Театр или театр [а] — это совместная форма исполнительского искусства , в которой используются живые исполнители, обычно актеры или актрисы , чтобы представить опыт реального или воображаемого события перед живой аудиторией в определенном месте, часто на сцене. Исполнители могут передать этот опыт публике посредством сочетания жестов , речи, песни, музыки и танца . Это старейшая форма драмы , хотя к живому театру теперь присоединились современные записанные формы. Элементы искусства, такие как нарисованные декорации и сценическое искусство, такое как освещение, используются для усиления телесности, присутствия и непосредственности опыта. [1] Места, обычно здания, где регулярно проходят представления, также называются «театрами» (или «театрами»), что происходит от древнегреческого θέατρον (théatron, «место для просмотра»), которое само по себе происходит от θεάομαι (theáomai, «видеть», «наблюдать», «наблюдать»). [2]
Современный западный театр в значительной степени происходит от театра Древней Греции , от которого он заимствует техническую терминологию, классификацию по жанрам , а также многие его темы , характерные персонажи и элементы сюжета. Театральный художник Патрис Павис определяет театральность, театральный язык , сценическое письмо и специфику театра как синонимичные выражения, которые отличают театр от других исполнительских видов искусства , литературы и искусства в целом. [3] [б]
Театральная труппа — это организация, ставящая театральные представления [4] , в отличие от театральной труппы (или актёрской труппы), которая представляет собой группу театральных исполнителей, работающих вместе. [5] [6]
Современный театр включает в себя постановки пьес и музыкальный театр . Художественные формы балета и оперы также являются театром и используют множество условностей, таких как игра , костюмы и постановка. Они оказали влияние на развитие музыкального театра .
Город -государство Афины – родина западного театра. [7] [8] [9] [c] Это было частью более широкой культуры театрального искусства и представлений в классической Греции , которая включала фестивали , религиозные ритуалы , политику , право , легкую атлетику и гимнастику, музыку , поэзию , свадьбы, похороны и симпозиумы . [10] [9] [11] [12] [д]
Участие во многих фестивалях города-государства — и, в частности, обязательное посещение Города Дионисия в качестве зрителя (или даже в качестве участника театральных постановок) — было важной частью гражданства . [14] Гражданское участие также включало оценку риторики ораторов , проявленную в выступлениях в суде или в политическом собрании , оба из которых понимались как аналог театра и все больше впитывали его драматический словарь . [15] [16] Греки также разработали концепции драматической критики и театральной архитектуры. [17] [18] [19] Актеры были либо любителями, либо в лучшем случае полупрофессиональными. [20] Театр Древней Греции состоял из трех видов драмы : трагедии , комедии и сатирской пьесы . [21]
Истоки театра в Древней Греции, по мнению Аристотеля (384–322 до н.э.), первого теоретика театра, можно найти в фестивалях в честь Диониса. Представления проходили в полукруглых залах, вырезанных на склоне холма, способных вместить 10 000–20 000 человек. Сцена состояла из танцплощадки (оркестра), гримерки и сценостроительной площадки (скине). Поскольку слова были самой важной частью, первостепенное значение имели хорошая акустика и четкость речи. Актеры (всегда мужчины) носили маски, соответствующие персонажам, которых они изображали, и каждый мог играть несколько ролей. [22]
Афинская трагедия — древнейшая из сохранившихся форм трагедии — вид танцевальной драмы, составлявший важную часть театральной культуры города-государства. [7] [8] [9] [23] [24] [e] Появившись где-то в VI веке до нашей эры, он расцвел в V веке до нашей эры (с конца которого он начал распространяться по всему греческому миру), и продолжал пользоваться популярностью до начала эллинистического периода . [26] [27] [8] [ж]
Никаких трагедий VI века до нашей эры не сохранилось, и только 32 из более чем тысячи, разыгранных в V веке до нашей эры, не сохранились. [29] [30] [g] У нас есть полные тексты, дошедшие до нас Эсхила , Софокла и Еврипида . [31] [h] Истоки трагедии остаются неясными, хотя к V веку до н.э. она была узаконена в соревнованиях ( агоне ), проводимых в рамках праздников в честь Диониса ( бога вина и плодородия ). [32] [33] В качестве участников конкурса Городской Дионисии (самого престижного из фестивалей драматургии) драматурги должны были представить тетралогию пьес (хотя отдельные произведения не обязательно были связаны сюжетом или темой), которые обычно состоял из трех трагедий и одной сатирской пьесы. [34] [35] [i] Представление трагедий в городе Дионисии, возможно, началось еще в 534 году до нашей эры; официальные записи ( дидаскалиай ) начинаются с 501 г. до н.э., когда была введена пьеса сатиров. [36] [34] [й]
Большинство афинских трагедий драматизируют события из греческой мифологии , хотя «Персы» , в которых инсценируется ответ персов на известие об их военном поражении в битве при Саламине в 480 году до н. э., являются заметным исключением из сохранившейся драмы. [34] [k] Когда Эсхил получил за него первую премию в Городе Дионисии в 472 г. до н.э., он писал трагедии более 25 лет, однако трагическая трактовка новейшей истории является самым ранним сохранившимся примером драмы . [34] [38] Более 130 лет спустя философ Аристотель проанализировал афинскую трагедию V века в старейшей сохранившейся работе по теории драмы — своей «Поэтике» ( ок. 335 г. до н.э. ).
Афинскую комедию условно делят на три периода: «Старая комедия», «Средняя комедия» и «Новая комедия». Старая комедия сохранилась и сегодня в основном в виде одиннадцати сохранившихся пьес Аристофана , тогда как Средняя комедия в значительной степени утеряна (сохранилась лишь в относительно коротких фрагментах у таких авторов, как Афиней Навкратийский ). «Новая комедия» известна прежде всего по значительным фрагментам папируса Менандра . Аристотель определял комедию как изображение смешных людей, предполагающее какую-то ошибку или уродство, не причиняющее боли или катастрофы. [л]
Помимо категорий комедии и трагедии в Городе Дионисии, в рамках фестиваля также была представлена пьеса «Сатир» . Беря свое начало в сельских сельскохозяйственных ритуалах, посвященных Дионису, пьеса сатиров в конечном итоге попала в Афины в своей наиболее известной форме. Сами сатиры были связаны с богом Дионисом как с его верными лесными товарищами, часто устраивая на его стороне пьяные разгулы и шалости. Сама пьеса сатира была отнесена к категории трагикомедии, отступающей на сторону более современных традиций бурлеска начала двадцатого века. Сюжетные линии пьес обычно были связаны с действиями пантеона богов и их участием в человеческих делах, подкрепленные хором сатиров . Однако, по мнению Вебстера , актеры-сатиры не всегда совершали типичные сатирские действия и нарушали актерские традиции, закрепленные за типом характера мифического лесного существа. [39]
Западный театр значительно развился и расширился при римлянах . Римский историк Ливий писал, что римляне впервые познакомились с театром в IV веке до нашей эры, когда выступали этрусские актеры . [40] Бичем утверждает, что они были знакомы с «предтеатральными практиками» в течение некоторого времени до того, как был зафиксирован контакт. [41] Театр Древнего Рима был процветающим и разнообразным видом искусства, начиная от праздничных представлений уличного театра , обнаженных танцев и акробатики , заканчивая постановкой широко привлекательных комедий положений Плавта , а также высоким стилем , тщательно продуманными в словесном отношении. трагедии Сенеки . _ Хотя в Риме существовала собственная традиция исполнения, эллинизация римской культуры в III веке до нашей эры оказала глубокое и вдохновляющее влияние на римский театр и способствовала развитию латинской литературы высочайшего качества для сцены. Единственные сохранившиеся пьесы Римской империи - это десять драм, приписываемых Луцию Аннею Сенеке (4 г. до н.э. – 65 г. н.э.), уроженцу Кордубы философу-стоику и наставнику Нерона. [42]
Первой формой индийского театра был санскритский театр , [43] самые ранние сохранившиеся фрагменты которого датируются I веком нашей эры. [44] [45] Это началось после развития греческого и римского театра и до развития театра в других частях Азии. [43] Он возник где-то между 2-м веком до нашей эры и 1-м веком нашей эры и процветал между 1-м и 10-м веками нашей эры, что было периодом относительного мира в истории Индии, во время которого были написаны сотни пьес. [46] [47] Богатство археологических свидетельств более ранних периодов не дает никаких указаний на существование традиции театра. [47] Древние Веды ( гимны между 1500 и 1000 гг. до н.э., которые являются одними из самых ранних образцов литературы в мире) не содержат ни намека на это (хотя небольшое их количество составлено в форме диалога ), а ритуалы Ведического этот период, похоже, не перерос в театр. [47] « Махабхашья » Патанджали содержит самое раннее упоминание о том, что, возможно , было зародышем санскритской драмы. [48] Этот трактат по грамматике , датируемый 140 г. до н.э., дает возможную дату возникновения театра в Индии . [48]
Основным источником свидетельств существования санскритского театра является «Трактат о театре» ( Натьяшастра ), сборник, дата составления которого неизвестна (по оценкам, от 200 г. до н.э. до 200 г. н.э.) и чье авторство приписывается Бхарате Муни . «Трактат » — наиболее полное произведение драматургии древнего мира. В нем рассматриваются актерское мастерство , танец , музыка , драматическое построение , архитектура , костюмы , грим , реквизит , организация трупп, публика, конкурсы, а также предлагается мифологическое объяснение происхождения театра. [48] При этом он дает представление о природе реальной театральной практики. Санскритский театр исполнялся на священной земле священниками, которые были обучены необходимым навыкам (танцу, музыке и декламации) в [наследственном процессе]. Его цель заключалась как в обучении, так и в развлечении.
Под покровительством королевских дворов исполнители принадлежали профессиональным труппам, которыми руководил постановщик ( сутрадхара ), который, возможно, также выступал. [44] [48] Эта задача считалась аналогичной задаче кукольника — буквальное значение слова « сутрадхара » — «держатель веревочек или нитей». [48] Исполнители прошли тщательную подготовку вокальной и физической технике. [49] Никаких запретов в отношении исполнительниц не существовало; компании были полностью мужскими, полностью женскими и смешанного пола. Однако некоторые чувства считались неприемлемыми для проявления мужчинами и считались более подходящими для женщин. Некоторые исполнители играли персонажей своего возраста, а другие играли возрасты, отличные от их собственного (младшего или старшего). Из всех элементов театра в «Трактате» больше всего внимания уделяется актерскому мастерству ( абхиная ), которое состоит из двух стилей: реалистического ( локадхарми ) и традиционного ( натьядхарми ), хотя основное внимание уделяется последнему. [49] [м]
Его драматургия считается высшим достижением санскритской литературы . [44] В нем использовались стандартные персонажи , такие как герой ( наяка ), героиня ( найика ) или клоун ( видусака ). Актеры могут специализироваться на определенном типе. Калидаса, живший в I веке до нашей эры, возможно, считается величайшим санскритским драматургом древней Индии . Три знаменитые романтические пьесы, написанные Калидасом, — это « Малавикагнимитрам » ( «Малавика и Агнимитра »), «Викрамуурвашиия» (« Относящийся к Викраме и Урваши ») и «Абхиджнянашакунтала» ( «Признание Шакунталы »). Последний был вдохновлен историей из Махабхараты и является самым известным. Это был первый перевод на английский и немецкий языки . Сакунтала (в английском переводе) оказала влияние на « Фауста» Гете (1808–1832). [44]
Следующим великим индийским драматургом был Бхавабхути ( ок. 7 века н.э. ). Говорят, что он написал следующие три пьесы: «Малати-Мадхава» , «Махавирачарита» и «Уттар Рамачарита» . Среди этих трех последние два охватывают весь эпос Рамаяны . Могущественному индийскому императору Харше (606–648) приписывают написание трёх пьес: комедии «Ратнавали» , «Приядаршика » и буддийской драмы «Нагананда» .
Династию Тан иногда называют «Эпохой 1000 развлечений». В это время Мин Хуан сформировал актерскую школу, известную как « Грушевый сад» , чтобы создавать драматические формы, которые были в первую очередь музыкальными. Именно поэтому актеров принято называть «Детями грушевого сада». Во времена династии императрицы Лин театр теней впервые стал признанной формой театра в Китае. Существовали две различные формы теневого кукольного театра: пекинес (север) и кантонский (юг). Эти два стиля различались методом изготовления марионеток и расположением стержней на марионетках , в отличие от типа игры, которую играли марионетки. Оба стиля обычно ставили пьесы, изображающие великие приключения и фэнтези, и эта очень стилизованная форма театра редко использовалась для политической пропаганды.
Японские формы Кабуки , Но и Кёгэн возникли в 17 веке нашей эры. [50]
Кантонские теневые куклы были более крупными из двух. Они были сделаны из толстой кожи, которая создавала более существенные тени. Символический цвет также был очень распространен; черное лицо олицетворяло честность, красное — храбрость. Стержни, используемые для управления кантонскими марионетками, были прикреплены перпендикулярно их головам. Таким образом, зрители не видели их, когда создавалась тень. Пекинесы были более тонкими и маленькими. Их создавали из тонкой полупрозрачной кожи (обычно с брюха осла). Они были нарисованы яркими красками, поэтому отбрасывали очень красочную тень. Тонкие стержни, управлявшие их движениями, были прикреплены к кожаному ошейнику на шее куклы. Стержни шли параллельно телу марионетки, а затем поворачивались под углом девяносто градусов и соединялись с шеей. Хотя эти стержни были видны, когда отбрасывалась тень, они лежали вне тени марионетки; таким образом, они не мешали внешнему виду фигуры. Стержни прикреплены к шеям, чтобы облегчить использование нескольких головок с одним телом. Когда головы не использовались, их хранили в муслиновой книге или коробке с тканевой подкладкой. Головы всегда снимали ночью. Это соответствовало старому суеверию, согласно которому, если оставить марионеток нетронутыми, они оживут ночью. Некоторые кукловоды заходили так далеко, что хранили головы в одной книге, а тела — в другой, чтобы еще больше снизить вероятность реанимации марионеток. Говорят, что теневой кукольный театр достиг высшей точки художественного развития в одиннадцатом веке, прежде чем стать инструментом правительства.
Во времена династии Сун было много популярных пьес с акробатикой и музыкой. Во времена династии Юань они развились в более сложную форму, известную как дзадзю , с четырех- или пятиактной структурой. Юаньская драма распространилась по Китаю и разделилась на многочисленные региональные формы, одной из самых известных из которых является Пекинская опера , популярная и сегодня.
Сяншэн – это некое традиционное китайское комедийное представление в форме монолога или диалога.
В Индонезии театральные представления стали важной частью местной культуры, театральные представления в Индонезии развивались на протяжении тысячелетий. Большинство старейших театральных форм Индонезии напрямую связаны с местными литературными традициями (устными и письменными). Известные кукольные театры — ваянг голек (кукольный спектакль с деревянным стержнем) на суданском языке и ваянг кулит (спектакль с кожаными тенями) на яванском и балийском языках — черпают большую часть своего репертуара из местных версий Рамаяны и Махабхараты . Эти сказки также служат исходным материалом для ваянг вонга (человеческого театра) на Яве и Бали , в котором используются актеры. Однако в некоторых представлениях ваянг-голек также представлены мусульманские истории, называемые менак . [51] [52] Ваянг — древняя форма повествования, известная своими тщательно продуманными кукольными/человеческими и сложными музыкальными стилями. [53] Самые ранние свидетельства относятся к концу 1-го тысячелетия нашей эры и содержатся в средневековых текстах и археологических памятниках. [54] Самая старая известная запись, касающаяся ваянга, относится к 9 веку. Около 840 года нашей эры в старых яванских (кави) надписях под названием «Надписи Джаха», выпущенных Махараджей Шри Локапалой из Королевства Матарам в Центральной Яве, упоминаются три типа исполнителей: атапукан, аринггит и абанол. Аринггит означает кукольный спектакль Ваянг, Атапукан означает танцевальное шоу в масках, а абанвал означает искусство шуток. Ринггит описан в яванском стихотворении XI века как кожаная теневая фигура.
Театр в средневековом исламском мире включал кукольный театр (который включал ручные куклы, пьесы теней и постановки марионеток ) и живые страстные пьесы, известные как тазия , где актеры воспроизводят эпизоды из мусульманской истории . В частности, шиитские исламские пьесы вращались вокруг шахида (мученичества) сыновей Али Хасана ибн Али и Хусейна ибн Али . Светские пьесы были известны как ахраджа , записанные в средневековой адабской литературе, хотя они были менее распространены, чем кукольный театр и театр тазия . [55]
Театр принял множество альтернативных форм на Западе между 15 и 19 веками, включая комедию дель арте из итальянского театра и мелодраму . Общая тенденция заключалась в отходе от поэтической драмы греков и эпохи Возрождения к более натуралистическому прозаическому стилю диалога, особенно после промышленной революции . [56]
Театр взял большую паузу в 1642 и 1660 годах в Англии из-за пуританского Междуцарствия. [57] Рост антитеатральных настроений среди пуритан привел к тому, что Уильям Принн написал «Истриомастикс» (1633 г.), самую громкую атаку на театр до запрета. [57] Считая театр греховным, пуритане приказали закрыть лондонские театры в 1642 году . [58] 24 января 1643 года актеры протестовали против запрета, написав брошюру под названием « Протест или жалоба актеров на замалчивание их профессии и изгнание из нескольких театров» . [59] Этот период застоя закончился, когда Карл II вернулся на престол в 1660 году в ходе Реставрации . Театр (среди других искусств) стремительно развивался под влиянием французской культуры, поскольку Карл был сослан во Францию за годы, предшествовавшие его правлению.
В 1660 году лицензию на выступления получили две труппы: Герцогская труппа и Королевская труппа . Выступления проводились в переоборудованных зданиях, таких как Теннисный корт Лайлса . Первый театр Вест-Энда , известный как Королевский театр в Ковент-Гардене , Лондон, был спроектирован Томасом Киллигрю и построен на месте нынешнего Королевского театра на Друри-Лейн . [60]
Одним из больших изменений стал новый театр. Вместо типа елизаветинской эпохи, такого как театр «Глобус» , круглый, где актерам не было места для подготовки к следующему действию и без «театральных манер», театральный дом превратился в место изысканности, со сценой. впереди и сиденья на стадионе напротив него. Поскольку места для сидения больше не располагались по всей сцене, они стали приоритетными — некоторые места были явно лучше других. Королю предстояло занять лучшее место в доме: самую середину театра, откуда открывался самый широкий обзор сцены, а также лучший способ увидеть точку обзора и точку схода, вокруг которой была построена сцена. Филипп Жак де Лутербург был одним из самых влиятельных сценографов того времени благодаря своему использованию площади и декораций.
Из-за беспорядков, произошедших до этого времени, все еще существовали некоторые разногласия по поводу того, что следует, а что не следует ставить на сцене. Джереми Коллиер , проповедник, был одним из руководителей этого движения благодаря своей пьесе « Краткий обзор безнравственности и богохульства английской сцены» . Убеждения, изложенные в этой статье, в основном разделяли не любители театра, а также остальные пуритане, очень религиозные того времени. Главный вопрос заключался в том, влияет ли вид чего-то аморального на сцену на поведение тех, кто это смотрит, и этот спор продолжается до сих пор. [61]
Семнадцатый век также вывел на сцену женщин, что раньше считалось неуместным. Этих женщин считали знаменитостями (это тоже более новая концепция, благодаря идеям индивидуализма, возникшим вслед за гуманизмом эпохи Возрождения ), но, с другой стороны, их появление на сцене все еще было очень новым и революционным, и некоторые говорили, что они не были похожи на женщин и смотрели на них свысока. Карлу II не нравилось, что молодые мужчины играли роли молодых женщин, поэтому он просил, чтобы женщины играли свои роли. [62] Поскольку женщинам было разрешено выходить на сцену, драматурги имели больше свободы действий в поворотах сюжета, например, женщины одевались как мужчины и едва уходили из морально неприятных ситуаций как формы комедии.
Комедии были полны молодежи и были очень популярны, сюжетная линия которых повторяла их личную жизнь: обычно молодой мошенник-герой признавался в любви целомудренной и свободомыслящей героине ближе к концу пьесы, очень похоже на « Школу скандалов» Шеридана . Многие комедии были созданы по французским традициям, в основном Мольер, снова восходящий к французскому влиянию, возвращенному королем и членами королевской семьи после их изгнания. Мольер был одним из лучших комедийных драматургов того времени, совершив революцию в написании и исполнении комедии, объединив итальянскую комедию дель арте и неоклассическую французскую комедию, чтобы создать одни из самых продолжительных и влиятельных сатирических комедий. [63] Трагедии были столь же победоносными в смысле восстановления политической власти, особенно остро из-за недавней Реставрации Короны. [64] Они также были имитацией французской трагедии, хотя у французов было большее различие между комедией и трагедией, тогда как англичане иногда подделывали строки и добавляли в свои трагедии некоторые комедийные части. Распространенными формами некомедийных пьес были сентиментальные комедии, а также то, что позже было названо буржуазной трагедией , или домашней трагедией , то есть трагедией обычной жизни, были более популярны в Англии, потому что они больше апеллировали к английским чувствам. [65]
Если раньше театральные труппы часто путешествовали, то идея национального театра получила поддержку в 18 веке, вдохновленная Людвигом Хольбергом . Главным пропагандистом идеи национального театра в Германии, а также поэтов «Штурма и натиска » был Абель Зейлер , владелец Гамбургской антрепризы и Театральной труппы Зейлера . [66]
В течение XIX века популярные театральные формы романтизма , мелодрамы , викторианского бурлеска и хорошо поставленные пьесы Скриба и Сарду уступили место проблемным пьесам натурализма и реализма ; фарсы Фейдо ; _ _ опера Вагнера «Gesamtkunstwerk» ; музыкальный театр (включая оперы Гилберта и Салливана ); салонные комедии Ф. К. Бернанда , У. С. Гилберта и Оскара Уайльда ; Символизм ; протоэкспрессионизм в поздних произведениях Августа Стриндберга и Генрика Ибсена ; [68] и эдвардианская музыкальная комедия .
Эти тенденции продолжались на протяжении всего XX века в реализме Станиславского и Ли Страсберга , политическом театре Эрвина Пискатора и Бертольта Брехта , так называемом Театре абсурда Сэмюэля Беккета и Эжена Ионеско , американских и британских мюзиклах, коллективных творениях труппы актеров и режиссеров, такие как « Театральная мастерская » Джоан Литтлвуд , экспериментальный и постмодернистский театр Роберта Уилсона и Роберта Лепажа , постколониальный театр Августа Уилсона или «Томсон Хайвей » и «Театр угнетенных » Аугусто Боала .
Драма – это особый вид художественной литературы , представленной в представлении . [69] Этот термин происходит от греческого слова, означающего « действие », которое происходит от глагола δράω, dráō , «делать» или «действовать». Разыгрывание драмы в театре, исполняемой актерами на сцене перед публикой , предполагает совместные способы производства и коллективную форму восприятия. Структура драматических текстов , в отличие от других видов литературы , находится под прямым влиянием этого совместного производства и коллективного приема. [70] Ранняя современная трагедия «Гамлет» (1601) Шекспира и классическая афинская трагедия «Царь Эдип » ( ок. 429 г. до н.э. ) Софокла входят в число шедевров драматического искусства. [71] Современный пример — « Путешествие долгого дня в ночь» Юджина О'Нила (1956). [72]
Рассматриваемый как жанр поэзии в целом, драматический модус противопоставлялся эпическому и лирическому модусам еще со времен «Поэтики » Аристотеля ( ок . 335 г. до н.э. ); Самая ранняя работа по теории драмы . [ n ] Употребление слова «драма» в узком смысле для обозначения определенного типа пьесы датируется XIX веком . Драма в этом смысле относится к пьесе, которая не является ни комедией, ни трагедией, например, «Тереза Ракен» Золя (1873) или « Иванов » Чехова (1887). Однако в Древней Греции слово « драма» охватывало все театральные пьесы, трагические, комические или что-то между ними.
Драма часто сочетается с музыкой и танцем : драма в опере обычно воспевается повсюду; мюзиклы обычно включают как устные диалоги , так и песни ; а в некоторых формах драмы есть музыкальное сопровождение или музыкальное сопровождение, подчеркивающее диалог ( например, мелодрама и японское Но ). [o] В определенные периоды истории (древнеримские и современные романтические ) некоторые драмы писались для чтения , а не для исполнения. [p] В импровизации драма не предшествует моменту представления; исполнители спонтанно придумывают драматический сценарий перед публикой. [д]
.jpg/1280px-Palladium_Theatre_(16427934069).jpg)
Музыка и театр имели тесную связь с древних времен — афинская трагедия , например, представляла собой форму танца - драмы , в которой использовался хор , партии которого исполнялись (под аккомпанемент авлоса — инструмента, сравнимого с современным гобоем ), как и некоторые ответы актеров и их «сольные песни» ( монодии ). [73] Современный музыкальный театр — это форма театра, которая также сочетает в себе музыку, разговорный диалог и танец. Он возник из жанров комической оперы (особенно Гилберта и Салливана ), эстрады , водевиля и мюзик-холла конца 19 - начала 20 века . [74] После эдвардианской музыкальной комедии , начавшейся в 1890-х годах, мюзиклов Театра Принцессы начала 20-го века и комедий 1920-х и 1930-х годов (таких как произведения Роджерса и Хаммерштейна ), с Оклахомой! (1943), мюзиклы двинулись в более драматическом направлении. [r] Известные мюзиклы последующих десятилетий включали «Моя прекрасная леди » (1956), « Вестсайдская история» (1957), «Фантастики» (1960), «Волосы » (1967), «Припев» (1975), «Отверженные» (1980), «Кошки » ( 1981), « В лес » (1986) и «Призрак оперы» (1986), [75] , а также более современные хиты, включая «Рента » (1994), «Король Лев» (1997), «Злой » (2003), «Гамильтон» (2015). ) и «Холодное сердце» (2018).
Музыкальный театр может создаваться в узком масштабе за пределами Бродвея , в региональных театрах и в других местах, но он часто включает в себя зрелища. Например, мюзиклы на Бродвее и Вест-Энде часто включают в себя роскошные костюмы и декорации, поддерживаемые многомиллионными бюджетами.
.jpg/1280px-Mosaic_depicting_theatrical_masks_of_Tragedy_and_Comedy_(Thermae_Decianae).jpg)
Театральные постановки, в которых юмор используется как средство повествования, квалифицируются как комедии. Это может быть современный фарс , такой как «Боинг-Боинг» , или классическая пьеса, такая как « Как вам это понравится» . Театр, выражающий мрачные, противоречивые или табуированные темы намеренно юмористическим способом, называется черной комедией . Черная комедия может включать в себя несколько жанров, таких как фарс, мрачная и саркастическая комедия.
Трагедия, таким образом, есть подражание действию серьезному, завершенному и известному по величине: в языке, украшенном каждым видом художественного орнамента, причем несколько видов встречаются в отдельных частях пьесы; в форме действия, а не повествования; через жалость и страх, обеспечивающие надлежащее очищение этих эмоций.
- Аристотель , Поэтика [76]
Фраза Аристотеля «в отдельных частях пьесы встречаются несколько видов» является ссылкой на структурные истоки драмы. В нем разговорные части были написаны на аттическом диалекте , а хоровые (декламированные или исполняемые) — на дорическом диалекте , и эти расхождения отражали различное религиозное происхождение и поэтические размеры частей, которые были слиты в новое целое — театральную драму .
Трагедия относится к особой традиции драмы , которая исторически сыграла уникальную и важную роль в самоопределении западной цивилизации . [77] [78] Эта традиция была множественной и прерывистой, однако этот термин часто использовался для обозначения мощного эффекта культурной идентичности и исторической преемственности: « греки и елизаветинцы в одной культурной форме; эллины и христиане в одной культурной форме; эллины и христиане в одной культурной форме». обычное занятие», как выразился Рэймонд Уильямс . [79] От его неясного происхождения в театрах Афин 2500 лет назад, от которого сохранилась лишь часть работ Эсхила , Софокла и Еврипида , через его необычные артикуляции в произведениях Шекспира , Лопе де Вега , Расина и Шиллера , до более поздней натуралистической трагедии Стриндберга , модернистских размышлений Беккета о смерти, утрате и страдании и постмодернистской переработке трагического канона Мюллером , трагедия остается важным местом культурных экспериментов, переговоров, борьбы и перемен. [80] [81] После «Поэтики» Аристотеля (335 г. до н.э.) трагедия использовалась для проведения жанровых различий, будь то в масштабе поэзии в целом (где трагическое отделяется от эпоса и лирики ) или в масштабе драма (где трагедия противопоставляется комедии ). В современную эпоху трагедия также определяется как драма, мелодрама , трагикомический и эпический театр . [с]
Импровизация была неотъемлемой чертой театра: комедия дель арте в шестнадцатом веке была признана первой формой импровизации. Популяризированный лауреатом Нобелевской премии по литературе 1997 года Дарио Фо и такими труппами, как Upright Citizens Brigade, импровизационный театр продолжает развиваться, предлагая множество различных направлений и философий.
Кейт Джонстон и Виола Сполин признаны первыми учителями импровизации в наше время: Джонстон исследует импровизацию как альтернативу театру по сценарию, а Сполин и ее преемники исследуют импровизацию главным образом как инструмент для развития драматической работы или навыков или как форму ситуативного творчества. комедия. Сполин также заинтересовался тем, как процесс обучения импровизации применим к развитию человеческого потенциала. [82]
Сын Сполина, Пол Силлс, популяризировал импровизационный театр как форму театрального искусства, когда в качестве его первого директора основал «Второй город» в Чикаго.
Будучи важной частью человеческой культуры на протяжении более 2500 лет, театр развил широкий спектр различных теорий и практик. Некоторые из них связаны с политическими или духовными идеологиями, тогда как другие основаны исключительно на «художественных» соображениях. Некоторые процессы сосредоточены на истории, некоторые на театре как событии, а некоторые на театре как катализаторе социальных изменений. Классический греческий философ Аристотель в своем основополагающем трактате «Поэтика» ( ок. 335 г. до н. э. ) является самым ранним из сохранившихся примеров, и с тех пор его аргументы влияют на теории театра. [17] [18] В нем он предлагает отчет о том, что он называет «поэзией» (термин, который по-гречески буквально означает «создание» и в этом контексте включает в себя драму — комедию , трагедию и сатирскую пьесу — а также лирическая поэзия , эпическая поэзия и дифирамб ). Он исследует его «основные принципы», определяет его жанры и основные элементы; его анализ трагедии составляет ядро дискуссии. [83]
Аристотель утверждает, что трагедия состоит из шести качественных частей, которыми являются (в порядке важности) мифос или «сюжет», этос или «характер», дианойя или «мысль», лексика или «дикция», мелос или «песня» и опсис . или «зрелище». [84] [85] «Хотя « Поэтика Аристотеля » общепризнана в западной критической традиции», объясняет Марвин Карлсон , «почти каждая деталь его основополагающей работы вызвала разные мнения». [86] В число выдающихся театральных деятелей 20 -го века входят Константин Станиславский , Всеволод Мейерхольд , Жак Копо , Эдвард Гордон Крейг , Бертольт Брехт , Антонен Арто , Джоан Литтлвуд , Питер Брук , Ежи Гротовский , Аугусто Боаль , Эухенио Барба , Дарио Фо , Виола Сполин. , Кейт Джонстон и Роберт Уилсон (режиссер) .
Станиславский трактовал театр как вид искусства , автономный от литературы и в котором вклад драматурга следует уважать как вклад лишь одного из ансамбля творческих художников. [87] [88] [89] [90] [t] Его новаторский вклад в современную теорию актерского мастерства оставался в центре основного западного тренинга по актерскому мастерству на протяжении большей части прошлого столетия. [91] [92] [93] [94] [95] То, что многие из заповедей его системы подготовки актеров кажутся здравым смыслом и самоочевидными, свидетельствует о ее гегемонистском успехе. [96] Актеры часто используют его основные концепции, даже не подозревая об этом. [96] Благодаря ее продвижению и разработке преподавателями актерского мастерства, которые были бывшими студентами, а также многочисленным переводам его теоретических работ, «система» Станиславского приобрела беспрецедентную способность пересекать культурные границы и приобрела международный охват, доминируя в дебатах об актерском мастерстве в Европе и Европе. Соединенные Штаты. [91] [97] [98] [99] Многие актеры регулярно приравнивают его «систему» к Северо-Американскому методу , хотя исключительно психологические приемы последнего резко контрастируют с многовариантным, целостным и психофизическим подходом Станиславского, который исследует характер и действие как с «наизнанку» и «снаружи внутри» и рассматривает разум и тело актера как части континуума. [100] [101]
Театр предполагает совместные способы производства и коллективную форму приема. Структура драматических текстов , в отличие от других видов литературы , находится под прямым влиянием этого совместного производства и коллективного приема. [70] В постановке пьес обычно участвуют драматург , режиссер , актерский состав и техническая производственная группа , в которую входят художник по декорациям или декорациям , художник по свету , художник по костюмам , звукорежиссер , режиссер-постановщик , руководитель производства и технический персонал. директор. В зависимости от постановки в эту команду также может входить композитор , драматург , видеодизайнер или постановщик боев .
Сценическое искусство — это общий термин, обозначающий технические аспекты театрального, кино- и видеопроизводства. Это включает в себя, помимо прочего, построение и монтаж декораций, подвешивание и настройку освещения, дизайн и закупку костюмов, грим, закупку реквизита, постановку сцены, а также запись и микширование звука. Сценическое искусство отличается от более широкого термина сценография. Рассматриваемая скорее техническая, чем художественная область, она относится прежде всего к практической реализации художественного видения дизайнера.
В своей самой базовой форме сценическим искусством управляет один человек (часто режиссер небольшого спектакля), который устраивает все декорации, костюмы, освещение и звук, а также организует актерский состав. На более профессиональном уровне, например, в современных бродвейских театрах, сценическим искусством управляют сотни квалифицированных плотников, маляров, электриков, рабочих сцены, швей, мастеров по изготовлению париков и т.п. Эта современная форма сценического искусства является высокотехнической и специализированной: она включает в себя множество субдисциплин и огромный кладезь истории и традиций. Большая часть сценического искусства находится между этими двумя крайностями. Региональные театры и более крупные общественные театры обычно имеют технического директора и группу дизайнеров, каждый из которых непосредственно участвует в разработке своих проектов.
Существует множество современных театральных движений, которые создают театр разными способами. Театральные постановки сильно различаются по сложности и назначению. В нем участвуют самые разные люди: от новичков и любителей (в общественном театре) до профессионалов (на Бродвее и в подобных постановках). Театр может проводиться с ограниченным бюджетом или в большом масштабе с многомиллионными бюджетами. Это разнообразие проявляется в обилии театральных подкатегорий, которые включают:
В то время как большинство современных театральных трупп репетируют по одному спектаклю за раз, исполняют это произведение для «прогона», снимают пьесу и начинают репетировать новое спектакль, репертуарные труппы репетируют несколько спектаклей одновременно. Эти компании могут выполнить эти различные изделия по запросу и часто выполняют работы годами, прежде чем списать их. Большинство танцевальных коллективов работают по этой репертуарной системе. Королевский национальный театр в Лондоне выступает по репертуарной системе.
Репертуарный театр обычно включает в себя группу актеров одинакового уровня и больше полагается на репутацию группы, чем на отдельного звездного актера. Он также обычно меньше полагается на строгий контроль со стороны режиссера и меньше на соблюдение театральных условностей, поскольку актеры, работавшие вместе в нескольких постановках, могут реагировать друг на друга, не полагаясь так сильно на условности или внешнее руководство. [102]
Театральная труппа — это организация, ставящая театральные постановки [4] , в отличие от театральной труппы (или актёрской труппы), которая представляет собой группу театральных исполнителей, работающих вместе. [5]
Гастрольная труппа — это независимая театральная или танцевальная труппа, которая путешествует, часто по всему миру, выступая в разных театрах в каждом городе. [ нужна цитата ]
.jpg/1280px-Panor%C3%A1mica_interior_del_Teatro_Col%C3%B3n_(cropped).jpg)
Для того, чтобы поставить спектакль, нужны и театральная труппа, и театральная площадка . Когда театральная труппа является единственной труппой, проживающей на театральной площадке, этот театр (и соответствующая ему театральная труппа) называется театром-резидентом или театром-продюсером, поскольку площадка производит свои собственные произведения. Другие театральные труппы, а также танцевальные коллективы, не имеющие собственной театральной площадки, выступают в арендных театрах или в представлениях. Как у прокатных, так и у представленных театров нет постоянных компаний-резидентов. Однако иногда у них есть одна или несколько компаний-резидентов, работающих неполный рабочий день, в дополнение к другим независимым компаниям-партнерам, которые договариваются об использовании помещений, когда они доступны. Арендный театр позволяет независимым компаниям искать пространство, в то время как театр-презентатор ищет независимые компании для поддержки их работы, представляя их на своей сцене. [ нужна цитата ]
Некоторые коллективы выступают в нетеатральных помещениях. Такие представления могут проходить снаружи или внутри, в нетрадиционном пространстве для выступлений, и включают уличный театр и театр, ориентированный на конкретную площадку . Нетрадиционные площадки можно использовать для создания более захватывающей и значимой среды для аудитории. Иногда их можно модифицировать более серьезно, чем традиционные театральные площадки, или в них можно установить различное оборудование, освещение и декорации. [103]
Существует множество театральных союзов , в том числе:
