Кинематограф Соединенных Штатов , состоящий в основном из крупных киностудий (также известных под названием Голливуд ) , а также некоторых независимых фильмов , оказал большое влияние на мировую киноиндустрию с начала XX века .
Классический голливудский кинематограф , который развивался с 1910 по 1962 год, по-прежнему типичен для большинства фильмов, снятых в Америке сегодня. В то время как французам Огюсту и Луи Люмьеру обычно приписывают рождение современного кино [5] , американское кино вскоре стало доминирующей силой в зарождающейся индустрии. С более чем 600 англоязычными фильмами, выпущенными в среднем каждый год по состоянию на 2017 год [обновлять], оно произвело четвертое по величине количество фильмов любого национального кинематографа , после Индии , Японии и Китая [6] . Хотя национальные кинотеатры Великобритании , Канады , Австралии и Новой Зеландии также производят фильмы на том же языке, они не являются частью голливудской системы. Из-за этого Голливуд также считается транснациональным кинематографом [ 7] и выпускает многоязычные версии некоторых названий, часто на испанском или французском языках. Современный Голливуд часто передает производство на аутсорсинг в Великобританию, Канаду, Австралию и Новую Зеландию. Крупнейшие киностудии Голливуда являются основным источником самых коммерчески успешных и самых продаваемых фильмов в мире. [8] [9]
Голливуд считается старейшей киноиндустрией, местом, где появились самые ранние киностудии и продюсерские компании. Это родина различных жанров кино [10] — среди них комедия , драма , боевик , мюзикл , романтика , ужасы , научная фантастика , [ сомнительный – обсудить ] и эпос — и он подал пример другим национальным киноиндустриям.
В 1878 году Эдвард Мейбридж продемонстрировал силу фотографии в захвате движения. В 1894 году в Нью-Йорке прошла первая в мире коммерческая кинопоказная выставка с использованием кинетоскопа [11] и кинетографа [12] Томаса Эдисона . В последующие десятилетия производство немых фильмов значительно расширилось, студии образовались и переехали в Калифорнию, а фильмы и истории, которые они рассказывали, стали намного длиннее. Соединенные Штаты выпустили первый в мире синхронизированный звуковой музыкальный фильм « Певец джаза » в 1927 году [13] и были на переднем крае развития звукового кино в последующие десятилетия. С начала 20-го века киноиндустрия США в основном базировалась в тридцатимильной зоне с центром в районе Голливуда округа Лос-Анджелес, Калифорния . Режиссер Д. У. Гриффит сыграл центральную роль в разработке грамматики фильма . Фильм Орсона Уэллса « Гражданин Кейн» (1941) часто упоминается в опросах критиков как величайший фильм всех времён . [14]
Первым зарегистрированным случаем фотографий, фиксирующих и воспроизводящих движение, была серия фотографий бегущей лошади Эдварда Мейбриджа , которые он сделал в Пало-Альто, Калифорния , используя набор неподвижных камер, расположенных в ряд. Достижение Мейбриджа побудило изобретателей по всему миру попытаться создать подобные устройства. В Соединенных Штатах Томас Эдисон был одним из первых, кто создал такое устройство — кинетоскоп и кинетограф . [15] [16]
История кино в Соединенных Штатах берет свое начало на Восточном побережье , где в свое время Форт Ли, штат Нью-Джерси , был столицей киноиндустрии Америки. Индустрия зародилась в конце 19-го века со строительством « Черной Марии » Томаса Эдисона, первой киностудии в Уэст-Оранж, штат Нью-Джерси . Города и поселки на реке Гудзон и Гудзон Палисейдс предлагали землю по значительно более низкой цене, чем Нью-Йорк через реку, и получили большую выгоду в результате феноменального роста киноиндустрии на рубеже 20-го века. [17] [18] [19] [20]
Индустрия начала привлекать как капитал, так и инновационные рабочие силы. В 1907 году, когда компания Kalem начала использовать Форт-Ли в качестве места для съемок в этом районе, другие кинопроизводители быстро последовали ее примеру. В 1909 году предшественник Universal Studios , Champion Film Company , построил первую студию. [21] Другие быстро последовали ее примеру и либо построили новые студии, либо арендовали помещения в Форт-Ли. В 1910-х и 1920-х годах такие кинокомпании, как Independent Moving Pictures Company, Peerless Pictures Studios , Solax Studios , Eclair , Goldwyn Pictures Corporation , Star Film (Georges Méliès), World Film Company , Biograph Studios , Fox Film Corporation , Société Pathé Frères , Metro-Goldwyn-Mayer Studios Inc. , Victor Film Company и Selznick International Pictures снимали фильмы в Форт-Ли. Такие знаменитости, как Мэри Пикфорд, начинали свою карьеру в Biograph Studios. [22] [23] [24]
В Нью-Йорке студия Kaufman Astoria в Квинсе , построенная в эпоху немого кино, использовалась братьями Маркс и WC Fields . Студия Edison находилась в Бронксе . Челси, Манхэттен , также часто использовалась.
Другие города на востоке страны, в первую очередь Чикаго и Кливленд , также служили ранними центрами кинопроизводства. [25] [26]
На Западе Калифорния уже быстро становилась крупным центром кинопроизводства. В Колорадо, в Денвере располагалась кинокомпания Art-O-Graf , а ранняя студия Walt Disney Laugh-O-Gram Studio располагалась в Канзас-Сити , штат Миссури .
С 1908 года в киноиндустрии Джексонвилла (штат Флорида) было основано более 30 компаний немого кино, включая Kalem Studios , Metro Pictures (позже MGM ), Edison Studios , Majestic Films, [27] King-Bee Films Corporation , Vim Comedy Company , Norman Studios , Gaumont Film Company и Lubin Manufacturing Company .
В 1920-х годах Пикчер-Сити во Флориде планировалось построить киноцентр, однако из-за урагана Окичоби 1928 года эта идея рухнула, и Пикчер-Сити во Флориде вернули его первоначальное название — Хоуб-Саунд .
Попытка создать центр кинопроизводства в Детройте также оказалась безуспешной. [28]
Войны за патенты на кино в начале 20-го века способствовали распространению кинокомпаний в других частях США, за пределами Нью-Йорка. Многие кинопроизводители работали с оборудованием, на которое у них не было прав на использование. Поэтому съемки в Нью-Йорке могли быть опасны, так как он находился близко к штаб-квартире компании Эдисона и близко к агентам, которых компания намеревалась конфисковать.
Альтернативой был Лос-Анджелес , где были мягкие зимы, большой выбор мест для съемок, и, что самое важное, до границы с Мексикой было всего 90 миль , на случай, если им понадобится бежать, если их обнаружат агенты по обеспечению порядка Эдисона. К 1912 году большинство крупных кинокомпаний разместили производственные мощности в Южной Калифорнии , недалеко от Лос-Анджелеса или в самом Лос-Анджелесе , из-за благоприятной круглогодичной погоды в этом регионе. [29]
Производство фильма «Граф Монте-Кристо» компанией Selig Polyscope Company 1908 года под руководством Фрэнсиса Боггса и с Хобартом Босвортом в главной роли было заявлено как первый фильм, снятый в Лос-Анджелесе в 1907 году. В 1957 году город открыл мемориальную доску на флагманском магазине Dearden на углу Мэйн-стрит и 7-й улицы, чтобы отметить съёмки на этом месте, когда оно было китайской прачечной. [30] Вдова Босворта предположила, что город ошибся с датой и местом, и что фильм на самом деле снимался в соседней Венеции , которая в то время была независимым городом. [31] «Во власти султана», снятый Боггсом для компании Selig Polyscope Company, также с Босвортом в главной роли, считается первым фильмом, снятым полностью в Лос-Анджелесе, съемки проходили на 7-й и Олив-стрит в 1909 году. [32] [31]
В начале 1910 года режиссер Д. У. Гриффит был отправлен компанией Biograph Company на Западное побережье со своей актерской труппой, состоящей из актеров: Бланш Суит , Лилиан Гиш , Мэри Пикфорд , Лайонела Берримора и других. Они начали снимать на пустыре недалеко от Джорджия-стрит в центре Лос-Анджелеса. Находясь там, компания решила исследовать новые территории, проехав несколько миль на север в Голливуд: маленькую деревню, которая была дружелюбной и любила снимать там кинокомпанию. Затем Гриффит снял первый фильм, когда-либо снятый в Голливуде, In Old California , мелодраму Biograph о Калифорнии в 19 веке, когда штат находился под мексиканским правлением . Гриффит оставался там в течение нескольких месяцев и снял несколько фильмов, прежде чем вернуться в Нью-Йорк. Также в 1910 году компания Selig Polyscope Company из Чикаго основала первую киностудию в районе Лос-Анджелеса в Эдендейле [30], а первая студия в Голливуде открылась в 1912 году. [33] : 447 Услышав об успехе Гриффита в Голливуде, в 1913 году многие кинопроизводители направились на запад, чтобы избежать сборов, взимаемых Томасом Эдисоном , которому принадлежали патенты на процесс создания фильмов. [34] Nestor Studios из Байонны, Нью-Джерси , построила первую студию в районе Голливуда в 1911 году. [ сомнительно – обсудить ] Nestor Studios, принадлежавшая Дэвиду и Уильяму Хорсли, позже объединилась с Universal Studios; а другая компания Уильяма Хорсли, Hollywood Film Laboratory, теперь является старейшей существующей компанией в Голливуде, в настоящее время называемой Hollywood Digital Laboratory. Более гостеприимный и экономически эффективный климат Калифорнии привел к окончательному перемещению практически всего кинопроизводства на Западное побережье к 1930-м годам. В то время Томас Эдисон владел почти всеми патентами, имеющими отношение к кинопроизводству, и кинопродюсеры на Восточном побережье, действовавшие независимо от компании Эдисона Motion Picture Patents Company, часто подвергались судебным преследованиям или запретам со стороны Эдисона и его агентов, в то время как кинопродюсеры, работавшие на Западном побережье, могли работать независимо от контроля Эдисона. [35]
В Лос-Анджелесе студии и Голливуд росли. До Первой мировой войны фильмы снимались в нескольких американских городах, но кинематографисты, как правило, тяготели к южной Калифорнии по мере развития индустрии. Их привлекал теплый, предсказуемый климат с надежным солнечным светом, что позволяло снимать свои фильмы на открытом воздухе круглый год наряду с разнообразными пейзажами, которые были доступны. [36] Военный ущерб способствовал упадку доминирующей тогда европейской киноиндустрии в пользу Соединенных Штатов , где инфраструктура все еще была нетронутой. [37] Более сильная ранняя реакция общественного здравоохранения на эпидемию гриппа 1918 года в Лос-Анджелесе [38] по сравнению с другими американскими городами сократила количество случаев заболевания там и привела к более быстрому восстановлению, способствуя растущему доминированию Голливуда над Нью-Йорком. [37] Во время пандемии должностные лица общественного здравоохранения временно закрыли кинотеатры в некоторых юрисдикциях, крупные студии приостанавливали производство на несколько недель, а некоторые актеры заболевали гриппом. Это привело к крупным финансовым потерям и серьезным трудностям для небольших студий, но отрасль в целом более чем восстановилась в течение бурных двадцатых . [39]
В начале 20-го века, когда эта среда была новой, многие еврейские иммигранты нашли работу в киноиндустрии США. Они смогли оставить свой след в совершенно новом бизнесе: показе короткометражных фильмов в кинотеатрах, которые назывались Nickelodeons , из-за цены на вход в никель (пять центов). В течение нескольких лет такие люди, как Сэмюэл Голдвин , Уильям Фокс , Карл Леммле , Адольф Цукор , Луис Б. Майер и Warner Brothers (Гарри, Альберт, Сэмюэл и Джек) переключились на производственную сторону бизнеса. Вскоре они стали главами нового типа предприятий: киностудий . В те ранние годы в США было по крайней мере две женщины-режиссера, продюсера и руководителя студий: Лоис Вебер и француженка Элис Ги-Блаше . Они также заложили основу для интернационализма отрасли; отрасль часто обвиняют в амероцентричном провинциализме .
Другие кинематографисты приехали из Европы после Первой мировой войны: такие режиссеры, как Эрнст Любич , Альфред Хичкок , Фриц Ланг и Жан Ренуар ; и такие актеры, как Рудольф Валентино , Марлен Дитрих , Рональд Колман и Шарль Буайе . Они присоединились к отечественному запасу актеров, привлеченных на запад со сцены Нью-Йорка после появления звуковых фильмов, чтобы сформировать одну из самых замечательных отраслей роста 20-го века. На пике популярности кино в середине 1940-х годов студии выпускали в общей сложности около 400 фильмов в год, которые еженедельно смотрели 90 миллионов американцев. [40]
Звук также стал широко использоваться в Голливуде в конце 1920-х годов. [41] После того, как «Певец джаза» , первый фильм с синхронизированными голосами, был успешно выпущен в формате Vitaphone talkie в 1927 году, голливудские кинокомпании ответили Warner Bros. и начали использовать звук Vitaphone, которым Warner Bros. владели до 1928 года, в будущих фильмах. К маю 1928 года Electrical Research Product Incorporated (ERPI), дочерняя компания Western Electric company, получила монополию на распространение звука в фильмах. [40]
Побочным эффектом этих « разговорных » фильмов стало то, что многие актеры, сделавшие карьеру в немом кино, внезапно оказались без работы, поскольку у них часто были плохие голоса или они не могли запомнить свои реплики. Тем временем, в 1922 году американский политик Уилл Х. Хейс ушел из политики и основал организацию боссов киностудий, известную как «Продюсеры и дистрибьюторы кинофильмов Америки» (MPPDA). [42] Организация стала « Ассоциацией кинофильмов Америки» после того, как Хейс вышел на пенсию в 1945 году.
На заре звукового кино американские студии обнаружили, что их звуковые постановки были отвергнуты на иноязычных рынках и даже среди носителей других диалектов английского языка. Технология синхронизации была все еще слишком примитивной для дубляжа . Одним из решений было создание параллельных иноязычных версий голливудских фильмов. Около 1930 года американские компании [ which? ] открыли студию в Жуанвиль-ле-Пон , Франция, где использовались одни и те же декорации, гардероб и даже массовые сцены для разных съемочных групп с разделением времени .
Также иностранные безработные актеры, драматурги и победители фотоконкурсов были выбраны и привезены в Голливуд, где они сняли параллельные версии англоязычных фильмов. Эти параллельные версии имели меньший бюджет, снимались ночью и были срежиссированы американскими режиссерами второго ряда, которые не говорили на иностранном языке. В испаноязычные команды входили такие люди, как Луис Бунюэль , Энрике Хардиель Понсела , Хавьер Кугат и Эдгар Невилл . Производство не имело большого успеха на предполагаемых рынках по следующим причинам:
Классический голливудский кинематограф , или Золотой век Голливуда, определяется как технический и повествовательный стиль, характерный для американского кино с 1913 по 1962 год, в течение которого голливудские студии выпустили тысячи фильмов. Классический стиль начал формироваться в 1913 году, ускорился в 1917 году после вступления США в Первую мировую войну и окончательно закрепился, когда в 1927 году вышел фильм «Певец джаза» , положивший конец эпохе немого кино и увеличивший кассовые сборы киноиндустрии за счет внедрения звука в художественные фильмы.
Большинство голливудских картин строго придерживались формулы — вестерн , комедия-буффонада , мюзикл , анимационный мультфильм , биографический фильм — и одни и те же творческие команды часто работали над фильмами, снятыми одной и той же студией. Например, Седрик Гиббонс и Герберт Стотхарт всегда работали над фильмами MGM , Альфред Ньюман двадцать лет работал на 20th Century Fox , фильмы Сесила Б. Де Милля почти все снимались на Paramount , а фильмы режиссера Генри Кинга в основном снимались на 20th Century Fox .
В то же время обычно можно было догадаться, какая студия сняла тот или иной фильм, в основном по актерам, которые в нем снимались; например, MGM утверждала, что заключила контракты с «большем количеством звезд, чем есть на небесах». У каждой студии был свой стиль и характерные черты, которые позволяли это узнать — черта, которая редко встречается сегодня.
Например, «Иметь и не иметь» (1944) примечателен не только первой парой актеров Хамфри Богарта (1899–1957) и Лорен Бэколл (1924–2014), но и тем, что его написали два будущих лауреата Нобелевской премии по литературе : Эрнест Хемингуэй (1899–1961), автор романа, на котором номинально основан сценарий, и Уильям Фолкнер (1897–1962), работавший над экранизацией.
После выхода «Певца джаза» в 1927 году Warner Bros. добились огромного успеха и смогли обзавестись собственной сетью кинотеатров после покупки Stanley Theaters и First National Productions в 1928 году. Напротив, кинотеатры Loews владели MGM с момента своего основания в 1924 году, в то время как Fox Film Corporation владела Fox Theatre . RKO (слияние Keith-Orpheum Theaters и Radio Corporation of America в 1928 году [43] ) также отреагировали на монополию Western Electric/ERPI на звук в фильмах и разработали свой собственный метод, известный как Photophone , для помещения звука в фильмы. [40]
Paramount, которая приобрела Балабана и Каца в 1926 году, ответила на успех Warner Bros. и RKO покупкой ряда театров в конце 1920-х годов и удерживала монополию на театры в Детройте, штат Мичиган . [44] К 1930-м годам почти все столичные кинотеатры первого показа в Соединенных Штатах принадлежали студиям Большой пятерки — MGM , Paramount Pictures , RKO , Warner Bros. и 20th Century Fox . [45]
Кинокомпании работали по студийной системе . Крупные студии держали на зарплате тысячи людей — актеров, продюсеров, режиссеров, писателей, каскадеров, мастеров и техников. Они владели или арендовали Movie Ranches в сельской местности Южной Калифорнии для натурных съемок вестернов и других крупномасштабных жанровых фильмов, а крупные студии владели сотнями кинотеатров в городах и поселках по всей стране в 1920 году — кинотеатрами , которые показывали их фильмы и которым всегда требовался свежий материал.
В 1930 году президент MPPDA Уилл Хейс создал Кодекс Хейса (производства) , который следовал цензурным рекомендациям и вступил в силу после того, как правительственные угрозы цензуры усилились к 1930 году. [46] Однако кодекс так и не был реализован до 1934 года, после того как католическая организация по надзору за благопристойностью «Легион приличия» , потрясенная некоторыми провокационными фильмами и кричащей рекламой эпохи, позже классифицированной как «Голливуд до кодекса», пригрозила бойкотом кинофильмов, если он не вступит в силу. [47] Фильмы, не получившие одобрения от Администрации кодекса производства, должны были заплатить штраф в размере 25 000 долларов (что эквивалентно 455 976 долларам в 2023 году) и не могли получать прибыль в кинотеатрах, поскольку MPPDA контролировала каждый театр в стране через студии «Большой пятерки».
На протяжении 1930-х годов, а также большую часть золотого века, MGM доминировала на киноэкране и имела главных звезд в Голливуде, и им также приписывали создание системы звезд Голливуда в целом. [48] Среди звезд MGM были «Король Голливуда» Кларк Гейбл , Лайонел Берримор , Джин Харлоу , Норма Ширер , Грета Гарбо , Джоан Кроуфорд , Жанетт Макдональд , Джин Рэймонд , Спенсер Трейси , Джуди Гарленд и Джин Келли . [48]
Еще одно великое достижение американского кинематографа в эту эпоху произошло благодаря анимационной компании Уолта Диснея . В 1937 году Дисней создал самый успешный фильм своего времени, Белоснежка и семь гномов . [49] Это достижение было быстро превзойдено в 1939 году, когда Selznick International создала то, что до сих пор, с поправкой на инфляцию, является самым успешным фильмом всех времен — Унесенные ветром . [50]
Многие историки кино отметили множество великих произведений кино, которые появились в этот период строго регламентированного кинопроизводства. Одна из причин, по которой это стало возможным, заключается в том, что при таком количестве снятых фильмов не все из них должны были стать хитами. Студия могла сделать ставку на среднебюджетный фильм с хорошим сценарием и относительно неизвестными актерами: «Гражданин Кейн» , снятый Орсоном Уэллсом (1915–1985) и часто считающийся величайшим фильмом всех времен , подходит под это описание. В других случаях волевые режиссеры, такие как Говард Хоукс (1896–1977), Альфред Хичкок (1899–1980) и Фрэнк Капра (1897–1991), боролись со студиями, чтобы воплотить в жизнь свои художественные замыслы.
Апогеем студийной системы, возможно, стал 1939 год, когда на экраны вышли такие классические фильмы, как «Волшебник страны Оз» , « Унесенные ветром » , «Дилижанс» , «Мистер Смит едет в Вашингтон» , «Грозовой перевал» , «Только у ангелов есть крылья» , «Ниночка» и «Полночь» . Среди других фильмов периода Золотого века, которые сейчас считаются классикой: «Касабланка» , «Эта прекрасная жизнь» , «Это случилось однажды ночью» , оригинальный «Кинг-Конг» , «Мятеж на «Баунти» , «Цилиндр» , «Огни большого города» , «Красная река» , «Леди из Шанхая» , «Окно во двор» , «В порту» , «Бунтарь без причины », «В джазе только девушки » и «Маньчжурский кандидат» .
.jpg/1280px-Walt_Disney_Snow_white_1937_trailer_screenshot_(13).jpg)
Студийная система и Золотой век Голливуда пали под воздействием двух сил, возникших в конце 1940-х годов:
В 1938 году «Белоснежка и семь гномов» Уолта Диснея вышла в прокат во время серии невзрачных фильмов крупных студий и быстро стала самым кассовым фильмом, выпущенным на тот момент. К стыду студий, это был независимо созданный анимационный фильм, в котором не было ни одной звезды, нанятой студией. [51] Это вызвало и без того широко распространенное разочарование практикой блок-букинга , при которой студии продавали кинотеатрам только целый годовой график фильмов за раз и использовали блокировку для покрытия релизов посредственного качества.
Помощник генерального прокурора Турман Арнольд — известный « разрушитель трастов » администрации Рузвельта — воспользовался этой возможностью, чтобы в июле 1938 года инициировать судебное разбирательство против восьми крупнейших голливудских студий за нарушения Антимонопольного закона Шермана . [52] [53] В результате федерального иска пять из восьми студий («Большая пятерка»: Warner Bros. , MGM , Fox , RKO и Paramount ) достигли компромисса с Арнольдом в октябре 1940 года и подписали соглашение о согласии , согласно которому в течение трех лет:
«Маленькая тройка» ( Universal Studios , United Artists и Columbia Pictures ), не владевшая ни одним кинотеатром, отказалась участвовать в согласительном определении. [52] [53] Ряд независимых кинопродюсеров также были недовольны компромиссом и сформировали профсоюз, известный как Общество независимых кинопродюсеров, и подали в суд на Paramount за монополию, которую они все еще имели над театрами Детройта, поскольку Paramount также приобретала господство через таких актеров, как Боб Хоуп, Полетт Годдард, Вероника Лейк, Бетти Хаттон, эстрадный певец Бинг Кросби, Алан Лэдд и давний актер студии Гэри Купер , к 1942 году. Студии Big Five не выполнили требования Согласия определения во время Второй мировой войны, без серьезных последствий, но после окончания войны они присоединились к Paramount в качестве ответчиков в голливудском антимонопольном деле, как и студии Little Three. [54]
Верховный суд США в конечном итоге постановил в деле United States v. Paramount Pictures, Inc. , что владение крупными студиями театрами и кинопрокатом является нарушением антимонопольного закона Шермана . В результате студии начали освобождать актеров и технический персонал от контрактов со студиями. Это изменило парадигму кинопроизводства крупными голливудскими студиями, поскольку каждая могла иметь совершенно разный актерский состав и творческую команду.
Это решение привело к постепенной потере характеристик, которые делали фильмы Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Universal Studios, Columbia Pictures, RKO Pictures и 20th Century Fox мгновенно узнаваемыми. Некоторые кинодеятели, такие как Сесил Б. Демилль , либо оставались контрактными художниками до конца своей карьеры, либо использовали одни и те же творческие команды для своих фильмов, так что фильм Демилля все равно выглядел как фильм, независимо от того, был ли он снят в 1932 или 1956 году.
Постклассическое кино — это меняющиеся методы повествования в Новом Голливуде. Утверждалось, что новые подходы к драме и характеристикам играют на ожиданиях аудитории, приобретенных в классический период: хронология может быть перепутана, сюжетные линии могут иметь « неожиданные концовки », а линии между антагонистом и главным героем могут быть размыты. Корни постклассического повествования можно увидеть в фильме нуар , в «Бунтаре без причины» (1955) и в разрушающем сюжетную линию фильме Хичкока «Психо» .
Новый Голливуд — это появление нового поколения режиссёров, прошедших обучение в киношколах, которые впитали приёмы, разработанные в Европе в 1960-х годах в результате французской Новой волны; фильм 1967 года «Бонни и Клайд» также ознаменовал начало возрождения американского кинематографа, поскольку новое поколение фильмов впоследствии также добилось успеха в прокате. [55] Такие режиссёры, как Фрэнсис Форд Коппола , Стивен Спилберг , Джордж Лукас , Брайан Де Пальма , Стэнли Кубрик , Мартин Скорсезе , Роман Полански и Уильям Фридкин, пришли, чтобы создать фильмы, которые отдавали дань уважения истории кино и развивали существующие жанры и приёмы. Начавшийся с выхода в 1969 году фильма Энди Уорхола « Голубое кино » , феномен эротических фильмов для взрослых , публично обсуждаемых знаменитостями (такими как Джонни Карсон и Боб Хоуп ) [56] и воспринимаемых всерьез критиками (такими как Роджер Эберт ) [57] [58], — явление, названное Ральфом Блюменталем из The New York Times « порношиком », а позже известное как Золотой век порно , — впервые началось в современной американской культуре. [56] [59] [60] По словам удостоенного наград автора Тони Бентли , фильм Рэдли Метцгера 1976 года «Открытие Мисти Бетховен» , основанный на пьесе Джорджа Бернарда Шоу « Пигмалион» (и ее производной « Моя прекрасная леди »), и благодаря достижению мейнстримного уровня в сюжетной линии и декорациях [61] считается «жемчужиной» этого « Золотого века ». [62] [63]
На пике своей славы в начале 1970-х годов Чарльз Бронсон был кассовым хитом № 1 в мире, зарабатывая по 1 миллиону долларов за фильм. [64] В 1970-х годах фильмы новых голливудских режиссеров часто были и признаны критиками, и коммерчески успешны. В то время как ранние фильмы нового Голливуда, такие как «Бонни и Клайд» и «Беспечный ездок», были относительно малобюджетными делами с аморальными героями и повышенной сексуальностью и насилием, огромный успех, достигнутый Фридкиным с «Изгоняющим дьявола» , Спилбергом с «Челюстями» , Копполой с «Крестным отцом» и «Апокалипсисом сегодня» , Скорсезе с «Таксистом » , Кубриком с «Космической одиссеей 2001 года» , Полански с «Китайским кварталом » и Лукасом с «Американскими граффити» и «Звездными войнами » , соответственно, помог зародить современный « блокбастер » и побудил студии все больше концентрироваться на попытках производить огромные хиты. [65]
В США рейтинг PG-13 был введён в 1984 году для фильмов, находящихся в диапазоне между PG и R, что было вызвано главным образом спорами вокруг жестокого содержания фильмов с рейтингом PG «Индиана Джонс и Храм Судьбы» и «Гремлины» (оба 1984 года). [66]
Кинорежиссеры в 1990-х годах получили доступ к технологическим, политическим и экономическим инновациям, которые не были доступны в предыдущие десятилетия. «Дик Трейси» (1990) стал первым художественным фильмом на 35 мм с цифровой звуковой дорожкой. «Бэтмен возвращается» (1992) был первым фильмом, в котором использовался шестиканальный стереозвук Dolby Digital , который с тех пор стал отраслевым стандартом. Создание компьютерных изображений значительно упростилось, когда стало возможным переносить изображения с пленки на компьютер и обрабатывать их в цифровом виде. Возможности стали очевидны в фильме режиссера Джеймса Кэмерона « Терминатор 2: Судный день » (1991) в изображениях меняющего форму персонажа Т-1000 . Компьютерная графика или CG продвинулась до такой степени, что «Парк Юрского периода» (1993) смог использовать эти методы для создания реалистично выглядящих животных. «Джекпот» (2001) стал первым фильмом, снятым полностью в цифровом формате. [67] В фильме «Титаник» Кэмерон хотел раздвинуть границы спецэффектов в своем фильме и привлек Digital Domain и Pacific Data Images для продолжения разработок в области цифровых технологий, которые режиссер впервые применил во время работы над «Бездной» и «Терминатором 2: Судный день» . Во многих предыдущих фильмах о « Титанике » вода снималась в замедленной съемке , что выглядело не совсем убедительно. [68] Кэмерон призвал свою команду снять 45-футовую (14 м) миниатюру корабля так, как будто «мы снимаем рекламу для White Star Line».
Даже «Ведьма из Блэр» (1999), малобюджетный инди- фильм ужасов Эдуардо Санчеса и Дэниела Мирика , имел огромный финансовый успех. Снятый с бюджетом всего в 35 000 долларов, без каких-либо крупных звезд или спецэффектов, фильм собрал 248 миллионов долларов с использованием современных маркетинговых методов и интернет-продвижения. Хотя и не в масштабах приквела Джорджа Лукаса к трилогии «Звездных войн» стоимостью 1 миллиард долларов , «Ведьма из Блэр» заслужил честь быть самым прибыльным фильмом всех времен с точки зрения процента валового сбора. [67]
Однако успех Blair Witch как независимого проекта остаётся одним из немногих исключений, и контроль студий The Big Five над кинопроизводством продолжал расти в течение 1990-х годов. Все компании The Big Six пережили период расширения в 1990-х годах. Каждая из них разработала разные способы адаптации к растущим издержкам в киноиндустрии, особенно к растущим зарплатам кинозвёзд, движимым влиятельными агентами. Такие крупнейшие звезды, как Сильвестр Сталлоне , Рассел Кроу , Том Круз , Николь Кидман , Сандра Буллок , Арнольд Шварценеггер , Мел Гибсон , Кевин Бэйкон и Джулия Робертс, получали от 15 до 20 миллионов долларов за фильм, а в некоторых случаях даже получали долю от прибыли фильма. [67]
Сценаристы , с другой стороны, обычно получали меньше, чем ведущие актеры или режиссеры, обычно менее 1 миллиона долларов за фильм. Однако единственным крупнейшим фактором, обусловившим рост расходов, были спецэффекты. К 1999 году средняя стоимость блокбастерного фильма составляла 60 миллионов долларов до маркетинга и продвижения, которые стоили еще 80 миллионов долларов. [67]
С начала 21-го века на театральном рынке постепенно доминирует жанр супергероев . По состоянию на 2022 год [update]это самые высокооплачиваемые постановки для актеров, потому что гонорары в других жанрах сократились даже для лучших актеров. [70] Однако в 2023 и 2024 годах голливудские эксперты указали на «усталость от супергероев» как на новую тенденцию. [71] Такие актеры, как Пол Дано , и режиссеры, как Мэтью Вон, выдвинули похожие аргументы. [72] [73]
В 2021 году, несмотря на пандемию COVID-19 в Соединенных Штатах , в кинотеатрах вышли такие блокбастеры, как «Черная вдова» , «F9» , «Смерть на Ниле» и «Вестсайдская история» , хотя изначально даты выхода были перенесены на 2020 год. [74]
Различные студии отреагировали на кризис спорными решениями отказаться от театрального окна и выпускать свои фильмы в день и дату . NBCUniversal выпустила «Троллей: Мировой тур» напрямую в прокат видео по запросу 10 апреля [77] , одновременно получая ограниченные внутренние театральные показы через автокинотеатры; [78] Генеральный директор Джефф Шелл утверждает, что фильм достиг почти 100 миллионов долларов дохода за первые три недели. [79] [80] Решение было отклонено AMC Theatres , которая затем объявила, что показы фильмов Universal Pictures будут немедленно прекращены, хотя обе компании в конечном итоге договорились о двухнедельном театральном окне. [81] [82] [83] [84] [85] К декабрю 2020 года Warner Bros. Pictures объявила о своем решении одновременно выпустить свой список фильмов 2021 года в обоих кинотеатрах и на своем стриминговом сайте HBO Max в течение одного месяца, чтобы максимально увеличить зрительскую аудиторию. [86] Этот шаг подвергся резкой критике со стороны различных деятелей индустрии, многие из которых, как сообщается, не были проинформированы о решении до его объявления и чувствовали себя обманутыми студией. [87]
Начиная с 2019 года, наблюдается рост американских потоковых платформ, таких как Netflix , Disney+ , Paramount+ и Apple TV+ , которые стали конкурировать с традиционным кино. [88] [89] Отраслевые комментаторы отметили растущее отношение корпораций к фильмам как к « контенту », что коррелирует с возросшей популярностью потоковых платформ. [90] Это включает в себя размывание границ между фильмами, телевидением и другими формами медиа, поскольку все больше людей потребляют их вместе различными способами, при этом отдельные фильмы определяются больше их идентичностью бренда и коммерческим потенциалом, а не их средой, историями и артистизмом. [88] [91] Критик Мэтт Золлер Зейтц описал выпуск « Мстителей: Финал» в 2019 году как «представляющий собой решительное поражение «кино» «контентом » » из-за его грандиозного успеха как «части развлечения», определяемого брендом Marvel, которая завершает серию блокбастеров, имеющих черты сериального телевидения. [88]
Фильмы «Космический джем: Новое наследие» и «Красное уведомление» были приведены в качестве примеров такого обращения, причем первый был описан многими критиками как «длинная рекламная кампания для HBO Max», в которой представлены сцены и персонажи, напоминающие различные объекты Warner Bros., такие как «Касабланка» , «Матрица» и «Остин Пауэрс» , [92] [93] [94] [95] в то время как последний является фильмом об ограблении стоимостью 200 миллионов долларов от Netflix, который критики описали как «фильм, который больше похож на обработанный машиной [...], чем на что-либо приближающееся к художественному замыслу или даже честному желанию развлечь». [96] [97] [98] Некоторые высказали мнение, что «Космический джем» демонстрирует все более циничное отношение индустрии к фильмам как к простой интеллектуальной собственности (ИС), подлежащей эксплуатации, подход, который критик Скотт Мендельсон назвал «ИС ради ИС». [93] [99] [100] [94]
Мартин Скорсезе предупредил, что кино как вид искусства «систематически обесценивается, отодвигается на второй план, унижается и сводится» к «контенту», и назвал чрезмерный акцент блокбастеров на кассовых сборах «отвратительным». [101] [102] Квентин Тарантино высказал мнение, что 2020-е годы были одной из «худших» эпох «в истории Голливуда» в интервью подкаста. [103] [104] Во время мастер-класса на кинофестивале в Сараево 2023 года Чарли Кауфман раскритиковал мейнстримные блокбастеры , заявив, что «на данный момент единственное, что приносит деньги, — это мусор», и призвал профессионалов отрасли «снимать фильмы вне студийной системы как можно чаще». [105] [106] Джеймс Грей отметил в интервью Deadline : «Когда вы снимаете фильмы, которые приносят кучу денег и только один вид фильмов, вы начинаете отучать большую часть населения от походов в кино», что приводит к снижению зрительской аудитории, хотя и пояснил, что у него «нет проблем с фильмом по комиксам». В качестве решения проблемы отсутствия «инвестиций в широкомасштабное взаимодействие с продуктом» он предлагает студиям «быть готовыми потерять деньги в течение пары лет на подразделениях арт-фильмов, и в конце концов они будут счастливее». [107]
В 1930-х годах демократы и республиканцы увидели деньги в Голливуде. Президент Франклин Рузвельт увидел огромное партнерство с Голливудом. Он использовал первый реальный потенциал звезд Голливуда в общенациональной кампании. Мелвин Дуглас и его жена Хелен посетили Вашингтон, округ Колумбия , в 1939 году и встретились с ключевыми представителями Нового курса. [108]
Были подписаны письма поддержки от ведущих актеров, выступления по радио и печатная реклама. Кинозвезды использовались для привлечения большой аудитории к политическим взглядам партии. К 1960-м годам Джон Ф. Кеннеди стал новым, молодым лицом для Вашингтона, и его крепкая дружба с Фрэнком Синатрой стала примером этой новой эры гламура. Последние магнаты Голливуда ушли, и более молодые, новые руководители и продюсеры начали продвигать более либеральные идеи. [109] [110]
Знаменитости и деньги привлекали политиков в высококлассный, блестящий образ жизни Голливуда. Как писал Рон Браунштейн в своей книге «Власть и блеск» , телевидение в 1970-х и 1980-х годах было чрезвычайно важным новым средством массовой информации в политике, и Голливуд помогал в этом с актерами, выступавшими с речами о своих политических убеждениях, как, например, Джейн Фонда против войны во Вьетнаме. [111] Несмотря на то, что большинство знаменитостей и продюсеров придерживались левых взглядов и были склонны поддерживать Демократическую партию , [112] [113] эта эпоха произвела на свет некоторых актеров и продюсеров- республиканцев, таких как Клинт Иствуд и Джерри Брукхаймер . Группы поддержки, такие как « Друзья Эйба», были созданы для поддержки консервативных идей в Голливуде, который воспринимается как предвзятый по отношению к консерваторам. [114] Бывший актер Рональд Рейган стал губернатором Калифорнии , а впоследствии стал 40-м президентом Соединенных Штатов . Это продолжилось с Арнольдом Шварценеггером в качестве губернатора Калифорнии в 2003 году . [115]
Сегодня пожертвования из Голливуда помогают финансировать федеральную политику. [116] Например, 20 февраля 2007 года тогдашний кандидат в президенты от Демократической партии Барак Обама устроил голливудский гала-ужин стоимостью 2300 долларов за блюдо, организованный основателями DreamWorks Дэвидом Геффеном , Джеффри Катценбергом и Стивеном Спилбергом в отеле Beverly Hilton. [116]
Нативная реклама — это информация, призванная убеждать более тонкими способами, чем классическая пропаганда . Современным примером, распространенным в Соединенных Штатах , является Copa Ganda , в котором телешоу демонстрируют нереалистично лестные изображения сотрудников правоохранительных органов, отчасти для того, чтобы одолжить оборудование и получить их помощь в перекрытии улиц для более легкой съемки на месте. [117] Другие обвинения в отмывании репутации были выдвинуты в индустрии развлечений, включая приукрашивание образа мафии. [118]
Скрытая реклама также стала предметом критики, поскольку табачная промышленность пропагандировала курение на экране. [119] Центры по контролю и профилактике заболеваний утверждают, что 18% подростков-курильщиков не стали бы курить, если бы фильмам с курением автоматически присваивался рейтинг «R», что спасло бы 1 миллион жизней. [120]
Голливудские продюсеры, как правило, стремятся соблюдать требования цензуры китайского правительства в попытке получить доступ к ограниченному и прибыльному рынку кино страны, [121] со вторым по величине кассовым сбором в мире по состоянию на 2016 год. Это включает в себя приоритетное изображение сочувственных китайских персонажей в фильмах, например, изменение злодеев в « Красном рассвете» с китайцев на северокорейцев. [121] Из-за многих тем, запрещенных в Китае, таких как Далай-лама и Винни-Пух, задействованные в эпизоде « Южного парка » « Оркестр в Китае », «Южный парк» был полностью запрещен в Китае после трансляции эпизода. [122] Фильму 2018 года «Кристофер Робин» , новому фильму о Винни-Пухе, было отказано в выпуске в Китае. [122]
Хотя Тибет ранее был причиной скандала в Голливуде, показанной в таких фильмах, как «Кундун» и «Семь лет в Тибете» , в 21 веке это уже не так. [123] В 2016 году Marvel Entertainment подверглась критике за свое решение взять Тильду Суинтон на роль «Древнейшей» в экранизации «Доктора Стрэнджа» , использовав белую женщину для роли традиционного тибетского персонажа. [124] Актер и известный сторонник Тибета Ричард Гир заявил, что его больше не приглашают участвовать в популярных голливудских фильмах после того, как он раскритиковал китайское правительство и призвал к бойкоту летних Олимпийских игр 2008 года в Пекине. [123] [125]
Голливуд также самоцензурировал любые негативные изображения нацистов в течение большей части 1930-х годов, чтобы сохранить доступ к немецкой аудитории. [126] Примерно в то же время экономическая цензура привела к самоцензуре контента, чтобы угодить группе, обладающей их экономическим влиянием. [126] Кодекс Хейса был предпринятой отраслью в период с 1930 по 1967 год попыткой строгой самоцензуры, чтобы успокоить религиозные возражения против определенного контента и предотвратить любую правительственную цензуру, которая могла бы последовать за этим. [126]
Исследователи политической экономии коммуникации долгое время фокусировались на международном или глобальном присутствии, власти, прибыльности и популярности голливудских фильмов. Книги о глобальном Голливуде Тоби Миллера и Ричарда Максвелла [127], Джанет Уоско и Мэри Эриксон [128] , Керри Сигрейва [129] , Джона Трампа Бура [130] и Таннера Мирлеса [131] исследуют международную политическую экономию власти Голливуда.
По словам Таннера Мирлза, Голливуд полагается на четыре капиталистические стратегии «для привлечения и интеграции в свою сферу деятельности неамериканских кинопродюсеров, прокатчиков и зрителей: право собственности, трансграничное производство с подчиненными поставщиками услуг, лицензионные соглашения с прокатчиками и блокбастеры, предназначенные для показа по всему миру». [132]
В 1912 году американские кинокомпании были в значительной степени погружены в конкуренцию за внутренний рынок. Было трудно удовлетворить огромный спрос на фильмы, созданный бумом Nickelodeon . Члены Motion Picture Patents Company , такие как Edison Studios , также стремились ограничить конкуренцию со стороны французских, итальянских и других импортных фильмов. Экспорт фильмов, таким образом, стал прибыльным для этих компаний. Vitagraph Studios была первой американской компанией, которая открыла собственные дистрибьюторские офисы в Европе, основав филиал в Лондоне в 1906 году и второй филиал в Париже вскоре после этого. [133]
Другие американские компании также выходили на зарубежные рынки, и американская дистрибуция за рубежом продолжала расширяться до середины 1920-х годов. Первоначально большинство компаний продавали свои фильмы косвенно. Однако, поскольку у них не было опыта в зарубежной торговле, они просто продавали зарубежные права на свои фильмы зарубежным дистрибьюторским фирмам или экспортным агентам. Постепенно Лондон стал центром международного распространения американских фильмов. [133]
Многие британские компании получали прибыль, выступая в качестве агентов этого бизнеса, и тем самым они ослабляли британское производство, передавая большую долю рынка Великобритании американским фильмам. К 1911 году примерно 60–70 процентов фильмов, импортируемых в Великобританию, были американскими. Соединенные Штаты также преуспевали в Германии, Австралии и Новой Зеландии. [133]
Совсем недавно, когда глобализация начала усиливаться, а правительство Соединенных Штатов активно продвигало программы свободной торговли и торговлю культурными продуктами, Голливуд стал всемирным источником культуры. Успех на экспортных рынках Голливуда можно узнать не только из бума американских многонациональных медиакорпораций по всему миру, но и из уникальной способности снимать высокобюджетные фильмы, которые сильно апеллируют к вкусам публики во многих различных культурах. [134]
В условиях глобализации кинопроизводство было сосредоточено в Голливуде по нескольким причинам: Соединенные Штаты имеют крупнейший в долларовом выражении внутренний рынок, развлекательные и высоко оцененные голливудские фильмы имеют глобальную привлекательность, а роль английского языка как универсального способствует компенсации более высоких постоянных издержек производства.
Голливуд глубже проник на китайские рынки, хотя и находится под влиянием цензуры Китая. Фильмы, снятые в Китае, подвергаются цензуре, строго избегая таких тем, как «призраки, насилие, убийство, ужас и демоны». Такие сюжетные элементы рискуют быть вырезаны. Голливуду пришлось снимать «одобренные» фильмы, соответствующие официальным китайским стандартам, но с эстетическими стандартами, принесенными в жертву кассовым сборам. Даже китайским зрителям было скучно ждать выхода великих американских фильмов, дублированных на их родном языке. [135]
Женщины статистически недопредставлены на творческих должностях в центре американской киноиндустрии, Голливуде. Эта недопредставленность получила название « целлулоидный потолок », вариант термина дискриминации в сфере занятости « стеклянный потолок ». В 2013 году «самые высокооплачиваемые актеры ... составили 2+В 1 ⁄ 2 раза больше денег, чем у самых высокооплачиваемых актрис». [136] «[С]таршие] актеры-мужчины зарабатывают больше, чем их коллеги-женщины» по возрасту, при этом «женщины-кинозвезды зарабатывают больше всего денег в среднем за фильм в возрасте 34 лет, тогда как мужчины-звезды зарабатывают больше всего в возрасте 51 года». [137]
В отчете о потолке рынка целлулоида за 2013 год, подготовленном Центром по изучению женщин на телевидении и в кино при Государственном университете Сан-Диего, был собран список статистических данных, полученных от «2813 человек, занятых в 250 самых кассовых отечественных фильмах 2012 года». [138]
Женщины составили:
В статье New York Times говорится, что только в 15% лучших фильмов 2013 года женщины играли главные роли. [139] Автор исследования отметил, что «процент женских ролей со словами не сильно увеличился с 1940-х годов, когда он колебался в пределах от 25 до 28 процентов». «С 1998 года представительство женщин в закулисных ролях, отличных от режиссуры, выросло всего на 1 процент». Женщины «сняли тот же процент из 250 самых кассовых фильмов в 2012 году (9 процентов), что и в 1998 году». [136]
10 мая 2021 года NBC объявила, что не будет транслировать 79-ю церемонию вручения премии «Золотой глобус» в 2022 году в поддержку бойкота Голливудской ассоциации иностранной прессы (HFPA) несколькими медиакомпаниями из-за недостаточных усилий по решению проблемы отсутствия разнообразия в членстве ассоциации с цветными людьми , но что она будет открыта для трансляции церемонии в 2023 году, если HFPA добьется успеха в своих усилиях по реформированию. [140] HFPA будет расформирована два года спустя в результате этого и других скандалов. [141] [142]
Американское кино часто отражает и пропагандирует негативные стереотипы по отношению к иностранным гражданам и этническим меньшинствам. [143] Например, русские и русские американцы обычно изображаются как жестокие гангстеры, безжалостные агенты и злодеи. [144] [145] [146] По словам русского американского профессора Нины Л. Хрущевой , «Вы даже не можете включить телевизор и пойти в кино, чтобы не увидеть русских как ужасных». [147] Итальянцы и италоамериканцы обычно ассоциируются с организованной преступностью и американской мафией . [148] [149] [150] Испаноязычные и латиноамериканские американцы в основном изображаются как сексуализированные фигуры, такие как латиноамериканские мачо или латиноамериканские лисицы , члены банд , (нелегальные) иммигранты или артисты . [151] Однако в последние годы репрезентация в Голливуде улучшилась, набрав обороты в 1990-х годах, и больше не подчеркивает угнетение, эксплуатацию или сопротивление как основные темы. По словам Чарльза Рамиреса Берга, фильмы третьей волны «не акцентируют угнетение или сопротивление чикано ; этническая принадлежность в этих фильмах существует как один из нескольких фактов, которые формируют жизни персонажей и накладывают отпечаток на их личности». [152] Такие режиссеры, как Эдвард Джеймс Олмос и Роберт Родригес, смогли представить испаноязычный и латиноамериканский опыт, как никто другой на экране, и такие актеры, как Хилари Суонк , Джордана Брюстер , Джессика Альба , Камилла Белль , Аль Мадригал , Алексис Бледель , София Вергара , Ана де Армас и Рэйчел Зеглер добились успеха. В последнее десятилетие режиссеры из числа меньшинств, такие как Крис Вайц , Альфонсо Гомес-Рехон и Патрисия Ригген, получили более прикладные [ правильно ли написано? ] повествования. Фильмы, в которых изображены испаноязычные и латиноамериканцы, включают «Бамба» (1987), «Селена» (1997), «Маска Зорро» (1998), «Гол 2» (2007), «За бортом » (2018), «Отец невесты» (2022) и « Настоящие женщины имеют изгибы» Хосефины Лопес ., первоначально пьеса , премьера которой состоялась в 1990 году, а затем был выпущен в виде фильма в 2002 году. [152]
Афроамериканское представительство в Голливуде резко улучшилось к концу 20-го века после падения студийной системы, и эта тенденция сохраняется в 21-м веке, поскольку представительство меньшинств продолжает расти. [153] [154] [155] [156] В старом Голливуде для белых актеров было обычным делом носить черное лицо . [157] В фильме 2016 года «Лунный свет » мужественность изображается как жесткая и агрессивная, как это видно по поведению молодых чернокожих мужчин в подростковой группе сверстников Широна. [158] Выражение гипермужественности среди чернокожих мужчин было связано с принятием сверстниками и обществом. [159] С другой стороны, быть геем в черном сообществе было связано с социальным отчуждением и гомофобным осуждением со стороны сверстников. В фильме Широн оказывается в этом водоразделе как темнокожий гей и меняет свое представление о мужественности в качестве стратегии, чтобы избежать насмешек, поскольку гомосексуальность рассматривается как несовместимая с ожиданиями темнокожих мужчин. В детстве Кевин скрывает свою сексуальность, чтобы не выделяться, как Широн. По мере взросления Широн осознает необходимость соответствовать гетеронормативному идеалу темнокожей мужественности, чтобы избежать оскорблений и гомофобии. Став взрослым, Широн выбирает принять стереотипное гендерное представление темнокожего мужчины, становясь мускулистым и наркоторговцем. [158]
По словам корейско-американского актера Дэниела Дэ Кима , азиаты и азиатско-американские мужчины «изображались как непостижимые злодеи и асексуализированные евнухи». [150] Media Action Network for Asian Americans обвинила режиссера и студию Aloha в обелении актерского состава фильма, а режиссер Кэмерон Кроу извинился за то, что Эмму Стоун неправильно утвердили на роль персонажа, который должен был иметь на четверть китайское и на четверть гавайское происхождение. [160] [161] [162] На протяжении всего 20-го века актерских ролей в кино было относительно немного, и многие доступные роли были узкими персонажами. В 21-м веке молодые азиатско-американские комики и режиссеры нашли выход на YouTube, что позволило им обрести сильную и преданную фан-базу среди своих собратьев-азиатов-американцев. [163] Хотя совсем недавно фильм « Безумно богатые азиаты» хвалили в Соединенных Штатах за то, что в нем преобладают азиатские актеры, [164] его критиковали в других местах за то, что актеры смешанной расы и некитайцы играли этнических китайских персонажей. Фильм « Всегда будь моим, может быть» хвалили за то, что он использовал знакомые ритмы романтических комедий и умело вставлял в них умные социальные комментарии. [165]
До терактов 11 сентября арабы и арабо-американцы часто изображались как террористы . [150] Решение нанять Наоми Скотт , дочь англичанина и матери гуджаратского происхождения из Уганды , на главную роль Жасмин в фильме «Аладдин», также вызвало критику, а также обвинения в колоризме , поскольку некоторые комментаторы ожидали, что роль достанется актрисе арабского или ближневосточного происхождения. [166] В январе 2018 года сообщалось, что белым статистам во время съемок наносили коричневый грим, чтобы «слиться с толпой», что вызвало возмущение и осуждение среди поклонников и критиков, которые назвали эту практику «оскорблением всей индустрии», а также обвинили продюсеров в том, что они не нанимают людей с ближневосточным или североафриканским происхождением. Disney отреагировала на спор следующим образом: «Разнообразие нашего состава и актеров второго плана было обязательным требованием, и только в нескольких случаях, когда это было вопросом специальных навыков, безопасности и контроля (установки для спецэффектов, каскадеры и работа с животными), команда была сформирована так, чтобы вписаться в общую картину». [167] [168]
Рабочий процесс Голливуда уникален тем, что большая часть его рабочей силы не приходит на одну и ту же фабрику каждый день и не следует одной и той же рутине изо дня в день, а снимается в отдаленных местах по всему миру, с графиком, продиктованным снимаемыми сценами, а не тем, что имеет наибольший смысл для производительности. Например, городской фильм, снятый полностью на натуре ночью, потребует от основной части съемочной группы работать в ночную смену, в то время как сериал ситуационной комедии, который снимается в основном на сцене, и только один или два дня в неделю на натуре, будет следовать более традиционному рабочему графику. Вестерны часто снимаются в пустынных местах вдали от домов съемочной группы, в районах с ограниченным количеством отелей, которые требуют длительных поездок до и после съемочного дня, что позволяет использовать как можно больше часов солнечного света, в конечном итоге требуя от рабочих работать по 16 или 17 часов в день с момента выхода из дома до момента возвращения. [169] [170]
В то время как роль труда в Америке во многих частях страны ослабла, профсоюзы сохранили прочную хватку в Голливуде с момента их зарождения во время Великой депрессии , когда рабочие выстраивались в очередь возле процветающих киностудий в поисках единственной работы в городе. Этих рабочих ждали ужасные условия, поскольку студии эксплуатировали жаждущих работы рабочих с мизерной оплатой и постоянной угрозой сотен других, ожидающих прямо за воротами, чтобы занять их место, если они выскажут какие-либо жалобы. [171]
Из-за нерегулярного характера занятости в Голливуде только посредством коллективных переговоров отдельные работники могут выразить свои права на гарантии минимальной заработной платы и доступ к пенсионным и медицинским планам, которые переходят от фильма к фильму или от сериала к сериалу, и предоставляют студиям доступ к обученной рабочей силе, способной выйти на съемочную площадку с первого дня, обладая знаниями и опытом работы с высокотехнологичным оборудованием, с которым их просят работать. [172]
Большинство рабочих в Голливуде представлены несколькими профсоюзами и гильдиями. 150 000 членов Международного альянса работников театральной сцены (IATSE) представляют большинство профессий , таких как операторы, электрики и операторы, а также редакторы, звукорежиссеры и парикмахеры и визажисты. Гильдия киноактеров (SAG) является следующей по величине группой, представляющей около 130 000 актеров и исполнителей, Гильдия режиссеров Америки (DGA) представляет режиссеров и менеджеров по производству, Гильдия писателей Америки (WGA) представляет писателей, а Международное братство водителей грузовиков (IBT) представляет водителей. [173] [174]
Профсоюзы и гильдии выступают в качестве коллективных переговорных групп для своих членов, регулярно проводя переговоры (в настоящее время большинство из них заключают трехлетние контракты) с Альянсом продюсеров кино и телевидения (AMPTP) — отраслевым альянсом, представляющим киностудии и телевизионные сети, которые нанимают съемочные группы для создания своего контента.
Хотя отношения между трудом и руководством в целом были дружественными на протяжении многих лет, работая вместе с государством над разработкой безопасных протоколов для продолжения работы во время COVID-19 и лоббируя вместе в пользу налоговых льгот , переговоры по контрактам, как известно, становились спорными из-за изменений в отрасли и в ответ на растущее неравенство доходов . Отношения даже стали кровавыми в 1945 году, когда шестимесячная забастовка декораторов превратилась в кровавую схватку в душный октябрьский день между бастующими, штрейкбрехерами, штрейкбрехерами и службой безопасности студии. [175] [176] [177] [178]
{{cite web}}: |last=имеет общее название ( помощь )CS1 maint: url-status (link){{cite web}}: CS1 maint: url-status (link)Когда Голливуд, штат Калифорния, представлял собой в основном апельсиновые рощи, Форт Ли, штат Нью-Джерси, был центром американского кинопроизводства.
В 1912 году, когда в Голливуде было больше скота, чем камер, Форт-Ли был центром кинематографической вселенной. Такие иконы эпохи немого кино, как Мэри Пикфорд, Лайонел Берримор и Лилиан Гиш, пересекали реку Гудзон на пароме, чтобы проявить эмоции на съемочных площадках Форт-Ли.
Примечание: для обеспечения справедливого сравнения фильмов, выпущенных в разные годы, все рейтинги основаны на продажах билетов, которые рассчитываются с использованием средних цен на билеты, объявленных MPAA
в
ежегодном отчете о состоянии отрасли.[ нужно обновление ]
Мартин Скорсезе] предупредил, что кино «обесценивается... унижается и принижается», когда его помещают под зонтичный термин «контент».
Вполне возможно, поскольку «Космический джем: Новое наследие» теперь является классическим примером «интеллектуальной собственности ради интеллектуальной собственности», расширения бренда, которое существует не потому, что этого хотят зрители, а потому, что студия (и/или звезда фильма) хотят, чтобы оно продолжалось.
критикует бесстыдные, алчные попытки объединить и обновить любимую классику... при этом бесстыдно объединяя и обновляя любимую классику. ... Студии, похоже, редко хотят делать что-то новое со своей собственностью, кроме как напоминать нам, что они все еще владеют ею.
Медиа, связанные с Кино США на Wikimedia Commons