Музыкальный театр — это форма театрального представления, которая сочетает в себе песни, разговорный диалог , актерскую игру и танец. История и эмоциональное содержание мюзикла — юмор, пафос , любовь, гнев — передаются посредством слов, музыки, движения и технических аспектов развлечения как единого целого. Хотя музыкальный театр пересекается с другими театральными формами, такими как опера и танец, его можно отличить по равной важности, придаваемой музыке по сравнению с диалогом, движением и другими элементами. С начала 20-го века сценические произведения музыкального театра обычно называют просто мюзиклами .
Хотя музыка была частью драматических представлений с древних времен, современный западный музыкальный театр появился в 19 веке, со многими структурными элементами, установленными легкими оперными работами Жака Оффенбаха во Франции, Гилберта и Салливана в Великобритании и работами Харригана и Харта в Америке. За ними последовали эдвардианские музыкальные комедии , которые появились в Великобритании, и музыкальные театральные работы американских создателей, таких как Джордж М. Коэн, на рубеже 20 века. Мюзиклы Princess Theatre (1915–1918) были художественными шагами вперед по сравнению с ревю и другими пенными развлечениями начала 20 века и привели к таким новаторским работам, как Show Boat (1927), Of Thee I Sing (1931) и Oklahoma! (1943). Среди самых известных мюзиклов последующих десятилетий — «Моя прекрасная леди» (1956), «Фантастикс» (1960), «Волосы» (1967), «Кордебалет» (1975), «Отверженные» (1985), «Призрак оперы» (1986), « Аренда» (1996), «Злая» (2003) и «Гамильтон» (2015).
Мюзиклы ставятся по всему миру. Они могут быть представлены на больших площадках, таких как высокобюджетные постановки на Бродвее или Вест-Энде в Нью-Йорке или Лондоне. В качестве альтернативы мюзиклы могут быть поставлены на меньших площадках, таких как внебродвейские , вне-внебродвейские , региональные театры , маргинальные театры или общественные театральные постановки, или на гастролях . Мюзиклы часто представляют любительские и школьные группы в церквях, школах и других местах для выступлений. Помимо Соединенных Штатов и Великобритании, яркие музыкальные театральные сцены существуют в континентальной Европе, Азии, Австралазии, Канаде и Латинской Америке.
С 20-го века «книжный мюзикл» определяется как музыкальная пьеса, в которой песни и танцы полностью интегрированы в хорошо сделанную историю с серьезными драматическими целями и которая способна вызывать настоящие эмоции, отличные от смеха. [2] [3] Три основных компонента книжного мюзикла — это его музыка , тексты песен и книга . Книга или сценарий мюзикла относится к истории, развитию персонажей и драматической структуре, включая разговорный диалог и сценические указания, но это также может относиться к диалогу и тексту вместе, которые иногда называют либретто ( по-итальянски «маленькая книга»). Музыка и текст вместе образуют партитуру мюзикла и включают песни, сопутствующую музыку и музыкальные сцены, которые представляют собой «театральную последовательность[и], положенную на музыку, часто сочетающую песню с разговорным диалогом». [4] Интерпретация мюзикла является ответственностью его творческой команды, которая включает режиссера, музыкального руководителя, обычно хореографа и иногда оркестратора . Производство мюзикла также творчески характеризуется техническими аспектами, такими как дизайн декораций , костюмы , реквизит (реквизит) , освещение и звук . Творческая группа, дизайн и интерпретации обычно меняются от оригинальной постановки к последующим постановкам. Некоторые элементы постановки, однако, могут быть сохранены из оригинальной постановки, например, хореография Боба Фосса в Чикаго .
Для мюзикла нет фиксированной продолжительности. Хотя он может варьироваться от короткого одноактного развлечения до нескольких актов и нескольких часов по продолжительности (или даже многовечернего представления), большинство мюзиклов имеют продолжительность от полутора до трех часов. Мюзиклы обычно представляются в двух актах с одним коротким антрактом , и первый акт часто длиннее второго. Первый акт обычно представляет почти всех персонажей и большую часть музыки и часто заканчивается введением драматического конфликта или осложнения сюжета, в то время как второй акт может представлять несколько новых песен, но обычно содержит репризы важных музыкальных тем и разрешает конфликт или осложнение. Книжный мюзикл обычно строится вокруг четырех-шести основных мелодий, которые повторяются позже в шоу, хотя иногда он состоит из серии песен, не связанных напрямую музыкально. Разговорный диалог обычно перемежается музыкальными номерами, хотя может использоваться «песенный диалог» или речитатив , особенно в так называемых « сквозных » мюзиклах, таких как « Иисус Христос — суперзвезда» , «Фальцеты» , «Отверженные» , «Эвита» и «Гамильтон» . Несколько более коротких мюзиклов на Бродвее и в Вест-Энде в 21 веке были представлены в одном акте.
Моменты наибольшей драматической интенсивности в книжном мюзикле часто исполняются в песне. По поговорке, «когда эмоции становятся слишком сильными для речи, вы поете; когда они становятся слишком сильными для песни, вы танцуете». [5] В книжном мюзикле песня идеально создается, чтобы соответствовать персонажу (или персонажам) и их ситуации в истории; хотя были времена в истории мюзикла (например, с 1890-х по 1920-е годы), когда эта интеграция между музыкой и историей была незначительной. Как критик The New York Times Бен Брэнтли описал идеал песни в театре, рецензируя возрождение Gypsy в 2008 году : «Между песней и персонажем вообще нет разделения, что и происходит в те необычные моменты, когда мюзиклы тянутся вверх, чтобы достичь своих идеальных причин». [6] Обычно в пятиминутной песне поется гораздо меньше слов, чем говорится в пятиминутном блоке диалога. Поэтому в мюзикле меньше времени на развитие драмы, чем в обычной пьесе эквивалентной длины, поскольку мюзикл обычно уделяет больше времени музыке, чем диалогам. В рамках сжатой природы мюзикла сценаристы должны развивать персонажей и сюжет.
Материал, представленный в мюзикле, может быть оригинальным или адаптированным из романов ( Wicked и Man of La Mancha ), пьес ( Hello, Dolly! и Carousel ), классических легенд ( Camelot ), исторических событий ( Evita и Hamilton ) или фильмов ( The Producers и Billy Elliot ). С другой стороны, многие успешные музыкальные театральные работы были адаптированы для музыкальных фильмов , таких как West Side Story , My Fair Lady , The Sound of Music , Oliver! и Chicago .
Музыкальный театр тесно связан с театральной формой оперы, но эти два вида обычно различаются по ряду факторов. Во-первых, мюзиклы, как правило, больше сосредоточены на разговорном диалоге. [7] Некоторые мюзиклы, однако, полностью сопровождаются и поются, в то время как некоторые оперы, такие как «Волшебная флейта» и большинство оперетт , имеют некоторые несопровождаемые диалоги. [7] Во-вторых, мюзиклы обычно включают больше танцев как неотъемлемую часть повествования, особенно со стороны главных исполнителей, а также хора. В-третьих, мюзиклы часто используют различные жанры популярной музыки или, по крайней мере, популярные стили пения и музыки. [8]
Наконец, мюзиклы обычно избегают определенных оперных условностей. В частности, мюзикл почти всегда исполняется на языке своей аудитории. Мюзиклы, поставленные на Бродвее или в Вест-Энде, например, неизменно исполняются на английском языке, даже если они изначально были написаны на другом языке. В то время как оперный певец в первую очередь певец и только во вторую очередь актер (и редко должен танцевать), артист музыкального театра часто является в первую очередь актером, но также должен быть певцом и танцором. Того, кто в равной степени преуспел во всех трех, называют «тройной угрозой». Композиторы музыки для мюзиклов часто рассматривают вокальные требования ролей, имея в виду исполнителей музыкального театра. Сегодня большие театры, которые ставят мюзиклы, обычно используют микрофоны и усиление голосов актеров таким образом, который, как правило, не одобряется в оперном контексте. [9]
Некоторые работы, включая работы Джорджа Гершвина , Леонарда Бернстайна и Стивена Зондхайма , были превращены как в музыкальные театральные, так и в оперные постановки. [10] [11] Аналогичным образом, некоторые старые оперетты или легкие оперы (например, «Пираты Пензанса » Гилберта и Салливана ) были поставлены в современных адаптациях, которые рассматривают их как мюзиклы. Для некоторых работ стили постановки почти так же важны, как музыкальное или драматическое содержание произведения, в определении того, к какой форме искусства относится произведение. [12] Зондхайм сказал: «Я действительно думаю, что когда что-то идет на Бродвее, это мюзикл, а когда это идет в оперном театре, это опера. Вот и все. Это местность, сельская местность, ожидания публики делают это тем или иным». [13] Остается совпадение в форме между более легкими оперными формами и более музыкально сложными или амбициозными мюзиклами. На практике часто бывает трудно провести различие между различными видами музыкального театра, включая «музыкальную пьесу», «музыкальную комедию», «оперетту» и «легкую оперу». [14]
Как и в опере, пение в музыкальном театре обычно сопровождается инструментальным ансамблем, называемым оркестром ямы , который располагается в пониженной зоне перед сценой. В то время как в опере обычно используется обычный симфонический оркестр , мюзиклы обычно оркеструются для ансамблей, состоящих от 27 музыкантов до всего лишь нескольких музыкантов . В рок-мюзиклах обычно используется небольшая группа в основном рок-инструментов, [15] а в некоторых мюзиклах может потребоваться только фортепиано или два инструмента. [16] Музыка в мюзиклах использует ряд «стилей и влияний, включая оперетту , классические приемы, народную музыку , джаз [и] местные или исторические стили, [которые] подходят для обстановки». [4] Мюзиклы могут начинаться с увертюры , исполняемой оркестром, которая «сплетает воедино отрывки известных мелодий партитуры». [17]
Существуют различные восточные традиции театра, включающие музыку, такие как китайская опера , тайваньская опера , японский Но и индийский музыкальный театр , включая санскритскую драму , индийский классический танец , театр парси и якшагана . [18] Начиная с 20-го века в Индии было выпущено множество музыкальных фильмов, называемых мюзиклами « Болливуда », а в Японии в последние десятилетия появилась серия 2.5D-мюзиклов, основанных на популярных аниме и комиксах манга .
Более короткие или упрощенные «детские» версии многих мюзиклов доступны для школ и молодежных групп, а очень короткие произведения, созданные или адаптированные для исполнения детьми, иногда называются минимюзиклами . [19] [20]
Предшественники музыкального театра в Европе могут быть прослежены до театра Древней Греции , где музыка и танец были включены в сценические комедии и трагедии в течение 5-го века до н. э. [21] [22] Однако музыка из древних форм утеряна, и они не оказали большого влияния на последующее развитие музыкального театра. [23] В 12-м и 13-м веках религиозные драмы обучали литургии . Группы актеров использовали уличные повозки Pageant (сцены на колесах), чтобы рассказать каждую часть истории. Поэтические формы иногда чередовались с прозаическими диалогами, а литургические песнопения уступали место новым мелодиям. [24]
В эпоху европейского Возрождения старые формы эволюционировали в два предшественника музыкального театра: комедию дель арте , где шумные клоуны импровизировали знакомые истории, и позднее оперу-буффа . В Англии пьесы елизаветинской и якобинской эпох часто включали музыку, [25] и короткие музыкальные пьесы начали включать в вечерние драматические развлечения. [26] Придворные маски развивались в период Тюдоров , которые включали музыку, танцы, пение и актерскую игру, часто с дорогими костюмами и сложным сценическим оформлением . [27] [28] Они превратились в песенные пьесы, которые узнаваемы как английские оперы, первой из которых обычно считается «Осада Родоса» (1656). [29] Тем временем во Франции Мольер превратил несколько своих фарсовых комедий в музыкальные развлечения с песнями (музыка предоставлена Жаном-Батистом Люлли ) и танцами в конце 17 века. Они оказали влияние на короткий период английской оперы [30] такими композиторами, как Джон Блоу [31] и Генри Перселл . [29]
С XVIII века наиболее популярными формами музыкального театра в Британии были оперы-баллады , такие как «Опера нищего » Джона Гэя , включавшая тексты, написанные на мотивы популярных песен того времени (часто пародирующие оперу), а позже пантомима , которая развилась из комедии дель арте, и комическая опера с преимущественно романтическими сюжетными линиями, как «Девушка из Богемы » Майкла Балфа (1845). Тем временем на континенте появлялись зингшпиль , комедийный водевиль , комическая опера , сарсуэла и другие формы легкого музыкального развлечения. «Опера нищего» была первой записанной долгоиграющей пьесой любого рода, которая шла 62 последовательных представления в 1728 году. Прошло почти столетие, прежде чем какая-либо пьеса преодолела отметку в 100 представлений, [32] но вскоре, в конце 1820-х годов, рекорд достиг 150 представлений. [33] [34] Другие формы музыкального театра, развившиеся в Англии к XIX веку, такие как мюзик-холл , мелодрама и бурлетта , стали популярными отчасти потому, что большинство лондонских театров имели лицензию только как мюзик-холлы и не имели права представлять пьесы без музыки.
В колониальной Америке не было значительного театрального присутствия до 1752 года, когда лондонский предприниматель Уильям Халлам отправил труппу актеров в колонии, которыми управлял его брат Льюис . [35] Летом 1753 года в Нью-Йорке они исполняли баллады-оперы, такие как «Опера нищего» , и баллады-фарсы. [35] К 1840-м годам П. Т. Барнум управлял развлекательным комплексом в нижнем Манхэттене. [36] Другой ранний музыкальный театр в Америке состоял из британских форм, таких как бурлетта и пантомима, [23] но то, как называлась пьеса, не обязательно определяло, чем она была. Бродвейская феерия 1852 года «Волшебный олень» рекламировала себя как «Серьезная трагико-операционно-историческая экстравагантная бурлетическая история о волшебстве». [37] Театр в Нью-Йорке постепенно перемещался из центра города в Мидтаун примерно с 1850 года и не появлялся в районе Таймс-сквер до 1920-х и 1930-х годов. Нью-йоркские тиражи сильно отставали от лондонских, но «мюзикл бурлетта» Лоры Кин «Семь сестер » (1860) побил предыдущий рекорд нью-йоркских музыкальных театров, сыграв 253 представления. [38]
Около 1850 года французский композитор Эрве экспериментировал с формой комического музыкального театра, которую он назвал опереттой . [39] Самыми известными композиторами оперетты были Жак Оффенбах с 1850-х по 1870-е годы и Иоганн Штраус II в 1870-х и 1880-х годах. [23] Плодотворные мелодии Оффенбаха в сочетании с остроумной сатирой его либреттистов сформировали модель для музыкального театра, который последовал за этим. [39] Адаптации французских оперетт (исполняемые в основном в плохих, рискованных переводах), музыкальные бурлески , мюзик-холл, пантомима и бурлетта доминировали на лондонской музыкальной сцене в 1870-е годы. [40]
В Америке в середине 19 века музыкальные театральные развлечения включали грубое варьете-ревю , которое в конечном итоге превратилось в водевиль , шоу менестрелей , которые вскоре пересекли Атлантику и попали в Британию, и викторианский бурлеск, впервые популяризированный в США британскими труппами. [23] Чрезвычайно успешное музыкальное развлечение, премьера которого состоялась в Нью-Йорке в 1866 году, The Black Crook , сочетало танец и оригинальную музыку, которая помогала рассказать историю. Зрелищная постановка, известная своими откровенными костюмами, была показана рекордное количество раз — 474. [41] В том же году The Black Domino/Between You, Me and the Post стало первым шоу, назвавшим себя «музыкальной комедией». В 1874 году «Эванджелина или Красавица Аркадии » Эдварда Э. Райса и Дж. Чивера Гудвина , основанная на «Эванджелине » Лонгфелло , с оригинальной американской историей и музыкой, успешно открылась в Нью-Йорке и была возобновлена в Бостоне, Нью-Йорк, и в повторных турах. [42] Комики Эдвард Харриган и Тони Харт продюсировали и играли главные роли в мюзиклах на Бродвее между 1878 ( Пикник стражи Маллиган ) и 1885 годами. В этих музыкальных комедиях были персонажи и ситуации, взятые из повседневной жизни низших классов Нью-Йорка. В них играли высококлассные певицы ( Лилиан Рассел , Вивьен Сигал и Фэй Темплтон ) вместо дам с сомнительной репутацией, которые играли главные роли в более ранних музыкальных формах. В 1879 году «Ручей» Нейта Салсбери имел еще один национальный успех с современными американскими танцевальными стилями и американской историей о «членах актерской труппы, отправляющихся в путешествие по реке... со множеством препятствий и неудач по пути» [42] .
По мере того, как улучшалась транспортная ситуация, бедность в Лондоне и Нью-Йорке уменьшалась, а уличное освещение делало поездки в ночное время более безопасными, число зрителей растущего числа театров значительно возросло. Спектакли шли дольше, что приводило к большей прибыли и повышению стоимости постановки, и мужчины начали приводить в театр свои семьи. Первым музыкальным театральным произведением, которое было показано более 500 раз подряд, была французская оперетта «Перезвоны Нормандии» в 1878 году (705 представлений). [33] [43] Английская комическая опера переняла многие из успешных идей европейской оперетты, и ни одна из них не была более успешной, чем серия из более чем дюжины продолжительных комических опер Гилберта и Салливана , включая «HMS Pinafore» (1878) и «Микадо» (1885). [39] Они стали сенсацией по обе стороны Атлантики и в Австралии и помогли поднять стандарт того, что считалось успешным шоу. [44] Эти шоу были предназначены для семейной аудитории, что резко контрастировало с рискованными бурлесками, похабными шоу мюзик-холла и французскими опереттами, которые иногда собирали толпу, ищущую менее полезного развлечения. [40] Только несколько музыкальных произведений 19-го века превзошли по показам «Микадо» , например, «Дороти» , которая открылась в 1886 году и установила новый рекорд, показав 931 представление. Влияние Гилберта и Салливана на более поздний музыкальный театр было глубоким, они создали примеры того, как «интегрировать» мюзиклы так, чтобы тексты песен и диалоги развивали связную историю. [45] [46] Их работами восхищались и копировали ранние авторы и композиторы мюзиклов в Британии [47] [48] и Америке. [44] [49]
A Trip to Chinatown (1891) был долгосрочным чемпионом Бродвея (до Irene в 1919 году), пройдя 657 представлений, но показы в Нью-Йорке продолжали быть относительно короткими, за некоторыми исключениями, по сравнению с показами в Лондоне, до 1920-х годов. [33] Гилберт и Салливан были широко пиратскими и также были подражаемы в Нью-Йорке такими постановками, как Robin Hood Реджинальда Де Ковена (1891) и El Capitan Джона Филипа Сузы (1896). A Trip to Coontown (1898) был первой музыкальной комедией, полностью поставленной и исполненной афроамериканцами на Бродвее (в значительной степени вдохновленной рутиной шоу менестрелей ), за которой последовали шоу с оттенком регтайма . Сотни музыкальных комедий были поставлены на Бродвее в 1890-х и начале 20-го века, составленные из песен, написанных в Tin Pan Alley в Нью-Йорке , включая песни Джорджа М. Коэна , который работал над созданием американского стиля, отличного от работ Гилберта и Салливана. Самые успешные нью-йоркские шоу часто сопровождались обширными национальными турами. [50]
Тем временем, мюзиклы захватили лондонскую сцену в веселые девяностые , во главе с продюсером Джорджем Эдвардсом , который понял, что зрители хотят новую альтернативу комическим операм в стиле Савойя и их интеллектуальной, политической, абсурдистской сатире. Он экспериментировал с современным костюмом, семейным музыкальным театральным стилем, с легкими, популярными песнями, острым, романтическим подшучиванием и стильным зрелищем в Gaiety и других своих театрах. Они опирались на традиции комической оперы и использовали элементы бурлеска и пьес Харригана и Харта. Он заменил непристойных женщин бурлеска своим «респектабельным» корпусом Gaiety Girls, чтобы завершить музыкальное и визуальное веселье. Успех первого из них, In Town (1892) и A Gaiety Girl (1893), задал стиль на следующие три десятилетия. Сюжеты были в основном легкими, романтическими шоу типа «бедная дева любит аристократа и побеждает его вопреки всем обстоятельствам» с музыкой Ивана Кэрилла , Сидни Джонса и Лайонела Монктона . Эти шоу сразу же стали широко копироваться в Америке, а эдвардианская музыкальная комедия смела более ранние музыкальные формы комической оперы и оперетты. «Гейша» (1896) была одной из самых успешных в 1890-х годах, она шла более двух лет и достигла большого международного успеха.
The Belle of New York (1898) стал первым американским мюзиклом, который шел в Лондоне более года. Британская музыкальная комедия Florodora (1899) имела большой успех по обе стороны Атлантики, как и A Chinese Honeymoon (1901), который был показан рекордное количество раз — 1074 в Лондоне и 376 в Нью-Йорке. [34] После начала 20-го века Сеймур Хикс объединил усилия с Эдвардсом и американским продюсером Чарльзом Фроманом, чтобы создать еще одно десятилетие популярных шоу. Другие непреходящие хиты эдвардианской музыкальной комедии включают The Arcadians (1909) и The Quaker Girl (1910). [51]
Фактически вытесненные с англоязычной сцены конкуренцией со стороны вездесущих эдвардианских музыкальных комедий, оперетты вернулись в Лондон и на Бродвей в 1907 году с «Веселой вдовой» , а адаптации континентальных оперетт стали прямыми конкурентами мюзиклов. Франц Легар и Оскар Штраус сочинили новые оперетты, которые были популярны на английском языке вплоть до Первой мировой войны. [52] В Америке Виктор Герберт создал ряд непреходящих оперетт, включая «Гадалка» (1898), «Малыши в стране игрушек» (1903), «Мадам Модистка» (1905), «Красная мельница» (1906) и «Непослушная Мариетта» (1910).
В 1910-х годах команда П. Г. Вудхауза , Гая Болтона и Джерома Керна , следуя по стопам Гилберта и Салливана , создала « Шоу театра принцессы » и проложила путь для более поздних работ Керна, показав, что мюзикл может сочетать легкое, популярное развлечение с непрерывностью между его историей и песнями. [45] Историк Джеральд Бордман писал:
Эти шоу построили и отшлифовали шаблон, из которого развились почти все последующие крупные музыкальные комедии. ... Персонажи и ситуации были, в пределах ограничений лицензии музыкальной комедии, правдоподобны, а юмор исходил из ситуаций или характера персонажей. Изящно плавные мелодии Керна использовались для развития действия или развития характера. ... [Эдвардианская] музыкальная комедия часто грешила вставкой песен в манере «наугад». Мюзиклы Princess Theatre внесли изменения в подход. PG Wodehouse, самый наблюдательный, грамотный и остроумный поэт-песенник своего времени, и команда Болтона, Вудхауза и Керна оказали влияние, которое ощущается и по сей день. [53]
Театральная публика нуждалась в развлечениях-эскапистах в темные времена Первой мировой войны , и они стекались в театр. Мюзикл 1919 года «Ирен» был показан 670 раз, что стало рекордом Бродвея, который держался до 1938 года. [54] Британская театральная публика поддерживала гораздо более длительные показы, такие как «Дева гор» (1352 показа) и особенно «Чу Чин Чоу» . Его показ в 2238 показов был более чем в два раза длиннее, чем у любого предыдущего мюзикла, установив рекорд, который продержался почти сорок лет. [55] Даже возрожденная «Опера нищего» держалась на сцене 1463 показа. [56] Ревю, такие как «Бинг-бойз здесь» в Британии, а также ревю Флоренца Зигфельда и его подражателей в Америке, также были необычайно популярны. [37]
Мюзиклы «ревущих двадцатых» , заимствуя из водевиля, мюзик-холла и других легких развлечений, имели тенденцию подчеркивать большие танцевальные номера и популярные песни в ущерб сюжету. Типичными для десятилетия были беззаботные постановки, такие как «Салли» ; «Леди, будь хорошей» ; «Нет, нет, Нанетт» ; «О, Кей!» ; и «Забавная мордашка» . Несмотря на забывающиеся сюжеты, в этих мюзиклах играли такие звезды, как Мэрилин Миллер и Фред Астер , и были созданы десятки популярных песен Керна, Джорджа и Айры Гершвина , Ирвинга Берлина , Коула Портера и Роджерса и Харта . В популярной музыке доминировали стандарты музыкального театра, такие как « Завораживающий ритм », « Чай вдвоем » и « Кто-то, кто присматривает за мной ». Многие шоу представляли собой ревю , серии скетчей и песен, между которыми не было никакой связи. Самыми известными из них были ежегодные Ziegfeld Follies , захватывающие песенно-танцевальные ревю на Бродвее с экстравагантными декорациями, сложными костюмами и красивыми хористками. [23] Эти зрелища также повышали стоимость производства, и постановка мюзикла в целом становилась более дорогой. [37] Shuffle Along (1921), полностью афроамериканское шоу, стало хитом на Бродвее. [57] В 1920-х годах также появилось новое поколение композиторов оперетт, таких как Рудольф Фримл и Зигмунд Ромберг , которые создали серию популярных бродвейских хитов. [58]
В Лондоне стали популярны такие звезды-писатели, как Айвор Новелло и Ноэль Ковард , но главенство британского музыкального театра с 19 века по 1920 год постепенно сменилось американским новаторством, особенно после Первой мировой войны, когда Керн и другие композиторы Tin Pan Alley начали привносить в театры новые музыкальные стили, такие как регтайм и джаз , а братья Шуберт взяли под контроль театры Бродвея. Музыкальный театральный писатель Эндрю Лэмб отмечает: «Оперные и театральные стили социальных структур девятнадцатого века были заменены музыкальным стилем, более подходящим для общества двадцатого века и его народного языка. Именно из Америки появился более прямой стиль, и в Америке он смог процветать в развивающемся обществе, менее скованном традициями девятнадцатого века». [59] Во Франции comédie musicale была написана в первые десятилетия века для таких звезд, как Ивонн Принтемпс . [60]
Продвигаясь далеко за пределы сравнительно легкомысленных мюзиклов и сентиментальных оперетт десятилетия, бродвейский « Шоу-бот» (1927) представлял собой даже более полную интеграцию книги и партитуры, чем мюзиклы театра «Принцесса», с драматическими темами, рассказанными через музыку, диалоги, обстановку и движение. Это было достигнуто путем объединения лиризма музыки Керна с искусным либретто Оскара Хаммерштейна II . Один историк писал: «Здесь мы подходим к совершенно новому жанру — музыкальной пьесе в отличие от музыкальной комедии. Теперь ... все остальное было подчинено этой пьесе. Теперь ... произошла полная интеграция песни, юмора и постановочных номеров в единое и неразрывное художественное целое». [61]
Когда во время пост-бродвейского национального тура Show Boat началась Великая депрессия , публика вернулась к в основном легким, эскапистским развлечениям с песнями и танцами. [53] У зрителей по обе стороны Атлантики было мало денег на развлечения, и только несколько сценических шоу где-либо превысили тираж в 500 представлений в течение десятилетия. В ревю The Band Wagon (1931) в главных ролях были танцевальные партнеры Фред Астер и его сестра Адель , в то время как Anything Goes Портера (1934) подтвердила положение Этель Мерман как первой леди музыкального театра, титул, который она сохраняла в течение многих лет. Ковард и Новелло продолжали ставить старомодные, сентиментальные мюзиклы, такие как «The Dancing Years» , в то время как Роджерс и Харт вернулись из Голливуда, чтобы создать серию успешных бродвейских шоу, включая « On Your Toes» (1936, с Рэем Болджером , первый бродвейский мюзикл, в котором драматически использовался классический танец), «Babes in Arms » (1937) и «The Boys from Syracuse» (1938). Портер добавил «Du Barry Was a Lady» (1939). Самым продолжительным произведением музыкального театра 1930-х годов в США был «Hellzapoppin» (1938), ревю с участием зрителей, которое было сыграно 1404 представления, установив новый рекорд Бродвея. [54] В Великобритании «Me and My Girl» был показан 1646 раз. [56]
Тем не менее, несколько творческих команд начали строить на инновациях Show Boat . Of Thee I Sing (1931), политическая сатира Гершвинов, была первым мюзиклом, удостоенным Пулитцеровской премии . [23] [62] As Thousands Cheer (1933), ревю Ирвинга Берлина и Мосса Харта , в котором каждая песня или скетч были основаны на газетном заголовке, ознаменовало первое бродвейское шоу, в котором афроамериканка Этель Уотерс играла вместе с белыми актерами. Номера Уотерс включали « Supper Time », плач женщины по ее мужу, которого линчевали. [63] В « Порги и Бесс » Гершвинов (1935) был полностью афроамериканский актерский состав и смешивались оперные, фолк и джазовые идиомы. «Колыбель будет качаться » (1937), поставленная Орсоном Уэллсом , была крайне политической пропрофсоюзной пьесой , которая, несмотря на споры вокруг нее, была показана 108 раз. [37] «Я бы лучше был прав» Роджерса и Харта (1937) была политической сатирой с Джорджем М. Коэном в роли президента Франклина Д. Рузвельта , а «Никербокерские каникулы » Курта Вайля изображали раннюю историю Нью-Йорка, добродушно высмеивая благие намерения Рузвельта.
Кинофильмы бросили вызов сцене. Немые фильмы представляли лишь ограниченную конкуренцию, но к концу 1920-х годов такие фильмы, как «Певец джаза» , могли быть представлены с синхронизированным звуком. «Толки» -фильмы по низким ценам фактически убили водевиль к началу 1930-х годов. [64] Несмотря на экономические проблемы 1930-х годов и конкуренцию со стороны кино, мюзикл выжил. Фактически, он продолжал тематически развиваться за пределами шуток и мюзиклов с танцовщицами веселых девяностых и ревущих двадцатых и сентиментальной романтики оперетты, добавляя техническую экспертизу и динамичную постановку и натуралистический стиль диалогов во главе с режиссером Джорджем Эбботом . [23]
1940-е годы начались с большего количества хитов от Портера, Ирвинга Берлина , Роджерса и Харта, Вайля и Гершвина, некоторые из которых были исполнены более 500 раз, поскольку экономика восстанавливалась, но художественные перемены витали в воздухе. « Оклахома! » Роджерса и Хаммерстайна (1943) завершила революцию, начатую «Шоу-ботом» , тесно объединив все аспекты музыкального театра, с помощью связного сюжета, песен, которые способствовали развитию действия истории, и включала балеты сновидений и другие танцы, которые продвигали сюжет и развивали персонажей, а не использовали танец как повод для парада полураздетых женщин по сцене. [3] Роджерс и Хаммерстайн наняли балетного хореографа Агнес де Милль , которая использовала повседневные движения, чтобы помочь персонажам выразить свои идеи. Он бросил вызов музыкальным условностям, подняв занавес в первом акте не перед группой девушек из хора, а перед женщиной, сбивающей масло, с закулисным голосом, поющим вступительные строки Oh, What a Beautiful Mornin' без сопровождения. Он получил восторженные отзывы, вызвал кассовый ажиотаж и получил Пулитцеровскую премию . [65] Брукс Аткинсон написал в The New York Times, что вступительный номер шоу изменил историю музыкального театра: «После такого куплета, спетого под бодрую мелодию, банальности старой музыкальной сцены стали невыносимыми». [66] Это было первое «блокбастерное» бродвейское шоу, состоявшееся в общей сложности 2212 представлений, и по нему был снят хитовый фильм. Он остается одним из наиболее часто выпускаемых проектов команды. Уильям А. Эверетт и Пол Р. Лэрд писали, что это было «шоу, которое, как и «Шоу-бот» , стало важной вехой, так что более поздние историки, пишущие о важных моментах в театре двадцатого века, начали определять эпохи в соответствии с их связью с Оклахомой! ». [67]
«После Oklahoma! Роджерс и Хаммерстайн внесли наибольший вклад в музыкально-игровую форму... Примеры, которые они подали, создавая жизненно важные пьесы, часто насыщенные социальной мыслью, стали необходимым стимулом для других талантливых писателей создавать собственные музыкальные пьесы». [61] Двое соавторов создали необычайную коллекцию некоторых из самых любимых и самых долговечных классических произведений музыкального театра, включая Carousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951) и The Sound of Music (1959). Некоторые из этих мюзиклов затрагивают более серьезные темы, чем большинство более ранних шоу: злодей в Oklahoma! — подозреваемый убийца и психопат; Carousel имеет дело с супружеским насилием, воровством, самоубийством и загробной жизнью; South Pacific исследует смешанные браки даже более подробно, чем Show Boat ; герой The King and I умирает на сцене; а фоном «Звуков музыки» является аннексия Австрии нацистской Германией в 1938 году .
Творчество шоу стимулировало современников Роджерса и Хаммерстайна и возвестило о «Золотом веке» американского музыкального театра. [66] Americana демонстрировалась на Бродвее во время «Золотого века», когда начал появляться цикл шоу военного времени. Примером этого является On the Town (1944), написанный Бетти Комден и Адольфом Грином , сочиненный Леонардом Бернстайном и поставленный Джеромом Роббинсом . История разворачивается во время войны и касается трех моряков, которые находятся в 24-часовом увольнении на берег в Нью-Йорке, во время которого каждый влюбляется. Шоу также создает впечатление страны с неопределенным будущим, как и у моряков и их женщин. Ирвинг Берлин использовал карьеру снайпера Энни Оукли в качестве основы для своего Annie Get Your Gun (1946, 1147 представлений); Бертон Лейн , EY Харбург и Фред Сэйди объединили политическую сатиру с ирландской причудой для своей фэнтезийной постановки Finian's Rainbow (1947, 725 представлений); а Коул Портер черпал вдохновение в пьесе Уильяма Шекспира «Укрощение строптивой» для постановки Kiss Me, Kate (1948, 1077 представлений). Американские мюзиклы превзошли старомодные британские шоу в стиле Coward/Novello, одним из последних крупных успехов которых стала постановка Novello « Perchance to Dream » (1945, 1021 представление). [56] Формула мюзиклов Золотого века отражала одно или несколько из четырех широко распространенных представлений об «американской мечте»: что стабильность и ценность вытекают из любовных отношений, санкционированных и ограниченных протестантскими идеалами брака; что супружеская пара должна создать нравственный дом с детьми вдали от города в пригороде или маленьком городке; что функция женщины — быть домохозяйкой и матерью; и что американцы обладают независимым и новаторским духом или что их успех достигнут ими самими. [68]
1950-е годы имели решающее значение для развития американского мюзикла. [69] Эклектичные персонажи Дэймона Раньона были в основе « Парней и кукол » Фрэнка Лессера и Эйба Берроуза (1950, 1200 представлений); а « Золотая лихорадка» стала местом действия для «Раскрась свой фургон » Алана Джея Лернера и Фредерика Лоу (1951). Относительно короткий семимесячный показ этого шоу не отвратил Лернера и Лоу от дальнейшего сотрудничества, на этот раз над «Моей прекрасной леди» (1956), адаптацией « Пигмалиона » Джорджа Бернарда Шоу с Рексом Харрисоном и Джули Эндрюс в главных ролях , которая с 2717 представлениями удерживала рекорд по продолжительности показов в течение многих лет. Популярные голливудские фильмы были сняты по всем этим мюзиклам. Два хита британских режиссёров этого десятилетия — «Мальчик-друг» (1954), который был показан в Лондоне 2078 раз и ознаменовал американский дебют Эндрюса, и «Салатные дни» (1954), побивший британский рекорд по продолжительности показов — 2283 показа. [56] [55]
Другой рекорд был установлен The Threepenny Opera , которая шла 2707 раз, став самым продолжительным мюзиклом вне Бродвея до The Fantasticks . Постановка также проложила путь, показав, что мюзиклы могут быть прибыльными вне Бродвея в формате небольшого оркестра. Это было подтверждено в 1959 году, когда возрождение « Оставьте это Джейн » Джерома Керна и П. Г. Вудхауза шло более двух лет. Сезон 1959–1960 годов вне Бродвея включал в себя дюжину мюзиклов и ревю, включая Little Mary Sunshine , The Fantasticks и Ernest in Love , музыкальную адаптацию хита Оскара Уайльда 1895 года «Как важно быть серьезным» . [70]
West Side Story (1957) перенесла Ромео и Джульетту в современный Нью-Йорк и превратила враждующие семьи Монтекки и Капулетти в противоборствующие этнические банды, «Самолеты» и «Акулы». Книга была адаптирована Артуром Лорентсом , с музыкой Леонарда Бернстайна и словами новичка Стивена Зондхайма . Она была высоко оценена критиками за свои новаторские идеи в музыке и хореографии [71] [72], но была менее коммерчески успешной, чем The Music Man того же года, написанная и составленная Мередит Уилсон , которая выиграла премию «Тони» за лучший мюзикл в том году. [73] West Side Story получила экранизацию в 1961 году, которая оказалась успешной как у критиков, так и в коммерческом плане. [74] [75] Лорентс и Зондхайм снова объединились для фильма «Цыганка» (1959), а Жюль Стайн написал музыку для истории о Роуз Томпсон Ховик , матери стриптизерши Джипси Роуз Ли .
Хотя режиссеры и хореографы оказывали большое влияние на стиль музыкального театра, по крайней мере, с 19-го века, [76] Джордж Эбботт и его соратники и последователи сыграли центральную роль в полной интеграции движения и танца в постановки музыкального театра в Золотой век. [77] Эбботт представил балет как способ повествования в On Your Toes в 1936 году, за которым последовали балет и хореография Агнес де Милль в Oklahoma!. [ 78] После того, как Эбботт сотрудничал с Джеромом Роббинсом в On the Town и других шоу, Роббинс совмещал роли режиссера и хореографа, подчеркивая силу повествования танца в West Side Story , A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962) и Fiddler on the Roof (1964). Боб Фосс ставил хореографию для Эбботта в «Пижамной игре» (1956) и «Проклятых янки» (1957), привнося в эти хиты игривую сексуальность. Позже он был режиссером-хореографом для «Милой Чарити» (1968), «Пиппин» (1972) и «Чикаго» (1975). Среди других известных режиссеров-хореографов были Гауэр Чемпион , Томми Тьюн , Майкл Беннетт , Джиллиан Линн и Сьюзан Строман . Среди известных режиссеров были Хэл Принс , который также начинал с Эбботтом, [77] и Тревор Нанн . [79]
В Золотой Век автомобильные компании и другие крупные корпорации начали нанимать таланты с Бродвея для написания корпоративных мюзиклов , частных шоу, которые видели только их сотрудники или клиенты. [80] [81] 1950-е годы закончились последним хитом Роджерса и Хаммерстайна « Звуки музыки» , который также стал еще одним хитом Мэри Мартин. Он был показан 1443 раза и разделил премию «Тони» за лучший мюзикл. Вместе с его чрезвычайно успешной киноверсией 1965 года он стал одним из самых популярных мюзиклов в истории.
В 1960 году мюзикл The Fantasticks впервые был поставлен вне Бродвея. Это интимное аллегорическое шоу тихо шло более 40 лет в театре на улице Салливан в Гринвич-Виллидж , став самым продолжительным мюзиклом в истории. Его авторы создали другие новаторские работы в 1960-х годах, такие как Celebration и I Do! I Do!, первый двухактный бродвейский мюзикл. В 1960-х годах вышло несколько блокбастеров, таких как Fiddler on the Roof (1964; 3242 представления), Hello, Dolly! (1964; 2844 представления), Funny Girl (1964; 1348 представлений) и Man of La Mancha (1965; 2328 представлений), а также несколько более рискованных произведений, таких как Cabaret , прежде чем закончиться появлением рок-мюзикла . В Британии Oliver! (1960) был показан 2618 раз, но бессменным лидером десятилетия стал мюзикл «Шоу менестрелей в чёрно-белом» (1962), который был показан 4344 раза. [56] Двое мужчин оказали значительное влияние на историю музыкального театра, начиная с этого десятилетия: Стивен Сондхайм и Джерри Герман .
Первым проектом, для которого Зондхайм написал и музыку, и тексты песен, был A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962, 964 представления), с книгой, основанной на произведениях Плавта Берта Шевелова и Ларри Гелбарта , в главной роли Зеро Мостел . Зондхайм вывел мюзикл за рамки своей концентрации на романтических сюжетах, типичных для более ранних эпох; его работа, как правило, была более мрачной, исследуя более суровые стороны жизни как настоящего, так и прошлого. Другие ранние работы Зондхайма включают Anyone Can Whistle (1964, было сыграно всего девять раз, несмотря на то, что в главных ролях были Ли Ремик и Анджела Лэнсбери ), и успешные Company (1970), Follies (1971) и A Little Night Music (1973). Позднее Зондхайм черпал вдохновение в неожиданных источниках: открытие Японии для западной торговли в «Pacific Overtures» (1976), легендарный кровожадный парикмахер, мстящий в индустриальную эпоху Лондона в «Sweeney Todd» (1979), картины Жоржа Сёра в «Sunday in Park with George» (1984), сказки в « Into the Woods» (1987) и коллекция президентских убийц в «Assassins» (1990).
В то время как некоторые критики утверждали, что некоторым мюзиклам Сондхайма не хватает коммерческой привлекательности, другие хвалили их лирическую изысканность и музыкальную сложность, а также взаимодействие текстов и музыки в его шоу. Некоторые из заметных инноваций Сондхайма включают шоу, представленное в обратном порядке ( Merrily We Roll Along ), и вышеупомянутый Anyone Can Whistle , в котором первый акт заканчивается тем, что актеры сообщают зрителям, что они безумны.
Джерри Герман сыграл значительную роль в американском музыкальном театре, начиная с его первой бродвейской постановки « Молоко и мед» (1961, 563 представления) об основании государства Израиль и продолжая хитами-блокбастерами « Хелло, Долли!» (1964, 2844 представления), «Маме» (1966, 1508 представлений) и «Клетка для чудаков» (1983, 1761 представление). Даже его менее успешные шоу, такие как «Дорогой мир» (1969) и «Мэк и Мейбл» (1974) имели запоминающиеся партитуры ( позднее «Мэк и Мейбл» был переработан в лондонский хит). Написав и слова, и музыку, многие из мелодий шоу Герман стали популярными стандартами, включая « Hello, Dolly! », «We Need a Little Christmas», «I Am What I Am», «Mame», «The Best of Times», «Before the Parade Passes By», «Put On Your Sunday Clothes», «It Only Takes a Moment», «Bosom Buddies» и «I Won't Send Roses», записанные такими артистами, как Луи Армстронг , Эйди Горме , Барбра Стрейзанд , Петула Кларк и Бернадетт Питерс. Песенник Герман стал предметом двух популярных музыкальных ревю, Jerry's Girls (Бродвей, 1985) и Showtune (вне Бродвея, 2003).
Мюзикл начал отклоняться от относительно узких рамок 1950-х годов. Рок-музыка использовалась в нескольких бродвейских мюзиклах, начиная с Hair , в котором была не только рок-музыка, но и нагота, а также спорные мнения о войне во Вьетнаме , расовых отношениях и других социальных проблемах. [82]
После «Шоу-бота» и «Порги и Бесс» , а также по мере того, как в Америке и других странах развивалась борьба за гражданские права меньшинств , Хаммерстайн, Гарольд Арлен , Йип Харбург и другие осмелились написать больше мюзиклов и опер, направленных на нормализацию общественной терпимости к меньшинствам и призывающих к расовой гармонии. Ранние работы Золотого века, сосредоточенные на расовой терпимости, включали «Радугу Финиана» и «Южную часть Тихого океана» . К концу Золотого века несколько шоу затрагивали еврейские темы и проблемы, такие как «Скрипач на крыше» , «Молоко и мед» , «Блиц!» и позже «Тряпки» . Первоначальная концепция, которая стала «Вестсайдской историей», была основана на событиях в Нижнем Ист-Сайде во время празднования Пасхи; соперничающими бандами должны были быть евреи и итальянские католики . Позже творческая группа решила, что польский (белый) против пуэрториканского конфликта был более свежим. [83]
Толерантность как важная тема в мюзиклах сохранилась и в последние десятилетия. Финальное выражение « Вестсайдской истории» оставило сообщение о расовой толерантности. К концу 1960-х годов мюзиклы стали расово интегрированными, и чернокожие и белые актеры даже перекрывали роли друг друга, как в « Волосах» . [84] Гомосексуализм также исследовался в мюзиклах, начиная с «Волос» , и еще более открыто в «Клетке для чудаков» , «Фальсетах» , « Аренде » , «Хедвиг и злосчастный дюйм» и других шоу последних десятилетий. «Парад» — это деликатное исследование как антисемитизма , так и исторического американского расизма, а «Рэгтайм» аналогичным образом исследует опыт иммигрантов и меньшинств в Америке.
После успеха Hair , рок-мюзиклы расцвели в 1970-х годах с Jesus Christ Superstar , Godspell , The Rocky Horror Show , Evita и Two Gentlemen of Verona . Некоторые из них начинались как « концептуальные альбомы », которые затем были адаптированы для сцены, в частности Jesus Christ Superstar и Evita . Другие не имели диалогов или иным образом напоминали оперу, с драматическими, эмоциональными темами; они иногда начинались как концептуальные альбомы и назывались рок-операми . Такие шоу, как Raisin , Dreamgirls , Purlie и The Wiz принесли значительное афроамериканское влияние на Бродвей. Более разнообразные музыкальные жанры и стили были включены в мюзиклы как на Бродвее, так и особенно за его пределами. В то же время Стивен Сондхайм добился успеха с некоторыми из своих мюзиклов, как упоминалось выше.
В 1975 году танцевальный мюзикл A Chorus Line появился из записанных сеансов в стиле групповой терапии, которые Майкл Беннетт проводил с «цыганами» — теми, кто поет и танцует в поддержку ведущих актеров — из сообщества Бродвея. Из сотен часов записей Джеймс Кирквуд-младший и Ник Данте создали книгу о прослушивании для мюзикла, включив в нее множество реальных историй из сеансов; некоторые из тех, кто присутствовал на сеансах, в конечном итоге играли вариации себя или друг друга в шоу. С музыкой Марвина Хэмлиша и словами Эдварда Клебана , A Chorus Line впервые открылся в Public Theater Джозефа Паппа в нижнем Манхэттене. То, что изначально планировалось как ограниченное мероприятие, в конечном итоге переехало в театр Шуберта на Бродвее [85] для пробега в 6137 представлений, став самой продолжительной постановкой в истории Бродвея на тот момент. Шоу завоевало премии «Тони» и Пулитцеровскую премию , а его хит « What I Did for Love » стал стандартом. [86]
Бродвейская публика приветствовала мюзиклы, которые отличались от стиля и содержания золотого века. Джон Кандер и Фред Эбб исследовали подъем нацизма в Германии в «Кабаре» , а убийства и средства массовой информации в «Чикаго» эпохи сухого закона , который опирался на старые водевильные приемы. «Пиппин » Стивена Шварца был установлен во времена Карла Великого . Автобиографический фильм Федерико Феллини «8½» стал «Девятью » Мори Йестона . В конце десятилетия «Эвита» и «Суини Тодд» стали предшественниками более мрачных, высокобюджетных мюзиклов 1980-х годов, которые зависели от драматических историй, размашистых партитур и зрелищных эффектов. В то же время старомодные ценности все еще поддерживались в таких хитах, как «Энни» , «42-я улица» , «Мой единственный » и популярных возрождениях « Нет, нет, Нанетт и Ирен» . Хотя в 1970-х годах было снято много киноверсий мюзиклов, лишь немногие из них имели успех у критиков или кассовых сборов, за исключением «Скрипача на крыше» , «Кабаре» и «Бриолина» . [87]
В 1980-х годах европейские « мегамюзиклы » оказали влияние на Бродвей, Вест-Энд и другие места. Обычно они отличаются поп-музыкой, большим составом актеров, впечатляющими декорациями и спецэффектами — падающей люстрой (в «Призраке Оперы» ); приземляющимся на сцену вертолетом (в «Мисс Сайгон ») — и большими бюджетами. Некоторые из них были основаны на романах или других литературных произведениях. Британская команда композитора Эндрю Ллойда Уэббера и продюсера Кэмерона Макинтоша положила начало мегамюзиклу со своим мюзиклом 1981 года « Кошки» , основанным на стихах Т. С. Элиота , который обогнал «Кордебалет» и стал самым продолжительным бродвейским шоу. Затем Ллойд Уэббер выпустил «Звездный экспресс» (1984), поставленный на роликовых коньках; «Призрак Оперы» (1986; также с Макинтошем), основанный на одноименном романе ; и Sunset Boulevard (1993), из одноименного фильма 1950 года . Phantom превзошёл Cats , став самым продолжительным шоу в истории Бродвея, рекорд, который он удерживает до сих пор. [88] [89] Французская команда Клода-Мишеля Шёнберга и Алена Бублиля написала Les Misérables , основанный на одноимённом романе , чья лондонская постановка 1985 года была спродюсирована Mackintosh и стала, и до сих пор остаётся, самым продолжительным мюзиклом в истории Вест-Энда и Бродвея . Команда выпустила ещё один хит с Miss Saigon (1989), который был вдохновлён оперой Пуччини Madama Butterfly . [88] [89]
Огромные бюджеты мегамюзиклов переопределили ожидания финансового успеха на Бродвее и в Вест-Энде. В более ранние годы шоу могло считаться хитом после нескольких сотен представлений, но с многомиллионными затратами на производство шоу должно идти годами просто для того, чтобы принести прибыль. Мегамюзиклы также воспроизводились в постановках по всему миру, что умножало их потенциальную прибыль и одновременно расширяло глобальную аудиторию музыкального театра. [89]
.jpg/1280px-Audra_McDonald_(1).jpg)
В 1990-х годах появилось новое поколение театральных композиторов, включая Джейсона Роберта Брауна и Майкла Джона ЛаКьюзу , которые начинали с постановок вне Бродвея. Самым заметным успехом этих артистов стало шоу Джонатана Ларсона Rent (1996), рок-мюзикл (основанный на опере La bohème ) о борющемся сообществе художников в Манхэттене. В то время как стоимость билетов на мюзиклы Бродвея и Вест-Энда росла и выходила за рамки бюджета многих театралов, Rent был прорекламирован, чтобы повысить популярность мюзиклов среди молодой аудитории. В нем был молодой актерский состав и сильное влияние рока; мюзикл стал хитом. Его молодые поклонники, многие из которых были студентами, называвшими себя RENTheads], разбили лагерь в театре Nederlander в надежде выиграть в лотерею билеты в первый ряд за 20 долларов, и некоторые смотрели шоу десятки раз. Другие шоу на Бродвее последовали примеру Rent , предлагая большие скидки на билеты в день представления или на стоячие места, хотя часто скидки предоставляются только студентам. [90]
В 1990-х годах также наблюдалось влияние крупных корпораций на производство мюзиклов. Наиболее важной была Disney Theatrical Productions , которая начала адаптировать некоторые анимационные мюзиклы Disney для сцены, начиная с «Красавицы и чудовища» (1994), «Короля Льва» (1997) и «Аиды» (2000), последние два с музыкой Элтона Джона . «Король Лев» — самый кассовый мюзикл в истории Бродвея. [91] «Томми» (1993), театральная адаптация рок-оперы «Томми» , добилась солидного тиража в 899 представлений, но была раскритикована за очистку истории и «мюзиклизацию» рок-музыки. [92]
Несмотря на растущее число крупномасштабных мюзиклов в 1980-х и 1990-х годах, ряду малобюджетных, менее масштабных мюзиклов удалось обрести критический и финансовый успех, например, Falsettoland , Little Shop of Horrors , Bat Boy: The Musical и Blood Brothers , который был показан 10 013 раз. [93] Темы этих произведений сильно различаются, а музыка варьируется от рока до поп-музыки, но они часто ставятся вне Бродвея или для небольших лондонских театров, и некоторые из этих постановок считаются творческими и новаторскими. [94]
В новом веке, известность была принята продюсерами и инвесторами, стремящимися гарантировать, что они окупят свои значительные инвестиции. Некоторые рискнули (обычно со скромным бюджетом) на новом и креативном материале, таком как Urinetown (2001), Avenue Q (2003), The Light in the Piazza (2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2008), Next to Normal (2009), American Idiot (2010) и The Book of Mormon (2011). Hamilton (2015) превратил «недодраматизированную американскую историю» в необычный хит в стиле хип-хопа. [95] В 2011 году Сондхайм утверждал, что из всех форм «современной поп-музыки» рэп был «ближе всего к традиционному музыкальному театру» и был «одним из путей в будущее». [96]
Однако большинство крупных постановок 21-го века выбрали безопасный путь, возрождая знакомые произведения, такие как «Скрипач на крыше» , «Кордебалет» , «Южно-Тихоокеанский регион» , «Цыганка» , « Волосы» , «Вестсайдская история» и «Бриолин» , или адаптируя другие проверенные материалы, такие как литература ( «Алый первоцвет» , «Злая и веселая домашняя история »), надеясь, что в результате у шоу будет своя аудитория. Эта тенденция особенно устойчива в экранизациях, включая «Продюсеры» , «Спамалот » , «Лак для волос» , «Блондинка в законе » , «Цветы лиловые полей» , «Ксанаду» , «Билли Эллиот» , «Шрек» , «Официантка» и «День сурка» . [97] Некоторые критики утверждают, что повторное использование сюжетов фильмов, особенно от Диснея (таких как «Мэри Поппинс» и «Русалочка» ), приравнивает мюзиклы Бродвея и Вест-Энда к туристической достопримечательности, а не к творческому выходу. [37]
Сегодня менее вероятно, что единственный продюсер, такой как Дэвид Меррик или Кэмерон Макинтош , поддерживает постановку. Корпоративные спонсоры доминируют на Бродвее, и часто формируются альянсы для постановки мюзиклов, которые требуют инвестиций в размере 10 миллионов долларов или более. В 2002 году в титрах Thoroughly Modern Millie было указано десять продюсеров, и среди этих имен были организации, состоящие из нескольких человек. [98] Обычно внебродвейские и региональные театры, как правило, выпускают мюзиклы меньшего размера и, следовательно, менее дорогие, и разработка новых мюзиклов все чаще происходит за пределами Нью-Йорка и Лондона или на небольших площадках. Например, Spring Awakening , Fun Home и Hamilton были разработаны вне Бродвея, прежде чем были запущены на Бродвее.
Несколько мюзиклов вернулись к формату зрелища, который был так успешен в 1980-х годах, напоминая феерии , которые время от времени представлялись на протяжении всей истории театра, с тех пор как древние римляне устраивали имитацию морских сражений. Примерами служат музыкальные адаптации « Властелина колец» (2007), «Унесенных ветром» (2008) и «Человека-паука: Выключи тьму» (2011). В этих мюзиклах участвовали авторы песен с небольшим театральным опытом, а дорогостоящие постановки, как правило, терпели убытки. Напротив, «Сонный шаперон » , «Авеню Q» , «25-й ежегодный конкурс орфографии округа Патнэм» , «Занаду» и «Веселый дом» , среди прочих, были представлены в постановках меньшего масштаба, в основном без перерыва, с коротким временем показа и пользовались финансовым успехом. В 2013 году журнал Time сообщил, что внебродвейской тенденцией стал «погружающий» театр, ссылаясь на такие шоу, как «Наташа, Пьер и Великая комета 1812 года» (2012) и «Здесь таится любовь» (2013), в которых постановка происходит вокруг и внутри зрителей. [99] Шоу установили совместный рекорд, каждое из них получило 11 номинаций на премию Люсиль Лортел , [100] и включает в себя современную музыку. [101] [102]
В 2013 году Синди Лаупер стала «первой женщиной-композитором, которая выиграла [Тони] за лучшую музыку без соавтора-мужчины» за написание музыки и текстов песен для Kinky Boots . В 2015 году впервые женская команда авторов , Лиза Крон и Жанин Тесори , выиграла премию Тони за лучшую оригинальную музыку (и лучшую книгу для Крон) за Fun Home , [103] хотя работы авторов-мужчин по-прежнему выпускаются чаще. [104]
Другой тенденцией стало создание минимального сюжета, чтобы соответствовать коллекции песен, которые уже были хитами. После более раннего успеха Buddy – The Buddy Holly Story , к ним относятся Movin' Out (2002, основанный на мелодиях Билли Джоэла ), Jersey Boys (2006, The Four Seasons ), Rock of Ages (2009, с участием классического рока 1980-х годов), Thriller – Live (2009, Майкл Джексон ) и многие другие. Этот стиль часто называют « мюзиклом-музыкантом ». [105] Похожие, но более сюжетно-ориентированные мюзиклы были построены вокруг канона конкретной поп-группы, включая Mamma Mia! (1999, основанный на песнях ABBA ), Our House (2002, основанный на песнях Madness ) и We Will Rock You (2002, основанный на песнях Queen ).
Мюзиклы с живыми актерами были почти мертвы в 1980-х и начале 1990-х годов, за исключением Victor/Victoria , Little Shop of Horrors и фильма 1996 года Evita . [106] В новом веке Баз Лурманн начал возрождение мюзикла с Moulin Rouge! (2001). За этим последовали Chicago (2002); Phantom of the Opera (2004); Rent (2005); Dreamgirls (2006); Hairspray , Enchanted и Sweeney Todd (все в 2007); Mamma Mia! (2008); Nine (2009); «Отверженные» и «Идеальный голос» (оба в 2012 году), «Чем дальше в лес» , «Последние пять лет » (2014 год), «Ла-Ла Ленд» (2016 год), «Величайший шоумен» (2017 год), «Звезда родилась » и «Мэри Поппинс возвращается» (оба в 2018 году), «Рокетмен» (2019 год) и «На высотах » и версия «Вестсайдской истории» Стивена Спилберга (оба в 2021 году) и другие. «Гринч — похититель Рождества!» (2000 год) и «Кот в шляпе» (2003 год) доктора Сьюза превратили детские книги в мюзиклы с живыми актерами. После огромного успеха Disney и других домов с анимационными фильмами-мюзиклами, начиная с «Русалочки» в 1989 году и продолжавшимися в течение 1990-х годов (включая несколько фильмов для взрослых, таких как «Южный парк: большой, длиннее и необрезанный » (1999)), в первом десятилетии 21-го века было выпущено меньше анимационных фильмов-мюзиклов. [106] Жанр вернулся, начиная с 2010 года с фильмами «Рапунцель: Запутанная история» (2010), «Рио» (2011) и «Холодное сердце » (2013). В Азии Индия продолжает выпускать многочисленные «Болливудские» фильмы-мюзиклы, а Япония выпускает «Аниме» и «Манга» фильмы-мюзиклы.
В 1990-х годах были популярны телевизионные музыкальные фильмы, такие как «Цыганка» (1993), «Золушка» (1997) и «Энни» (1999). Несколько телевизионных мюзиклов, снятых в первом десятилетии 21-го века, были адаптациями сценической версии, такие как «Юг Тихого океана» (2001), «Музыкант» (2003) и «Однажды на матрасе» (2005), а также телевизионная версия мюзикла « Блондинка в законе» в 2007 году. Кроме того, несколько мюзиклов были сняты на сцене и транслировались по Общественному телевидению, например, «Контакт» в 2002 году и «Поцелуй меня, Кейт и Оклахома!» в 2003 году. Телевизионный мюзикл « Классный мюзикл» (2006) и его несколько сиквелов пользовались особым успехом и были адаптированы для сценических мюзиклов и других медиа.
В 2013 году NBC начала серию прямых телевизионных трансляций мюзиклов с The Sound of Music Live! [107] Хотя постановка получила смешанные отзывы, она имела успех в рейтингах. [108] Дальнейшие трансляции включали Peter Pan Live! (NBC 2014), The Wiz Live! (NBC 2015), [109] трансляция в Великобритании, The Sound of Music Live ( ITV 2015) [110] Grease: Live ( Fox 2016), [111] [112] Hairspray Live! (NBC, 2016), A Christmas Story Live! (Fox, 2017), [113] и Rent: Live (Fox 2019). [114]
Некоторые телешоу ставят эпизоды в качестве мюзикла. Примерами служат эпизоды Элли Макбил , Зена: Королева воинов («The Bitter Suite» и «Lyre, Lyre, Heart's On Fire»), Ясновидец (« Psych: The Musical »), Баффи — истребительница вампиров (« Once More, with Feeling »), That's So Raven , Дарья , Лаборатория Декстера , Суперкрошки , Флэш , Однажды в сказке , Страна Оз , Клиника (один эпизод был написан создателями Avenue Q ), Бэтмен: Отважный и смелый ( «Mayhem of the Music Meister» ) и Шоу 70-х (100-й эпизод, « That '70s Musical »). Другие включали сцены, где персонажи внезапно начинают петь и танцевать в стиле музыкального театра во время эпизода, например, в нескольких эпизодах «Симпсонов» , «Студии 30» , «Ханны Монтаны» , «Южного парка» , « Закусочной Боба» и «Гриффинов» . [115] Телесериалы, которые широко использовали музыкальный формат, включают «Полицейский рок» , «Полет Конкордов» , «Хор» , «Крушение» и «Чокнутая бывшая» .
Также были мюзиклы, созданные для Интернета, в том числе «Доктор Ужасный: Песенный блог» о низкопробном суперзлодее, которого играет Нил Патрик Харрис . Он был написан во время забастовки сценаристов WGA . [116] С 2006 года реалити-шоу использовались для продвижения музыкальных возрождений, проводя конкурс талантов для подбора (обычно женских) главных ролей. Примерами этого являются « Как решить проблему, как у Марии?» , «Бриолин: Ты тот, кого я хочу!» , «Любая мечта сбудется » , «Блондинка в законе: Мюзикл — поиск Элли Вудс» , «Я бы сделал что угодно» и «По радуге» . В 2021 году «Шмигадун!» был пародией на мюзиклы Золотого века 1940-х и 1950-х годов и данью им. [117]
Пандемия COVID-19 привела к закрытию театров и театральных фестивалей по всему миру в начале 2020 года, включая все театры Бродвея [118] и Вест-Энда. [119] Многие учреждения исполнительских искусств попытались адаптироваться или сократить свои потери, предлагая новые (или расширенные) цифровые услуги. В частности, это привело к онлайн-трансляции ранее записанных выступлений многих компаний, [120] [121] [122], а также к индивидуальным краудсорсинговым проектам. [123] [124] Например, Sydney Theatre Company поручила актерам снимать себя дома, обсуждая, а затем исполняя монолог одного из персонажей, которого они ранее играли на сцене. [125] Актеры мюзиклов, таких как Hamilton и Mamma Mia!, объединились в Zoom-звонках, чтобы развлечь отдельных лиц и публику. [126] [127] Некоторые выступления транслировались в прямом эфире или проводились на открытом воздухе или другими «социально дистанцированными» способами, иногда позволяя зрителям взаимодействовать с актерами. [128] Радиотеатральные фестивали транслировались. [129] Были созданы виртуальные и даже краудсорсинговые мюзиклы, такие как мюзикл «Рататуй» . [130] [131] Экранизации крупных мюзиклов, таких как «Гамильтон» , были выпущены на потоковых платформах. [132] Эндрю Ллойд Уэббер выкладывал записи своих мюзиклов на YouTube. [133]
Из-за закрытий и потери продаж билетов многие театральные компании оказались в финансовой опасности. Некоторые правительства предложили чрезвычайную помощь искусству. [134] [135] [136] Некоторые рынки музыкальных театров начали открываться рывками к началу 2021 года, [137] при этом театры Вест-Энда отложили свое открытие с июня на июль, [138] а Бродвей начал работу в сентябре. [139] Однако в течение 2021 года всплески пандемии привели к закрытию некоторых рынков даже после их открытия. [140] [141]
США и Великобритания были наиболее активными источниками книжных мюзиклов с 19-го века и до большей части 20-го века (хотя Европа производила различные формы популярной легкой оперы и оперетты, например, испанскую сарсуэлу , в этот период и даже раньше). Однако легкая музыкальная сцена в других странах стала более активной в последние десятилетия.
Мюзиклы из других англоязычных стран (особенно Австралии и Канады) часто имеют успех на местном уровне и иногда даже достигают Бродвея или Вест-Энда (например, The Boy from Oz и The Drowsy Chaperone ). В Южной Африке есть активная музыкальная театральная сцена с ревю, такими как African Footprint и Umoja , и книжными мюзиклами, такими как Kat and the Kings и Sarafina!, гастролирующими по всему миру. На местном уровне были успешно поставлены мюзиклы, такие как Vere , Love and Green Onions , Over the Rainbow: the all-new all-gay... extravaganza и Bangbroek Mountain и In Briefs – a queer little Musical .
Среди успешных мюзиклов континентальной Европы можно отметить шоу из (среди прочих стран) Германии ( «Эликсир» и «Людвиг II» ), Австрии ( «Бал вампиров» , «Елизавета » , «Моцарт!» и «Ребекка» ), Чехии (« Дракула » ), Франции ( «Стармания» , «Собор Парижской Богоматери» , «Отверженные» , «Ромео и Джульетта» и «Моцарт, рок-опера» ) и Испании ( «Но я не могу подняться» и «Мюзикл «Санчо Панса »).
Япония недавно увидела рост местной формы музыкального театра, как анимированного, так и живого действия, в основном основанного на аниме и манге , например, «Служба доставки Кики» и «Тэнимю» . Популярная метасерия «Сейлор Мун» имела двадцать девять мюзиклов «Сейлор Мун» , охватывающих тринадцать лет. Начиная с 1914 года, серия популярных ревю была представлена полностью женским Takarazuka Revue , в котором в настоящее время выступают пять трупп. В других местах Азии индийский болливудский мюзикл, в основном в форме кинофильмов, пользуется огромным успехом. [142]
Начиная с тура 2002 года «Отверженных» , различные западные мюзиклы были импортированы в материковый Китай и поставлены на английском языке. [143] Попытки локализовать западные постановки в Китае начались в 2008 году, когда «Слава» была поставлена на китайском языке с полным китайским составом в Центральной академии драмы в Пекине. [144] С тех пор другие западные постановки были поставлены в Китае на китайском языке с китайским составом. Первой китайской постановкой в стиле западного музыкального театра была «Золотой песок» в 2005 году. [143] Кроме того, Ли Дунь, известный китайский продюсер, поставил «Бабочки» , основанные на классической китайской любовной трагедии, в 2007 году, а также « Любовь к Терезе» в 2011 году. [143]
Мюзиклы часто представляют любительские и школьные группы в церквях, школах и других местах для выступлений. [145] [146] Хотя любительский театр существует уже много веков, даже в Новом Свете, [147] Франсуа Селье и Каннингем Бриджмен писали в 1914 году, что до конца 19 века к актерам-любителям профессионалы относились с презрением. После создания любительских трупп Гилберта и Салливана, получивших лицензию на исполнение опер Савойи , профессионалы признали, что любительские общества «поддерживают культуру музыки и драмы. Теперь они приняты как полезные учебные школы для законной сцены, и из рядов добровольцев вышло много современных фаворитов». [148] Национальная оперная и драматическая ассоциация была основана в Великобритании в 1899 году. В 1914 году она сообщила, что в том году в Великобритании около 200 любительских драматических обществ ставили произведения Гилберта и Салливана. [148] Аналогично, в начале 20 века в США было основано более 100 любительских театров. Это число выросло до примерно 18 000 в США. [147] Ассоциация образовательных театров в США насчитывает около 5 000 школ-членов. [149]
Бродвейская лига объявила, что в сезоне 2007–08 гг. было куплено 12,27 млн билетов на бродвейские шоу на общую сумму продаж почти в миллиард долларов. [150] Лига также сообщила, что в сезоне 2006–07 гг. приблизительно 65% билетов на Бродвей были куплены туристами, и что иностранные туристы составляли 16% посетителей. [151] Общество лондонского театра сообщило, что 2007 год установил рекорд посещаемости в Лондоне. Общее количество посетителей в основных коммерческих и субсидируемых театрах в Центральном Лондоне составило 13,6 млн, а общая выручка от продажи билетов составила 469,7 млн фунтов стерлингов. [152] Международная сцена мюзиклов становится все более активной в последние десятилетия. Тем не менее, Стивен Сондхайм прокомментировал в 2000 году:
На Бродвее есть два вида шоу – возобновления и одни и те же мюзиклы снова и снова, все зрелища. Вы покупаете билеты на «Короля Льва» за год вперед, и по сути семья... передает своим детям идею, что это и есть театр – захватывающий мюзикл, который вы видите раз в год, сценическая версия фильма. Это вообще не имеет ничего общего с театром. Это связано с тем, чтобы видеть то, что знакомо. ... Я не думаю, что театр умрет как таковой , но он никогда не будет тем, чем был. ... Это туристическая достопримечательность». [153]
Однако, отмечая успех оригинальных материалов и творческих переосмыслений фильмов, пьес и литературы в последние десятилетия, историк театра Джон Кенрик возразил:
Мюзикл мертв? ... Абсолютно нет! Меняется? Всегда! Мюзикл меняется с тех пор, как Оффенбах сделал свою первую переработку в 1850-х годах. И изменение - самый явный признак того, что мюзикл все еще живой, развивающийся жанр. Вернемся ли мы когда-нибудь к так называемому «золотому веку», когда мюзиклы будут в центре популярной культуры? Вероятно, нет. Общественный вкус претерпел фундаментальные изменения, и коммерческое искусство может течь только там, где позволяет платящая публика. [37]
