stringtranslate.com

Барокко

Барокко ( Великобритания : / b ə ˈ r ɒ k / , США : /- ˈ r oʊ k / ; французский: [ baʁɔk] ) или барокизм [1] — западный стиль архитектуры , музыки , танца , живописи , скульптуры , поэзия и другие виды искусства, процветавшие с начала 17 века до 1750-х годов. [2] Он следовал за искусством эпохи Возрождения и маньеризмом и предшествовал стилям рококо (в прошлом часто называемому «поздним барокко») и неоклассическому стилям. Католическая церковь поощряла его как средство противодействия простоте и строгости протестантской архитектуры, искусства и музыки, хотя искусство лютеранского барокко также развивалось в некоторых частях Европы. [3]

Стиль барокко использовал контраст, движение, яркие детали, глубокие цвета, величие и удивление, чтобы вызвать чувство трепета. Этот стиль зародился в начале 17 века в Риме, затем быстро распространился на остальную часть Италии, Франции, Испании и Португалии, а затем в Австрию, южную Германию и Польшу. К 1730-м годам он превратился в еще более яркий стиль, названный рокайль или рококо , который появлялся во Франции и Центральной Европе до середины-конца 18 века. На территориях Испанской и Португальской империй, включая Пиренейский полуостров, он продолжался вместе с новыми стилями до первого десятилетия XIX века.

В декоративном искусстве этот стиль использует обильные и замысловатые орнаменты. Отход от ренессансного классицизма в каждой стране идет по-своему. Но общая особенность состоит в том, что везде исходной точкой являются элементы орнамента, привнесенные эпохой Возрождения . Классический репертуар переполнен, плотен, перекликается, загружен, чтобы вызвать шоковый эффект. Новые мотивы, представленные барокко: картуш , трофеи и оружие, корзины с фруктами или цветами и другие, выполненные в маркетри , лепнине или резные. [4]

Происхождение слова

Подвеска в виде сирены , изготовленная из барочной жемчужины (торс) с эмалированной золотой оправой, украшенной рубинами, вероятно, около 1860 года, в Метрополитен-музее (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк).

Английское слово «барокко» происходит непосредственно от французского языка . Некоторые учёные утверждают, что французское слово произошло от португальского термина barroco «испорченная жемчужина», указывая на латинское verruca «бородавка» [5] или на слово с романским суффиксом — ƒccu (распространённое в доримской Иберии ). [6] [7] Другие источники предполагают, что средневековый латинский термин, используемый в логике, baroco , является наиболее вероятным источником. [8]

В XVI веке средневековое латинское слово baroco вышло за рамки схоластической логики и стало использоваться для обозначения всего, что казалось абсурдно сложным. Французский философ Мишель де Монтень (1533–1592) помог придать термину «бароко» (написанному им «Барроко ») значение «причудливый, бесполезно сложный». [9] Другие ранние источники связывают бароко с магией, сложностью, путаницей и избытком. [8]

Слово «барокко» также ассоциировалось с жемчугом неправильной формы до 18 века. Термины «французское барокко» и «португальское барокко» часто ассоциировались с ювелирными изделиями. В примере 1531 года этот термин используется для описания жемчуга в описи сокровищ Франции Карла V. [10] Позже это слово появляется в издании Le Dictionnaire de l'Académie Française 1694 года , в котором барокко описывается как «используемое только для жемчуга неправильной круглой формы». [11] Португальский словарь 1728 года аналогичным образом описывает барроко как «грубую и неровную жемчужину». [12]

Альтернативное происхождение слова «барокко» указывает на имя итальянского художника Федерико Бароччи (1528–1612). [13]

В 18 веке этот термин стали использовать для описания музыки, причем не в лестном смысле. В анонимной сатирической рецензии на премьеру оперы Жана-Филиппа Рамо « Ипполит и Арисия» в октябре 1733 года, которая была напечатана в « Меркурий де Франс» в мае 1734 года, критик писал, что новизной в этой опере было « дю барокко », жалуясь что музыка лишена связной мелодичности, не жалеет диссонансов, постоянно меняет тональность и размер и быстро проходит через все композиционные приемы. [14]

В 1762 году Le Dictionnaire de l'Académie Française записал, что этот термин может образно описывать что-то «неправильное, причудливое или неравное». [15]

Жан-Жак Руссо , который был музыкантом и композитором, а также философом, писал в « Энциклопедии» в 1768 году: «Музыка барокко — это та музыка, в которой гармония запутана и наполнена модуляциями и диссонансами. Пение резкое и неестественное, интонация трудная, а движения ограниченные. Судя по всему, этот термин происходит от слова «бароко», используемого логиками». [9] [16]

В 1788 году Катремер де Куинси определил этот термин в « Методической энциклопедии» как «архитектурный стиль, который сильно украшен и измучен». [17]

Французские термины «стиль барокко» и «музыкальное барокко» появились в словаре Французской академии в 1835 году . [18] К середине 19 века искусствоведы и историки приняли термин « барокко» как способ высмеивать постренессансное искусство. В таком смысле это слово использовалось в 1855 году ведущим историком искусства Якобом Буркхардтом , который писал, что художники барокко «презирали детали и злоупотребляли ими», потому что им не хватало «уважения к традициям». [19]

В 1888 году историк искусства Генрих Вельфлин опубликовал первую серьезную академическую работу о стиле « Ренессанс и барокко» , в которой описал различия между живописью, скульптурой и архитектурой эпохи Возрождения и барокко. [20]

Архитектура: истоки и характеристики

Квадратура или тромпельный потолок церкви Джезу в Риме, работа Джованни Баттиста Гаулли , 1673-1678 гг. [21]

Стиль архитектуры барокко стал результатом доктрин, принятых католической церковью на Тридентском соборе в 1545–1563 годах в ответ на протестантскую Реформацию . Первая фаза Контрреформации наложила строгий академический стиль на религиозную архитектуру, которая нравилась интеллектуалам, но не массам прихожан. Вместо этого Совет Трента решил обратиться к более популярной аудитории и заявил, что искусство должно передавать религиозные темы с прямым и эмоциональным участием. [22] [23] Точно так же искусство лютеранского барокко развивалось как конфессиональный маркер идентичности в ответ на Великое иконоборчество кальвинистов . [24]

Церкви в стиле барокко были спроектированы с большим центральным пространством, где прихожане могли находиться рядом с алтарем, с куполом или куполом высоко над головой, позволяющим свету освещать церковь внизу. Купол был одной из центральных символических особенностей архитектуры барокко, иллюстрирующей союз неба и земли. Внутренняя часть купола была щедро украшена картинами с изображением ангелов и святых, а также лепными статуэтками ангелов, создавая у тех, кто внизу, впечатление, будто они смотрят на небо. [25] Еще одной особенностью церквей в стиле барокко являются квадратура ; Картины-тромплей на потолке в лепных рамах, настоящие или нарисованные, переполненные картинами святых и ангелов и соединенные архитектурными деталями с балюстрадами и консолями. Квадратурные картины Атлантов под карнизами, кажется, поддерживают потолок церкви. В отличие от расписных потолков Микеланджело в Сикстинской капелле , в которых сочетались разные сцены, каждая со своей собственной перспективой, которые нужно было рассматривать поочередно, росписи потолка в стиле барокко были тщательно созданы так, чтобы зритель на полу церкви мог видеть весь потолок в правильной перспективе, как если бы фигуры были реальными.

Интерьеры церквей в стиле барокко в эпоху высокого барокко становились все более богато украшенными и сосредоточивались вокруг алтаря, обычно размещаемого под куполом. Самыми знаменитыми декоративными произведениями высокого барокко являются Стул Святого Петра (1647–1653) и Балдачин Святого Петра (1623–1634), оба работы Джана Лоренцо Бернини , в базилике Святого Петра в Риме. Балдекен Святого Петра — пример баланса противоположностей в искусстве барокко; гигантские размеры произведения при кажущейся легкости купола; и контраст между массивными витыми колоннами из бронзы, золота и мрамора и струящимися драпировками ангелов на балдахине. [26] Дрезденская Фрауэнкирхе служит выдающимся примером искусства лютеранского барокко, строительство которого было завершено в 1743 году по заказу лютеранского городского совета Дрездена и «сравнивалось наблюдателями восемнадцатого века с собором Святого Петра в Риме». [3]

Витая колонна в интерьере церквей – одна из характерных особенностей барокко. Это дает не только ощущение движения, но и совершенно новый способ отражения света.

Еще одной характерной чертой декора барокко был картуш . Это были большие таблички, вырезанные из мрамора или камня, обычно овальной формы и с закругленной поверхностью, на которых были изображены или тексты позолоченными буквами, и размещались в качестве внутреннего украшения или над дверными проемами зданий, передавая послания тем, кто находился внизу. Они продемонстрировали большое разнообразие изобретений и были найдены во всех типах зданий, от соборов и дворцов до небольших часовен. [27]

Архитекторы барокко иногда использовали принудительную перспективу для создания иллюзий. Для Палаццо Спада в Риме Борромини использовал колонны уменьшающегося размера, сужающийся пол и миниатюрную статую в саду за ним, чтобы создать иллюзию длины коридора в тридцать метров, хотя на самом деле его длина составляла всего семь метров. Статуя в конце прохода кажется в натуральную величину, хотя ее высота всего шестьдесят сантиметров. Борромини создал иллюзию с помощью математика.

Итальянское Барокко

Первым зданием в Риме с фасадом в стиле барокко была церковь Джезу, построенная в 1584 году; по стандартам позднего барокко он был простым, но ознаменовал разрыв с предшествовавшими ему традиционными фасадами эпохи Возрождения. Интерьер этой церкви оставался очень строгим вплоть до эпохи высокого барокко, когда она была богато украшена.

В Риме в 1605 году Павел V стал первым из серии пап , которые заказали базилики и церковные здания, призванные вызывать эмоции и трепет благодаря разнообразию форм, богатству красок и драматических эффектов. [32] Среди наиболее влиятельных памятников раннего барокко был фасад базилики Святого Петра (1606–1619), а также новый неф и лоджия, которые соединяли фасад с куполом Микеланджело в более ранней церкви. Новый дизайн создал резкий контраст между высоким куполом и непропорционально широким фасадом, а также контраст на самом фасаде между дорическими колоннами и огромной массой портика. [33]

В середине-конце 17 века этот стиль достиг своего расцвета, позже названного высоким барокко. Многие монументальные произведения были заказаны Папами Урбаном VIII и Александром VII . Скульптор и архитектор Джан Лоренцо Бернини спроектировал новую четверную колоннаду вокруг площади Святого Петра (1656–1667 гг.). Три галереи колонн в гигантском эллипсе уравновешивают огромный купол и придают церкви и квадрату единство и ощущение гигантского театра. [34]

Другим крупным новатором итальянского высокого барокко был Франческо Борромини , чьей основной работой была церковь Сан-Карло алле Кваттро Фонтане или Святого Карла Четырех Фонтанов (1634–1646). Ощущение движения придает не декор, а сами стены, которые имеют волнообразную форму, а также вогнутые и выпуклые элементы, в том числе овальную башню и балкон, вставленные в вогнутый траверс. Интерьер был столь же революционным; Основное пространство церкви было овальным, под овальным куполом. [34]

Расписные потолки, наполненные ангелами и святыми, а также архитектурными эффектами в стиле тромпель, были важной особенностью итальянского высокого барокко. Среди основных работ - «Введение святого Игнатия в рай» Андреа Поццо (1685–1695) в церкви святого Игнатия в Риме и « Триумф имени Иисуса» Джованни Баттисты Гаулли в церкви Джезу в Риме (1669–1669). 1683), в котором фигуры выходили из рамы картины, драматическое косое освещение и контрасты света и тьмы. [35]

Стиль быстро распространился из Рима в другие регионы Италии: он появился в Венеции в церкви Санта-Мария-делла-Салюте (1631–1687) Бальдассаре Лонгена , весьма оригинальной восьмиугольной формы, увенчанной огромным куполом . Он появился также в Турине , особенно в Часовне Святой Плащаницы (1668–1694) Гуарино Гуарини . Этот стиль стал использоваться и во дворцах; Гуарини спроектировал Палаццо Кариньяно в Турине, а Лонгена спроектировал Ка'Реццонико на Большом канале (1657 г.), законченный Джорджо Массари и украшенный картинами Джованни Баттисты Тьеполо . [36] Серия сильных землетрясений на Сицилии потребовала восстановления большинства из них, а некоторые были построены в буйном стиле позднего барокко или рококо .

Испанское Барокко

Католическая церковь в Испании, и особенно иезуиты , были движущей силой испанской архитектуры барокко. Первой крупной работой в этом стиле была часовня Сан-Исидро в Мадриде , начатая в 1643 году Педро де ла Торре . Чрезвычайное богатство орнамента снаружи контрастировало с простотой интерьера, разделенного на несколько пространств и использующего световые эффекты для создания ощущения тайны. [39] Собор в Сантьяго-де-Компостела был модернизирован с помощью ряда пристроек в стиле барокко, начиная с конца 17 века, начиная с богато украшенной колокольни (1680 г.), а затем по бокам двух еще более высоких и богато украшенных башен, называемых Обрадорио , добавленный между 1738 и 1750 годами Фернандо де Касас Новоа . Еще одной достопримечательностью испанского барокко является башня-часовня дворца Сан-Тельмо в Севилье работы Леонардо де Фигероа . [40]

Гранада была отвоевана у мавров только в 15 веке и имела свою особую разновидность барокко. Художник, скульптор и архитектор Алонсо Кано спроектировал интерьер Гранадского собора в стиле барокко между 1652 годом и своей смертью в 1657 году. Он отличается резким контрастом массивных белых колонн и золотого декора.

Самая орнаментальная и богато украшенная архитектура испанского барокко называется стилем Чурригереско , названным в честь братьев Чурригера , которые работали в основном в Саламанке и Мадриде. Среди их работ - здания на главной площади города, Пласа-Майор Саламанки (1729 г.). [40] Этот очень декоративный стиль барокко оказал влияние на многие церкви и соборы, построенные испанцами в Америке.

Среди других известных испанских архитекторов эпохи позднего барокко — Педро де Рибера , ученик Чурригеры, спроектировавший Королевский хоспис Сан-Фернандо в Мадриде, и Нарцисо Томе , спроектировавший знаменитый алтарь Эль Прозрачный в соборе Толедо (1729–1732), который при определенном освещении создает иллюзию плавания вверх. [40]

Архитекторы испанского барокко оказали влияние далеко за пределы Испании; их работа имела большое влияние на церкви, построенные в испанских колониях в Латинской Америке и на Филиппинах. Хорошим примером является церковь, построенная иезуитами для колледжа в Тепоцотлане , с ее богато украшенным фасадом и башней в стиле барокко. [41]

Центральная Европа

С 1680 по 1750 год в Центральной Европе, в Баварии, Австрии, Богемии и юго-западной Польше было построено множество богато украшенных соборов, аббатств и паломнических церквей . Некоторые из них были выполнены в стиле рококо , отчетливом, более ярком и асимметричном стиле, который возник из барокко, затем заменил его в Центральной Европе в первой половине 18 века, пока он, в свою очередь, не был заменен классицизмом. [48]

Князья многих государств этого региона также выбирали барокко или рококо для своих дворцов и резиденций и часто использовали для их строительства архитекторов, получивших итальянское образование. [49] Среди известных архитекторов были Иоганн Фишер фон Эрлах, Лукас фон Хильдебрандт и Доминикус Циммерманн в Баварии, Бальтазар Нойман в Брюле и Маттеус Даниэль Пёппельман в Дрездене. В Пруссии Фридрих II Прусский был вдохновлен Большим Трианоном Версальского дворца и использовал его в качестве модели для своей летней резиденции Сан-Суси в Потсдаме , спроектированной для него Георгом Венцеславом фон Кнобельсдорфом (1745–1747). Еще одно произведение дворцовой архитектуры в стиле барокко — Цвингер в Дрездене , бывшая оранжерея дворца герцогов Саксонских XVIII века.

Одним из лучших примеров церкви в стиле рококо является Базилика Vierzehnheiligen, или Базилика Четырнадцати Святых Помощников , паломническая церковь, расположенная недалеко от города Бад-Штаффельштайн недалеко от Бамберга, в Баварии , на юге Германии. Базилика была спроектирована Бальтазаром Нойманом и построена между 1743 и 1772 годами. Ее план представляет собой серию переплетающихся кругов вокруг центрального овала с алтарем, расположенным точно в центре церкви. Интерьер этой церкви иллюстрирует вершину декора в стиле рококо. [50] Еще одним ярким примером стиля является Паломническая церковь Виса ( нем . Wieskirche ). Его спроектировали братья Й.Б. и Доминикус Циммерманны . Он расположен в предгорьях Альп , в коммуне Штайнгаден в округе Вайльхайм-Шонгау , Бавария , Германия . Строительство велось между 1745 и 1754 годами, а интерьер был украшен фресками и лепниной в традициях школы Вессобраннера . Сейчас это объект Всемирного наследия ЮНЕСКО .

Другой примечательный пример — церковь Святого Николая (Мала Страна) в Праге (1704–1755), построенная Кристофом Динценхофером и его сыном Килианом Игнацем Динценхофером . Украшение покрывает все стены внутри церкви. Алтарь расположен в нефе под центральным куполом и окружен часовнями, свет падает с верхнего купола и из окружающих часовен. Алтарь целиком окружен арками, колоннами, изогнутыми балюстрадами и пилястрами из цветного камня, богато украшенными скульптурой, создающей нарочитую путаницу между реальной архитектурой и убранством. Архитектура превращается в театр света, цвета и движения. [26]

В Польше польское барокко в итальянском стиле продолжалось с начала 17 до середины 18 века и подчеркивало богатство деталей и цветов. Первым зданием в стиле барокко в современной Польше и, вероятно, одним из самых узнаваемых является церковь Св. Петра и Павла в Кракове , спроектированная Джованни Баттистой Тревано . Колонна Сигизмунда в Варшаве , возведенная в 1644 году, стала первым в мире светским памятником в стиле барокко, построенным в форме колонны. [51] Роскошный стиль резиденции был проиллюстрирован Вилянувским дворцом , построенным между 1677 и 1696 годами. [52] Самым известным архитектором в стиле барокко, работавшим в Польше, был голландец Тильман ван Гамерен , и его известные работы включают варшавскую церковь Св. Казимежа и дворец Красиньских , Собор Святой Анны в Кракове и дворец Браницких в Белостоке . [53] Однако самой знаменитой работой польского барокко является церковь Фара в Познани , детали которой выполнены Помпео Феррари . После Тридцатилетней войны по соглашениям Вестфальского мира были построены два уникальных глинобитных сооружения в стиле барокко: Церковь Мира в Яворе , Церковь Мира Святой Троицы в Свиднице, крупнейший деревянный храм в стиле барокко в Европе.

Французское Барокко

Барокко во Франции развивалось совершенно иначе, чем богато украшенные и драматические местные версии барокко из Италии, Испании и остальной Европы. По сравнению с ним он кажется суровым, более отстраненным и сдержанным, вытесняя неоклассицизм и архитектуру Просвещения . В отличие от итальянских зданий, здания французского барокко не имеют ломаных фронтонов и криволинейных фасадов. Даже религиозные здания избегали интенсивной пространственной драмы, которую можно обнаружить в работах Борромини . Стиль тесно связан с произведениями, построенными для Людовика XIV (годы правления 1643–1715), и из-за этого он также известен как стиль Людовика XIV . Людовик XIV пригласил мастера барокко Бернини представить проект нового крыла Лувра, но отверг его в пользу более классического дизайна Клода Перро и Луи Ле Вау . [65] [66]

Основными архитекторами стиля были Франсуа Мансар (1598–1666), Пьер Ле Мюэ (церковь Валь-де-Грас , 1645–1665) и Луи Ле Вау ( Во-ле-Виконт , 1657–1661). Мансар был первым архитектором, который ввел во французский архитектурный словарь стиль барокко, в основном частое использование прикладного ордера и тяжелой рустовки . Мансарда не была изобретена Мансаром, но она стала ассоциироваться с ним, так как он часто ею пользовался . [67]

Главным королевским проектом того периода было расширение Версальского дворца , начатое в 1661 году Ле Вау с украшением художника Шарля Ле Брюна . Сады были спроектированы Андре Ленотром специально для того, чтобы дополнить и усилить архитектуру. Галерея де Глас (Зеркальный зал), центральная часть замка, с картинами Ле Брюна, была построена между 1678 и 1686 годами. Мансар завершил Большой Трианон в 1687 году. Часовня, спроектированная де Коттом, была завершена в 1710 году. После смерти Людовика XIV Людовик XV добавил к нему более уютный Малый Трианон и богато украшенный театр. Фонтаны в садах были спроектированы так, чтобы их можно было видеть изнутри и придавать драматический эффект. Дворцом восхищались и копировали его другие монархи Европы, особенно Петр Великий из России, который посетил Версаль в начале правления Людовика XV и построил свою собственную версию в Петергофском дворце недалеко от Санкт-Петербурга между 1705 и 1725 годами .

Португальское барокко

Архитектура барокко в Португалии просуществовала около двух столетий (конец XVII и XVIII веков). Во времена правления Иоанна V и Иосифа I увеличился импорт золота и алмазов в период, называемый королевским абсолютизмом, который позволил процветать португальскому барокко.

Архитектура барокко в Португалии находится в особой ситуации и отличается от остальной Европы.

Оно обусловлено несколькими политическими, художественными и экономическими факторами, которые порождают несколько фаз, а также различными видами внешних влияний, в результате чего получается уникальное сочетание, [73] которое часто неправильно понимается теми, кто ищет итальянское искусство, вместо этого находя конкретные формы и характер, которые придайте ему уникальный португальский сорт. Другим ключевым фактором является существование иезуитской архитектуры, также называемой «простым стилем» (Estilo Chão или Estilo Plano) [74] , которая, как следует из названия, более проста и выглядит несколько строгой.

Постройки представляют собой однокомнатные базилики, глубокую главную капеллу, боковые капеллы (с небольшими дверями для сообщения), без внутреннего и наружного убранства, с простым порталом и окнами. Это практичное здание, позволяющее строить его по всей империи с небольшими изменениями и готовить к украшению позже или при наличии экономических ресурсов.

Фактически, первое португальское барокко не лишено строительства, потому что «простой стиль» легко трансформировать с помощью декора (живопись, плитка и т. д.), превращая пустые пространства в помпезные, сложные сценарии барокко. То же самое можно применить и к экстерьеру. Впоследствии здание легко адаптировать к вкусу времени и места и добавить новые функции и детали. Практичный и экономичный.

С большим количеством жителей и лучшими экономическими ресурсами, на севере, особенно в районах Порту и Браги , [75] [76] [77] произошло архитектурное обновление, заметное в большом списке церквей, монастырей и дворцов, построенных аристократией.

Порту – город барокко в Португалии. Его исторический центр входит в список Всемирного наследия ЮНЕСКО . [78]

Многие из работ в стиле барокко в историческом районе города и за его пределами принадлежат Николау Насони , итальянскому архитектору, живущему в Португалии, рисующему оригинальные здания со сценографическими элементами, такие как церковь и башня Клеригуш , [79] лоджия собора Порту. , церковь Мизерикордия, дворец Сан-Жуан-Ново , [80] дворец Фрейшу , [81] Епископальный дворец ( португальский : Paço Episcopal do Porto ) [82] и многие другие.

Русское Барокко

Дебют русского барокко, или петровского барокко , последовал за длительным визитом Петра Великого в Западную Европу в 1697–1698 годах, где он посетил замки Фонтенбло и Версаль, а также другие архитектурные памятники. По возвращении в Россию он решил построить аналогичные памятники в Санкт-Петербурге , который стал новой столицей России в 1712 году. Ранние крупные памятники петровского барокко включают Петропавловский собор и Меншиковский дворец .

В годы правления императрицы Анны и Елизаветы Петровны в русской архитектуре господствовал роскошный стиль барокко итальянца Бартоломео Растрелли , переросший в елизаветинское барокко . Знаковыми зданиями Растрелли являются Зимний дворец , Екатерининский дворец и Смольный собор . Другими отличительными памятниками елизаветинского барокко являются колокольня Троице -Сергиевой лавры и Красные ворота . [86]

В Москве получило широкое распространение нарышкинское барокко , особенно в архитектуре православных храмов конца 17 века. Это было сочетание западноевропейского барокко с традиционными русскими народными стилями.

Барокко в испанской и португальской колониальной Америке

В связи с колонизацией Америки европейскими странами барокко естественным образом переместилось в Новый Свет , найдя особенно благоприятную почву в регионах, где доминировали Испания и Португалия, причем обе страны представляли собой централизованные и непреодолимо католические монархии, в более широком смысле подчинявшиеся Риму и приверженцам наиболее типичен контрреформатор в стиле барокко . Европейские художники мигрировали в Америку и учились в школе, и наряду с широким распространением католических миссионеров , многие из которых были опытными художниками, создали многообразное барокко, часто под влиянием народных вкусов. Криолло и местные ремесленники многое сделали , чтобы придать этому барокко уникальные черты. Основными центрами культивирования американского барокко, которые сохранились до сих пор, являются (в этом порядке) Мексика , Перу , Бразилия , Куба , Эквадор , Колумбия , Боливия , Гватемала , Никарагуа , Пуэрто-Рико и Панама .

Особо следует отметить так называемое «миссионерское барокко», разработанное в рамках испанского сокращения территорий, простирающихся от Мексики и юго-западных частей современных Соединенных Штатов до юга, вплоть до Аргентины и Чили, поселений коренных народов, организованных испанскими католиками. миссионеры, чтобы обратить их в христианскую веру и приобщить их к западной жизни, сформировав гибридное барокко под влиянием местной культуры, где процветали Криоллос и многие местные ремесленники и музыканты, даже грамотные, некоторые из которых обладали большими способностями и талантом. В отчетах миссионеров часто повторяется, что западное искусство, особенно музыка, оказывало гипнотическое воздействие на лесников, а изображения святых считались обладающими великой силой. Многие туземцы были обращены, и была создана новая форма поклонения, страстная и интенсивная, наполненная мистикой, суевериями и театральностью, которая доставляла удовольствие праздничным мессам, священным концертам и мистериям. [94] [95]

Колониальная архитектура барокко в испанской Америке характеризуется обильным декором (портал церкви Ла Професа , Мехико ; фасады покрыты азулехо в стиле Пуэбла , как в церкви Сан-Франциско Акатепек в Сан-Андрес-Чолула и монастырской церкви Сан-Франциско). Пуэбла ), который будет усугублен в так называемом стиле чурригереско (Фасад Скинии собора Мехико , работа Лоренцо Родригеса; церковь Сан-Франциско Хавьера, Тепоцотлан ; церковь Санта-Приска- де - Таско ). В Перу постройки в основном развивались в городах Лима , Куско , Арекипа и Трухильо , начиная с 1650 года, и демонстрируют оригинальные характеристики, которые переходят даже к европейскому барокко, например, в использовании мягких стен и соломоновых колонн ( Церковь Ла Компаньиа де Хесус , Куско ; Базилика и монастырь Сан-Франциско , Лима ). [96] Другие страны включают: Кафедральный собор Сукре в Боливии ; Соборная базилика Эскипулас в Гватемале ; Собор Тегусигальпы в Гондурасе ; Леонский собор в Никарагуа ; Церковь Ла Компаньиа де Хесус в Кито , Эквадор ; церковь Сан-Игнасио в Боготе , Колумбия ; Кафедральный собор Каракаса в Венесуэле ; Кабильдо Буэнос-Айреса в Аргентине ; церковь Санто-Доминго в Сантьяго , Чили ; и Гаванский собор на Кубе . Стоит также вспомнить о качестве церквей испанских иезуитских миссий в Боливии , испанских иезуитских миссий в Парагвае , испанских миссий в Мексике и испанских францисканских миссий в Калифорнии . [97]

В Бразилии , как и в мегаполисе Португалии , архитектура имеет определенное итальянское влияние , обычно борроминского типа, что можно увидеть в соборе Ресифи (1784 г.) и церкви Носа-Сеньора-да-Глория-ду-Оутейру в Рио-де- Жанейро (1739 г.). В районе Минас-Жерайс выделена работа Алейхадиньо , автора группы церквей, выделяющихся изогнутой планиметрией, фасадами с вогнуто-выпуклыми динамическими эффектами и пластической обработкой всех архитектурных элементов ( церковь Сан-Франсиско-де-Ассис в Ору-Прету , 1765–1788).

Барокко в испанской и португальской колониальной Азии

В португальских колониях Индии ( Гоа , Даман и Диу ) процветал архитектурный стиль форм барокко, смешанный с индуистскими элементами, например собор Гоа и базилика Бом-Иисуса Гоа, в которой находится гробница святого Франциска Ксавьера . В 1986 году комплекс церквей и монастырей Гоа был объявлен объектом Всемирного наследия .

На Филиппинах , которые более трех столетий были испанской колонией, сохранилось большое количество построек в стиле барокко . Четыре из них, а также город Виган в стиле барокко и неоклассицизма являются объектами Всемирного наследия ЮНЕСКО ; и хотя у них нет формальной классификации, город-крепость Манила вместе с городом Таябас содержат значительную часть архитектуры эпохи испанского барокко.

Отголоски в Валахии и Молдавии

Как мы видели, барокко – это западный стиль, зародившийся в Италии. Благодаря торговым и культурным связям итальянцев со странами Балканского полуострова , включая Молдавию и Валахию , влияние барокко проникает в Восточную Европу. Эти влияния были не очень сильными, так как они обычно имеют место в архитектуре и каменных скульптурных орнаментах, а также интенсивно смешиваются с деталями, взятыми из византийского и исламского искусства .

До и после падения Византийской империи все искусство Валахии и Молдавии находилось преимущественно под влиянием константинопольского искусства . До конца 16 века с небольшими изменениями планы церквей и монастырей, фрески и орнаменты, высеченные на камне, остаются такими же, как и раньше. Начиная с периода правления Матея Басараба (1632-1654) и Василе Лупу (1634-1653), который совпадает с популяризацией итальянского барокко, добавляются новые орнаменты, меняется стиль религиозной мебели. Это вовсе не случайно. Декоративные элементы и принципы привозятся из Италии, через Венецию или регионы Далмации и перенимаются архитекторами и мастерами с востока. Оконные и дверные рамы, самоотверженные писания , надгробия, колонны и перила, а также часть бронзовой, серебряной или деревянной мебели получают более важную роль, чем та, которую они имели раньше. Они существовали и раньше, вдохновленные византийской традицией, но имеют более реалистичный вид, демонстрируя нежные цветочные мотивы. Рельеф , существовавший и раньше, становится более подчеркнутым, обретая теперь объем и последовательность. До этого периода рельефы Валахии и Молдавии, как и рельефы Востока, имели только два уровня, на небольшом расстоянии друг от друга: один на поверхности, другой в глубине. Большие цветы, может быть, розы , пионы или чертополох , толстые листья аканта или другого подобного растения вьются на колоннах или окружают двери и окна. Местом, где барокко оказало сильное влияние, являются колонны и перила . Капители более украшены листвой, чем раньше. Колонны часто имеют извилистые валы, что является местной интерпретацией Соломоновой колонны . Между этими колоннами помещены максималистские перила, украшенные ринсо . Некоторые из дворцов Могошоая также украшены дельфинами. Картуши также иногда используются, в основном на надгробиях, как, например, на надгробии Константина Брынковяну . Это движение известно как стиль Брынковенеск , в честь Константина Брынковяну, правителя Валахии, чье правление (1654-1714) тесно связано с этим видом архитектуры и дизайна. Этот стиль также присутствует в 18 веке и частично в 19 веке. Многие церкви и резиденции, построенные боярами и воеводами.из этих периодов – Брынковенеск. Хотя влияние барокко явно прослеживается, стиль Бранковенеск гораздо больше вдохновлен местными традициями.

По прошествии 18 века, когда фанариоты (члены известных греческих семей Фанара , Стамбул ) царили в Валахии и Молдавии, влияние барокко пришло и из Стамбула. Они появились и раньше, в 17 веке, но с фанариотами больше мотивов западного барокко, пришедших в Османскую империю, получили свой конечный пункт назначения в современной Румынии. В Молдавию элементы барокко также пришли из России, где было сильно влияние итальянского искусства. [102]

Рисование

Художники эпохи барокко сознательно работали над тем, чтобы выделиться среди художников эпохи Возрождения и периода маньеризма после него. В своей палитре они использовали насыщенные и теплые цвета, в частности, основные цвета : красный, синий и желтый, часто помещая все три в непосредственной близости. [112] Они избегали равномерного освещения живописи эпохи Возрождения и использовали сильные контрасты света и тьмы в определенных частях картины, чтобы привлечь внимание к центральным действиям или фигурам. В своих композициях они избегали спокойных сцен картин эпохи Возрождения, а выбирали моменты величайшего движения и драматизма. В отличие от спокойных лиц на картинах эпохи Возрождения, лица на картинах в стиле барокко ясно выражали свои эмоции. Они часто использовали асимметрию, когда действие происходит вдали от центра изображения, и создавали оси, которые не были ни вертикальными, ни горизонтальными, а были наклонены влево или вправо, создавая ощущение нестабильности и движения. Они усилили это впечатление движения, заставив костюмы персонажей развеваться на ветру или перемещаться под действием их собственных жестов. Общие впечатления - движение, эмоции и драма. [113] Еще одним важным элементом живописи барокко была аллегория; каждая картина рассказывала историю и содержала послание, часто зашифрованное символами и аллегорическими персонажами, которые образованный зритель должен был знать и читать. [114]

Ранние свидетельства идей итальянского барокко в живописи произошли в Болонье, где Аннибале Карраччи , Агостино Карраччи и Людовико Карраччи стремились вернуть изобразительное искусство упорядоченному классицизму эпохи Возрождения. Однако их искусство также включало в себя идеи, центральные для Контрреформации; они включали сильные эмоции и религиозные образы, которые больше обращались к сердцу, чем к интеллекту. [115]

Другим влиятельным художником эпохи барокко был Микеланджело Меризи да Караваджо . Его реалистический подход к человеческой фигуре, написанной прямо с натуры и резко освещенной на темном фоне, потряс современников и открыл новую главу в истории живописи. Среди других крупных художников, тесно связанных со стилем барокко, — Артемизия Джентилески , Элизабетта Сирани , Джованна Гарцони , Гвидо Рени , Доменикино , Андреа Поццо и Паоло де Маттейс в Италии; Франсиско де Сурбаран , Бартоломе Эстебан Мурильо и Диего Веласкес в Испании; Адам Эльшаймер в Германии; и Николя Пуссен и Жорж де Латур во Франции (хотя Пуссен провел большую часть своей трудовой жизни в Италии). Пуссен и Ла Тур приняли «классический» стиль барокко с меньшим акцентом на эмоциях и большим вниманием к линиям фигур на картине, чем к цвету.

Питер Пауль Рубенс был самым выдающимся художником фламандского стиля барокко . Яркие композиции Рубенса отсылают к ученым аспектам классической и христианской истории. Его уникальный и чрезвычайно популярный стиль барокко подчеркивал движение, цвет и чувственность, которые следовали непосредственному, драматическому художественному стилю, пропагандируемому в эпоху Контрреформации . Рубенс специализировался на создании запрестольных образов, портретов, пейзажей и исторических картин на мифологические и аллегорические сюжеты.

Одной из важных областей живописи в стиле барокко была квадратура , или картины в стиле тромплёй , которые буквально «обманули глаз». Их обычно рисовали на лепнине потолков или верхних стен и балюстрад, и у тех, кто находился на земле и смотрел вверх, создавалось впечатление, что они видят небеса, населенные толпами ангелов, святых и других небесных фигур, на фоне раскрашенного неба и воображаемая архитектура. [48]

В Италии художники часто сотрудничали с архитекторами при оформлении интерьера; Пьетро да Кортона был одним из художников 17 века, использовавших этот иллюзионистский способ живописи. Среди его наиболее важных заказов были фрески, которые он написал для дворца семьи Барберини (1633–39), чтобы прославить правление Папы Урбана VIII . Композиции Пьетро да Кортона были крупнейшими декоративными фресками, выполненными в Риме со времен работы Микеланджело в Сикстинской капелле . [116]

Франсуа Буше был важной фигурой в более изысканном французском стиле рококо, который появился в период позднего барокко. Он создавал гобелены, ковры и театральные декорации, а также рисовал. Его работы пользовались огромной популярностью у мадам Помпадур , фаворитки короля Людовика XV . В его картинах представлены мифолого-романтические и слегка эротические темы. [117]

Испаноязычная Америка

Пример боливийской живописи (часть школы Куско ): Ангел-аркебузир ; Мастером Каламарки ; 17 век

В Латинской Америке первое влияние оказал севильский тенебризм , в основном Сурбаран , некоторые из работ которого до сих пор сохранились в Мексике и Перу , как это можно увидеть в работах мексиканцев Хосе Хуареса и Себастьяна Лопеса де Артеаги, а также боливийского Мельчор Перес де Ольгин. Школа живописи Куско возникла после прибытия в 1583 году итальянского художника Бернардо Битти , который представил маньеризм в Америке. На нем было освещено творчество Луиса де Рианьо , ученика итальянца Анджелино Медоро , автора фресок церкви Сан-Педро-ди- Андауайлильяс . Он также выделил индийских художников ( кечуа ) Диего Киспе Тито и Базилио Санта-Крус Пумакальяо , а также Маркоса Сапату , автора пятидесяти больших полотен, украшающих высокие арки собора Куско . В Эквадоре была сформирована Школа Кито , представленная главным образом метисом Мигелем де Сантьяго и криолло Николасом Хавьером де Горибаром.

В 18 веке скульптурные алтари начали заменяться картинами, что особенно способствовало развитию живописи барокко в Америке. Точно так же рос спрос на строительные работы, в основном на портреты аристократических классов и церковной иерархии. Основное влияние оказал Мурильеск , а в некоторых случаях – как в криолло Кристобаля де Вильяльпандо – Вальдес Леаль . Живопись этой эпохи имеет более сентиментальный тон, с нежными и мягкими формами. В нем выделяются Грегорио Васкес де Арсе в Колумбии , а также Хуан Родригес Хуарес и Мигель Кабрера в Мексике .

Скульптура

Доминирующей фигурой в скульптуре барокко был Джан Лоренцо Бернини . Под патронажем Папы Урбана VIII он создал замечательную серию монументальных статуй святых и фигур, лица и жесты которых ярко выражали их эмоции, а также портретные бюсты исключительного реализма и высокодекоративные произведения для Ватикана, такие как внушительный Кресло . Святого Петра под куполом базилики Святого Петра . Кроме того, он спроектировал фонтаны с монументальными скульптурными группами для украшения главных площадей Рима. [120]

Скульптура в стиле барокко была вдохновлена ​​древнеримской скульптурой, в частности знаменитой статуей Лаокоона первого века нашей эры , которая была раскопана в 1506 году и выставлена ​​в галерее Ватикана. Во время своего визита в Париж в 1665 году Бернини обратился к студентам Академии живописи и скульптуры. Он посоветовал студентам работать с классическими моделями, а не с натуры. Он сказал студентам: «Когда у меня возникли проблемы с моей первой статуей, я обратился к Антиною, как к оракулу». [121] Эта статуя Антиноя известна сегодня как Гермес из музея Пио-Клементино .

Среди известных скульпторов позднего французского барокко были Этьен Морис Фальконе и Жан Батист Пигаль . Пигаль получил заказ от Фридриха Великого на изготовление статуй для собственной версии Версаля Фридриха в Сан-Суси в Потсдаме , Германия. Фальконе также получил важный иностранный заказ, создав знаменитую статую Петра Великого верхом на коне, найденную в Петербурге .

В Испании скульптор Франсиско Сальсильо работал исключительно над религиозной тематикой, используя полихромное дерево. Некоторые из лучших скульптурных произведений в стиле барокко были обнаружены в позолоченных лепных алтарях церквей испанских колоний Нового Света, выполненных местными мастерами; примеры включают Часовню Розария церкви Санто-Доминго в Оахаке (Мексика), 1724–1731 гг.

Мебель

Основные используемые мотивы: рога изобилия , фестоны , ангелочки , головы львов, держащих во рту металлическое кольцо, женские лица , окруженные гирляндами, овальные картуши , листья аканта , классические колонны, кариатиды , фронтоны и другие элементы классической архитектуры. вылепленные на некоторых частях предметов мебели [128] корзины с фруктами или цветами, ракушки, доспехи и трофеи, головы Аполлона или Вакха , а также С-образные волюты . [129]

В первый период правления Людовика XIV мебель соответствовала предыдущему стилю Людовика XIII, была массивной, обильно украшенной скульптурой и позолотой. После 1680 года, во многом благодаря дизайнеру мебели Андре Шарлю Булю , появился более оригинальный и нежный стиль, иногда известный как работа Буля . Он был основан на инкрустации из черного дерева и других редких пород дерева - технике, впервые использованной во Флоренции в 15 веке, которая была усовершенствована и развита Булем и другими людьми, работавшими на Людовика XIV. Мебель была инкрустирована пластинками из черного дерева, меди и экзотических пород дерева разных цветов. [130]

Появились новые и зачастую долговечные виды мебели; комод с двумя-четырьмя ящиками заменил старый сундук или сундук. Появилось канапе , или диван, в виде комбинации двух или трёх кресел. Появились новые виды кресел, в том числе fauteuil en исповедалье или «исповедальное кресло», у которого были мягкие подушки по обе стороны спинки стула. Консольный стол также впервые появился; он был разработан для размещения у стены. Еще одним новым типом мебели был стол à gibier — стол с мраморной столешницей для хранения посуды. Появились ранние разновидности письменного стола; Центральная секция стола Мазарини была отодвинута назад и располагалась между двумя колоннами ящиков, по четыре ножки на каждой колонне. [130]

Музыка

Антонио Вивальди (1678–1741)

Термин «барокко» также используется для обозначения стиля музыки, написанного в период, который совпадает со стилем искусства барокко. Первым использованием термина «барокко» для музыки была критика. В анонимной сатирической рецензии на премьеру « Ипполита и Арисии» Рамо в октябре 1733 года , напечатанной в Mercure de France в мае 1734 года, критик подразумевал, что новизна этой оперы была «барокковой», жалуясь на отсутствие связной мелодии в музыке. , был наполнен неослабевающими диссонансами, постоянно менял тональность и размер и быстро пробегал каждый композиционный прием. [131] Жан-Жак Руссо , который был музыкантом и известным композитором, а также философом, сделал очень похожее наблюдение в 1768 году в знаменитой энциклопедии Дени Дидро : «Музыка барокко — это музыка, в которой гармония запутана и наполнена модуляции и диссонансы. Пение резкое и неестественное, интонация трудная, движения ограниченные. Судя по всему, этот термин происходит от слова «бароко», используемого логиками». [16]

Общее использование этого термина для музыки того периода началось только в 1919 году Куртом Саксом [132] , и только в 1940 году он был впервые использован на английском языке в статье, опубликованной Манфредом Букофцером . [131]

Барокко было периодом музыкальных экспериментов и инноваций, что объясняет количество украшений и импровизации в исполнении музыкантов. Были изобретены новые формы, в том числе концерт и симфония . Опера зародилась в Италии в конце 16 века (с почти утерянной «Дафной » Якопо Пери , поставленной во Флоренции в 1598 году) и вскоре распространилась по остальной Европе: Людовик XIV создал первую Королевскую музыкальную академию. поэт Пьер Перрен открыл в Париже оперную академию, первый оперный театр во Франции, открытый для публики, и представил премьеру « Помоне» , первой большой оперы на французском языке на музыку Робера Камбера , в пяти действиях, со сложной сценической техникой и балет. [133] Генрих Шютц в Германии, Жан-Батист Люлли во Франции и Генри Перселл в Англии – все они помогли установить свои национальные традиции в 17 веке.

В этот период было представлено несколько новых инструментов, в том числе фортепиано . Изобретение фортепиано приписывают Бартоломео Кристофори (1655–1731) из Падуи , Италия, которого нанял Фердинандо де Медичи, великий принц Тосканы , в качестве хранителя инструментов. [134] [135] Кристофори назвал инструмент un cimbalo di cipresso di Piano e forte (« кипарисовая клавиатура с мягким и громким звуком»), со временем сокращенно обозначаемый как фортепиано , фортепиано , а позже просто фортепиано. [136]

Композиторы и примеры

Танец

Классический балет также зародился в эпоху барокко. Стиль придворного танца был привезен во Францию ​​Марией Медичи , и вначале танцорами были сами придворные. Сам Людовик XIV публично выступал в нескольких балетах. В марте 1662 года королем была основана Королевская академия танца . Это была первая профессиональная танцевальная школа и труппа, установившая стандарты и словарный запас для балета во всей Европе того периода. [133]

Литературная теория

Генрих Вёльфлин был первым, кто применил термин «барокко» в литературе. [137] Ключевые понятия теории литературы в стиле барокко, такие как « тщеславие » ( concetto ), « остроумие » ( acutezza , ingegno ) и « чудо » ( meraviglia ), не получили полного развития в теории литературы до публикации Эмануэле Тезауро . Il Cannocchiale aristotelico («Аристотелевский телескоп») в 1654 году. Этот основополагающий трактат, вдохновленный эпопеей Джамбаттисты Марино « Адоне » и работами испанского философа-иезуита Бальтазара Грасиана , разработал теорию метафоры как универсального языка образов и как высший интеллектуальный акт, одновременно выдумка и эпистемологически привилегированный способ доступа к истине. [138]

Театр

Эскиз декорации к спектаклю Пьера Корнеля «Андромеда» , (1650)
Эскиз театральной декорации, созданной Джакомо Торелли для балета «Свадебка Тетис» , из коллекции «Décorations et Machines Aprestées aux Nopces de Tétis», Ballet Royal.

Период барокко был золотым веком театра во Франции и Испании; среди драматургов были Корнель , Расин и Мольер во Франции; и Лопе де Вега и Педро Кальдерон де ла Барка в Испании.

В период барокко искусство и стиль театра быстро развивались вместе с развитием оперы и балета. Проектирование новых и более крупных театров, изобретение использования более сложной техники, более широкое использование арки авансцены , которая обрамляла сцену и скрывала оборудование от зрителей, способствовали увеличению количества сценических эффектов и зрелищ. [139]

Барокко имело католический и консервативный характер в Испании, следуя итальянской литературной модели эпохи Возрождения. [140] Театр латиноамериканского барокко стремился к публичному содержанию с идеальной реальностью, которая проявляла три основных чувства: католическую религию, монархию и национальную гордость и честь, происходящие из рыцарского, рыцарского мира. [141]

В испанском театре барокко известны два периода, разделение которых произошло в 1630 году. Первый период представлен главным образом Лопе де Вега , но также Тирсо де Молина , Гаспар Агилар , Гильен де Кастро , Антонио Мира де Амескуа , Луис Велес де Гевара , Хуан Руис де Аларкон , Диего Хименес де Энсисо , Луис Бельмонте Бермудес , Фелипе Годинес , Луис Киньонес де Бенавенте или Хуан Перес де Монтальбан . Второй период представлен Педро Кальдероном де ла Баркой и другими драматургами Антонио Уртадо де Мендоса , Альваро Кубильо де Арагон , Херонимо де Рак , Франсиско де Рохас Соррилья , Хуан де Матос Фрагосо , Антонио Коэльо и Очоа , Агустин Морето и Франсиско Бансес Кандамо. . [142] Эти классификации неточны, поскольку каждый автор шел по-своему и иногда мог придерживаться формулы, установленной Лопе. Возможно даже, что «манера» Лопе была более либеральной и структурированной, чем манера Кальдерона. [143]

Лопе де Вега представил новую комедию в своей книге «Arte nuevo de hacer Comedias en este Tiempo» (1609) . Он установил новую драматическую формулу, которая разрушила три аристотелевских единства итальянской поэтической школы (действие, время и место) и четвертое единство Аристотеля, заключающееся в стиле, смешении трагических и комических элементов, показывающее разные типы стихов и строф. на том, что изображено. [144] Хотя Лопе обладает большими познаниями в пластическом искусстве, он не использовал их на протяжении большей части своей карьеры ни в театре, ни в сценографии. В комедии Лопе визуальным аспектам театрального представления отведена вторая роль. [145]

Тирсо де Молина, Лопе де Вега и Кальдерон были самыми важными драматургами Золотой эпохи Испании. Их произведения, известные своим тонким интеллектом и глубоким пониманием человечности человека, можно считать мостом между примитивной комедией Лопе и более сложной комедией Кальдерона. Тирсо де Молина наиболее известен двумя произведениями: « Осужденные в подозрениях» и «Севильский обманщик» , одной из первых версий мифа о Дон Жуане . [146]

По прибытии в Мадрид Козимо Лотти представил испанскому двору самые передовые театральные приемы Европы. Его методы и знания в области механики применялись на дворцовых выставках под названием «Фиеста» и на роскошных выставках рек или искусственных фонтанов под названием «Наумакиас». Он отвечал за оформление садов Буэн-Ретиро , Сарсуэлы и Аранхуэса , а также строительство театрального здания Колизео дель Буэн-Ретиро. Формулы Лопе начинаются со стиха о том, что это не соответствует основанию дворцового театра и рождению новых концепций, положивших начало карьере некоторых драматургов, таких как Кальдерон де ла Барка. Отмечая основные новшества Новой Лопесианской комедии, стиль Кальдерона отметил множество различий, с большой конструктивной тщательностью и вниманием к его внутренней структуре. Работы Кальдерона отличаются формальным совершенством и очень лирическим и символическим языком. Свобода, энергичность и открытость Лопе дали ступень интеллектуальному размышлению и формальной точности Кальдерона. В его комедии отразились его идейно-доктринальные намерения: помимо страсти и действия, произведения Autos sacramentales достигли высоких рангов. [148] Жанр комедии является политическим, многохудожественным и в некотором смысле гибридным. Поэтический текст переплетается с медиа и ресурсами, происходящими из архитектуры, музыки и живописи, освобождая обман, который есть в комедии Лопеса, был составлен из отсутствия декораций и вовлечения диалога действия. [149]

Самым известным немецким драматургом был Андреас Грифиус , который использовал иезуитскую модель голландца Йоста ван ден Вонделя и Пьера Корнеля . Был еще Иоганнес Фельтен , соединивший традиции английских комиков и комедии дель арте с классическим театром Корнеля и Мольера . Его гастрольная компания была, пожалуй, самой значительной и важной в 17 веке.

Выдающимся итальянским трагиком эпохи барокко был Федерико Делла Валле . Его литературную деятельность суммируют четыре пьесы, написанные им для куртуазного театра: трагикомедия « Аделонда Фригия» (1595) и особенно три трагедии: « Юдифь » (1627), «Эстер » (1627) и «Королева Шотландии» (1628). У Делла Валле было немало подражателей и последователей, сочетавших в своих произведениях вкус барокко и дидактические цели иезуитов ( Паллавичино , Грациани и др.).

Испанская колониальная Америка

Следуя эволюции, отмеченной в Испании, в конце 16 века труппы комиков, по сути занимающиеся отгонным животноводством, начали профессионализироваться. С профессионализацией пришли регулирование и цензура: как и в Европе, театр колебался между толерантностью и даже государственной защитой и неприятием (с исключениями) или преследованием со стороны церкви. Театр был полезен власти как инструмент распространения желаемого поведения и моделей, уважения к общественному порядку и монархии, школы религиозных догм. [150]

Коррали управлялись в пользу больниц , которые разделяли выгоды от представлений. Странствующие компании (или «лиги » ), которые развозили театр на импровизированных сценах под открытым небом в регионах, где не было постоянного местного населения, требовали наместнической лицензии на работу, цена или пинсьон которой предназначались для милостыни и благочестивых дел. . [150] Для компаний, стабильно работавших в столицах и крупных городах, одним из основных источников дохода было участие в торжествах Тела Христова , что обеспечивало им не только экономическую выгоду, но и признание и социальный престиж. Представления во дворце наместника и особняках аристократии, где они представляли как комедии своего репертуара, так и специальные постановки с великолепными световыми эффектами, декорациями и сценой, также были важным источником хорошо оплачиваемой и престижной работы. [150]

Хуан Руис де Аларкон родился в вице-королевстве Новая Испания [151] , но позже поселился в Испании. Это самая выдающаяся фигура барочного театра Новой Испании. Несмотря на его приспособление к новой комедии Лопе де Веги , были отмечены его «выраженный секуляризм», его осмотрительность и сдержанность, а также острая способность к «психологическому проникновению» как отличительные черты Аларкона по сравнению с его испанскими современниками. Среди его произведений заслуживает внимания La verdad sospechosa , комедия персонажей, отражавшая его постоянную морализаторскую цель. [150] Драматическая постановка Сор Хуаны Инес де ла Крус ставит ее как вторую фигуру испано-американского театра барокко. Среди ее работ стоит отметить автосакраментальную « El divino Narciso» и комедию «Los empeños de una casa ».

Сады

Сад в стиле барокко , также известный как jardin à la française или французский формальный сад , впервые появился в Риме в 16 веке, а затем наиболее известен во Франции в 17 веке в садах Во-ле-Виконт и Версальском дворце . Сады в стиле барокко строились королями и принцами в Германии, Нидерландах, Австрии, Испании, Польше, Италии и России до середины 18 века, когда их начали переделывать в более естественный английский ландшафтный сад .

Целью сада в стиле барокко было проиллюстрировать власть человека над природой и славу его строителя. Сады в стиле барокко располагались в геометрических узорах, как комнаты дома. Обычно их лучше всего было видно снаружи, когда они смотрели вниз, либо с замка, либо с террасы. Элементами сада в стиле барокко были партеры с цветочными клумбами или низкие живые изгороди, украшенные богато украшенными узорами в стиле барокко, а также прямые дорожки и аллеи из гравия, которые разделяли и пересекали сад. Террасы, пандусы, лестницы и каскады располагались там, где были перепады высот, и служили смотровыми площадками. Круглые или прямоугольные пруды или бассейны с водой служили местом для фонтанов и статуй. Боскеты , тщательно подстриженные рощи или ряды одинаковых деревьев создавали вид зеленых стен и служили фоном для статуй. По краям садов обычно располагались павильоны, оранжереи и другие сооружения, где посетители могли укрыться от солнца или дождя. [156]

Сады в стиле барокко требовали огромного количества садовников, постоянной стрижки и обильного полива. В более позднем периоде барокко формальные элементы начали заменяться более естественными элементами, включая извилистые тропинки, рощи разнообразных деревьев, оставленных необрезанными; деревенская архитектура и живописные сооружения, такие как римские храмы или китайские пагоды, а также «тайные сады» по краям главного сада, наполненные зеленью, где посетители могли читать или вести тихие беседы. К середине 18 века большинство садов в стиле барокко были частично или полностью преобразованы в вариации английского пейзажного сада . [156]

Помимо Версаля и Во-ле-Виконт, знаменитые сады в стиле барокко, все еще сохраняющие большую часть своего первоначального вида, включают Королевский дворец Казерта недалеко от Неаполя; Дворец Нимфенбург , дворцы Аугустусбург и Фалькенлуст в Брюле в Германии; Дворец Хет Лоо , Нидерланды; дворец Бельведер в Вене ; Королевский дворец Ла-Гранха-де-Сан-Ильдефонсо , Испания; и Петергофский дворец в Санкт-Петербурге, Россия. [156]

Городское планирование и дизайн

В европейских городах с XVI по XIX века произошли большие изменения в принципах городского дизайна и планирования , которые изменили ландшафты и застроенную среду. Рим, Париж и другие крупные города были преобразованы для размещения растущего населения за счет улучшения жилищного строительства, транспорта и общественных услуг. В это время стиль барокко был в полном расцвете, и влияние сложных, драматических и художественных архитектурных стилей распространилось на городскую ткань посредством так называемого городского планирования в стиле барокко. Опыт жизни и прогулок по городам призван подчеркнуть эмоции стиля барокко. Этот стиль планирования часто включал демонстрацию богатства и силы правящей державы, а важные здания служили визуальным и символическим центром городов. [157]

Площадь Святого Петра расположена прямо перед базиликой Святого Петра в Ватикане .

Перепланировка города Рима под властью Папы Сикста V возродила и расширила город в 16 веке. Многие большие площади и площади были добавлены в качестве общественных мест, чтобы усилить драматический эффект стиля барокко. На площадях были фонтаны и другие декоративные элементы, отражающие эмоции того времени. Важным фактором в планировании стиля барокко было соединение церквей, правительственных структур и площадей в изысканную сеть осей. Это позволило важным достопримечательностям католической церкви стать центром города. [158]

Еще одним примером городского планирования в стиле барокко является Париж, который отчаянно нуждался в возрождении города в 19 веке. Город претерпел драматические изменения в своей городской структуре благодаря помощи барона Османа . При правлении Наполеона III Осману было поручено реконструировать Париж, добавив новую сеть улиц, парков, поездов и общественных служб. Некоторые из характеристик дизайна Османа включают прямые широкие бульвары , обсаженные деревьями, а также короткий доступ к паркам и зеленым насаждениям. [159] В плане выделены некоторые важные здания, такие как Парижский оперный театр .

Вид с воздуха на Барселону

Больше характеристик городского планирования в стиле барокко воплощено в Барселоне. Район Эшампле , спроектированный Ильдефонсом Серда , представляет собой сетку широких проспектов с несколькими диагональными бульварами . Перекрестки уникальны благодаря восьмиугольным блокам, которые обеспечивают хорошую видимость и освещение улиц. [160] Многие работы в этом районе принадлежат архитектору Антонио Гауди , который демонстрирует уникальный стиль. В центре района Эшампле находится храм Святого Семейства работы Гауди, который имеет большое значение для города.

Потомство

Переход к рококо

Рококо является заключительной стадией барокко, и во многих отношениях фундаментальные качества барокко — иллюзия и драма — доведены до их логических крайностей. Начавшись во Франции как реакция на тяжелое барочное величие двора Людовика XIV в Версальском дворце , движение рококо стало ассоциироваться, в частности, с могущественной мадам де Помпадур (1721–1764), любовницей нового короля Людовика XV ( 1710–1774). Из-за этого стиль также был известен как Помпадур . Хотя он тесно связан с правлением Людовика XV, он не появился в этот период. Множество работ последних лет правления Людовика XIV являются примерами раннего рококо. Название механизма происходит от французского rocaille , что означает «камень», и относится к камням и ракушкам, украшающим интерьеры пещер, поскольку подобные формы раковин стали общей чертой дизайна рококо. Он начался как стиль дизайна и декоративного искусства и характеризовался элегантными плавными формами. За ней последовала архитектура, а затем живопись и скульптура. Французский художник, с которым чаще всего ассоциируется термин «рококо», — это Жан-Антуан Ватто , чьи пасторальные сцены, или галантные праздники , доминируют в начале 18 века.

Между рококо и барокко есть множество сходств. Оба стиля настаивают на монументальных формах и поэтому используют непрерывные пространства, двойные колонны или пилястры и роскошные материалы (включая позолоченные элементы). Есть и заметные различия. Проекты рококо освободились от приверженности симметрии, которая доминировала в архитектуре и дизайне со времен Возрождения . Многие мелкие предметы, такие как чернильницы или фарфоровые фигурки, а также некоторые украшения часто бывают асимметричными. Это идет рука об руку с тем фактом, что большая часть орнаментов состояла из интерпретации листвы и морских раковин, а не из такого количества классических орнаментов, унаследованных от эпохи Возрождения, как в барокко. Еще одним ключевым отличием является тот факт, что, поскольку барокко является основным культурным проявлением духа Контрреформации , оно чаще всего связано с церковной архитектурой. Напротив, рококо в основном ассоциируется с дворцами и бытовой архитектурой. В Париже популярность рококо совпала с появлением салона как нового типа общественных собраний, места проведения которых часто оформлялись в этом стиле. Комнаты в стиле рококо, как правило, были меньше, чем их аналоги в стиле барокко, что отражало движение к домашней интимности. Цвета также соответствуют этому изменению: от землистых тонов картин Караваджо и интерьеров из красного мрамора и позолоченных оправ времен правления Людовика XIV до пастельных и расслабленных бледно-голубых, розовых Помпадура и белых цветов эпохи Людовика XIV . Франция Людовика XV и мадам де Помпадур. Подобно цветам, в живописи и скульптуре произошел переход от серьезных, драматических и моралистических сюжетов к беззаботным и радостным темам.

Последнее различие между барокко и рококо – это интерес, который аристократы 18-го века проявляли к Восточной Азии . Шинуазри — это стиль в изобразительном искусстве, архитектуре и дизайне, популярный в 18 веке, который был в значительной степени вдохновлен китайским искусством, но в то же время и рококо. Поскольку путешествие в Китай или другие страны Дальнего Востока в то время было чем-то трудным и поэтому оставалось загадкой для большинства жителей Запада, европейское воображение питалось восприятием Азии как места богатства и роскоши, и, следовательно, покровители, от императоров до купцов, соперничали друг с другом. украшая свои жилища азиатскими товарами и украшая их в азиатском стиле. Там, где азиатские предметы было трудно достать, европейские мастера и художники выступили, чтобы удовлетворить спрос, создав смесь форм рококо и азиатских фигур, мотивов и техник. Помимо европейских воссозданий предметов в восточноазиатском стиле, китайская лаковая посуда использовалась неоднократно. Европейские аристократы полностью украсили несколько помещений дворцов китайскими лаковыми панелями, использованными в качестве стеновых панелей. Благодаря своему внешнему виду черный лак был популярен в западных мужских исследованиях. Используемые панели обычно были глянцевыми и черными, изготовленными в китайской провинции Хэнань . Они были сделаны из нескольких слоев лака, а затем на них были вырезаны мотивы, наполненные цветом и золотом. Некоторые европейские плотники XVIII века также использовали китайские, а также японские лаковые панели для изготовления мебели. Для производства азиатские ширмы были демонтированы и использованы для облицовки мебели европейского производства.

Полный отказ от неоклассицизма

В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего племянника Абеля-Франсуа Пуассона де Вандьера с двухлетней миссией для изучения художественных и археологических событий в Италии. Его сопровождали несколько художников, в том числе гравер Николя Кошен и архитектор Суффло . Они вернулись в Париж со страстью к классическому искусству. Вандьер стал маркизом Мариньи и был назначен королевским директором зданий в 1754 году. Он повернул официальную французскую архитектуру к неоклассицизму , движению, которое во многом черпает вдохновение и пытается возродить искусство Древней Греции и Рима. Кочин стал важным искусствоведом; он осудил мелкий стиль Франсуа Буше (одного из главных художников рококо) и призвал к созданию большого стиля с новым акцентом на старину и благородство в академиях архитектурной живописи. [172]

Переход от рококо к неоклассицизму не был очень резким. Некоторые из крупнейших покровителей искусства рококо также заказывали ранние неоклассические произведения. Мадам де Помпадур, одна из главных фигур рококо, заказала Пти-Трианон , один из самых важных примеров французской неоклассической архитектуры. Точно так же Людовик XV , король, при дворе которого процветало рококо, основал Пантеон , еще один культовый памятник неоклассицизма. Кроме того, во Франции существовал стиль Людовика XVI , в котором используются формы и мотивы древнегреческой, этрусской и римской античности, но при этом сохраняется нежная, нежная и причудливая атмосфера рококо. В Великобритании интерьер столовой Роберта Адама в греко-римском стиле в парке Остерли недалеко от Лондона, несмотря на то, что он неоклассический, окрашен в основном в белый, пастельно-зеленый и розовый цвета, напоминающий рококо. Следует отметить, что неоклассицизм не был копированием. Художники пытались не застыть в прошлом, а использовать Античность и ее идеалы так, как это было бы актуально современному обществу.

Осуждение и академическое открытие

Пионер немецкого искусства и археолог Иоганн Иоахим Винкельман также осудил стиль барокко и высоко оценил высшие ценности классического искусства и архитектуры. К 19 веку барокко стало объектом насмешек и критики. Критик-неоклассик Франческо Милиция писал: «Борроминини в архитектуре, Бернини в скульптуре, Пьетро да Кортона в живописи... являются чумой хорошего вкуса, заразившей большое количество художников». [173] В XIX веке критика пошла еще дальше; Британский критик Джон Раскин заявил, что скульптура в стиле барокко не только плоха, но и морально испорчена. [173]

Историк искусства швейцарского происхождения Генрих Вёльфлин (1864–1945) начал реабилитацию слова «барокко» в своей книге « Ренессанс и барокко» (1888); Вельфлин определил барокко как «движение, импортированное в массы», искусство, противоположное искусству Возрождения. Он не проводил различий между маньеризмом и барокко, как это делают современные писатели, и игнорировал более позднюю фазу, академическое барокко, которое продолжалось до 18 века. Искусство и архитектура барокко вошли в моду в межвоенный период и в значительной степени остались в фаворе критиков. Термин «барокко» до сих пор может использоваться, часто уничижительно, для описания произведений искусства, ремесел или дизайна, которые, как считается, имеют чрезмерный орнамент или сложность линий. [174] В то же время «барокко» стало общепринятым термином для различных направлений в римском искусстве и римской архитектуре во 2-м и 3-м веках нашей эры, которые отображают некоторые из тех же характеристик, что и более позднее барокко.

Возрождения и влияние через эклектизм

подвергающееся резкой критике, барокко позже станет источником вдохновения для художников, архитекторов и дизайнеров 19 века благодаря романтизму , движению, которое развилось в 18 веке и достигло своего пика в 19 веке. Он характеризовался акцентом на эмоции и индивидуализм , а также прославлением прошлого и природы, предпочитая средневековье классическому. Сочетание литературных, религиозных и политических факторов побудило британских архитекторов и дизайнеров конца XVIII и XIX веков обратиться за вдохновением к Средневековью. Романтизм является причиной того, что XIX век наиболее известен как век возрождения . [180] Во Франции романтизм не был ключевым фактором, который привел к возрождению готической архитектуры и дизайна. Вандализм памятников и зданий, связанных с Ancien Régime (Старым режимом), произошел во время Французской революции . В связи с этим археолог Александр Ленуар был назначен хранителем депо Пти-Огюстен, куда перевозились скульптуры, статуи и гробницы, удаленные из церквей, аббатств и монастырей. Он организовал Музей французских памятников (1795-1816) и первым возродил вкус к искусству Средневековья, которое медленно прогрессировало и расцвело четверть века спустя. [181]

Этот вкус и возрождение средневекового искусства привели к возрождению других периодов, включая барокко и рококо. Возрождение началось с тем сначала из Средневековья, затем, ближе к концу правления Луи-Филиппа (1830-1848), из эпохи Возрождения . Вдохновение барокко и рококо было более популярно во времена правления Наполеона III (1852-1870) и продолжилось позже, после падения Второй Французской империи . [182]

По сравнению с тем, как в Англии архитекторы и дизайнеры считали готику национальным стилем, рококо считалось одним из наиболее представительных движений для Франции. Французы чувствовали себя гораздо более связанными со стилями Ancien Régime и Империи Наполеона , чем со средневековым прошлым или прошлым эпохи Возрождения, хотя готическая архитектура появилась во Франции, а не в Англии.

Возрождение XIX века со временем привело к эклектике (смешению элементов разных стилей). Поскольку архитекторы часто возрождали классические стили, большинство зданий и проектов в стиле эклектики имеют особый вид. Помимо чистого возрождения, барокко также было одним из главных источников вдохновения для эклектики. Спаренная колонна и гигантский ордер — два элемента, широко используемые в барокко, часто присутствуют в такого рода зданиях XIX — начала XX веков. Эклектика не ограничивалась только архитектурой. Многие дизайны стиля Второй Империи (1848-1870) содержат элементы, взятые из разных стилей. Небольшая мебель того периода избежала трех наиболее распространенных исторических влияний, которые иногда разделяются, а иногда и сочетаются: стили Ренессанса, Людовика XV (рококо) и Людовика XVI . Возрождение и вдохновение также иногда исходили из барокко, как в случае с римейками и арабесками , имитирующими маркетри Буля , а также из других стилей, таких как готика, ренессанс или английское регентство . [183]

Belle Époque — период, который начался примерно в 1871–1880 годах и закончился началом Первой мировой войны в 1914 году. Он характеризовался оптимизмом, региональным миром, экономическим процветанием, колониальной экспансией, а также технологическими, научными и культурными инновациями. Эклектика достигла своего пика в этот период с архитектурой изящных искусств . Стиль получил свое название от Школы изящных искусств в Париже, где он развивался и где учились многие из основных представителей этого стиля. Здания в этом стиле часто имеют ионические колонны с угловыми объемами (как во французском барокко), рустованный цокольный этаж, общую простоту, но с некоторыми действительно детализированными деталями, арочные двери и арку над входом, подобную арке Пти -Пале в Париже. Стиль стремился к богатству барокко посредством богато украшенных монументальных сооружений, которые напоминали Версаль Людовика XIV . Что касается дизайна Belle Époque , то вызывала восхищение вся мебель прошлого, в том числе, возможно, вопреки ожиданиям, стиль Второй ампира (стиль продолжающегося периода), который оставался популярным до 1900 года. В 1900 году произошло гигантское перепросмотр стилей всех стран всех предшествующих периодов. Все, от китайских до испанских моделей, от буля до готики, нашло свое применение в производстве мебели, но некоторые стили ценились больше, чем другие. Особенно ценились Высокое Средневековье и раннее Возрождение . Также предпочтение отдавалось экзотике всех мастей и буйному дизайну в стиле рококо. [184]

Возрождение и влияние барокко исчезли и исчезли с появлением ар-деко , стиля, созданного коллективными усилиями нескольких французских дизайнеров по созданию нового современного стиля примерно в 1910 году. До Первой мировой войны он был малоизвестен, но стал очень популярным в межвоенный период , будучи тесно связано с 1920-ми и 1930-ми годами. Движение представляло собой смесь множества характеристик, взятых из модернистских течений 1900-х и 1910-х годов, таких как Венский сецессион , кубизм , фовизм , примитивизм , супрематизм , конструктивизм , футуризм , де Стиль и экспрессионизм . Помимо модернизма, в ар-деко также присутствуют элементы, взятые из стилей, популярных во время Прекрасной эпохи, таких как возрождение рококо , неоклассицизм или нео- Людовик XVI . Пропорции, объемы и структура архитектуры изящного искусства до Первой мировой войны присутствуют в ранних зданиях в стиле ар-деко 1910-х и 1920-х годов. Элементы, заимствованные из барокко, встречаются довольно редко, архитекторы и дизайнеры отдают предпочтение стилю Людовика XVI.

В конце межвоенного периода, с ростом популярности международного стиля , характеризующегося полным отсутствием каких-либо украшений, это привело к полному отказу от влияния и возрождению барокко. Многие архитекторы и дизайнеры международного стиля, а также художники -модернисты критиковали барокко за его экстравагантность и то, что они считали «излишеством». По иронии судьбы, это произошло как раз в то же время, когда резко возродилась критическая оценка оригинального барокко.

Постмодернистская оценка и реинтерпретации

Признание барокко вновь появилось с появлением постмодернизма , движения, которое поставило под сомнение модернизм ( статус-кво после Второй мировой войны) и которое способствовало включению элементов исторических стилей в новые проекты, а также оценке домодернистского прошлого.

Смотрите также

Примечания

  1. ^ L'Erma di Bretschneider (2008). Фламандские мастера и другие художники: иностранные художники из наследия Fondo Edifici di Culto del Ministryo dell'Interno . Л'ЕРМА ди БРЕТШНАЙДЕР. п. 94. ИСБН 978-88-8265-504-4.
  2. ^ «О периоде барокко - Музыка барокко». www.baroque.org . Проверено 26 октября 2022 г.
  3. ^ ab Heal, Бриджит (1 декабря 2011 г.). «Лучше папист, чем кальвинист»: искусство и идентичность в поздней лютеранской Германии». Немецкая история . Немецкое историческое общество. 29 (4): 584–609. дои : 10.1093/gerhis/ghr066 .
  4. ^ Граур, Неага (1970). Stiluri în arta Decorativă (на румынском языке). Церцея. стр. 153, 154, 156.
  5. ^ "Оригем да Палавра БАРРОКО" . Этимологический словарь .
  6. ^ "БАРОККО: Этимология БАРОККО" . Национальный центр текстовых и лексических ресурсов . эмпр. в порту. Barroco «Rocher Granitique» и «Irrégulière», аттестованное отд. le xiii e s. sous la forme barroca ( Inquisitiones , стр. 99, Portugaliae Monumenta Historica , 1856 sqq. dans Mach.), d'orig. обс., проб. préromane en raison du suff. -Óccu très repandu sur le territoire iberique
  7. ^ "Барокко"  . Британская энциклопедия . Том. 3 (11-е изд.). 1911.
  8. ^ ab Роберт Хадсон Винсент, Винсент, Роберт Хадсон (сентябрь 2019 г.). «Барокко: Логика английской поэтики барокко». Ежеквартальный журнал «Современный язык» . 80 (3): 233–259. дои : 10.1215/00267929-7569598. S2CID  202373825.
  9. ^ ab «БАРОККО: Этимология БАРОККО». Национальный центр текстовых и лексических ресурсов . Проверено 4 января 2019 г.
  10. ^ Майкл Мир, Французская драма эпохи Возрождения и барокко: текст, спектакль, теория, Rowman & Littlefield, 2015, ISBN 1-61149-549-0 
  11. ^ "se dit seulement des perles qui sont d'une rondeur fort imparfaite" . Le Dictionnaire de l'Académie Française (1694). Архивировано 8 июня 2020 года в Wayback Machine.
  12. ^ Блюто, Рафаэль (1728). Словарь португальского и латиноамериканского языков. Том. 2. п. 58. Архивировано из оригинала 2 января 2019 года . Проверено 1 января 2019 г.
  13. ^ «Барокко». Интернет-этимологический словарь . Проверено 31 декабря 2018 г. Но Кляйн предполагает, что это имя могло быть от имени итальянского художника Федерико Бароччи (1528–1612), чьи работы повлияли на стиль.
  14. ^ Клод В. Палиска, «Барокко». Словарь музыки и музыкантов New Grove , второе издание, под редакцией Стэнли Сэди и Джона Тиррелла (Лондон: Macmillan Publishers, 2001).
  15. ^ "se dit aussi au figuré, pour irrégulier, причудливый, inégale." Le Dictionnaire de l'Académie Française (1762). Архивировано 28 декабря 2019 года в Wayback Machine.
  16. ^ AB Энциклопедия ; Lettre sur la Musique Française под руководством Дени Дидро.
  17. ^ Quatremère de Quincy, Encyclopédie Méthodique , Архитектура , том 1, цитируется Б. Мильорини, Manierismo, baròcco, rococo , Rome, 1962, p. 46
  18. ^ "Коллекция словарей d'autrefois для публичного доступа" . artflsrv03.uchicago.edu . Архивировано из оригинала 21 августа 2020 года . Проверено 2 января 2019 г.
  19. ^ Буркхардт, Джейкоб (1855). Der Cicerone: eine Anleitung zum Genuss der Kunstwerke Italiens. Швайгхаузер. п. 356. OCLC  315796790.
  20. ^ Хопкинс, Оуэн, Les Styles en Architecture (2014), с. 70.
  21. ^ Денизо, Жерар (2018). Zapping Prin Istoria Artelor (на румынском языке). РАО. п. 117. ИСБН 978-606-006-149-6.
  22. ^ Хьюз, Дж. Квентин (1953). Влияние итальянского маньеризма на мальтийскую архитектуру. Архивировано 14 марта 2017 года в Wayback Machine . Мелитенсиават . Проверено 8 июля 2016 г., стр. 104–110.
  23. ^ Хелен Гарднер, Фред С. Кляйнер и Кристин Дж. Мамия, Искусство Гарднера сквозь века (Бельмонт, Калифорния: Thomson/Wadsworth , 2005), стр. 516.
  24. ↑ Исцели, Бриджит (20 февраля 2018 г.). «Реформация и лютеранское барокко». Издательство Оксфордского университета . Проверено 1 мая 2018 г. Однако труды теологов лишь до определенной степени могут продвинуться в объяснении эволюции конфессионального сознания и формирования религиозной идентичности. Лютеранская привязанность к религиозным образам была результатом не только осторожного одобрения их использования самим Лютером, но также и особого религиозного и политического контекста, в котором разворачивалась его Реформация. После смерти реформатора в 1546 году вопрос имиджа снова стал предметом ожесточенных споров. Но по мере распространения кальвинизма с его иконоборческими тенденциями немецкие лютеране отреагировали на это, подтвердив свою приверженность правильному использованию религиозных образов. В 1615 году лютеране Берлина даже взбунтовались, когда их правители-кальвинисты удалили изображения из городского собора.
  25. ^ Дючер, стр. 102
  26. ^ аб Дючер (1988) с. 106–107
  27. ^ Дючер (1988), стр. 102
  28. ^ аб Бейли 2012, стр. 211.
  29. ^ Ходж 2019, с. 29.
  30. ^ Бэйли 2012, стр. 213.
  31. ^ Хопкинс 2014, с. 73.
  32. ^ Кабанн (1988), стр. 12
  33. ^ Дюшер (1988)
  34. ^ аб Дючер (1988) с. 104.
  35. ^ Кабанн (1988), стр. 15
  36. ^ Кабанн (1988), страницы 18–19.
  37. ^ 1000 Minuni Arhitecturale (на румынском языке). Эдитура Акила. 2009. с. 190. ИСБН 978-973-714-450-8.
  38. ^ Бэйли 2012, стр. 12.
  39. ^ Кабанн (1988), стр. 48–49.
  40. ^ abc Cabanne (1988), стр. 48–51
  41. ^ Кабанн (1988), стр. 63
  42. ^ 1000 Minuni Arhitecturale (на румынском языке). Эдитура Акила. 2009. с. 208. ИСБН 978-973-714-450-8.
  43. ^ Бэйли 2012, с. 216.
  44. ^ Бэйли 2012, стр. 188.
  45. ^ Аб Джонс 2014, с. 230.
  46. ^ Хопкинс 2014, с. 77.
  47. ^ Бэйли 2012, стр. 231.
  48. ^ аб Дючер (2014), с. 92.
  49. ^ Кабанн (1988), стр. 89–94.
  50. ^ Дючер (1988), стр. 104–105.
  51. ^ "Колумна Зигмунта III Вази в Варшаве" . Культура.пл . Проверено 24 июня 2019 г.
  52. ^ "ВИЛЯНОВСКИЙ ДВОРЕЦ" . www.anothertravelguide.com . Проверено 24 июня 2019 г.
  53. ^ "Тильман из Гамерена - архитектор Варшавы: Полак из выбора, Холендер из pochodzenia -" . КОДАРТ . Проверено 24 июня 2019 г.
  54. ^ Хопкинс 2014, с. 85.
  55. ^ Шарман, Рут (2022). Ив Сен-Лоран и искусство . Темза и Гудзон. п. 147. ИСБН 978-0-500-02544-4.
  56. ^ Хопкинс 2014, с. 86.
  57. ^ Мартин, Генри (1927). Le Style Louis XIV (на французском языке). Фламмарион. п. 39.
  58. ^ Ларбодьер, Жан-Марк (2015). L'Architecture de Paris des Origins à Aujourd'hui (на французском языке). Массин. п. 73. ИСБН 978-2-7072-0915-3.
  59. ^ Бэйли 2012, стр. 238.
  60. ^ Мартин, Генри (1927). Le Style Louis XIV (на французском языке). Фламмарион. п. 31.
  61. ^ Мартин, Генри (1927). Le Style Louis XIV (на французском языке). Фламмарион. п. 21.
  62. ^ Мартин, Генри (1927). Le Style Louis XIV (на французском языке). Фламмарион. п. 18.
  63. ^ Мартин, Генри (1927). Le Style Louis XIV (на французском языке). Фламмарион. п. 15.
  64. ^ Мартин, Генри (1927). Le Style Louis XIV (на французском языке). Фламмарион. п. 37.
  65. ^ Кабанн (1988), страницы 25–32.
  66. ^ Джонс 2014, с. 223.
  67. ^ Хопкинс 2014, с. 84, 85.
  68. ^ Кабанн (1988), стр. 28–33.
  69. ^ Бэйли 2012, с. 269.
  70. ^ Бэйли 2012, с. 245.
  71. ^ ван Леммен, Ганс (2013). 5000 лет плитки . Издательство Британского музея. п. 129. ИСБН 978-0-7141-5099-4.
  72. ^ Бэйли 2012, с. 246.
  73. ^ «Эпоха барокко в Португалии». www.nga.gov .
  74. ^ "Особенности архитектурной архитектуры" . Архивировано из оригинала 8 августа 2014 года . Проверено 3 февраля 2020 г. .
  75. ^ Бери, Дж. Б. (1956). «Позднее барокко и рококо в Северной Португалии». Журнал Общества историков архитектуры . 15 (3): 7–15. дои : 10.2307/987760. JSTOR  987760.
  76. ^ "Um Roteiro pelo Barroco bracarense" . Попробуйте Брагу . 30 августа 2017 г.
  77. ^ "Новости - Региональное управление культуры Севера" . www.культуранорте.gov.pt . Архивировано из оригинала 3 февраля 2020 года . Проверено 3 февраля 2020 г. .
  78. ^ Центр, Всемирного наследия ЮНЕСКО. «Исторический центр Порту, мост Луиса I и монастырь Серра-ду-Пилар». Центр всемирного наследия ЮНЕСКО .
  79. ^ «Архитектура и барокко». www.torredosclerigos.pt .
  80. ^ "Церковь Св. Жуана Ново". www.upt.pt. _
  81. ^ "DGPC | Пескиза Джераль" . www.patrimoniocultural.gov.pt .
  82. ^ "DGPC | Пескиза Джераль" . www.patrimoniocultural.gov.pt .
  83. ^ Бэйли 2012, с. 360.
  84. ^ Бэйли 2012, с. 354.
  85. ^ Бэйли 2012, с. 358.
  86. ^ Уильям Крафт Брумфилд (1993). «Глава восьмая: Основы барокко в Санкт-Петербурге». История русской архитектуры . Кембридж: Издательство Кембриджского университета. ISBN 978-0-521-40333-7.
  87. ^ Коннер Горри (2018). 100 мест на Кубе, куда должна пойти каждая женщина. Рассказы путешественников. ISBN 978-1609521301.
  88. ^ "Иглесия де Санто-Доминго". Веб-сайт Министерства туризма Чили (на испанском языке). Архивировано из оригинала 21 января 2016 года.
  89. ^ Хопкинс 2014, с. 83.
  90. ^ Фред С. Кляйнер (2010). Искусство Гарднера на протяжении веков: западная перспектива. Том. 2 (Пятнадцать изд.). Бостон: Сенгадж . п. 608. ИСБН 978-1-305-64505-9.
  91. ^ Елена Фиппс; Джоанна Хехт; Кристина Эстерас Мартин (2004). Колониальные Анды: гобелены и изделия из серебра, 1530–1830 гг. Нью-Йорк: Метрополитен-музей . п. 106. ИСБН 030010491X.
  92. ^ Сантьяго Себастьян Лопес (1990). Ибероамериканский барокко. Иконографические сообщения. Мадрид: Ediciones Encuentro. п. 241. ИСБН 9788474902495.
  93. ^ Ананда Коэн Суарес (май 2016 г.). «Живопись за рамкой: религиозные фрески колониального Перу». МАВКОР Йельского университета .
  94. ^ Томас да Коста Кауфманн (1999). «12 / Восток и Запад: иезуитское искусство и художники в Центральной Европе и центральноевропейское искусство в Америке». У Джона В. О'Мэлли; Говен Александр Бейли; Стивен Дж. Харрис; Т. Фрэнк Кеннеди (ред.). Иезуиты: культура, наука и искусство, 1540–1773, Том 1 . Университет Торонто Пресс. стр. 274–304. ISBN 978-0-8020-4287-3.
  95. ^ Говен Александр Бейли (1999). Искусство о миссиях иезуитов в Азии и Латинской Америке, 1542–1773 гг. Университет Торонто Пресс. стр. 4–10. ISBN 978-0-8020-8507-8.
  96. ^ Хосе Мария Аскарате Ристори; Альфонсо Эмилио Перес Санчес; Хуан Антонио Рамирес Домингес (1983). «История дель Арте».
  97. ^ Ларус (1990). ЛАРУССКИЙ ЭНЦИКЛОПЕДИЧЕСКИЙ СЛОВАРЬ. 12 ТОМОС. Барселона: Редакция «Планета».
  98. ^ Аб Бэйли 2012, стр. 226.
  99. ^ Бэйли 2012, стр. 378.
  100. ^ Флоря, Василе (2016). Arta Românească de la Origini până în Prezent (на румынском языке). Литера. п. 243. ИСБН 978-606-33-1053-9.
  101. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017, стр. 216.
  102. ^ Джордж Опреску (1985). Руководство по истории искусства - Бароку (на румынском языке). Эдитура Меридиан. п. 233, 234, 235, 236, 237, 238.
  103. ^ Ходж 2017, с. 23.
  104. ^ Фортенберри 2017, с. 246.
  105. ^ Фортенберри 2017, с. 244.
  106. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 150. ИСБН 978-0-7148-7877-5.
  107. ^ Фортенберри 2017, с. 243.
  108. ^ Фортенберри 2017, с. 256.
  109. ^ Фортенберри 2017, с. 262.
  110. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 425. ИСБН 978-0-7148-7877-5.
  111. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 304. ИСБН 978-0-7148-7877-5.
  112. ^ Пратер и Бауэр, La Peinture du baroque (1997), стр. 11
  113. ^ Пратер и Бауэр, La Peinture du baroque (1997), стр. 3–15
  114. ^ Пратер и Бауэр, La Peinture du baroque (1997), стр. 12
  115. ^ «Элементы стиля барокко». В книге «Искусство и гуманитарные науки сквозь эпохи » под редакцией Эдварда И. Блейберга, Джеймса Аллана Эванса, Кристен Мосслер Фигг, Филипа М. Сёргела и Джона Блока Фридмана, 466–470. Том. 5, Эпоха барокко и Просвещения 1600–1800 гг. Детройт, Мичиган: Гейл, 2005.
  116. ^ Дючер (1988), страницы 108–109.
  117. ^ Кабанн (1988), стр. 102–104.
  118. ^ Фортенберри 2017, с. 252.
  119. ^ "La Renommée à cheval sur Pégase" . Collections.louvre.fr . 1698 . Проверено 14 апреля 2022 г.
  120. ^ Баучер (1998), с. 146.
  121. ^ Баучер (1998), с. 16.
  122. ^ Жакмар, Альберт (2012). Декоративное искусство . Паркстоун. п. 44. ИСБН 978-1-84484-899-7.
  123. ^ "Парижский кабинет 17 века" . musees-strasbourg.skin-web.org . Проверено 13 сентября 2023 г.
  124. ^ "Стол на пирсе". Институт искусств Чикаго .
  125. ^ Жакмар, Альберт (2012). Декоративное искусство . Паркстоун. п. 70. ИСБН 978-1-84484-899-7.
  126. ^ Бэйли 2012, с. 287.
  127. ^ "Наклонная стойка регистрации" . Институт искусств Чикаго .
  128. ^ Граур, Неага (1970). Stiluri în arta Decorativă (на румынском языке). Церцея. п. 168.
  129. ^ Граур, Неага (1970). Stiluri în arta Decorativă (на румынском языке). Церцея. п. 176 и 177.
  130. ^ ab Renault и Lazé, Les Styles de l'architecture et du mobilier (2006), стр. 59
  131. ^ аб Палиска 2001.
  132. ^ Сакс, Курт (1919). Barockmusik [ Музыка в стиле барокко ]. Jahrbuch der Musikbibliothek Peters (на немецком языке). Том. 26. Лейпциг: Издание Петерса. стр. 7–15.
  133. ^ аб Белый (2005), стр. 152–54.
  134. ^ Эрлих, Кирилл (1990). Фортепиано: История . Издательство Оксфордского университета , США; Исправленное издание. ISBN 0-19-816171-9.
  135. ^ Пауэрс, Венди (октябрь 2003 г.). «Фортепиано: Фортепиано Бартоломео Кристофори (1655–1731)». Хайльбрунн. Хронология истории искусств . Нью-Йорк: Метрополитен-музей . Проверено 27 января 2014 г.
  136. ^ Исаков (2012), с. 23.
  137. ^ Генрих Вельфлин, Возрождение и барокко (Мюнхен: Ф. Брукманн, 1888); на английском языке, Ренессанс и Барокко , пер. Кэтрин Саймон (Итака: издательство Корнельского университета, 1964).
  138. ^ Сом, Филип (1991). Питтореско. Марко Боскини, его критики и их критика живописной живописи в Италии семнадцатого и восемнадцатого веков . Издательство Кембриджского университета. п. 126. ИСБН 9780521382564.
  139. ^ «Театры и постановки в стиле барокко». Британская энциклопедия . Проверено 14 ноября 2019 г.
  140. ^ Гонсалес Мас (1980), стр. 1–2.
  141. ^ Гонсалес Мас (1980), с. 8.
  142. ^ Гонсалес Мас (1980), с. 13.
  143. ^ Гонсалес Мас (1980), с. 91.
  144. ^ Лопе де Вега, 2010, Комедии: Эль Ремедио ан ла Десдича. Эль Меджор Алькальде Эль Рей, стр. 446–447.
  145. ^ Амадей-Пулис (1990), с. 6.
  146. ^ Уилсон, Эдвард М.; Мойр, Дункан (1992). Historia de la Literatura española: Siglo De Oro: Teatro (1492–1700). Редакционная статья «Ариэль», стр. 155–158.
  147. ^ Амадей-Пулис (1990), стр. 26–27.
  148. ^ Молина Хименес, Мария Белен (2008). Музыкальный театр Кальдерона де ла Барка: текстовый анализ. ЭДИТУМ, с. 56
  149. ^ Амадей-Пулис (1990), стр. 6–9.
  150. ^ abcd Майя Рамос Смит; Консепсьон Реверте Берналь; Мерседес де лос Рейес Пенья (1996). Америка и испанский театр дель Сигло де Оро. II Конгресс Ибероамериканского театра – Tercera ponencia: Актеры и компании Америки во время виртуальной эпохи. Кадис: Служба публикаций Кадисского университета. стр. 79–80, 85–86, 133–134, 141. ISBN. 84-7786-536-1.
  151. ↑ По собственным утверждениям драматурга, он родился в Мехико в 1580 или 1581 году. Однако в Таско было найдено свидетельство о крещении от 30 декабря 1572 года, принадлежащее мальчику по имени Хуан, сыну Педро Руиса де Аларкона и Леоноры. де Мендоса, родители поэта. Несмотря на заявления Аларкона, большинство критиков считают Таско его местом рождения. См. Лола Хоса, Хуан Руис де Аларкон и новое искусство понимания комедии, Мадрид, Международная ассоциация латиноамериканцев, 2008 г., стр. 7–14.
  152. ^ Бэйли 2012, стр. 328.
  153. ^ Бэйли 2012, стр. 332.
  154. ^ Бэйли 2012, стр. 334.
  155. ^ Бэйли 2012, стр. 336.
  156. ^ abc Клюкерт, Эренфрид (2015). «Лес Жарден в стиле барокко». L'Art Baroque – Архитектура-Скульптура-Живопись . Кельн: HF Ulmann. стр. 152–160. ISBN 978-3-8480-0856-8.(французский перевод с немецкого)
  157. ^ Коэн, Гэри Б.; Сабо, Франц AJ (31 декабря 2022 г.), «ВВЕДЕНИЕ: Воплощения власти: строительство городов в стиле барокко в Австрии и Европе», Embodiments of Power , Berghahn Books, стр. 1–8, doi : 10.1515/9780857450500-004, ISBN 978-0-85745-050-0, получено 1 декабря 2023 г.
  158. ^ Мур544. «Барочная перепланировка Рима». {{cite journal}}: Требуется цитировать журнал |journal=( помощь )CS1 maint: числовые имена: список авторов ( ссылка )
  159. ^ Выезд, Эми. За фасадом: османизация в Париже как трансформация... , Университет Теннесси, Ноксвилл, апрель 2016 г., track.tennessee.edu/cgi/viewcontent.cgi?article=1321&context=pursuit.
  160. ^ Бауселлс, Марта (1 апреля 2016 г.). «История городов № 13: нелюбимый планировщик Барселоны изобретает науку« урбанизации »». Хранитель . ISSN  0261-3077 . Проверено 1 декабря 2023 г.
  161. ^ Мартин, Генри (1927). Le Style Louis XIV (на французском языке). Фламмарион. п. 38.
  162. ^ Ходж 2019, с. 95.
  163. ^ Хопкинс 2014, с. 94.
  164. ^ Сунд 2019, с. 104.
  165. ^ Сунд 2019, с. 99, 100.
  166. ^ Хопкинс 2014, с. 294.
  167. ^ Джонс 2014, с. 276.
  168. ^ Джонс 2014, с. 273.
  169. ^ Фортенберри 2017, с. 276.
  170. ^ "Bergère du salon de Madame Récamier (OA 11384 - 11391), d'une Paire avec OA 11386" . Collections.louvre.fr . Проверено 23 мая 2022 г.
  171. ^ Одиль, Нувель-Каммерер (2007). Символы власти • Наполеон и искусство ампира • 1800-1815 гг . Абрамс. п. 209. ИСБН 978-0-8109-9345-7.
  172. ^ Кабанн (1988), с. 92, 93, 94, 95.
  173. ^ аб Баучер (1998), с. 9.
  174. ^ asisbiz.com (27 января 2020 г.). «Статья и фотографии Asisbiz на улице Чжуншань, 3, Шанхай, Китай». асисбиз . Проверено 24 октября 2022 г.
  175. ^ "Большая консоль центрального вызова" . Collections.louvre.fr . Проверено 20 сентября 2023 г.
  176. ^ Бреск-Ботье, Женевьева (2008). Лувр, история дворца . Издания Музея Лувра. п. 136. ИСБН 978-2-7572-0177-0.
  177. ^ "Подсвечники на одних светильниках" . Collections.louvre.fr . Проверено 20 сентября 2023 г.
  178. ^ Аб Джонс 2014, с. 296.
  179. ^ Джонс 2014, с. 294.
  180. ^ Книга по архитектуре - Простое объяснение больших идей . ДК. 2023. с. 164. ИСБН 978-0-2414-1503-0.
  181. ^ М. Жаллют, К. Невиль (1966). Histoire des Styles Décoratifs (на французском языке). Ларусс. п. 37.
  182. ^ Сильви, Шадене (2001). Французская мебель • От Людовика XIII до ар-деко . Литтл, Браун и компания. п. 128, 141.
  183. ^ Сильви, Шадене (2001). Французская мебель • От Людовика XIII до ар-деко . Литтл, Браун и компания. п. 141, 143.
  184. ^ Сильви, Шадене (2001). Французская мебель • От Людовика XIII до ар-деко . Литтл, Браун и компания. п. 157.
  185. ^ Хопкинс 2014, с. 203.
  186. ^ Георгий, Роза (2010). Secolul al XVII-lea — Secole de Artâ . РАО. п. 76. ИСБН 978-606-8251-30-1.
  187. ^ Хопкинс, Оуэн (2020). Постмодернистская архитектура: меньше – это скучно . Файдон. п. 198. ИСБН 978-0-7148-7812-6.
  188. ^ Ходж 2019, с. 102.
  189. ^ Хопкинс, Оуэн (2020). Постмодернистская архитектура: меньше – это скучно . Файдон. п. 57. ИСБН 978-0-7148-7812-6.
  190. ^ "Woonhuis, Herengracht 120, 1015 BT te Amsterdam" . Monumentenregister.culturalelerfgoed.nl . Проверено 22 сентября 2023 г.

Источники

дальнейшее чтение

Внешние ссылки

Викискладе есть медиафайлы, связанные с искусством барокко .