Различные типы изобразительного искусства развивались в географической области, которая сейчас известна как Мексика. Развитие этих искусств примерно следует истории Мексики , разделенной на доиспанскую мезоамериканскую эпоху, колониальный период с периодом после мексиканской войны за независимость , развитие мексиканской национальной идентичности через искусство в девятнадцатом веке и расцвет современного мексиканского искусства после мексиканской революции (1910-1920).
Мезоамериканское искусство — это то, что создавалось в области, которая охватывает большую часть того, что сейчас является центральной и южной Мексикой, до испанского завоевания империи ацтеков в течение примерно 3000 лет из мексиканского искусства может быть ярким и красочным, это называется encopended. В это время все влияния на производство искусства были коренными, причем искусство было тесно связано с религией и правящим классом. Не было практически никакого реального различия между искусством, архитектурой и письмом. Испанское завоевание привело к 300 годам испанского колониального правления, и производство искусства оставалось связанным с религией — большая часть искусства была связана со строительством и украшением церквей, но светское искусство распространилось в восемнадцатом веке, особенно картины casta , портретная живопись и историческая живопись. Почти все созданное искусство было в европейской традиции, художники поздней колониальной эпохи обучались в Академии Сан-Карлоса , но коренные элементы сохранились, положив начало непрерывному балансированию между европейскими и коренными традициями. [1]
После обретения независимости искусство оставалось преимущественно европейским по стилю, но в крупных работах появились темы коренных народов, поскольку либеральная Мексика стремилась отличить себя от своего испанского колониального прошлого. Это предпочтение элементам коренных народов продолжалось и в первой половине 20-го века, с движением социального реализма или мексиканской муралистики, возглавляемым такими художниками, как Диего Ривера , Давид Альфаро Сикейрос , Хосе Клементе Ороско и Фернандо Леаль , которым правительство после Мексиканской революции поручило создать визуальное повествование об истории и культуре Мексики.
Сила этого художественного движения была такова, что оно повлияло на недавно изобретенные технологии, такие как фотография и кино, и активно продвигало народное искусство и ремесла как часть идентичности Мексики. С 1950-х годов мексиканское искусство отошло от стиля мурализма и стало более глобализированным, интегрируя элементы из Азии, а мексиканские художники и режиссеры оказали влияние на мировую сцену. Мексиканское искусство используется по-разному, некоторые из них включают украшение домов или горшков ради денег или славы.
Считается, что старейшее наскальное искусство на американском континенте, возраст которого составляет 7500 лет, найдено в пещере на полуострове Нижняя Калифорния. [2]
Доиспанское искусство Мексики принадлежит к культурному региону, известному как Мезоамерика , который примерно соответствует центральной Мексике в Центральной Америке , [3] охватывая три тысячи лет с 1500 г. до н. э. по 1500 г. н. э., обычно делится на три эпохи: доклассическую, классическую и постклассическую. [4] Первой доминирующей мезоамериканской культурой была культура ольмеков , которая достигла своего пика около 1200 г. до н. э. Ольмеки создали многое из того, что ассоциируется с Мезоамерикой, например, иероглифическое письмо , календарь , первые достижения в астрономии, монументальную скульптуру ( ольмекские головы ) и нефритовые изделия. [5]
Они были предшественниками более поздних культур, таких как Теотиуакан , к северу от Мехико, сапотеки в Оахаке и майя на юге Мексики, Белизе и Гватемале . В то время как империи возвышались и распадались, основные культурные основы Мезоамерики оставались неизменными до испанского завоевания империи ацтеков . [5] К ним относятся города, сосредоточенные на площадях, храмы, обычно построенные на пирамидальных основаниях, мезоамериканские площадки для игры в мяч и в основном общая космология. [3]
Хотя такие формы искусства, как наскальные рисунки и наскальные рисунки, появились раньше, известная история мексиканского искусства начинается с мезоамериканского искусства, созданного оседлыми культурами, которые строили города и часто доминионы. [4] [5] Хотя искусство Мезоамерики более разнообразно и охватывает более длительный период времени, чем где-либо еще в Америке, художественные стили демонстрируют ряд сходств. [6] [7]
В отличие от современного западного искусства, почти все мезоамериканское искусство было создано для обслуживания религиозных или политических нужд, а не как искусство ради искусства. Оно прочно основано на природе, окружающей политической реальности и богах. [8] Октавио Пас утверждает, что «мезоамериканское искусство — это логика форм, линий и объемов, которая в то же время является космологией». Он продолжает утверждать, что этот фокус на пространстве и времени сильно отличается от европейского натурализма, основанного на изображении человеческого тела. Даже простые конструкции, такие как ступенчатые лады на зданиях, попадают в это изображение пространства и времени, жизни и богов. [9]
Искусство выражалось на различных носителях, таких как керамика, бумага амате и архитектура. [7] Большая часть того, что известно о мезоамериканском искусстве, исходит из работ, которые охватывают каменные здания и керамику, в основном картины и рельефы. [6] Керамика датируется ранним мезоамериканским периодом. Вероятно, они изначально были сосудами для приготовления пищи и хранения, но затем были адаптированы для ритуальных и декоративных целей. Керамика украшалась формовкой, царапанием, росписью и различными методами обжига. [8]
Самым ранним известным чисто художественным производством были небольшие керамические фигурки, которые появились в районе Теуакан около 1500 г. до н. э. и распространились в Веракрус , долину Мехико , Герреро , Оахаку , Чьяпас и на тихоокеанское побережье Гватемалы. [4] Самыми ранними из них были в основном женские фигурки, вероятно, связанные с обрядами плодородия из-за их часто слишком больших бедер и ягодиц, а также некоторое количество с младенцами на руках или кормящими грудью. Когда появляются мужские фигуры, они чаще всего являются солдатами. [10] Производство этих керамических фигурок, которые позже будут включать животных и другие формы, оставалось важной формой искусства в течение 2000 лет. В ранний ольмекский период большинство из них были небольшими, но крупные керамические скульптуры производились размером до 55 см. [11] [12]
После середины доклассического периода керамическая скульптура пришла в упадок в центральной Мексике, за исключением региона Чупикуаро . В районах майя это искусство исчезает в конце доклассического периода, чтобы вновь появиться в классическом, в основном в форме свистков и других музыкальных инструментов. В некоторых районах, таких как части Веракруса, создание керамических фигур продолжалось непрерывно до испанского завоевания, но как ремесло, а не формальное искусство. [13]
Мезоамериканская живопись встречается в различных проявлениях — от фресок до создания кодексов и росписи керамических предметов. Свидетельства о живописи восходят по крайней мере к 1800 г. до н. э. и продолжаются непрерывно в той или иной форме до прибытия испанцев в 16 веке. [14] Хотя это могло произойти и раньше, самые ранние известные случаи художественной росписи монументальных зданий относятся к раннему классическому периоду у майя в Уашактуне и Тикале , а также в Теотиуакане со стенами, расписанными в разные цвета. [4]
Краски изготавливались из животных, растительных и минеральных пигментов и основ. [15] Большинство картин фокусируются на одной или нескольких человеческих фигурах, которые могут быть реалистичными или стилизованными, мужскими, женскими или бесполыми. Они могут быть обнаженными или богато одетыми, но социальный статус каждой фигуры каким-то образом обозначен. Сцены часто изображают войну, жертвоприношение, роли богов или деяния знати. Однако были найдены и некоторые общие сцены с простыми людьми. [16] Другие сюжеты включали богов, символы и животных. [15] Мезоамериканская живопись была двумерной, без попыток создать иллюзию глубины. Однако движение часто изображается. [17]
Некерамическая скульптура в Мезоамерике началась с модификации костей животных, причем старейшим известным произведением является череп животного из Текискьяка , который датируется периодом между 10 000 и 8 000 годами до н. э. [10] Большая часть мезоамериканской скульптуры сделана из камня; в то время как рельефная работа на зданиях является наиболее доминирующей, отдельно стоящая скульптура также была сделана. Отдельно стоящая трехмерная каменная скульптура началась с ольмеков, самым известным примером являются гигантские каменные головы ольмеков . Это исчезло на оставшуюся часть мезоамериканского периода в пользу рельефной работы до позднего постклассического периода с ацтеками . [18]
Большая часть каменной кладки в мезоамериканский период связана с монументальной архитектурой, которая, наряду с настенной живописью, считалась неотъемлемой частью архитектуры, а не отдельной. [19] Монументальная архитектура началась с ольмеков в южном Веракрусе и прибрежной зоне Табаско в таких местах, как Сан-Лоренцо; большие храмы на пирамидальных основаниях все еще можно увидеть в таких местах, как Монтенегро, Чьяпа-де-Корсо и Ла-Вента . Эта практика распространилась на район Оахаки и долину Мехико , появившись в таких городах, как Монте-Альбан , Куикуилько и Теотиуакан . [4] [20]
Эти города имели ядро из одной или нескольких площадей с храмами, дворцами и мезоамериканскими площадками для игры в мяч . Выравнивание этих сооружений основывалось на сторонах света и астрономии для церемониальных целей, таких как фокусировка солнечных лучей во время весеннего равноденствия на скульптурном или нарисованном изображении. Это, как правило, было связано с календарными системами. [21] Рельефная скульптура и/или живопись создавались по мере строительства сооружений. К последнему доклассическому периоду почти все монументальные сооружения в Мезоамерике имели обширную рельефную работу. Некоторые из лучших примеров этого — Монте-Альбан, Теотиуакан и Тула . [22]
Доиспанские рельефы в целом линейны по дизайну, и можно найти низкие, средние и высокие рельефы. Хотя эта техника часто используется для повествовательных сцен в других частях мира, мезоамериканские рельефы, как правило, фокусируются на одной фигуре. Единственный раз, когда рельефы используются в повествовательном смысле, это когда несколько рельефных стел размещаются вместе. Лучшие рельефные работы принадлежат майя, особенно из Яшчилана . [23]
Письмо и искусство не были разделены, как это было в европейских культурах. Письмо считалось искусством, а искусство часто скрывалось за письмом. [9] Причина этого в том, что оба стремились записывать историю и интерпретацию реальности культурой. (salvatvolp14) Рукописи писались на бумаге или других материалах, похожих на книги, а затем объединялись в кодексы . [24] Искусство чтения и письма было строго предназначено для высших классов жрецов, поскольку эта способность была источником их власти над обществом. [14] [17]
Пиктограммы или глифы этой системы письма были более формальными и жесткими, чем изображения, найденные на фресках и других формах искусства, поскольку они считались в основном символическими, представляющими формулы, связанные с астрономическими событиями, генеалогией и историческими событиями. [17] Большинство сохранившихся доиспанских кодексов относятся к позднему мезоамериканскому периоду и раннему колониальному периоду, поскольку большинство из них избежало уничтожения в течение истории. По этой причине об империи ацтеков известно больше, чем о культурах майя. [15] [24] Важные ацтекские кодексы включают группу Борджиа , в основном религиозные работы, некоторые из которых, вероятно, предшествовали завоеванию, Кодекс Бурбоникус , Кодекс Мендоса и поздний Флорентийский кодекс , который выполнен в европейском стиле, но выполнен мексиканскими художниками, вероятно, опираясь на более ранний материал, который теперь утерян.
Важные музейные коллекции Мексики включают коллекции Национального музея антропологии и Музея Диего Риверы Анауакалли , оба в Мехико , а также провинциальных музеев.
.JPG/1280px-Mask_(Mexico,_State_of_Veracruz,_900-500_B.C.).JPG)
Со времени испанского завоевания империи ацтеков мексиканское искусство представляло собой непрерывное и сложное взаимодействие традиций Европы и местных взглядов. [6]
Строительство церквей После завоевания первые усилия испанцев были направлены на евангелизацию и связанную с этим задачу строительства церквей, для чего требовалась местная рабочая сила для основного строительства, но они, науа, разработали каменную кладку снаружи и украсили церковные интерьеры. Местные мастера обучались европейским мотивам, дизайнам и техникам, но очень ранние работы, называемые tequitqui ( на науатле «вассал»), включают такие элементы, как плоские лица и высокий жесткий рельеф. [25] [26] Испанские монахи, руководившие строительством, не были обученными архитекторами или инженерами. Они полагались на местных каменщиков и скульпторов для строительства церквей и других христианских сооружений, часто в тех же местах, что и храмы и святыни традиционной религии. «Хотя некоторые индейцы жаловались на бремя, которое представлял собой такой труд, большинство общин считали большую и впечатляющую церковь отражением важности своего города и справедливо гордились созданием священного места для божественного поклонения». [27] Тот факт, что так много церквей колониальной эпохи сохранились на протяжении столетий, свидетельствует об их общем хорошем качестве строительства.
Первые монастыри, построенные в Мехико и его окрестностях, такие как монастыри на склонах Попокатепетля , имели элементы эпохи Возрождения , Платереско , Готики или Мавританского стиля или их комбинацию. Они были относительно неукрашенными, а усилия по строительству были направлены больше на высокие стены и крепостные элементы для отражения атак. [28] Строительство более сложных церквей с большим количеством религиозных произведений искусства определило большую часть художественного продукта колониального периода. Большая часть производства была связана с обучением и укреплением церковной доктрины, как и в Европе. Религиозное искусство заложило основу для испанского господства над коренным населением. Сегодня сооружения и другие произведения колониальной эпохи существуют по всей стране, с концентрацией в центральных нагорьях вокруг Мехико . [29]
Работа с перьями была высоко ценимым навыком доиспанской центральной Мексики, которая продолжалась и в раннюю колониальную эпоху. Испанцы были очарованы этой формой искусства, и местные мастера по работе с перьями ( амантека ) создавали религиозные изображения в этой среде, в основном небольшие «картины», а также религиозные облачения. [30] [31]
Коренные письмена Индейцы продолжали создавать письменные рукописи в раннюю колониальную эпоху, особенно кодексы в районе Науа в центральной Мексике. Важной ранней рукописью, которая была заказана для испанской короны, была Codex Mendoza , названная в честь первого вице-короля Мексики, Дона Антонио де Мендосы , в которой показана дань, доставленная правителю ацтеков из отдельных городов, а также описания надлежащего поведения для простых людей. Гораздо более сложным проектом с использованием иллюстраций коренных писцов является проект, результатом которого стал Флорентийский кодекс под руководством францисканца Бернардино де Саагуна . Другие коренные рукописи в колониальную эпоху включают Huexotzinco Codex и Codex Osuna.
Важным типом рукописей раннего периода были иллюстрированные и текстовые истории испанского завоевания ацтеков с точки зрения коренных народов. Ранний Льенсо де Тлакскала иллюстрировал вклад, который тлашкальские союзники испанцев внесли в разгром империи ацтеков, а также Эрнана Кортеса и его культурного переводчика Доньи Марины ( Малинче ).
Живопись Большинство художников-науа, создающих это визуальное искусство, анонимны. Исключением является работа Хуана Герсона, который около 1560 года украсил свод францисканской церкви в городе науа Текамачалко (штат Пуэбла) отдельными сценами из Ветхого Завета. [32]
В то время как колониальное искусство оставалось почти полностью европейским по стилю, с приглушенными цветами и без признаков движения, добавление местных элементов, которое началось с текитки, продолжалось. Они никогда не были центром работ, но декоративными мотивами и наполнителем, такими как местная листва, ананасы, кукуруза и какао . [33] Многое из этого можно увидеть на порталах, а также на больших фресках, которые часто украшали интерьер церквей и стены монастырских зон, закрытых для публики. [34]
Самые ранние художники колониальной эпохи в Мексике были испанского происхождения, приехавшими в Мексику в середине своей карьеры. Среди них были нищенствующие монахи, такие как Фрай Алонсо Лопес де Эррера. Позже большинство художников родились в Мексике, но обучались европейским техникам, часто по импортным гравюрам. Эта зависимость от импортных копий означала, что мексиканские работы сохраняли стили после того, как они выходили из моды в Европе. [6] В колониальный период художники работали в гильдиях, а не независимо. У каждой гильдии были свои правила, предписания и требования в технике, что не поощряло инновации. [35]
Важные музейные коллекции включают коллекции Музея Соумайя и Национального музея Сан-Карлоса , оба в Мехико.
.JPG/1280px-Geistliche_Schatzkammer_Wien_(2).JPG)
Барочная живопись прочно обосновалась в Мексике к середине XVII века благодаря работам испанца Себастьяна Лопеса де Артеаги. Его живопись представлена полотном под названием « Фома неверующий» 1643 года. В этой работе апостол Фома изображен вставляющим палец в рану на боку Христа, чтобы подчеркнуть страдания Христа. Подпись ниже гласит: «Слово стало плотью» и является примером дидактической цели барокко. [34]
Одно из различий между художниками Мексики и их европейскими коллегами заключается в том, что они предпочитали реалистичную прямоту и ясность фантастическим цветам, удлиненным пропорциям и экстремальным пространственным отношениям. Целью было создание реалистичной сцены, в которой зритель мог бы представить себя частью. Это был стиль, созданный Караваджо в Италии, который стал популярен среди художников в Севилье , откуда многие мигранты приехали в Новую Испанию. [34] Аналогичным образом, свободно стоящие скульптуры в стиле барокко имеют масштаб в натуральную величину, реалистичные оттенки кожи и имитацию золотых нитей одежды с помощью техники, называемой estofado , нанесение краски на листовое золото. [34]
Наиболее важным более поздним влиянием на мексиканских и других художников Латинской Америки было творчество фламандского художника Питера Пауля Рубенса , известного по копиям, сделанным с гравюр и техник меццо-тинто . Его картины копировались и перерабатывались и стали стандартом как для религиозного, так и для светского искусства. [34] Позднее барочная живопись переместилась из пределов алтарных образов в колоссальные отдельно стоящие полотна в церковных интерьерах. Одним из самых известных мексиканских художников этого рода работ был Кристобаль де Вильяльпандо . Его работы можно увидеть в ризнице собора Мехико, которая была создана между 1684 и 1686 годами. Эти холсты были наклеены прямо на стены с арочными рамами для их стабилизации и размещены прямо под сводами потолка. Даже фресковая работа 16-го века обычно не была такой большой. [34] Еще одна работа Вильяльпандо — купол собора Пуэбла 1688 года. Он использовал технику кисти Рубенса и форму конструкции, чтобы создать композицию облаков с ангелами и святыми, из которых спускается голубь, представляющий Святого Духа. Свет из окон купола призван символизировать Божью благодать. [34] Хуан Родригес Хуарес (1675–1728) и художник-мулат Хуан Корреа (1646–1716) также были выдающимися художниками эпохи барокко. Самый известный ученик Корреа, Хосе де Ибарра (1685–1756), также был смешанной расы. [ требуется цитата ] Один из лучших художников Мексики, Мигель Кабрера (1695–1768), вероятно, был смешанной расы. [36]
Церковь создала самые важные произведения семнадцатого века. Среди выдающихся художников были Бальтасар де Эчаве Ибиа и его сын Бальтасар Эчаве Риоха, а также Луис Хуарес и его сын Хосе Хуарес, Хуан Корреа , Кристобаль де Вильяльпандо , Родриго де ла Пьедра, Антонио де Сантандер, Поло Бернардино, Хуан де Вильялобос, Хуан Сальгеро. и Хуан де Эррера. Хуан Корреа работал с 1671 по 1716 год и достиг большого престижа и репутации благодаря качеству своего дизайна и масштабу некоторых из его работ. Среди наиболее известных: «Апокалипсис в соборе Мехико», «Обращение Святой Марии Магдалины», в настоящее время находящаяся в «Пинакотеке Виррейналь», и «Санта-Катарина и изгнание Адама и Евы из рая», последняя находится в Национальном музее Музей вице-королевства Тепоцотлан . [ 37]
Колониальное религиозное искусство спонсировалось церковными властями и частными покровителями. Спонсирование богатого убранства церквей было способом для богатых обрести престиж. [29] В XVI, XVII и XVIII веках Мехико был одним из самых богатых в мире, в основном за счет добычи полезных ископаемых и сельского хозяйства, и мог поддерживать большую художественную сцену. [38]
Начиная с семнадцатого века, Дева Мария Гваделупская все чаще становилась объектом для религиозных художников. Хуан Корреа и его ателье создали множество таких изображений. Все больше внимания уделялось точности изображения по отношению к оригиналу, и Корреа создал восковой шаблон, чтобы гарантировать правильность каждой детали. Гваделупе стала центром патриотизма криолло, ее вмешательство было призвано в катастрофических событиях, а затем отображено в искусстве. [39]
В Новой Испании, как и в остальной части Нового Света , с семнадцатого века, особенно в восемнадцатом веке, портрет стал важной частью художественного репертуара. В обществе, характеризующемся глубоким религиозным чувством, которое было пропитано, неудивительно, что многие портреты отражали моральные добродетели и благочестие модели. [40]
В то время как большинство заказных произведений искусства предназначалось для церквей, также заказывались светские работы. Портретная живопись была известна сравнительно рано в колониальный период, в основном вице-королей и архиепископов, а также завоевателя Эрнана Кортеса . Портреты королевских и церковных чиновников были приближены к внешности модели и выставлялись в их официальных местах. Они часто включали их гербы. На портрете Кортеса шестнадцатого века завоеватель изображен с жезлом, мечом и доспехами, «символизирующими политическую и военную мощь, но сброшенный шлем и перчатка показывают, что его воинская деятельность завершена». [41] Портреты вице-королей и духовных лиц часто изображались в богатой одежде и с письменными принадлежностями, вместе с их гербами, указывающими на их генеалогию и высокое положение, а также с книгами и письменными принадлежностями. В Мексике сохранилось мало изображений королевских чиновников до XVIII века, возможно, потому, что беспорядки 1696 года уничтожили портретную галерею во дворце вице-королевы. [42]
Начиная с конца семнадцатого века портретная живопись местной элиты стала значимым жанром. Особенно важно то, что женщины были изображены впервые, начиная с восемнадцатого века. Эти работы следовали европейским образцам, с символами ранга и титулов, либо отображаемыми неприкрепленными на внешних частях, либо вплетенными в другой элемент картин, такой как занавески. [34] Элитные женщины были одеты в богато вышитые и украшенные платья, обычно из шелка и кружева, с драгоценностями и другими украшениями. Многие были изображены с веерами в руках. В отличие от их коллег-мужчин в элитном обществе, показывающих свой статус и власть, портреты женщин были идеализированными изображениями женственности с символами женственности. [43] Подвидом их жанра были портреты монахинь, когда они впервые исповедовались, одетые в сложную одежду, соответствующую торжественному шагу, который они предпринимали, вступая в монастырь. Ярким примером является портрет сестры Марии Игнасии де ла Сангре де Кристо работы Хосе де Альсибара с церемониальной короной, вышитыми одеждами и другими атрибутами. Посмертный портрет сестры Хуаны Инес де ла Крус, известной в свое время, кисти Мигеля Кабреры, в ее монастырской келье, окруженной книгами, отличается от большинства портретов монахинь, написанных с натуры или сразу после смерти. Существует также ряд посмертных портретов монахинь.
Существует довольно много семейных групповых портретов с религиозной тематикой, заказанных, чтобы показать набожность семьи, но также как способ продемонстрировать богатство семьи. Хосеп Антонио де Айяла был выдающимся художником, который известен картиной «Семья Долины у подножия Богоматери Лорето » (ок. 1769 г.). Эта религиозная картина была заказана для детей семьи дель Валле в память о его родителях и является характерной для живописи этого века. [44] Богоматерь Лорето занимает центральное место в композиции, с застывшими фигурами членов семьи, одетых в изысканные одежды. Мужчины одеты в модную одежду той эпохи, а глава семьи одета в вышитое и кружевное платье вместе с жемчугом. Дочери изображены в одеянии монахинь-концепционистов, с эскудос де монхас , религиозными картинами, надетыми на их груди. На картине есть надпись о ее заказе и родителях, а также о том, что она висела в часовне семейной гасиенды. Картина является проявлением благочестия и богатства. Существуют такие групповые картины с различными центральными религиозными фигурами. [45]
Двумя известными художниками-портретистами, братьями конца семнадцатого и начала восемнадцатого века, являются Хуан Родригес Хуарес и Николас. Некоторые другие выдающиеся художники этого периода: Кристобаль де Вильяльпандо , Хуан Корреа , Хосе де Ибарра , Джозеф Мора, Франсиско Мартинес, Мигель Кабрера , Андрес Лопес и Николас Энрикес.
В XVIII веке художники все чаще использовали латинскую фразу pinxit Mexici (написано в Мексике) на своих работах, предназначенных для европейского рынка, как знак гордости за свою художественную традицию. [46]
Начиная с семнадцатого века художники начали создавать полотна и биомбо на исторические темы, включая завоевание Мексики и воображаемые сцены событий с участием мексиканского народа науа. [ необходима цитата ] Также важной была историческая картина Хосе де Паэса, изображающая разрушение францисканской миссии Сан-Саба команчами .
Картины с видами Мехико появились в XVII веке, наиболее известна картина Кристобаля де Вильяльпандо «Пласа Майор в Мехико», около 1696 года, на которой изображен ущерб, нанесенный вице-королевскому дворцу во время кукурузного бунта 1692 года. На ней также изображен рынок Париан, где продавались предметы роскоши. Рынок Париан также был темой как минимум еще одной картины.
Другой тип светского колониального жанра называется живописью каста , относящейся к изображению расовой иерархии в расовом отношении в Новой Испании восемнадцатого века . Некоторые из них, вероятно, были заказаны испанскими функционерами в качестве сувениров из Мексики. Ряд художников той эпохи создавали картины каста, включая Мигеля Кабреру , Хосе де Ибарру , Хуана Патрисио Морлете Руиса , Франсиско Клаперу и Луиса де Мену , но большинство картин каста не подписаны. Ибарра, Морлете и, возможно, Кабрера были представителями смешанной расы и родились за пределами Мехико. [47] Единственная известная картина каста Мены связывает Деву Марию Гваделупскую и систему каста, а также изображения фруктов и овощей и сцен повседневной жизни в Мексике середины восемнадцатого века. Это один из наиболее воспроизводимых примеров картин каста, один из немногих, которые показывают систему каста на одном холсте, а не на 16 отдельных картинах. Он уникален тем, что объединяет совершенно светский жанр живописи каста с изображением Девы Марии Гваделупской. [48] Производство этих картин прекратилось после завершения Мексиканской войны за независимость в 1821 году , когда в независимой Мексике были отменены юридические расовые категории. До празднования 500-летия плавания Колумба в 1492 году картины каста не представляли особого интереса, даже для историков искусства, но ученые начали систематически изучать их как жанр. [49] [50] Набор картин каста был включен в «Описание королевства Новая Испания » Педро Алонсо О'Крули , опубликованное в переводе в 1972 году. [51] а затем были включены в первый крупный каталог картин каста, опубликованный в 1989 году. [52]
Биомбо или складные ширмы стали популярны среди элиты в семнадцатом веке. Большие и предназначенные для показа в общественных и частных комнатах элитных домов, они имели разнообразную тематику, начиная от картин исторических событий, реальных или воображаемых, аллегорических представлений и сцен из повседневной жизни в Мексике. Мексика была перекрестком торговли в колониальный период, где товары из Азии и Европы смешивались с товарами местного производства. Это сближение наиболее очевидно в декоративном искусстве Новой Испании. [38] Среди высших классов было популярно иметь главную общественную комнату, называемую salon de estrado , которая была покрыта коврами и подушками, чтобы женщины могли откинуться в мавританской манере. Табуреты, а позже стулья и диваны были добавлены для мужчин. Начиная с семнадцатого века, когда Манильский галеон регулярно плавал из Филиппин в тихоокеанский порт Акапулько , складные ширмы или биомбо (от японского byo-bu или «защита от ветра») были среди предметов роскоши, привозимых из Азии. Известно, что они были привезены к 1610 году и впоследствии производились мексиканскими художниками и ремесленниками в семнадцатом и восемнадцатом веках. Они были модными мексиканскими элитами на самом высоком уровне, и некоторые из них отправлялись в Европу. Большинство, по-видимому, производились на месте, в Мексике.
Хуан Корреа создал несколько в конце семнадцатого века, один из которых изображал встречу Эрнана Кортеса и Монтесумы в 1519 году , которая могла изображать более текущие события традиционного индейского танца ( mitote ), исполняемого на празднике Тела Христова, символизируя покорность коренных народов испанскому правлению и христианству. Кортес представлен как «как светский, так и религиозный герой», в то время как Монтесума на церемониальных носилках имеет «убранство римского императора», изображая встречу равных. [53] Другой был аллегорическим, под названием « Четыре континента » (около 1683 г.), показывая Европу, Америку, Азию и Африку с Европой и Азией в центре и Америкой и Африкой по обоим концам. [54] [55] Самые ранние из этих мексиканских экранов имели восточный дизайн, но более поздние имели европейскую и мексиканскую тематику. Одним из примеров этого является экран неизвестного художника, на одной стороне которого изображено завоевание Мексики, а на другой — вид с воздуха на улицы и здания центра Мехико, но без людей. Сейчас он находится в Музее Франца Майера . [38] Другой экран — местная сцена индейской свадьбы с воладорес («летунами»), подвешенными на веревках к их ногам.
Последним художественным учреждением колониальной эпохи, основанным в 1783 году , была Академия Сан-Карлос. [56] Хотя изображение святых поглощало большую часть художественных усилий, оно не обходилось без политических последствий. Самым важным из них был рост культа Девы Марии Гваделупской как американской, а не европейской святой, представляющей особую идентичность. [57]
Корона способствовала установлению в Мексике неоклассического стиля искусства и архитектуры, который стал популярным в Испании. Этот стиль был переосмыслением греко-римских отсылок, и его использование было способом укрепить европейское господство в колониях Испании. Одним из неоклассических художников Академии в конце колониального периода был Мануэль Толса . Сначала он преподавал скульптуру в Академии Сан-Карлос , а затем стал ее вторым директором. Толса спроектировал ряд неоклассических зданий в Мексике, но его самая известная работа — конный статус короля Карла IV из бронзы, отлитый в 1803 году и первоначально помещенный в Сокало . По состоянию на 2011 год его можно увидеть в Национальном музее искусств . [56]
К концу XVIII века испанские колонии стали культурно независимыми от Испании, включая ее искусство. Академия была основана испанской короной , чтобы восстановить контроль над художественным выражением и распространяемыми ею сообщениями. В этой школе работали испанские художники в каждой из основных дисциплин, а первым директором был Антонио Хиль. [56] Школа стала домом для ряда гипсовых слепков классических статуй из Академии изящных искусств Сан-Фернандо в Испании, привезенных туда для учебных целей. Эти слепки выставлены в центральном патио Академии. [58] Академия Сан-Карлоса сохранилась и в Мексике после обретения независимости.
.svg/1280px-Flag_of_Mexico_(1823-1864,_1867-1893).svg.png)
Художники эпохи независимости Мексики (1810–21) создавали работы, изображающие героев повстанческого движения. Портрет светского священнослужителя Хосе Марии Морелоса в военной форме был написан неизвестным художником, традиционно приписываемым коренным жителям. [59] Портрет типичен для портретов конца восемнадцатого века, с элементами обрамления, официальной подписью и новыми элементами иконографии зарождающегося мексиканского национализма, включая орла на вершине кактуса нопаль, который стал центральным изображением для мексиканского флага. [60] Морелос был объектом заказа на статую, с Педро Патиньо Икстолинка , который обучался в Академии Сан-Карлоса и оставался важным скульптором в эпоху независимости. [61]
Академия Сан-Карлос оставалась центром академической живописи и самым престижным художественным учреждением в Мексике до Мексиканской войны за независимость , во время которой она была закрыта. [62] Несмотря на свою связь с испанской короной и европейской традицией живописи, Академия была вновь открыта новым правительством после того, как Мексика обрела полную независимость в 1821 году. Ее бывшие испанские преподаватели и студенты либо погибли во время войны, либо вернулись в Испанию, но когда она вновь открылась, она привлекла лучших студентов-художников страны и продолжала подчеркивать классические европейские традиции до начала 20-го века. [62] [63] Академия была переименована в Национальную академию Сан-Карлос. Новое правительство продолжало отдавать предпочтение неоклассицизму , поскольку считало барокко символом колониализма. Неоклассический стиль продолжал пользоваться популярностью во время правления Максимилиана I, хотя президент Бенито Хуарес поддерживал его неохотно, считая его европейскую направленность пережитком колониализма. [58]
Несмотря на связь неоклассицизма с европейским господством, он оставался любимым мексиканским правительством после обретения независимости и использовался в крупных правительственных заказах в конце века. Однако в картинах и скульптурах появились индейские мотивы. Одной из индейских фигур, изображенных в неоклассическом стиле, является Тлауиколе , созданная каталонским художником Мануэлем Виларом в 1851 году.
Для этого изменения предпочитаемой темы было две причины. Первая заключалась в том, что мексиканское общество принижало колониальную культуру — прошлое коренных народов рассматривалось как более истинно мексиканское. [38] Другим фактором было всемирное движение среди художников, направленное на противостояние обществу, которое началось около 1830 года. В Мексике это антисистемное настроение было направлено на Академию Сан-Карлос и ее европейскую направленность. [64]
В первой половине XIX века романтический стиль живописи был привнесен в Мексику и остальную часть Латинской Америки иностранными путешественниками, интересующимися новой независимой страной. Одним из них был баварский художник Иоганн Мориц Ругендас , который жил в стране с 1831 по 1834 год. Он писал сцены с динамичной композицией и яркими цветами в соответствии с романтическим стилем, ища поразительные, возвышенные и прекрасные образы в Мексике, а также в других областях Латинской Америки. Однако большая часть работ Ругендаса представляет собой наброски для крупных полотен, многие из которых так и не были выполнены. Другие включают англичанина Дэниела Эгертона , который писал пейзажи в британской романтической традиции, и немца Карла Небеля , который в первую очередь создавал литографии различных социальных и этнических групп страны. [65]
Ряд местных художников в то время последовали за европейскими художниками-романтиками в их желании задокументировать различные культуры Мексики. Этих художников называли costumbristas , слово, происходящее от costumbre (обычай). Стили этих художников не всегда были строго романтическими, включая и другие стили. Большинство этих художников были из высших классов и получили образование в Европе. В то время как европейские художники рассматривали предметы как экзотические, costumbristas имели более националистическое чувство своих родных стран. Одним из этих художников был Агустин Арриета из Пуэблы, который применял реалистические приемы к сценам из своего родного города, запечатлевая его ярко расписанные плитки и керамику. Его сцены часто включали повседневную жизнь, например, женщин, работающих на кухне, и изображали чернокожих и афро-мексиканских торговцев. [66]
В середине-конце XIX века латиноамериканские академии начали отходить от строгого неоклассицизма к « академическому реализму ». Идеализированные и упрощенные изображения стали более реалистичными, с акцентом на деталях. Сцены в этом стиле чаще всего представляли собой портреты высших классов, библейские сцены и сражения — особенно из периода Независимости. Когда Академия Сан-Карлоса была вновь открыта после короткого закрытия в 1843 году, ее новые испанские и итальянские преподаватели продвигали этот реалистический стиль. Несмотря на государственную поддержку и националистические темы, местные художники, как правило, были обделены в пользу европейцев. [67]
,_de_Pelegr%C3%AD_Clav%C3%A9_i_Roquer.jpg/1280px-El_bon_samarit%C3%A0_(1838),_de_Pelegr%C3%AD_Clav%C3%A9_i_Roquer.jpg)
Одним из самых важных художников Мексики середины 19 века был каталонец Пелегри Клаве , который писал пейзажи, но был наиболее известен своими изображениями интеллектуальной элиты Мехико. Художники-реалисты также пытались изобразить культуру и людей ацтеков, изображая места, населенные коренными народами, используя живых коренных моделей и костюмы, основанные на тех, что были в кодексах эпохи завоевания. Одним из них был Феликс Парра , чьи изображения завоевания сопереживали страданиям коренных народов. В 1869 году Хосе Обрегон написал «Открытие Пульке »; он основывал свои изображения архитектуры на кодексах миштеков , но неверно представлял храмы как обстановку для трона. [67]
Искусство 19 века после обретения независимости считается упадочным, особенно в конце 19 века и начале 20 века во время режима Порфирио Диаса (1876–1911). Хотя в это время живопись, скульптура и декоративно-прикладное искусство часто ограничивались подражанием европейским стилям, [68] появление молодых художников, таких как Диего Ривера и Сатурнино Эрран , усилило внимание к работам на мексиканскую тематику. Это означало, что после военной фазы Мексиканской революции в 1920-х годах мексиканские художники добились огромных успехов, выковывая прочный художественный национализм.
В этом столетии есть примеры фресок, таких как фольклорный стиль, созданные между 1855 и 1867 годами в Ла-Барке, Халиско. [69]
Самые яркие игроки на данный момент: Пелегрин Клаве, Хуан Кордеро , Фелипе Сантьяго Гутьеррес и Хосе Агустин Аррьета. В Мексике в 1846 году его наняли руководить открытием Пелегрином Клаве Академии Сан-Карлос, организации, в которой он продвигал исторические и ландшафтные темы с проевропейским видением. [70]
.png/1280px-Vicente_Guerrero_(1865).png)
Во второй половине девятнадцатого века во многих мексиканских городах, особенно в столице, возводились памятники историческим событиям. Одним из первых был памятник Христофору Колумбу на широкой Пасео-де-ла-Реформа , заказанный Антонио Эскандоном, который разбогател на строительстве железной дороги Мехико-Веракрус. Эскандон «решил увековечить эпоху железной дороги в Мексике памятником столь же эпохальному событию — Открытию Нового Света». [71] Во время Порфириато (1876-1910) Пасео-де-ла-Реформа стал ключевым местом для демонстрации статуй мексиканским героям, а кольцевые транспортные развязки ( glorietas ) заняли особое почетное место. [72] В 1887 году Порфирио Диас заказал статую последнего императора ацтеков, Куаутемока , которую можно увидеть на Пасео-де-ла-Реформа . Куаутемок изображен в плаще, похожем на тогу, с перьевым головным убором, похожим на этрусского или троянского воина, а не на ацтекского императора. В основании есть элементы, напоминающие архитектуру Митлы и Рима. Это основание содержит бронзовые пластины, изображающие сцены испанского завоевания, но с акцентом на коренных фигурах. [63] Скромный обелиск в память о Niños Héroes , кадетах, которые погибли, защищая свой пост во время захвата США Мехико во время мексикано-американской войны (1847), был возведен в 1884 году. Гораздо больший обелиск был построен в середине двадцатого века у входа в парк Чапультепек. Вероятно, самым известным памятником той эпохи является Монумент Независимости , часто называемый «Ангелом независимости» за его крылатую победу. Он был заказан к столетию независимости в 1910 году и открыт Порфирио Диасом во время празднеств в сентябре 1910 года.
Академия Сан-Карлос продолжала отстаивать классический, европейский стиль обучения до 1913 года. В этом году академия была частично объединена с Национальным автономным университетом Мексики (UNAM). Между 1929 и 1950 годами программа по архитектуре академии была отделена как факультет университета; программы по живописи, скульптуре и гравюре были переименованы в Национальную школу экспрессивных искусств, теперь Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP). Обе переехали на юг города в середине 20-го века, в Ciudad Universitaria и Xochimilco соответственно, оставив только некоторые программы аспирантуры по изобразительному искусству в первоначальном здании академии в историческом центре . ENAP остается одним из главных центров обучения художников Мексики. [58]
Хотя сдвиг в сторону более коренных и мексиканских тем появился в 19 веке, Мексиканская революция с 1910 по 1920 год оказала драматическое влияние на мексиканское искусство. [58] [62] Конфликт привел к подъему Partido Revolucionario Nacional (переименованной в Partido Revolucionario Institucional ), которая направила страну в социалистическом направлении. Правительство стало союзником многих интеллектуалов и художников в Мехико [33] [38] и заказало фрески для общественных зданий, чтобы усилить свои политические послания, включая те, которые подчеркивали мексиканские, а не европейские темы. Они не были созданы для популярных или коммерческих вкусов; однако они получили признание не только в Мексике, но и в Соединенных Штатах. [73] «Великие мексиканские художники-монументалисты послереволюционного периода с помощью живописной фрески разработали концепцию «публичного искусства», искусства, которое должно было быть видно массам в крупных общественных зданиях того времени, и которое нельзя было бы легко купить и перевезти куда-либо еще, как это было со станковой живописью». [74]
Это производство искусства в сочетании с правительственной пропагандой известно как Мексиканская модернистская школа или Мексиканское движение муралистов, и оно переопределило искусство в Мексике. [75] Октавио Пас отдает должное Хосе Васконселосу за инициирование движения муралистов в Мексике, поручив самым известным художникам в 1921 году украсить стены общественных зданий. Заказы были политически мотивированы — они стремились прославить Мексиканскую революцию и переопределить мексиканский народ буквально «лицом к лицу (с)» своим коренным и испанским прошлым. [76]
Первые из этих заказных картин были в Сан-Ильдефонсо, выполнены Фернандо Леалем, Фермином Ревуэльтасом , Давидом Альфаро Сикейросом и Диего Риверой . Первая настоящая фреска в здании была работой Жана Шарло . Однако при создании этих фресок были допущены технические ошибки: некоторые из них начали пузыриться и были покрыты воском для сохранности. [77] Роберто Монтенегро расписал бывшую церковь и монастырь Сан-Педро-и-Сан-Пабло , но фреска в церкви была написана темперой и начала шелушиться. В монастырской зоне Монтенегро написал Праздник Святого Креста, на котором Васконселос изображен как покровитель муралистов. Позже Васконселос был закрашен, а поверх него была нарисована фигура женщины. [78]
Первым главным героем в производстве современных фресок в Мексике был доктор Атл . Доктор Атл родился под именем «Жерар Мурильо» в Гвадалахаре в 1875 году. Он изменил свое имя, чтобы идентифицировать себя как мексиканца. Атл работал над продвижением народного искусства и ремесел Мексики . Хотя он имел некоторый успех как художник в Гвадалахаре, его радикальные идеи против академии и правительства побудили его переехать в более либеральный Мехико. В 1910 году, за несколько месяцев до начала Мексиканской революции , Атл нарисовал первую современную фреску в Мексике. Он научил крупных художников следовать за ним, включая тех, кто стал доминировать в мексиканской фресковой живописи. [68]
The muralist movement reached its height in the 1930s with four main protagonists: Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, and Fernando Leal. It is the most studied part of Mexico's art history.[33][38][79] All were artists trained in classical European techniques and many of their early works are imitations of then-fashionable European paintings styles, some of which were adapted to Mexican themes.[6][75] The political situation in Mexico from the 1920s to 1950s and the influence of Dr. Atl prompted these artists to break with European traditions, using bold indigenous images, much color, and depictions of human activity, especially of the masses, in contrast to the solemn and detached art of Europe.[33]
Preferred mediums generally excluded traditional canvases and church porticos and instead were the large, then-undecorated walls of Mexico's government buildings. The main goal in many of these paintings was the glorification of Mexico's pre-Hispanic past as a definition of Mexican identity.[33] They had success in both Mexico and the United States, which brought them fame and wealth as well as Mexican and American students.[73]
These muralists revived the fresco technique for their mural work, although Siqueiros moved to industrial techniques and materials such as the application of pyroxilin, a commercial enamel used for airplanes and automobiles.[33] One of Rivera's earliest mural efforts emblazoned the courtyard of the Ministry of Education with a series of dancing tehuanas (natives of Tehuantepec in southern Mexico). This four-year project went on to incorporate other contemporary indigenous themes, and it eventually encompassed 124 frescoes that extended three stories high and two city blocks long.[33] The Abelardo Rodriguez Market was painted in 1933 by students of Diego Rivera, one of whom was Isamu Noguchi.[80]
Another important figure of this time period was Frida Kahlo, the wife of Diego Rivera. While she painted canvases instead of murals, she is still considered part of the Mexican Modernist School as her work emphasized Mexican folk culture and colors.[33][81] Kahlo's self-portraits during the 1930s and 40s were in stark contrast to the lavish murals artists like her husband were creating at the time. Having suffered a crippling bus accident earlier in her teenage life, she began to challenge Mexico's obsession with the female body. Her portraits, purposefully small, addressed a wide range of topics not being addressed by the mainstream art world at the time. These included motherhood, domestic violence, and male egoism.
Her paintings never had subjects wearing lavish jewelry or fancy clothes like those found in muralist paintings. Instead, she would sparsely dress herself up, and when there were accessories, it added that much more importance to them. She would also depict herself in very surreal, unsettling scenarios like in The Two Fridas where she depicts two versions of herself, one with a broken heart and one with a healthy infusing the broken heart with "hopeful" blood., or Henry Ford Hospital where she depicts herself in having an abortion and the struggle she had in real life coming to terms with it.
Although she was the wife of Diego Rivera, her self-portraits stayed rather obscured from the public eye until well after her passing in 1954. Her art has grown in popularity and she is seen by many to be one of the earliest and most influential feminist artists of the 20th century.[82]
The first to break with the nationalistic and political tone of the muralist movement was Rufino Tamayo. For this reason he was first appreciated outside of Mexico.[83] Tamayo was a contemporary to Rivera, Siqueiros, and Orozco, and trained at the Escuela Nacional de Bellas Artes. Like them he explored Mexican identity in his work after the Mexican Revolution. However, he rejected the political Social Realism popularized by the three other artists and was rejected by the new establishment.[84]
He left for New York in 1926 where success allowed him to exhibit in his native Mexico. His lack of support for the post-Revolutionary government was controversial. Because of this he mostly remained in New York, continuing with his success there and later in Europe. His rivalry with the main three Mexican muralists continued both in Mexico and internationally through the 1950s. Even a belated honorific of "The Fourth Great Ones" was controversial.[84]
Despite maintaining an active national art scene, Mexican artists after the muralist period had a difficult time breaking into the international art market. One reason for this is that in the Americas, Mexico City was replaced by New York as the center of the art community, especially for patronage.[85] Within Mexico, government sponsorship of art in the 20th century (dominated until 2000 by the PRI party) meant religious themes and criticism of the government were effectively censored. This was mostly passive, with the government giving grants to artists who conformed to their requirements.[86]In the 1940s, Wolfgang Paalen published the extremely influential DYN magazine in Mexico City, which focused on a transitional movement between surrealism to abstract expressionism. Fumiko Nakashima a Japanese artist lives in Mexico, primarily working on surrealist pieces in watercolor.
In 1953, Museo Experimental El Eco (in Mexico City) opened; it was created by Mathias Goeritz.
The first major movement after the muralists was the Rupture Movement, which began in the 1950s and 1960s with painters such as José Luis Cuevas, Gilberto Navarro, Rafael Coronel, Alfredo Casaneda, and sculptor Juan Soriano. They rejected social realism and nationalism and incorporated surrealism, visual paradoxes, and elements of Old World painting styles.[81][87] This break meant that later Mexican artists were generally not influenced by muralism or by Mexican folk art.[81]
José Luis Cuevas created self-portraits in which he reconstructed scenes from famous paintings by Spanish artists such as Diego Velázquez, Francisco de Goya, and Picasso. Like Kahlo before him, he drew himself but instead of being centered, his image is often to the side, as an observer. The goal was to emphasize the transformation of received visual culture.[88]
Another important figure during this time period was Swiss-Mexican Gunther Gerzso, but his work was a "hard-edged variant"[This quote needs a citation] of Abstract Expressionism, based on clearly defined geometric forms as well as colors, with an effect that makes them look like low relief. His work was a mix of European abstraction and Latin American influences, including Mesoamerican ones.[88][89] In the watercolor field we can distinguish Edgardo Coghlan and Ignacio Barrios who were not aligned to a specific artistic movement but were not less important.
"Designed by Mathias Goeritz, a series of sculptures ... [lined] the "Route of Friendship" (Ruta de la Amistad) in celebration of the Olympics ... In contestation to the government-sanctioned artistic exhibition for the Olympics, a group of diverse, independent visual artists organize a counterpresentation entitled Salón Independiente, or Independent Salon; the exhibition signifies a key event in the resistance by artists of state-controlled cultural policies. This show of antigovernment efforts by artists would also be expressed in a mural in support of student movement's protests; the work became known as the Mural Efímero (or Ephemeral Mural)" at UNAM".[90]
The third Independent Salon was staged in 1970. In 1976 "Fernando Gamboa spearheads the organization of an exposition of abstract art entitled El Geometrismo Mexicano Una Tendencia Actual".[91]
"In an attempt to reassess ... post-1968 Mexican art, the Museum of Science and Art at UNAM" organized in 2007, the exhibition La Era de la Discrepancia. Arte y cultura visual en México 1968-1997[92]
In 1990 the exhibition Mexico: Esplendor de Treinta Siglos, started its world tour at Metropolitan Museum of Art in New York.
From the 1960s to the 1980s Neo-expressionist art was represented in Mexico by Manuel Felguerez, Teresa Cito, Alejandro Pinatado, and Jan Hendrix.[87][93]
Swiss-German artist, Mathias Goeritz, in the 1950s created public sculptures including the Torres Satélite in Ciudad Satélite. In the 1960s, he became central to the development of abstract and other modern art along with José Luis Cuevas and Pedro Friedeberg.[94]
In the mid-1980s, the next major movement in Mexico was Neomexicanismo, a slightly surreal, somewhat kitsch and postmodern version of Social Realism that focused on popular culture rather than history.[33] Works were not necessarily murals: they used other mediums such as collage and often parodied and allegorized cultural icons, mass media, religion, and other aspects of Mexican culture. This generation of artists were interested in traditional Mexican values and exploring their roots—often questioning or subverting them. Another common theme was Mexican culture vis-à-vis globalization.[95]
Art from the 1990s to the present is roughly categorized as Postmodern, although this term has been used to describe works created before the 1990s. Major artists associated with this label include Betsabeé Romero,[96] Monica Castillo, Francisco Larios,[81] Martha Chapa and Diego Toledo.[87]
The success of Mexican artists is demonstrated by their inclusion in galleries in New York, London, and Zurich.[97]
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-%C3%81ngel_Z%C3%A1rraga_-_Votive_Offering_(Saint_Sebastian)_-_Google_Art_Project.jpg)
Octavio Mercado said in 2012 that the activity of art criticism still can be found in specialized magazines and nationally disseminated newspapers; furthermore, a new generation of art critics include Daniela Wolf, Ana Elena Mallet, Gabriella Gómez-Mont, and Pablo Helguera.[100] (Prior to that, claims were made in 2004, that a deficit of native writing about Mexican art, symbolism, and trends, resulted in modern Mexican art shown abroad having been mislabeled or poorly described, as foreign institutions do not sufficiently understand or appreciate the political and social circumstances behind the pieces.[101])
In emulation of global trends, Mexico has embraced modern techniques within the realm of street art, manifesting through the portrayal of renowned paintings from Mexican history or the creation of original content. Street art, characterized by its ephemeral nature and public accessibility, serves as a dynamic medium for artistic expression and cultural dissemination within Mexican urban spaces.
Some of painters in this century are:
Mexican handcrafts and folk art, called artesanía in Mexico, is a complex category of items made by hand or in small workshops for utilitarian, decorative, or other purposes. These include ceramics, wall hangings, certain types of paintings, and textiles.[104] Like the more formal arts, artesanía has both indigenous and European roots and is considered a valued part of Mexico's ethnic heritage.[105]
This linking among the arts and cultural identity was most strongly forged by the country's political, intellectual, and artistic elite in the first half of the 20th century, after the Mexican Revolution.[105] Artists such as Diego Rivera, Rufino Tamayo, and Frida Kahlo used artesanía as inspiration for a number of their murals and other works.[105] Unlike the fine arts, artesanía is created by common people and those of indigenous heritage, who learn their craft through formal or informal apprenticeship.[104] The linking of artesanía and Mexican identity continues through television, movies, and tourism promotion.[106]
Most of the artesanía produced in Mexico consists of ordinary things made for daily use. They are considered artistic because they contain decorative details or are painted in bright colors, or both.[104] The bold use of colors in crafts and other constructions extends back to pre-Hispanic times. These were joined by other colors introduced by European and Asian contact, always in bold tones.[107]
Design motifs vary from purely indigenous to mostly European with other elements thrown in. Geometric designs connected to Mexico's pre-Hispanic past are prevalent, and items made by the country's remaining purely indigenous communities.[108] Motifs from nature are popular, possibly more so than geometric patterns in both pre-Hispanic and European designs. They are especially prevalent in wall-hangings and ceramics.[109]
One of the best of Mexico's handcrafts is Talavera pottery produced in Puebla.[38] It has a mix of Chinese, Arab, Spanish, and indigenous design influences.[110] The best known folk paintings are the ex-voto or retablo votive paintings. These are small commemorative paintings or other artwork created by a believer, honoring the intervention of a saint or other figure. The untrained style of ex-voto painting was appropriated during the mid-20th century by Kahlo, who believed they were the most authentic expression of Latin American art.[111]
Cinematography came to Mexico during the Mexican Revolution from the U.S. and France. It was initially used to document the battles of the war. Revolutionary general Pancho Villa himself starred in some silent films. In 2003, HBO broadcast And Starring Pancho Villa as Himself, with Antonio Banderas as Villa; the film focuses on the making of the film The Life of General Villa. Villa consciously used cinema to shape his public image.[113]
The first sound film in Mexico was made in 1931, called Desde Santa. The first Mexican film genre appeared between 1920 and 1940, called ranchero.[114]
Mexico has twice won the highest honor at the Cannes Film Festival, having won the Grand Prix du Festival International du Film for María Candelaria in 1946 and the Palme d'Or in 1961 for Viridiana, more than any other Latin American nation.
While Mexico's Golden Age of Cinema is regarded as the 1940s and 1950s, two films from the mid to late 1930s, Allá en el Rancho Grande (1936) and Vámonos con Pancho Villa (1935), set the standard of this age thematically, aesthetically, and ideologically. These films featured archetypal star figures and symbols based on broad national mythologies. Some of the mythology according to Carlos Monsiváis, includes the participants in family melodramas, the masculine charros of ranchero films, femme fatales (often played by María Félix and Dolores del Río), the indigenous peoples of Emilio Fernández's films, and Cantinflas's peladito (urban miscreant).[115]
_(cropped).jpg/1280px-Pina_Pellicer_and_Larry_Domasin_in_The_Alfred_Hitchcock_Hour_(1964)_(cropped).jpg)
Settings were often ranches, the battlefields of the revolution, and cabarets. Movies about the Mexican Revolution focused on the initial overthrow of the Porfirio Díaz government rather than the fighting among the various factions afterwards. They also tended to focus on rural themes as "Mexican," even though the population was increasingly urban.[115]
Mexico had two advantages in filmmaking during this period. The first was a generation of talented actors and filmmakers. These included actors such as María Félix, Jorge Negrete, Pedro Armendáriz, Pedro Infante, Cantinflas, and directors such as Emilio "El Indio" Fernandez and cinematographer Gabriel Figueroa. Many of these starts had success in the United States and at the Cannes Film Festival .[114][116] On the corner of La Brea and Hollywood Boulevard, there is a sculpture of four women who represent the four pillars of the cinema industry, one of whom is Mexican actress Dolores del Río.[114] Gabriel Figueroa is known for black-and-white camerawork that is generally stark and expressionist, with simple but sophisticated camera movement.[117] The second advantage was that Mexico was not heavily involved in the Second World War, and therefore had a greater supply of celluloid for films, then also used for bombs.[114]
In the 1930s, the government became interested in the industry in order to promote cultural and political values. Much of the production during the Golden Age was financed with a mix of public and private money, with the government eventually taking a larger role. In 1942 the Banco Cinematográfico financed almost all of the industry, coming under government control by 1947. This gave the government extensive censorship rights through deciding which projects to finance.[115] While the ruling Institutional Revolutionary Party (PRI) censored films in many ways in the 1940s and 1950s, it was not as repressive as other Spanish speaking countries, but it played a strong role in how Mexico's government and culture was portrayed.[115][117]
The Golden Age ended in the late 1950s, with the 1960s dominated by poorly made imitations of Hollywood westerns and comedies. These films were increasingly shot outdoors and popular films featured stars from lucha libre. Art and experimental film production in Mexico has its roots in the same period, which began to bear fruit in the 1970s.[114][117] Director Paul Leduc surfaced in the 1970s, specializing in films without dialogue. His first major success was with Reed: Insurgent Mexico (1971) followed by a biography of Frida Kahlo called Frida (1984). He is the most consistently political of modern Mexican directors. In the 1990s, he filmed Latino Bar (1991) and Dollar Mambo (1993). His silent films generally have not had commercial success.[117]
In the late 20th century the main proponent of Mexican art cinema was Arturo Ripstein Jr. His career began with a spaghetti Western-like film called Tiempo de morir in 1965 and who some consider the successor to Luis Buñuel who worked in Mexico in the 1940s. Some of his classic films include El Castillo de la pureza (1973), Lugar sin limites (1977) and La reina de la noche (1994) exploring topics such as family ties and even homosexuality, dealing in cruelty, irony, and tragedy.[117]State censorship was relatively lax in the 1960s and early 1970s, but came back during the latter 1970s and 1980s, monopolizing production and distribution.[114]
.jpg/1280px-Fantasy_Worlds_of_Myth_and_Magic,_EMP,_Seattle_(15388051142).jpg)
Another factor was that many Mexican film making facilities were taken over by Hollywood production companies in the 1980s, crowding out local production.[117] The quality of films was so diminished that for some of these years,[which?] Mexico's Ariel film award was suspended for lack of qualifying candidates.[114] Popular filmmaking decreased but the art sector grew, sometimes producing works outside the view of censors such as Jorge Fons' 1989 film Rojo Amanecer on the 1968 Tlatelolco massacre. The movie was banned by the government but received support in Mexico and abroad. The film was shown although not widely.[further explanation needed] It was the beginning of more editorial freedom for filmmakers in Mexico.[117]
Starting in the 1990s, Mexican cinema began to make a comeback, mostly through co-production with foreign interests. One reason for international interest in Mexican cinema was the wild success of the 1992 film Como Agua Para Chocolate (Like Water for Chocolate).[114][117] In 1993, this film was the largest grossing foreign language film in U.S. history and ran in a total of 34 countries.[116] Since then, Mexican film divided into two genres. Those for a more domestic audience tend to be more personal and more ambiguously political such as Pueblo de Madera, La Vida Conjugal, and Angel de fuego. Those geared for international audiences have more stereotypical Mexican images and include Sólo con Tu Pareja, La Invencion de Cronos along with Como Agua para Chocolate.[116][117]
Mexico's newest generation of successful directors includes Alejandro González Iñárritu, Guillermo del Toro, and Alfonso Cuarón known as "The Three Amigos of Cinema". Films by this directors include Cuarón's Gravity, del Toro's The Shape of Water and Iñárritu's Birdman. Film professionals in the early 21st century tend to be at least bilingual (Spanish and English) and are better able to participate in the global market for films than their predecessors.[114]
Photography came to Mexico in the form of daguerreotype about six months after its discovery, and it spread quickly. It was initially used for portraits of the wealthy (because of its high cost), and for shooting landscapes and pre-Hispanic ruins.[118][119] Another relatively common type of early photographic portraits were those of recently deceased children, called little angels, which persisted into the first half of the 20th century. This custom derived from a Catholic tradition of celebrating a dead child's immediate acceptance into heaven, bypassing purgatory. This photography replaced the practice of making drawings and other depictions of them as this was considered a "happy occasion."[120] Formal portraits were the most common form of commercial photography through the end of the 19th century.[119]
Modern photography in Mexico did not begin as an art form, but rather as documentation, associated with periodicals and government projects. It dates to the Porfirio Díaz period of rule, or the Porfiriato, from the late 19th century to 1910.[121][122] Porfirian-era photography was heavily inclined toward the presentation of the nation's modernization to the rest of the world, with Mexico City as its cultural showpiece. This image was European-based with some indigenous elements for distinction.[123]
Stylized images of the indigenous during the Porfirato were principally done by Ybañez y Sora in the costumbrista painting style, which was popular outside of Mexico.[119] One of the most important photographers of the Porfiriato was Guillermo Kahlo, né Wilhelm.[119] Kahlo established his own studio in the first decade of the 1900s and was hired by businesses and the government to document architecture, interiors, landscapes, and factories.[124] Another German-born photographer was Hugo Brehme, working at the same time as Kahlo. The two apparently did not get along, possibly since they were rivals for producing images of colonial-era buildings.[125]
Kahlo's style reflected the narratives of the period, solely focusing on major constructions and events, and avoiding the common populace, rarely having people appear in his photos.[126] It avoided subjects that hinted at the political instability of the country at the time, such as strike actions.[127] One major Kahlo project was the Photographic Inventory of Spanish Colonial Church Architecture in Mexico (1910), which consisted of twenty-five albums sponsored by the federal government to document the remaining colonial architecture.[128] Kahlo's photography was used to link Mexico's pre-Hispanic and colonial past in their architecture, to Mexico's current progress, as shown in his photos of industry and infrastructure.[129]
.jpg/1280px-Zapatistas_and_Nacional_de_Mexico,_No._739_(5655532688).jpg)
Another pioneer of Mexican photography was Agustín Victor Casasola. Like Kahlo, he began his career in the Porfirato, but his career was focused on photography for periodicals. Again like Kahlo, Casasola's work prior to the Mexican Revolution focused on non-controversial photographs, focusing on the lives of the elite. The outbreak of civil war caused Casasola's choice of subject to change. He began to focus not only on portraits of the main protagonists (such as Francisco Villa) and general battle scenes, but on executions and the dead. He focused on people whose faces showed such expressions as pain, kindness, and resignation.[121]
His work during this time produced a large collection of photographs, many of which are familiar to Mexicans as they have been widely reprinted and reused, often without credit to Casasola. After the war, Casasola continued to photograph common people, especially migrants to Mexico City during the 1920s and 1930s. His total known archives comprise about half a million images with many of his works archived in the former monastery of San Francisco in Pachuca.[121]
Kahlo and Casasola are considered the two most important photographers to develop the medium in Mexico, with Kahlo defining architectural photography and Casasolas establishing photojournalism. Neither man thought of himself as an artist—especially not Casasolas—who thought of himself as a historian in the Positivist tradition, but the photography of both show attention to detail, lighting, and placement of subjects for emotional or dramatic effect.[131][132]
For the rest of the 20th century, most photography was connected to documentation. However, artistic trends from both inside and outside the country had an effect. In the 1920s, the dominant photographic style was Pictorialism, in which images had a romantic or dream-like quality due to the use of filters and other techniques. American Edward Weston broke with this tradition, taking these effects away for more realistic and detailed images.[121][133] This caused a split in the photography world between Pictorialists and Realists both inside and outside of Mexico.[121]
Weston and his Italian assistant Tina Modotti were in Mexico from 1923 to 1926, allying themselves with Mexican Realist photographers Manuel Álvarez Bravo as well as muralists such as Gabriel Fernández Ledesma. These photographers' political and social aspirations matched those of the muralist movement and the new post-Revolution government.[121][131][134] Mariana Yampolsky, originally from the U.S., became an important photographer in Mexico. Photography and other arts shifted to depictions of the country's indigenous heritage and the glorification of the Mexican common people.[131] This was mainly to reject the elitist and heavily European values of the Porfiriato, along with the increasing cultural influence of the United States in favor of an "authentic" and distinct Mexican identity.[135] Another was the government's decision to use this imagery, rather than the still-fresh memories of the battles and atrocities of the Revolution to promote itself.[136]
Manuel Alvarez Bravo experimented with abstraction in his photography and formed his own personal style concerned with Mexican rites and customs. He was active from the 1920s until his death in the 1990s. Like other artists of the 20th century, he was concerned with balancing international artistic trends with the expression of Mexican culture and people. His photographic techniques were concerned with transforming the ordinary into the fantastic. From the end of the 1930s to the 1970s his photography developed along with new technologies such as color, using the same themes. In the 1970s, he experimented with female nudes.[137]
These post-Revolution photographers influenced the generations after them, but the emphasis remained on documentary journalism, especially for newspapers. For this reason, the focus remained on social issues. This included work by Nacho López and Hector Garcia, best known for their photography of the student uprising of 1968.[119]
During the 1970s, a fusion of various styles retained a social focus.[119] During the same period, institutions were established that dedicated themselves to the promotion of photography and conservation of photographs, such as the Centro de la Imagen, the Fototeca Nacional del INAH, and the publication Luna Córnea.[138]
Photography in Mexico from the latter 20th century on remains mostly focused on photojournalism and other kinds of documentary. Francisco Mata de Rosas is considered the most notable photographer in contemporary Mexico mostly working with documentaries.[according to whom?] He has published a number of books including México Tenochtitlan and Tepito, Bravo el Barrio. Eniac Martínez specializes in panoramas. Patricia Aridjis works with social themes, mostly to illustrate books. Gerardo Montiel Klint's work has been described as a "shadowing and dark world", focusing on the angst and violence of adolescents.[138] The most recent generation of photographers work with new and digital technologies. One of these is Javier Orozco who specializes in interiors.[119]
However, purely artistic photography has had an impact. In 2002, a photographic exhibit by Daniela Rossell featured images of Mexican multimillionaires posing in their ostentatious homes, filled with expensive paintings, hunting trophies, crystal chandeliers, gold lamé wallpaper, and household help. The photographs set off a wave of social criticism as well as tabloid gossip.[139]
.jpg/1280px-Tepantitla_Mountain_Stream_mural_Teotihuacan_(Luis_Tello).jpg)
.jpg/1280px-Shield_Aztec_or_Mixtec_(Chimalli).jpg)
_LACMA_M.2008.32_(1_of_4).jpg/1280px-Miracles_of_Saint_Salvador_de_Horta_(Milagros_del_beato_Salvador_de_Horta)_LACMA_M.2008.32_(1_of_4).jpg)
_Cervantes_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Miguel_Cabrera_-_Do%C3%B1a_Mar%C3%ADa_de_la_Luz_Padilla_y_(G%C3%B3mez_de)_Cervantes_-_Google_Art_Project.jpg)
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Folding_Screen_with_Indian_Wedding_and_Flying_Pole_(Biombo_con_desposorio_ind%C3%ADgena_y_palo_volador)_-_Google_Art_Project.jpg)
.jpg/1280px-Saturnino_Herran_Mujer_en_Tehuantepec_(1914).jpg)
_-_322.jpg/1280px-Mexico_City_(2018)_-_322.jpg)
.jpg/1280px-20150717_IMG_6697_by_sebaso_(19998936614).jpg)
![General Emiliano Zapata, leader of revolutionaries in Morelos beginning in 1911 and ending in his assassination in 1919[140]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/17/Emiliano_Zapata_-_LOC.jpg/1280px-Emiliano_Zapata_-_LOC.jpg)
.jpg/1280px-David_Alfaro_Siqueiros_(El_Coronelazo).jpg)
![Boy soldier during the Mexican Revolution, Casasola Archive.[141]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Ni%C3%B1o_Soldado.jpg/1280px-Ni%C3%B1o_Soldado.jpg)
_(38866081012).jpg/1280px-0000-1938-DESFILE_DEL_16_DE_SEPTIEMBRE_(2)_(38866081012).jpg)
{{cite web}}: CS1 maint: archived copy as title (link)This expression eloquently encapsulates the painters' pride in their own tradition and their connection to larger, transatlantic trends.
{{cite web}}: CS1 maint: archived copy as title (link){{cite book}}: |author1= has generic name (help)CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: |author1= has generic name (help)CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: |author1= has generic name (help)CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: |author1= has generic name (help)CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: |author1= has generic name (help)CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: |author1= has generic name (help)CS1 maint: multiple names: authors list (link)