История кино представляет собой хронику развития визуальной формы искусства , созданной с использованием кинотехнологий , которая началась в конце XIX века.
Появление кино как художественного средства четко не определено. Были и более ранние кинематографические показы других, однако коммерческий публичный показ десяти короткометражных фильмов братьев Люмьер в Париже 28 декабря 1895 года можно считать прорывом проекционных кинематографических фильмов. Самые ранние фильмы были черно-белыми, длиной менее минуты, без записанного звука и состояли из одного кадра с неподвижной камеры. В первое десятилетие кино перешло от новинки к устоявшейся массовой индустрии развлечений, с кинопроизводственными компаниями и студиями, основанными по всему миру. Развивались условности в отношении общего кинематографического языка, с монтажом фильма, движением камеры и другими кинематографическими приемами, вносящими особые роли в повествование фильмов.
Популярные новые медиа, включая телевидение (мейнстрим с 1950-х годов), домашнее видео (1980-е годы) и интернет (1990-е годы), повлияли на распространение и потребление фильмов. Кинопроизводство обычно отвечало контентом, соответствующим новым медиа, и техническими инновациями (включая широкоэкранные (1950-е годы), 3D и 4D фильмы ) и более зрелищными фильмами, чтобы поддерживать привлекательность театральных показов. Системы, которые были дешевле и проще в обращении (включая 8-миллиметровую пленку , видео и камеры смартфонов ), позволяли все большему числу людей создавать фильмы разного качества для любых целей, включая домашние фильмы и видеоарт . Техническое качество обычно было ниже, чем у профессиональных фильмов, но улучшилось с появлением цифрового видео и доступных высококачественных цифровых камер . Со временем, совершенствуясь, цифровые методы производства стали более популярными в 1990-х годах, что привело к появлению все более реалистичных визуальных эффектов и популярной полнометражной компьютерной анимации .
За время существования кино возникло множество различных жанров , пользовавшихся разной степенью успеха.
Использование фильма как формы искусства берет свое начало в нескольких более ранних традициях в таких искусствах, как (устное) повествование , литература, театр и изобразительное искусство. Кантастория и подобные древние традиции объединяли повествование с серией изображений, которые показывались или указывались одно за другим. Предшественники фильма, которые уже использовали свет и тени для создания искусства до появления современных технологий кино, включают теневую графику , теневой кукольный театр , камеру-обскуру и волшебный фонарь .
Теневая графика и теневой кукольный театр представляют собой ранние примеры намерения использовать движущиеся изображения для развлечения и повествования. [1] Считается, что эта форма искусства возникла на Дальнем Востоке и использовала тени, отбрасываемые руками или предметами, для создания повествования. Теневой кукольный театр пользовался популярностью на протяжении столетий по всей Азии, особенно на Яве , и в конечном итоге распространился в Европе в эпоху Просвещения . [2]
К XVI веку артисты часто вызывали образы призрачных видений, используя такие методы, как камера-обскура и другие формы проекции, чтобы улучшить свои выступления. [3] Шоу волшебных фонарей, появившиеся во второй половине XVII века, похоже, продолжили эту традицию с изображениями смерти, монстров и других страшных фигур. [4] Около 1790 года эта практика развилась в тип мультимедийного шоу с привидениями, известного как фантасмагория . Эти популярные шоу развлекали публику с помощью механических слайдов, обратной проекции, мобильных проекторов, наложения , растворения , живых актеров, дыма (на который могли быть наложены проекции), запахов, звуков и даже электрошока. [5] [6] В то время как многие первые шоу волшебных фонарей были предназначены для того, чтобы пугать зрителей, достижения киномехаников позволили создать творческое и даже образовательное повествование, которое могло бы понравиться более широкой семейной аудитории. [7] Новые пионерские методы, такие как использование растворяющихся видов и хроматропа, позволили добиться более плавных переходов между двумя проецируемыми изображениями и помогли создать более сильные повествования. [8]
В 1833 году научное исследование стробоскопической иллюзии в колесах со спицами Джозефом Плато , Майклом Фарадеем и Саймоном Штампфером привело к изобретению Фантаскопа, также известного как стробоскопический диск или фенакистископ , который некоторое время был популярен в нескольких европейских странах. Плато считал, что его можно было бы усовершенствовать для использования в фантасмагориях, а Штампфер придумал систему для более длинных сцен с полосами на роликах, а также прозрачную версию (вероятно, предназначенную для проекции). Плато, Чарльз Уитстон , Антуан Клоде и другие пытались объединить эту технику со стереоскопом (представленным в 1838 году) и фотографией (представленной в 1839 году) для более полной иллюзии реальности, но на протяжении десятилетий такие эксперименты в основном затруднялись необходимостью длительного времени экспозиции с размытием движения вокруг объектов, которые двигались, пока отраженный свет падал на светочувствительные химикаты. Некоторым людям удавалось добиться достойных результатов с помощью техники покадровой съемки , но она крайне редко продвигалась на рынок, и ни одна форма анимационной фотографии не имела значительного культурного влияния до появления хронофотографии.
Большинство ранних фотографических последовательностей, известных как хронофотография , изначально не предназначались для просмотра в движении и обычно представлялись как серьезный, даже научный, метод изучения локомоции. Последовательности почти исключительно включали людей или животных, выполняющих простое движение перед камерой. [9] Начиная с публикации в 1878 году карточек кабинета «Лошадь в движении» , фотограф Эдвард Мейбридж начал делать сотни хронофотографических исследований движения животных и людей в реальном времени. Вскоре за ним последовали другие хронофотографы, такие как Этьен-Жюль Марей , Жорж Демени , Альбер Лонд и Оттомар Аншютц . В 1879 году Мейбридж начал читать лекции о локомоции животных и использовал свой зоопраксископ для проецирования анимации контуров своих записей, нанесенных на стеклянные диски. [10]
В 1887 году немецкий изобретатель и фотограф Оттомар Аншютц начал представлять свои хронофотографические записи в движении, используя устройство, которое он назвал Elektrischen Schnellseher (также известное как Electrotachyscope ), которое отображало короткие петли на небольшом экране из молочного стекла. К 1891 году он начал массовое производство более экономичного устройства просмотра с монетоприемником под тем же названием, которое выставлялось на международных выставках и ярмарках. Некоторые машины были установлены на более длительные периоды, в том числе некоторые в The Crystal Palace в Лондоне и в нескольких магазинах США. Смещая фокус средства массовой информации с технического и научного интереса к движению на развлечение для масс, он записывал борцов, танцоров, акробатов и сцены повседневной жизни. Около 34 000 человек заплатили, чтобы посмотреть его шоу в Берлинском выставочном парке летом 1892 года. Другие видели его в Лондоне или на Всемирной выставке в Чикаго в 1893 году . Хотя для большинства этих записей сохранилось мало доказательств, некоторые сцены, вероятно, изображали постановочные комические эпизоды. Сохранившиеся записи предполагают, что некоторые из его произведений напрямую повлияли на более поздние работы Edison Company, такие как фильм 1894 года « Чихание Фреда Отта» . [11]
Прогресс в области технологий проекции кинофильмов был основан на популярности волшебных фонарей, хронофотографических демонстраций и других тесно связанных форм проекционных развлечений, таких как иллюстрированные песни . С октября 1892 года по март 1900 года изобретатель Эмиль Рейно выставлял свою киносистему Théâtre Optique («Оптический театр») в Музее Гревена в Париже. Устройство Рейно, которое проецировало серию анимированных историй, таких как «Бедный Пьеро» и «Автомобиль кабины» , было показано более чем 500 000 посетителям в течение 12 800 показов. [12] [13] 25, 29 и 30 ноября 1894 года Оттомар Аншютц проецировал движущиеся изображения с дисков электротахоскопа на большой экран в затемненном Большом зале здания почтового отделения в Берлине. С 22 февраля по 30 марта 1895 года коммерческая 1,5-часовая программа из 40 различных сцен была показана для аудитории в 300 человек в старом Рейхстаге и привлекла около 4000 посетителей. [14]
В конце 19 века несколько изобретателей, таких как Вордсворт Донисторп , Луи Ле Принс , Уильям Фризе-Грин и братья Складановски , внесли новаторский вклад в разработку устройств, которые могли захватывать и отображать движущиеся изображения, заложив основу для появления кино как художественного средства. Сцены в этих экспериментах в первую очередь служили для демонстрации самой технологии и обычно снимались с семьей, друзьями или проезжающим транспортом в качестве движущихся объектов. Самый ранний сохранившийся фильм, известный сегодня как « Сцена в саду Раундхей» (1888), был снят Луи Ле Принсом и кратко изображал членов его семьи в движении. [15]
В июне 1889 года американский изобретатель Томас Эдисон поручил своему лаборанту Уильяму Кеннеди Диксону помочь разработать устройство, которое могло бы создавать визуальные эффекты для сопровождения звуков, производимых фонографом . Опираясь на предыдущие машины Мейбриджа, Марея, Аншютца и других, Диксон и его команда создали кинетоскоп -пип-бокс с целлулоидными петлями, содержащими около полуминуты развлекательного кинофильма. [16] После раннего предварительного просмотра 20 мая 1891 года Эдисон представил машину в 1893 году. [17] Многие из фильмов, представленных на кинетоскопе, демонстрировали известные водевильные номера, исполняемые в студии Эдисона Black Maria . [18] Кинетоскоп быстро стал мировой сенсацией с несколькими просмотровыми залами в крупных городах к 1895 году. [17] Поскольку первоначальная новизна изображений прошла, компания Эдисона не спешила диверсифицировать свой репертуар фильмов, а падение общественного интереса привело к замедлению бизнеса к весне 1895 года. Чтобы исправить падающую прибыль, были проведены эксперименты, такие как The Dickson Experimental Sound Film , в попытке достичь первоначальной цели устройства — обеспечить визуальное сопровождение звукозаписей. Однако ограничения в синхронизации звука с визуальным рядом помешали широкому применению. [19] В тот же период изобретатели начали продвигать технологии в направлении кинопроекции , которая в конечном итоге превзошла формат пип-бокса Эдисона. [20]
Братья Складановски использовали свой самодельный Биоскоп , чтобы показать первое киношоу для платной аудитории 1 ноября 1895 года в Берлине. Но у них не было ни качества, ни финансовых ресурсов, чтобы набрать обороты. Большинство этих фильмов так и не вышли за рамки экспериментальной стадии, и их усилия привлекли мало внимания общественности, пока кинематограф не стал успешным.
Во второй половине 1895 года братья Огюст и Луи Люмьер сняли несколько коротких сцен с помощью своего изобретения, Cinématographe . 28 декабря 1895 года братья дали свой первый коммерческий показ в Париже (хотя существуют свидетельства о демонстрации устройства небольшой аудитории еще в октябре 1895 года). [21] Показ состоял из десяти фильмов и длился примерно 20 минут. Программа состояла в основном из реальных фильмов, таких как «Рабочие покидают фабрику Люмьер», как правдивых документов мира, но шоу также включало постановочную комедию «Поводок побегов» . [22] Самая передовая демонстрация кинопроекции на тот момент, Cinématographe имел мгновенный успех, принося в среднем от 2500 до 3000 франков ежедневно к концу января 1896 года. [17] После первого показа порядок и выбор фильмов часто менялись. [20]
Основными деловыми интересами братьев Люмьер были продажа камер и кинооборудования экспонентам, а не фактическое производство фильмов. Несмотря на это, кинематографисты по всему миру вдохновлялись потенциалом кино, поскольку экспоненты привозили свои шоу в новые страны. Эта эпоха кинопроизводства, названная историком кино Томом Ганнингом «кинематографом аттракционов», предлагала относительно дешевый и простой способ предоставления развлечения массам. Ганнинг утверждает, что вместо того, чтобы сосредоточиться на историях, кинематографисты в основном полагались на способность радовать зрителей с помощью «иллюзорной силы» просмотра последовательностей в движении, во многом как они делали в эпоху кинетоскопа, которая предшествовала ей. [23] Несмотря на это, ранние эксперименты с художественным кинопроизводством (как в реальном кино, так и в других жанрах) все же имели место. Фильмы в основном демонстрировались во временных помещениях магазинов, в палатках передвижных экспонентов на ярмарках или в качестве «немых» номеров в водевильных программах. [24] В этот период, до того как процесс пост-продакшн был четко определен, экспонентам разрешалось реализовывать свою творческую свободу в своих презентациях. Чтобы усилить впечатления зрителей, некоторые показы сопровождались живыми музыкантами в оркестре, театральным органом, живыми звуковыми эффектами и комментариями, произнесенными шоуменом или киномехаником. [25] [26]
Эксперименты в области монтажа фильмов, спецэффектов, построения повествования и движения камеры в этот период, проводимые кинематографистами во Франции, Англии и Соединенных Штатах, оказали влияние на формирование идентичности для будущего кино. На студиях Эдисона и Люмьер свободные повествования, такие как фильм Эдисона 1895 года « Неприятности Уошдэя», устанавливали короткую динамику отношений и простые сюжетные линии. [27] В 1896 году впервые был выпущен фильм «Фея капусты » ( La Fée aux Choux ) . Режиссером и редактором фильма выступила Элис Гай . Этот фильм, возможно, является самым ранним повествовательным фильмом в истории, а также первым фильмом, режиссером которого выступила женщина. [28] В том же году Edison Manufacturing Company выпустила в мае фильм «Поцелуй Мэй Ирвин» , который имел широкий финансовый успех. Фильм, в котором был показан первый поцелуй в истории кинематографа, привел к самым ранним известным призывам к цензуре фильмов . [29]
Другим ранним кинопродюсером был австралийский Limelight Department . Начиная с 1898 года, он управлялся Армией спасения в Мельбурне , Австралия. Limelight Department производил евангелизационный материал для использования Армией спасения, включая слайды для фонарей еще в 1891 году, а также частные и государственные контракты. За девятнадцать лет своей работы Limelight Department выпустил около 300 фильмов различной продолжительности, что сделало его одним из крупнейших кинопродюсеров своего времени. Limelight Department снял в 1904 году фильм Джозефа Перри под названием Bushrangeng in North Queensland , который, как полагают, стал первым фильмом о бушрейнджерах.
В младенчестве кино редко признавалось как форма искусства ведущими или зрителями. Рассматриваемые высшим классом как «вульгарная» и «низкопробная» форма дешевого развлечения, фильмы в основном были привлекательны для рабочего класса и часто были слишком короткими, чтобы иметь какой-либо сильный повествовательный потенциал. [30] Первоначальная реклама продвигала технологии, используемые для показа фильмов, а не сами фильмы. По мере того, как устройства становились более знакомыми зрителям, их потенциал для захвата и воссоздания событий использовался в основном в форме кинохроники и реальных событий. [31] Во время создания этих фильмов кинематографисты часто опирались на эстетические ценности, установленные прошлыми формами искусства, такими как кадрирование и намеренное размещение камеры в композиции их изображения. [32] В статье 1955 года для The Quarterly of Film Radio and television кинопродюсер и историк Кеннет Макгоуэн утверждал, что намеренная постановка и воссоздание событий для кинохроники «принесли повествование на экран». [33]
С рекламой кинотехнологий по сравнению с содержанием, реалити-шоу изначально начинались как «серия видов», которые часто содержали кадры красивых и оживленных мест или перформансов. [32] После успеха своего показа в 1895 году братья Люмьер основали компанию и отправили операторов по всему миру, чтобы запечатлеть новые сюжеты для презентации. После того, как оператор снимал сцены, они часто выставляли свои записи на месте, а затем отправляли их обратно на фабрику компании в Лионе, чтобы сделать дубликаты для продажи тем, кто хотел их. [34] В процессе съемок реалити-шоу, особенно реальных событий, режиссеры открыли и экспериментировали с техникой нескольких камер, чтобы приспособиться к их непредсказуемой природе. [35] Из-за короткой продолжительности (часто только один кадр) многих реалити-шоу, записи каталогов показывают, что продюсерские компании вели маркетинг для экспонентов, продвигая несколько реалити-шоу со связанными сюжетами, которые можно было купить, чтобы они дополняли друг друга. Экспоненты, покупавшие фильмы, часто представляли их в программе и сопровождали устным сопровождением, объясняя зрителям происходящее на экране. [32]
Первая платная аудитория кинофильма собралась в Мэдисон-сквер-гарден, чтобы увидеть постановочную реальность, которая якобы была боксерским поединком, снятым Вудвиллом Лэтэмом с помощью устройства под названием «Эйдолоскоп» 20 мая 1895 года. По заказу Лэтэма французский изобретатель Эжен Огюстен Лауст создал устройство с дополнительными знаниями Уильяма Кеннеди Диксона и создал механизм, который стал известен как петля Лэтэма , которая позволяла увеличивать время непрерывной работы и была менее абразивной для целлулоидной пленки. [36]
В последующие годы показы реальных событий и кинохроники оказались прибыльными. В 1897 году вышел фильм « Бой Корбетта-Фицсиммонса» . Фильм представлял собой полную запись поединка за звание чемпиона мира по боксу в тяжелом весе в Карсон-Сити, штат Невада . Он принес больше кассовых сборов, чем сборов от прямых трансляций , и был самым продолжительным фильмом, произведенным в то время. Зрители, вероятно, были привлечены к фильму Корбетта-Фицсиммонса в массовом порядке, потому что Джеймс Дж. Корбетт (он же Джентльмен Джим) стал идолом дневных представлений , так как он сыграл вымышленную версию самого себя в театральной постановке. [37]
С 1910 года регулярно выставлялись кинохроники, которые вскоре стали популярным способом узнавать новости до появления телевидения — для кинохроники снимали Британскую антарктическую экспедицию на Южный полюс, а также демонстрации суфражисток , которые происходили в то же время. Ф. Перси Смит был одним из первых пионеров документального кино о природе, работая на Чарльза Урбана , когда он впервые применил покадровую съемку и микрокинематографию в своем документальном фильме 1910 года о росте цветов. [38] [39]
После успешной демонстрации Cinématographe развитие киноиндустрии во Франции стремительно ускорилось. Множество кинематографистов экспериментировали с технологией, стремясь достичь того же успеха, который имели братья Люмьер в своих показах. Эти кинематографисты основали новые компании, такие как Star Film Company , Pathé Frères и Gaumont Film Company .
Наиболее широко цитируемым основоположником повествовательного кино является французский кинорежиссер Жорж Мельес . Мельес был иллюзионистом, который ранее использовал проекции волшебного фонаря для улучшения своего фокуса. В 1895 году Мельес посетил демонстрацию Cinematographe и осознал потенциал устройства для помощи в его представлении. Он попытался купить устройство у братьев Люмьер, но они отказались. [40] Несколько месяцев спустя он купил камеру у Роберта У. Поля и начал экспериментировать с устройством, создавая реальности. В этот период экспериментов Мельес открыл и внедрил различные спецэффекты, включая стоп-трюк , многократную экспозицию и использование растворений в своих фильмах. [16] В конце 1896 года Мельес основал Star Film Company и начал продюсировать, режиссировать и распространять совокупность работ, которая в конечном итоге содержала более 500 короткометражных фильмов. [41] Осознавая повествовательный потенциал, предоставляемый объединением его театрального опыта с недавно открытыми эффектами для камеры, Мельес спроектировал сложную сцену, которая содержала люки и систему мух . [33] Конструкция сцены и методы монтажа позволили разработать более сложные истории, такие как фильм 1896 года « Дом дьявола » ( Le Manoir du Diable ) , считающийся первым в жанре фильмов ужасов, и фильм 1899 года «Золушка» ( Cinderella ) . [42] [43] В фильмах Мельеса он основывал размещение камеры на театральной конструкции обрамления авансцены , метафорической плоскости или четвертой стене , которая разделяет актеров и зрителей. [44] На протяжении всей своей карьеры Мельес постоянно размещал камеру в фиксированном положении и в конечном итоге впал в немилость у зрителей, поскольку другие режиссеры экспериментировали с более сложными и креативными приемами. [45] Сегодня Мельес наиболее известен по фильму 1902 года «Путешествие на Луну» , в котором он использовал свои знания в области эффектов и построения повествования для создания первого научно-фантастического фильма . [46]
В 1900 году Шарль Пате начал производство фильмов под брендом Pathé-Frères , а Фердинанд Зекка был нанят для руководства творческим процессом. [47] До того, как сосредоточиться на производстве, Пате был вовлечен в индустрию, выставляя и продавая то, что, вероятно, было поддельными версиями Кинетоскопа в своем магазине фонографов. Благодаря творческому руководству Зекки и возможности массового производства копий фильмов через партнерство с французской инструментальной компанией, Шарль Пате стремился сделать Pathé-Frères ведущим производителем фильмов в стране. В течение следующих нескольких лет Pathé-Frères стала крупнейшей киностудией в мире с филиалами в крупных городах и расширяющимся выбором фильмов, доступных для показа. [48] Фильмы компании были разнообразны по содержанию, а режиссеры специализировались на различных жанрах для ярмарочных презентаций в начале 1900-х годов. [47]
Gaumont Film Company была главным региональным конкурентом Pathé-Frères. Основанная в 1895 году Леоном Гомоном , фирма изначально продавала фотооборудование и начала производство фильмов в 1897 году под руководством Элис Гай , первой женщины-режиссера в отрасли. [49] Ее ранние фильмы разделяют многие характеристики и темы с ее современными конкурентами, такими как Люмьеры и Мельес . Она исследовала танцевальные и туристические фильмы, часто объединяя их, например, «Болеро» в исполнении мисс Сахарет (1905) и «Танго» (1905). Многие из ранних танцевальных фильмов Гай были популярны в мюзик-холлах, таких как фильмы о серпантинном танце — также основной продукт каталогов фильмов Люмьеров и Томаса Эдисона . [50] В 1906 году она сняла «Жизнь Христа» , высокобюджетную по тем временам постановку, в которой было задействовано 300 статистов.
Немецкий изобретатель и киномагнат Оскар Месстер был важной фигурой в ранние годы кинематографа. Его фирма Messter Film была одним из доминирующих немецких производителей до появления UFA, с которой она в конечном итоге слилась. Месстер первым добавил женевский привод на проекторы, чтобы колебательно вызывать прерывистое движение для продвижения кадров фильма, и он основал первую киностудию в Германии в 1900 году.
С 1896 года Месстер интересовался поиском метода воспроизведения и синхронизации звуковых эффектов кинематографического представления во времена немого кино . Так Месстер изобрел Tonbilder Biophon для показа фильмов, в котором граммофон играл Unter den Linden , сопровождая проекцию анимированных изображений, но это было не просто дополнение, а точное соответствие серии музыкальных произведений движущимся изображениям. По сути, чтобы добавить звук в немое кино, необходимо было решить проблемы синхронизации, поскольку изображение и звук записывались и воспроизводились отдельными устройствами, которые было трудно инициировать и поддерживать в рабочем состоянии. 31 августа 1903 года Месстер провел первую звуковую проекцию, которая состоялась в Германии в театре «Аполлон» в Берлине.
И Сесил Хепуорт , и Роберт У. Пол экспериментировали с использованием различных техник съемки в своих фильмах. «Cinematograph Camera No. 1» Пола 1895 года была первой камерой с функцией обратного вращения, которая позволяла экспонировать один и тот же отснятый материал несколько раз, тем самым создавая множественные экспозиции . Впервые эта техника была использована в его фильме 1901 года «Скрудж, или Призрак Марли» . Оба режиссера экспериментировали со скоростью камеры, чтобы создавать новые эффекты. Пол снимал сцены из фильма «На сбежавшем автомобиле через площадь Пикадилли» (1899), очень медленно вращая камеру. [51] Когда фильм проецировался с обычной скоростью 16 кадров в секунду, декорации, казалось, проносились с огромной скоростью. Хепуорт использовал противоположный эффект в фильме «Вождь индейцев и порох Зейдлица» (1901). Движения Вождя ускоряются за счет вращения камеры гораздо быстрее, чем 16 кадров в секунду, создавая то, что современная публика назвала бы эффектом « замедленного движения ». [52]
Первые фильмы, перешедшие от одиночных кадров к последовательным сценам, появились на рубеже 20-го века. Из-за утраты многих ранних фильмов , окончательный переход от статичных одиночных кадров к серии сцен может быть трудно определить. Несмотря на эти ограничения, Майкл Брук из Британского института кино приписывает настоящую непрерывность фильма, включающую действие, переходящее из одной последовательности в другую, фильму Роберта У. Пола 1898 года « Пойдем, сделай!» . На сегодняшний день сохранился только кадр из второго кадра. [53] Вышедший в 1901 году британский фильм «Атака на китайскую миссию» был одним из первых фильмов, показывающих непрерывность действия в нескольких сценах. [33] Использование интертитров для объяснения действий и диалогов на экране началось в начале 1900-х годов. Впервые снятые интертитры были использованы в фильме Роберта У. Пола «Скрудж, или Призрак Марли». [54] В большинстве стран интертитры постепенно стали использоваться для обеспечения диалогов и повествования в фильме, тем самым устраняя необходимость в повествовании со стороны кинопрокатчиков.
Развитие непрерывного действия в нескольких кадрах было продолжено в Англии слабо связанной группой пионеров кино, совместно именуемых « Брайтонской школой ». Среди этих режиссеров были Джордж Альберт Смит и Джеймс Уильямсон , среди прочих. Смит и Уильямсон экспериментировали с непрерывностью действия и, вероятно, были первыми, кто включил использование вставок и крупных планов между кадрами. [33] Базовым приемом для трюковой кинематографии была двойная экспозиция пленки в камере. Этот эффект был впервые использован Смитом в фильме 1898 года « Фотографирование призрака» . Согласно каталожным записям Смита, (ныне утерянный ) фильм повествует о борьбе фотографа за то, чтобы запечатлеть призрака на камеру. Используя двойную экспозицию пленки, Смит наложил прозрачную призрачную фигуру на фон в комичной манере, чтобы подразнить фотографа. [55] Фильм Смита «Корсиканские братья» был описан в каталоге Warwick Trading Company в 1900 году: «Благодаря чрезвычайно тщательной съемке призрак выглядит *совершенно прозрачным*. После того, как он указал, что был убит ударом меча, и призвал к мести, он исчезает. Затем появляется «видение», показывающее смертельную дуэль на снегу». [56] Смит также инициировал технику спецэффектов обратного движения . Он сделал это, повторив действие во второй раз, снимая его перевернутой камерой, а затем присоединив хвост второго негатива к хвосту первого. [57] Первыми фильмами, снятыми с использованием этого устройства, были «Подвыпивший», «Топси, перевернутый» и «Неуклюжий художник по вывескам» . Самым ранним сохранившимся примером этой техники является фильм Смита « Дом, который построил Джек» , снятый до сентября 1900 года. Сесил Хепуорт развил эту технику дальше, напечатав негативы прямого движения в обратном порядке кадр за кадром, создав отпечаток, на котором исходное действие было точно перевернуто. Для этого он построил специальный принтер, в котором негатив, проходящий через проектор, проецировался в затвор камеры через специальную линзу, давая изображение того же размера. Такое устройство стало называться «проекционным принтером», а в конечном итоге « оптическим принтером ». [58]
В 1898 году Джордж Альберт Смит экспериментировал с крупным планом, снимая кадры мужчины, пьющего пиво, и женщины, нюхающей табак. [33] В следующем году Смит снял «Поцелуй в туннеле» , эпизод, состоящий из трех кадров: поезд въезжает в туннель; мужчина и женщина обмениваются коротким поцелуем в темноте, а затем возвращаются на свои места; поезд выезжает из туннеля. Смит создал сценарий в ответ на успех жанра, известного как « фантомная поездка» . В фильме «фантомная поездка» камеры снимали движение и окружающую обстановку спереди движущегося поезда. [59] [60] Отдельные кадры, смонтированные вместе, образовывали отчетливую последовательность событий и устанавливали причинно-следственную связь от одного кадра к другому. [61] После «Поцелуя в туннеле » Смит более определенно экспериментировал с непрерывностью действия в последовательных кадрах и начал использовать вставки в своих фильмах, таких как «Бабушкино стекло для чтения» и «Несчастье Мэри Джейн» . [33] В 1900 году Смит снял «Как видно через телескоп» . Основной кадр показывает уличную сцену с молодым человеком, завязывающим шнурок, а затем ласкающим ногу своей девушки, в то время как старик наблюдает за этим через телескоп. Затем следует переход к крупному плану рук на ноге девушки, показанных внутри черной круглой маски, а затем переход к продолжению оригинальной сцены. [62]
Джеймс Уильямсон усовершенствовал методы построения повествования в своем фильме 1900 года « Атака на китайскую миссию » . Фильм, который историк кино Джон Барнс позже описал как «имеющий наиболее полно разработанное повествование из всех фильмов, снятых в Англии до того времени», начинается с того, что первый кадр показывает китайских мятежников-боксеров у ворот; затем он переходит к семье миссионеров в саду, где завязывается драка. Жена подает сигнал британским морякам с балкона, которые приходят и спасают их. [63] В фильме также использован первый в истории кино монтаж «обратного ракурса». [64] В следующем году Уильямсон создал «Большую ласточку » . В фильме мужчина раздражается из-за присутствия режиссера и «проглатывает» камеру и ее оператора с помощью интерполированных крупных планов. [65] Он объединил эти эффекты вместе с наложениями, использованием переходов со стиранием для обозначения смены сцены и другими приемами для создания языка фильма или « грамматики фильма ». [66] [67] Использование Джеймсом Уильямсоном непрерывного действия в его фильме 1901 года « Стой вора!» стимулировало жанр кино, известный как «фильм погони». [68] В фильме бродяга крадет баранью ногу у подручного мясника в первом кадре, преследуется подручным мясника и разными собаками в следующем кадре и, наконец, пойман собаками в третьем кадре. [68]
«Казнь Марии Стюарт» , снятая в 1895 году компанией Edison Company для просмотра с помощью кинетоскопа , показала казнь Марии Стюарт на виду у камеры. Эффект, известный как стоп-трюк , был достигнут путем замены актера на манекен для финального кадра. [69] [70] Техника, использованная в фильме, считается одним из самых ранних известных случаев использования спецэффектов в кино. [71]
Американский кинорежиссер Эдвин С. Портер начал снимать фильмы для компании Edison в 1901 году. Бывший киномеханик, нанятый Томасом Эдисоном для разработки его новой модели проекции, известной как Vitascope , Портер был частично вдохновлен работами Мельеса, Смита и Уильямсона и использовал их новые методы для дальнейшего развития непрерывного повествования посредством монтажа. [16] Когда он начал снимать более длинные фильмы в 1902 году, он помещал наплыв между каждым кадром, как это уже делал Жорж Мельес, и у него часто повторялось одно и то же действие во время наплывов.
В 1902 году Портер снял «Жизнь американского пожарного» для Edison Manufacturing Company и распространил фильм в следующем году. В фильме Портер объединил кадры из предыдущих фильмов Эдисона с новыми кадрами и склеил их вместе, чтобы передать драматическую историю спасения женщины и ее ребенка героическими пожарными. [16]
Фильм Портера «Большое ограбление поезда» (1903) длился двенадцать минут, в нем было двадцать отдельных кадров и десять различных локаций в помещении и на открытом воздухе. Фильм считается первым в жанре вестерна и примечателен тем, что в нем использовались кадры, предполагающие одновременное действие, происходящее в разных местах. [16] Использование Портером как постановочных, так и реальных наружных сред помогло создать ощущение пространства, в то время как размещение камеры в более широком плане установило глубину и позволило увеличить продолжительность движения на экране. [72] «Большое ограбление поезда» послужило одним из средств, которые вывели кино на массовую популярность. [40] [73] В том же году братья Майлз открыли первую в стране кинобиржу , которая позволила постоянным экспонентам брать фильмы в аренду у компании по более низкой цене, чем продюсеры, которые продавали свои фильмы напрямую. [74]
Джон П. Харрис открыл первый постоянный театр, посвященный исключительно показу фильмов, Nickelodeon , в 1905 году в Питтсбурге, штат Пенсильвания. Идея быстро набрала обороты, и к 1908 году по всей стране насчитывалось около 8000 кинотеатров Nickelodeon. [75] С появлением Nickelodeon спрос аудитории на большее количество сюжетных фильмов с разнообразными темами и местами действия привел к необходимости нанимать больше творческих талантов и заставил студии инвестировать в более сложные сценические проекты. [74]
В 1908 году Томас Эдисон возглавил создание корпоративного траста между основными кинокомпаниями Америки, известного как Motion Picture Patents Company (MPPC), чтобы ограничить нарушение его патентов. Члены траста контролировали каждый аспект процесса кинопроизводства от создания кинопленки, производства фильмов и распространения в кинотеатрах посредством лицензионных соглашений. Траст привел к повышению качества кинопроизводства, подстегнутому внутренней конкуренцией, и установил ограничения на количество иностранных фильмов, чтобы поощрить рост американской киноиндустрии, но он также препятствовал созданию художественных фильмов. К 1915 году MPPC утратил большую часть своего влияния на киноиндустрию, поскольку компании перешли к более широкому производству художественных фильмов. [46]
С мировым кинобумом к Великобритании, Франции, Германии и США присоединилось больше стран, занимающихся серьезным кинопроизводством. В Италии производство было распределено по нескольким центрам, Турин был первым крупным центром кинопроизводства, а Милан и Неаполь дали жизнь первым киножурналам. [76] В Турине Ambrosio была первой компанией в этой области в 1905 году и оставалась крупнейшей в стране в течение всего этого периода. Ее самым существенным конкурентом была Cines в Риме, которая начала производство в 1906 году. Большой силой итальянской индустрии были исторические эпопеи с большим актерским составом и массивными декорациями. Еще в 1911 году двухкатушечный фильм Джованни Пастроне La Caduta di Troia ( Падение Трои ) произвел большое впечатление во всем мире, и за ним последовали еще более крупные постановки, такие как Quo Vadis? (1912), который шел 90 минут, и Cabiria Пастроне 1914 года, который шел два с половиной часа. [77]
Итальянские компании также имели сильную линию в жанре буффонады, с такими актерами, как Андре Дид , известный на родине как «Кретинетти», а в других местах как «Глупец» и «Грибуй», который добился всемирной известности своими почти сюрреалистическими шутками.
Самой важной страной-производителем фильмов в Северной Европе вплоть до Первой мировой войны была Дания. [77] [78] Компания Nordisk была основана там в 1906 году Уле Ольсеном , ярмарочным шоуменом, и после короткого периода подражания успехам французских и британских кинематографистов, в 1907 году он выпустил 67 фильмов, большинство из которых были сняты Вигго Ларсеном, с сенсационными сюжетами, такими как Den hvide Slavinde (Белый раб) , Isbjørnejagt (Охота на белого медведя) и Løvejagten (Охота на льва) . К 1910 году новые более мелкие датские компании начали присоединяться к бизнесу, и помимо создания большего количества фильмов о торговле белыми рабами , они внесли и другие новые сюжеты. Самой важной из этих находок была Аста Нильсен в фильме « Бездна» (Afgrunden) , снятом Урбаном Гадом для Kosmorama. Он сочетал в себе цирк, секс, ревность и убийство, все это было показано с большой убедительностью, и подтолкнул других датских режиссеров еще дальше в этом направлении. К 1912 году датские кинокомпании быстро размножались. [77]
Шведская киноиндустрия была меньше и развивалась медленнее, чем датская. Здесь Чарльз Магнуссон , кинооператор кинохроники для сети кинотеатров Svenskabiografteatern , начал производство игровых фильмов для них в 1909 году, сам сняв несколько фильмов. Производство увеличилось в 1912 году, когда компания наняла Виктора Шёстрёма и Маурица Стиллера в качестве режиссеров. Они начали с подражания сюжетам, любимым датской киноиндустрией, но к 1913 году они производили свою собственную поразительно оригинальную работу, которая очень хорошо продавалась. [77]
Россия начала свою киноиндустрию в 1908 году, когда Пате снимал там несколько художественных сюжетов, а затем Александр Дранков и Александр Ханжонков создали настоящие русские кинокомпании . Компания Ханжонкова быстро стала крупнейшей российской кинокомпанией и оставалась таковой до 1918 года. [77]
В Германии Оскар Месстер занимался кинопроизводством с 1896 года, но не снимал значительного количества фильмов в год до 1910 года. Когда начался всемирный кинобум, он и несколько других людей в немецком кинобизнесе продолжили продавать копии своих собственных фильмов напрямую, что поставило их в невыгодное положение. Только когда Пол Дэвидсон , владелец сети кинотеатров, привез Асту Нильсен и Урбана Гада в Германию из Дании в 1911 году и основал продюсерскую компанию Projektions-AG "Union" ( PAGU ), начался переход к прокату копий. [77] Месстер ответил серией более длинных фильмов с Хенни Портен в главной роли, но, хотя они хорошо прошли в немецкоязычном мире, они не имели особого успеха на международном уровне, в отличие от фильмов Асты Нильсен. Еще одним из растущих немецких кинопродюсеров непосредственно перед Первой мировой войной был немецкий филиал французской компании Éclair , Deutsche Éclair. Это было экспроприировано немецким правительством и преобразовано в DECLA, когда началась война. Но в целом немецкие производители имели лишь незначительную часть немецкого рынка в 1914 году. [ необходима цитата ]
В целом, примерно с 1910 года американские фильмы имели наибольшую долю рынка во всех европейских странах, кроме Франции, и даже во Франции американские фильмы только что вытеснили местное производство с первого места накануне Первой мировой войны. [ требуется цитата ] Pathé Frères расширила и значительно сформировала американский кинобизнес, создав много «первых» в киноиндустрии, таких как добавление титров и субтитров к фильмам в первый раз, выпуск свитков в первый раз, введение постеров фильмов в первый раз, производство цветных изображений в первый раз, получение коммерческих счетов в первый раз, связь с экспонентами и изучение их потребностей в первый раз. Крупнейший в мире поставщик фильмов, Pathé , ограничен рынком США, который достиг уровня насыщения, поэтому США ищут дополнительную прибыль на иностранных рынках. Фильмы определяются как «чисто» американское явление в Соединенных Штатах. [79]
Новые методы киносъемки, которые были введены в этот период, включают использование искусственного освещения, эффектов огня и приглушенного освещения (то есть освещения, при котором большая часть кадра темная) для усиления атмосферы во время зловещих сцен. [77]
Непрерывность действия от кадра к кадру также была усовершенствована, например, в фильме Пате «Сбежавшая лошадь» (1907), где используется поперечный монтаж между параллельными действиями . Д. У. Гриффит также начал использовать поперечный монтаж в фильме «Роковой час» , снятом в июле 1908 года. Другим достижением стало использование кадра с точки зрения , впервые использованного в 1910 году в фильме Vitagraph « Назад к природе ». Вставные кадры также использовались в художественных целях; итальянский фильм «Злое растение» (La mala planta) , снятый Марио Казерини, имел вставной кадр змеи, скользящей по «Злому растению». [ необходима цитата ] К 1914 году в американской киноиндустрии было широко распространено мнение, что поперечный монтаж был наиболее полезен, поскольку позволял исключить неинтересные части действия, которые не играют никакой роли в развитии драмы. [80]
В 1909 году 35-миллиметровый формат киноплёнки стал признанным во всём мире. [46]
По мере того, как фильмы становились длиннее, нанимались специалисты-писатели, чтобы упростить более сложные истории, полученные из романов или пьес, в форму, которая могла бы содержаться на одной катушке. Жанры начали использоваться как категории; основное разделение было на комедию и драму, но эти категории были далее подразделены. [77]
Интертитры, содержащие строки диалога, начали использоваться последовательно с 1908 года, [81] например, в фильме Vitagraph's An Auto Heroine; or, The Race for the Vitagraph Cup and How It Was Won . Диалог в конечном итоге был вставлен в середину сцены и стал обычным явлением к 1912 году. Введение титров диалогов изменило природу повествования в кино. Когда титры диалогов стали всегда врезаться в сцену сразу после того, как персонаж начинает говорить, а затем оставляться с кадром персонажа непосредственно перед тем, как он заканчивает говорить, тогда появилось что-то, что фактически было эквивалентом современного звукового фильма . [77]
Годы Первой мировой войны стали сложным переходным периодом для киноиндустрии. Показ фильмов изменился с коротких однобобинных программ на полнометражные фильмы. Выставочные площадки стали больше и начали взимать более высокие цены. [77]
В Соединенных Штатах эти изменения привели к краху многих кинокомпаний, за исключением Vitagraph. Производство фильмов начало перемещаться в Лос-Анджелес во время Первой мировой войны. Universal Film Manufacturing Company была образована в 1912 году как зонтичная компания. Среди новых участников были Jesse Lasky Feature Play Company и Famous Players, обе образованные в 1913 году и позже объединенные в Famous Players–Lasky . Самым большим успехом этих лет стал фильм Дэвида Уорка Гриффита « Рождение нации» (1915). Гриффит продолжил работу над еще более масштабным фильмом «Нетерпимость» (1916), но из-за высокого качества фильмов, произведенных в США, рынок их фильмов был высок. [77]
Во Франции кинопроизводство прекратилось из-за всеобщей военной мобилизации страны в начале войны. Хотя кинопроизводство возобновилось в 1915 году, оно было в сокращенном масштабе, и крупнейшие компании постепенно отказались от производства. Итальянское кинопроизводство держалось лучше, хотя так называемые «фильмы о дивах», в главных ролях которых были страдающие женщины, потерпели коммерческий провал. В Дании компания Nordisk настолько увеличила свое производство в 1915 и 1916 годах, что не смогла продать все свои фильмы, что привело к очень резкому спаду датского производства и концу значения Дании на мировой киносцене. [77]
Немецкая киноиндустрия была серьезно ослаблена войной. Самым важным из новых кинопродюсеров в то время был Джо Мэй , который сделал серию триллеров и приключенческих фильмов в военные годы, но Эрнст Любич также стал известен серией очень успешных комедий и драм. [77]
В это время студии затемнялись, чтобы на съемку не влиял меняющийся солнечный свет. Это было заменено прожекторами и точечными светильниками. Широкое распространение диафрагмирования для начала и конца сцен стало популярным в этот период. Это откровение фильма, снятого в круглой маске, которая постепенно становится больше, пока не выйдет за пределы кадра. Использовались щели другой формы, включая вертикальные и диагональные апертуры. [77]
Новая идея, заимствованная из неподвижной фотографии, — « мягкий фокус ». Это началось в 1915 году, когда некоторые кадры были намеренно выведены из фокуса для выразительного эффекта, как в фильме «Fanchon the Cricket» с Мэри Пикфорд в главной роли . [77]
Именно в этот период начали по-настоящему устанавливаться эффекты камеры, предназначенные для передачи субъективных чувств персонажей в фильме. Теперь их можно было делать как кадры с точки зрения ( POV ), как в фильме Сидни Дрю «История перчатки» (1915), где шаткий снимок двери и ее замочной скважины, сделанный с руки, представляет собой точку зрения пьяного человека. Использование анаморфных (в общем смысле искаженной формы) изображений впервые появляется в эти годы, когда Абель Ганс снял « Безумие доктора Тюба» . В этом фильме эффект препарата, вводимого группе людей, был предложен путем съемки сцен, отраженных в кривом зеркале ярмарочного типа. [77]
Символические эффекты, заимствованные из общепринятой литературной и художественной традиции, продолжали появляться в фильмах в эти годы. В фильме Д. У. Гриффита « Мстящая совесть » (1914) название «Рождение злой мысли» предшествует серии из трех кадров, где главный герой смотрит на паука, а муравьи едят насекомое. Символистское искусство и литература начала века также оказали более общее влияние на небольшое количество фильмов, снятых в Италии и России. Лежащее на спине принятие смерти, вызванное страстью и запретными желаниями, было главной чертой этого искусства, и состояния бреда, подробно описанные, также были важны. [77]
Использование вставных кадров , то есть крупных планов объектов, отличных от лиц, уже было установлено Брайтонской школой, но нечасто использовалось до 1914 года. По сути, только с «Мстящей совести» Гриффита начинается новая фаза использования вставных кадров. [77] Наряду с уже упомянутыми символическими вставками, в фильме также широко использовалось большое количество крупных планов сжимающих друг друга рук и постукивающих ног, как средство подчеркивания этих частей тела как индикаторов психологического напряжения. [81]
Атмосферные вставки были разработаны в Европе в конце 1910-х годов. [ необходима цитата ] Этот вид кадра - это один из кадров в сцене, которая не содержит ни одного из персонажей истории, и не является кадром с точки зрения, увиденным одним из них. Ранний пример - когда Морис Турнер снял Гордость клана (1917), в котором есть серия кадров волн, бьющихся о скалистый берег, чтобы продемонстрировать суровую жизнь рыбаков. В фильме Мориса Элви « Нельсон; История бессмертного морского героя Англии» (1919) есть символическая последовательность, растворяющаяся от изображения кайзера Вильгельма II к павлину, а затем к линкору. [81]
К 1914 году непрерывное кино стало устоявшимся способом коммерческого кино. Один из передовых методов непрерывности включал точный и плавный переход от одного кадра к другому. [77] Монтаж под разными углами внутри сцены также стал общепризнанным методом разделения сцены на кадры в американских фильмах. [81] Если направление кадра меняется более чем на девяносто градусов, это называется монтажом под обратным углом. [82] Ведущей фигурой в полном развитии монтажа под обратным углом был Ральф Инс в его фильмах, таких как «Правильная девушка и его призрачная возлюбленная» . [81]
Использование структур флэшбэков продолжало развиваться в этот период, при этом обычным способом входа и выхода из флэшбэка был наплыв. [ необходима цитата ] «Человек, который мог бы быть» компании Vitagraph Company ( Уильям Дж. Хамфри , 1914) еще более сложен, с серией грез и флэшбэков, которые противопоставляют реальное прохождение жизни главного героя тому, что могло бы быть, если бы его сын не умер.
После 1914 года стали использовать поперечный монтаж между параллельными действиями — больше в американских фильмах, чем в европейских. Поперечный монтаж использовался для получения новых эффектов контраста, таких как последовательность поперечных монтажей в фильме Сесила Б. Демилля « Шепчущий хор» (1918), в котором предположительно мертвый муж вступает в связь с китайской проституткой в опиумном притоне, в то время как его ничего не подозревающая жена снова венчается в церкви. [81]
В эти периоды также обрела популярность тонировка немого кино . Янтарная тонировка означала дневное время или ярко освещенную ночь, синие оттенки означали рассвет или тускло освещенную ночь, красная тонировка представляла сцены пожара, зеленая тонировка означала таинственную атмосферу, а коричневые оттенки (они же тонировка сепия ) обычно использовались для полнометражных фильмов вместо отдельных сцен. Новаторский эпос Д. У. Гриффитса « Рождение нации» , знаменитый фильм 1920 года «Доктор Джекилл и мистер Хайд» и эпос Роберта Вине того же года «Кабинет доктора Калигари » являются некоторыми известными примерами тонированных немых фильмов. [ требуется ссылка ]
«Фотодрама творения» , впервые показанная зрителям в 1914 году, была первым крупным сценарием, включавшим синхронизированный звук, движущуюся пленку и цветные слайды. [83] До 1927 года большинство кинофильмов производилось без звука. Этот период обычно называют эпохой немого кино. [84] [85]
Общая тенденция в развитии кинематографа, идущая из Соединенных Штатов, была направлена на использование недавно разработанных специально кинематографических приемов для выражения повествовательного содержания киноисторий и их сочетание со стандартными драматическими структурами, уже используемыми в коммерческом театре. [ требуется ссылка ] Д. У. Гриффит имел самый высокий рейтинг среди американских режиссеров в этой отрасли из-за драматического волнения, которое он передавал зрителям через свои фильмы. « Обманщик » Сесила Б. Демилля (1915) выявил моральные дилеммы, с которыми сталкивались их персонажи, более тонким образом, чем Гриффит. Демилль также был ближе к реальности современной американской жизни. Морис Турнер также был высоко оценен за живописные красоты своих фильмов, вместе с тонкостью его обращения с фантазией, и в то же время он был способен добиться большего натурализма от своих актеров в соответствующие моменты, как в «Девичьей глупости» (1917). [77]
Сидни Дрю был лидером в развитии «вежливой комедии», в то время как фарс был усовершенствован Фэтти Арбаклом и Чарльзом Чаплином , которые оба начинали с компании Keystone Мака Сеннета . Они снизили обычный неистовый темп фильмов Сеннета, чтобы дать зрителям возможность оценить тонкость и изящество их движений, а также остроумие их шуток. К 1917 году Чаплин также ввел в свои фильмы более драматический сюжет и смешал комедию с сентиментальностью. [77]
В России Евгений Бауэр уникальным образом привнес в фильм медленную интенсивность игры в сочетании с символистскими нотками. [77]
В Швеции Виктор Шёстрём снял серию фильмов, в которых удивительным образом сочетались реалии жизни людей с их окружением, а Мориц Стиллер вывел сложную комедию на новый уровень. [77]
В Германии Эрнст Любич черпал вдохновение в сценических работах Макса Рейнхардта , как в буржуазной комедии, так и в спектакле, и применял это в своих фильмах, достигнув кульминации в фильмах « Кукла » , « Принцесса устриц » и «Мадам Дюбарри» . [77]
В начале Первой мировой войны французское и итальянское кино были самыми популярными в мире. Война стала разрушительным перерывом для европейской киноиндустрии.
В начале 20 века художники экрана продолжали учиться работать с камерами и создавать иллюзии, используя пространство и время в своих кадрах. Эта новая форма творчества проложила путь для совершенно новой группы людей, которые стали звездами, включая Дэвида У. Гриффита, который сделал себе имя своим фильмом 1915 года « Рождение нации» . В 1920 году в киноиндустрии произошло два крупных изменения: введение звука и создание студийных систем. В 1920-х годах таланты, работавшие независимо, начали присоединяться к студиям и работать с другими актерами и режиссерами. В 1927 году вышел фильм «Певец джаза» , принесший звук в киноиндустрию.
Немецкое кино, отмеченное тем временем, увидело эпоху немецкого экспрессионистского кинодвижения . Берлин был его центром с киностудией Бабельсберг . [91] [92] Первые экспрессионистские фильмы компенсировали отсутствие щедрых бюджетов, используя декорации с дико нереалистичными, геометрически абсурдными углами, а также рисунки , нарисованные на стенах и полах, чтобы представлять свет, тени и предметы. Сюжеты и истории экспрессионистских фильмов часто имели дело с безумием, безумием , предательством и другими «интеллектуальными» темами, вызванными опытом Первой мировой войны. Такие фильмы, как «Кабинет доктора Калигари» (1920), «Носферату» (1922) и «М» (1931) оказали большое международное влияние, которое все еще можно распознать в работах современных режиссеров, игровых дизайнеров и художников. [93]
Такие фильмы, как «Метрополис» (1927) и «Женщина на Луне» (1929), отчасти создали жанр научно-фантастических фильмов [94] , а Лотте Райнигер стала пионером в анимации, создав такие анимационные полнометражные фильмы, как «Приключения принца Ахмеда» , старейший сохранившийся и старейший анимационный фильм, созданный в Европе.
Многие немецкие и проживающие в Германии режиссеры, актеры, писатели и другие эмигрировали в США, когда нацисты пришли к власти, что дало Голливуду и американской киноиндустрии последнее преимущество в конкуренции с другими странами-производителями фильмов. [95]
Американская индустрия, или «Голливуд», как ее стали называть по новому географическому центру в Калифорнии , заняла положение, которое она, в общем-то, занимает и по сей день: кинофабрика для всего мира, экспортирующая свою продукцию в большинство стран мира.
К 1920-м годам Соединенные Штаты достигли того, что до сих пор остается их эпохой наибольшего производства, производя в среднем 800 художественных фильмов в год, [96] или 82% от общемирового объема (Эйман, 1997). Комедии Чарли Чаплина и Бастера Китона , лихие приключения Дугласа Фэрбенкса и романы Клары Боу , если привести лишь несколько примеров, сделали лица этих актеров хорошо известными на всех континентах. Западная визуальная норма, которая станет классическим монтажом непрерывности, была разработана и экспортирована - хотя ее принятие было медленнее в некоторых не западных странах без сильных реалистических традиций в искусстве и драме, таких как Япония .
Это развитие совпало с ростом системы студий и ее величайшего метода рекламы, звездной системы , которая характеризовала американский фильм на протяжении десятилетий и обеспечивала модели для других киноиндустрий. Эффективный контроль студий сверху вниз над всеми стадиями их продукта позволил достичь нового и постоянно растущего уровня щедрого производства и технической сложности. В то же время коммерческая регламентация системы и ее ориентация на гламурный эскапизм препятствовали смелости и амбициям сверх определенной степени, ярким примером чего является короткая, но все же легендарная режиссерская карьера иконоборца Эриха фон Штрогейма в конце 1920-х и 1920-х годов.
В 1924 году Сэм Голдвин , Луис Б. Майер и Metro Pictures Corporation создают MGM . [46]
В конце 1927 года Warners выпустили The Jazz Singer , который был в основном немым, но содержал то, что обычно считается первым синхронизированным диалогом (и пением) в художественном фильме; [97] но этот процесс был фактически впервые осуществлен Чарльзом Тейзом Расселом в 1914 году в длинном фильме The Photo-Drama of Creation . Эта драма состояла из слайдов и движущихся изображений, синхронизированных с фонографическими записями разговоров и музыки. Ранние процессы записи звука на диск, такие как Vitaphone, вскоре были заменены методами записи звука на пленку, такими как Fox Movietone , DeForest Phonofilm и RCA Photophone . Эта тенденция убедила в значительной степени нерешительных промышленников, что «говорящие картинки» или «токио» — это будущее. Было предпринято много попыток до успеха The Jazz Singer , которые можно увидеть в Списке звуковых систем фильмов . А в 1926 году Warner Bros. Дебютирует фильм «Дон Жуан» с синхронизированными звуковыми эффектами и музыкой. [46]
Изменения произошли на удивление быстро. К концу 1929 года Голливуд был почти полностью разговорным, с несколькими конкурирующими звуковыми системами (которые вскоре были стандартизированы). Общий переход был немного медленнее в остальном мире, в основном по экономическим причинам. Культурные причины также были фактором в таких странах, как Китай и Япония , где немое кино успешно сосуществовало со звуком вплоть до 1930-х годов, действительно создавая то, что стало одной из самых почитаемых классических картин в этих странах, как «Богиня » У Юнгана (Китай, 1934) и « Я родился, но...» Ясудзиро Одзу (Япония, 1932). Но даже в Японии такая фигура, как бэнси , живой рассказчик, который был важной частью японского немого кино, обнаружил, что его актерская карьера подходит к концу.
Звук еще больше усилил хватку крупных студий во многих странах: огромные расходы на переход подавили более мелких конкурентов, в то время как новизна звука привлекла гораздо большую аудиторию для тех продюсеров, которые остались. В случае США некоторые историки приписывают звуку спасение голливудской студийной системы перед лицом Великой депрессии (Parkinson, 1995). Так началось то, что сейчас часто называют «Золотым веком Голливуда», что примерно относится к периоду, начинавшемуся с появления звука и до конца 1940-х годов. В этот период американское кино достигло пика эффективно производимого гламура и всемирной привлекательности. Лучших актеров той эпохи теперь считают классическими кинозвездами, такими как Кларк Гейбл , Кэтрин Хепберн , Хамфри Богарт , Грета Гарбо и самая кассовая приманка 1930-х годов — детская актриса Ширли Темпл .
Однако в творческом плане быстрый переход был трудным, и в некотором смысле кино ненадолго вернулось к условиям своих самых ранних дней. Конец 20-х годов был полон статичных, театральных звуковых фильмов, поскольку артисты перед камерой и за ней боролись со строгими ограничениями раннего звукового оборудования и собственной неуверенностью в том, как использовать новую среду. Многие театральные артисты, режиссеры и писатели познакомились с кино, поскольку продюсеры искали персонал, имеющий опыт в повествовании, основанном на диалогах. Многие крупные режиссеры немого кино и актеры не смогли приспособиться и обнаружили, что их карьера серьезно сократилась или даже закончилась.
Этот неловкий период был довольно коротким. 1929 год стал переломным: Уильям Уэллман с Chinatown Nights и The Man I Love , Рубен Мамулян с Applause , Альфред Хичкок с Blackmail (первый звуковой фильм в Великобритании) были среди режиссеров, которые привнесли большую текучесть в звуковое кино и экспериментировали с выразительным использованием звука (Эйман, 1997). В этом они оба извлекли выгоду из технических достижений в области микрофонов и камер, а также возможностей для редактирования и пост-синхронизации звука (вместо записи всего звука непосредственно во время съемок).
.jpg/1280px-Walt_Disney_Snow_white_1937_trailer_screenshot_(13).jpg)
Звуковые фильмы подчеркивали историю чернокожих и приносили пользу разным жанрам в большей степени, чем немые. Наиболее очевидно, что родился музыкальный фильм ; первым классическим голливудским мюзиклом был «Бродвейская мелодия» (1929), и эта форма нашла своего первого крупного создателя в лице хореографа/режиссера Басби Беркли ( «42-я улица» , 1933, «Дамы» , 1934). Во Франции авангардный режиссер Рене Клер сюрреалистически использовал песню и танец в таких комедиях, как «Под крышами Парижа» (1930) и «Миллион» (1931). Universal Pictures начала выпускать готические фильмы ужасов , такие как «Дракула» и «Франкенштейн» (оба 1931). В 1933 году RKO Pictures выпустила классический фильм «гигантского монстра» Мериана С. Купера «Кинг-Конг» . Эта тенденция процветала больше всего в Индии , где влияние традиционной песенно-танцевальной драмы страны сделало мюзикл основной формой большинства звуковых фильмов (Кук, 1990); фактически незамеченный западным миром в течение десятилетий, этот индийский популярный фильм, тем не менее, стал самым плодовитым в мире. ( См. также Болливуд . )
В это время стали популярны американские гангстерские фильмы, такие как «Маленький Цезарь» и «Враг общества» Уэллмана (оба 1931). Диалоги теперь преобладали над фарсом в голливудских комедиях: стремительные, остроумные шутки «Первой страницы» (1931) или «Это случилось однажды ночью» (1934), сексуальные двусмысленности Мэй Уэст ( Она обошлась с ним нехорошо , 1933) или часто подрывно-анархические бессмысленные разговоры братьев Маркс ( Утиный суп , 1933). Уолт Дисней , который до этого работал в короткометражном мультипликационном бизнесе, вошел в полнометражные фильмы с первым англоязычным анимационным фильмом « Белоснежка и семь гномов» , выпущенным RKO Pictures в 1937 году. 1939 год, важный для американского кинематографа, принес такие фильмы, как «Волшебник страны Оз» и «Унесенные ветром» .
Около 80 процентов фильмов 1890-х — 1920-х годов были цветными. [98] Во многих из них использовались монохромные красильные ванны для тонирования плёнки , в некоторых кадры вручную раскрашивались в несколько прозрачных цветов, а с 1905 года появился механизированный процесс трафаретной печати ( Pathecolor ).
Kinemacolor , первый коммерчески успешный процесс цветной кинематографии, производил фильмы двух цветов (красного и голубого) с 1908 по 1914 год.
Натуральный трехполосный цветовой процесс Technicolor был очень успешно представлен в 1932 году в анимационном короткометражном фильме Уолта Диснея « Цветы и деревья », удостоенном премии «Оскар», режиссером которого был Берт Джиллетт . Technicolor изначально использовался в основном в мюзиклах, таких как « Волшебник страны Оз » (1939), в костюмированных фильмах, таких как « Приключения Робин Гуда », и в анимации. Вскоре после того, как телевидение стало преобладать в начале 1950-х годов, цвет стал более или менее стандартным для театральных фильмов.
Желание военной пропаганды против оппозиции создало ренессанс в киноиндустрии в Британии с реалистичными военными драмами, такими как 49-я параллель (1941), Went the Day Well? (1942), The Way Ahead (1944) и знаменитым военно-морским фильмом Ноэля Коуарда и Дэвида Лина In Which We Serve в 1942 году, который получил специальную премию Оскар . Они существовали наряду с более яркими фильмами, такими как The Life and Death of Colonel Blimp (1943), A Kenterbury Tale (1944) и A Matter of Life and Death (1946) Майкла Пауэлла и Эмерика Прессбургера , а также фильмом Лоуренса Оливье 1944 года Henry V , основанным на шекспировской истории Henry V. Успех « Белоснежки и семи гномов» позволил Диснею снять больше анимационных фильмов, таких как «Пиноккио» (1940), «Фантазия» (1940), «Дамбо» (1941) и «Бэмби» (1942).
Начало участия США во Второй мировой войне также привело к распространению фильмов как патриотических, так и пропагандистских. Американские пропагандистские фильмы включают «Отчаянное путешествие» (1942), «Миссис Минивер» (1942), «Вечность и один день» (1943) и «Объектив, Бирма!» (1945). Известные американские фильмы военных лет включают антинацистский « Дозор на Рейне» (1943), сценарий которого написал Дэшил Хэммет ; «Тень сомнения» (1943), сценарий Торнтона Уайлдера под руководством Хичкока ; биографический фильм Джорджа М. Коэна «Янки Дудл Денди» (1942) с Джеймсом Кэгни в главной роли и чрезвычайно популярный «Касабланка » с Хамфри Богартом . Богарт снялся в 36 фильмах между 1934 и 1942 годами, включая «Мальтийский сокол » Джона Хьюстона (1941), один из первых фильмов, которые теперь считаются классикой фильма нуар . В 1941 году RKO Pictures выпустила «Гражданина Кейна» Орсона Уэллса . Его часто считают величайшим фильмом всех времен. Он заложил основу для современного кинематографа, поскольку произвел революцию в повествовании киноисторий.
Строгость военного времени также вызвала интерес к более фантастическим сюжетам. К ним относятся британские мелодрамы Гейнсборо (включая «Человек в сером» и «Злая леди» ), а также такие фильмы, как «Вот и мистер Джордан» , «Небеса могут подождать» , «Я женился на ведьме» и «Несчастный дух» . Вэл Льютон также снял серию атмосферных и влиятельных малобюджетных фильмов ужасов, некоторые из наиболее известных примеров — «Люди-кошки» , «Остров мертвых» и «Похититель тел» . Вероятно, в это десятилетие также вышли на пик популярности так называемые « женские картины », такие как «Сейчас», «Путешественница» , «Случайная жатва » и «Милдред Пирс» .
В 1946 году на радиостанции RKO вышел фильм It's a Wonderful Life, снятый итальянским режиссером Фрэнком Капрой . Вернувшиеся с войны солдаты стали источником вдохновения для таких фильмов, как The Best Years of Our Lives , и многие из тех, кто работал в киноиндустрии, служили в той или иной должности во время войны. Опыт Сэмюэля Фуллера во Второй мировой войне повлиял на его во многом автобиографические фильмы последующих десятилетий, такие как The Big Red One . В октябре 1947 года Элиа Казан , Роберт Льюис и Шерил Кроуфорд основали Actors Studio , и в том же году Оскар Фишингер снял Motion Painting No. 1 .
В 1943 году Ossessione был показан в Италии, что ознаменовало начало итальянского неореализма . Среди крупных фильмов этого типа в 1940-х годах были Bicycle Thieves , Rome, Open City и La Terra Trema . В 1952 году вышел Umberto D , который обычно считается последним фильмом этого типа.
В конце 1940-х годов в Великобритании студия Ealing Studios приступила к созданию серии своих знаменитых комедий, включая «Виски в изобилии!» , «Паспорт в Пимлико» , «Добрые сердца и короны» и «Человек в белом костюме» , а Кэрол Рид сняла свои влиятельные триллеры «Третий лишний» , «Падший идол» и «Третий человек» . Дэвид Лин также быстро набирал силу в мировом кинематографе с фильмом «Короткая встреча» и экранизациями Диккенса «Большие надежды» и «Оливер Твист» , а Майкл Пауэлл и Эмерик Прессбургер испытают лучшие моменты своего творческого партнерства с такими фильмами, как «Черный Нарцисс» и «Красные башмачки» .
Комиссия по расследованию антиамериканской деятельности Палаты представителей расследовала Голливуд в начале 1950-х годов. Слушания, против которых выступила Голливудская десятка , привели к внесению в черный список многих актеров, писателей и режиссеров, включая Чаефски, Чарли Чаплина и Далтона Трамбо , и многие из них бежали в Европу, особенно в Соединенное Королевство.
Дух времени эпохи Холодной войны трансформировался в своего рода паранойю, проявившуюся в таких темах , как вторжение армий злых инопланетян ( «Вторжение похитителей тел» , «Война миров ») и коммунистическая пятая колонна ( «Маньчжурский кандидат» ).
В первые послевоенные годы кинематографическая индустрия также оказалась под угрозой со стороны телевидения, и растущая популярность этого средства массовой информации привела к банкротству и закрытию некоторых кинотеатров. Упадок «студийной системы» подстегнул самокомментирование таких фильмов, как «Бульвар Сансет» (1950) и «Плохие и красивые» (1952).
В 1950 году авангардисты- леттристы устроили беспорядки на Каннском кинофестивале , когда был показан «Трактат о слизи и вечности» Исидора Изу . После критики Чарли Чаплина и разрыва с движением ультралеттристы продолжили устраивать беспорядки, когда демонстрировали свои новые гиперграфические приемы. Самым известным фильмом является «Вопли по Саду » Ги Дебора 1952 года. Обеспокоенные растущим числом закрытых театров, студии и компании находили новые и инновационные способы вернуть аудиторию. К ним относились попытки расширить свою привлекательность с помощью новых форматов экрана. Cinemascope , который оставался отличительной чертой 20th Century Fox до 1967 года, был анонсирован с фильмом «Плащаница » 1953 года . VistaVision , Cinerama и Todd-AO хвастались подходом «больше — лучше» к маркетингу фильмов для сокращающейся американской аудитории. Это привело к возрождению эпических фильмов, чтобы воспользоваться преимуществами новых форматов большого экрана. Некоторые из самых успешных примеров этих библейских и исторических зрелищ включают «Десять заповедей» (1956), «Викинги» (1958), «Бен-Гур» (1959), «Спартак» (1960) и «Эль Сид» (1961). Также в этот период был выпущен ряд других значительных фильмов в формате Todd-AO , разработанном Майком Тоддом незадолго до его смерти, включая «Оклахома!» (1955), «Вокруг света за 80 дней» (1956), «Южная часть Тихого океана» (1958) и «Клеопатра» (1963), а также многие другие.
Также множились трюки , привлекающие аудиторию. Мода на 3D-фильмы продлилась всего два года, 1952–1954, и помогла продать «Дом восковых фигур » и «Существо из Черной лагуны » . Продюсер Уильям Касл рекламировал фильмы с участием «Emergo» и «Percepto», первый из серии трюков, которые оставались популярными маркетинговыми инструментами для Касла и других на протяжении 1960-х годов.
В 1954 году Дороти Дэндридж была номинирована на премию «Оскар» как лучшая актриса за роль в фильме «Карман Джонс». Она стала первой чернокожей женщиной, номинированной на эту награду. [100]
В США послевоенная тенденция к сомнению устоявшихся общественных норм и раннего активизма движения за гражданские права нашла отражение в голливудских фильмах, таких как «Школьные джунгли» (1955), «В порту» (1954), «Марти» Пэдди Чаефски и « 12 разгневанных мужчин » Реджинальда Роуза ( 1957). Дисней продолжал снимать анимационные фильмы, в частности: «Золушка» (1950), «Питер Пэн» (1953), «Леди и бродяга» (1955) и «Спящая красавица» (1959). Однако он начал больше вовлекаться в игровое кино, выпустив такие классические фильмы, как « 20 000 лье под водой» (1954) и «Старый Йеллер» (1957). Телевидение начало серьезно конкурировать с фильмами, демонстрируемыми в кинотеатрах, но, что удивительно, оно способствовало большему посещению кинотеатров, а не сокращало их.
Limelight, вероятно, уникальный фильм по крайней мере в одном интересном отношении. Его два главных героя, Чарли Чаплин и Клэр Блум , были в этой индустрии не менее чем в трех разных столетиях. В 19 веке Чаплин дебютировал в театре в возрасте восьми лет, в 1897 году, в танцевальной труппе Clog, The Eight Lancaster Lads. В 21 веке Блум все еще наслаждается полноценной и продуктивной карьерой, появившись в десятках фильмов и телесериалов, выпущенных до 2022 года включительно. Она получила особое признание за свою роль в фильме «Король говорит!» (2010).
После окончания Второй мировой войны в 1940-х годах, следующее десятилетие, 1950-е годы, ознаменовали собой «золотой век» для неанглоязычного мирового кино , [101] [102] особенно для азиатского кино . [103] [104] Многие из наиболее признанных критиками азиатских фильмов всех времен были сняты в это десятилетие, включая «Токийскую историю » Ясудзиро Одзу ( 1953), «Трилогию об Апу» (1955–1959) и «Джалсагар» (1958) Сатьяджита Рея , «Угетсу » (1954) и «Сансё-судья» (1954) Кэндзи Мидзогути , « Авара » (1951) Раджа Капура , « Плывущие облака» (1955) Микио Нарусэ , « Пьяса » (1957) и «Каагаз Ке Пхул» (1959) Гуру Датта , а также фильмы Акиры Куросавы «Расёмон» (1950), «Икиру» (1952), «Семь самураев» (1954) и «Трон в крови» (1957). [103] [104]
В «золотой век» японского кино 1950-х годов успешными фильмами были «Расёмон» (1950), «Семь самураев» (1954) и «Скрытая крепость» (1958) Акиры Куросавы , а также « Токийская история » (1953) Ясудзиро Одзу и «Годзилла» (1954) Исиро Хонды . [ 105] Эти фильмы оказали глубокое влияние на мировой кинематограф. В частности, «Семь самураев » Куросавы несколько раз переснимались в виде вестернов , таких как «Великолепная семёрка» (1960) и «Битва за гранью звёзд» (1980), а также вдохновили несколько фильмов Болливуда , таких как «Шолай» (1975) и «Китайские ворота» (1998). Rashomon также был переделан как The Outrage (1964) и вдохновил фильмы с методами повествования « эффекта Rashomon », такие как Andha Naal (1954), The Usual Suspects (1995) и Hero (2002). The Hidden Fortress также был источником вдохновения для Star Wars Джорджа Лукаса ( 1977). Другие известные японские режиссеры этого периода включают Kenji Mizoguchi , Mikio Naruse , Hiroshi Inagaki и Nagisa Oshima . [103] Японское кино позже стало одним из главных вдохновителей движения New Hollywood 1960-х — 1980-х годов.
В «золотой век» индийского кино в 1950-х годах ежегодно снималось 200 фильмов, а индийские независимые фильмы получили большее признание благодаря международным кинофестивалям . Одной из самых известных была «Трилогия об Апу» (1955–1959) признанного критиками бенгальского кинорежиссера Сатьяджита Рея , чьи фильмы оказали глубокое влияние на мировой кинематограф. Его кинематографический стиль оказал влияние на таких режиссеров, как Акира Куросава, [106] Мартин Скорсезе , [ 107] [108] Джеймс Айвори , [109] Аббас Киаростами , Элиа Казан , Франсуа Трюффо , [110] Стивен Спилберг , [111] [112] Карлос Саура , [113] Жан-Люк Годар , [114] Исао Такахата , [115] Грегори Нава , Айра Сакс , Уэс Андерсон [116] и Дэнни Бойл [117] . По словам Майкла Срагова из The Atlantic Monthly , «юношеские драмы о взрослении , которые заполонили арт-хаусы с середины пятидесятых, во многом обязаны трилогии об Апу». [118] Кинематографическая техника отраженного света Субраты Митры также берет свое начало в трилогии об Апу . [119] Другие известные индийские режиссеры этого периода включают Гуру Датта , [103] Ритвика Гхатака , [104] Мринала Сена , Раджа Капура , Бимала Роя , К. Асифа и Мехбуба Хана . [120]
Кинематограф Южной Кореи также пережил «Золотой век» в 1950-х годах, начавшись с чрезвычайно успешного ремейка Chunhyang-jon (1955) режиссера Ли Кю Хвана. [121] В том же году вышел фильм «Провинция Янсан» известного режиссера Ким Ки Ёна , что ознаменовало начало его продуктивной карьеры. К концу 1950-х годов как качество, так и количество кинопроизводства быстро возросли. Южнокорейские фильмы, такие как комедия Ли Бён Иля 1956 года «Сиджибганын нал» (День свадьбы) , начали завоевывать международные награды. В отличие от начала 1950-х годов, когда в год снималось всего 5 фильмов, в 1959 году в Южной Корее было снято 111 фильмов. [122]
1950-е годы также стали «Золотым веком» филиппинского кино , с появлением более художественных и зрелых фильмов и значительным улучшением кинематографических приемов среди режиссеров. Студийная система вызвала бурную деятельность в местной киноиндустрии, поскольку ежегодно снималось много фильмов, и несколько местных талантов начали получать признание за рубежом. Среди ведущих филиппинских режиссеров той эпохи были Херардо де Леон , Грегорио Фернандес, Эдди Ромеро , Ламберто Авельяна и Сирио Сантьяго . [123] [124]
В 1960-х годах система студий в Голливуде пришла в упадок, поскольку многие фильмы теперь снимались на натуре в других странах или с использованием студийных мощностей за рубежом, таких как Pinewood в Великобритании и Cinecittà в Риме. «Голливудские» фильмы по-прежнему в основном были нацелены на семейную аудиторию, и зачастую именно более старомодные фильмы приносили наибольший успех студиям. Такие постановки, как « Мэри Поппинс» (1964), «Моя прекрасная леди» (1964) и «Звуки музыки» (1965) были одними из самых прибыльных фильмов десятилетия. Рост числа независимых продюсеров и продюсерских компаний, а также усиление влияния отдельных актеров также способствовали упадку традиционного голливудского студийного производства.
В этот период в Америке также росло понимание иностранного кино. В конце 1950-х и 1960-х годах французские режиссеры Новой волны , такие как Франсуа Трюффо и Жан-Люк Годар, сняли такие фильмы, как Les quatre cents coups , Breathless и Jules et Jim , которые нарушили правила повествовательной структуры голливудского кино . Кроме того, зрители узнавали об итальянских фильмах, таких как La Dolce Vita (1960) Федерико Феллини , 8½ ( 1963) и жестокие драмы шведа Ингмара Бергмана .
В Великобритании «Свободное кино» Линдси Андерсон , Тони Ричардсона и других привело к появлению ряда реалистичных и новаторских драм, включая «Субботним вечером и воскресным утром» , «A Kind of Loving» и «This Sporting Life» . Другие британские фильмы, такие как «Отвращение» , «Дорогая » , «Элфи» , «Фотоувеличение» и «Девушка Джорджи» (все в 1965–1966 годах), помогли снизить запреты на секс и наготу на экране, в то время как случайный секс и насилие в фильмах о Джеймсе Бонде , начиная с «Доктора Ноу» в 1962 году, сделали серию популярной во всем мире.
В 1960-х годах Усман Сембен снял несколько фильмов на французском и волофском языках и стал «отцом» африканского кино . В Латинской Америке доминирование «голливудской» модели оспаривалось многими кинематографистами. Фернандо Соланас и Октавио Гетино призывали к политически ангажированному Третьему кино в противовес Голливуду и европейскому авторскому кино.
В Египте золотой век египетского кино продолжился в 1960-х годах под руководством многих режиссеров, и египетское кино в то время высоко ценило женщин, таких как Соад Хосни . Братья Зульфикар; Эзз Эль-Дин Зульфикар , Салах Зульфикар и Махмуд Зульфикар были на свидании со многими постановками, [125] включая «Реку любви» Эзза Эль Дина Зульфикара (1960), [126] «Мягкие руки » Махмуда Зульфикара ( 1964) и «Дороже моей жизни» (1965) с Салахом Зульфикаром в главных ролях и производством Salah Zulfikar Films ; «Моя жена, генеральный директор» (1966) [127] , а также «Саладин » Юсефа Шахина (1963). [128] [129]
Кроме того, ядерная паранойя эпохи и угроза апокалиптического обмена ядерными ударами (как в 1962 году, когда СССР был на волосок от смерти во время Карибского кризиса ) вызвали реакцию и в киносообществе. Такие фильмы, как «Доктор Стрейнджлав » Стэнли Кубрика и «Безопасность» с Генри Фондой, были сняты в Голливуде, который когда-то был известен своим открытым патриотизмом и военной пропагандой.
В документальном кино шестидесятые годы стали свидетелями расцвета прямого кино , наблюдательного стиля создания фильмов, а также появления более откровенно партийных фильмов, таких как « В год свиньи» о войне во Вьетнаме Эмиля де Антонио . Однако к концу 1960-х годов голливудские кинематографисты начали создавать более новаторские и новаторские фильмы, отражающие социальную революцию, охватившую большую часть западного мира, такие как «Бонни и Клайд» (1967), «Выпускник» (1967), «2001: Космическая одиссея» (1968), «Ребенок Розмари» (1968), «Полуночный ковбой» (1969), «Беспечный ездок» (1969) и «Дикая банда» (1969). «Бонни и Клайд» часто считают началом так называемого « Нового Голливуда» .
В японском кино режиссёр Акира Куросава, удостоенный премии «Оскар», снял фильм «Ёдзимбо» (1961), который, как и его предыдущие фильмы, оказал глубокое влияние на весь мир. Влияние этого фильма наиболее заметно в фильмах Серджио Леоне « За пригоршню долларов» (1964) и Уолтера Хилла « Последний настоящий человек » (1996). «Ёдзимбо» также положил начало тренду « Человек без имени ».
Новый Голливуд был периодом после упадка студийной системы в 1950-х и 1960-х годах и окончания производственного кодекса (который был заменен в 1968 году системой рейтинга фильмов MPAA ). В 1970-х годах кинематографисты все чаще изображали откровенный сексуальный контент и показывали перестрелки и сцены сражений, которые включали графические изображения кровавых смертей — ярким примером этого является фильм Уэса Крейвена « Последний дом слева» (1972).
Постклассическое кино — это меняющиеся методы повествования новых голливудских продюсеров. Новые методы драмы и характеристики играют на ожиданиях аудитории, приобретенных в период классического/Золотого века: хронология истории может быть перепутана, сюжетные линии могут содержать тревожные « концовки с поворотами », главные герои могут вести себя неоднозначно с моральной точки зрения, а границы между антагонистом и главным героем могут быть размыты. Начало постклассического повествования можно увидеть в фильмах нуар 1940-х и 1950-х годов , в таких фильмах, как «Бунтарь без причины» (1955), и в « Психо » Хичкока . 1971 год ознаменовался выпуском таких противоречивых фильмов, как «Соломенные псы» , «Заводной апельсин» , «Французский связной» и «Грязный Гарри» . Это вызвало жаркие споры по поводу предполагаемой эскалации насилия в кино.
В 1970-х годах появилась новая группа американских режиссеров, таких как Мартин Скорсезе , Фрэнсис Форд Коппола , Джордж Лукас , Вуди Аллен , Терренс Малик и Роберт Олтмен . Это совпало с ростом популярности авторской теории в кинолитературе и средствах массовой информации, которая утверждала, что фильмы режиссера выражают его личное видение и творческие идеи. Развитие авторского стиля кинопроизводства помогло этим режиссерам дать гораздо больший контроль над своими проектами, чем это было возможно в более ранние эпохи. Это привело к некоторым большим критическим и коммерческим успехам, таким как « Таксист » Скорсезе, фильмы «Крестный отец » Копполы , «Изгоняющий дьявола » Уильяма Фридкина , «Нэшвилл » Олтмена , «Энни Холл» и «Манхэттен» Аллена , «Пустоши » и «Дни жатвы » Малика и «Китайский квартал » польского иммигранта Романа Полански . Однако это также привело к некоторым неудачам, включая « At Long Last Love» Питера Богдановича и чрезвычайно дорогой эпический вестерн « Heaven's Gate» Майкла Чимино , который способствовал краху его спонсора United Artists .
Финансовая катастрофа Heaven's Gate ознаменовала конец дальновидных «авторских» режиссеров «Нового Голливуда», которые имели неограниченную творческую и финансовую свободу для разработки фильмов. Феноменальный успех в 1970-х годах фильма Спилберга « Челюсти » породил концепцию современного « блокбастера ». Однако огромный успех фильма Джорджа Лукаса 1977 года « Звездные войны » привел к гораздо большему, чем просто популяризации блокбастерного кинопроизводства. Революционное использование в фильме спецэффектов, звукового монтажа и музыки привело к тому, что он стал широко признанным одним из самых важных фильмов в истории этого вида кино, а также самым влиятельным фильмом 1970-х годов. Голливудские студии все больше сосредотачивались на производстве меньшего количества очень высокобюджетных фильмов с масштабными маркетинговыми и рекламными кампаниями. Эта тенденция уже была предвосхищена коммерческим успехом фильмов- катастроф, таких как «Приключение «Посейдона»» и «Ад в поднебесье» .
В середине 1970-х годов было создано больше порнографических театров, эвфемистически называемых «взрослыми кинотеатрами», и началось легальное производство хардкорных порнографических фильмов. Порнофильмы, такие как «Глубокая глотка » и его звезда Линда Лавлейс, стали чем-то вроде феномена популярной культуры и привели к появлению потока подобных секс-фильмов. Порно-кинотеатры окончательно вымерли в 1980-х годах, когда популяризация домашних видеомагнитофонов и порнографических видеокассет позволила зрителям смотреть секс-фильмы дома. В начале 1970-х годов англоязычная аудитория стала больше узнавать о новом западногерманском кино, среди ведущих представителей которого были Вернер Херцог , Райнер Вернер Фассбиндер и Вим Вендерс .
В мировом кинематографе 1970-е годы стали свидетелями резкого роста популярности фильмов о боевых искусствах , во многом благодаря его переосмыслению Брюсом Ли , который отошел от художественного стиля традиционных китайских фильмов о боевых искусствах и добавил к ним гораздо большее чувство реализма с помощью своего стиля Джит Кун До . Это началось с фильма «Большой босс» (1971), который имел большой успех по всей Азии . Однако он не получил известности в западном мире до тех пор, пока вскоре после своей смерти в 1973 году не вышел фильм «Выход дракона» . Фильм стал самым успешным фильмом о боевых искусствах в истории кинематографа, популяризировал жанр фильмов о боевых искусствах по всему миру и закрепил статус Брюса Ли как культурной иконы. Однако гонконгский боевик пришел в упадок из-за волны фильмов « Bruceploitation ». Эта тенденция в конечном итоге пошла на спад в 1978 году с выходом комедийных фильмов о боевых искусствах « Змея в тени орла» и «Пьяный мастер» режиссера Юэня Ву-Пина с Джеки Чаном в главной роли , которые заложили основу для подъема гонконгского боевика в 1980-х годах.
В то время как жанр музыкальных фильмов в Голливуде к этому времени пришел в упадок, музыкальные фильмы быстро набирали популярность в кинематографе Индии , где термин « Болливуд » был придуман для растущей хинди -киноиндустрии в Бомбее (ныне Мумбаи), которая в конечном итоге стала доминировать в южноазиатском кинематографе , обогнав по популярности более признанную критиками бенгальскую киноиндустрию . Индийские кинематографисты объединили голливудскую музыкальную формулу с условностями древнеиндийского театра , чтобы создать новый жанр фильмов под названием « Масала », который доминировал в индийском кино на протяжении всего конца 20-го века. [130] Эти «масала»-фильмы изображали боевик, комедию, драму , романтику и мелодраму одновременно, с добавлением песен и танцев « фильми ». Эта тенденция началась с фильмов, снятых Манмоханом Десаи , в которых главную роль сыграл Амитабх Баччан , который остается одним из самых популярных киноактеров в Южной Азии. Самым популярным индийским фильмом всех времен был «Sholay» (1975), фильм в жанре «масала», вдохновленный реальным бандитом , а также « Семью самураями » Куросавы и спагетти-вестернами .
В конце десятилетия австралийское кино впервые вышло на международный рынок, когда фильмы Питера Уира «Пикник у Висячей скалы» и «Последняя волна» , а также «Песнь Джимми Блэксмита » Фреда Скеписи получили признание критиков. В 1979 году австралийский режиссер Джордж Миллер также привлек международное внимание своим жестоким малобюджетным боевиком « Безумный Макс» .
В 1980-х годах зрители стали все чаще смотреть фильмы на своих домашних видеомагнитофонах . В начале этого десятилетия киностудии пытались подать в суд, чтобы запретить владение видеомагнитофонами в домах как нарушение авторских прав , но это не удалось. В конце концов, продажа и прокат фильмов на домашнем видео стали важной «второй площадкой» для показа фильмов и дополнительным источником дохода для киноиндустрии. Рынки прямой трансляции фильмов (нишевые) обычно предлагали более низкокачественную, дешевую продукцию, которая не считалась подходящей для широкой аудитории телевизионных и театральных релизов.
Объединение Лукаса и Спилберга доминировало в «голливудском» кинематографе большую часть 1980-х годов и привело к большому количеству подражаний. Два продолжения « Звездных войн» , три — «Челюстей » и три фильма об Индиане Джонсе помогли сделать сиквелы успешных фильмов более ожидаемыми, чем когда-либо прежде. Лукас также основал THX Ltd , подразделение Lucasfilm в 1982 году, [131] в то время как Спилберг наслаждался одним из самых больших успехов десятилетия в фильме «Инопланетянин» в том же году. В 1982 году также вышел фильм Disney «Трон» , который стал одним из первых фильмов крупной студии, широко использовавших компьютерную графику . Американское независимое кино испытывало большие трудности в течение десятилетия, хотя « Бешеный бык » (1980), «После работы» (1985) и «Король комедии» (1983) Мартина Скорсезе помогли ему стать одним из самых признанных критиками американских режиссеров той эпохи. Также в 1983 году был выпущен фильм «Лицо со шрамом» , который оказался очень прибыльным и принёс ещё большую известность актёру, сыгравшем главную роль, Аль Пачино . В версии Тима Бертона 1989 года по мотивам творения Боба Кейна «Бэтмен » Джек Николсон сыграл безумного Джокера , что принесло ему 60–90 миллионов долларов, включая процент от сборов. [132]
.jpg/1280px-London_Film_Museum_-_DSCF4090_(5755432522).jpg)
Британское кино получило импульс в начале 1980-х годов с приходом компании Дэвида Паттнэма Goldcrest Films . Фильмы «Огненные колесницы» , «Ганди» , «Поля смерти» и «Комната с видом» были обращены к «среднелобой» аудитории, которую все больше игнорировали крупные голливудские студии. В то время как фильмы 1970-х годов помогли определить современные блокбастеры , способ, которым «Голливуд» выпускал свои фильмы, теперь изменился. Фильмы, по большей части, будут премьерами в большем количестве кинотеатров, хотя и по сей день некоторые фильмы все еще премьеры, используя маршрут ограниченного /роуд-шоу выпуска . Вопреки некоторым ожиданиям, рост кинотеатров мультиплексов не позволил показывать меньше мейнстримовых фильмов, а просто позволил крупным блокбастерам получить еще больше показов. Однако фильмы, которые были упущены из виду в кинотеатрах, все чаще получали второй шанс на домашнем видео.
В 1980-х годах японское кино пережило возрождение, во многом благодаря успеху аниме -фильмов. В начале 1980-х годов «Космический линкор Ямато» (1973) и «Мобильный воин Гандам» (1979), оба из которых не имели успеха в качестве телесериалов, были пересняты в виде фильмов и стали чрезвычайно успешными в Японии. В частности, «Мобильный воин Гандам» положил начало франшизе аниме- меха «Гандам» Real Robot . Успех «Макросса: Ты помнишь любовь?» также положил начало франшизе аниме-меха «Макросс» . Это было также десятилетие, когда была основана студия Ghibli . Студия выпустила первые фэнтезийные фильмы Хаяо Миядзаки « Навсикая из Долины ветров» (1984) и «Небесный замок Лазурный» (1986), а также «Могилу светлячков» Исао Такахаты ( 1988), все из которых имели большой успех в Японии и получили признание критиков во всем мире. Оригинальные анимационные фильмы (OVA) также начались в это десятилетие; Самым влиятельным из этих ранних фильмов OVA был киберпанк- фильм Нобору Исигуро « Мегазона 23» (1985). Самым известным аниме-фильмом этого десятилетия был киберпанк-фильм Кацухиро Отомо «Акира » (1988), который, хотя изначально и не имел успеха в японских кинотеатрах, впоследствии стал международным.
Гонконгский боевик , который находился в состоянии упадка из-за бесконечных фильмов Bruceploitation после смерти Брюса Ли , также пережил возрождение в 1980-х годах, во многом благодаря переосмыслению жанра боевика Джеки Чаном . Ранее он успешно объединил жанры комедийного фильма и фильма о боевых искусствах в фильмах 1978 года «Змея в тени орла» и «Пьяный мастер» . Следующим шагом, который он предпринял, было объединение этого жанра комедийных боевых искусств с новым акцентом на сложные и очень опасные трюки , напоминающие эпоху немого кино. Первым фильмом в этом новом стиле боевика был « Проект А» (1983), в котором сформировалась команда каскадеров Джеки Чана, а также «Три брата» (Чан, Саммо Хунг и Юэнь Бяо ). Фильм добавил сложные, опасные трюки к боям и фарсу и стал огромным успехом на всем Дальнем Востоке. В результате Чан продолжил эту тенденцию с боевиками о боевых искусствах, содержащими еще более сложные и опасные трюки, включая Wheels on Meals (1984), Police Story (1985), Armour of God (1986), Project A Part II (1987), Police Story 2 (1988) и Dragons Forever (1988). Другими новыми тенденциями, которые начались в 1980-х годах, были поджанр « девушек с оружием », за который Мишель Йео получила известность; и особенно жанр « героического кровопролития », вращающийся вокруг Триад , в значительной степени пионером которого был Джон Ву и за который прославился Чоу Юнь-Фат . Эти гонконгские тенденции боевика были позже переняты многими голливудскими боевиками в 1990-х и 2000-х годах.
В начале 1990-х годов в США развивалось коммерчески успешное независимое кино. Хотя в кино все больше доминировали фильмы со спецэффектами, такие как «Терминатор 2: Судный день» (1991), «Парк Юрского периода» (1993) и «Титаник» (1997), последний из которых стал самым кассовым фильмом всех времен вплоть до «Аватара» (2009), также снятого Джеймсом Кэмероном, независимые фильмы, такие как «Секс, ложь и видео» Стивена Содерберга ( 1989) и «Бешеные псы » Квентина Тарантино (1992), имели значительный коммерческий успех как в кинотеатрах, так и на домашнем видео.
Кинематографисты, связанные с датским кинодвижением «Догма 95», представили манифест, направленный на очищение кинопроизводства. Первые несколько фильмов получили признание критиков во всем мире, после чего движение постепенно сошло на нет.
Фильм Скорсезе «Славные парни» вышел в 1990 году. Многие считают его одним из величайших фильмов, когда-либо снятых, особенно в гангстерском жанре. Говорят, что это высшая точка карьеры Скорсезе.
Крупные американские студии начали создавать свои собственные «независимые» производственные компании для финансирования и производства не-мейнстримовой продукции. Одна из самых успешных независимых компаний 1990-х годов, Miramax Films , была куплена Disney за год до выхода хита Тарантино « Криминальное чтиво» в 1994 году. Тот же год ознаменовал начало распространения фильмов и видео в Интернете. Анимационные фильмы, ориентированные на семейную аудиторию, также вернули себе популярность, с появлением Disney «Красавица и чудовище» (1991), «Аладдин» (1992) и «Король Лев» (1994). В 1995 году первый полнометражный компьютерный анимационный фильм, «История игрушек» , был произведен Pixar Animation Studios и выпущен Disney. После успеха «Истории игрушек» компьютерная анимация стала доминирующей техникой для полнометражной анимации, что позволило конкурирующим кинокомпаниям, таким как DreamWorks , 20th Century Fox и Warner Bros., эффективно конкурировать с Disney с помощью собственных успешных фильмов. В конце 1990-х годов начался еще один кинематографический переход — от физической кинопленки к технологии цифрового кино . Тем временем DVD стали новым стандартом для потребительского видео, заменив кассеты VHS.
С конца 2000-х годов потоковые медиа- платформы, такие как YouTube, предоставили средства для любого человека с доступом к Интернету и камерам (стандартная функция смартфонов ) для публикации видео в мире. Также конкурируя с растущей популярностью видеоигр и других форм домашних развлечений , индустрия снова начала делать театральные релизы более привлекательными, с новыми 3D-технологиями и эпическими (фэнтези и супергеройскими) фильмами, которые стали основой в кинотеатрах.
Документальный фильм также, возможно, впервые поднялся как коммерческий жанр с успехом таких фильмов, как «Марш пингвинов» и « Боулинг для Колумбины» Майкла Мура и «Фаренгейт 9/11» . Новый жанр был создан Мартином Кунертом и Эриком Мейнесом « Голосами Ирака» , когда 150 недорогих DV-камер были распространены по всему Ираку, превратив обычных людей в совместных режиссеров. Успех «Гладиатора» привел к возрождению интереса к эпическому кино , а «Мулен Руж!» возобновил интерес к музыкальному кино . Домашние кинотеатры становились все более сложными, как и некоторые специальные выпуски DVD, предназначенные для показа на них. Трилогия «Властелин колец» была выпущена на DVD как в театральной версии, так и в специальной расширенной версии, предназначенной только для зрителей домашних кинотеатров.
В 2001 году началась серия фильмов о Гарри Поттере , и к моменту ее завершения в 2011 году она стала самой кассовой кинофраншизой всех времен, пока в 2015 году ее не обогнала киновселенная Marvel.
Благодаря достижениям в технологии кинопроекции, художественные фильмы теперь могли выпускаться одновременно в кинотеатрах IMAX , первым был анимационный фильм Disney «Планета сокровищ» 2002 года; а первым живым фильмом стали «Матрица: Революция» 2003 года и переиздание «Матрицы: Перезагрузка» . Позже в том же десятилетии «Темный рыцарь» стал первым крупным художественным фильмом, который был хотя бы частично снят в технологии IMAX.
В течение этого десятилетия наблюдалась растущая глобализация кино, и фильмы на иностранных языках набирали популярность на англоязычных рынках. Примерами таких фильмов являются « Крадущийся тигр, затаившийся дракон» (мандарин), «Амели» (французский), «Лагаан» (хинди), «Унесенные призраками » (японский), «Город Бога» (бразильский португальский), «Страсти Христовы» (арамейский), «Апокалипсис» (майянский) и «Бесславные ублюдки» (несколько европейских языков). Италия является страной, получившей больше всего наград на премии «Оскар» за лучший фильм на иностранном языке , с 14 полученными наградами, 3 специальными наградами и 31 номинацией .
В 2003 году произошло возрождение популярности 3D-фильмов , первым из которых стал фильм Джеймса Кэмерона «Призраки бездны» , который был выпущен как первый полнометражный 3D IMAX-фильм, снятый с помощью Reality Camera System . Эта система камер использовала новейшие HD-видеокамеры, а не пленку, и была создана для Кэмерона номинированным на премию «Эмми» главным оператором Винсом Пейсом по его спецификациям. Та же система камер использовалась для съемок фильмов « Дети шпионов 3D: Игра окончена» (2003), «Пришельцы из глубин IMAX» (2005) и «Приключения Шаркбоя и Лавы в 3D» (2005).
После того, как 3D-фильм Джеймса Кэмерона «Аватар» стал самым кассовым фильмом всех времен, 3D-фильмы обрели кратковременную популярность, и многие другие фильмы были выпущены в 3D, с наибольшим успехом критиков и финансами в области анимации полнометражных фильмов, таких как « Гадкий Я» от Universal Pictures / Illumination Entertainment и « Как приручить дракона » от DreamWorks Animation , «Шрек навсегда» и «Мегамозг» . «Аватар» также примечателен тем, что стал пионером в области очень сложного использования технологии захвата движения и оказал влияние на несколько других фильмов, таких как « Восстание планеты обезьян» . [133]
В 2011 году крупнейшими киноиндустриями по количеству произведенных художественных фильмов были Индия, США, Китай, Нигерия и Япония. [134] В Голливуде фильмы о супергероях значительно возросли в популярности и финансовом успехе, при этом фильмы, основанные на комиксах Marvel и DC, выходили каждый год. [135] Жанр супергероев был самым доминирующим в американских кассовых сборах .
В списке самых кассовых фильмов доминировал Disney , в 2019 году было больше всего фильмов в топ-50. Фильм о супергероях 2019 года « Мстители: Финал» стал самым успешным фильмом всех времен в прокате. Другими лидерами по сборам стали «Звездные войны: Пробуждение силы» , «Мстители: Война бесконечности» и «Мир Юрского периода» . Фильмы Disney часто становились самыми кассовыми фильмами года во второй половине десятилетия, среди них были « История игрушек 3» , «Мстители» и «Холодное сердце» . Успех Disney достиг кульминации в приобретении 21st Century Fox компанией Disney .
Крупные киностудии пытались повторить успех киновселенной Marvel компании Disney с помощью собственных франшиз. Warner Bros. создали такие франшизы, как DC Extended Universe . Disney выпустила игровые или фотореалистичные ремейки своих классических анимационных фильмов, таких как «Аладдин» и «Король Лев» . Серии фильмов, основанные на романах для молодежи, стали популярными, перейдя от фэнтези к антиутопической научной фантастике. Среди известных серий были « Голодные игры » .
«Сказание о принцессе Кагуя» , «Лето 1993» , «Не оставляй следов» и «Осторожно, зазор» получили 100% рейтинга на Rotten Tomatoes . Другие известные фильмы включают «Безумный Макс: Дорога ярости» , «Социальная сеть» и «Прочь ». Такие фильмы, как «Портрет девушки в огне» , «Древо жизни» , «Лунный свет » и «Паразиты», часто упоминались в опросах критиков на звание лучших фильмов 2010-х годов. В 2010 году появилась первая женщина, получившая премию «Оскар» за лучшую режиссуру в истории. «Повелитель бури » Кэтрин Бигелоу получил шесть наград. [136] В 2020 году «Паразиты» стали первым неанглоязычным фильмом, получившим премию «Оскар» за лучшую картину .
Пандемия COVID-19 привела к закрытию кинотеатров по всему миру в ответ на карантин. Многие фильмы, выход которых был запланирован на начало 2020-х годов, столкнулись с задержками в разработке, производстве и распространении, а другие были выпущены на потоковых сервисах с небольшим или нулевым кинотеатральным окном. В эту эпоху произошла глубокая трансформация того, как фильмы производятся, распространяются и потребляются во всем мире. Пандемия привела к быстрому ускорению перехода к потоковому вещанию как основному средству распространения фильмов. Киноиндустрия адаптировалась и выпустила заметные работы, которые отражали меняющуюся динамику эпохи.
{{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка ){{cite book}}: CS1 maint: несколько имен: список авторов ( ссылка )