_by_Erling_Mandelmann.jpg/1280px-Carl_Theodor_Dreyer_(1965)_by_Erling_Mandelmann.jpg)
Художественный фильм , арт-кино или артхаусный фильм – это, как правило, независимый фильм , нацеленный на нишу рынка , а не на массовую аудиторию . [1] Оно «задумано как серьезное художественное произведение, часто экспериментальное и не предназначенное для массового обращения», [2] «созданное в первую очередь из эстетических соображений, а не из коммерческой выгоды», [3] и содержащее «нетрадиционные или в высшей степени символические содержание". [4]
Кинокритики и киноведы обычно определяют художественный фильм как обладающий «формальными качествами, которые отличают его от основных голливудских фильмов». [5] Эти качества могут включать (среди прочего): чувство социального реализма ; акцент на авторской выразительности режиссёра; и сосредоточение внимания на мыслях, мечтах или мотивациях персонажей, а не на разворачивании ясной, целенаправленной истории. Киноведы Дэвид Бордвелл и Барри Кейт Грант описывают арт-кино как « жанр кино со своими особыми условностями». [6] [7]
Продюсеры художественного кино обычно представляют свои фильмы в специальных кинотеатрах ( репертуарные кинотеатры или, в США, артхаусные кинотеатры) и на кинофестивалях . Термин «художественный фильм» гораздо более широко используется в Северной Америке, Великобритании и Австралии, по сравнению с материковой Европой , где вместо него используются термины авторское кино и национальное кино (например, немецкое национальное кино). Поскольку художественные фильмы ориентированы на небольшую аудиторию, занимающую определенную нишу на рынке, они редко получают финансовую поддержку, которая позволила бы использовать большие производственные бюджеты, связанные с широко выпускаемыми блокбастерами. Режиссеры арт-фильмов компенсируют эти ограничения, создавая фильмы другого типа, в которых обычно участвуют менее известные киноактеры или даже актеры-любители, а также скромные декорации для создания фильмов, в которых больше внимания уделяется развитию идей, исследованию новых техник повествования и попытки новых конвенций кинопроизводства.
Такие фильмы резко контрастируют с популярными блокбастерами , которые обычно больше ориентированы на линейное повествование и массовые развлечения. Кинокритик Роджер Эберт назвал «Чунгкингский экспресс» , получивший признание критиков художественный фильм 1994 года, «в основном умственным опытом», которым человек наслаждается «благодаря тому, что вы знаете о кино». [8] Тем не менее, некоторые художественные фильмы могут повысить свою привлекательность, предлагая определенные элементы более привычных жанров, таких как документальный фильм или биография . Для продвижения художественных фильмов используется реклама, создаваемая рецензиями кинокритиков; обсуждение фильма арт-обозревателями, комментаторами и блоггерами; и устная реклама со стороны аудитории. Поскольку первоначальные инвестиционные затраты художественных фильмов невелики, им достаточно привлечь лишь небольшую часть основной аудитории, чтобы они стали финансово жизнеспособными.
Предшественниками художественного кино являются итальянский немой фильм «Инферно» (1911), «Нетерпимость» Д. У. Гриффита ( 1916) и произведения русского кинорежиссера Сергея Эйзенштейна , десятилетиями влиявшие на развитие европейских кинематографических движений. [9] [10] [11] Фильм Эйзенштейна «Броненосец Потемкин» (1925) был революционным пропагандистским фильмом, который он использовал для проверки своих теорий использования монтажа фильмов для получения наибольшего эмоционального отклика у аудитории. Международная критическая известность, которую Эйзенштейн получил благодаря этому фильму, позволила ему поставить «Октябрь» в рамках грандиозного празднования 10-летия Октябрьской революции 1917 года. Позже он снял «Генеральную линию» в 1929 году. Был снят фильм Александра Довженко «Земля » (1930). под влиянием Эйзенштейна, определяется некоторыми критиками как вершина художественного кино. [12]
Художественные фильмы также находились под влиянием фильмов испанских авангардистов , таких как Луис Бунюэль и Сальвадор Дали (снявший «Золотой век» в 1930 году), а также французского драматурга и режиссера Жана Кокто , чей авангардный фильм 1932 года В «Крови поэта» повсюду используются онейрические изображения, в том числе вращающиеся проволочные модели человеческой головы и вращающиеся двусторонние маски. В 1920-е годы киносообщества начали отстаивать идею о том, что фильмы можно разделить на «развлекательное кино, ориентированное на массовую аудиторию, и серьезное художественное кино, ориентированное на интеллектуальную аудиторию». В Англии Альфред Хичкок и Айвор Монтегю сформировали киносообщество и импортировали фильмы, которые они считали «художественными достижениями», такие как «советские фильмы диалектического монтажа и экспрессионистские фильмы студии Universum Film AG (UFA) в Германии». [9]
Cinéma pur , французское авангардное кинодвижение 1920-х и 1930-х годов, также повлияло на развитие идеи художественного кино. В движение «кинопур кино» входило несколько известных художников дадаизма . Дадаисты использовали кино, чтобы выйти за рамки условностей повествовательного повествования, буржуазных традиций и традиционных аристотелевских представлений о времени и пространстве, создавая гибкий монтаж времени и пространства.
На движение «кинопур» повлияли немецкие «абсолютные» режиссеры, такие как Ганс Рихтер , Вальтер Рюттманн и Викинг Эггелинг . Рихтер ложно утверждал, что его фильм 1921 года «Ритм 21» был первым когда-либо созданным абстрактным фильмом . Фактически, ему предшествовали итальянские футуристы Бруно Корра и Арнальдо Джинна в период с 1911 по 1912 год [13] (как сообщается в « Футуристическом манифесте кино» [13] ), а также его коллега из Германии Вальтер Руттманн, который продюсировал Lichtspiel Opus . 1 в 1920 году. Тем не менее, фильм Рихтера «Ритм 21» считается важным ранним абстрактным фильмом.
Первый британский «арт-кинотеатр» был временно открыт во Дворце де Люкс в Лондоне в 1929 году Элси Коэн . В 1931 году она обосновалась в кинотеатре Academy Cinema на Оксфорд-стрит .
В 1930-х и 1940-х годах голливудские фильмы можно было разделить на художественные устремления литературных адаптаций, таких как « Информатор » Джона Форда (1935) и «Долгое путешествие домой» Юджина О'Нила ( 1940), и зарабатывающие деньги «популярные фильмы». -жанровые фильмы», такие как гангстерские триллеры. Уильям Сиска утверждает, что итальянские неореалистические фильмы середины-конца 1940-х годов, такие как « Открытый город » (1945), «Пайса » (1946) и « Похитители велосипедов », можно рассматривать как еще одно «движение сознательного художественного кино». [9]
В конце 1940-х годов мнение американской общественности о том, что итальянские неореалистические фильмы и другие серьезные европейские фильмы отличаются от господствующих голливудских фильмов, было подкреплено развитием «артхаусных кинотеатров» в крупных городах США и студенческих городках. После Второй мировой войны «... растущая часть американского кино, выходящего на публику, устала от мейнстримных голливудских фильмов», и они пошли в недавно созданные арт-кинотеатры, чтобы посмотреть «альтернативы фильмам, показываемым на главной улице». кинодворцы». [5] Фильмы, показанные в этих художественных кинотеатрах, включали «британские, иностранные и независимые американские фильмы, а также документальные фильмы и возрождение голливудской классики». Такие фильмы, как « Открытый город » Росселлини и « Тесный маленький остров » Маккендрика ( «Виски в изобилии! »), « Похитители велосипедов» и «Красные туфли» , были показаны значительной американской аудитории. [5]
В конце 1950-х годов французские кинематографисты начали снимать фильмы, находившиеся под влиянием итальянского неореализма [15] и классического голливудского кино [15] — стиля, который критики назвали французской новой волной . Хотя кинематографисты «Новой волны» никогда не были формально организованным движением, их объединяло сознательное неприятие классической кинематографической формы и дух юношеского иконоборчества , а их фильмы являются примером европейского художественного кино . [16] Многие также участвовали в своей работе с социальными и политическими потрясениями той эпохи, делая свои радикальные эксперименты с монтажом, визуальным стилем и повествованием частью общего разрыва с консервативной парадигмой. Некоторые из наиболее выдающихся пионеров группы, в том числе Франсуа Трюффо , Жан-Люк Годар , Эрик Ромер , Клод Шаброль и Жак Риветт , начинали как критики киножурнала Cahiers du cinéma . Авторская теория утверждает, что режиссер является «автором» своих фильмов, и его личная подпись видна от фильма к фильму.
Французское движение «Новая волна» продолжалось и в 1960-е годы. В 1960-е годы термин «художественный фильм» стал гораздо шире использоваться в США, чем в Европе. В США этот термин часто определяют очень широко и включают в себя «авторские» фильмы на иностранном языке (не на английском языке), независимые фильмы , экспериментальные фильмы , документальные и короткометражные фильмы. В 1960-е годы «арт-фильм» стал в США эвфемизмом для пикантных итальянских и французских фильмов категории «Б» . К 1970-м годам этот термин использовался для описания откровенно сексуальных европейских фильмов с художественной структурой, таких как шведский фильм «Мне любопытно» (Желтый) . В США термин «художественный фильм» может относиться к фильмам современных американских художников, в том числе Энди Уорхола с его фильмом « Голубой фильм» 1969 года , [17] [18] [19] , но иногда используется очень широко для обозначения широкого диапазона фильмов, показываемых в репертуарных кинотеатрах или «артхаусных кинотеатрах». При таком подходе широкий спектр фильмов, таких как фильм Хичкока 1960- х годов, экспериментальный андеграундный фильм 1970-х годов, европейский авторский фильм, «независимый» фильм США и даже мейнстримовый фильм на иностранном языке (с субтитрами), может оказаться под угрозой. в рубрике «артхаусное кино».
К 1980-м и 1990-м годам в США термин «художественный фильм» стал ассоциироваться с «независимым фильмом», который имеет многие схожие стилистические черты. Такие компании, как Miramax Films, распространяли независимые фильмы , которые считались коммерчески жизнеспособными. Когда крупные киностудии отметили нишевую привлекательность независимых фильмов, они создали специальные подразделения, занимающиеся неосновными фильмами, такие как подразделение Fox Searchlight Pictures компании Twentieth Century Fox , подразделение Focus Features компании Universal , подразделение Sony Pictures Classics компании Sony Pictures Entertainment и подразделение Paramount Vantage компании Paramount . Кинокритики спорят, можно ли считать фильмы этих подразделений «независимыми фильмами», учитывая, что они имеют финансовую поддержку со стороны крупных студий.
В 2007 году профессор Камилла Палья в своей статье «Арт-фильмы: RIP» утверждала, что «[в] стороне от сериала Фрэнсиса Форда Копполы « Крестный отец » с его ловкими воспоминаниями и суровым социальным реализмом ... [нет].. ... единственный фильм, снятый за последние 35 лет, который, возможно, имеет такой же философский вес или виртуозность исполнения, как « Седьмая печать или Персона » Бергмана » . Палья заявляет, что молодые люди 2000-х годов «не имеют терпения к долгим и медленным съемкам, на которых когда-то специализировались глубокомыслящие европейские режиссеры», подход, который давал «роскошное изучение мельчайших выражений лица или прохладный проход стерильной комнаты». или мрачный пейзаж». [20]
По словам режиссера, продюсера и дистрибьютора Роджера Кормана , «1950-е и 1960-е годы были временем наибольшего влияния художественного кино. После этого влияние ослабло. Голливуд усвоил уроки европейских фильмов и включил эти уроки в свои фильмы». Корман заявляет, что «зрители могли увидеть что-то от сущности европейского художественного кино в голливудских фильмах семидесятых… [и так] художественный фильм, который никогда не был просто вопросом европейского кино, все больше становился настоящим мировым кино. - хотя тот, который изо всех сил пытался получить широкое признание». Корман отмечает, что «Голливуд сам по себе радикально расширил свой эстетический диапазон... потому что диапазон рассматриваемых предметов расширился и включил в себя сами условия создания имиджа, кинопроизводства, нового призматического опыта, опосредованного средствами массовой информации». современности. Появилась новая аудитория, которая узнала об арт-фильмах в видеомагазине». Корман заявляет, что «в настоящее время существует вероятность возрождения» американского художественного кино. [21]
Киновед Дэвид Бордвелл изложил академическое определение «художественного фильма» в статье 1979 года, озаглавленной «Арт-кино как способ кинопрактики», в которой художественные фильмы противопоставляются основным фильмам классического голливудского кино. В основных фильмах в голливудском стиле используется четкая повествовательная форма, чтобы организовать фильм в серию «каузально связанных событий, происходящих в пространстве и времени», где каждая сцена ведет к цели. Сюжет популярных фильмов движется четко определенным главным героем, дополненным четкими персонажами и усилен «логикой вопросов и ответов, процедурами решения проблем и структурой сюжета с крайними сроками». Затем фильм объединяется быстрым темпом, музыкальным саундтреком, вызывающим соответствующие эмоции аудитории, и плотным, плавным монтажом. [6]
Напротив, Бордвелл утверждает, что «художественное кино мотивирует свое повествование двумя принципами: реализмом и авторской выразительностью». Художественные фильмы отклоняются от основных «классических» норм кинопроизводства тем, что обычно имеют дело с более эпизодическими повествовательными структурами с «разрывом причинно-следственной цепи». [6]
Мейнстримные фильмы также затрагивают моральные дилеммы или кризисы идентичности, но эти проблемы обычно решаются к концу фильма. В художественных фильмах дилеммы исследуются и задумчиво, но обычно без четкого решения в конце фильма. [22]
История в художественном фильме часто играет второстепенную роль по отношению к развитию персонажей и исследованию идей посредством длительных диалогов. Если у арт-фильма есть история, то обычно это череда смутно определенных или двусмысленных эпизодов. В фильме могут быть необъяснимые пробелы, намеренно неясные эпизоды или посторонние эпизоды, не связанные с предыдущими сценами, которые заставляют зрителя субъективно интерпретировать послание фильма. Художественные фильмы часто «носят на себе печать своеобразного визуального стиля» и авторского подхода режиссера. [23] Художественный кинофильм часто отказывается дать «вывод, на который можно легко ответить», вместо этого ставя перед зрителем задачу задуматься о том, «как рассказывается история? Зачем рассказывать историю таким образом?» [24]
Бордвелл утверждает, что «художественное кино само по себе представляет собой жанр [кино] со своими особыми условностями». [7] Теоретик кино Роберт Стэм также утверждает, что «художественный фильм» — это киножанр. Он утверждает, что фильм считается художественным фильмом на основе художественного статуса, точно так же, как жанры фильма могут основываться на таких аспектах фильмов, как их бюджет ( фильмы -блокбастеры или фильмы категории B ) или их звездные исполнители ( фильмы Адама Сэндлера ). . [25]
Некоторые ученые отмечают, что фильмы для массового рынка, подобные тем, которые производятся в Голливуде, привлекают менее взыскательную аудиторию. [26] Затем эта группа обращается к кинокритикам как к культурной элите, которая может помочь им выбрать более продуманные и качественные фильмы. Чтобы преодолеть разрыв между популярными вкусами и высокой культурой, эти кинокритики должны объяснять незнакомые концепции и делать их привлекательными для привлечения более взыскательной публики, смотрящей кино. Например, кинокритик может помочь зрителям — через свои рецензии — серьезно задуматься о фильмах, предоставив условия анализа этих художественных фильмов. [27] Приняв художественную основу анализа и рецензирования фильмов, эти кинокритики предоставляют зрителям другой способ оценить то, что они смотрят. Поэтому, когда исследуются спорные темы, публика не будет сразу отвергать или критиковать фильм, если критики сообщают им о ценности фильма, например, о том, как он изображает реализм. Здесь художественные театры или арт-дома, демонстрирующие художественные фильмы, рассматриваются как «места культурного просвещения», привлекающие как критиков, так и интеллектуальную публику. Он служит местом, где эти критики могут познакомиться с культурой и художественной атмосферой, где они могут почерпнуть идеи и материал.
Следующий список представляет собой небольшую частичную выборку фильмов с качествами «художественного фильма», составленную для того, чтобы дать общее представление о том, какие режиссеры и фильмы считаются обладающими характеристиками «художественного фильма». Фильмы в этом списке демонстрируют одну или несколько характеристик художественного кино: серьезный, некоммерческий или самостоятельно снятый фильм, не ориентированный на массовую аудиторию. Некоторые фильмы из этого списка также считаются «авторскими», независимыми или экспериментальными . В некоторых случаях критики расходятся во мнениях относительно того, является ли фильм мейнстримом или нет. Например, в то время как некоторые критики назвали фильм Гаса Ван Сента « Мой личный штат Айдахо » (1991) «экспериментом в кино» «высокого художественного качества», газета Washington Post назвала его амбициозным мейнстримным фильмом. [29] Некоторые фильмы из этого списка обладают большинством этих характеристик; другие фильмы представляют собой коммерческие фильмы, снятые ведущими студиями, которые, тем не менее, несут в себе признаки «авторского» стиля режиссера или имеют экспериментальный характер. Фильмы в этом списке примечательны либо тем, что они получили крупные награды или похвалы влиятельных кинокритиков, либо тем, что они представили новаторскую повествовательную или кинематографическую технику.
В 1920-1930-е годы кинематографисты не ставили перед собой задачу снимать «художественное кино», а кинокритики не использовали термин «художественный фильм». Однако были фильмы, преследующие сложные эстетические цели, такие как « Страсти Жанны д'Арк » Карла Теодора Дрейера (1928) и «Вампир » (1932), сюрреалистические фильмы, такие как « Андалузский пес » Луиса Бунюэля (1929) и «Век d». Или (1930), или даже фильмы, имеющие отношение к политике и текущим событиям, такие как знаменитый и влиятельный шедевр Сергея Эйзенштейна «Броненосец Потемкин» . Американский фильм « Восход: Песня двух людей» (1927) немецкого режиссера -экспрессиониста Ф. В. Мурнау использует искаженный художественный дизайн и новаторскую кинематографию, чтобы создать преувеличенный, сказочный мир, богатый символизмом и образами. Фильм Жана Ренуара «Правила игры» (1939) — это комедия нравов , которая выходит за рамки условностей своего жанра, создавая острую и трагическую сатиру на французское высшее общество в годы, предшествовавшие Второй мировой войне; опрос критиков Sight & Sound назвал его четвертым величайшим фильмом всех времен, уступив «Головокружению» , «Гражданину Кейну» и «Токийской истории» . [30]
_English_Poster.png/1280px-The_Passion_of_Joan_of_Arc_(1928)_English_Poster.png)
Некоторые из этих первых художественно ориентированных фильмов финансировались богатыми людьми, а не кинокомпаниями, особенно в тех случаях, когда содержание фильма было спорным или вряд ли могло привлечь аудиторию. В конце 1940-х годов британский режиссер Майкл Пауэлл и Эмерик Прессбургер сняли «Красные туфли» (1948), фильм о балете, который выделялся среди фильмов основного жанра той эпохи. В 1945 году Дэвид Лин поставил «Короткую встречу» , адаптацию пьесы Ноэля Кауарда « Натюрморт », в которой рассказывается о страстной любви между мужчиной из высшего сословия и женщиной из среднего класса на фоне социальных и экономических проблем, с которыми в то время столкнулась Британия. .
В 1950-е годы среди некоторых известных художественных фильмов можно назвать «Ла Страда» (1954), фильм о молодой женщине, которая вынуждена идти работать на жестокого и бесчеловечного артиста цирка, чтобы прокормить свою семью, и в конце концов приходит в себя. смиряется со своей ситуацией; «Ордет» Карла Теодора Дрейера (1955), в котором рассказывается о семье с недостатком веры, но с сыном, который верит, что он Иисус Христос , и убежден, что способен творить чудеса; «Ночи Кабирии » Федерико Феллини (1957), в которых рассказывается о неудачных попытках проститутки найти любовь, ее страданиях и отвержении; «Дикая клубника» (1957) Ингмара Бергмана, повествование которого касается пожилого врача, который также является профессором, чьи кошмары заставляют его переоценить свою жизнь; и «400 ударов» (1959) Франсуа Трюффо, главный герой которого — молодой человек, пытающийся достичь совершеннолетия, несмотря на жестокое обращение со стороны родителей, школьных учителей и общества. Этот фильм является первым большим шагом во французской новой волне и в кино. он показал, что фильмы можно снимать с небольшими деньгами, актерами-любителями и небольшой командой. В Польше хрущевская оттепель позволила некоторое смягчение культурной политики режима, и такие постановки, как «Поколение» , «Канал» , «Пепел и бриллианты» , «Лотна» (1954–1959), поставленные Анджеем Вайдой , демонстрировали стиль польской киношколы .
В Индии в бенгальском кино существовало движение арт-кино, известное как « Параллельное кино » или «Индийская новая волна». Это была альтернатива массовому коммерческому кино. Он был известен своим серьезным содержанием, реализмом и натурализмом, а также острым вниманием к социально-политическому климату того времени. Это движение отличается от основного коммерческого кино и зародилось примерно в то же время, что и французская и японская Новая волна . Наиболее влиятельными кинематографистами, участвовавшими в этом движении, были Сатьяджит Рай , Мринал Сен и Ритвик Гхатак . Одними из наиболее всемирно известных фильмов, снятых в этот период, были «Трилогия Апу» (1955–1959), трио фильмов, рассказывающих историю взросления бедного деревенского мальчика, и « Далекий гром» Сатьяджита Рэя (1973), который рассказывает историю фермера во время голода в Бенгалии . [31] [32] Среди других известных бенгальских режиссеров, участвующих в этом движении, - Ритупарно Гош , Апарна Сен и Гутам Гхош .
Японские кинематографисты сняли ряд фильмов, нарушивших условности. « Расёмон » Акиры Куросавы (1950), первый японский фильм, широко показанный на Западе, изображает противоречивые рассказы четырёх свидетелей об изнасиловании и убийстве. В 1952 году Куросава снял фильм «Икиру» о токийском бюрократе, пытающемся найти смысл своей жизни. «Токийская история» (1953) Ясудзиро Одзу исследует социальные изменения той эпохи, рассказывая историю стареющей пары, которая едет в Токио, чтобы навестить своих взрослых детей, но обнаруживает, что дети слишком эгоцентричны, чтобы проводить с ними много времени. «Семь самураев» (1954) Куросавы рассказывает историю фермерской деревни, которая нанимает семь самураев без хозяев для борьбы с бандитами. «Пожары на равнине» (1959) Кона Итикавы исследует опыт Японии во Второй мировой войне, изображая больного японского солдата, изо всех сил пытающегося остаться в живых. «Угецу» (1953) Кенджи Мидзогучи — это история о привидениях, действие которой происходит в конце 16 века и рассказывает историю крестьян, чья деревня находится на пути наступающей армии. Год спустя Мидзогучи поставил «Сансё-пристав» (1954), в котором рассказывается история двух аристократических детей, проданных в рабство; Помимо затронутых серьезных тем, таких как потеря свободы, в фильме представлены красивые изображения и длинные, сложные кадры.
1960-е годы были важным периодом в художественном кино: был выпущен ряд новаторских фильмов, положивших начало европейскому арт-кино. В фильме Жана-Люка Годара « На дыхании » (1960) использовались инновационные визуальные и монтажные методы, такие как монтажные кадры и работа с камерой с рук . Годар, ведущая фигура французской новой волны, на протяжении десятилетия продолжал снимать новаторские фильмы, предлагая совершенно новый стиль кинопроизводства. После успеха « На последнем дыхании» Годар снял еще два очень влиятельных фильма: «Презрение» в 1963 году, в котором продемонстрирован его взгляд на систему студийного кинопроизводства, красивые длинные кадры и фильм в фильме, и « Пьеро ле фу» в 1965 году, представляющий собой смесь смесь криминальных и любовных фильмов с его антиголливудским стилем. «Жюль и Джим» Франсуа Трюффо деконструировали сложные отношения трех людей с помощью инновационных методов написания сценария, монтажа и работы с камерой. Итальянский режиссер Микеланджело Антониони помог совершить революцию в кинопроизводстве, выпустив такие фильмы, как «Приключение» (1960), вдохновленные пейзажной фотографией и техникой кадрирования. В нем рассказывается об исчезновении молодой женщины из высшего сословия во время прогулки на лодке и последующих поисках ее возлюбленного и ее лучшая подруга; La Notte (1961), комплексное исследование неудавшегося брака, в котором рассматривались такие проблемы, как аномия и бесплодие; «Затмение» (1962) о молодой женщине, которая не может построить прочные отношения со своим парнем из-за его материалистической натуры; «Красная пустыня» (1964), его первый цветной фильм, посвященный необходимости адаптации к современному миру; и «Увеличение» (1966), его первый англоязычный фильм, в котором исследуются проблемы восприятия и реальности, поскольку он следует за попыткой молодого фотографа выяснить, сфотографировал ли он убийство.
Шведский режиссер Ингмар Бергман начал 1960-е годы с камерных произведений, таких как «Зимний свет» (1963) и «Молчание » (1963), в которых затрагиваются такие темы, как эмоциональная изоляция и недостаток общения. Его фильмы второй половины десятилетия, такие как «Персона » (1966), «Стыд» (1968) и «Страсть » (1969), посвящены идее кино как искусственности. Интеллектуальные и визуально выразительные фильмы Тадеуша Конвицкого , такие как «День поминовения усопших» ( Задушки , 1961) и «Сальто » (1962), вдохновили дискуссии о войне и подняли экзистенциальные вопросы от имени их обычных героев.
«Сладкая жизнь» Федерико Феллини (1960) изображает череду ночей и рассветов в Риме, свидетелем которых стал циничный журналист. Этот фильм является мостом между его предыдущим итальянским неореалистическим стилем и его более поздним сюрреалистическим стилем. В 1963 году Феллини снял «8½» — исследование творческих, семейных и духовных трудностей, снятое в черно-белом формате оператором Джанни ди Венанцо . Фильм 1961 года «Последний год в Мариенбаде» режиссера Алена Рене исследует восприятие и реальность, используя грандиозные кадры слежения, которые стали широко влиятельными. « Au Hasard Balthazar » Роберта Брессона (1966) и «Мушетт » (1967) отличаются натуралистическим эллиптическим стилем. Испанский режиссер Луис Бунюэль также внес большой вклад в киноискусство, создав шокирующие сюрреалистические сатиры, такие как « Виридиана » (1961) и «Ангел-истребитель» (1962).
Фильм российского режиссера Андрея Тарковского «Андрей Рублев» (1966) представляет собой портрет одноименного средневекового русского иконописца . Фильм также о свободе творчества, а также о возможности и необходимости создавать искусство для репрессивной власти и перед лицом репрессивной власти. Вырезанная версия фильма была показана на Каннском кинофестивале 1969 года , где получила приз ФИПРЕССИ . [33] В конце десятилетия фильм Стэнли Кубрика « 2001: Космическая одиссея» (1968) поразил зрителей своим научным реализмом, новаторским использованием спецэффектов и необычными визуальными образами. В 1969 году Энди Уорхол выпустил «Синий фильм» — первый арт-фильм для взрослых, изображающий откровенный секс, получивший широкий прокат в США. [17] [18] [19] По словам Уорхола, «Голубой фильм» оказал большое влияние на создание «Последнего танго в Париже» , вызывающего международную критику эротического художественного фильма, снятого Бернардо Бертолуччи и выпущенного через несколько лет после того, как был снят «Голубой фильм» . [19] В Советской Армении фильм Сергея Параджанова «Цвет граната» , в котором грузинская актриса Софико Чиаурели играет пять разных персонажей, был запрещен советскими властями, долгое время недоступен на Западе и оценен критиком Михаилом Вартановым как « революционер»; [34] , а в начале 1980-х годов журнал Les Cahiers du Cinéma поместил этот фильм в десятку лучших. [35] В 1967 году в Советской Грузии влиятельный грузинский кинорежиссер Тенгиз Абуладзе поставил фильм «Ведреба » («Просьба»), основанный на мотивах литературных произведений Важа-Пшавелы , где история рассказана в поэтическом повествовательном стиле, полном символических сцены с философским смыслом. В Иране новую волну иранского кино вызвал фильм Дариуша Мехрджуи « Корова » (1969) о человеке, который сошел с ума после смерти любимой коровы .
Кукольник Джим Хенсон добился артхаусного успеха благодаря своему короткометражному фильму « Time Piece» , номинированному на «Оскар» в 1965 году . [36]
В начале 1970-х годов режиссеры шокировали публику такими жестокими фильмами, как « Заводной апельсин» (1971), жестокое исследование Стэнли Кубриком футуристических молодежных банд, и « Последнее танго в Париже » (1972), нарушающее табу, сексуально откровенное и спорный фильм. В то же время другие режиссеры сняли более интроспективные фильмы, такие как медитативный научно-фантастический фильм Андрея Тарковского «Солярис» (1972), предположительно задуманный как советский ответ 2001 году . В 1975 и 1979 годах соответственно Тарковский снял еще два фильма, получивших признание зарубежных критиков: «Зеркало» и «Сталкер» . Терренс Малик , снявший «Пустоши» (1973) и «Дни рая» (1978), разделял многие черты с Тарковским, например, его длинные, затяжные кадры природной красоты, запоминающиеся образы и поэтический стиль повествования.
Еще одной особенностью художественных фильмов 1970-х годов было возвращение к известности причудливых персонажей и образов; которые изобилуют измученным и одержимым заглавным персонажем в фильме немецкого режиссера «Новой волны » Вернера Херцога « Агирре, гнев Божий» (1973) и в культовых фильмах , таких как психоделический фильм Алехандро Ходоровски «Святая гора » (1973) о воре и алхимик, ищущий мифический остров Лотоса . [37] Фильм Мартина Скорсезе «Таксист» (1976) продолжает темы, которые исследовал «Заводной апельсин» : отчужденное население, живущее в жестоком, разлагающемся обществе. Жесткое насилие и кипящая ярость в фильме Скорсезе контрастируют с другими фильмами, выпущенными в тот же период, такими как сказочная, сюрреалистическая и индустриальная черно-белая классика Дэвида Линча «Голова-ластик » (1977). [38] В 1974 году Джон Кассаветис дал резкий комментарий к жизни американских рабочих в книге « Женщина под влиянием» , в которой рассказывается об эксцентричной домохозяйке, медленно сходящей с ума. [39]
Также в 1970-х годах Рэдли Мецгер снял несколько художественных фильмов для взрослых , таких как «Барбара Бродкаст » (1977), в котором была представлена сюрреалистическая «бунеллианская» атмосфера, [40] и «Открытие Мисти Бетховен» (1976), основанное на пьесе Джорджа «Пигмалион» . Бернарда Шоу (и его производное, «Моя прекрасная леди »), который, по мнению удостоенного наград автора Тони Бентли , считался «жемчужиной» золотого века порнографии , [41] [42] эпохи в современной Америке. культура, ознаменовавшая выход « Голубого фильма» Энди Уорхола (1969) и представившая феномен « порношика » [43] [44] , когда эротические фильмы для взрослых начали получать широкий прокат, публично обсуждалась знаменитостями (такими как Джонни Карсон и Боб Хоуп ) [45] и серьёзно восприняты кинокритиками (такими как Роджер Эберт ). [46] [47]
В 1980 году режиссер Мартин Скорсезе подарил зрителям, привыкшим к эскапистским приключениям Стивена Спилберга и Джорджа Лукаса , суровый реализм своего фильма «Бешеный бык» . В этом фильме актер Роберт Де Ниро довел актерский прием до крайности, чтобы изобразить превращение боксера из молодого бойца-победителя в полноватого «бывшего» владельца ночного клуба. «Бегущий по лезвию» Ридли Скотта ( 1982) также можно рассматривать как научно-фантастический художественный фильм, наряду с « 2001: Космическая одиссея» (1968). «Бегущий по лезвию» исследует темы экзистенциализма или того, что значит быть человеком. Фильм, провалившийся в прокате, стал популярным в артхаусном мире как культовая диковинка после того, как выпуск «режиссерской версии» стал успешным на домашнем видео VHS . В середине десятилетия японский режиссер Акира Куросава использовал реализм, чтобы изобразить жестокое и кровавое насилие японских самурайских войн 16 века в фильме « Ран» (1985). Ран следил за сюжетом «Короля Лира» , в котором пожилого короля предают его дети. Серджио Леоне также противопоставил жестокое насилие эмоциональной сути в своей эпической истории о жизни гангстеров в « Однажды в Америке» .
Другие режиссеры 1980-х годов выбрали более интеллектуальный путь, исследуя философские и этические проблемы, например, « Железный человек » Анджея Вайды (1981), критика польского коммунистического правительства, получивший в 1981 году Золотую пальмовую ветвь на Каннском кинофестивале . Другой польский режиссер, Кшиштоф Кесьлёвский , в 1988 году снял для телевидения «Декалог» — серию фильмов, в которой исследуются этические проблемы и моральные загадки. Два из этих фильмов были выпущены в кинотеатрах под названием « Короткометражный фильм о любви» и «Короткометражный фильм об убийстве» . В 1989 году Вуди Аллен снял, по словам критика New York Times Винсента Кэнби , свой самый «надежно серьезный и забавный фильм на сегодняшний день» « Преступления и проступки» , который включает в себя множество историй о людях, которые пытаются найти моральную и духовную простоту, в то же время сталкиваются с ужасными проблемами и мыслями, связанными с выбором, который они делают. Французский режиссер Луи Малль выбрал другой моральный путь для исследования, инсценировав свои реальные детские переживания в фильме « До свидания детей» , в котором изображена депортация французских евреев оккупационным нацистским правительством в концентрационные лагеря во время Второй мировой войны.
Другой художественный фильм той эпохи, получивший высокую оценку критиков, [48] роуд-муви Вима Вендерса «Париж, Техас » (1984) также получил Золотую пальмовую ветвь. [49] [50] [51]
Кесьлёвский был не единственным режиссёром, преодолевшим грань между кино и телевидением. Ингмар Бергман снял фильм «Фанни и Александр» (1982), который был показан по телевидению в расширенной пятичасовой версии. В Соединенном Королевстве Channel 4 , новый телеканал, полностью или частично финансировал многие фильмы, выпущенные в кинотеатрах через свою дочернюю компанию Film 4 . Вим Вендерс предложил другой подход к жизни с духовной точки зрения в своем фильме 1987 года « Крылья желания », изображении «падшего ангела», живущего среди людей, получившем премию за лучшую режиссуру на Каннском кинофестивале .
В 1982 году режиссер-экспериментатор Годфри Реджио выпустил неожиданный артхаусный хит Koyaanisqatsi ; фильм без диалогов, в котором упор делается на кинематографию (состоящую в основном из замедленной и покадровой съемки городов и природных ландшафтов, в результате чего получается стихотворение визуального тона ) и философскую идеологию о технологиях и окружающей среде. [52] [53] [54]
Другой подход, использованный режиссерами в 1980-х годах, заключался в создании причудливых, сюрреалистических альтернативных миров. « После закрытия » Мартина Скорсезе ( 1985) — комедийный триллер, изображающий загадочные приключения человека в сюрреалистическом ночном мире случайных встреч с загадочными персонажами. « Синий бархат » Дэвида Линча (1986), детективный триллер в стиле нуар , наполненный символизмом и метафорами о поляризованных мирах и населенный искаженными персонажами, спрятанными в мрачном подземном мире маленького городка, стал на удивление успешным, учитывая его крайне тревожную картину. предмет. «Повар, вор, его жена и ее любовник» Питера Гринуэя ( 1989) — это черная комедия в жанре фэнтези о каннибализме и крайнем насилии с интеллектуальной темой: критика «элитной культуры» в тэтчерианской Британии.
По мнению Рафаэля Бассана в его статье « Ангел : Un météore dans le ciel de l'animation», [55] «Ангел » Патрика Бокановски , показанный на Каннском кинофестивале 1982 года , можно считать началом современной анимации. Маски персонажей стирают всю человеческую индивидуальность и создают впечатление тотального контроля над «материей» изображения и его оптической композицией, с использованием искаженных участков, неясных видений, метаморфоз и синтетических объектов.
В 1989 году «Город печали » Хоу Сяосяня стал первым тайваньским фильмом, удостоенным « Золотого льва» на Венецианском кинофестивале . Фильм показывает историю Тайваня через одну семью и знаменует собой еще один шаг тайваньской новой волны, которая имеет тенденцию изображать реалистичную, приземленную жизнь как в городских, так и в сельских районах Тайваня.
В 1990-е годы режиссеры черпали вдохновение из успеха фильмов Дэвида Линча « Синий бархат » (1986) и Питера Гринуэя « Повар , вор, его жена и ее любовник» (1989) и создавали фильмы с причудливыми альтернативными мирами и элементами сюрреализма. . В фильме «Сны» японского режиссера Акиры Куросавы (1990) его творческие грезы изображены в серии виньеток, которые варьируются от идиллических пасторальных сельских пейзажей до ужасающих видений измученных демонов и разрушенного пейзажа после ядерной войны. Фильм братьев Коэн « Бартон Финк» (1991), получивший Золотую пальмовую ветвь на Каннском кинофестивале , содержит различные литературные аллюзии в загадочной истории о писателе, который сталкивается с целым рядом причудливых персонажей, включая алкоголика, оскорбительного романиста и серийный убийца. «Шоссе в никуда» (1997), поставленный тем же режиссером, что и « Синий бархат» , представляет собой психологический триллер , в котором исследуются фэнтезийные миры, причудливые пространственно-временные трансформации и психические расстройства с использованием сюрреалистических образов.
Другие режиссеры 1990-х годов исследовали такие философские проблемы и темы, как идентичность, случайность, смерть и экзистенциализм. В фильмах Гаса Ван Сента « Мой личный штат Айдахо» (1991) и «Чунгкингский экспресс » Вонга Карвая (1994) исследуются темы идентичности. Первый — это независимый роуд-муви/дружеский фильм о двух молодых уличных хулиганах, в котором исследуется тема поиска дома и идентичности. Его назвали «высшим достижением независимого кино 90-х», [56] «резким поэтическим размышлением» [57] и «упражнением в киноэкспериментировании» [58] «высокого художественного качества». [28] «Чунгкингский экспресс» [59] исследует темы идентичности, разобщенности, одиночества и изоляции в «метафорических бетонных джунглях» современного Гонконга. Тодд Хейнс исследовал жизнь домохозяйки из пригорода и ее возможную смерть от токсичных материалов в фильме 1995 года « Безопасно» . [60]
В 1991 году вышел еще один важный фильм Эдварда Янга , тайваньского режиссера «Новой волны», «Яркий летний день», в котором изображена жизнь одного обычного подростка, эвакуированного из Китая на Тайвань, на которого повлияла политическая ситуация, школьная ситуация и семейная ситуация, которые сделали главного героя в конце концов убивает девушку. В 1992 году вышел «Повстанцы неонового бога» , первый полнометражный фильм Цая Минляна , второго поколения тайваньской «Новой волны». В нем есть свой уникальный стиль кинопроизводства, такой как отчуждение, медленное движение актера (его повторяющийся актерский состав, Ли Кан Шэн ), медленный темп и несколько диалогов.
Фильм Дариуша Шокофа «Семь слуг» (1996) – оригинальное произведение высокого художественного кино о человеке, который до последнего вздоха стремится «объединить» расы мира. Через год после «Семи слуг» фильм Аббаса Киаростами «Вкус вишни» (1997), [61] получивший Золотую пальмовую ветвь на Каннском кинофестивале, рассказывает аналогичную историю, но с другим поворотом; Оба фильма рассказывают о человеке, который пытается нанять человека, чтобы похоронить его после того, как он покончил жизнь самоубийством. «Семь слуг» сняты в минималистическом стиле, с длинными кадрами, неторопливым темпом и длительными периодами молчания. Фильм также примечателен использованием длинных планов и планов сверху, чтобы создать ощущение дистанции между зрителями и персонажами. Работы Чжан Имоу начала 1990-х годов, такие как «Джу Доу » (1990), «Поднимите красный фонарь» (1991), «История Цю Цзюй» (1992) и «Жить » (1994), исследуют человеческие эмоции через острые повествования. «Жить» получил приз Большого жюри.
В нескольких фильмах 1990-х годов исследовались экзистенциалистские темы, связанные с жизнью, шансами и смертью. В книге Роберта Альтмана Short Cuts (1993) исследуются темы случайности, смерти и неверности, прослеживая 10 параллельных и переплетающихся историй. Фильм, получивший Золотого льва и Кубок Вольпи на Венецианском кинофестивале , был назван критиком Chicago Tribune Майклом Уилмингтоном «многогранным, многонастроенным, ослепительно структурированным эклектичным джазовым панно» . «Двойная жизнь Вероники» Кшиштофа Кесьлёвского (1991) — это драма на тему идентичности и политическая аллегория о расколе Востока и Запада в Европе; В фильме представлены стилизованная операторская работа, неземная атмосфера и необъяснимые сверхъестественные элементы.
Фильм Даррена Аронофски «Пи» (1998) — «невероятно сложный и неоднозначный фильм, наполненный невероятным стилем и содержанием» о «поисках мира» математика-параноика. [62] В фильме создается вдохновленный Дэвидом Линчем «жуткий мир, похожий на Голову-ластик », [63] снятый в «черно-белом режиме, что придает сказочную атмосферу всем происходящим событиям» и исследует такие вопросы, как «метафизика». и духовность». [64] «Цикл кремастеров» Мэтью Барни ( 1994–2002) представляет собой цикл из пяти символических, аллегорических фильмов, создающих замкнутую эстетическую систему, направленную на исследование процесса творения. Фильмы наполнены намеками на репродуктивные органы и половое развитие и используют повествовательные модели, взятые из биографии, мифологии и геологии.
В 1997 году Терренс Малик вернулся после 20-летнего отсутствия с «Тонкой красной линией» , военным фильмом, в котором поэзия и природа выделяются среди типичных фильмов о войне. Он был номинирован на семь премий Оскар , в том числе за лучший фильм и лучшую режиссуру. [65]
В некоторых фильмах 1990-х годов неземная или сюрреалистическая визуальная атмосфера сочетается с исследованием философских проблем. «Сатантанго» (1994) венгерского режиссера Белы Тарра — фильм 7-го уровня .+Полуторачасовой фильм, снятый в черно-белом цвете , посвящен любимой теме Тарра - неадекватности, в которой мошенник Иримиас возвращается в деревню в неустановленном месте в Венгрии, представляя себя лидером и фигурой Мессии перед доверчивые деревенские жители. Трилогия Кесьлевского « Три цвета» (1993–94), особенно «Синий » (1993) и «Красный » (1994), посвящена человеческим отношениям и тому, как люди справляются с ними в своей повседневной жизни. Трилогия фильмов была названа «исследованиями духовности и экзистенциализма» [66] , создавшими «поистине трансцендентный опыт». [67] The Guardian включил «Рассекая волны» (1996) в число 25 лучших артхаусных фильмов. Рецензент заявил, что «здесь присутствуют все ингредиенты, которые определили карьеру Ларса фон Триера (и, в свою очередь, большую часть современного европейского кино): напряженная игра, новаторские визуальные приемы, страдающая героиня, остросюжетная драма и стимулирующая полемика, благодаря которой все это невозможно пропустить». [68]
Льюис Бил из Film Journal International заявил, что вестерн австралийского режиссера Эндрю Доминика «Убийство Джесси Джеймса трусом Робертом Фордом» (2007) представляет собой «увлекательное литературное произведение, имеющее успех как художественный, так и жанровый фильм». [69] В отличие от ориентированных на действие фильмов Джесси Джеймса прошлого, нетрадиционная эпопея Доминика, возможно, более точно описывает отказ от психики преступника в последние месяцы его жизни, когда он поддается паранойе попадания в плен и развивает ненадежную дружбу со своим будущим преступником. убийца Роберт Форд .
В 2009 году режиссер Пол Томас Андерсон заявил, что его фильм 2002 года «Пьяная любовь» о застенчивом, подавленном яростиголике был «артхаусным фильмом Адама Сэндлера », что является отсылкой к маловероятному включению в фильм комика «мальчика из братства» Сэндлера. ; Критик Роджер Эберт утверждает, что «Пьяная любовь » «может быть ключом ко всем фильмам Адама Сэндлера и может освободить Сэндлера для нового направления в его работе. Он не может продолжать снимать эти идиотские комедии вечно, не так ли? Кто бы стал догадались, что у него такие неизведанные глубины?» [70]
Фильм Апичатпонга Вирасетакула « Дядя Бунми, который может вспомнить свои прошлые жизни », получивший Золотую пальмовую ветвь в Каннах в 2010 году, «связывает воедино то, что может быть просто серией прекрасно снятых сцен с трогательными и забавными размышлениями о природе смерти и реинкарнации, любви». , потеря и карма». [71] Вирасетакул — независимый кинорежиссер, сценарист и кинопродюсер, работающий за пределами строгих рамок системы тайских киностудий. Его фильмы посвящены мечтам, природе, сексуальности, включая его собственную гомосексуальность, [72] и западному восприятию Таиланда и Азии. В фильмах Вирасетакула предпочтение отдается нетрадиционным повествовательным структурам (например, размещению титров/титров в середине фильма) и работе с неактёрами.
«Древо жизни» Терренса Малика ( 2011) было выпущено после десятилетий разработки и получило Золотую пальмовую ветвь на Каннском кинофестивале 2011 года ; он получил высокую оценку критиков. В театре «Эйвон» в Стэмфорде, штат Коннектикут , было опубликовано сообщение о политике театра по невозврату средств из-за «некоторых отзывов клиентов и поляризованной реакции аудитории» на фильм. Театр заявил, что «поддерживает это амбициозное произведение искусства и другие сложные фильмы». [73] Драйв (2011), режиссёр Николас Виндинг Рефн , [74] принято называть артхаусным боевиком . [75] Также в 2011 году режиссер Ларс фон Триер выпустил фильм «Меланхолия» , посвященный депрессии и другим психическим расстройствам, а также показывающий реакцию семьи на приближающуюся планету, которая может столкнуться с Землей. Фильм был хорошо принят: некоторые называли его шедевром фон Триера, а другие подчеркивали игру Кирстен Данст , визуальные эффекты и реализм, изображенные в фильме.
Фильм Джонатана Глейзера « Под кожей» (пример « артхаусной научной фантастики » [76] ) был показан на Венецианском кинофестивале 2013 года , а в следующем году получил театральный релиз на инди-студии А24 . В фильме со Скарлетт Йоханссон в главной роли рассказывается о инопланетянке в человеческом обличии, которая путешествует по Глазго , подбирая неосторожных мужчин для секса, собирая их плоть и лишая их человечности. Фильм, затрагивающий такие темы, как сексуальность, человечность и объективация, получил положительные отзывы [77] и был назван некоторыми шедевром; [78] Критик Ричард Ропер описал фильм как «то, о чем мы говорим, когда говорим о кино как об искусстве». [79]
В этом десятилетии также произошло возрождение « арт-хоррора » [80] благодаря успеху таких фильмов, как « За пределами черной радуги » (2010), «Черный лебедь» (2010), «Стокер» (2013), « Враг» (2013), «Бабадук» (2014). ), Выживут только любовники (2014), Девушка возвращается домой одна ночью (2014), Спокойной ночи, мамочка (2014), Ночной змей (2014), Оно следует за ним (2015), Ведьма (2015), Плач (2016), «Сплит» (2016), социальный триллер «Прочь» (2017), «Мама!» (2017), Аннигиляция (2018), Тихое место (2018), Наследственное (2018), Суспирия (2018; ремейк одноименного фильма 1977 года ), Мэнди (2018), Соловей (2018), Дом «Это Джек построил» (2018), «Мы » (2019), «Мидсоммар» (2019), « Маяк » (2019), «Цвет из космоса» (2019) и обладатель премии «Оскар» за лучший фильм «Паразиты » (2019). [81] [82] [83] [84] [85]
«Рома» (2018) — фильм Альфонсо Куарона, вдохновленный его детством, проведенным в Мексике 1970-х годов. Снятый в черно-белом режиме, он затрагивает темы, общие для прошлых фильмов Куарона, такие как смертность и класс. Фильм распространялся через Netflix , что принесло гиганту потокового вещания первуюноминацию на премию Оскар за лучший фильм . [86]
Артхаусная анимация (с такими фильмами, как «Песнь моря » и «Любящий Винсент» , номинированные на «Оскар» ) также набирала обороты в ту эпоху как альтернатива мейнстримным анимационным фильмам наряду с работами известных аниматоров Сатоши Кона , Дона Херцфельдта и Ари Фольмана предыдущего десятилетия. [87] [88] [89]
Том Шон сказал о работе Кристофера Нолана : «Он завершил одиннадцать полнометражных фильмов, [...] все которые соответствуют требованиям студийного развлечения, но при этом неизгладимо отмечены личными темами и навязчивыми идеями, которые традиционно являются прерогативой искусства. дом: ход времени, провалы памяти, наши причуды отрицания и отклонения, интимный часовой механизм нашей внутренней жизни на фоне ландшафтов, в которых линии разломов позднего индустриализма встречаются с трещинами и парадоксами информационного века ». [90]
Художественные фильмы критикуются за то, что они слишком претенциозны и потакают своим прихотям для основной аудитории. [91] [92] [93]
Кинокритик LA Weekly Майкл Нордин назвал фильмы « Гуммо » (1997) «артхаусным фильмом об эксплуатации », а «Любовь Перроса » (2000) иллюстрирует «стереотип арт-хауса, в котором показано больше мертвых собак, чем фильм « Там, где растет красный папоротник» , и все остальные». книга, которую тебе приходилось читать в средней школе». [94]
Качественное художественное телевидение [ 95] — телевизионный жанр или стиль, который имеет некоторые общие черты с художественными фильмами. Телевизионные шоу, такие как « Твин Пикс » Дэвида Линча и «Поющий детектив » BBC , также характеризуются «ослаблением причинно-следственной связи, большим акцентом на психологическом или анекдотическом реализме, нарушениями классической ясности пространства и времени, явными авторскими комментариями и двусмысленностью». ". [96]
Как и многие другие работы Линча (особенно фильм « Синий бархат »), «Твин Пикс» исследует пропасть между внешним видом респектабельности маленького городка и более убогими слоями жизни, скрывающимися под его поверхностью. Шоу сложно отнести к определенному телевизионному жанру; стилистически он заимствует тревожный тон и сверхъестественные предпосылки фильмов ужасов и одновременно предлагает причудливо комичную пародию на американские мыльные оперы с манерным , мелодраматичным представлением морально сомнительной деятельности своих причудливых персонажей. Шоу представляет собой серьезное моральное исследование, отличающееся как странным юмором , так и глубоким сюрреалистическим оттенком , включающее сильно стилизованные виньетки, сюрреалистические и часто недоступные художественные образы наряду с понятным в противном случае повествованием о событиях.
Британский телесериал «Черное зеркало» , получивший премию «Эмми» Чарли Брукера , исследует темные, а иногда и сатирические темы в современном обществе, особенно в отношении непредвиденных последствий новых технологий; хотя он был классифицирован как «спекулятивная фантастика», а не как художественное телевидение, он получил восторженные отзывы. Сериал HBO « Прослушка» также можно квалифицировать как «художественное телевидение», поскольку он привлек больше критического внимания со стороны ученых, чем большинство телешоу. Например, журнал по теории кино Film Quarterly поместил этот сериал на обложку. [97]
Художественные фильмы были частью популярной культуры: от анимационных ситкомов, таких как «Симпсоны» [98] и «Школа клонов» , подделывающих и высмеивающих их [99] , до даже веб-серии обзоров комедийных фильмов « Высокие брови» (ведущий — Кайл Каллгрен). [100] [101]