов изменило характер повествования в фильме. Когда заголовки диалогов стали всегда врезаться в сцену сразу после того, как персонаж начинает говорить, а затем оставляться с переходом к персонажу непосредственно перед тем, как он заканчивает говорить, тогда получилось нечто, что фактически было эквивалентом современного звукового фильма . [77]
Годы Первой мировой войны были сложным переходным периодом для киноиндустрии. Выставка фильмов сменилась с коротких однокатушечных программ на художественные. Выставочные площадки стали больше и начали взимать более высокие цены. [77]
В США эти изменения принесли разорение многим кинокомпаниям, за исключением компании Vitagraph. Во время Первой мировой войны кинопроизводство начало перемещаться в Лос-Анджелес. Компания Universal Film Manufacturing Company была основана в 1912 году как головная компания. Среди новых участников были компании Jesse Lasky Feature Play Company и Famous Players, которые были основаны в 1913 году и позже объединились в Famous Players-Lasky . Самым большим успехом этих лет стал роман Дэвида Уорка Гриффита « Рождение нации» (1915). Гриффит продолжил это еще более масштабным фильмом «Нетерпимость» (1916), но из-за высокого качества фильмов, производимых в США, рынок их фильмов был высок. [77]
Во Франции кинопроизводство прекратилось из-за всеобщей военной мобилизации страны в начале войны. Хотя кинопроизводство возобновилось в 1915 году, оно было в уменьшенных масштабах, и крупнейшие компании постепенно прекратили производство. Итальянское кинопроизводство держалось лучше, хотя так называемые «фильмы о дива» с страдающими женщинами в главных ролях потерпели коммерческий провал. В Дании компания Нордиск настолько увеличила свое производство в 1915 и 1916 годах, что не смогла продать все свои фильмы, что привело к очень резкому спаду датского производства и падению значения Дании на мировой киносцене. [77]
Немецкая киноиндустрия была серьезно ослаблена войной. Самым важным из новых кинопродюсеров того времени был Джо Мэй , снявший в годы войны серию триллеров и приключенческих фильмов , но Эрнст Любич также приобрел известность благодаря серии очень успешных комедий и драм. [77]
В это время студии были затемнены, чтобы изменение солнечного света не влияло на съемку. На смену им пришли прожекторы и прожекторы. В этот период получило широкое распространение иризация в начале и в конце сцен. Это откровение фильма, снятого в круглой маске, которая постепенно увеличивается, пока не выходит за пределы кадра. Использовались прорези другой формы, в том числе вертикальные и диагональные. [77]
Новой идеей, заимствованной из фотосъемки, стал « мягкий фокус ». Это началось в 1915 году, когда некоторые кадры были намеренно расфокусированы для выразительного эффекта, как в фильме « Сверчок Фанчон» с Мэри Пикфорд в главной роли . [77]
Именно в этот период действительно начали создаваться эффекты камеры, призванные передавать субъективные чувства персонажей фильма. Теперь их можно было сделать как кадры с точки зрения ( POV ), как в фильме Сидни Дрю « История перчатки» (1915), где шаткий снимок двери и замочной скважины, сделанный с рук, представляет собой POV пьяного мужчины. Использование анаморфных (в общем смысле искаженных форм) изображений впервые появляется в эти годы, когда Абель Ганс поставил la Folie du Docteur Tube («Безумие доктора Тьюба») . В этом фильме действие препарата, введенного группе людей, было показано путем съемки сцен, отраженных в кривом зеркале ярмарочного типа. [77]
Символические эффекты, заимствованные из традиционной литературной и художественной традиции, в эти годы продолжали появляться в фильмах. В фильме Д. У. Гриффита « Мстительная совесть» (1914) заголовок «Рождение злой мысли» предшествует серии из трех кадров, в которых главный герой смотрит на паука и муравьев, поедающих насекомое. Символистское искусство и литература начала века также оказали более общее влияние на небольшое количество фильмов, снятых в Италии и России. Бездеятельное принятие смерти, возникающей в результате страсти и запретных желаний, было главной чертой этого искусства, и состояния бреда, продолжающиеся в течение длительного времени, также были важны. [77]
Использование вставных планов , то есть крупных планов объектов, отличных от лиц, уже было введено Брайтонской школой, но до 1914 года использовалось нечасто. На самом деле только с « Мстительной совестью» Гриффита наступил новый этап в использовании Начнется вставка кадра. [77] Помимо уже упомянутых символических вставок, в фильме также широко использовалось большое количество кадров крупным планом, где сжимаются руки и постукивают ногами, как средство подчеркнуть эти части тела как индикаторы психологического напряжения. [81]
Атмосферные вставки были разработаны в Европе в конце 1910-х годов. [ нужна цитация ] Этот вид кадра представляет собой сцену, в которой нет ни одного из персонажей истории, и ни один из них не видит кадра с точки зрения. Одним из первых примеров является то, что Морис Турнер снял «Гордость клана» (1917), в котором есть серия кадров волн, бьющихся о скалистый берег, чтобы продемонстрировать суровую жизнь рыбаков. Нельсон Мориса Элви ; В «Истории бессмертного военно-морского героя Англии» (1919) есть символическая последовательность перехода от изображения кайзера Вильгельма II к павлину, а затем к линкору. [81]
К 1914 году непрерывное кино стало общепринятым видом коммерческого кино. Один из передовых методов непрерывности заключался в точном и плавном переходе от одного кадра к другому. [77] Монтаж сцены под разными углами также стал широко зарекомендовавшим себя методом разделения сцены на кадры в американских фильмах. [81] Если направление выстрела меняется более чем на девяносто градусов, это называется разрезанием под обратным углом. [82] Ведущей фигурой в полном развитии резки под обратным углом был Ральф Инс в его фильмах, таких как «Правильная девушка» и «Его фантомная возлюбленная» . [81]
Использование структур ретроспективного кадра продолжало развиваться в этот период, при этом обычным способом входа и выхода из ретроспективного кадра было растворение. [ нужна цитация ] Фильм компании Vitagraph « Человек, который мог бы быть» ( Уильям Дж. Хамфри , 1914) еще более сложен, с серией мечтаний и воспоминаний, которые контрастируют с реальным прохождением главного героя по жизни с тем, что могло бы произойти. было бы, если бы его сын не умер.
После 1914 года стали использовать перекрестные переходы между параллельными действиями – в большей степени в американских фильмах, чем в европейских. Пересечение использовалось для получения новых эффектов контраста, таких как перекрестный эпизод в фильме Сесила Б. Демилля « Шепчущий хор» (1918), в котором предположительно мертвый муж вступает в связь с китайской проституткой, употребляющей опиум. ден, в то время как его ничего не подозревающая жена снова выходит замуж в церкви. [81]
Тонировка бесшумной пленкой также приобрела популярность в эти периоды. Янтарная тонировка означала дневное время или ярко освещенную ночь, синие оттенки означали рассвет или тускло освещенную ночь, красные оттенки означали сцены пожара, зеленые оттенки означали загадочную атмосферу, а коричневые оттенки (так называемые тонировки сепии ) использовались обычно для полнометражных фильмов. вместо отдельных сцен. Новаторская эпопея Д. У. Гриффитса « Рождение нации» , знаменитый фильм 1920 года «Доктор Джекил и мистер Хайд » и эпопея Роберта Вине того же года « Кабинет доктора Калигари » являются яркими примерами окрашенного немого звука. фильмы. [ нужна цитата ]
«Фотодрама творения» , впервые показанная зрителям в 1914 году, стала первым крупным сценарием, включавшим синхронизированный звук, движущийся фильм и цветные слайды. [83] До 1927 года большинство кинофильмов производилось без звука. Этот период обычно называют эрой немого кино. [84] [85]
Общая тенденция развития кинематографа, ведущаяся из США, заключалась в использовании вновь разработанных специфически кинематографических средств выражения повествовательного содержания киносюжетов и сочетании их со стандартными драматическими структурами, уже применявшимися в коммерческом театре. [ нужна цитация ] Д. У. Гриффит имел самый высокий авторитет среди американских режиссеров в отрасли из-за драматического волнения, которое он передал зрителям через свои фильмы. В фильме Сесила Б. Демилля « Обман» (1915) моральные дилеммы, с которыми сталкиваются их персонажи, более тонко, чем Гриффит, раскрыты. Демилль также был ближе к реальности современной американской жизни. Морис Турнер также получил высокую оценку за живописную красоту своих фильмов, а также за тонкость его обращения с фантазией, и в то же время он был способен добиться большего натурализма от своих актеров в нужные моменты, как, например, в «Девичьей глупости» (1917). ). [77]
Сидни Дрю был лидером в разработке «вежливой комедии», а фарс усовершенствовали Фатти Арбакл и Чарльз Чаплин , которые оба начинали с компании Keystone Мака Сеннета . Они снизили обычный безумный темп фильмов Сеннетта, чтобы дать зрителям возможность оценить тонкость и изящество их движений, а также остроумие их шуток. К 1917 году Чаплин также стал добавлять в свои фильмы более драматичный сюжет и смешивать комедию с сантиментами. [77]
В России Евгений Бауэр уникальным образом привнес в фильм медленную интенсивность игры в сочетании с символистским подтекстом. [77]
В Швеции Виктор Шёстрем снял серию фильмов, в которых поразительным образом соединились реалии жизни людей с их окружением, а Мауриц Стиллер вывел на новый уровень утонченную комедию. [77]
В Германии Эрнст Любич черпал вдохновение из сценических работ Макса Рейнхардта , как в буржуазной комедии, так и в зрелищах, и применил это к своим фильмам, кульминацией которых стали «Кукла» ( «Кукла» ), «Австрийская принцесса» ( «Принцесса устриц» ) и «Мадам» . Дюбарри . [77]
В начале Первой мировой войны французское и итальянское кино пользовалось наибольшей популярностью во всем мире . Война стала разрушительным перерывом в европейской киноиндустрии.
На протяжении всего начала 20-го века художники-экранисты продолжали учиться работать с фотоаппаратами и создавать иллюзии, используя в своих кадрах пространство и время. Эта новая форма творчества открыла путь к славе совершенно новой группе людей, включая Дэвида В. Гриффита, который сделал себе имя своим фильмом 1915 года « Рождение нации» . В 1920 году в киноиндустрии произошли два крупных изменения: введение звука и создание студийных систем. В 1920-х годах таланты, работавшие самостоятельно, начали присоединяться к студиям и работать с другими актерами и режиссерами. В 1927 году вышел фильм «Певец джаза» , принесший звук в киноиндустрию.
Немецкий кинематограф, ознаменованный тем временем, стал свидетелем эпохи немецкого киноэкспрессионизма . Берлин был его центром с киностудией Бабельсберг . [87] Первые фильмы экспрессионистов восполняли недостаток щедрых бюджетов за счет использования декораций с совершенно нереалистичными, геометрически абсурдными углами, а также рисунков, нарисованных на стенах и полах для изображения света, теней и объектов. Сюжеты и истории фильмов экспрессионистов часто затрагивали безумие, безумие , предательство и другие «интеллектуальные» темы, вызванные опытом Первой мировой войны. Такие фильмы, как « Кабинет доктора Калигари» (1920), «Носферату» (1922) и «М » ( 1931), как и движение, частью которого они были, оказали историческое влияние на сам фильм. [88]
Такие фильмы, как «Метрополис » (1927) и «Женщина на Луне» (1929), частично создали жанр научно-фантастических фильмов [89] , а Лотте Райнигер стала пионером в анимации, создав такие анимационные полнометражные фильмы, как « Приключения принца Ахмеда» , самый старый из сохранившихся и старейших фильмов. Анимационный фильм европейского производства.
Многие немецкие и немецкие режиссеры, актеры, писатели и другие люди эмигрировали в США, когда нацисты пришли к власти, что дало Голливуду и американской киноиндустрии последнее преимущество в конкуренции с другими странами-производителями кино. [90]
Американская промышленность, или «Голливуд», как ее стали называть в честь нового географического центра в Калифорнии , получила положение, которое она более или менее удерживала с тех пор: фабрика по производству фильмов для всего мира и экспорт своей продукции в большинство стран мира. .
К 1920-м годам Соединенные Штаты достигли того, что до сих пор остается эпохой величайшего производства, производя в среднем 800 художественных фильмов в год, [91] или 82% от общего количества фильмов в мире (Eyman, 1997). Комедии Чарли Чаплина и Бастера Китона , лихие приключения Дугласа Фэрбенкса и романы Клары Боу , и это лишь несколько примеров, сделали лица этих исполнителей хорошо известными на всех континентах. Западная визуальная норма, которая впоследствии стала классическим редактированием непрерывности, была разработана и экспортирована – хотя ее принятие было медленнее в некоторых незападных странах, не имеющих сильных реалистических традиций в искусстве и драматургии, таких как Япония .
Это развитие произошло одновременно с развитием студийной системы и ее величайшего метода рекламы - звездной системы , которая характеризовала американский кинематограф на десятилетия вперед и послужила моделью для других киноиндустрии. Эффективный контроль студий сверху вниз на всех этапах создания своего продукта позволил выйти на новый и постоянно растущий уровень щедрого производства и технической сложности. В то же время коммерческая регламентация системы и ориентация на гламурный эскапизм в определенной степени препятствовали смелости и амбициям, ярким примером которых является короткая, но все же легендарная режиссерская карьера иконоборца Эриха фон Штрогейма в конце подросткового возраста и в 1920-х годах.
В 1924 году Сэм Голдвин , Луис Б. Майер и Metro Pictures Corporation создают MGM . [46]
В конце 1927 года Warners выпустила «Певец джаза» , который был в основном немым, но содержал то, что обычно считается первым синхронизированным диалогом (и пением) в художественном фильме; [92] но на самом деле этот процесс был впервые осуществлен Чарльзом Тейзом Расселом в 1914 году с помощью длинного фильма « Фотодрама творения» . Эта драма состояла из слайдов и движущихся изображений, синхронизированных с граммофонными записями бесед и музыки. Ранние процессы записи звука на диск, такие как Vitaphone, вскоре были вытеснены методами записи звука на пленку, такими как Fox Movietone , DeForest Phonofilm и RCA Photophone . Эта тенденция убедила в основном сопротивляющихся промышленников, что будущее за «говорящими картинками» или «звуковыми экранами». До успеха «Певца джаза» было предпринято множество попыток , что можно увидеть в Списке звуковых систем для фильмов . А в 1926 году Warner Bros. Дебютирует фильм «Дон Жуан» с синхронизированными звуковыми эффектами и музыкой. [46]
Изменение произошло удивительно быстро. К концу 1929 года Голливуд был почти полностью звуковым, с несколькими конкурирующими звуковыми системами (которые вскоре были стандартизированы). В остальном мире общий переход шел немного медленнее, главным образом по экономическим причинам. Культурные причины также были фактором в таких странах, как Китай и Япония , где немая музыка успешно сосуществовала со звуком вплоть до 1930-х годов, действительно создавая то, что впоследствии стало одними из самых почитаемых классических произведений в этих странах, таких как « Богиня » У Юнгана (Китай). , 1934) и Ясудзиро Одзу « Я родился, но...» (Япония, 1932). Но даже в Японии такая фигура, как бенси , живой рассказчик, который играл важную роль в японском немом кино, обнаружил, что его актерская карьера подходит к концу.
Звук еще больше усилил контроль над крупными студиями во многих странах: огромные затраты на переход превзошли более мелких конкурентов, а новизна звука привлекла гораздо большую аудиторию для тех продюсеров, которые остались. В случае США некоторые историки считают, что звук спас голливудскую студийную систему перед лицом Великой депрессии (Parkinson, 1995). Так началось то, что сейчас часто называют «Золотым веком Голливуда», что примерно относится к периоду, начиная с появления звука и до конца 1940-х годов. В этот период американское кино достигло своего пика эффективно созданного гламура и глобальной привлекательности. Лучшими актерами той эпохи теперь считаются звезды классического кино, такие как Кларк Гейбл , Кэтрин Хепберн , Хамфри Богарт , Грета Гарбо , а также самая кассовая касса 1930-х годов, детская актриса Ширли Темпл .
Однако с творческой точки зрения быстрый переход был трудным, и в некотором смысле кино ненадолго вернулось к условиям своих первых дней. Конец 20-х годов был полон статичных, сценических звуковых фильмов, когда артисты перед камерой и за ней боролись со строгими ограничениями раннего звукового оборудования и собственной неуверенностью в том, как использовать новую среду. Многие артисты театра, режиссеры и писатели познакомились с кино, поскольку продюсеры искали кадры, имеющие опыт повествования, основанного на диалогах. Многие крупные режиссеры и актеры немого кино не смогли приспособиться и обнаружили, что их карьера сильно сократилась или даже закончилась.
Этот неловкий период длился довольно недолго. 1929 год стал переломным: Уильям Уэллман с «Ночами в китайском квартале» и «Человек, которого я люблю» , Рубен Мамулян с «Аплодисментами» , Альфред Хичкок с «Шантажом» (первым звуковым фильмом в Великобритании) были среди режиссеров, придавших звуковому кино большую плавность и экспериментировавших с выразительным использованием звук (Эйман, 1997). При этом они оба извлекли выгоду из технических достижений в области микрофонов и камер, а также возможностей редактирования и постсинхронизации звука (вместо того, чтобы записывать весь звук непосредственно во время съемок).
.jpg/1280px-Walt_Disney_Snow_white_1937_trailer_screenshot_(13).jpg)
Звуковые фильмы подчеркивали историю чернокожих и приносили пользу различным жанрам в большей степени, чем немые фильмы. Совершенно очевидно, что родился музыкальный фильм ; первым голливудским мюзиклом в классическом стиле была «Бродвейская мелодия» (1929), и эта форма нашла своего первого крупного создателя в лице хореографа и режиссера Басби Беркли ( 42-я улица , 1933, Дамс , 1934). Во Франции режиссер -авангардист Рене Клер сюрреалистично использовал песню и танец в таких комедиях, как « Под крышами Парижа» (1930) и «Миллион» (1931). Universal Pictures начала выпускать готические фильмы ужасов, такие как «Дракула» и «Франкенштейн» (оба 1931 года). В 1933 году RKO Pictures выпустила классический фильм Мериан К. Купер о гигантском монстре « Кинг-Конг » . Лучше всего эта тенденция процветала в Индии , где влияние традиционной песенно-танцевальной драмы страны сделало мюзикл основной формой большинства звуковых фильмов (Cook, 1990); практически незамеченный западным миром на протяжении десятилетий, этот популярный индийский кинематограф, тем не менее, стал самым плодовитым в мире. ( См. также Болливуд . )
В это время стали популярными американские гангстерские фильмы, такие как «Маленький Цезарь» и «Враг общества» Веллмана (оба 1931 года). Диалоги теперь преобладали над фарсом в голливудских комедиях: динамичные и остроумные шутки в «Первой полосе» (1931) или «Это случилось однажды ночью» (1934), сексуальные двусмысленности Мэй Уэст ( «Она сделала его неправильно », 1933) или часто подрывные анархические бессмысленные разговоры братьев Маркс ( «Утиный суп» , 1933). Уолт Дисней , который ранее занимался короткометражными мультфильмами, вошел в художественное кино с первым англоязычным анимационным фильмом « Белоснежка и семь гномов» , выпущенным RKO Pictures в 1937 году. 1939 год, важный год для американского кино, принес такие таких фильмов, как «Волшебник страны Оз» и «Унесенные ветром» .
Около 80 процентов фильмов 1890-1920-х годов были цветными. [93] Многие использовали однотонные пленки для тонировки красильных ванн, некоторые рамы окрашивали вручную в несколько прозрачных цветов, а с 1905 года существовал механизированный трафаретный процесс ( Pathécolor ).
Kinemacolor , первый коммерчески успешный процесс цветной кинематографии, производил фильмы в двух цветах (красном и голубом) с 1908 по 1914 год.
Естественный трехполосный цветной процесс Technicolor был очень успешно представлен в 1932 году в анимационном короткометражном фильме Уолта Диснея « Цветы и деревья », получившем премию Оскар , режиссер Берт Джиллетт . Изначально Technicolor использовался в основном в мюзиклах, таких как « Волшебник страны Оз » (1939), в костюмированных фильмах, таких как « Приключения Робин Гуда », и в анимации. Вскоре после того, как в начале 1950-х годов распространилось телевидение, цвет стал более или менее стандартным для театральных фильмов.
Стремление к военной пропаганде против оппозиции привело к возрождению киноиндустрии в Великобритании с появлением реалистичных военных драм, таких как «49-я параллель» (1941), « Прошел день хорошо?» (1942), «Путь вперед» (1944), а также знаменитый военно-морской фильм Ноэля Кауарда и Дэвида Лина 1942 года , получивший специальную премию «Оскар» . Они существовали наряду с более яркими фильмами, такими как « Жизнь и смерть полковника Дирижабля » Майкла Пауэлла и Эмерика Прессбургера (1943), «Кентерберийская история » (1944) и «Вопрос жизни и смерти» (1946), а также «1944 » Лоуренса Оливье. фильм «Генрих V» , основанный на шекспировской истории «Генрих V» . Успех «Белоснежки и семи гномов» позволил Диснею создать больше анимационных фильмов, таких как «Пиноккио» (1940), «Фантазия» (1940), «Дамбо » (1941) и «Бэмби» (1942).
Начало участия США во Второй мировой войне также привело к распространению фильмов как патриотического, так и пропагандистского характера. Американские пропагандистские фильмы включали «Отчаянное путешествие » (1942), «Миссис Минивер» (1942), «Навсегда и один день» (1943) и «Цель, Бирма!» (1945). Известные американские фильмы военных лет включают антинацистский « Вахта на Рейне» (1943) по сценарию Дэшила Хэммета ; Тень сомнения (1943), постановка Хичкока по сценарию Торнтона Уайлдера ; биографический фильм Джорджа М. Коэна «Янки Дудл Денди» (1942) с Джеймсом Кэгни в главной роли и чрезвычайно популярная «Касабланка» с Хамфри Богартом . В период с 1934 по 1942 год Богарт снялся в 36 фильмах, включая «Мальтийский сокол » Джона Хьюстона (1941), один из первых фильмов, которые сейчас считаются классическим нуаром . В 1941 году RKO Pictures выпустила фильм «Гражданин Кейн» , снятый Орсоном Уэллсом . Его часто называют величайшим фильмом всех времен. Он заложил основу для современного кино, поскольку произвел революцию в рассказывании киноисторий.
Строгость военного времени также вызвала интерес к более фантастическим темам. В их число входили британские мелодрамы Гейнсборо (в том числе «Человек в сером» и «Злая леди »), а также такие фильмы, как «А вот и мистер Джордан» , «Небеса могут подождать» , « Я женился на ведьме» и « Беззаботный дух» . Вэл Льютон также продюсировал серию атмосферных и влиятельных малобюджетных фильмов ужасов, наиболее известными примерами которых являются «Люди-кошки» , «Остров мертвых» и «Похититель тел» . Вероятно, это десятилетие также ознаменовалось пиком популярности так называемых « женских картин », таких как «Сейчас», «Вояджер» , «Случайная жатва» и «Милдред Пирс» .
В 1946 году радио RKO выпустило программу «Эта замечательная жизнь» режиссера итальянского происхождения Фрэнка Капры . Солдаты, вернувшиеся с войны, послужили источником вдохновения для создания таких фильмов, как «Лучшие годы нашей жизни» , и многие из тех, кто работал в киноиндустрии, в той или иной степени служили во время войны. Опыт Сэмюэля Фуллера во Второй мировой войне повлиял на его во многом автобиографические фильмы последующих десятилетий, такие как «Большой красный» . Актерская студия была основана в октябре 1947 года Элией Казаном , Робертом Льюисом и Шерил Кроуфорд , и в том же году Оскар Фишингер снял фильм «Кинокартина № 1» .
В 1943 году «Оссессионе» был показан в Италии, что положило начало итальянскому неореализму . Основными фильмами этого типа в 1940-е годы были «Похитители велосипедов» , «Рим», «Открытый город» и «Терра Трема» . В 1952 году вышел «Умберто Д» , который обычно считается последним фильмом такого типа.
В конце 1940-х годов в Великобритании студия Ealing Studios приступила к созданию серии знаменитых комедий, в том числе «Виски в изобилии!». , « Паспорт в Пимлико» , « Добрые сердца и короны» и «Человек в белом костюме» , а Кэрол Рид сняла свои влиятельные триллеры « Ушел странный человек» , «Падший идол» и «Третий человек» . Дэвид Лин также быстро становился силой в мировом кино благодаря «Короткой встрече» и его адаптациям Диккенса «Большие надежды» и «Оливер Твист» , а Майкл Пауэлл и Эмерик Прессбургер испытали лучшее от своего творческого сотрудничества в таких фильмах, как «Черный нарцисс» и «Красные туфли» .
Комитет Палаты представителей по антиамериканской деятельности расследовал Голливуд в начале 1950-х годов. Слушания , протестованные « Голливудской десяткой» перед комитетом, привели к внесению в черный список многих актеров, писателей и режиссеров, в том числе Чаефски, Чарли Чаплина и Далтона Трамбо , и многие из них бежали в Европу, особенно в Соединенное Королевство.
Дух времени холодной войны перерос в своего рода почти паранойю , проявляющуюся в таких темах , как вторжение армий злых инопланетян ( «Вторжение похитителей тел» , «Война миров» ) и коммунистических пятых колонн ( «Маньчжурский кандидат »).
В первые послевоенные годы кинематографическая индустрия также находилась под угрозой со стороны телевидения, а растущая популярность этого средства массовой информации означала, что некоторые кинотеатры обанкротятся и закроются. Упадок «студийной системы» стимулировал самокомментирование таких фильмов, как «Бульвар Сансет» (1950) и «Плохое и прекрасное » (1952).
В 1950 году авангардисты- леттристы устроили беспорядки на Каннском кинофестивале , когда был показан «Трактат о слизи и вечности» Исидора Ису . После критики Чарли Чаплина и раскола с движением ультралеттристы продолжали сеять беспорядки, демонстрируя свои новые гиперграфические методы. Самый скандально известный фильм — «Вой по Саду» Ги Дебора 1952 года. Обеспокоенные растущим числом закрытых театров, студии и компании искали новые и инновационные способы вернуть зрителей. В их число входили попытки повысить свою привлекательность за счет новых форматов экрана. Cinemascope , который оставался отличительной особенностью 20th Century Fox до 1967 года, был анонсирован вместе с фильмом 1953 года « Одеяние » . VistaVision , Cinerama и Todd-AO хвастались подходом «чем больше, тем лучше» к маркетингу фильмов среди сокращающейся американской аудитории. Это привело к возрождению эпических фильмов, в которых использовались преимущества новых форматов большого экрана. Некоторые из наиболее успешных примеров этих библейских и исторических зрелищ включают «Десять заповедей » (1956), «Викинги» (1958), «Бен-Гур» (1959), «Спартак» (1960) и «Эль Сид» (1961). Также в этот период в «Тодд-АО» был снят ряд других значимых фильмов , разработанных Майком Тоддом незадолго до его смерти, в том числе «Оклахома!». (1955), «Вокруг света за 80 дней» (1956), «Южная часть Тихого океана » (1958) и «Клеопатра » (1963), а также многие другие.
Также распространились уловки , призванные заманить публику. Увлечение 3D-фильмами продлилось всего два года, 1952–1954, и помогло продать « Дом восковых фигур и существ из Черной лагуны» . Продюсер Уильям Касл рекламировал фильмы с участием «Эмерго» и «Персепто», первый из серии уловок, которые оставались популярными маркетинговыми инструментами для Касла и других на протяжении 1960-х годов.
В 1954 году Дороти Дэндридж была номинирована на премию «Оскар» как лучшая актриса за роль в фильме «Карман Джонс». Она стала первой чернокожей женщиной, номинированной на эту награду. [95]
В США после Второй мировой войны тенденция подвергать сомнению истеблишмент и социальные нормы, а также ранний активизм движения за гражданские права нашли свое отражение в голливудских фильмах, таких как «Джунгли доски» (1955), « На набережной» (1954), « Марти » Пэдди Чаевски. и «12 разгневанных мужчин » Реджинальда Роуза (1957). В частности, Дисней продолжал снимать анимационные фильмы; «Золушка» (1950), «Питер Пэн» (1953), «Леди и бродяга» (1955) и «Спящая красавица » (1959). Однако он начал больше участвовать в игровых фильмах, продюсируя такие классические фильмы, как «20 000 лье под водой » (1954) и «Старый Йеллер » (1957). Телевидение начало серьезно конкурировать с фильмами, показываемыми в кинотеатрах, но, что удивительно, оно способствовало увеличению кинопосещения, а не сокращало его.
«В центре внимания», вероятно, уникальный фильм, по крайней мере, в одном интересном отношении. Двое ее главных героев, Чарли Чаплин и Клэр Блум , работали в этой индустрии не менее трех столетий. В XIX веке Чаплин дебютировал в театре в восьмилетнем возрасте, в 1897 году, в танцевальной труппе «Восемь ланкастерских парней». В 21 веке Блум по-прежнему наслаждается полноценной и продуктивной карьерой, снявшись в десятках фильмов и телесериалов, снятых до 2022 года включительно. Особое признание она получила за роль в фильме « Речь короля» (2010).
После окончания Второй мировой войны в 1940-х годах следующее десятилетие, 1950-е, ознаменовало «золотой век» для неанглийского мирового кино , [96] [97] особенно для азиатского кино . [98] [99] Многие из наиболее признанных критиками азиатских фильмов всех времен были сняты в течение этого десятилетия, в том числе «Токийская история » Ясудзиро Одзу ( 1953), «Трилогия Апу » Сатьяджита Рэя (1955–1959) и «Джалсагар» (1958). ), « Угецу » Кендзи Мидзогучи ( 1954) и «Саншо-пристав» (1954), «Аваара » Раджа Капура (1951), «Плавающие облака » Микио Нарусэ (1955), «Пьяаса » Гуру Датта (1957) и «Каагаз Ке Пхул » ( 1959), а также фильмы Акиры Куросавы «Расёмон» (1950), «Икиру» (1952), «Семь самураев» (1954) и «Трон крови» (1957). [98] [99]
Во время «золотого века» японского кино 1950-х годов среди успешных фильмов были «Расёмон» (1950), «Семь самураев» (1954) и «Скрытая крепость» (1958) Акиры Куросавы , а также «Токийская история» Ясудзиро Одзу ( 1953) и Годзилла Иширо Хонды ( 1954). [100] Эти фильмы оказали глубокое влияние на мировое кино. В частности, «Семь самураев » Куросавы несколько раз переделывались как западные фильмы , такие как «Великолепная семерка» (1960) и « Битва за звездами» (1980), а также послужили источником вдохновения для создания нескольких болливудских фильмов, таких как «Шолай » (1975) и «Китайские ворота » (1975 ). 1998). «Расёмон» также был переделан как «Возмущение» (1964) и вдохновил фильмы с методами повествования « эффекта Расёмона », такие как «Андха Наал» (1954), «Обычные подозреваемые» (1995) и «Герой» (2002). Скрытая крепость также послужила источником вдохновения для « Звездных войн » Джорджа Лукаса (1977). Среди других известных японских кинематографистов этого периода — Кэндзи Мидзогути , Микио Нарусэ , Хироши Инагаки и Нагиса Осима . [98] Позже японское кино стало одним из главных вдохновителей движения Нового Голливуда 1960-1980-х годов.
Во время «золотого века» индийского кино 1950-х годов ежегодно производилось 200 фильмов, а индийские независимые фильмы получали большее признание благодаря международным кинофестивалям . Одной из самых известных была «Трилогия Апу» (1955–1959) признанного критиками бенгальского режиссера Сатьяджита Рэя , фильмы которого оказали глубокое влияние на мировое кино, с такими режиссерами, как Акира Куросава, [101] Мартин Скорсезе , [102] [ 103] Джеймс Айвори , [104] Аббас Киаростами , Элия Казан , Франсуа Трюффо , [105] Стивен Спилберг , [106] [107] Карлос Саура , [108] Жан-Люк Годар , [109] Исао Такахата , [110] Грегори Нава , Айра Сакс , Уэс Андерсон [111] и Дэнни Бойл [112] испытали влияние его кинематографического стиля. По словам Майкла Срагова из The Atlantic Monthly , «юношеские драмы о взрослении , наводнившие арт-хаусы с середины пятидесятых, в огромной степени обязаны трилогии Апу». [113] Кинематографическая техника отраженного света Субраты Митры также берет свое начало из «Трилогии Апу» . [114] Среди других известных индийских кинематографистов этого периода — Гуру Датт , [98] Ритвик Гхатак , [99] Мринал Сен , Радж Капур , Бимал Рой , К. Асиф и Мехбуб Хан . [115]
Кино Южной Кореи также пережило «золотой век» в 1950-е годы, начавшийся с чрезвычайно успешного ремейка режиссера Ли Кю Хвана « Чхунхян Чжон» (1955). [116] В том же году известный режиссер Ким Ки Ён выпустил фильм «Провинция Янсан» , что положило начало его продуктивной карьере. К концу 1950-х годов качество и количество кинопроизводства быстро возросли. Южнокорейские фильмы, такие как комедия Ли Бён Ира 1956 года «Сиджибганын нал» («День свадьбы») , начали получать международные награды. В отличие от начала 1950-х годов, когда в год снималось всего 5 фильмов, в 1959 году в Южной Корее было снято 111 фильмов. [117]
1950-е годы были также «золотым веком» филиппинского кино с появлением более художественных и зрелых фильмов и значительным улучшением кинематографических техник среди кинематографистов. Студийная система вызвала бурную деятельность в местной киноиндустрии: ежегодно снималось много фильмов, а несколько местных талантов начали получать признание за рубежом. Среди первых филиппинских режиссеров той эпохи были Херардо де Леон , Грегорио Фернандес, Эдди Ромеро , Ламберто Авельяна и Сирио Сантьяго . [118] [119]
В 1960-е годы студийная система в Голливуде пришла в упадок, поскольку многие фильмы теперь снимались на натуре в других странах или с использованием зарубежных студий, таких как Pinewood в Великобритании и Cinecittà в Риме. «Голливудские» фильмы по-прежнему были в основном ориентированы на семейную аудиторию, и зачастую наибольший успех студии приносили более старомодные фильмы. Такие постановки, как «Мэри Поппинс» (1964), «Моя прекрасная леди» (1964) и «Звуки музыки» (1965), были одними из самых прибыльных за десятилетие. Рост числа независимых продюсеров и продюсерских компаний, а также усиление власти отдельных актеров также способствовали упадку традиционного голливудского студийного производства.
В этот период в Америке также росла осведомленность об иностранном кино. В конце 1950-х и 1960-х годах режиссеры французской новой волны , такие как Франсуа Трюффо и Жан-Люк Годар, сняли такие фильмы, как « Les quatre cents coups» , «На последнем дыхании» и «Жюль и Джим» , которые нарушили правила повествовательной структуры голливудского кино . Кроме того, зрители начали узнавать о таких итальянских фильмах, как «Сладкая жизнь » Федерико Феллини ( 1960), «8½» (1963) и суровых драмах шведского Ингмара Бергмана .
В Великобритании «Свободное кино» Линдси Андерсон , Тони Ричардсона и других привело к созданию группы реалистичных и новаторских драм, включая «Субботний вечер» и «Утро воскресенья» , «Вид любви» и «Эта спортивная жизнь» . Другие британские фильмы, такие как «Отвращение» , «Дорогая» , «Алфи» , «Фотоувеличение» и «Девочка Джорджи» (все в 1965–1966 годах), помогли снизить запреты на секс и наготу на экране, в то время как случайный секс и насилие в фильмах о Джеймсе Бонде , начиная с «Доктора Ноу» в 1962 году сделал сериал популярным во всем мире.
В 1960-е годы Усман Сембен продюсировал несколько фильмов на французском языке и языке волоф и стал «отцом» африканского кино . В Латинской Америке доминированию «голливудской» модели бросили вызов многие кинематографисты. Фернандо Соланас и Октавио Гетино призвали к созданию политически активного Третьего кино в отличие от Голливуда и европейского авторского кино.
В Египте золотой век египетского кино продолжился в 1960-х годах благодаря усилиям многих режиссеров, и египетский кинематограф того времени очень ценил женщин, таких как Соад Хосни . Братья Зульфикар; Эзз Эль-Дин Зульфикар , Салах Зульфикар и Махмуд Зульфикар были на свидании во многих постановках, [120] в том числе «Река любви » Эзза Эль-Дина Зульфикара (1960), [121] « Мягкие руки » Махмуда Зульфикара (1964) и «Дорогие ». Чем моя жизнь (1965) с Салахом Зульфикаром и производством Salah Zulfikar Films в главных ролях; Моя жена, генеральный директор (1966) [122], а также «Саладин » Юсефа Шахина (1963). [123] [124]
Кроме того, ядерная паранойя того времени и угроза апокалиптического обмена ядерными ударами (как, например, сближение с СССР в 1962 году во время кубинского ракетного кризиса ) также вызвали реакцию внутри киносообщества. Такие фильмы, как «Доктор Стрейнджлав » Стэнли Кубрика и «Безопасность» с Генри Фондой, снимались в Голливуде, который когда-то был известен своим откровенным патриотизмом и пропагандой военного времени.
В документальном кино шестидесятые годы стали свидетелями расцвета прямого кино , наблюдательного стиля кинопроизводства, а также появления более откровенно партийных фильмов, таких как « В год свиньи» о войне во Вьетнаме Эмиля де Антонио . Однако к концу 1960-х годов голливудские кинематографисты начали создавать более инновационные и новаторские фильмы, отражающие социальную революцию, охватившую большую часть западного мира, такие как « Бонни и Клайд» (1967), «Выпускник» (1967), «2001: Космос». «Одиссея» (1968), «Ребенок Розмари» (1968), «Полуночный ковбой» (1969), «Беспечный ездок» (1969) и «Дикая банда » (1969). Бонни и Клайд часто считают началом так называемого Нового Голливуда .
В японском кино режиссер Акира Куросава, обладатель премии «Оскар», поставил «Ёдзимбо» (1961), который, как и его предыдущие фильмы, также оказал глубокое влияние во всем мире. Влияние этого фильма наиболее очевидно в фильмах Серджио Леоне « За пригоршню долларов» (1964) и «Последний выживший » Уолтера Хилла (1996). Ёджимбо также стал источником тенденции « Человек без имени ».
Новый Голливуд был периодом после упадка студийной системы в 1950-х и 1960-х годах и конца производственного кодекса (который был заменен в 1968 году системой рейтингов фильмов MPAA ). В 1970-е годы кинематографисты все чаще изображали откровенно сексуальный контент и показывали сцены перестрелок и битв, включавшие графические изображения кровавых смертей – ярким примером этого является « Последний дом слева» Уэса Крэйвена (1972).
Постклассическое кино — это меняющиеся методы повествования продюсеров Нового Голливуда. Новые методы драматургии и характеристики персонажей, основанные на ожиданиях аудитории, приобретенных в период классического/Золотого века: хронология повествования может быть запутанной, сюжетные линии могут иметь тревожные « неожиданные концовки », главные герои могут вести себя морально двусмысленно, а линии между антагонист и главный герой могут быть размыты. Истоки постклассического повествования можно увидеть в фильмах -нуар 1940-х и 1950-х годов , в таких фильмах, как «Бунтарь без причины» (1955) и в «Психо» Хичкока . 1971 год ознаменовался выходом таких противоречивых фильмов, как «Соломенные псы» , «Заводной апельсин» , «Французский связной» и «Грязный Гарри» . Это вызвало горячие споры по поводу предполагаемой эскалации насилия в кино.
В 1970-е годы появилась новая группа американских кинематографистов, такая как Мартин Скорсезе , Фрэнсис Форд Коппола , Джордж Лукас , Вуди Аллен , Терренс Малик и Роберт Альтман . Это совпало с ростом популярности авторской теории в кинолитературе и средствах массовой информации, которая утверждала, что фильмы режиссера выражают его личное видение и творческие идеи. Развитие авторского стиля кинопроизводства помогло этим режиссерам гораздо больше контролировать свои проекты, чем это было возможно в предыдущие эпохи. Это привело к некоторым большим критическим и коммерческим успехам, таким как « Таксист» Скорсезе , фильмы Копполы « Крестный отец », «Изгоняющий дьявола » Уильяма Фридкина , « Нэшвилл » Альтмана , «Энни Холл и Манхэттен» Аллена , « Бесплодные земли и дни рая» Малика и фильм польского иммигранта Романа Полански. Чайнатаун . Однако это также привело к некоторым неудачам, включая « Наконец-то любовь » Питера Богдановича и чрезвычайно дорогой вестерн-эпопею Майкла Чимино «Врата рая» , которые привели к кончине его покровителя, United Artists .
Финансовая катастрофа « Врат рая» ознаменовала конец дальновидных «авторских» режиссеров «Нового Голливуда», имевших неограниченную творческую и финансовую свободу для разработки фильмов. Феноменальный успех в 1970-х годах фильма Спилберга « Челюсти» породил концепцию современного « блокбастера ». Однако огромный успех фильма Джорджа Лукаса « Звездные войны » 1977 года привел к гораздо большему, чем просто популяризации киноблокбастеров. Революционное использование в фильме спецэффектов, монтажа звука и музыки привело к тому, что он стал широко известен как один из самых важных фильмов в истории кино, а также как самый влиятельный фильм 1970-х годов. Голливудские студии все больше сосредотачивались на производстве меньшего количества фильмов с очень большим бюджетом, проводя масштабные маркетинговые и рекламные кампании. Эту тенденцию уже предвещал коммерческий успех таких фильмов-катастроф , как «Приключение Посейдона» и «Ад в высоте» .
В середине 1970-х годов было создано больше порнотеатров, эвфемистически названных «кинотеатрами для взрослых», и началось легальное производство жестких порнографических фильмов. Порнофильмы, такие как «Глубокая глотка» и ее звезда Линда Лавлейс, стали чем-то вроде феномена популярной культуры и привели к появлению волны подобных секс-фильмов. Порнокинотеатры окончательно вымерли в 1980-е годы, когда популяризация домашних видеомагнитофонов и видеокассет с порнографией позволила зрителям смотреть секс-фильмы дома. В начале 1970-х годов англоязычная аудитория стала лучше узнавать новое западногерманское кино, среди его ведущих представителей были Вернер Херцог , Райнер Вернер Фассбиндер и Вим Вендерс .
В мировом кино 1970-е годы стали свидетелями резкого роста популярности фильмов о боевых искусствах , во многом благодаря их переосмыслению Брюсом Ли , который отошел от художественного стиля традиционных китайских фильмов о боевых искусствах и добавил к ним гораздо большее ощущение реализма. его стиль Джит Кун До . Это началось с фильма «Большой босс» (1971), который имел большой успех во всей Азии . Однако известность в западном мире он приобрел лишь вскоре после его смерти в 1973 году, когда был выпущен «Выход дракона» . Этот фильм стал самым успешным фильмом о боевых искусствах в истории кинематографа, популяризировал жанр фильмов о боевых искусствах во всем мире и укрепил статус Брюса Ли как культурной иконы. Гонконгский боевик , однако, находился в упадке из-за волны фильмов « Bruceploitation ». Эта тенденция в конечном итоге подошла к концу в 1978 году с выходом комедийных фильмов о боевых искусствах « Змея в тени орла» и «Пьяный мастер » режиссера Юэнь Ву-пина с Джеки Чаном в главной роли , заложивших основы для подъема гонконгского боевика в 1980-х годах. .
В то время как жанр музыкальных фильмов в Голливуде к этому времени пришел в упадок, музыкальные фильмы быстро набирали популярность в кинематографе Индии , где термин « Болливуд » был придуман для обозначения растущей киноиндустрии на хинди в Бомбее (ныне Мумбаи), которая в конечном итоге доминировала на Юге. Азиатское кино , обогнавшее по популярности более признанную критиками бенгальскую киноиндустрию . Кинорежиссеры хинди объединили музыкальную формулу Голливуда с традициями древнеиндийского театра, чтобы создать новый жанр кино под названием « Масала », который доминировал в индийском кино на протяжении всего конца 20 века. [125] Эти фильмы «Масала» изображали одновременно боевик, комедию, драму , романтику и мелодраму , с добавлением песен и танцев « фильми ». Эта тенденция началась с фильмов Манмохана Десаи с Амитабхом Баччаном в главной роли , который остается одним из них . из самых популярных кинозвезд Южной Азии. Самым популярным индийским фильмом всех времен был «Шолай » (1975), фильм «Масала», вдохновленный реальным бандитом , а также «Семью самураями » Куросавы и спагетти-вестернами .
В конце десятилетия произошел первый крупный международный маркетинг австралийского кино: фильмы Питера Вейра « Пикник у Висячей скалы» и «Последняя волна» и « Песнь Джимми Блэксмита » Фреда Шепизи получили признание критиков. В 1979 году австралийский режиссер Джордж Миллер также привлек международное внимание своим жестоким малобюджетным боевиком «Безумный Макс» .
В 1980-е годы зрители стали все чаще смотреть фильмы на своих домашних видеомагнитофонах . В начале того же десятилетия киностудии попытались подать в суд на запрет владения видеомагнитофонами как нарушение авторских прав , но это оказалось безуспешно. Со временем продажа и прокат фильмов на домашнем видео стали важной «второй площадкой» для показа фильмов и дополнительным источником дохода для киноиндустрии. Рынки прямого видео (нишевого) обычно предлагали более низкую качество и дешевую продукцию, которая считалась не очень подходящей для широкой аудитории телевизионных и театральных выпусков.
Союз Лукаса и Спилберга доминировал в голливудском кино на протяжении большей части 1980-х годов и вызывал множество подражаний. Два продолжения « Звездных войн» , три « Челюсти» и три фильма об Индиане Джонсе помогли сделать сиквелы успешных фильмов более ожидаемыми, чем когда-либо прежде. Лукас также основал THX Ltd , подразделение Lucasfilm , в 1982 году, [126] а Спилберг в том же году добился одного из величайших успехов десятилетия в фильме «Инопланетянин» . В 1982 году также вышел диснеевский « Трон» , который стал одним из первых фильмов крупной студии, в котором широко использовалась компьютерная графика . В течение десятилетия американское независимое кино испытывало большие трудности, хотя фильмы Мартина Скорсезе « Бешеный бык» (1980), « После закрытия» (1985) и «Король комедии» (1983) помогли ему утвердиться в качестве одного из наиболее признанных критиками американских режиссеров того времени. эпоха. Также в 1983 году вышел фильм «Лицо со шрамом» , который оказался очень прибыльным и привел к еще большей известности его исполнителю главной роли Аль Пачино . В версии Тима Бертона 1989 года творения Боба Кейна « Бэтмен » Джек Николсон сыграл сумасшедшего Джокера , что принесло ему 60–90 миллионов долларов с учетом его процента от выручки. [127]
.jpg/1280px-London_Film_Museum_-_DSCF4090_(5755432522).jpg)
Британский кинематограф получил импульс в начале 1980-х годов с приходом компании Дэвида Паттнэма Goldcrest Films . Фильмы «Огненные колесницы» , «Ганди» , «Поля смерти» и «Комната с видом» понравились «средней» аудитории, которую все чаще игнорировали крупные голливудские студии. В то время как фильмы 1970-х годов помогли определить современные блокбастеры , способ, которым «Голливуд» выпускал свои фильмы, теперь изменится. Премьеры фильмов, по большей части, будут проводиться в большем количестве кинотеатров, хотя и по сей день премьеры некоторых фильмов все еще проводятся с использованием системы ограниченного выпуска / роуд-шоу . Вопреки некоторым ожиданиям, рост мультиплексного кинотеатра не позволил показывать меньше популярных фильмов, а просто позволил основным блокбастерам показывать еще большее количество показов. Однако фильмам, которые игнорировались в кинотеатрах, все чаще давали второй шанс на домашнем видео.
В 1980-е годы японское кино пережило возрождение, во многом благодаря успеху аниме -фильмов. В начале 1980-х годов «Космический линкор Ямато » (1973) и «Мобильный костюм Гандам» (1979), оба из которых не имели успеха как телесериалы, были переделанны в фильмы и имели огромный успех в Японии. В частности, Mobile Suit Gundam положил начало франшизе Gundam в меха -аниме Real Robot . Успех «Макросса: ты помнишь любовь?» также положил начало франшизе меха-аниме Macross . Это было также десятилетие, когда была основана студия Ghibli . Студия выпустила первые фэнтези - фильмы Хаяо Миядзаки «Навсикая из долины ветров » (1984) и « Небесный замок» (1986), а также «Могилу светлячков » Исао Такахаты (1988). имел успех в Японии и получил признание критиков во всем мире. В этом десятилетии также появились оригинальные видеоанимационные фильмы (OVA); Самым влиятельным из этих ранних фильмов OVA стал киберпанк - фильм Нобору Исигуро «Мегазона 23» (1985). Самым известным аниме-фильмом этого десятилетия стал киберпанк-фильм Кацухиро Отомо « Акира» (1988), который, хотя поначалу не имел успеха в японских кинотеатрах, впоследствии имел международный успех.
Гонконгский боевик , который после смерти Брюса Ли находился в состоянии упадка из-за бесконечных фильмов с эксплуатацией Брюса , также пережил возрождение в 1980-х годах, во многом благодаря переосмыслению жанра боевиков Джеки Чаном . Ранее он успешно сочетал жанры комедии и фильмов о боевых искусствах в фильмах 1978 года «Змея в тени орла» и «Пьяный мастер» . Следующим шагом, который он предпринял, было объединение этого комедийного жанра боевых искусств с новым акцентом на сложные и очень опасные трюки , напоминающие эпоху немого кино. Первым фильмом в этом новом стиле боевика стал « Проект А» (1983), в котором была создана каскадерская команда Джеки Чана, а также «Три брата» (Чан, Саммо Хун и Юэнь Бяо ). Фильм добавил к дракам сложные опасные трюки и фарс и имел огромный успех на Дальнем Востоке. В результате Чан продолжил эту тенденцию в боевиках о боевых искусствах, содержащих еще более сложные и опасные трюки, в том числе «Колеса во время еды» (1984), «Полицейская история» (1985), «Доспехи Бога» (1986), « Проект А, часть II» (1987), «Полицейская история 2» (1988) и «Драконы навсегда» (1988). Другими новыми тенденциями, возникшими в 1980-х годах, были поджанр « девушки с оружием », благодаря которому Мишель Йео получила известность; и особенно жанр « героического кровопролития », вращающийся вокруг Триад , пионером которого в основном был Джон Ву и благодаря которому Чоу Юн-Фат прославился. Эти тенденции гонконгского боевика позже были переняты во многих голливудских боевиках 1990-х и 2000-х годов.
В начале 1990-х годов в США развивалось коммерчески успешное независимое кино. Хотя в кино все больше доминировали фильмы со спецэффектами, такие как «Терминатор 2: Судный день» (1991), «Парк Юрского периода» (1993) и «Титаник» (1997), последний из которых стал самым кассовым фильмом всех времен вплоть до «Аватар» (2009), также режиссер Джеймс Кэмерон, независимые фильмы, такие как « Секс, ложь и видео» Стивена Содерберга ( 1989) и «Бешеные псы » Квентина Тарантино (1992), имели значительный коммерческий успех как в кино, так и на домашнем видео.
Кинематографисты, связанные с датским кинодвижением «Догма 95», представили манифест, направленный на очищение кинопроизводства. Его первые несколько фильмов получили признание критиков во всем мире, после чего движение постепенно сошло на нет.
«Славные парни » Скорсезе вышел на экраны в 1990 году. Многие считают его одним из величайших фильмов, особенно в гангстерском жанре. Говорят, что это высшая точка карьеры Скорсезе.
Крупные американские студии начали создавать свои собственные «независимые» продюсерские компании для финансирования и производства неосновных блюд. Одна из самых успешных независимых компаний 1990-х годов, Miramax Films , была куплена Disney за год до выхода в 1994 году безудержного хита Тарантино « Криминальное чтиво» . В том же году началось распространение фильмов и видео в Интернете. Анимационные фильмы, предназначенные для семейной аудитории, также вновь обрели свою популярность: «Красавица и чудовище » Диснея (1991), «Аладдин» (1992) и «Король Лев» (1994). В 1995 году первый полнометражный компьютерный анимационный фильм « История игрушек » был произведен Pixar Animation Studios и выпущен Disney. После успеха «Истории игрушек» компьютерная анимация стала доминирующим методом полнометражной анимации, что позволило конкурирующим кинокомпаниям, таким как DreamWorks , 20th Century Fox и Warner Bros., эффективно конкурировать с Disney, создавая собственные успешные фильмы. . В конце 1990-х годов начался еще один переход от физической пленки к технологиям цифрового кино . Тем временем DVD стали новым стандартом потребительского видео, заменив кассеты VHS.
С конца 2000-х годов платформы потокового мультимедиа , такие как YouTube, предоставили возможность каждому, у кого есть доступ к Интернету и камерам (стандартная функция смартфонов ), публиковать видео по всему миру. Кроме того, конкурируя с растущей популярностью видеоигр и других форм домашних развлечений , индустрия снова начала делать театральные релизы более привлекательными: новые 3D-технологии и эпические фильмы (в жанре фэнтези и о супергероях) стали основой кинотеатров.
Документальный фильм также впервые стал коммерческим жанром благодаря успеху таких фильмов, как «Марш пингвинов» и « Боулинг для Колумбины » Майкла Мура и « Фаренгейт 9/11» . Новый жанр был создан с «Голосом Ирака» Мартина Кунерта и Эрика Мейнса , когда 150 недорогих DV-камер были распространены по всему Ираку, превратив обычных людей в совместных кинематографистов. Успех «Гладиатора» привел к возрождению интереса к эпическому кино и «Мулен Руж!». Возобновился интерес к музыкальному кино . Системы домашнего кинотеатра становились все более совершенными, как и некоторые специальные выпуски DVD, предназначенные для показа на них. Трилогия «Властелин колец» была выпущена на DVD как в театральной версии, так и в специальной расширенной версии, предназначенной только для зрителей домашнего кинотеатра.
В 2001 году началась серия фильмов о Гарри Поттере , и к концу 2011 года она стала самой кассовой кинофраншизой всех времен, пока в 2015 году ее не обошла Кинематографическая вселенная Marvel.
Благодаря достижениям в области кинопроекционных технологий художественные фильмы теперь можно было выпускать одновременно в кинотеатрах IMAX , первый из которых был выпущен в 2002 году анимационным фильмом Диснея « Планета сокровищ» ; а первое живое действие состоялось в фильме 2003 года «Матрица: Революция» и переиздании «Матрица: Перезагрузка» . Позже в том же десятилетии «Темный рыцарь» стал первым крупным художественным фильмом, хотя бы частично снятым в технологии IMAX.
В течение этого десятилетия наблюдалась растущая глобализация кино: фильмы на иностранных языках набирали популярность на англоязычных рынках. Примеры таких фильмов: «Крадущийся тигр», «Скрытый дракон» (мандаринское), «Амели» (французский), «Лагаан» (хинди), «Унесенные призраками » (японский), « Город Бога» (бразильский португальский), «Страсти Христовы» (арамейский), «Апокалипсис» (майский). ) и «Бесславные ублюдки» (на нескольких европейских языках). Италия является страной, которая больше всего награждается премией «Оскар» за лучший фильм на иностранном языке : она получила 14 наград, 3 специальные награды и 31 номинацию .
В 2003 году произошло возрождение популярности 3D-фильмов , первым из которых стал фильм Джеймса Кэмерона « Призраки бездны» , который был выпущен как первый полнометражный полнометражный фильм в формате 3-D IMAX, снятый с помощью системы Reality Camera System . В этой системе камер использовались новейшие видеокамеры HD, а не пленка, и она была построена для Кэмерона номинированным на премию «Эмми» оператором-постановщиком Винсом Пейсом по его спецификациям. Та же система камер использовалась при съемках фильмов «Дети шпионов 3D: Игра окончена» (2003), «Чужие из глубин» в формате IMAX (2005) и «Приключения Шаркбоя и Лавы в 3-D » (2005).
После того, как 3D-фильм Джеймса Кэмерона «Аватар» стал самым кассовым фильмом всех времен, 3D-фильмы на короткое время приобрели популярность, наряду со многими другими фильмами, выпущенными в 3D, при этом наибольший критический и финансовый успех пришелся на область художественной анимации, такой как Universal Pictures / « Гадкий я» компании Illumination Entertainment и « Как приручить дракона » компании DreamWorks Animation , «Шрек навсегда» и «Мегамозг» . «Аватар» также примечателен тем, что впервые использовал сложную технологию захвата движения и оказал влияние на несколько других фильмов, таких как « Восстание планеты обезьян» . [128]
В 2011 году крупнейшими киноиндустриями по количеству выпущенных художественных фильмов были Индии, США, Китай, Нигерия и Япония. [129] В Голливуде популярность и финансовый успех фильмов о супергероях значительно возросли: фильмы по мотивам комиксов Marvel и DC Comics выпускаются каждый год. [130] Жанр супергероев был самым доминирующим в американских кассовых сборах .
В списке самых кассовых фильмов доминировал Disney : в 2019 году наибольшее количество фильмов попало в топ-50. Супергеройский фильм 2019 года «Мстители: Финал» стал самым успешным фильмом всех времен по кассовым сборам. В число других лидеров по доходам вошли «Звездные войны: Пробуждение силы» , «Мстители: Война бесконечности » и «Мир юрского периода» . Релизы Диснея часто были самыми кассовыми фильмами ежегодно во второй половине десятилетия, с такими названиями, как «История игрушек 3» , «Мстители» и «Холодное сердце» . Успех Disney завершился приобретением Disney компании 21st Century Fox .
Крупные киностудии пытались подражать успеху диснеевской кинематографической вселенной Marvel в своих собственных франшизах . Warner Bros. создала такие франшизы, как DC Extended Universe . Дисней создал живые или фотореалистичные ремейки своих классических анимационных фильмов, таких как «Аладдин» и «Король Лев» . Серии фильмов, основанные на романах для молодежи, стали популярными, переходя от фэнтези к научной фантастике-антиутопии. Среди известных сериалов были «Голодные игры» .
«Сказка о принцессе Кагуе» , лето 1993 года , «Не оставлять следов» и «Заботясь о разрыве» получили 100% рейтинг на сайте Rotten Tomatoes . Среди других нашумевших фильмов — «Безумный Макс: Дорога ярости» , «Социальная сеть» и «Прочь» . Такие фильмы, как «Портрет дамы в огне» , «Древо жизни» , «Лунный свет» и «Паразиты» , часто входили в список лучших фильмов 2010-х годов по опросам критиков. В 2010 году появилась первая женщина, получившая премию «Лучший режиссер» в истории «Оскара».Фильм Кэтрин Бигелоу « Повелитель бури» получил шесть наград. [131] В 2020 году «Паразит» стал первым неанглоязычным фильмом, получившим премию «Оскар» за лучший фильм .
Пандемия COVID-19 привела к закрытию кинотеатров по всему миру в ответ на карантин. Многие фильмы, выпуск которых запланирован на начало 2020-х годов, столкнулись с задержками в разработке, производстве и распространении, а другие были выпущены на потоковых сервисах практически без кинотеатрального окна. Эта эпоха стала свидетелем глубокой трансформации в том, как фильмы производятся, распространяются и потребляются во всем мире. Пандемия привела к быстрому ускорению перехода к потоковому вещанию как основному средству кинопроката. Киноиндустрия адаптировала и выпустила заметные произведения, отразившие меняющуюся динамику эпохи.
{{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка ){{cite book}}: CS1 maint: несколько имен: список авторов ( ссылка )