Portrait painting is a genre in painting, where the intent is to represent a specific human subject. The term 'portrait painting' can also describe the actual painted portrait. Portraitists may create their work by commission, for public and private persons, or they may be inspired by admiration or affection for the subject. Portraits often serve as important state and family records, as well as remembrances.
Historically, portrait paintings have primarily memorialized the rich and powerful. Over time, however, it became more common for middle-class patrons to commission portraits of their families and colleagues. Today, portrait paintings are still commissioned by governments, corporations, groups, clubs, and individuals. In addition to painting, portraits can also be made in other media such as prints (including etching and lithography), photography, video and digital media.
It might seem obvious that a painted portrait is intended to achieve a likeness of the sitter that is recognisable to those who have seen them, and ideally is a very good record of their appearance. In fact this concept has been slow to grow, and it took centuries for artists in different traditions to acquire the distinct skills for painting a good likeness.
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Sir_Anthony_Van_Dyck_-_Charles_I_(1600-49)_-_Google_Art_Project.jpg)
Ожидается , что хорошо выполненный портрет покажет внутреннюю сущность предмета (с точки зрения художника) или лестное изображение, а не просто буквальное сходство. Как утверждал Аристотель : «Цель искусства состоит в том, чтобы представить не внешний вид вещей, а их внутреннее значение; ибо именно это, а не внешний образ и детали, составляет истинную реальность». [1] Художники могут стремиться к фотографическому реализму или импрессионистическому сходству в изображении своего объекта, но это отличается от карикатуры , которая пытается раскрыть характер через преувеличение физических черт. Художник обычно пытается изобразить репрезентативно, как заявил Эдвард Бёрн-Джонс : «Единственное выражение, допустимое в великой портретной живописи, - это выражение характера и моральных качеств, а не что-то временное, мимолетное или случайное». [2]
В большинстве случаев это приводит к серьезному взгляду с закрытыми губами, а что-либо, кроме легкой улыбки, исторически встречается довольно редко. Или, как выразился Чарльз Диккенс , «есть только два стиля портретной живописи: серьезный и ухмыляющийся». [3] Даже с учетом этих ограничений возможен полный спектр тонких эмоций: от тихой угрозы до нежного удовлетворения. Однако, поскольку рот относительно нейтральный, большую часть выражения лица приходится создавать с помощью глаз и бровей. Как утверждает писатель и художник Гордон К. Эймар, «глаза — это то место, где ищут наиболее полную, достоверную и актуальную информацию» о предмете. И брови могут «почти в одиночку регистрировать удивление, жалость, испуг, боль, цинизм, сосредоточенность, тоску, неудовольствие и ожидание в бесконечных вариациях и комбинациях». [4]
Портретная живопись может изобразить предмет»в полный рост » (все тело), «поясная длина «(от головы до талии или бедер »)голова и плечи » ( бюст ) или просто голова. Голова субъекта может поворачиваться из «анфас » (вид спереди) довид в профиль (вид сбоку); а "« вид в три четверти » («вид на две трети») находится где-то посередине, варьируясь от почти фронтального до почти профильного (доля представляет собой сумму профиля [одной половины лица] плюс «четверть лица» другой стороны »; [5] альтернативно, это количественно выражается 2 ⁄ 3 , что также означает, что этот частичный вид составляет больше половины лица). Иногда художники создавали композиции с видами с разных сторон, как в случае стройным портретом Чарльза Антониса ван Дейка. Я в трех позициях [6] Есть даже несколько портретов ,на которых фронтальная часть объекта вообще не видна. « Мир Кристины » Эндрю Уайета (1948) является известным примером, где поза женщины-инвалида – с ней. спиной к зрителю – интегрируется с обстановкой, в которой она находится, чтобы передать интерпретацию художника [7] .
Среди других возможных переменных субъект может быть одет или обнажен; в помещении или снаружи; стоя, сидя, полулежа; даже верхом на лошади. Портретные картины могут изображать отдельных лиц, пары, родителей и детей, семьи или коллегиальные группы. Они могут быть созданы в различных техниках, включая масло , акварель , перо и тушь , карандаш , уголь , пастель и смешанную технику . Художники могут использовать широкую палитру цветов, как в случае с «Мадам » Пьера Огюста Ренуара . Шарпантье и ее дети , 1878 г., или ограничиваются преимущественно белыми или черными, как в случае с «Портретом Джорджа Вашингтона » Гилберта Стюарта ( 1796 г.).
Иногда общий размер портрета имеет важное значение. Огромные портреты Чака Клоуза , созданные для музейной экспозиции, сильно отличаются от большинства портретов, созданных для того, чтобы поместиться дома или легко путешествовать с клиентом. Часто художник учитывает, где будет висеть окончательный портрет, а также цвета и стиль окружающего декора. [8]
Создание портрета может занять значительное время, обычно требующее нескольких сеансов. Сезанн, напротив, настаивал на более чем 100 сеансах своего объекта. [9] Гойя, с другой стороны, предпочитал один долгий день сидеть. [10] В среднем около четырех. [11] Портретисты иногда дарят своим натурщикам портфолио с рисунками или фотографиями, из которых натурщик выберет предпочтительную позу, как это сделал сэр Джошуа Рейнольдс . Некоторые, например Ганс Гольбейн Младший, рисуют лицо, а затем завершают остальную часть картины без натурщика. [12] В 18 веке доставка готового портрета клиенту обычно занимала около года. [13]
Управление ожиданиями и настроением натурщика является серьезной проблемой для художника-портретиста. Что касается соответствия портрета внешности натурщика, портретисты в целом последовательны в своем подходе. Клиенты, которые искали сэра Джошуа Рейнольдса, знали, что получат лестный результат, в то время как натурщики Томаса Икинса знали, что ожидают реалистичного, беспощадного портрета. Некоторые сюжеты выражают сильные предпочтения, другие позволяют художнику решать полностью. Оливер Кромвель, как известно, требовал, чтобы на его портрете были изображены «все эти неровности, прыщи, бородавки и все такое, каким вы меня видите, иначе я никогда не заплачу за это ни копейки». [14]
Успокоив натурщика и приняв естественную позу, художник изучает свой предмет, ища из множества возможностей одно выражение лица, которое удовлетворяет его представлению о сущности натурщика. Поза объекта также тщательно продумана, чтобы раскрыть эмоциональное и физическое состояние натурщика, как и костюм. Чтобы поддерживать заинтересованность и мотивацию натурщика, умелый художник часто поддерживает приятное поведение и разговор. Элизабет Виже-Лебрен посоветовала коллегам-художникам льстить женщинам и делать комплименты их внешности, чтобы добиться их сотрудничества на сеансе. [14]
Центральное место в успешном исполнении портрета занимает владение анатомией человека . Человеческие лица асимметричны, и искусные художники-портретисты воспроизводят это с тонкими различиями между левым и правым. Художникам необходимо знать структуру костей и тканей, чтобы создать убедительный портрет.
Для сложных композиций художник может сначала сделать полный набросок карандашом, тушью, углем или маслом, что особенно полезно, если время натурщика ограничено. В противном случае на холсте карандашом, углем или тонким маслом набрасывается общая форма, а затем грубое подобие. Во многих случаях сначала завершается лицо, а потом все остальное. В мастерских многих великих художников-портретистов мастер делал только голову и руки, а одежду и фон создавали главные ученики. Были даже сторонние специалисты, которые работали с конкретными предметами, такими как драпировка и одежда, например, Йозеф ван Акен [15]. Некоторые художники в прошлые времена использовали фигурки мирян или куклы, чтобы помочь создать и выполнить позу и одежду. [16] Использование символических элементов, размещенных вокруг натурщика (включая знаки, предметы домашнего обихода, животных и растения), часто использовалось для кодирования картины моральным или религиозным характером субъекта или символами, представляющими род занятий, интересы натурщика. или социальный статус. Фон может быть полностью черным и бессодержательным или представлять собой полноценную сцену, которая помещает натурщика в социальную или развлекательную среду.
Автопортреты обычно создаются с помощью зеркала, и конечным результатом является портрет в зеркальном отражении, полная противоположность тому, что происходит в обычном портрете, когда натурщик и художник находятся напротив друг друга. На автопортрете художник-правша будет выглядеть держащим кисть в левой руке, если только художник намеренно не корректирует изображение или не использует второе переворачивающееся зеркало во время рисования.
Иногда клиент или семья клиента недовольны получившимся портретом, и художник вынужден его ретушировать, переделывать или отказаться от заказа без оплаты, терпя унижение неудачи. Жак-Луи Давид, знаменитый «Портрет мадам Рекамье» , пользовавшийся бешеной популярностью на выставках, был отвергнут натурщиком, как и пресловутый «Портрет мадам X» Джона Сингера Сарджента . Портрет Джона Трамбулла в полный рост « Генерал Джордж Вашингтон в Трентоне » был отклонен комитетом, который его заказал. [17] Знаменитый колючий Гилберт Стюарт однажды ответил на недовольство клиента портретом его жены, возразив: «Ты принес мне картошку, а ожидаешь персик!» [18]
Однако успешный портрет может заслужить благодарность клиента на всю жизнь. Граф Бальтазар был так доволен портретом своей жены, созданным Рафаэлем , что сказал художнику: «Твой образ… один может облегчить мои заботы. Этот образ — моя радость; я направляю к нему свои улыбки, это моя радость». [19]
Корни портретной живописи, вероятно, уходят в доисторические времена, хотя немногие из этих работ сохранились до наших дней. В искусстве древних цивилизаций Плодородного полумесяца , особенно в Египте, изобилуют изображения правителей и правителей в виде богов. Однако большинство из них были выполнены в сильно стилизованной манере и большинство в профиль, обычно на камне, металле, глине, гипсе или хрустале. Египетская портретная живопись уделяла относительно мало внимания сходству, по крайней мере, до периода Эхнатона в 14 веке до нашей эры. Портреты знатных людей Китая, вероятно, восходят к более чем 1000 году до нашей эры, хотя ни один из них не сохранился с того времени. Существующие китайские портреты датируются примерно 1000 годом нашей эры, [20] но сходству не уделялось особого внимания до некоторого времени после этого.
Из литературных источников мы знаем, что древнегреческая живопись включала в себя портретную живопись, зачастую очень точную, если верить похвалам писателей, но живописных примеров не сохранилось. Скульптурные головы правителей и известных личностей, таких как Сократ, сохранились в некотором количестве и, подобно индивидуальным бюстам эллинистических правителей на монетах, показывают, что греческая портретная живопись могла достичь хорошего сходства, а сюжеты, по крайней мере литературные деятели, изображались с относительно небольшой лестью. – Портреты Сократа показывают, почему он имел репутацию уродливого. Преемники Александра Великого начали добавлять его голову (как обожествленную фигуру) на свои монеты и вскоре начали использовать свою собственную.
Римская портретная живопись переняла традиции портретной живописи как у этрусков , так и у греков, и развила очень сильную традицию, связанную с их религиозным использованием портретов предков, а также с римской политикой. Опять же, несколько сохранившихся нарисованных портретов, таких как Фаюмские портреты , Гробница Алины и Северанское Тондо , все из Египта под римским правлением, явно являются провинциальными произведениями, отражающими греческий, а не римский стиль, но у нас есть множество скульптурных голов, в том числе множество индивидуальные портреты из гробниц среднего класса и тысячи типов портретов на монетах.
Самая большая группа нарисованных портретов — это погребальные картины, сохранившиеся в сухом климате египетского района Фаюм (см. иллюстрацию ниже), датируемые 2-4 веками нашей эры. Это почти единственные сохранившиеся картины римского периода, не считая фресок , хотя из сочинений Плиния Старшего известно, что портретная живопись была широко распространена в греческие времена и практиковалась как мужчинами, так и женщинами-художниками. [21] В свое время Плиний жаловался на упадок римского портретного искусства: «Портретная живопись, которая на протяжении веков передавала точные изображения людей, полностью ушла в прошлое… Праздность разрушила искусство». [22] [23] Эти портреты в анфас из римского Египта являются счастливым исключением. Они демонстрируют несколько реалистичное чувство пропорций и отдельных деталей (хотя глаза, как правило, большие, а художественное мастерство значительно варьируется от художника к художнику). Фаюмские портреты писались на дереве или слоновой кости красками из воска и смолы (энкаустика) или темперой и вставлялись в обертку мумии, чтобы оставаться с телом навечно.
В то время как отдельно стоящая портретная живопись в Риме уменьшилась, искусство портрета процветало в римских скульптурах, где натурщики требовали реализма, даже если это было нелестно. В IV веке доминировал скульптурный портрет с отступлением в пользу идеализированного символа того, как выглядел этот человек. (Сравните портреты римских императоров Константина I и Феодосия I ) В позднеантичный период интерес к индивидуальному подобию значительно снизился, и большинство портретов на позднеримских монетах и консульских диптихах едва ли вообще индивидуализированы, хотя в то же время раннехристианские искусство развивало довольно стандартизированные образы для изображения Иисуса и других крупных фигур христианского искусства, таких как Иоанн Креститель и Святой Петр .
Большинство ранних средневековых портретов были портретами доноров , первоначально в основном папами в римских мозаиках и иллюминированными рукописями , примером которых является автопортрет писательницы, мистика, ученого, просветителя и музыканта Хильдегард Бингенской (1152 г.). [24] Как и в случае с современными монетами, попыток сходства было мало. Каменные гробницы-памятники распространились в романский период. Между 1350 и 1400 годами светские фигуры начали вновь появляться на фресках и панно , например, в картине Мастера Теодориха « Принятие верности Карлу IV» , [25] и портреты снова стали явными подобиями.
Примерно в конце века в Бургундии и Франции появились первые портреты современных людей, написанные маслом на небольших деревянных панелях, сначала в виде профилей, затем в других видах. Диптих Уилтона ок . 1400 год — один из двух сохранившихся портретов английского короля Ричарда II , самого раннего английского короля, современные образцы которого у нас есть.
В конце средневековья, в 15 веке, ранняя нидерландская живопись сыграла ключевую роль в развитии индивидуального портрета. Среди мастеров были Ян ван Эйк , Роберт Кампен и Рогир ван дер Вейден , среди других. Были заказаны довольно небольшие портреты на панно , размером менее половины натуральной величины, не только фигур придворных, но и тех, кто по их относительно простой одежде выглядит как богатых горожан. Миниатюры в иллюминированных рукописях также включали индивидуальные портреты, обычно комиссара. В религиозных картинах портреты дарителей стали изображаться присутствующими или участвующими в основных показанных священных сценах, а в более частных придворных изображениях субъекты даже появлялись в качестве значимых фигур, таких как Дева Мария .
Если поэт говорит, что он может воспламенить людей любовью…
художник способен сделать то же самое…
поскольку он может представить перед любящим
истинное подобие того, кого он любит,
часто заставляя его целовать и говорить с ним.
–Леонардо да Винчи [26]
«Джиневра де Бенчи » Леонардо ( ок. 1474–148 ) — один из первых известных в итальянском искусстве портретов с обзором в три четверти. [26]
Частично из-за интереса к миру природы, а частично из-за интереса к классическим культурам Древней Греции и Рима портретам — как нарисованным, так и скульптурным — отводилась важная роль в обществе эпохи Возрождения, и они ценились как предметы, а также как изображения земного успеха и успеха. положение дел. Живопись в целом достигла нового уровня баланса, гармонии и проницательности, а величайшие художники (Леонардо, Микеланджело и Рафаэль) считались «гениями», поднявшись намного выше статуса торговца до ценных служителей двора и церкви. [27]
В этот плодотворный период появилось множество инноваций в различных формах портретной живописи. Зародилась традиция портретной миниатюры , которая оставалась популярной до эпохи фотографии, развиваясь из навыков художников миниатюр в иллюминированных рукописях .
Портреты в профиль, вдохновленные древними медальонами, были особенно популярны в Италии между 1450 и 1500 годами. Медали с их двусторонними изображениями также вдохновили недолговечную моду на двусторонние картины в начале эпохи Возрождения. [28] Классическая скульптура, такая как Аполлон Бельведерский , также повлияла на выбор поз, используемых портретистами эпохи Возрождения, поз, которые продолжали использоваться на протяжении веков. [29]
Североевропейские художники лидировали в реалистичных портретах светских сюжетов. Больший реализм и детализация северных художников 15-го века частично объяснялись более тонкими мазками и эффектами, возможными при использовании масляных красок , в то время как итальянские и испанские художники все еще использовали темперу . Среди первых художников, разработавших технику маслом, был Ян ван Эйк . Масляные краски могут создавать большую текстуру и степень толщины, и их можно наслаивать более эффективно, добавляя все более толстые слои один над другим (художники это называют «жирным над тощим»). Кроме того, масляные краски сохнут медленнее, что позволяет художнику легко вносить изменения, например, изменять детали лица. Антонелло да Мессина был одним из первых итальянцев, воспользовавшихся нефтью. Получив образование в Бельгии, он поселился в Венеции около 1475 года и оказал большое влияние на Джованни Беллини и североитальянскую школу. [30] В 16 веке масло как средство стало популярным по всей Европе, что позволило создавать более роскошные изображения одежды и украшений. На качество изображений также повлиял переход от дерева к холсту , начавшийся в Италии в начале 16 века и распространившийся на Северную Европу в течение следующего столетия. Холст лучше сопротивляется растрескиванию, чем дерево, лучше удерживает пигменты и требует меньше подготовки, но изначально его было гораздо меньше, чем дерева.
Вначале северные европейцы отказались от этого профиля и начали создавать портреты реалистичного объема и перспективы. В Нидерландах Ян ван Эйк был ведущим портретистом. «Женитьба Арнольфини» (1434, Национальная галерея , Лондон) — достопримечательность западного искусства, ранний образец парного портрета в полный рост, великолепно написанного сочными красками и изысканными деталями. Но что не менее важно, он демонстрирует недавно разработанную технику масляной живописи, впервые разработанную Ван Эйком, которая произвела революцию в искусстве и распространилась по всей Европе. [31]
Ведущие немецкие художники-портретисты, в том числе Лукас Кранах , Альбрехт Дюрер и Ганс Гольбейн Младший , владеющие техникой масляной живописи. Кранах был одним из первых художников, написавших картины в полный рост в натуральную величину - традиция, популярная с тех пор. [32] В то время в Англии не было портретистов первого ранга, и такие художники, как Гольбейн, были востребованы английскими покровителями. [33] Его картина сэра Томаса Мора (1527), его первого важного покровителя в Англии, почти реалистична как фотография. [34] Гольбейн добился большого успеха, рисуя королевскую семью, включая Генриха VIII . Дюрер был выдающимся рисовальщиком и одним из первых крупных художников, написавших серию автопортретов, в том числе портрет в анфас. Он также поместил свой автопортрет (в качестве наблюдателя) в несколько своих религиозных картин. [35] Дюрер начал делать автопортреты в возрасте тринадцати лет. [36] Позже Рембрандт расширил эту традицию.
В Италии Мазаччо возглавил модернизацию фрески, приняв более реалистичную перспективу. Филиппо Липпи проложил путь к созданию более резких контуров и извилистых линий [37] , а его ученик Рафаэль в последующие десятилетия расширил реализм в Италии на гораздо более высокий уровень своими монументальными настенными росписями. [38] За это время стал популярным обручальный портрет, особая специальность Лоренцо Лотто . [39] В эпоху раннего Возрождения портретные картины, как правило, были небольшими и иногда закрывались защитными крышками, навесными или раздвижными. [40]
В эпоху Возрождения флорентийская и миланская знать, в частности, хотела более реалистичного представления о себе. Задача создания убедительных полных изображений и изображений в три четверти стимулировала эксперименты и инновации. Сандро Боттичелли , Пьеро делла Франческа , Доменико Гирландайо , Лоренцо ди Креди , Леонардо да Винчи и другие художники соответственно расширили свою технику, добавив портретную живопись к традиционным религиозным и классическим сюжетам. Леонардо и Пизанелло были одними из первых итальянских художников, которые добавили аллегорические символы в свои светские портреты. [38]
Одним из самых известных портретов в западном мире является картина Леонардо да Винчи под названием «Мона Лиза» , названная в честь Лизы дель Джокондо , [41] [42] [43] члена семьи Герардини из Флоренции и Тосканы и жены богатый флорентийский торговец шелком Франческо дель Джокондо. Знаменитая «Улыбка Моны Лизы» — отличный пример нанесения на лицо едва уловимой асимметрии. В своих записных книжках Леонардо дает советы по поводу качеств света в портретной живописи:
Очень высокая степень изящества в свете и тени придается лицам тех, кто сидит в дверях темных комнат, где глаза наблюдателя видят затененную часть лица, скрытую тенями комнаты, и увидьте освещенную часть лица с тем большим блеском, который придает ей воздух. За счет увеличения теней и света лицо становится более рельефным. [44]
Леонардо был учеником Верроккьо . Став членом Гильдии художников, он начал принимать независимые заказы. Благодаря его широким интересам и в соответствии с его научным мышлением, его рисунки и предварительные исследования огромны, хотя его окончательная художественная продукция относительно невелика. Среди других его запоминающихся портретов были портреты дворянок Джиневры де Бенчи и Сесилии Галлерани . [45]
Сохранившиеся комиссионные портреты Рафаэля гораздо более многочисленны, чем портреты Леонардо, и они демонстрируют большее разнообразие поз, освещения и техники. Великим достижением Рафаэля было не создание революционных инноваций, а усиление и совершенствование развивающихся течений искусства эпохи Возрождения. [46] Он был особенно знатоком группового портрета. Его шедевр «Афинская школа» — одна из лучших групповых фресок, содержащая изображения Леонардо, Микеланджело, Браманте и самого Рафаэля в облике древних философов. [47] Это был не первый групповой портрет художников. Десятилетиями ранее Паоло Уччелло нарисовал групповой портрет, включающий Джотто , Донателло , Антонио Манетти и Брунеллески . [35] По мере того, как он становился известным, Рафаэль стал любимым портретистом пап. В то время как многие художники эпохи Возрождения охотно принимали заказы на портреты, некоторые художники отказались от них, в первую очередь соперник Рафаэля Микеланджело , который вместо этого взял на себя огромные заказы на Сикстинскую капеллу . [38]
В Венеции около 1500 года в портретной живописи доминировали Джентиле Беллини и Джованни Беллини . Они получали самые высокие награды от ведущих чиновников государства. Портрет дожа Лоредана работы Беллини считается одним из лучших портретов эпохи Возрождения и умело демонстрирует мастерство художника в новейших техниках масляной живописи. [48] Беллини также является одним из первых художников в Европе, подписавших свои работы, хотя он редко с ними встречался. [49] Позже, в 16 веке, Тициан взял на себя почти ту же роль, в частности, расширив разнообразие поз и сидений своих королевских подданных. Тициан был, пожалуй, первым великим детским портретистом. [50] После Тициана Тинторетто и Веронезе стали ведущими венецианскими художниками, способствуя переходу к итальянскому маньеризму . Маньеристы создали множество исключительных портретов, подчеркивающих материальное богатство и элегантно сложные позы, как в работах Аньоло Бронзино и Якопо да Понтормо . Бронзино прославился, изображая семью Медичи . Его смелый портрет Козимо I Медичи изображает сурового правителя в доспехах с настороженным взглядом, смотрящим в крайнюю правую сторону, что резко контрастирует с большинством королевских картин, на которых изображены натурщики как милостивые государи. [51] Эль Греко , который обучался в Венеции в течение двенадцати лет, после прибытия в Испанию пошел в более радикальном направлении, подчеркивая свое «внутреннее видение» натурщика до такой степени, что умалял реальность физического внешнего вида. [52] Одним из лучших портретистов Италии 16-го века была Софонисба Ангиссола из Кремоны, которая придала своим индивидуальным и групповым портретам новый уровень сложности.
Придворная портретная живопись во Франции началась, когда фламандский художник Жан Клуэ нарисовал свое роскошное изображение Франциска I Французского около 1525 года . годы. Мона Лиза осталась во Франции после того, как там умер Леонардо. [53]
_van_het_Amsterdamse_lakenbereidersgilde_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Rembrandt_-_De_Staalmeesters-_het_college_van_staalmeesters_(waardijns)_van_het_Amsterdamse_lakenbereidersgilde_-_Google_Art_Project.jpg)
В периоды барокко и рококо (17 и 18 века соответственно) портреты стали еще более важными свидетельствами статуса и положения. В обществе, где все больше доминировали светские лидеры при могущественных судах, изображения богато одетых деятелей были средством подтверждения авторитета важных людей. Фламандские художники сэр Антонис ван Дейк и Питер Пауль Рубенс преуспели в этом типе портретной живописи, а Ян Вермеер создавал портреты в основном представителей среднего класса, работающих и играющих в помещении. Портрет Рубенса с ним и его первой женой (1609) в свадебном наряде — виртуозный образец парного портрета. [55]
Слава Рубенса не ограничивалась его искусством: он был придворным, дипломатом, коллекционером произведений искусства и успешным бизнесменом. Его студия была одной из самых обширных в то время, в ней помимо портретной живописи работали специалисты по натюрмортам, пейзажам, анималистическим и жанровым сценам. Ван Дейк тренировался там два года. [56] Карл I Английский сначала нанял Рубенса, затем импортировал Ван Дейка в качестве своего придворного художника, посвятил его в рыцари и даровал ему придворный статус. Ван Дейк адаптировал не только производственные методы и деловые навыки Рубенса, но также его элегантные манеры и внешний вид. Как было записано: «Он всегда ходил великолепно одетым, имел многочисленную и галантную экипировку и держал в своих покоях такой благородный стол, что мало кто из принцев посещался или обслуживался лучше». [57] Во Франции Гиацинт Риго доминировал почти так же, как замечательный летописец королевской семьи, написавший портреты пяти французских королей. [58]
Одним из нововведений искусства эпохи Возрождения стала улучшенная передача мимики, сопровождающей различные эмоции. В частности, голландский художник Рембрандт исследовал множество выражений человеческого лица, особенно как один из ведущих автопортретистов (которых за свою жизнь он нарисовал более 60). [59] Этот интерес к человеческому лицу также способствовал созданию первых карикатур, приписываемых Академии дельи Инкамминати , которой руководили художники семьи Карраччи в конце 16 века в Болонье, Италия.
Групповые портреты производились в большом количестве в период барокко, особенно в Нидерландах. В отличие от остальной Европы, голландские художники не получали заказов от кальвинистской церкви, которая запрещала такие изображения, или от аристократии, которой практически не существовало. Вместо этого комиссии поступили от гражданских и деловых ассоциаций. Голландский художник Франс Хальс использовал плавные мазки ярких цветов, чтобы оживить свои групповые портреты, в том числе портреты гражданской гвардии, к которой он принадлежал. Рембрандт получил большую выгоду от таких заказов и от общей оценки искусства буржуазными клиентами, которые поддерживали портретную живопись, а также натюрморты и пейзажи. Кроме того, в Голландии в это время процветали первые значительные арт- и дилерские рынки. [60]
Благодаря большому спросу Рембрандт смог экспериментировать с нетрадиционной композицией и техникой, например, со светотенью . Он продемонстрировал эти новшества, впервые предложенные итальянскими мастерами, такими как Караваджо , особенно в его знаменитом «Ночном дозоре» (1642). [61] « Урок анатомии доктора Тюльпа» (1632) — еще один прекрасный пример мастерства Рембрандта в групповой живописи, в которой он заливает труп ярким светом, чтобы привлечь внимание к центру картины, в то время как одежда и фон сливаются в черный, что выделяло лица хирурга и студентов. Это также первая картина, которую Рембрандт подписал своим полным именем. [62]
В Испании Диего Веласкес написал «Менины» (1656 г.), один из самых известных и загадочных групповых портретов всех времен. Он увековечивает память художника и детей испанской королевской семьи, и, по всей видимости, натурщиками являются королевская чета, которую можно увидеть только как отражение в зеркале. [63] Начав как жанровый художник, Веласкес быстро стал известен как придворный художник Филиппа IV , преуспев в искусстве портретной живописи, особенно в расширении сложности групповых портретов. [64]
Мастерами изысканного портрета были художники рококо, которых особенно интересовали богатые и сложные орнаменты. Их внимание к деталям одежды и текстур увеличило эффективность портретов как свидетельства мирского богатства, о чем свидетельствуют знаменитые портреты мадам де Помпадур работы Франсуа Буше , одетой в развевающиеся шелковые платья.
Первыми крупными местными портретистами британской школы были английские художники Томас Гейнсборо и сэр Джошуа Рейнольдс , которые также специализировались на привлекательной одежде своих персонажей. «Синий мальчик » Гейнсборо — один из самых известных и признанных портретов всех времен, написанный очень длинными кистями и тонкими масляными красками для достижения мерцающего эффекта синего костюма. [66] Гейнсборо также был известен своими тщательно продуманными настройками фона для своих объектов.
Два британских художника придерживались противоположных взглядов на использование помощников. Рейнольдс регулярно нанимал их (иногда сам делал только 20 процентов картины), в то время как Гейнсборо делал это редко. [67] Иногда клиент получал залог от художника, как это сделал сэр Ричард Ньюдегейт от портретиста Питера Лели (преемника Ван Дейка в Англии), который обещал, что портрет будет «от начала до конца нарисован моими собственными руками». ." [68] В отличие от точности, применяемой фламандскими мастерами, Рейнольдс резюмировал свой подход к портретной живописи, заявив, что «изящество и, можно добавить, сходство состоят больше в том, чтобы передать общий вид, чем в соблюдении точного сходства». каждой особенности». [69] Также известным в Англии был Уильям Хогарт , который осмелился пойти против традиционных методов, привнося в свои портреты нотки юмора. Его «Автопортрет с Мопсом» явно представляет собой скорее юмористический взгляд на его питомца, чем картину, потакающую своим прихотям. [70]
В 18 веке женщины-художники приобрели новое значение, особенно в области портретной живописи. Среди известных художниц — французская художница Элизабет Виже-Лебрен , итальянская художница-пастель Розальба Карьера и швейцарская художница Анжелика Кауфман . Также в том столетии, до изобретения фотографии, высоко ценились миниатюрные портреты, написанные с невероятной точностью и часто заключенные в золотые или эмалированные медальоны.
В Соединенных Штатах Джон Синглтон Копли , воспитанный в изысканной британской манере, стал ведущим художником полноразмерных и миниатюрных портретов, особенно высоко ценились его гиперреалистичные картины Сэмюэля Адамса и Пола Ревира . Копли также известен своими попытками объединить портретную живопись с более почитаемым в академическом отношении искусством исторической живописи , что он и пытался сделать в своих групповых портретах известных военных. [71] Не менее известным был Гилберт Стюарт , написавший более 1000 портретов и особенно известный своими президентскими портретами. Только Стюарт нарисовал более 100 копий Джорджа Вашингтона . [72] Стюарт работал быстро и использовал более мягкие, менее детальные мазки, чем Копли, чтобы передать суть своих предметов. Иногда он делал для клиента несколько версий, позволяя натурщику выбрать понравившуюся. [73] Стюарт, известный своим румяным румянцем щек, писал: «Плоть не похожа ни на одно другое вещество под небесами. В ней есть все веселье лавки торговца шелком, но без кричащего блеска, и вся мягкость старого красного дерева, без его грусть." [74] Другими выдающимися американскими портретистами колониальной эпохи были Джон Смайберт , Томас Салли , Ральф Эрл , Джон Трамбалл , Бенджамин Уэст , Роберт Феке , Джеймс Пил , Чарльз Уилсон Пил и Рембрандт Пил .
In the late 18th century and early 19th century, neoclassical artists continued the tradition of depicting subjects in the latest fashions, which for women by then, meant diaphanous gowns derived from ancient Greek and Roman clothing styles. The artists used directed light to define texture and the simple roundness of faces and limbs. French painters Jacques-Louis David and Jean-Auguste-Dominique Ingres demonstrated virtuosity in this draftsman-like technique as well as a keen eye for character. Ingres, a student of David, is notable for his portraits in which a mirror is painted behind the subject to simulate a rear view of the subject.[75] His portrait of Napoleon on his imperial throne is a tour de force of regal portraiture. (see Gallery below)
Romantic artists who worked during the first half of the 19th century painted portraits of inspiring leaders, beautiful women, and agitated subjects, using lively brush strokes and dramatic, sometimes moody, lighting. French artists Eugène Delacroix and Théodore Géricault painted particularly fine portraits of this type, especially dashing horsemen.[76] A notable example of artist of romantic period in Poland, who practised a horserider portrait was Piotr Michałowski (1800–1855). Also noteworthy is Géricault's series of portraits of mental patients (1822–1824). Spanish painter Francisco de Goya painted some of the most searching and provocative images of the period, including La maja desnuda (c. 1797–1800), as well as famous court portraits of Charles IV.
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Thomas_Eakins,_American_-_Portrait_of_Dr._Samuel_D._Gross_(The_Gross_Clinic)_-_Google_Art_Project.jpg)
Художники -реалисты XIX века, такие как Гюстав Курбе , создавали объективные портреты, изображающие людей низшего и среднего класса. Демонстрируя свой романтизм, Курбе написал несколько автопортретов, изображающих себя в разном настроении и выражениях. [77] Среди других французских реалистов Оноре Домье , создавший множество карикатур на своих современников. Анри де Тулуз-Лотрек записал хронику некоторых известных артистов театра, в том числе Джейн Авриль, запечатлевая их в движении. [78] Французский художник Эдуард Мане был важным художником переходного периода, чьи работы колеблются между реализмом и импрессионизмом . Он был портретистом выдающейся проницательности и техники, а его картина Стефана Малларме была хорошим примером его переходного стиля. Его современник Эдгар Дега был прежде всего реалистом, а его картина «Портрет семьи Беллелли» — это проницательное изображение несчастной семьи и один из лучших его портретов. [79]
В Америке Томас Икинс правил как ведущий художник-портретист, выведя реализм на новый уровень откровенности, особенно в двух его портретах хирургов за работой, а также портретах спортсменов и музыкантов в действии. Во многих портретах, например в «Портрете миссис Эдит Махон», Икинс смело передает нелестные эмоции печали и меланхолии. [80]
К 1870-м годам реалисты в основном уступили место импрессионистам . Частично из-за своих скудных доходов многие импрессионисты полагались на семью и друзей в качестве моделей и рисовали тесные группы и отдельные фигуры либо на открытом воздухе, либо в наполненных светом интерьерах. Портреты импрессионистов, известные своими мерцающими поверхностями и богатыми мазками краски, часто обезоруживающе интимны и привлекательны. Французские художники Клод Моне и Пьер Огюст Ренуар создали одни из самых популярных изображений отдельных натурщиков и групп. Американская художница Мэри Кассат , обучавшаяся и работавшая во Франции, популярна и сегодня благодаря своим очаровательным картинам, изображающим матерей и детей, как и Ренуар. [81] Поль Гоген и Винсент Ван Гог , оба постимпрессионисты , рисовали откровенные портреты людей, которых они знали, разноцветные, но не обязательно лестные. Они в равной степени, если не в большей степени, прославлены своими яркими автопортретами.
Джон Сингер Сарджент также охватил смену веков, но он отверг явный импрессионизм и постимпрессионизм. Он был самым успешным художником-портретистом своей эпохи, использовавшим в основном реалистическую технику, часто сочетающуюся с блестящим использованием цвета. Он одинаково хорошо рисовал индивидуальные и групповые портреты, особенно представителей семей высшего сословия. Сарджент родился во Флоренции, Италия, в семье американцев. Он учился в Италии и Германии, а также в Париже. Сарджент считается последним крупным представителем британской портретной традиции, начиная с Ван Дейка. [81] Другим выдающимся американским портретистом, обучавшимся за границей, был Уильям Меррит Чейз . Художница из американского общества Сесилия Бо , прозванная «женщиной-Сарджентом», родилась в семье француза, училась за границей и добилась успеха дома, придерживаясь традиционных методов. Еще одним портретистом, сравниваемым с Сарджентом за его пышную технику, был парижский художник итальянского происхождения Джованни Больдини , друг Дега и Уистлера .
Родившийся в Америке интернационалист Джеймс Эбботт Макнил Уистлер имел хорошие связи с европейскими художниками , а также написал несколько исключительных портретов, наиболее известная из которых - «Аранжировка в сером и черном», «Мать художника» (1871), также известная как « Мать Уистлера» . [82] Даже в своих портретах, как и в тональных пейзажах, Уистлер хотел, чтобы зрители сосредоточились на гармоничном расположении формы и цвета в его картинах. Для создания желаемых эффектов Уистлер использовал приглушенную палитру, подчеркивая цветовой баланс и мягкие тона. По его словам, «как музыка — это поэзия звука, так и живопись — это поэзия зрения, и сюжет не имеет ничего общего с гармонией звука или цвета». [83] Форма и цвет также занимали центральное место в портретах Сезанна , в то время как еще более экстремальные цвета и техника мазков доминируют в портретах Андре Дерена и Анри Матисса . [84]
Развитие фотографии в XIX веке оказало значительное влияние на портретную живопись, вытеснив более раннюю камеру-обскуру , которая ранее также использовалась в качестве вспомогательного средства в живописи. Многие модернисты стекались в фотостудии, чтобы сделать свои портреты, в том числе Бодлер, который, хотя и провозгласил фотографию «врагом искусства», обнаружил, что его привлекают откровенность и сила фотографии. [85] Предоставляя дешевую альтернативу, фотография вытеснила большую часть портретной живописи самого низкого уровня. Некоторые художники-реалисты, такие как Томас Икинс и Эдгар Дега , с энтузиазмом относились к фотографии с камеры и считали ее полезным подспорьем в композиции. Начиная с импрессионистов, художники-портретисты нашли множество способов по-новому интерпретировать портрет, чтобы эффективно конкурировать с фотографией. [86] Сарджент и Уистлер были среди тех, кто был вынужден расширить свою технику для создания эффектов, которые камера не могла уловить.
Другие художники начала 20 века также расширили репертуар портретной живописи в новых направлениях. Художник- фовист Анри Матисс создавал впечатляющие портреты, используя ненатуралистические, даже яркие цвета для оттенков кожи. Сезанн в своих портретах полагался на сильно упрощенные формы, избегая деталей и подчеркивая цветовые сопоставления. [88] Уникальный стиль австрийца Густава Климта применял византийские мотивы и золотую краску к своим памятным портретам. Его ученик Оскар Кокошка был выдающимся портретистом венского высшего сословия. Плодовитый испанский художник Пабло Пикассо написал множество портретов, в том числе несколько кубистических изображений своих любовниц, в которых подобие объекта сильно искажено, чтобы добиться эмоционального выражения, выходящего далеко за рамки обычной карикатуры. [89] Выдающейся художницей-портретисткой рубежа 20-го века, связанной с французским импрессионизмом , была Ольга Бознаньская (1865–1940). Художники -экспрессионисты представили одни из самых захватывающих и убедительных психологических исследований, когда-либо созданных. Немецкие художники, такие как Отто Дикс и Макс Бекманн, создали известные образцы экспрессионистской портретной живописи. Бекманн был плодовитым автопортретистом, написав не менее двадцати семи портретов. [90] Амедео Модильяни написал множество портретов в своем вытянутом стиле, который обесценивал «внутреннего человека» в пользу строгого изучения формы и цвета. Чтобы добиться этого, он уменьшил акцент обычно выразительных глаз и бровей до черных щелей и простых дуг. [91]
Британское искусство было представлено вортицистами , написавшими несколько известных портретов в начале 20 века. Художник - дадаист Фрэнсис Пикабиа создал множество портретов в своей уникальной манере. Кроме того, портреты Тамары де Лемпицки удачно передали эпоху ар-деко с ее обтекаемыми изгибами, насыщенными цветами и острыми углами. В Америке Роберт Анри и Джордж Беллоуз были прекрасными портретистами 1920-х и 1930-х годов американской реалистической школы. Макс Эрнст создал образец современного коллегиального портрета в своей картине 1922 года « Все друзья вместе» . [92]
Значительный вклад в развитие портретной живописи 1930–2000 годов внесли русские художники, работавшие преимущественно в традициях реалистической и фигуративной живописи. Среди них следует назвать Исаака Бродского , Николая Фешина , Абрама Архипова и других. [93]
Производство портретов в Европе (за исключением России) и Америке в 1940-х и 1950-х годах в целом пришло в упадок в результате растущего интереса к абстракции и нефигуративному искусству. Однако единственным исключением был Эндрю Уайет , который превратился в ведущего американского художника-портретиста-реалиста. У Уайета реализм, хотя и явный, вторичен по отношению к тональным качествам и настроению его картин. Это ярко демонстрирует его знаковая серия картин, известная как «Картины Хельги», самая большая группа портретов одного человека среди всех крупных художников (247 этюдов его соседки Хельги Тесторф, одетой и обнаженной, в разной обстановке, написанных во время период 1971–1985 гг.). [94]
К 1960-м и 1970-м годам произошло возрождение портретной живописи. Английские художники, такие как Люсьен Фрейд (внук Зигмунда Фрейда ) и Фрэнсис Бэкон, создали мощные картины. Портреты Бэкона отличаются кошмарным качеством. В мае 2008 года портрет Фрейда 1995 года « Спящий руководитель льгот» был продан на аукционе Christie's в Нью-Йорке за 33,6 миллиона долларов, что установило мировой рекорд продажной стоимости картины живого художника. [95]
Многие современные американские художники, такие как Энди Уорхол , Алекс Кац и Чак Клоуз , сделали человеческое лицо центром своих работ.
Уорхол был одним из самых плодовитых художников-портретистов 20 века. Картина Уорхола «Оранжевый выстрел Мэрилин из Мэрилин Монро» является культовым ранним примером его работ 1960-х годов, а «Оранжевый принц» (1984) поп-певца Принса является более поздним примером, обе демонстрирующие уникальный графический стиль портретной живописи Уорхола. [96] [97] [98] [99]
Специализацией Клоуза были огромные гиперреалистичные портреты «головы» размером со стену, основанные на фотографических изображениях. Джейми Уайет продолжает реалистическую традицию своего отца Эндрю, создавая знаменитые портреты, сюжеты которых варьируются от президентов до свиней.
Персидская миниатюрная традиция долгое время избегала придания фигурам индивидуальных черт лица, отчасти по религиозным причинам, чтобы избежать любого намека на идолопоклонство . Правители исламского мира никогда не помещали свои изображения на монеты, и их внешний вид не являлся частью их усилий по связям с общественностью , как это было на Западе. Даже там, где ясно, что сцена изображает двор принца, заказывающего работу, черты лица главной фигуры имеют те же довольно китайские черты, что и все остальные. Эта давняя традиция, похоже, возникла из зарождения миниатюрной традиции при монгольских Ильханидах , но надолго пережила их.
Когда персидская традиция развилась в виде миниатюры Великих Моголов в Индии, ситуация быстро изменилась. В отличие от своих персидских предшественников, покровители Великих Моголов уделяли большое внимание детальным натуралистическим подобиям всех незнакомых природных форм своей новой империи, таких как животные, птицы и растения. У них было одинаковое отношение к человеческой портретной живописи, и отдельные портреты, обычно в профиль, стали важной особенностью традиции. Особое внимание этому уделялось при императоре Акбаре Великом , который, судя по всему, страдал дислексией и едва мог читать и писать сам. У него был большой альбом ( муракка ) с портретами всех ведущих членов его огромного двора, и он использовал его при обсуждении назначений по всей империи со своими советниками. [100]
Более поздние императоры, особенно Джахангир и Шах-Джахан , широко использовали идеализированные миниатюрные портреты самих себя в качестве формы пропаганды, раздавая их важным союзникам. Они часто имели нимбы большего размера, чем те, что были у религиозных деятелей. Такие изображения распространили идею портрета правителя на более мелкие дворы, так что к 18 веку многие мелкие раджи наняли придворных художников, которые изображали их, наслаждающихся княжеской деятельностью, в довольно стилизованных изображениях, сочетающих в себе ощущение неформальности и величия.
Османские миниатюры обычно имели фигуры с лицами, даже менее индивидуализированными, чем их персидские эквиваленты, но развивался жанр небольших портретов мужчин из императорской семьи. У них были весьма индивидуальные и довольно преувеличенные черты, некоторые граничащие с карикатурой ; их, вероятно, видел лишь очень ограниченный круг.
Персидская династия Каджаров с 1781 года создавала большие королевские портреты маслом, а также миниатюры и тканевые драпировки. В них, как правило, преобладают великолепные костюмы и длинные бороды шахов.
Китайская портретная живопись не спешила желать или достигать реального сходства. Многие «портреты» изображали известных личностей прошлого и давали представление о том, как должен выглядеть этот человек. Буддийское духовенство, особенно в скульптуре, было своего рода исключением из этого правила. Портреты императора долгое время никогда не появлялись на публике, отчасти из-за опасений, что плохое обращение с ними может опозорить императора или даже вызвать неудачу. Самым высокопоставленным министрам разрешалось раз в год в качестве особой чести воздавать должное изображениям в императорской галерее портретов предков.
Во времена династии Хань возникновение конфуцианства , которое считало человека центром вселенной и общества, привело к сосредоточению внимания на психологических исследованиях. Тем временем даосские ученые начали изучение физиогномики . Объединенный интерес к психологическим и физическим особенностям человека вызвал рост биографии и портретной живописи. Портретные картины, созданные во времена династии Хань, считались прототипами самых ранних китайских портретных картин, большинство из которых были найдены на стенах дворцовых залов, гробниц и святынь-подношений. Например, выгравированная фигура человека, найденная на плитке гробницы западной провинции Хэнань , относящейся к третьему веку до нашей эры, свидетельствует о наблюдательности художника и желании создавать живые фигуры. Однако персонажи большинства настенных портретов — анонимные фигуры, ведущие беседу. Несмотря на яркое изображение физических черт и выражения лица, из-за отсутствия идентичности и тесной привязки к повествовательному контексту, многие ученые относят эти настенные росписи династии Хань к «фигурам персонажей в действии», а не к реальным сходствам конкретных людей. [101]
Династия Цзинь была одним из самых бурных периодов в древней китайской истории. После десятилетий войн между тремя государствами Вэй , Шу и У с 184 по 280 год нашей эры Сыма Ян в конце концов основал династию Западная Цзинь в 266 году нашей эры. Нестабильная социально-политическая обстановка и падение имперской власти привели к переходу от конфуцианства к неодаосизму . По мере того как процветало стремление к нарушению социальной иерархии и приличий, среди интеллигенции начали расти самовыражение и индивидуализм.
« Семь мудрецов бамбуковой рощи и Ронг Цици» — рельефная картина на плитке, найденная в кирпичной гробнице династии Цзинь в Нанкине . Рельеф длиной 96 дюймов и шириной 35 дюймов состоит из более чем 300 кирпичей. Это одна из наиболее хорошо сохранившихся рельефных картин династии Цзинь, отражающая высокое мастерство. Рельеф состоит из двух частей, каждая из которых содержит четыре фигурных портрета. Согласно именам, начертанным рядом с фигурами сверху вниз и слева направо, восемь фигур — это Жун Цици , Жуань Сянь , Лю Лин , Сян Сю , Цзи Кан , Жуань Цзи , Шань Тао , и Ван Жун . Помимо Жун Цици, остальные семь человек были известными учеными-неодаосами династии Цзинь и были известны как « Семь мудрецов бамбуковой рощи ». Это были выдающиеся интеллигенты, преуспевшие в литературе, музыке или философии. На рельефе изображена повествовательная сцена восьми интеллигентных господ, сидящих на земле в роще и занимающихся различными делами. Фигуры изображались в расслабленной и эгоцентричной позе, в свободной одежде и босиком.
Исторически зафиксированные надписи имен рядом с фигурами обуславливают функцию рельефной живописи, поскольку «портрет представляет конкретных людей». [102] Кроме того, иконографические детали каждой фигуры, основанные на биографии, придают определенную степень индивидуализации. Например, биография Лю Линя в «Книге Цзинь» описывает его одержимость алкоголем. На барельефе фигура Лю Лина сидит в непринужденной позе с согнутым коленом и держит эрбэй , сосуд для алкоголя, а другую руку опускает в чашку, чтобы попробовать напиток. Портрет отражает суть характера и темперамента Лю Линя. Фигура Жуань Сянь, которая, согласно « Книге Цзинь», славилась музыкальными талантами , играет на портрете на флейте.
Гу Кайчжи , один из самых известных художников династии Восточная Цзинь, в своей книге «О живописи» учил, как отразить характеристики натурщика посредством точного изображения физических черт . Он также подчеркнул передачу души натурщика посредством яркого изображения глаз. [101]
Во времена династии Тан в портретной живописи наблюдался рост гуманизации и персонализации. Из-за наплыва буддизма живописный портрет принял более реалистический вид, особенно портреты монахов. Вера во «временную нетленность» бессмертного тела в буддизме Махаяны связывала присутствие в образе с присутствием в реальности. Портрет рассматривался как визуальное воплощение и замена реального человека. Таким образом, истинное подобие высоко ценилось в картинах и статуях монахов. [101] Настенная портретная живопись династии Тан ценит духовное качество - «оживление через духовное созвучие» ( ци юнь шэнь тун ). [103]
Что касается императорского портрета, император Тайцзун , второй император династии Тан, использовал портреты, чтобы узаконить преемственность и укрепить власть. Он заказал «Портрет императоров-наследников», который содержит портреты 13 императоров предыдущих династий в хронологическом порядке. Общим среди избранных императоров было то, что они были сыновьями основателей династий. Поскольку отец императора Тайцзуна, император Гаозу , был основателем династии Тан, выбор императором Тайцзуном предыдущих императоров, занимавших аналогичное положение, послужил политическим намеком. Его преемственность подвергалась сомнению и критике, поскольку он убил двух своих братьев и заставил отца передать трон ему. Заказывая коллективные портреты предыдущих императоров, он стремился узаконить передачу правления. Кроме того, различие в костюмах изображенных императоров подразумевало мнение о них императора Тайцзуна. Императоры, изображенные в неформальных костюмах, считались плохими примерами правителей, поскольку они были слабыми или жестокими, в то время как считалось, что императоры в формальных одеждах совершали либо гражданские, либо военные достижения. Эта комиссия была косвенным методом императора Тайцзуна провозгласить, что его достижения превзошли достижения предыдущих императоров. Император Тайцзун также заказал серию портретов известных ученых и интеллектуалов, прежде чем стал императором. Он попытался подружиться с интеллектуалами, повесив портреты на стену павильона Пинъянь в знак уважения. Портреты также служили свидетельством того, что он заручился политической поддержкой со стороны изображаемых известных ученых, чтобы напугать своих противников. Во время своего правления император Тайцзун заказал свои портреты, получая подношения от послов завоеванных зарубежных стран, чтобы прославить и рекламировать свои военные достижения. [104]
Во времена династии Сун император Гаозун заказал на чистом поле портреты Конфуция и семидесяти двух учеников ( шэн сянь ту ) со своей рукописной надписью. Фигуры были изображены яркими линиями, оживленными жестами, а мимике придали повествовательный характер. Портрет святого и его учеников был найден на каменной табличке на стене Императорского университета как моральный кодекс воспитания студентов. Однако ученые утверждали, что истинная цель комиссии императора Гаозуна заключалась в том, чтобы объявить, что его политика поддерживается конфуцианством, а также его контролем над конфуцианским наследием. [105]
Династия Юань стала переломным моментом в истории Китая. После того, как Монгольская империя завоевала материковую часть Китая и положила конец династии Сун, традиционная китайская интеллигенция оказалась перед дилеммой: выбирать между отстранением от иностранного правительства или продолжением новой политической карьеры. Портреты «людей культуры» ( вэнь жэнь хуа ) того периода отражают эту дилемму. Например, на Портрете Ян Цяня он изображен стоящим в бамбуковом лесу. В то время как бамбук символизирует его моральную правоту, полузакрытое и полуоткрытое пространство на заднем плане намекает на его потенциал выбора между затворничеством и службой в монгольском правительстве. [106]
Что касается императорского портрета, «Портрет Хубилая» и «Портрет Чаби» монгольского императорского художника Аранико 1294 года отражают слияние традиционных китайских императорских портретных техник и гималайско-монгольской эстетической ценности. Хубилай-хан изображался пожилым человеком, а императрица Чаби - молодой, оба одеты в традиционные монгольские императорские костюмы. Аранико переняла китайскую портретную технику, такую как обведение формы тушью и усиление формы цветом, тогда как блики на украшениях Чаби того же оттенка, но более светлого оттенка оказались продолжением гималайского стиля. Полная фронтальная ориентация натурщиков и их центрированный зрачок создают на зрителя конфронтационный эффект, что отражает непальскую эстетику и стиль. Очень симметричная композиция и жесткое изображение волос и одежды отличались от стиля живописи предыдущей династии Сун. Моральные достоинства натурщиков или их личность практически не затрагиваются, что указывает на отстраненность художника от натурщика, что противоречит акценту династии Сун на захвате духа. [107]
Во времена династии Цин в Китай была импортирована европейская придворная маскарадная портретная живопись восемнадцатого века, на которой изображались аристократы, занимающиеся различными видами деятельности в разных костюмах. Император Юнчжэн и его сын, император Цяньлун , заказали ряд маскарадных портретов с различным политическим подтекстом. На большей части маскарадного портрета императора Юнчжэна он носит экзотические костюмы, такие как костюм европейского джентльмена. Отсутствие надписи на портрете делает его намерения неясными, но некоторые ученые считают, что экзотический костюм отражает его интерес к иностранной культуре и желание править миром. По сравнению с двусмысленным отношением императора Юнчжэна, император Цяньлун писал надписи на своих маскарадных портретах, чтобы провозгласить свою философию «Пути правления», которая заключалась в сокрытии и обмане, чтобы его подчиненные и враги не могли отследить его стратегию. По сравнению с энтузиазмом императора Юнчжэна в отношении экзотических костюмов, император Цяньлун проявлял больший интерес к китайским традиционным костюмам, таким как одежда конфуцианского ученого, даосского священника и буддийского монаха, что свидетельствует о его стремлении завоевать традиционное китайское наследие.
Император Цяньлун заказал « Мирное послание весны» после того, как унаследовал трон от своего отца, которое представляет собой двойной портрет, на котором он и его отец одеты в одежды конфуцианских ученых вместо традиционных маньчжурских мантий, стоящих бок о бок рядом с бамбуком. Ученые полагают, что комиссия стремилась узаконить его наследование престола, подчеркнув физическое сходство между ним и его отцом, такое как строение лица, идентичный костюм и прическа. Бамбуковый лес на заднем плане указывает на их моральную праведность, предложенную традиционным конфуцианством. На портрете изображен император Юнчжэн, который в большем масштабе вручает цветущую ветвь императору Цяньлуну как политическую метафору императорской власти царствовать. Император Цяньлун также демонстрировал свою сыновнюю почтительность, предложенную конфуцианством, скромным жестом позируя. [108]
Художник - иезуит Джузеппе Кастильоне провёл 50 лет при императорском дворе до своей смерти в 1766 году и был придворным художником трёх императоров. В своих портретах, как и в других жанрах, он сочетал аспекты традиционного китайского стиля с современной западной живописью.
Портретная живопись женщин в древнем Китае от династии Хань до династии Цин (206 г. до н. э. – 1912 г.) развивалась под большим влиянием конфуцианской патриархальной космологии, однако сюжет и стиль варьировались в зависимости от культуры каждой династии.
Во времена династии Хань (206 г. до н. э. – 220 г. н. э.) женщины в портретной живописи представляли собой в основном тип, а не конкретную личность. Основной темой были идеализированные образцовые женщины ( ложь ню ) с добродетелями, продиктованными конфуцианством, такими как целомудрие, тройное послушание ( сан конг ) отцу, мужу и сыну. Этот жанр представляет собой рукописный свиток Гу Кайчжи «Образцовые женщины» (lie nü tu) , созданный вскоре после прихода к власти династии Хань.
Во времена династии Тан (618–906) популярной темой стали дворцовые женщины ( ши ню ), выполнявшие повседневную работу или развлечения. Ценилась женская красота и обаяние дворцовых дам, но тема под названием картины «Дворцовые дамы» осталась неконкретной. Характеристики, поощряемые конфуцианством, в том числе покорность и покладистость, были признаны стандартами красоты и подчеркнуты на портрете. Живописцы преследовали правильность и сходство натурщика, стремились раскрыть чистоту души.
При династии Сун (960–1279) женские портреты создавались на основе любовных стихов, написанных придворными поэтами. Хотя женщины на картине изображены живущими в роскошной моде и в комфортабельном жилье, они обычно изображались одинокими и меланхоличными, потому что они чувствуют себя покинутыми или запертыми в домашних делах, в то время как их мужья остаются снаружи и занимаются своей карьерой. Общие настройки включают пустую садовую дорожку и пустой диван-платформу, что намекает на отсутствие мужских фигур. Общий фон включает цветущие деревья, которые ассоциировались с красотой, и банановые деревья, которые символизировали уязвимость женщин.
Во времена династии Мин (1368–1644) литературная живопись ( вэньжэнь хуа ), сочетавшая в себе живопись, каллиграфию и поэзию, стала популярным направлением среди элиты. Большинство женщин в живописи литераторов представляли собой абстрактные фигуры, служащие визуальной метафорой, и оставались ничтожеством. Во времена династии Цин (1644–1912) литературная живопись приобрела большее разнообразие мазков и использование ярких цветов. [109]
.jpg/1280px-Lucas_Cranach_d.%C3%84._-_Bildnis_Christiane_von_Eulenau_(Neue_Residenz_Bamberg).jpg)
.jpg/1280px-Elizabeth_I_(Armada_Portrait).jpg)
,_by_Pompeo_Batoni.jpg/1280px-Thomas_Kerrich_(1748-1828),_by_Pompeo_Batoni.jpg)
.jpg/1280px-Amedeo_Modigliani_-_Chaim_Soutine_(1917).jpg)
.jpg/1280px-Nainsukh_2013GB2062_jpg_l_(cropped).jpg)
.jpg/1280px-Fath_Ali_Shah(hermitage1).jpg)
From_Bijin-ga_(Pictures_of_Beautiful_Women),_published_by_Tsutaya_Juzaburo_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-thumbnail.jpg)