Различные типы изобразительного искусства развивались в географической области, которая сейчас известна как Мексика. Развитие этих искусств примерно следует истории Мексики , разделенной на доиспанскую мезоамериканскую эпоху, колониальный период с периодом после мексиканской войны за независимость , развитие мексиканской национальной идентичности через искусство в девятнадцатом веке и расцвет современного мексиканского искусства после мексиканской революции (1910-1920).
Мезоамериканское искусство — это то, что создавалось в области, которая охватывает большую часть того, что сейчас является центральной и южной Мексикой, до испанского завоевания империи ацтеков в течение примерно 3000 лет из мексиканского искусства может быть ярким и красочным, это называется encopended. В это время все влияния на производство искусства были коренными, причем искусство было тесно связано с религией и правящим классом. Не было практически никакого реального различия между искусством, архитектурой и письмом. Испанское завоевание привело к 300 годам испанского колониального правления, и производство искусства оставалось связанным с религией — большая часть искусства была связана со строительством и украшением церквей, но светское искусство распространилось в восемнадцатом веке, особенно картины casta , портретная живопись и историческая живопись. Почти все созданное искусство было в европейской традиции, художники поздней колониальной эпохи обучались в Академии Сан-Карлоса , но коренные элементы сохранились, положив начало непрерывному балансированию между европейскими и коренными традициями. [1]
После обретения независимости искусство оставалось в значительной степени европейским по стилю, но темы коренных народов появились в крупных работах, поскольку либеральная Мексика стремилась отличить себя от своего испанского колониального прошлого. Это предпочтение элементам коренных народов продолжалось и в первой половине 20-го века, с движением социального реализма или мексиканского мурализма во главе с такими художниками, как Диего Ривера , Давид Альфаро Сикейрос , Хосе Клементе Ороско и Фернандо Леаль , которым правительство после Мексиканской революции поручило создать визуальное повествование об истории и культуре Мексики.
Сила этого художественного движения была такова, что оно повлияло на недавно изобретенные технологии, такие как фотография и кино, и активно продвигало народное искусство и ремесла как часть идентичности Мексики. С 1950-х годов мексиканское искусство отошло от стиля мурализма и стало более глобализированным, интегрируя элементы из Азии, а мексиканские художники и режиссеры оказали влияние на мировую сцену. Мексиканское искусство используется по-разному, некоторые из них включают украшение домов или горшков для денег или славы.
Считается, что старейшее наскальное искусство на американском континенте, возраст которого составляет 7500 лет, найдено в пещере на полуострове Нижняя Калифорния. [2]
Доиспанское искусство Мексики принадлежит к культурному региону, известному как Мезоамерика , который примерно соответствует центральной Мексике в Центральной Америке , [3] охватывая три тысячи лет с 1500 г. до н. э. по 1500 г. н. э., обычно делится на три эпохи: доклассическую, классическую и постклассическую. [4] Первой доминирующей мезоамериканской культурой была культура ольмеков , которая достигла своего пика около 1200 г. до н. э. Ольмеки создали многое из того, что ассоциируется с Мезоамерикой, например, иероглифическое письмо , календарь , первые достижения в астрономии, монументальную скульптуру ( ольмекские головы ) и нефритовые изделия. [5]
Они были предшественниками более поздних культур, таких как Теотиуакан , к северу от Мехико, сапотеки в Оахаке и майя на юге Мексики, Белизе и Гватемале . В то время как империи возвышались и распадались, основные культурные основы Мезоамерики оставались неизменными до испанского завоевания империи ацтеков . [5] К ним относятся города, сосредоточенные на площадях, храмы, обычно построенные на пирамидальных основаниях, мезоамериканские площадки для игры в мяч и в основном общая космология. [3]
Хотя такие формы искусства, как наскальные рисунки и наскальные рисунки, появились раньше, известная история мексиканского искусства начинается с мезоамериканского искусства, созданного оседлыми культурами, которые строили города и часто доминионы. [4] [5] Хотя искусство Мезоамерики более разнообразно и охватывает более длительный период времени, чем где-либо еще в Америке, художественные стили демонстрируют ряд сходств. [6] [7]
В отличие от современного западного искусства, почти все мезоамериканское искусство было создано для обслуживания религиозных или политических нужд, а не как искусство ради искусства. Оно прочно основано на природе, окружающей политической реальности и богах. [8] Октавио Пас утверждает, что «мезоамериканское искусство — это логика форм, линий и объемов, которая в то же время является космологией». Он продолжает утверждать, что этот фокус на пространстве и времени сильно отличается от европейского натурализма, основанного на изображении человеческого тела. Даже простые конструкции, такие как ступенчатые лады на зданиях, попадают в это изображение пространства и времени, жизни и богов. [9]
Искусство выражалось на различных носителях, таких как керамика, бумага амате и архитектура. [7] Большая часть того, что известно о мезоамериканском искусстве, исходит из работ, которые охватывают каменные здания и керамику, в основном картины и рельефы. [6] Керамика датируется ранним мезоамериканским периодом. Вероятно, они изначально были сосудами для приготовления пищи и хранения, но затем были адаптированы для ритуальных и декоративных целей. Керамика украшалась формовкой, царапанием, росписью и различными методами обжига. [8]
Самым ранним известным чисто художественным производством были небольшие керамические фигурки, которые появились в районе Теуакан около 1500 г. до н. э. и распространились в Веракрус , долину Мехико , Герреро , Оахаку , Чьяпас и на тихоокеанское побережье Гватемалы. [4] Самыми ранними из них были в основном женские фигурки, вероятно, связанные с обрядами плодородия из-за их часто слишком больших бедер и ягодиц, а также некоторое количество с младенцами на руках или кормящими грудью. Когда появляются мужские фигуры, они чаще всего являются солдатами. [10] Производство этих керамических фигурок, которые позже будут включать животных и другие формы, оставалось важной формой искусства в течение 2000 лет. В ранний ольмекский период большинство из них были небольшими, но крупные керамические скульптуры производились размером до 55 см. [11] [12]
После середины доклассического периода керамическая скульптура пришла в упадок в центральной Мексике, за исключением региона Чупикуаро . В районах майя это искусство исчезает в конце доклассического периода, чтобы вновь появиться в классическом, в основном в форме свистков и других музыкальных инструментов. В некоторых районах, таких как части Веракруса, создание керамических фигур продолжалось непрерывно до испанского завоевания, но как ремесло, а не формальное искусство. [13]
Мезоамериканская живопись встречается в различных проявлениях — от фресок до создания кодексов и росписи керамических предметов. Свидетельства о живописи восходят по крайней мере к 1800 г. до н. э. и продолжаются непрерывно в той или иной форме до прибытия испанцев в 16 веке. [14] Хотя это могло произойти и раньше, самые ранние известные случаи художественной росписи монументальных зданий относятся к раннему классическому периоду у майя в Уашактуне и Тикале , а также в Теотиуакане со стенами, расписанными в разные цвета. [4]
Краски изготавливались из животных, растительных и минеральных пигментов и основ. [15] Большинство картин фокусируются на одной или нескольких человеческих фигурах, которые могут быть реалистичными или стилизованными, мужскими, женскими или бесполыми. Они могут быть обнаженными или богато одетыми, но социальный статус каждой фигуры каким-то образом обозначен. Сцены часто изображают войну, жертвоприношение, роли богов или деяния знати. Однако были найдены и некоторые общие сцены с простыми людьми. [16] Другие сюжеты включали богов, символы и животных. [15] Мезоамериканская живопись была двумерной, без попыток создать иллюзию глубины. Однако движение часто изображается. [17]
Некерамическая скульптура в Мезоамерике началась с модификации костей животных, причем старейшим известным произведением является череп животного из Текискьяка , который датируется периодом между 10 000 и 8 000 годами до н. э. [10] Большая часть мезоамериканской скульптуры сделана из камня; в то время как рельефная работа на зданиях является наиболее доминирующей, отдельно стоящая скульптура также была сделана. Отдельно стоящая трехмерная каменная скульптура началась с ольмеков, самым известным примером являются гигантские каменные головы ольмеков . Это исчезло на оставшуюся часть мезоамериканского периода в пользу рельефной работы до позднего постклассического периода с ацтеками . [18]
Большая часть каменной кладки в мезоамериканский период связана с монументальной архитектурой, которая, наряду с настенной живописью, считалась неотъемлемой частью архитектуры, а не отдельной. [19] Монументальная архитектура началась с ольмеков в южном Веракрусе и прибрежной зоне Табаско в таких местах, как Сан-Лоренцо; большие храмы на пирамидальных основаниях все еще можно увидеть в таких местах, как Монтенегро, Чьяпа-де-Корсо и Ла-Вента . Эта практика распространилась на район Оахаки и долину Мехико , появившись в таких городах, как Монте-Альбан , Куикуилько и Теотиуакан . [4] [20]
Эти города имели ядро из одной или нескольких площадей с храмами, дворцами и мезоамериканскими площадками для игры в мяч . Выравнивание этих сооружений основывалось на сторонах света и астрономии для церемониальных целей, таких как фокусировка солнечных лучей во время весеннего равноденствия на скульптурном или нарисованном изображении. Это, как правило, было связано с календарными системами. [21] Рельефная скульптура и/или живопись создавались по мере строительства сооружений. К последнему доклассическому периоду почти все монументальные сооружения в Мезоамерике имели обширную рельефную работу. Некоторые из лучших примеров этого — Монте-Альбан, Теотиуакан и Тула . [22]
Доиспанские рельефы в целом линейны по дизайну, и можно найти низкие, средние и высокие рельефы. Хотя эта техника часто используется для повествовательных сцен в других частях мира, мезоамериканские рельефы, как правило, фокусируются на одной фигуре. Единственный раз, когда рельефы используются в повествовательном смысле, это когда несколько рельефных стел размещаются вместе. Лучшие рельефные работы принадлежат майя, особенно из Яшчилана . [23]
Письмо и искусство не были разделены, как это было в европейских культурах. Письмо считалось искусством, а искусство часто скрывалось за письмом. [9] Причина этого в том, что оба стремились записывать историю и интерпретацию реальности культурой. (salvatvolp14) Рукописи писались на бумаге или других материалах, похожих на книги, а затем объединялись в кодексы . [24] Искусство чтения и письма было строго предназначено для высших классов жрецов, поскольку эта способность была источником их власти над обществом. [14] [17]
Пиктограммы или глифы этой системы письма были более формальными и жесткими, чем изображения, найденные на фресках и других формах искусства, поскольку они считались в основном символическими, представляющими формулы, связанные с астрономическими событиями, генеалогией и историческими событиями. [17] Большинство сохранившихся доиспанских кодексов относятся к позднему мезоамериканскому периоду и раннему колониальному периоду, поскольку большинство из них избежало уничтожения в течение истории. По этой причине об империи ацтеков известно больше, чем о культурах майя. [15] [24] Важные ацтекские кодексы включают группу Борджиа , в основном религиозные работы, некоторые из которых, вероятно, предшествовали завоеванию, Кодекс Бурбоникус , Кодекс Мендоса и поздний Флорентийский кодекс , который выполнен в европейском стиле, но выполнен мексиканскими художниками, вероятно, опираясь на более ранний материал, который теперь утерян.
Важные музейные коллекции Мексики включают коллекции Национального музея антропологии и Музея Диего Риверы Анауакалли , оба в Мехико , а также провинциальных музеев.
.JPG/1280px-Mask_(Mexico,_State_of_Veracruz,_900-500_B.C.).JPG)
Со времени испанского завоевания империи ацтеков мексиканское искусство представляло собой непрерывное и сложное взаимодействие традиций Европы и местных взглядов. [6]
Строительство церквей После завоевания первые усилия испанцев были направлены на евангелизацию и связанную с этим задачу строительства церквей, для чего требовалась местная рабочая сила для основного строительства, но они, науа, разработали каменную кладку снаружи и украсили церковные интерьеры. Местные мастера обучались европейским мотивам, дизайнам и техникам, но очень ранние работы, называемые tequitqui ( на науатле «вассал»), включают такие элементы, как плоские лица и высокий жесткий рельеф. [25] [26] Испанские монахи, руководившие строительством, не были обученными архитекторами или инженерами. Они полагались на местных каменщиков и скульпторов для строительства церквей и других христианских сооружений, часто в тех же местах, что и храмы и святыни традиционной религии. «Хотя некоторые индейцы жаловались на бремя, которое представлял собой такой труд, большинство общин считали большую и впечатляющую церковь отражением важности своего города и справедливо гордились созданием священного места для божественного поклонения». [27] Тот факт, что так много церквей колониальной эпохи сохранились на протяжении столетий, свидетельствует об их общем хорошем качестве строительства.
Первые монастыри, построенные в Мехико и его окрестностях, такие как монастыри на склонах Попокатепетля , имели элементы эпохи Возрождения , Платереско , Готики или Мавританского стиля или их комбинацию. Они были относительно неукрашенными, а усилия по строительству были направлены больше на высокие стены и крепостные элементы для отражения атак. [28] Строительство более сложных церквей с большим количеством религиозных произведений искусства определило большую часть художественного продукта колониального периода. Большая часть производства была связана с обучением и укреплением церковной доктрины, как и в Европе. Религиозное искусство заложило основу для испанского господства над коренным населением. Сегодня сооружения и другие работы колониальной эпохи существуют по всей стране, с концентрацией в центральных нагорьях вокруг Мехико . [29]
Работа с перьями была высоко ценимым навыком доиспанской центральной Мексики, которая продолжалась и в раннюю колониальную эпоху. Испанцы были очарованы этой формой искусства, и местные мастера по работе с перьями ( амантека ) создавали религиозные изображения в этой среде, в основном небольшие «картины», а также религиозные облачения. [30] [31]
Коренные письмена Индейцы продолжали создавать письменные рукописи в раннюю колониальную эпоху, особенно кодексы в районе Науа в центральной Мексике. Важной ранней рукописью, которая была заказана для испанской короны, была Codex Mendoza , названная в честь первого вице-короля Мексики, Дона Антонио де Мендосы , в которой показана дань, доставленная правителю ацтеков из отдельных городов, а также описания надлежащего поведения для простых людей. Гораздо более сложным проектом с использованием иллюстраций коренных писцов является проект, результатом которого стал Флорентийский кодекс под руководством францисканца Бернардино де Саагуна . Другие коренные рукописи в колониальную эпоху включают Huexotzinco Codex и Codex Osuna.
Важным типом рукописей раннего периода были иллюстрированные и текстовые истории испанского завоевания ацтеков с точки зрения коренных народов. Ранний Льенсо де Тлакскала иллюстрировал вклад, который тлашкальские союзники испанцев внесли в разгром империи ацтеков, а также Эрнана Кортеса и его культурного переводчика Доньи Марины ( Малинче ).
Живопись Большинство художников-науа, создающих это визуальное искусство, анонимны. Исключением является работа Хуана Герсона, который около 1560 года украсил свод францисканской церкви в городе науа Текамачалко (штат Пуэбла) отдельными сценами из Ветхого Завета. [32]
В то время как колониальное искусство оставалось почти полностью европейским по стилю, с приглушенными цветами и без признаков движения, добавление местных элементов, которое началось с текитки, продолжалось. Они никогда не были центром работ, но декоративными мотивами и наполнителем, такими как местная листва, ананасы, кукуруза и какао . [33] Многое из этого можно увидеть на порталах, а также на больших фресках, которые часто украшали интерьер церквей и стены монастырских зон, закрытых для публики. [34]
Самые ранние художники колониальной эпохи в Мексике были испанского происхождения, приехавшими в Мексику в середине своей карьеры. Среди них были нищенствующие монахи, такие как Фрай Алонсо Лопес де Эррера. Позже большинство художников родились в Мексике, но обучались европейским техникам, часто по импортным гравюрам. Эта зависимость от импортных копий означала, что мексиканские работы сохраняли стили после того, как они выходили из моды в Европе. [6] В колониальный период художники работали в гильдиях, а не независимо. У каждой гильдии были свои правила, предписания и требования в технике, что не поощряло инновации. [35]
Важные музейные коллекции включают коллекции Музея Соумайя и Национального музея Сан-Карлоса , оба в Мехико.
.JPG/1280px-Geistliche_Schatzkammer_Wien_(2).JPG)
Барочная живопись прочно обосновалась в Мексике к середине XVII века благодаря работам испанца Себастьяна Лопеса де Артеаги. Его живопись представлена полотном под названием « Фома неверующий» 1643 года. В этой работе апостол Фома изображен вставляющим палец в рану на боку Христа, чтобы подчеркнуть страдания Христа. Подпись ниже гласит: «Слово стало плотью» и является примером дидактической цели барокко. [34]
Одно из различий между художниками Мексики и их европейскими коллегами заключается в том, что они предпочитали реалистичную прямоту и ясность фантастическим цветам, удлиненным пропорциям и экстремальным пространственным отношениям. Целью было создание реалистичной сцены, в которой зритель мог бы представить себя частью. Это был стиль, созданный Караваджо в Италии, который стал популярен среди художников в Севилье , откуда многие мигранты приехали в Новую Испанию. [34] Аналогичным образом, свободно стоящие скульптуры в стиле барокко имеют масштаб в натуральную величину, реалистичные оттенки кожи и имитацию золотых нитей одежды с помощью техники, называемой estofado , нанесение краски на листовое золото. [34]
Наиболее важным более поздним влиянием на мексиканских и других художников Латинской Америки было творчество фламандского художника Питера Пауля Рубенса , известного по копиям, сделанным с гравюр и в технике меццо-тинто . Его картины копировались и перерабатывались и стали стандартом как для религиозного, так и для светского искусства. [34] Позднее барочная живопись переместилась из пределов алтарных образов в колоссальные отдельно стоящие полотна в церковных интерьерах. Одним из самых известных мексиканских художников этого рода работ был Кристобаль де Вильяльпандо . Его работы можно увидеть в ризнице собора Мехико, которая была создана между 1684 и 1686 годами. Эти холсты были наклеены прямо на стены с арочными рамами для их стабилизации и размещены прямо под сводами потолка. Даже фресковая работа 16-го века обычно не была такой большой. [34] Еще одна работа Вильяльпандо — купол собора Пуэбла 1688 года. Он использовал технику кисти Рубенса и форму конструкции, чтобы создать композицию облаков с ангелами и святыми, из которых спускается голубь, представляющий Святого Духа. Свет из окон купола призван символизировать Божью благодать. [34] Хуан Родригес Хуарес (1675–1728) и художник-мулат Хуан Корреа (1646–1716) также были выдающимися художниками эпохи барокко. Самый известный ученик Корреа, Хосе де Ибарра (1685–1756), также был смешанной расы. [ требуется цитата ] Один из лучших художников Мексики, Мигель Кабрера (1695–1768), вероятно, был смешанной расы. [36]
Церковь создала самые важные работы семнадцатого века. Среди важных художников были Бальтасар де Эчаве Ибия и его сын Бальтасар Эчаве Риоха, а также Луис Хуарес и его сын Хосе Хуарес, Хуан Корреа , Кристобаль де Вильяльпандо , Родриго де ла Пьедра, Антонио де Сантандер, Поло Бернардино, Хуан де Вильялобос, Хуан Сальгеро и Хуан де Эррера. Хуан Корреа работал с 1671 по 1716 год и достиг большого престижа и репутации за качество своего дизайна и масштаб некоторых из своих работ. Среди наиболее известных: «Апокалипсис в соборе Мехико», «Обращение Святой Марии Магдалины», ныне находящаяся в «Пинакотеке Виррейналь», и «Санта-Катарина и изгнание Адама и Евы из рая», последняя находится в Национальном музее вице-королевства Тепоцотлан . [ 37]
Колониальное религиозное искусство спонсировалось церковными властями и частными покровителями. Спонсирование богатого убранства церквей было способом для богатых обрести престиж. [29] В XVI, XVII и XVIII веках Мехико был одним из самых богатых в мире, в основном за счет добычи полезных ископаемых и сельского хозяйства, и мог поддерживать большую художественную сцену. [38]
Начиная с семнадцатого века, Дева Мария Гваделупская все чаще становилась объектом для религиозных художников. Хуан Корреа и его ателье создали множество таких изображений. Все больше внимания уделялось точности изображения по отношению к оригиналу, и Корреа создал восковой шаблон, чтобы гарантировать правильность каждой детали. Гваделупе стала центром патриотизма криолло, ее вмешательство было призвано в катастрофических событиях, а затем отображено в искусстве. [39]
В Новой Испании, как и в остальной части Нового Света , с семнадцатого века, особенно в восемнадцатом веке, портрет стал важной частью художественного репертуара. В обществе, характеризующемся глубоким религиозным чувством, которое было пропитано, неудивительно, что многие портреты отражали моральные добродетели и благочестие модели. [40]
В то время как большинство заказываемых произведений искусства предназначалось для церквей, заказы делались и на светские произведения. Портретная живопись была известна сравнительно рано в колониальный период, в основном вице-королей и архиепископов, а также завоевателя Эрнана Кортеса . Портреты королевских и церковных чиновников были приближены к внешности модели и выставлялись в их официальных местах. Они часто включали их гербы. На портрете Кортеса шестнадцатого века завоеватель изображен с жезлом, мечом и доспехами, «символизирующими политическую и военную мощь, но сброшенные перчатка, шлем и перчатка показывают, что его воинская деятельность завершена». [41] Портреты вице-королей и духовных лиц часто изображались в богатой одежде и с письменными принадлежностями, вместе с их гербами, указывающими на их генеалогию и высокое положение, а также с книгами и письменными принадлежностями. В Мексике сохранилось мало изображений королевских чиновников до XVIII века, возможно, потому, что беспорядки 1696 года уничтожили портретную галерею во дворце вице-королевы. [42]
Начиная с конца семнадцатого века портретная живопись местной элиты стала значимым жанром. Особенно важно то, что женщины были изображены впервые, начиная с восемнадцатого века. Эти работы следовали европейским образцам, с символами ранга и титулов, либо демонстрируемыми неприкрепленными на внешних частях, либо вплетенными в другой элемент картин, такой как занавески. [34] Элитные женщины были одеты в богато вышитые и украшенные платья, обычно из шелка и кружева, с драгоценностями и другими украшениями. Многие были изображены с веерами в руках. В отличие от их коллег-мужчин в элитном обществе, показывающих свой статус и власть, портреты женщин были идеализированными изображениями женственности с символами женственности. [43] Подвидом их жанра были портреты монахинь, когда они впервые исповедовались, одетые в сложную одежду, соответствующую торжественному шагу, который они предпринимали, вступая в монастырь. Ярким примером является портрет сестры Марии Игнасии де ла Сангре де Кристо работы Хосе де Альсибара с церемониальной короной, вышитыми одеждами и другими атрибутами. Посмертный портрет сестры Хуаны Инес де ла Крус, известной в свое время, кисти Мигеля Кабреры, в ее монастырской келье, окруженной книгами, отличается от большинства портретов монахинь, написанных с натуры или сразу после смерти. Существует также ряд посмертных портретов монахинь.
Существует довольно много семейных групповых портретов с религиозной тематикой, заказанных, чтобы показать набожность семьи, но также как способ продемонстрировать богатство семьи. Хосеп Антонио де Айяла был выдающимся художником, который известен картиной «Семья Долины у подножия Богоматери Лорето » (ок. 1769 г.). Эта религиозная картина была заказана для детей семьи дель Валле в память о его родителях и является характерной для живописи этого века. [44] Богоматерь Лорето занимает центральное место в композиции, с застывшими фигурами членов семьи, одетых в изысканные одежды. Мужчины одеты в модную одежду той эпохи, а глава семьи одета в вышитое и кружевное платье вместе с жемчугом. Дочери изображены в одеянии монахинь-концепционистов, с эскудос де монхас , религиозными картинами, надетыми на их груди. На картине есть надпись с информацией о ее заказе и родителях, а также о том, что она висела в часовне семейной гасиенды. Картина является проявлением благочестия и богатства. Существуют такие групповые картины с различными центральными религиозными фигурами. [45]
Двумя известными художниками-портретистами, братьями конца семнадцатого и начала восемнадцатого века, являются Хуан Родригес Хуарес и Николас. Некоторые другие выдающиеся художники этого периода: Кристобаль де Вильяльпандо , Хуан Корреа , Хосе де Ибарра , Джозеф Мора, Франсиско Мартинес, Мигель Кабрера , Андрес Лопес и Николас Энрикес.
В XVIII веке художники все чаще использовали латинскую фразу pinxit Mexici (написано в Мексике) на своих работах, предназначенных для европейского рынка, как знак гордости за свою художественную традицию. [46]
Начиная с семнадцатого века художники начали создавать полотна и биомбо на исторические темы, включая завоевание Мексики и воображаемые сцены событий с участием мексиканского народа науа. [ необходима цитата ] Также важной была историческая картина Хосе де Паэса, изображающая разрушение францисканской миссии Сан-Саба команчами .
Картины с видами Мехико появились в XVII веке, наиболее известна картина Кристобаля де Вильяльпандо «Пласа Майор в Мехико», около 1696 года, на которой изображен ущерб, нанесенный вице-королевскому дворцу во время кукурузного бунта 1692 года. На ней также изображен рынок Париан, где продавались предметы роскоши. Рынок Париан также был темой как минимум еще одной картины.
Другой тип светского колониального жанра называется живописью каста , относящейся к изображению расовой иерархии в расовом отношении в Новой Испании восемнадцатого века . Некоторые из них, вероятно, были заказаны испанскими функционерами в качестве сувениров из Мексики. Ряд художников той эпохи создавали картины каста, включая Мигеля Кабреру , Хосе де Ибарру , Хуана Патрисио Морлете Руиса , Франсиско Клаперу и Луиса де Мену , но большинство картин каста не подписаны. Ибарра, Морлете и, возможно, Кабрера были представителями смешанной расы и родились за пределами Мехико. [47] Единственная известная картина каста Мены связывает Деву Марию Гваделупскую и систему каста, а также изображения фруктов и овощей и сцен повседневной жизни в Мексике середины восемнадцатого века. Это один из наиболее воспроизводимых примеров картин каста, один из немногих, которые показывают систему каста на одном холсте, а не на 16 отдельных картинах. Он уникален тем, что объединяет совершенно светский жанр живописи каста с изображением Девы Марии Гваделупской. [48] Производство этих картин прекратилось после завершения Мексиканской войны за независимость в 1821 году , когда в независимой Мексике были отменены юридические расовые категории. До празднования 500-летия плавания Колумба в 1492 году картины каста не представляли особого интереса, даже для историков искусства, но ученые начали систематически изучать их как жанр. [49] [50] Набор картин каста был включен в «Описание королевства Новая Испания » Педро Алонсо О'Крули , опубликованное в переводе в 1972 году. [51] а затем были включены в первый крупный каталог картин каста, опубликованный в 1989 году. [52]
Биомбо или складные ширмы стали популярны среди элиты в семнадцатом веке. Большие и предназначенные для показа в общественных и частных комнатах элитных домов, они имели разнообразную тематику, начиная от картин исторических событий, реальных или воображаемых, аллегорических представлений и сцен из повседневной жизни в Мексике. Мексика была перекрестком торговли в колониальный период, где товары из Азии и Европы смешивались с товарами местного производства. Это сближение наиболее очевидно в декоративном искусстве Новой Испании. [38] Среди высших классов было популярно иметь главную общественную комнату, называемую salon de estrado , которая была покрыта коврами и подушками, чтобы женщины могли откинуться в мавританской манере. Табуреты, а позже стулья и диваны были добавлены для мужчин. Начиная с семнадцатого века, когда Манильский галеон регулярно плавал из Филиппин в тихоокеанский порт Акапулько , складные ширмы или биомбо (от японского byo-bu или «защита от ветра») были среди предметов роскоши, привозимых из Азии. Известно, что они были привезены к 1610 году и впоследствии производились мексиканскими художниками и ремесленниками в семнадцатом и восемнадцатом веках. Они были модными мексиканскими элитами на самом высоком уровне, и некоторые из них отправлялись в Европу. Большинство, по-видимому, производились на месте, в Мексике.
Хуан Корреа создал несколько в конце семнадцатого века, один из которых изображал встречу Эрнана Кортеса и Монтесумы в 1519 году , которая могла изображать более текущие события традиционного индейского танца ( mitote ), исполняемого на празднике Тела Христова, символизируя покорность коренных народов испанскому правлению и христианству. Кортес представлен как «как светский, так и религиозный герой», в то время как Монтесума на церемониальных носилках имеет «убранство римского императора», изображая встречу равных. [53] Другой был аллегорическим, под названием « Четыре континента » (около 1683 г.), показывая Европу, Америку, Азию и Африку с Европой и Азией в центре и Америкой и Африкой по обоим концам. [54] [55] Самые ранние из этих мексиканских экранов имели восточный дизайн, но более поздние имели европейские и мексиканские мотивы. Одним из примеров этого является экран неизвестного художника, на одной стороне которого изображено завоевание Мексики, а на другой — вид с воздуха на улицы и здания центра Мехико, но без людей. Сейчас он находится в Музее Франца Майера . [38] Другой экран — местная сцена индейской свадьбы, на ногах которой на веревках подвешены воладоресы («летуны»).
Последним художественным учреждением колониальной эпохи, основанным в 1783 году , была Академия Сан-Карлос. [56] Хотя изображение святых поглощало большую часть художественных усилий, оно не обходилось без политических последствий. Самым важным из них был рост культа Девы Марии Гваделупской как американской, а не европейской святой, представляющей особую идентичность. [57]
Корона способствовала утверждению в Мексике неоклассического стиля искусства и архитектуры, который стал популярным в Испании. Этот стиль был переосмыслением греко-римских отсылок, и его использование было способом укрепить европейское господство в испанских колониях. Одним из неоклассических художников Академии в конце колониального периода был Мануэль Толса . Сначала он преподавал скульптуру в Академии Сан-Карлос , а затем стал ее вторым директором. Толса спроектировал ряд неоклассических зданий в Мексике, но его самая известная работа — конный статус короля Карла IV из бронзы, отлитый в 1803 году и первоначально помещенный в Сокало . По состоянию на 2011 год его можно увидеть в Национальном музее искусств . [56]
К концу XVIII века испанские колонии стали культурно независимыми от Испании, включая ее искусство. Академия была основана испанской короной , чтобы восстановить контроль над художественным выражением и распространяемыми ею сообщениями. В этой школе работали испанские художники по каждой из основных дисциплин, а первым директором был Антонио Хиль. [56] Школа стала домом для ряда гипсовых слепков классических статуй из Академии изящных искусств Сан-Фернандо в Испании, привезенных туда для учебных целей. Эти слепки выставлены в центральном патио Академии. [58] Академия Сан-Карлоса сохранилась и в Мексике после обретения независимости.
.svg/1280px-Flag_of_Mexico_(1823-1864,_1867-1893).svg.png)
Художники эпохи независимости Мексики (1810–21) создали работы, изображающие героев повстанческого движения. Портрет светского священнослужителя Хосе Марии Морелоса в военной форме был написан неизвестным художником, традиционно приписываемым коренным жителям. [59] Портрет типичен для портретов конца восемнадцатого века, с элементами обрамления, официальной подписью и новыми элементами иконографии зарождающегося мексиканского национализма, включая орла на вершине кактуса нопаль, который стал центральным изображением для мексиканского флага. [60] Морелос был объектом заказа на статую, с Педро Патиньо Икстолинка , который обучался в Академии Сан-Карлоса и оставался важным скульптором в эпоху независимости. [61]
Академия Сан-Карлос оставалась центром академической живописи и самым престижным художественным учреждением в Мексике до Мексиканской войны за независимость , во время которой она была закрыта. [62] Несмотря на свою связь с испанской короной и европейской традицией живописи, Академия была вновь открыта новым правительством после того, как Мексика обрела полную независимость в 1821 году. Ее бывшие испанские преподаватели и студенты либо погибли во время войны, либо вернулись в Испанию, но когда она вновь открылась, она привлекла лучших студентов-художников страны и продолжала подчеркивать классические европейские традиции до начала 20-го века. [62] [63] Академия была переименована в Национальную академию Сан-Карлос. Новое правительство продолжало отдавать предпочтение неоклассицизму , поскольку считало барокко символом колониализма. Неоклассический стиль продолжал пользоваться популярностью во время правления Максимилиана I, хотя президент Бенито Хуарес поддерживал его неохотно, считая его европейскую направленность пережитком колониализма. [58]
Несмотря на связь неоклассицизма с европейским господством, он оставался любимым мексиканским правительством после обретения независимости и использовался в крупных правительственных заказах в конце века. Однако в картинах и скульптурах появились индейские мотивы. Одной из индейских фигур, изображенных в неоклассическом стиле, является Тлауиколе , созданная каталонским художником Мануэлем Виларом в 1851 году.
Для этого изменения предпочитаемой темы было две причины. Первая заключалась в том, что мексиканское общество принижало колониальную культуру — прошлое коренных народов рассматривалось как более истинно мексиканское. [38] Другим фактором было всемирное движение среди художников, направленное на противостояние обществу, которое началось около 1830 года. В Мексике это антисистемное настроение было направлено на Академию Сан-Карлос и ее европейскую направленность. [64]
В первой половине XIX века романтический стиль живописи был привнесен в Мексику и остальную часть Латинской Америки иностранными путешественниками, интересующимися новой независимой страной. Одним из них был баварский художник Иоганн Мориц Ругендас , который жил в стране с 1831 по 1834 год. Он писал сцены с динамичной композицией и яркими цветами в соответствии с романтическим стилем, ища поразительные, возвышенные и прекрасные образы в Мексике, а также в других областях Латинской Америки. Однако большая часть работ Ругендаса представляет собой наброски для крупных полотен, многие из которых так и не были выполнены. Другие включают англичанина Дэниела Эгертона , который писал пейзажи в британской романтической традиции, и немца Карла Небеля , который в первую очередь создавал литографии различных социальных и этнических групп страны. [65]
Ряд местных художников в то время последовали за европейскими художниками-романтиками в их желании задокументировать различные культуры Мексики. Этих художников называли costumbristas , слово, происходящее от costumbre (обычай). Стили этих художников не всегда были строго романтическими, включая и другие стили. Большинство этих художников были из высших классов и получили образование в Европе. В то время как европейские художники рассматривали предметы как экзотические, costumbristas имели более националистическое чувство своих родных стран. Одним из этих художников был Агустин Арриета из Пуэблы, который применял реалистичные техники к сценам из своего родного города, запечатлевая его ярко расписанные плитки и керамику. Его сцены часто включали повседневную жизнь, например, женщин, работающих на кухне, и изображали чернокожих и афро-мексиканских торговцев. [66]
В середине-конце XIX века латиноамериканские академии начали отходить от строгого неоклассицизма к « академическому реализму ». Идеализированные и упрощенные изображения стали более реалистичными, с акцентом на деталях. Сцены в этом стиле чаще всего представляли собой портреты высших классов, библейские сцены и сражения — особенно из периода Независимости. Когда Академия Сан-Карлоса была вновь открыта после короткого закрытия в 1843 году, ее новые испанские и итальянские преподаватели продвигали этот реалистический стиль. Несмотря на государственную поддержку и националистические темы, местные художники, как правило, были обделены в пользу европейцев. [67]
,_de_Pelegr%C3%AD_Clav%C3%A9_i_Roquer.jpg/1280px-El_bon_samarit%C3%A0_(1838),_de_Pelegr%C3%AD_Clav%C3%A9_i_Roquer.jpg)
Одним из самых важных художников Мексики середины XIX века был каталонец Пелегри Клаве , который писал пейзажи, но больше всего был известен своими изображениями интеллектуальной элиты Мехико. Художники-реалисты также пытались изобразить культуру и людей ацтеков, изображая обстановку, населенную коренными народами, используя живых местных моделей и костюмы, основанные на кодексах эпохи завоевания. Одним из них был Феликс Парра , чьи изображения завоевания сопереживали страданиям коренных народов. В 1869 году Хосе Обрегон написал «Открытие Пульке »; он основывал свои изображения архитектуры на кодексах миштеков , но неверно представлял храмы как обстановку для трона. [67]
Искусство 19 века после обретения независимости считается пришедшим в упадок, особенно в конце 19 века и начале 20 века во время режима Порфирио Диаса (1876–1911). Хотя в это время живопись, скульптура и декоративно-прикладное искусство часто ограничивались подражанием европейским стилям, [68] появление молодых художников, таких как Диего Ривера и Сатурнино Эрран , усилило внимание к работам на мексиканскую тематику. Это означало, что после военной фазы Мексиканской революции в 1920-х годах мексиканские художники добились огромных успехов, выковывая прочный художественный национализм.
В этом столетии есть примеры фресок, таких как фольклорный стиль, созданные между 1855 и 1867 годами в Ла-Барке, Халиско. [69]
Основные моменты в это время: Пелегрин Клаве, Хуан Кордеро , Фелипе Сантьяго Гутьеррес и Хосе Агустин Арриета. В Мексике в 1846 году он был нанят, чтобы руководить повторным открытием Пелегрином Клаве Академии Сан-Карлос, органа, в котором он продвигал исторические и ландшафтные темы с проевропейским видением. [70]
.png/1280px-Vicente_Guerrero_(1865).png)
Во второй половине девятнадцатого века во многих мексиканских городах, особенно в столице, возводились памятники историческим событиям. Одним из первых был памятник Христофору Колумбу на широкой Пасео-де-ла-Реформа , заказанный Антонио Эскандоном, который разбогател на строительстве железной дороги Мехико-Веракрус. Эскандон «решил увековечить эпоху железной дороги в Мексике памятником столь же эпохальному событию — Открытию Нового Света». [71] Во время Порфириато (1876-1910) Пасео-де-ла-Реформа стал ключевым местом для демонстрации статуй мексиканским героям, а кольцевые транспортные развязки ( glorietas ) заняли особое почетное место. [72] В 1887 году Порфирио Диас заказал статую последнего императора ацтеков Куаутемока , которую можно увидеть на Пасео-де-ла-Реформа . Куаутемок изображен в плаще, похожем на тогу, с перьевым головным убором, похожим на этрусского или троянского воина, а не на ацтекского императора. В основании есть элементы, напоминающие архитектуру Митлы и Рима. Это основание содержит бронзовые пластины, изображающие сцены испанского завоевания, но с акцентом на коренных фигурах. [63] Скромный обелиск в память о Niños Héroes , кадетах, которые погибли, защищая свой пост во время захвата США Мехико во время мексикано-американской войны (1847), был возведен в 1884 году. Гораздо больший обелиск был построен в середине двадцатого века у входа в парк Чапультепек. Вероятно, самым известным памятником той эпохи является Монумент Независимости , часто называемый «Ангелом независимости» за его крылатую победу. Он был заказан к столетию независимости в 1910 году и открыт Порфирио Диасом во время празднеств в сентябре 1910 года.
Академия Сан-Карлос продолжала отстаивать классический, европейский стиль обучения до 1913 года. В этом году академия была частично объединена с Национальным автономным университетом Мексики (UNAM). Между 1929 и 1950 годами программа по архитектуре академии была отделена как факультет университета; программы по живописи, скульптуре и гравюре были переименованы в Национальную школу экспрессивных искусств, теперь Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP). Обе переехали на юг города в середине 20-го века, в Ciudad Universitaria и Xochimilco соответственно, оставив только некоторые программы аспирантуры по изобразительному искусству в первоначальном здании академии в историческом центре . ENAP остается одним из главных центров обучения художников Мексики. [58]
Хотя сдвиг в сторону более коренных и мексиканских тем появился в 19 веке, Мексиканская революция с 1910 по 1920 год оказала драматическое влияние на мексиканское искусство. [58] [62] Конфликт привел к подъему Partido Revolucionario Nacional (переименованной в Partido Revolucionario Institucional ), которая направила страну в социалистическом направлении. Правительство стало союзником многих интеллектуалов и художников в Мехико [33] [38] и заказало фрески для общественных зданий, чтобы усилить свои политические послания, включая те, которые подчеркивали мексиканские, а не европейские темы. Они не были созданы для популярных или коммерческих вкусов; однако они получили признание не только в Мексике, но и в Соединенных Штатах. [73] «Великие мексиканские художники-монументалисты послереволюционного периода с помощью живописной фрески разработали концепцию «публичного искусства», искусства, которое должно было быть видно массам в крупных общественных зданиях того времени, и которое нельзя было бы легко купить и перевезти куда-либо еще, как это было со станковой живописью». [74]
Это производство искусства в сочетании с правительственной пропагандой известно как Мексиканская модернистская школа или Мексиканское движение муралистов, и оно переопределило искусство в Мексике. [75] Октавио Пас отдает должное Хосе Васконселосу за инициирование движения муралистов в Мексике, поручив самым известным художникам в 1921 году украсить стены общественных зданий. Заказы были политически мотивированы — они стремились прославить Мексиканскую революцию и переопределить мексиканский народ буквально «лицом к лицу (с)» своим коренным и испанским прошлым. [76]
Первые из этих заказных картин были в Сан-Ильдефонсо, выполнены Фернандо Леалем, Фермином Ревуэльтасом , Давидом Альфаро Сикейросом и Диего Риверой . Первая настоящая фреска в здании была работой Жана Шарло . Однако при создании этих фресок были допущены технические ошибки: некоторые из них начали пузыриться и были покрыты воском для сохранности. [77] Роберто Монтенегро расписал бывшую церковь и монастырь Сан-Педро-и-Сан-Пабло , но фреска в церкви была написана темперой и начала шелушиться. В монастырской зоне Монтенегро написал Праздник Святого Креста, на котором Васконселос изображен как покровитель муралистов. Позже Васконселос был закрашен, а поверх него была нарисована фигура женщины. [78]
Первым главным героем в производстве современных фресок в Мексике был доктор Атл . Доктор Атл родился под именем «Жерар Мурильо» в Гвадалахаре в 1875 году. Он изменил свое имя, чтобы идентифицировать себя как мексиканца. Атл работал над продвижением народного искусства и ремесел Мексики . Хотя он имел некоторый успех как художник в Гвадалахаре, его радикальные идеи против академии и правительства побудили его переехать в более либеральный Мехико. В 1910 году, за несколько месяцев до начала Мексиканской революции , Атл нарисовал первую современную фреску в Мексике. Он научил крупных художников следовать за ним, включая тех, кто стал доминировать в мексиканской фресковой живописи. [68]
Движение муралистов достигло своего пика в 1930-х годах с четырьмя главными протагонистами: Диего Риверой , Давидом Альфаро Сикейросом , Хосе Клементе Ороско и Фернандо Леалем. Это наиболее изученная часть истории искусства Мексики. [33] [38] [79] Все они были художниками, обученными классическим европейским техникам, и многие из их ранних работ являются имитациями модных тогда европейских стилей живописи, некоторые из которых были адаптированы к мексиканским темам. [6] [75] Политическая ситуация в Мексике с 1920-х по 1950-е годы и влияние доктора Атля побудили этих художников порвать с европейскими традициями, используя смелые местные образы, много цвета и изображения человеческой деятельности, особенно масс, в отличие от торжественного и отстраненного искусства Европы. [33]
Предпочтительные среды, как правило, исключали традиционные холсты и церковные портики, а вместо этого были большие, тогда не украшенные стены правительственных зданий Мексики. Главной целью многих из этих картин было прославление доиспанского прошлого Мексики как определение мексиканской идентичности. [33] Они имели успех как в Мексике, так и в Соединенных Штатах, что принесло им славу и богатство, а также мексиканских и американских студентов. [73]
Эти художники-монументалисты возродили технику фрески для своих настенных работ, хотя Сикейрос перешел к промышленным технологиям и материалам, таким как нанесение пироксилина , коммерческой эмали, используемой для самолетов и автомобилей. [33] Одной из самых ранних работ Риверы по росписи был двор Министерства образования с серией танцующих техуанас (уроженцев Теуантепека на юге Мексики). Этот четырехлетний проект продолжил включать другие современные темы коренных народов, и в конечном итоге он охватил 124 фрески, которые простирались на три этажа в высоту и два городских квартала в длину. [33] Рынок Абелардо Родригеса был расписан в 1933 году учениками Диего Риверы, одним из которых был Исаму Ногучи . [80]
Другой важной фигурой этого периода времени была Фрида Кало , жена Диего Риверы. Хотя она писала холсты вместо фресок, она по-прежнему считается частью мексиканской модернистской школы, поскольку ее работы подчеркивали мексиканскую народную культуру и цвета. [33] [81] Автопортреты Кало в 1930-х и 40-х годах резко контрастировали с роскошными фресками, которые создавали в то время такие художники, как ее муж. Пострадав в раннем подростковом возрасте в автобусной аварии, она начала бросать вызов одержимости Мексики женским телом. Ее портреты, намеренно небольшие, затрагивали широкий круг тем, которые не затрагивались в мейнстримном мире искусства в то время. К ним относились материнство, домашнее насилие и мужской эгоизм.
На ее картинах никогда не было персонажей, одетых в роскошные драгоценности или нарядную одежду, как на картинах муралистов. Вместо этого она скудно одевалась, а когда были аксессуары, это придавало им еще большую значимость. Она также изображала себя в очень сюрреалистических, тревожных ситуациях, как в «Двух Фридах» , где она изображает две версии себя, одну с разбитым сердцем и одну со здоровым, вливающим в разбитое сердце «надежную» кровь, или в больнице Генри Форда, где она изображает себя, делающую аборт, и борьбу, которую она вела в реальной жизни, пытаясь с этим смириться.
Хотя она была женой Диего Риверы, ее автопортреты оставались довольно скрытыми от глаз общественности вплоть до ее смерти в 1954 году. Ее искусство стало пользоваться все большей популярностью, и многие считают ее одной из самых ранних и влиятельных художниц-феминисток 20-го века. [82]
Первым, кто порвал с националистическим и политическим тоном движения муралистов, был Руфино Тамайо . По этой причине его впервые оценили за пределами Мексики. [83] Тамайо был современником Риверы, Сикейроса и Ороско и обучался в Escuela Nacional de Bellas Artes. Как и они, он исследовал мексиканскую идентичность в своих работах после Мексиканской революции. Однако он отверг политический социальный реализм, популяризированный тремя другими художниками, и был отвергнут новым истеблишментом. [84]
Он уехал в Нью-Йорк в 1926 году, где успех позволил ему выставляться в родной Мексике. Его отсутствие поддержки послереволюционного правительства было спорным. Из-за этого он в основном оставался в Нью-Йорке, продолжая свой успех там, а затем и в Европе. Его соперничество с тремя основными мексиканскими муралистами продолжалось как в Мексике, так и на международном уровне в течение 1950-х годов. Даже запоздалое почетное звание «Четвертый великий» было спорным. [84]
Несмотря на сохранение активной национальной художественной сцены, мексиканским художникам после периода мурализма было трудно пробиться на международный рынок искусства. Одной из причин этого является то, что в Америке Мехико был заменен Нью-Йорком в качестве центра художественного сообщества, особенно для покровительства. [85] В Мексике государственное спонсирование искусства в 20 веке (до 2000 года доминировало в партии PRI) означало, что религиозные темы и критика правительства фактически подвергались цензуре. Это было в основном пассивно, поскольку правительство предоставляло гранты художникам, которые соответствовали его требованиям. [86] В 1940-х годах Вольфганг Паален издавал чрезвычайно влиятельный журнал DYN в Мехико, который фокусировался на переходном движении от сюрреализма к абстрактному экспрессионизму. Фумико Накашима, японская художница, живет в Мексике, в основном работая над сюрреалистическими работами в акварели.
В 1953 году открылся Музей экспериментального искусства «Эль Эко » (в Мехико), созданный Матиасом Герицем .
Первым крупным движением после муралистов было Движение Разрыва , которое началось в 1950-х и 1960-х годах с такими художниками, как Хосе Луис Куевас , Хильберто Наварро, Рафаэль Коронель , Альфредо Касанеда и скульптором Хуаном Сориано . Они отвергли социальный реализм и национализм и включили сюрреализм, визуальные парадоксы и элементы стилей живописи Старого Света. [81] [87] Этот разрыв означал, что более поздние мексиканские художники в целом не были под влиянием мурализма или мексиканского народного искусства. [81]
Хосе Луис Куевас создал автопортреты, в которых он реконструировал сцены из известных картин испанских художников, таких как Диего Веласкес , Франсиско де Гойя и Пикассо . Как и Кало до него, он рисовал себя, но вместо того, чтобы быть в центре, его изображение часто находилось сбоку, как наблюдатель. Целью было подчеркнуть трансформацию полученной визуальной культуры. [88]
Другой важной фигурой в этот период времени был швейцарец-мексиканец Гюнтер Герцо , но его работа была «жестким вариантом» [ эта цитата нуждается в цитировании ] абстрактного экспрессионизма, основанным на четко определенных геометрических формах, а также цветах, с эффектом, который делает их похожими на низкий рельеф. Его работа была смесью европейской абстракции и латиноамериканских влияний, включая мезоамериканские. [88] [89] В области акварели мы можем выделить Эдгардо Коглана и Игнасио Барриоса , которые не были связаны с определенным художественным движением, но не были менее важными.
«Разработанная Матиасом Герицем серия скульптур... [выстилает] «Маршрут Дружбы» ( Ruta de la Amistad ) в честь Олимпиады... В противовес одобренной правительством художественной выставке для Олимпиады группа разнообразных независимых художников организует контрпрезентацию под названием Salón Independiente , или Независимый салон ; выставка знаменует собой ключевое событие в сопротивлении художников государственной культурной политике. Это проявление антиправительственных усилий художников также будет выражено в фреске в поддержку протестов студенческого движения; работа стала известна как Mural Efímero (или Эфемерная фреска ) «в UNAM ». [90]
Третий Независимый салон был организован в 1970 году. В 1976 году « Фернандо Гамбоа возглавляет организацию экспозиции абстрактного искусства под названием «El Geometrismo Mexicano Una Tendencia Actual » [91] .
«В попытке переоценить ... мексиканское искусство после 1968 года, Музей науки и искусства в UNAM» организовал в 2007 году выставку La Era de la Discrepancia. Arte y cultura visual en México 1968-1997 [92]
В 1990 году выставка «Мексика: великолепие эпохи Возрождения» начала свое мировое турне в Метрополитен-музее в Нью-Йорке.
С 1960-х по 1980-е годы неоэкспрессионистское искусство было представлено в Мексике Мануэлем Фельгуэресом , Терезой Сито, Алехандро Пинатдо и Яном Хендриксом . [87] [93]
Швейцарско-немецкий художник Матиас Гериц в 1950-х годах создал общественные скульптуры, включая Torres Satélite в Ciudad Satélite . В 1960-х годах он стал центральной фигурой в развитии абстрактного и другого современного искусства вместе с Хосе Луисом Куевасом и Педро Фридебергом . [94]
В середине 1980-х годов следующим крупным движением в Мексике стало Neomexicanismo, слегка сюрреалистическая, несколько китчевая и постмодернистская версия социального реализма, которая фокусировалась на популярной культуре, а не на истории. [33] Работы не обязательно были фресками: они использовали другие средства, такие как коллаж, и часто пародировали и аллегоризировали культурные символы, средства массовой информации, религию и другие аспекты мексиканской культуры. Это поколение художников интересовалось традиционными мексиканскими ценностями и исследованием их корней — часто подвергая их сомнению или ниспровергая. Другой распространенной темой была мексиканская культура в отношении глобализации. [95]
Искусство с 1990-х годов по настоящее время приблизительно классифицируется как постмодерн, хотя этот термин использовался для описания работ, созданных до 1990-х годов. Основные художники, связанные с этим ярлыком, включают Бетсабее Ромеро , [96] Монику Кастильо, Франсиско Лариоса, [81] Марту Чапу и Диего Толедо. [87]
Успех мексиканских художников подтверждается их включением в галереи Нью-Йорка, Лондона и Цюриха . [97]
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-%C3%81ngel_Z%C3%A1rraga_-_Votive_Offering_(Saint_Sebastian)_-_Google_Art_Project.jpg)
Октавио Меркадо сказал в 2012 году, что деятельность художественной критики по-прежнему можно найти в специализированных журналах и общенациональных газетах; кроме того, новое поколение художественных критиков включает Даниэлу Вольф, Ану Элена Маллет, Габриэллу Гомес-Монт и Пабло Хельгеру . [100] (До этого в 2004 году были высказаны заявления о том, что дефицит местных текстов о мексиканском искусстве, символизме и тенденциях привел к тому, что современное мексиканское искусство, показанное за рубежом, было неправильно маркировано или плохо описано, поскольку иностранные учреждения недостаточно понимают или оценивают политические и социальные обстоятельства, стоящие за произведениями. [101] )
Следуя мировым тенденциям, Мексика приняла современные методы в области уличного искусства, проявляющиеся через изображение известных картин из мексиканской истории или создание оригинального контента. Уличное искусство, характеризующееся своей эфемерностью и общедоступностью, служит динамичной средой для художественного выражения и культурного распространения в городских пространствах Мексики.
Некоторые художники этого столетия:
Мексиканские ремесла и народное искусство , называемые в Мексике artesanía , представляют собой сложную категорию предметов, изготовленных вручную или в небольших мастерских для утилитарных, декоративных или других целей. К ним относятся керамика, настенные украшения, определенные виды картин и текстиль. [104] Как и более формальные виды искусства, artesanía имеет как коренные, так и европейские корни и считается ценной частью этнического наследия Мексики. [105]
Эта связь между искусством и культурной идентичностью была наиболее прочно сформирована политической, интеллектуальной и художественной элитой страны в первой половине 20-го века, после Мексиканской революции. [105] Такие художники, как Диего Ривера , Руфино Тамайо и Фрида Кало использовали artesanía в качестве вдохновения для ряда своих фресок и других работ. [105] В отличие от изящных искусств, artesanía создается простыми людьми и представителями коренного наследия, которые изучают свое ремесло посредством формального или неформального ученичества. [104] Связь artesanía и мексиканской идентичности продолжается через телевидение, фильмы и продвижение туризма. [106]
Большая часть artesanía, производимых в Мексике, состоит из обычных вещей, предназначенных для повседневного использования. Они считаются художественными, потому что содержат декоративные детали или окрашены в яркие цвета, или и то, и другое. [104] Смелое использование цветов в ремеслах и других конструкциях восходит к доиспанским временам. К ним присоединились другие цвета, привнесенные европейскими и азиатскими контактами, всегда в смелых тонах. [107]
Мотивы дизайна варьируются от чисто коренных до преимущественно европейских с добавлением других элементов. Распространены геометрические узоры, связанные с доиспанским прошлым Мексики, и предметы, изготовленные оставшимися чисто коренными общинами страны. [108] Мотивы из природы популярны, возможно, даже больше, чем геометрические узоры как в доиспанском, так и в европейском дизайне. Они особенно распространены в настенных украшениях и керамике. [109]
Одним из лучших мексиканских ремесел является керамика Талавера , производимая в Пуэбле . [38] В ней сочетаются китайские, арабские, испанские и местные влияния дизайна. [110] Наиболее известные народные картины — это картины ex-voto или retablo votive . Это небольшие памятные картины или другие произведения искусства, созданные верующим, в честь вмешательства святого или другой фигуры. Необработанный стиль живописи ex-voto был присвоен в середине 20-го века Кало, которая считала, что они являются наиболее аутентичным выражением латиноамериканского искусства. [111]
Кинематография пришла в Мексику во время Мексиканской революции из США и Франции. Первоначально она использовалась для документирования сражений войны. Сам революционный генерал Панчо Вилья снялся в некоторых немых фильмах. В 2003 году HBO транслировал фильм And Starring Pancho Villa as Himself с Антонио Бандерасом в роли Вильи; фильм посвящен созданию фильма The Life of General Villa . Вилья сознательно использовал кино для формирования своего общественного имиджа. [113]
Первый звуковой фильм в Мексике был снят в 1931 году и назывался Desde Santa . Первый мексиканский жанр кино появился между 1920 и 1940 годами и назывался ranchero . [114]
Мексика дважды завоевывала высшую награду Каннского кинофестиваля , завоевав Гран-при Международного кинофестиваля за фильм «Мария Канделария» в 1946 году и Золотую пальмовую ветвь за фильм «Виридиана» в 1961 году — больше, чем любая другая латиноамериканская страна.
В то время как золотым веком мексиканского кино считаются 1940-е и 1950-е годы, два фильма середины-конца 1930-х годов, Allá en el Rancho Grande (1936) и Vámonos con Pancho Villa (1935), установили стандарт этого века тематически, эстетически и идеологически. В этих фильмах были представлены архетипические звездные фигуры и символы, основанные на широких национальных мифологиях. Часть мифологии, по мнению Карлоса Монсивайса , включает участников семейных мелодрам, мужественных чаррос из фильмов о ранчеро, роковых женщин (часто играемых Марией Феликс и Долорес дель Рио ), коренные народы фильмов Эмилио Фернандеса и peladito (городской негодяй) Кантинфласа . [115]
_(cropped).jpg/1280px-Pina_Pellicer_and_Larry_Domasin_in_The_Alfred_Hitchcock_Hour_(1964)_(cropped).jpg)
Местом действия часто были ранчо , поля сражений революции и кабаре . Фильмы о мексиканской революции фокусировались на первоначальном свержении правительства Порфирио Диаса , а не на борьбе между различными фракциями после этого. Они также имели тенденцию фокусироваться на сельских темах как «мексиканских», хотя население становилось все более городским. [115]
В этот период Мексика имела два преимущества в кинопроизводстве. Первым было поколение талантливых актеров и режиссеров. Среди них были такие актеры, как Мария Феликс , Хорхе Негрете , Педро Армендарис , Педро Инфанте , Кантинфлас , и режиссеры, такие как Эмилио «Эль Индио» Фернандес и оператор Габриэль Фигероа . Многие из этих новичков имели успех в Соединенных Штатах и на Каннском кинофестивале . [114] [116] На углу Ла Бреа и Голливудского бульвара находится скульптура четырех женщин, которые представляют четыре столпа киноиндустрии, одной из которых является мексиканская актриса Долорес дель Рио . [114] Габриэль Фигероа известна черно-белой операторской работой, которая, как правило, суровая и экспрессионистская, с простым, но сложным движением камеры. [117] Вторым преимуществом было то, что Мексика не принимала активного участия во Второй мировой войне , и поэтому имела больший запас целлулоида для кинопленки, который затем также использовался для бомб. [114]
В 1930-х годах правительство заинтересовалось индустрией с целью продвижения культурных и политических ценностей. Большая часть производства в Золотой век финансировалась за счет государственных и частных средств, и в конечном итоге правительство взяло на себя большую роль. В 1942 году Banco Cinematográfico финансировал почти всю индустрию, перейдя под контроль правительства к 1947 году. Это дало правительству широкие права цензуры, решая, какие проекты финансировать. [115] Хотя правящая Институциональная революционная партия (PRI) цензурировала фильмы многими способами в 1940-х и 1950-х годах, она не была такой репрессивной, как в других испаноязычных странах, но она сыграла важную роль в том, как изображались правительство и культура Мексики. [115] [117]
Золотой век закончился в конце 1950-х годов, а в 1960-х годах доминировали плохо сделанные имитации голливудских вестернов и комедий. Эти фильмы все чаще снимались на открытом воздухе, а в популярных фильмах снимались звезды из lucha libre . Искусство и экспериментальное кинопроизводство в Мексике имеют свои корни в том же периоде, который начал приносить плоды в 1970-х годах. [114] [117] Режиссер Поль Ледюк появился в 1970-х годах, специализируясь на фильмах без диалогов. Его первым крупным успехом стал фильм « Рид: Мятежная Мексика» (1971), за которым последовала биография Фриды Кало под названием «Фрида» (1984). Он является наиболее последовательно политическим из современных мексиканских режиссеров. В 1990-х годах он снял «Латино Бар» (1991) и «Доллар Мамбо» (1993). Его немые фильмы, как правило, не имели коммерческого успеха. [117]
В конце 20 века главным сторонником мексиканского арт-кино был Артуро Рипштейн-младший. Его карьера началась с фильма в стиле спагетти-вестерна под названием Tiempo de morir в 1965 году, и некоторые считают его преемником Луиса Бунюэля , работавшего в Мексике в 1940-х годах. Некоторые из его классических фильмов включают El Castillo de la pureza (1973), Lugar sin limites (1977) и La reina de la noche (1994), исследующие такие темы, как семейные узы и даже гомосексуализм, имеющие дело с жестокостью, иронией и трагедией. [117] Государственная цензура была относительно слабой в 1960-х и начале 1970-х годов, но вернулась в конце 1970-х и 1980-х годах, монополизировав производство и распространение. [114]
.jpg/1280px-Fantasy_Worlds_of_Myth_and_Magic,_EMP,_Seattle_(15388051142).jpg)
Другим фактором было то, что многие мексиканские кинопроизводственные мощности были захвачены голливудскими продюсерскими компаниями в 1980-х годах, вытеснив местное производство. [117] Качество фильмов настолько ухудшилось, что в течение некоторых из этих лет [ какой? ] мексиканская кинопремия «Ариэль» была приостановлена из-за отсутствия квалифицированных кандидатов. [114] Популярное кинопроизводство сократилось, но сектор искусства вырос, иногда создавая работы вне поля зрения цензоров, такие как фильм Хорхе Фонса 1989 года «Рохо Аманесер» о резне в Тлателолко 1968 года . Фильм был запрещен правительством, но получил поддержку в Мексике и за рубежом. Фильм был показан, хотя и не широко. [ необходимо дополнительное объяснение ] Это было начало большей редакционной свободы для кинематографистов в Мексике. [117]
Начиная с 1990-х годов мексиканское кино начало возвращаться, в основном за счет совместного производства с иностранными интересами. Одной из причин международного интереса к мексиканскому кино стал бешеный успех фильма 1992 года Como Agua Para Chocolate ( Как вода для шоколада ). [114] [117] В 1993 году этот фильм стал самым кассовым фильмом на иностранном языке в истории США и был показан в общей сложности в 34 странах. [116] С тех пор мексиканское кино разделилось на два жанра. Те, что предназначены для более внутренней аудитории, как правило, более личные и более неоднозначно политические, такие как Pueblo de Madera , La Vida Conjugal и Angel de fuego . Те, что предназначены для международной аудитории, имеют более стереотипные мексиканские образы и включают Sólo con Tu Pareja , La Invencion de Cronos вместе с Como Agua para Chocolate . [116] [117]
Новое поколение успешных мексиканских режиссеров включает Алехандро Гонсалеса Иньярриту , Гильермо дель Торо и Альфонсо Куарона , известных как «Три друга кино». Фильмы этих режиссеров включают «Гравитацию » Куарона, «Форму воды » дель Торо и «Бёрдмэн » Иньярриту . Профессионалы кино в начале 21-го века, как правило, как минимум двуязычны (испанский и английский) и способны лучше участвовать в мировом рынке фильмов, чем их предшественники. [114]
Фотография пришла в Мексику в форме дагерротипа примерно через шесть месяцев после ее открытия и быстро распространилась. Первоначально она использовалась для портретов богатых людей (из-за ее высокой стоимости), а также для съемки пейзажей и доиспанских руин. [118] [119] Другим относительно распространенным типом ранних фотографических портретов были портреты недавно умерших детей, называемых маленькими ангелами, которые сохранялись до первой половины 20-го века. Этот обычай произошел от католической традиции празднования немедленного принятия умершего ребенка на небеса, минуя чистилище. Эта фотография заменила практику создания рисунков и других их изображений, поскольку это считалось «счастливым случаем». [120] Официальные портреты были наиболее распространенной формой коммерческой фотографии до конца 19-го века. [119]
Современная фотография в Мексике началась не как форма искусства, а скорее как документация, связанная с периодическими изданиями и государственными проектами. Она датируется периодом правления Порфирио Диаса , или Porfiriato , с конца 19 века по 1910 год. [121] [122] Фотография эпохи Порфирия была в значительной степени склонна к представлению модернизации страны остальному миру, с Мехико в качестве ее культурного экспоната. Это изображение было основано на европейском стиле с некоторыми местными элементами для отличия. [123]
Стилизованные изображения коренных народов во время Порфирато были в основном выполнены Ибаньесом и Сорой в стиле живописи costumbrista , который был популярен за пределами Мексики. [119] Одним из самых важных фотографов Порфириато был Гильермо Кало , урожденный Вильгельм. [119] Кало основал свою собственную студию в первом десятилетии 1900-х годов и был нанят предприятиями и правительством для документирования архитектуры, интерьеров, пейзажей и фабрик. [124] Другим фотографом немецкого происхождения был Уго Бреме , работавший в то же время, что и Кало. Эти двое, по-видимому, не ладили, возможно, потому что они были соперниками в создании изображений зданий колониальной эпохи. [125]
Стиль Кало отражал повествования того периода, сосредотачиваясь исключительно на крупных сооружениях и событиях и избегая простого населения, редко позволяя людям появляться на его фотографиях. [126] Он избегал тем, которые намекали на политическую нестабильность страны в то время, таких как забастовки . [127] Одним из крупных проектов Кало был Фотографический перечень испанской колониальной церковной архитектуры в Мексике (1910), который состоял из двадцати пяти альбомов, спонсируемых федеральным правительством для документирования оставшейся колониальной архитектуры. [128] Фотографии Кало использовались, чтобы связать доиспанское и колониальное прошлое Мексики в их архитектуре с нынешним прогрессом Мексики, как показано на его фотографиях промышленности и инфраструктуры. [129]
.jpg/1280px-Zapatistas_and_Nacional_de_Mexico,_No._739_(5655532688).jpg)
Другим пионером мексиканской фотографии был Агустин Виктор Касасола . Как и Кало, он начал свою карьеру в Porfirato, но его карьера была сосредоточена на фотографии для периодических изданий. Опять же, как и Кало, работа Касасолы до Мексиканской революции была сосредоточена на непротиворечивых фотографиях, фокусируясь на жизни элиты. Начало гражданской войны заставило Касасолу изменить выбор темы. Он начал фокусироваться не только на портретах главных героев (таких как Франсиско Вилья ) и общих батальных сценах, но и на казнях и мертвых. Он сосредоточился на людях, чьи лица выражали такие выражения, как боль, доброта и смирение. [121]
Его работа в это время произвела большую коллекцию фотографий, многие из которых знакомы мексиканцам, поскольку они были широко перепечатаны и повторно использованы, часто без указания имени Касасолы. После войны Касасола продолжал фотографировать простых людей, особенно мигрантов в Мехико в 1920-х и 1930-х годах. Его общий известный архив включает около полумиллиона изображений, многие из его работ заархивированы в бывшем монастыре Сан-Франциско в Пачуке . [121]
Кало и Касасола считаются двумя наиболее важными фотографами, которые развивали эту среду в Мексике, причем Кало определила архитектурную фотографию, а Касасолас основал фотожурналистику. Ни один из них не считал себя художником — особенно Касасолас, который считал себя историком в позитивистской традиции, но фотографии обоих демонстрируют внимание к деталям, освещению и размещению объектов для эмоционального или драматического эффекта. [131] [132]
До конца 20 века большая часть фотографии была связана с документированием. Однако художественные тенденции как внутри страны, так и за ее пределами оказали свое влияние. В 1920-х годах доминирующим фотографическим стилем был пикториализм , в котором изображения имели романтическое или мечтательное качество из-за использования фильтров и других приемов. Американец Эдвард Уэстон порвал с этой традицией, убрав эти эффекты ради более реалистичных и подробных изображений. [121] [133] Это вызвало раскол в мире фотографии между пикториалистами и реалистами как внутри, так и за пределами Мексики. [121]
Уэстон и его итальянская помощница Тина Модотти находились в Мексике с 1923 по 1926 год, объединившись с мексиканскими фотографами-реалистами Мануэлем Альваресом Браво, а также с муралистами, такими как Габриэль Фернандес Ледесма . Политические и социальные устремления этих фотографов совпадали с устремлениями движения муралистов и нового послереволюционного правительства. [121] [131] [134] Мариана Ямпольски , родом из США, стала важным фотографом в Мексике. Фотография и другие виды искусства переключились на изображение коренного наследия страны и прославление мексиканских простых людей. [131] Это было в основном для того, чтобы отвергнуть элитарные и в значительной степени европейские ценности Порфириато, наряду с растущим культурным влиянием Соединенных Штатов в пользу «подлинной» и особой мексиканской идентичности. [135] Другим шагом было решение правительства использовать эти образы, а не все еще свежие воспоминания о сражениях и зверствах Революции, для своей рекламы. [136]
Мануэль Альварес Браво экспериментировал с абстракцией в своей фотографии и сформировал свой собственный стиль, связанный с мексиканскими обрядами и обычаями. Он был активен с 1920-х годов до своей смерти в 1990-х годах. Как и другие художники 20-го века, он был озабочен балансом международных художественных тенденций с выражением мексиканской культуры и народа. Его фотографические приемы были связаны с преобразованием обыденного в фантастическое. С конца 1930-х до 1970-х годов его фотография развивалась вместе с новыми технологиями, такими как цвет, используя те же темы. В 1970-х годах он экспериментировал с женским ню. [137]
Эти фотографы после революции оказали влияние на последующие поколения, но акцент оставался на документальной журналистике, особенно для газет. По этой причине фокус оставался на социальных проблемах. Сюда входили работы Начо Лопеса и Гектора Гарсии , наиболее известных своими фотографиями студенческого восстания 1968 года . [119]
В 1970-х годах слияние различных стилей сохраняло социальную направленность. [119] В тот же период были созданы учреждения, посвятившие себя развитию фотографии и сохранению фотографий, такие как Centro de la Imagen, Fototeca Nacional del INAH и издание Luna Córnea . [138]
Фотография в Мексике с конца 20 века по-прежнему в основном сосредоточена на фотожурналистике и других видах документального кино. Франсиско Мата де Росас считается самым известным фотографом в современной Мексике, в основном работающим с документальными фильмами. [ по мнению кого? ] Он опубликовал ряд книг, включая México Tenochtitlan и Tepito, Bravo el Barrio . Эниак Мартинес специализируется на панорамах. Патрисия Ариджис работает с социальными темами, в основном для иллюстрирования книг. Работы Херардо Монтиеля Клинта описывают как «затеняющий и темный мир», фокусирующийся на тоске и насилии подростков. [138] Самое последнее поколение фотографов работает с новыми и цифровыми технологиями. Одним из них является Хавьер Ороско , который специализируется на интерьерах. [119]
Однако чисто художественная фотография оказала влияние. В 2002 году на фотовыставке Даниэлы Росселл были представлены фотографии мексиканских мультимиллионеров, позирующих в своих показных домах, заполненных дорогими картинами, охотничьими трофеями, хрустальными люстрами, золотыми ламе-обоями и домашней прислугой. Фотографии вызвали волну социальной критики, а также сплетен в таблоидах. [139]
.jpg/1280px-Tepantitla_Mountain_Stream_mural_Teotihuacan_(Luis_Tello).jpg)
.jpg/1280px-Shield_Aztec_or_Mixtec_(Chimalli).jpg)
_LACMA_M.2008.32_(1_of_4).jpg/1280px-Miracles_of_Saint_Salvador_de_Horta_(Milagros_del_beato_Salvador_de_Horta)_LACMA_M.2008.32_(1_of_4).jpg)
_Cervantes_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Miguel_Cabrera_-_Do%C3%B1a_Mar%C3%ADa_de_la_Luz_Padilla_y_(G%C3%B3mez_de)_Cervantes_-_Google_Art_Project.jpg)
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Folding_Screen_with_Indian_Wedding_and_Flying_Pole_(Biombo_con_desposorio_ind%C3%ADgena_y_palo_volador)_-_Google_Art_Project.jpg)
.jpg/1280px-Saturnino_Herran_Mujer_en_Tehuantepec_(1914).jpg)
_-_322.jpg/1280px-Mexico_City_(2018)_-_322.jpg)
.jpg/1280px-20150717_IMG_6697_by_sebaso_(19998936614).jpg)
![Генерал Эмилиано Сапата, лидер революционеров в Морелосе с 1911 года и до его убийства в 1919 году[140]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/17/Emiliano_Zapata_-_LOC.jpg/1280px-Emiliano_Zapata_-_LOC.jpg)
.jpg/1280px-David_Alfaro_Siqueiros_(El_Coronelazo).jpg)
![Мальчик-солдат во время Мексиканской революции, Архив Касасолы.[141]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Ni%C3%B1o_Soldado.jpg/1280px-Ni%C3%B1o_Soldado.jpg)
_(38866081012).jpg/1280px-0000-1938-DESFILE_DEL_16_DE_SEPTIEMBRE_(2)_(38866081012).jpg)
{{cite web}}: CS1 maint: archived copy as title (link)Это выражение красноречиво передает гордость художников за свою традицию и их связь с более крупными, трансатлантическими тенденциями.
{{cite web}}: CS1 maint: archived copy as title (link){{cite book}}: |author1=имеет общее название ( помощь )CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: |author1=имеет общее название ( помощь )CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: |author1=имеет общее название ( помощь )CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: |author1=имеет общее название ( помощь )CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: |author1=имеет общее название ( помощь )CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: |author1=имеет общее название ( помощь )CS1 maint: multiple names: authors list (link)