stringtranslate.com

История искусства

История искусства фокусируется на объектах, созданных людьми для различных духовных, повествовательных, философских, символических, концептуальных, документальных, декоративных и даже функциональных и других целей, но с основным упором на их эстетическую визуальную форму. Визуальное искусство можно классифицировать по -разному , например, отделяя изобразительное искусство от прикладного искусства ; инклюзивное внимание к человеческому творчеству; или сосредоточить внимание на различных средствах массовой информации, таких как архитектура , скульптура , живопись , кино , фотография и графика . В последние годы технологические достижения привели к появлению видеоарта , компьютерного искусства , перформанса , анимации , телевидения и видеоигр .

Историю искусства часто описывают как хронологию шедевров , созданных каждой цивилизацией . Таким образом, ее можно представить как историю высокой культуры , воплощенную в чудесах света . С другой стороны, народные художественные выражения также могут быть интегрированы в исторические повествования об искусстве, называемые народным искусством или ремеслом . Чем теснее историк искусства занимается этими последними формами низкой культуры , тем более вероятно, что он будет идентифицировать свою работу как исследование визуальной культуры или материальной культуры или как вклад в области, связанные с историей искусства, такие как антропология или археология . . В последних случаях предметы искусства можно отнести к археологическим артефактам .

Предыстория

Доисторическое искусство включает в себя широкий спектр произведений искусства, созданных художниками и скульпторами неграмотных культур, включая некоторые из самых ранних человеческих артефактов. Среди первых предметов искусства – декоративные артефакты из Африки среднего каменного века . [1] [2] [3] Контейнеры того периода также были обнаружены в Южной Африке, которые, возможно, использовались для хранения красок, датируемых еще 100 000 лет назад. [4]

Форма доисторического искусства, встречающаяся во всем мире, особенно в Европе. Были изготовлены небольшие доисторические статуэтки, известные как фигурки Венеры , с увеличенной грудью и животом, наиболее известными из которых являются Венера Холе-Фельса и Венера Виллендорфа , найденные в Германии и Австрия . У большинства из них маленькие головы, широкие бедра и суженные к концу ноги. Руки и ноги часто отсутствуют, а голова обычно маленькая и безликая.

Венера Холе-Фельс - один из многочисленных предметов, найденных в пещерах и искусстве ледникового периода в Швабской Юре , объекте Всемирного наследия ЮНЕСКО , где были найдены древнейшие из когда-либо обнаруженных нестационарных произведений человеческого искусства в виде резных животных и гуманоидные фигурки, а также древнейшие обнаруженные на данный момент музыкальные инструменты, артефакты которых датируются периодом от 43 000 до 35 000 лет до нашей эры. [5] [6] [7] [8]

Самыми известными доисторическими произведениями искусства являются большие наскальные рисунки эпохи палеолита , на которых изображены животные континентальной Европы, особенно в Ласко в регионе Дордонь во Франции. Известно несколько сотен украшенных пещер, относящихся к периоду верхнего палеолита ( ок. 38 000–12 000 до н. э.). Есть примеры в Украине , Италии и Великобритании , но больше всего их во Франции и Испании . Было высказано множество теорий о назначении этого искусства, наиболее распространенной из которых является то, что оно было частью религиозных ритуалов, возможно, для достижения успеха на охоте.

Античность

Древний Ближний Восток

Древний Ближний Восток простирался от Турции и Средиземноморского побережья на западе до Ирана и Аравийского полуострова на востоке. Со временем здесь появлялись, жили и исчезали многочисленные цивилизации. Одним из ключевых регионов была Месопотамия , где в IV тысячелетии до нашей эры возникли первые города и самая ранняя форма письменности. Древняя Месопотамия охватывает современный Ирак, а также части Сирии и Турции . Его северная половина является частью так называемого Плодородного полумесяца , где впервые появились важные события неолита , такие как раннее земледелие и создание постоянных деревенских поселений. Поскольку регион расположен в дельте рек Тигр-Ефрат , здесь жили многочисленные цивилизации, в частности Шумер , Аккад , Ассирия и Вавилония . Месопотамская архитектура характеризовалась использованием кирпича , перемычек и конусной мозаики . Яркими примерами являются зиккураты , большие храмы в форме ступенчатых пирамид .

Политические, экономические, художественные и архитектурные традиции шумеров привели к основанию западной цивилизации . В Шумере впервые появилось множество вещей: первый город-государство ( Урук ), которым правил царь Гильгамеш ; первая организованная религия, основанная на иерархической структуре богов, людей и ритуалов; первая известная письменность — клинопись ; первая ирригационная система и первые транспортные средства на колесах. Здесь же появились цилиндрические печати с гравировкой небольших надписей и иллюстраций. Другой цивилизацией, которая развилась здесь, была Аккадская империя , первая великая империя в мире.

В начале I тысячелетия до нашей эры, после аккадцев, империя под названием Ассирия стала доминировать на всем Ближнем Востоке, простираясь от Персидского залива до Средиземного моря . Ее города были наполнены впечатляющими зданиями и произведениями искусства. Ассирийское искусство наиболее известно своими подробными каменными рельефами, изображающими сцены придворной жизни, религиозных обрядов, охоты и эпических сражений. Эти рельефы изначально расписывались в яркие цвета и размещались во дворцах. Помимо своей красоты, они также показывают нам ассирийский быт и взгляды на мир, в том числе ассирийскую одежду и мебель.

Позже вавилоняне завоевали Ассирийскую империю. В VI веке до нашей эры Вавилон стал крупнейшим городом мира. При входе в Вавилон посетителей встречали впечатляющие ворота Иштар со стенами, покрытыми яркими синими глазурованными кирпичами и рельефами, изображающими драконов, быков и львов. Эти ворота названы в честь Иштар , богини войны и любви.

В середине VI века до нашей эры после ряда военных кампаний Вавилонская империя пала перед империей Ахеменидов под властью царя Кира II , простиравшейся по всему Ближнему Востоку и Средней Азии , от Египта до долины Инда . Его искусство включает в себя элементы со всей империи, прославляя ее богатство и власть. Персеполь ( Иран ) был столицей империи и полон впечатляющих скульптур, изображающих религиозные образы и людей империи. Здесь же находятся руины дворца с большим зрительским залом для приема гостей.

Помимо Месопотамии и Ирана, существовали древние цивилизации, создавшие искусство и архитектуру и в других регионах. В Анатолии (современная Турция ) возникла Хеттская империя . В древности Южная Аравия играла важную роль в производстве и торговле ароматическими веществами, принося богатство королевствам, находившимся в этом регионе. Примерно до 4000 г. до н. э. климат Аравии был более влажным, чем сегодня. На юго-западе появилось несколько королевств, таких как Саба . Южноаравийская человеческая фигура обычно стилизована, имеет прямоугольную форму, но с мелкими деталями. [11] [12] [13]

Египет

Одна из первых великих цивилизаций возникла в Египте , где существовали сложные и сложные произведения искусства, созданные профессиональными художниками и ремесленниками. Искусство Египта было религиозным и символическим. Учитывая, что культура имела высокоцентрализованную структуру власти и иерархию, в честь фараона было создано множество произведений искусства , включая великие памятники. Египетское искусство и культура подчеркивали религиозную концепцию бессмертия. Позднее египетское искусство включает коптское и византийское искусство.

Архитектура характеризуется монументальными сооружениями, построенными из больших каменных блоков, перемычек и массивных колонн . Погребальные памятники включали мастабы , гробницы прямоугольной формы; пирамиды , к которым относились ступенчатые пирамиды ( Саккара ) или гладкосторонние пирамиды ( Гиза ); и гипогей , подземные гробницы ( Долина царей ). Другими великими зданиями были храмы , которые, как правило, представляли собой монументальные комплексы, которым предшествовала аллея сфинксов и обелисков . В храмах использовались пилоны и трапециевидные стены с гипатросами и гипостилями залами и святилищами . Хорошими примерами являются храмы Карнака , Луксора , Филе и Эдфу . Другой тип храмов — скальный храм в форме гипогея , найденный в Абу-Симбеле и Дейр-эль-Бахари .

В живописи египетской эпохи использовалось сопоставление перекрывающихся плоскостей. Изображения были представлены иерархически, т. е. фараон крупнее обычных предметов или врагов, изображенных рядом с ним. Египтяне рисовали контур головы и конечностей в профиль, а туловище, руки и глаза — спереди. В Египте были развиты прикладные искусства , в частности работа по дереву и металлу . Есть превосходные образцы, такие как мебель из кедра , инкрустированная черным деревом и слоновой костью , которую можно увидеть в гробницах Египетского музея . Другие примеры включают предметы, найденные в гробнице Тутанхамона , которые имеют большую художественную ценность. [19]

Цивилизация долины Инда

Обнаруженная в 1922 году, спустя много времени после появления современных культур Месопотамии и Египта, цивилизация долины Инда, также известная как Хараппская цивилизация ( ок. 2400–1900 гг. до н.э.), теперь признана чрезвычайно развитой, в некотором смысле сравнимой с этими культурами. Его территории охватывают территорию, простирающуюся от сегодняшнего северо-востока Афганистана , через большую часть Пакистана , а также до западной и северо-западной Индии . Крупнейшие города культуры включают Хараппу и Мохенджо-Даро , расположенные соответственно в Пенджабе и в провинции Синд на севере Пакистана, а также портовый город Лотал в штате Гуджарат ( Индия ). Наиболее многочисленными артефактами являются квадратные и прямоугольные печати и оттиски печатей с изображением животных, обычно быков, очень короткие хараппские тексты . На стоянках Хараппы также было найдено множество стилизованных терракотовых фигурок, а также несколько каменных и бронзовых скульптур, более натуралистичных, чем керамические. [24]

Китай

Воины Терракотовой армии ; в.  214 г. до н. э .; терракота; рост (средний солдат): c.  1,8 м ; Район Линтун ( Сиань , Шэньси , Китай ) [26]

Первые металлические предметы, произведенные в Китае, были изготовлены почти 4000 лет назад, во времена династии Ся ( ок. 2100–1700 до н. э.). В эпоху китайской бронзы ( династии Шан и Чжоу ) придворные ходатайства и общение с духовным миром осуществлял шаман (возможно, сам царь). Во времена династии Шан ( ок. 1600–1050 до н.э.) верховным божеством был Шанди , но аристократические семьи предпочитали контактировать с духами своих предков. Для них готовили изысканные пиршества с едой и напитками, которые разогревали и подавали в бронзовых ритуальных сосудах . Эти бронзовые сосуды имели множество форм в зависимости от своего назначения: для вина, воды, круп или мяса, причем некоторые из них были отмечены читаемыми буквами, что свидетельствует о развитии письменности. Сосуды такого рода, очень высокого качества и сложности, были обнаружены в долине Желтой реки в провинции Хэнань , в таких местах, как Эрлитоу , Аньян или Чжэнчжоу . Их использовали в религиозных ритуалах для укрепления власти Данга, и когда столица Шан пала, около 1050 г. до н. э., ее завоеватели Чжоу ( ок. 1050–156 до н. э.) продолжали использовать эти контейнеры в религиозных ритуалах, но в основном для еды. а не пить. Суд Шан был обвинен в чрезмерном пьянстве, а Чжоу, пропагандируя императорский Тянь («Небо») как главную духовную силу, а не предков, ограничил вино в религиозных обрядах в пользу еды. Использование ритуальной бронзы продолжалось и в раннюю династию Хань (206 г. до н.э. – 220 г. н.э.).

Одним из наиболее часто используемых мотивов был таоти — стилизованное лицо, разделенное по центру на две почти зеркальные половины, с ноздрями, глазами, бровями, челюстями, щеками и рогами, окруженными резными узорами. Невозможно определить, представляли ли таоти реальных, мифологических или полностью воображаемых существ.

Загадочные бронзовые изделия из Саньсиндуя , недалеко от Гуанхана (в провинции Сычуань ), являются свидетельством загадочной религиозной системы жертвоприношений, не похожей ни на что другое в древнем Китае и совершенно отличной от искусства современного Шан в Аньяне . Раскопки в Саньсиндуе, проводившиеся с 1986 года, выявили четыре ямы, содержащие артефакты из бронзы , нефрита и золота . Там была найдена большая бронзовая статуя человеческой фигуры, стоящая на постаменте, украшенном абстрактными головами слонов. Помимо стоящей фигуры, в первых двух ямах находилось более 50 бронзовых голов, некоторые из которых были в головных уборах, а три — с лобовым покрытием из сусального золота . Здесь же были обнаружены трубчатые бронзовые фрагменты с небольшими ветвями, вероятно, изображающие деревья, а также бронзовые листья, плоды и птиц. В 1986 году в Саньсиндуе было найдено более 4000 объектов.

Наследник династии Шан Чжоу (1050–221 до н.э.) правил больше, чем кто-либо другой в истории Китая. Его последние столетия характеризовались насилием, и эта эпоха известна как период Воюющих царств . В это смутное время появились некоторые философские движения: конфуцианство , даосизм и легализм .

Период Воюющих царств завершился Циньши Хуанди , объединившим Китай в 221 году до нашей эры. Он заказал огромную гробницу, охраняемую Терракотовой армией . Еще одним огромным проектом был предшественник Великой стены , возведенный для того, чтобы дать отпор грабящим племенам с севера. После смерти императора его династия Цинь (221–206 до н. э.) просуществовала всего три года. За Циньши Хуанди последовала династия Хань (202 г. до н. э. – 220 г. н. э.), во время которой Шелковый путь значительно развился, принеся в Китай новые культурные влияния. [27] [28]

греческий

В отличие от того, как большинство из нас видит их сегодня, все египетские , греческие и римские скульптуры и храмы изначально были окрашены в яркие цвета. Они стали белыми из-за сотен лет пренебрежения и вандализма, спровоцированных христианами раннего средневековья , которые считали их «язычниками» и считали, что они пропагандируют идолопоклонство. [31] Нам они кажутся странными, хотя в древности все они были очень колоритными.

Благодаря гармоничным пропорциям и сосредоточению внимания на эстетике древнегреческое и римское искусство стало основой и источником вдохновения для всего западного искусства, являясь стандартом, к которому стремилось большинство европейских художников до 19 века. [32] Латинский поэт Гораций , писавший во времена римского императора Августа (с 1 века до н.э. по 1 век нашей эры), знаменито заметил, что, хотя и была побеждена на поле битвы, «пленная Греция одолела своего дикого завоевателя и принесла искусство в деревенский Рим. " Сила греческого искусства заключается в изображении человеческой фигуры и сосредоточении внимания на людях и антропоморфных богах как главных субъектах. Произведения греков предназначались для украшения храмов и общественных зданий, прославления боевых побед и выдающихся личностей, а также в память о погибших. Их также приносили в жертву богам.

Хотя окончательного перехода не произошло, искусство обычно стилистически делится на четыре периода: геометрический, архаический, классический и эллинистический. В классический период (V и IV века до н.э.) реализм и идеализм были тонко сбалансированы. Для сравнения, работы более ранних геометрических (9-8 вв. до н. э.) и архаических (7-6 вв. до н. э.) эпох могут показаться примитивными, но у этих художников были разные цели: натуралистическое изображение не обязательно было их целью. Греки и художники опирались на художественные основы Египта, развивая искусство скульптуры, живописи, архитектуры и керамики. Среди усовершенствованных ими техник — методы резьбы и литья скульптур, фресковой живописи и строительства великолепных зданий.

Любители римского искусства собирали древнегреческие оригиналы, римские копии греческого искусства или недавно созданные картины и скульптуры, выполненные в различных греческих стилях, сохраняя таким образом для потомков произведения искусства, которые иначе были бы утрачены. Настенные и панно, скульптуры и мозаики украшали общественные помещения и частные дома. Греческие изображения также появлялись на римских украшениях, сосудах из золота, серебра, бронзы и терракоты и даже на оружии и коммерческих гирях. Вновь открытое в эпоху раннего Возрождения искусство Древней Греции, переданное через Римскую империю , служило основой западного искусства до 19 века. [33]

С наступлением классической эпохи в Афинах , в V веке до нашей эры, классический способ строительства глубоко вплетен в западное понимание архитектуры и, по сути, самой цивилизации. [34] Примерно с 850 г. до н. э. до примерно 300 г. н. э. древнегреческая культура процветала на материковой части Греции , на Пелопоннесе и на островах Эгейского моря. Пять чудес света были греческими: храм Артемиды в Эфесе , статуя Зевса в Олимпии , мавзолей в Галикарнасе , Колосс Родосский и Александрийский маяк . Однако древнегреческая архитектура наиболее известна своими храмами , многие из которых расположены по всему региону, и Парфенон является ярким примером этого. Позже они послужат источником вдохновения для неоклассических архитекторов конца 18 и 19 веков. Самыми известными храмами являются Парфенон и Эрехтейон , оба на Афинском Акрополе . Еще одним типом важных древнегреческих зданий были театры. И храмы, и театры использовали сложное сочетание оптических иллюзий и сбалансированных пропорций.

Глядя на археологические остатки древних построек, легко воспринять их как известняк и бетон серо-серого тона и сделать предположение, что древние постройки были однотонными. Однако на большей части территории Древнего мира архитектура была полихромной . Детали одного из самых знаковых древних зданий, Парфенона ( ок. 447–432 до н. э.) в Афинах , были окрашены в яркие красные, синие и зеленые цвета. Помимо древних храмов, средневековые соборы никогда не были полностью белыми. Большинство из них имели цветные блики на капителях и колоннах . [35] От этой практики окраски зданий и произведений искусства отказались в эпоху раннего Возрождения. Это связано с тем, что Леонардо да Винчи и другие художники эпохи Возрождения, в том числе Микеланджело , продвигали цветовую палитру, вдохновленную древними греко-римскими руинами, которые из-за пренебрежения и постоянного разрушения в средние века стали белыми, несмотря на то, что изначально были красочными. Пигменты, использовавшиеся в древнем мире, были деликатными и особенно чувствительными к атмосферным воздействиям. Без необходимого ухода цвета, подвергшиеся воздействию дождя, снега, грязи и других факторов, со временем исчезли, и таким образом древние здания и произведения искусства стали белыми, какими они являются сегодня и были в эпоху Возрождения. [36]

Рим

Август Прима Порта (слева: раскрашенная реконструкция; справа: оригинальная статуя); в.  20 г. до н.э .; мрамор ; высота: 2,06 м; Музеи Ватикана ( Ватикан ). [44]

Ни одна цивилизация не оказала столь продолжительного и мощного влияния на западное искусство, как Римская империя . Наследие Древнего Рима проявляется в периоды средневековья и раннего Нового времени , а римское искусство продолжает повторно использоваться в современную эпоху как в традиционалистских, так и в постмодернистских произведениях искусства. [45] Иногда его рассматривают как производное от греческих прецедентов, но оно также имеет свои отличительные черты, некоторые из которых унаследованы от этрусского искусства . Римская скульптура часто менее идеализирована, чем ее греческие прецеденты, и очень реалистична. В римской архитектуре часто использовался бетон , были изобретены такие элементы, как круглая арка и купол . Роскошные предметы из металла , гравировки драгоценных камней , резьбы по слоновой кости и стекла иногда считаются в современных условиях второстепенными формами римского искусства, [46] хотя это не обязательно было так для современников. Инновацией, ставшей возможной благодаря римскому развитию стеклодувного дела, стало камео-стекло . Сначала была создана белая «оболочка», в которую затем выдували цветное стекло, чтобы получить внутреннюю облицовку. Затем белую оболочку разрезали, чтобы создать рельефные узоры белого цвета на более темном фоне. Они также делали мозаику , создавая таким образом прочные произведения искусства из кубиков тесаного камня ( тессеры ) и/или кусочков цветной терракоты и стекла. Стены некоторых вилл богатых римлян были покрыты фресками , призванными ослеплять и развлекать гостей. Большая часть сохранившейся римской настенной живописи происходит из мест вокруг Неаполитанского залива , в частности из Помпеи и Геркуланума , процветающих городов, которые сохранились под метрами вулканических обломков во время извержения Везувия в 79 году нашей эры. В результате римскую настенную живопись часто рассматривают в терминах четырех «помпейских стилей». [47]

Римляне находились под глубоким влиянием всех аспектов эллинистической культуры . В архитектуре, как и в других художественных средствах , они по существу переняли классический язык и адаптировали его к новым ситуациям и использованию. У римлян также есть свои нововведения в классической архитектуре. Они использовали дорический , ионический и коринфский ордера гораздо более свободно, чем греки, создавая свою собственную версию дорического ордера и гораздо чаще используя коринфский ордер. Они также добавили в репертуар два новых ордера: тосканский , более простую и массивную версию дорического ордера, заимствованную из этрусской архитектуры ; и Композитный , сочетание свиткообразных завитков ионического стиля с коринфскими листьями аканта . Другие важные нововведения включают арку и купол . Используя арки, они построили акведуки и монументальные триумфальные арки . Римские императоры гордились своими завоеваниями и отмечали их дома и на завоеванных территориях с помощью триумфальных арок, хорошим примером которых является Арка Константина в Риме. Между 30 и 15 годами до нашей эры архитектор, гражданский и военный инженер Марк Витрувий Поллион опубликовал главный трактат «Об архитектуре» , который на протяжении веков влиял на архитекторов всего мира. [48] ​​[49]

После Средневековья , с началом эпохи Возрождения во Флоренции ( Италия ), начался растущий интерес к Древнему Риму. Во время него впервые со времен классической античности искусство стало убедительно жизнеподобным. Возрождение также вызвало интерес к древнегреческой и римской литературе, а не только к искусству и архитектуре. [50]

исламский

Исламское искусство известно со времен средневековья благодаря использованию сложных геометрических узоров , красочных плиток, стилизованных природных мотивов и детальной каллиграфии. Редко когда надпись оказывала такое глубокое влияние на прикладное искусство и архитектуру. Ислам появился в Западной Аравии в VII веке нашей эры через откровения, переданные пророку Мухаммеду в Мекке . В течение столетия после смерти Мухаммеда исламские империи контролировали Ближний Восток , Испанию и некоторые части Азии и Африки. Из-за этого, как и в случае с римским искусством , исламское искусство и архитектура имели региональные версии. По мере того как исламский мир расширялся до центров позднеантичной культуры, он обогащался философскими и интеллектуальными движениями. Ранние халифаты поощряли перевод греческих работ на арабский язык, а также достижения в области математики и естественных наук. Это контрастирует с современным представлением о том, что исламское искусство догматично и неизменно. Изображение людей и животных не было редкостью. Лишь определенные периоды ограничивали его (аналогично византийскому иконоборчеству ). [54]

Америка

Мезоамерика

Некоторые из первых великих цивилизаций Америки возникли в Мезоамерике (что означает «средняя Америка»), наиболее известными из которых были майя и ацтеки .

Ольмеки ( ок. 1400–400 до н. э.) были первой крупной цивилизацией современной Мексики. Многие элементы мезоамериканских цивилизаций, такие как практика строительства пирамид, сложный календарь, пантеон богов и иероглифическое письмо, берут свое начало в культуре ольмеков. Они производили нефритовые и керамические статуэтки, колоссальные головы и пирамиды с храмами наверху, и все это без использования металлических инструментов. Для них жадеит был камнем более ценным, чем золото, и символизировал божественную силу и плодородие. Было обнаружено 17 колоссальных голов ольмеков , каждая весом в несколько тонн. На каждой голове с приплюснутым носом и толстыми губами находится шлем, похожий на те, что носят во время официальных игр с мячом, возможно, представляющий королей-чиновников.

Цивилизация майя зародилась около 1800 г. до н. э. и росла до прибытия испанских колонизаторов в 1500-х гг. Они оккупировали юго-восток Мексики, Гватемалу , Белиз и части Гондураса и Сальвадора . Майя вели торговлю с такими городами, как Теотиуакан , а также со многими мезоамериканскими цивилизациями, такими как сапотеки или другие группы из центральных или прибрежных районов Мексики, а также с населением, которое не населяло мезоамериканские территории, например, таино из Карибского моря . Они создавали впечатляющие портреты царей, полихромные керамические сосуды, глиняные фигурки, деревянные скульптуры, стелы и строили сложные города с пирамидами. Большинство хорошо сохранившихся полихромных керамических сосудов обнаружено в погребениях дворян.

Возникнув из скромной кочевой группы, ацтеки создали крупнейшую империю в истории Мезоамерики, просуществовавшую с 1427 по 1521 год. Они называли себя не «ацтеками», а «Мексикой». Термин ацтеки был присвоен историками. Они превратили столицу своей империи Теночтитлан в место, где художники Мезоамерики создавали впечатляющие произведения искусства для своих новых мастеров. Современный Мехико был построен на месте столицы ацтеков Теночтитлана. [59] [60] [61]

Колумбия

Как и в случае с Мезоамерикой, современная территория Колумбии представляет собой территорию, где до прибытия испанских колонизаторов развивалось множество культур. Здесь производились золотые аксессуары для тела, многие золотые, а также многие другие, сделанные из тумбаги , неспецифического сплава золота и меди , полученного испанскими конкистадорами с металлами, состоящими из этих элементов, которые широко использовались в доколумбовой Мезоамерике в Северная Америка и Южная Америка .

Андские регионы

Мантия ( Паракас ); 50–100 гг. н.э.; вышитая шерсть; высота: 1,01 м; Музей изящных искусств ( Бостон , США) [67]

Древние цивилизации Перу и Боливии взращивали уникальные художественные традиции, в том числе одну из самых эстетически впечатляющих в мире традиций искусства волокон. Двумя из первых важных культур этой земли являются культура Чавин и Паракас .

Культура Паракас южного побережья Перу наиболее известна своим текстилем со сложными узорами, особенно каминными полами. Моче контролировали речные долины северного побережья, в то время как Наска на юге Перу господствовала над прибрежными пустынями и прилегающими горами. Наска наиболее известна благодаря знаменитым Линиям Наска , группе геоглифов в пустыне на юге Перу. Они также производили полихромную керамику и текстиль под влиянием Паракаса и использовали для своей керамики палитру не менее 10 цветов. Обе культуры процветали примерно в 100–800 годах нашей эры. Керамика моче – одна из самых разнообразных в мире. На севере Империя Вари (или Уари) известна своей каменной архитектурой и скульптурными достижениями.

Чиму предшествовал простой керамический стиль, известный как Сикан (700–900 гг. Н.э.). Чиму производил превосходные портретные и декоративные работы из металла, особенно из золота, но особенно из серебра. Позже Империя инков (1100–1533) простиралась через Анды . Они изготавливали статуэтки из драгоценных металлов и, как и другие цивилизации той же территории, сложные ткани. Ламы были важными животными из-за их шерсти и способности переносить грузы. [68] [69] [70]

Азиатский

Восточная цивилизация широко включает в себя Азию, а также сложную традицию художественного творчества. Один из подходов к истории восточного искусства делит эту область по нациям, уделяя особое внимание индийскому искусству , китайскому искусству , японскому искусству и корейскому искусству . Из-за размера континента четко видна разница между Восточной Азией и Южной Азией в контексте искусства. В большей части Азии гончарное дело было распространенным видом искусства. Керамика часто украшается геометрическими узорами или абстрактными изображениями животных, людей или растений. Другими очень распространенными формами искусства были и остаются скульптура и живопись.

Центральная Азия

Среднеазиатское искусство развивалось в Центральной Азии , в областях, соответствующих современным Кыргызстану , Казахстану , Узбекистану , Туркменистану , Азербайджану , Таджикистану , Афганистану , Пакистану и частям современной Монголии, Китая и России. [74] [75] Искусство древней и средневековой Центральной Азии отражает богатую историю этой обширной территории, где проживает огромное разнообразие народов, религий и образов жизни. Художественные остатки региона демонстрируют замечательное сочетание влияний, которые иллюстрируют мультикультурную природу среднеазиатского общества. Передача искусства по Шелковому пути , скифское искусство , греко-буддийское искусство , сериндское искусство и, в последнее время , персидская культура — все это часть этой сложной истории. Центральная Азия всегда была перекрестком культурного обмена, центром так называемого Шелкового пути – сложной системы торговых путей, простирающихся от Китая до Средиземноморья. Уже в бронзовом веке (3-е и 2-е тысячелетия до н.э.) растущие поселения составляли часть обширной торговой сети, связывавшей Среднюю Азию с долиной Инда , Месопотамией и Египтом. [76]

Индийский

Ранние буддисты в Индии разработали символы, связанные с Буддой . Основные пережитки буддийского искусства начинаются в период после Маурьев, в северной Индии кушанского искусства, греко-буддийского искусства Гандхары и , наконец , « классического » периода искусства Гуптов . Кроме того, существовала школа Андхра, которая появилась раньше школы Гандхара и базировалась в Южной Индии. [81] Большое количество скульптур сохранилось в некоторых ключевых местах, таких как Санчи , Бхархут и Амаравати , некоторые из которых остаются на месте , а другие — в музеях Индии или по всему миру. Ступы были окружены церемониальными оградами с четырьмя богато вырезанными торанами или декоративными воротами, обращенными по сторонам света. Они выполнены из камня, хотя явно принимают формы, развитые в дереве. Они и стены самой ступы могут быть обильно украшены рельефами, преимущественно иллюстрирующими жизнь Будды. Постепенно стали лепить фигуры в натуральную величину, сначала с глубоким рельефом, но затем и отдельно стоящие. [82] Искусство Матхуры было наиболее важным центром в этом развитии, которое распространялось как на индуистское и джайнское искусство, так и на буддийское. [83] Фасады и интерьеры высеченных в скалах молитвенных залов чайтья и монашеских вихар сохранились лучше, чем аналогичные отдельно стоящие конструкции в других местах, которые долгое время были в основном деревянными. Пещеры в Аджанте , Карле , Бхадже и других местах содержат ранние скульптуры, число которых часто превосходит более поздние произведения, такие как знаковые фигуры Будды и бодхисаттв , которые не были найдены, по крайней мере, до 100 года нашей эры.

Китайский

В Восточной Азии живопись возникла на основе практики каллиграфии, а портреты и пейзажи писались на шелковой ткани. Большинство картин представляют собой пейзажи или портреты. Самыми впечатляющими скульптурами являются ритуальные бронзовые скульптуры и бронзовые скульптуры из Саньсиндуя . Очень известным примером китайского искусства является Терракотовая армия , изображающая армии Цинь Шихуанди , первого императора Китая. Это форма погребального искусства , похороненная вместе с императором в 210–209 годах до нашей эры, целью которой было защитить императора в его загробной жизни.

Китайское искусство является одним из старейших непрерывных традиционных искусств в мире и отличается необычной степенью преемственности внутри этой традиции и осознанием этой традиции, не имеющей эквивалента западному коллапсу и постепенному восстановлению классических стилей. Средства массовой информации, которые со времен Возрождения обычно классифицировались на Западе как декоративное искусство , чрезвычайно важны в китайском искусстве, и большая часть лучших работ была создана в крупных мастерских или фабриках практически неизвестными художниками, особенно в области китайской керамики . Ассортимент и качество товаров, украшавших китайские дворцы и дома, а также их обитателей, поражают воображение. Материалы поступали со всего Китая и далеко за его пределами: золото и серебро, перламутр , слоновая кость и рог носорога, дерево и лак , нефрит и мыльный камень , шелк и бумага.

Японский

Японское искусство охватывает широкий спектр художественных стилей и средств, включая древнюю керамику , скульптуру , живопись тушью и каллиграфию на шелке и бумаге, картины укиё-э и гравюры на дереве , керамику, оригами и, в последнее время , мангу — современные японские мультфильмы и комиксы. наряду с множеством других типов.

Первые поселенцы Японии, народ Дзёмон ( ок.  11 000–300 до н. э.). Они изготавливали богато украшенные глиняные сосуды для хранения , глиняные фигурки, называемые догу . Япония подверглась внезапному вторжению новых идей, за которым последовали длительные периоды минимального контакта с внешним миром. Со временем у японцев развилась способность впитывать, подражать и, наконец, ассимилировать те элементы иностранной культуры, которые дополняли их эстетические предпочтения. Самое раннее комплексное искусство в Японии было создано в VII и VIII веках в связи с буддизмом . В 9 веке, когда японцы начали отворачиваться от Китая и развивать местные формы самовыражения, светское искусство становилось все более важным; до конца 15 века процветало как религиозное, так и светское искусство. После Онининской войны (1467–1477) Япония вступила в период политических, социальных и экономических потрясений, который длился более столетия. В государстве, возникшем под руководством сёгуната Токугава , организованная религия играла гораздо меньшую роль в жизни людей, а сохранившиеся искусства были преимущественно светскими.

Корейский

На древнем Корейском полуострове картины писались последовательно. В Когурё и Пэкче были нарисованы фрески древних гробниц, нарисованные на стенах гробниц. В настоящее время сохранилось более 100 фресок Когурё, которые считаются важными историческими материалами, которые дают представление о его обществе, жизни аристократов и простых людей, а также о его вере в загробную жизнь.

В средние века по мере развития буддизма осталось множество реликвий буддийской живописи. Ранние буддийские картины включают буддийские картины в Пэндо и Пэ Сан-до, буддийские картины Силлы , а также множество реликвий из буддийских картин Корё. [103]

Многие эксперты полагают, что особенности современной корейской живописи всерьез появились во времена династии Чосон . Даже в это время все еще писались красочные картины, но литературные картины и рисунки тушью, отражающие конфуцианский порядок, были более популярны среди знатного сословия. [104] [105]

К югу от Сахары

Искусство Африки к югу от Сахары включает в себя как скульптуру , типичным примером которой является медное литье народа Бенина , Игбо Укву и Королевства Ифу , так и терракоты Дженне-Йено , Ифе и более древней культуры Нок , а также народное искусство . Одновременно с европейским средневековьем, в одиннадцатом веке нашей эры в Великом Зимбабве была основана нация, которая создавала грандиозную архитектуру, золотую скульптуру и сложные ювелирные изделия . Впечатляющая скульптура одновременно отливалась из латуни народом йоруба , проживающим на территории нынешней Нигерии. В Королевстве Бенин , также на юге Нигерии, которое началось примерно в то же время, были созданы элегантные алтарные бивни, медные головы, медные бляшки и дворцовая архитектура. Королевство Бенин было уничтожено британцами в 1897 году, и сейчас в Нигерии мало что осталось от искусства этой культуры. Сегодня самой значимой площадкой искусства в Африке является Йоханнесбургская биеннале .

Африка к югу от Сахары характеризуется высокой плотностью культур. Примечательными являются догоны из Мали ; народы Эдо , йоруба , игбо и цивилизация Нок из Нигерии ; Куба и люба из Центральной Африки ; народ ашанти из Ганы ; Зулусы из Южной Африки ; и народность фанг из Экваториальной Гвинеи (85%), Камеруна и Габона; люди цивилизации Сао из Чада; Народ квеле из восточного Габона, Республики Конго и Камеруна.

Бесчисленные формы африканского искусства являются компонентами некоторых из самых ярких и отзывчивых художественных традиций в мире и являются неотъемлемой частью жизни африканского народа. Созданные для конкретных целей произведения искусства могут раскрыть свою непреходящую значимость посредством физических преобразований, которые улучшают как их внешний вид, так и их силу. Многие традиционные формы африканского искусства созданы как проводники в мир духов и меняют внешний вид по мере добавления материалов, усиливающих их красоту и силу. Чем больше произведение используется и благословляется, тем более абстрактным оно становится из-за нарастания жертвенной материи и стирания оригинальных деталей.

Океания

Искусство Океании включает географические области Микронезии , Полинезии , Австралии, Новой Зеландии и Меланезии . Один из подходов рассматривает эту территорию тематически, уделяя особое внимание происхождению , войне, телу, полу, торговле, религии и туризму . К сожалению, из Океании сохранилось мало древнего искусства. Ученые полагают, что это, вероятно, связано с тем, что художники использовали скоропортящиеся материалы, такие как дерево и перья, которые не выживали в тропическом климате, и нет никаких исторических записей, которые могли бы ссылаться на большую часть этого материала. Таким образом, понимание художественной культуры Океании начинается с документирования ее жителями Запада, такими как капитан Джеймс Кук , в 18 веке. На рубеже 20-го века французский художник Поль Гоген провел значительное количество времени на Таити, живя среди местных жителей и создавая современное искусство — факт, который до сих пор переплетается с таитянской визуальной культурой. [ нужна цитата ] Искусство коренных народов Австралии часто выглядит как абстрактное современное искусство, но оно имеет глубокие корни в местной культуре.

Искусство Океании — последняя великая традиция искусства, оцененная по достоинству во всем мире. Несмотря на то, что это одна из самых давних непрерывных традиций искусства в мире, насчитывающая не менее пятидесяти тысячелетий, она оставалась относительно неизвестной до второй половины 20-го века.

Часто эфемерные материалы об искусстве аборигенов Австралии затрудняют определение древности большинства форм искусства, практикуемых сегодня. Наиболее устойчивыми формами являются многочисленные наскальные рисунки и наскальные рисунки, встречающиеся по всему континенту. Имеющиеся данные свидетельствуют о том, что на откосе Арнемленда были созданы изображения пятьдесят тысяч лет назад, предшествовавшие палеолитическим наскальным рисункам Альтамиры и Ласко в Европе.

Европейский

Средневековый

С упадком Римской империи с ок.  300 г. н. э. , период, впоследствии определенный как эпоха Средневековья, начался. Это продолжалось около тысячелетия, до начала эпохи Возрождения ок.  1400 . Раннее христианское искусство олицетворяет ранние этапы этого периода, за ним следуют византийское искусство , англосаксонское искусство , искусство викингов , оттоновское искусство , романское искусство и готическое искусство , при этом исламское искусство доминирует в восточном Средиземноморье. Средневековое искусство выросло из художественного наследия Римской империи и Византии , смешанного с «варварской» художественной культурой Северной Европы. [114]

В византийском и готическом искусстве средневековья господство церкви привело к появлению большого количества религиозного искусства . Широко использовалось золото в картинах, изображающих фигуры в упрощенной форме.

византийский

Собор Святой Софии ( Стамбул , Турция ), ок. 532–537 до н.э., Анфимий Траллесский и Исидор Милетский [115]

Византийское искусство состоит из совокупности христианских греческих художественных произведений Восточной Римской (Византийской) империи, [116] [117] , а также народов и государств, которые в культурном отношении унаследовали эту империю. Хотя сама Византийская империя возникла в результате упадка Рима и просуществовала до падения Константинополя в 1453 году, [118] дата начала византийского периода скорее ясна в истории искусства, чем в политической истории, хотя и неточна. Многие восточно-православные государства Восточной и Центральной Европы, а также в некоторой степени мусульманские государства восточного Средиземноморья на протяжении столетий сохранили многие аспекты культуры и искусства империи.

Сохранившееся византийское искусство в основном носит религиозный характер и – за исключениями в определенные периоды – сильно конвенционализировано, следуя традиционным моделям, которые переводят тщательно контролируемое церковное богословие в художественные термины. Основными средствами массовой информации были фресковая живопись , иллюминированные рукописи и деревянные панели, а также (особенно в более ранние периоды) мозаика , а фигуративная скульптура встречалась очень редко, за исключением небольших резных изделий из слоновой кости . Рукописная живопись до конца сохранила некоторые черты классической реалистической традиции, отсутствовавшие в более крупных произведениях. [119] Византийское искусство было очень престижным и востребованным в Западной Европе, где оно сохраняло постоянное влияние на средневековое искусство почти до конца средневекового периода. Это было особенно актуально в Италии, где византийские стили сохранялись в измененной форме на протяжении XII века и оказали формирующее влияние на искусство итальянского Возрождения . Но немногие входящие влияния повлияли на византийский стиль. С расширением Восточной Православной церкви византийские формы и стили распространились по всему православному миру и за его пределами. [120] Влияние византийской архитектуры, особенно в религиозных зданиях, можно найти в различных регионах от Египта и Аравии до России и Румынии.

Византийская архитектура печально известна использованием куполов . Он также часто отличался мраморными колоннами, кессонными потолками и роскошным декором, включая широкое использование мозаики с золотым фоном. Строительным материалом, использованным византийскими зодчими, был уже не мрамор, который так ценили древние греки. Для окон византийцы использовали в основном камень и кирпич, а также тонкие алебастровые листы. Мозаикой покрывали кирпичные стены и любые другие поверхности, на которых не выдержала бы фреска . Хорошие примеры мозаик протовизантийской эпохи находятся в соборе Святого Димитрия в Салониках (Греция), базилике Сант-Аполлинаре Нуово и базилике Сан-Витале (обе в Равенне в Италии), а также в соборе Святой Софии в Стамбуле . Греко-римские храмы и византийские церкви существенно различаются по внешнему и внутреннему облику. В Античности важнейшей частью храма была внешняя часть, поскольку внутрь, где находилась культовая статуя божества, которому был построен храм, доступ имел только жрец. Храмовые церемонии в древности происходили снаружи, и то, что видели молящиеся, было фасадом храма, состоящим из колонн, с антаблементом и двумя фронтонами. Но христианские литургии совершались внутри церквей, а снаружи обычно практически не было украшений. [121] [122]

Оттонианский

Эссенский крест с большими эмалями с драгоценными камнями и большими эмалями зенкшмельц , ок.  1000 . Оттон II работы Григория Мастера . Апофеоз Оттона III, Евангелия Лютара . Коронование Генриха II Христом из Сакраментария Генриха II .

Оттонианское искусство — это стиль дороманского немецкого искусства , охватывающий также некоторые произведения из Нидерландов , северной Италии и восточной Франции. Он был назван историком искусства Хубертом Яничеком в честь династии Оттонов , которая правила Германией и северной Италией между 919 и 1024 годами при королях Генрихе I , Отто I , Отто II , Отто III и Генрихе II . [127] В оттоновской архитектуре это ключевой компонент оттоновского Возрождения (около 951–1024 гг.). Однако этот стиль ни начал, ни закончился, чтобы полностью совпадать с правлением династии. Он возник через несколько десятилетий после их правления и сохранялся после оттоновских императоров до правления ранней династии Салиан , которой не хватает собственного художественного «стиля». [128] В традиционной схеме истории искусств искусство Оттона следует за искусством Каролингов и предшествует романскому искусству , хотя переходы в обоих концах периода скорее постепенные, чем внезапные. Подобно первому и в отличие от второго, этот стиль в значительной степени ограничивался несколькими небольшими городами того периода, важными монастырями , а также придворными кругами императора и его ведущих вассалов .

После упадка Каролингской империи IX века Священная Римская империя была восстановлена ​​под властью саксонской династии Оттонов. Благодаря этому возникла обновленная вера в идею Империи и реформированной Церкви, что привело к периоду повышенного культурного и художественного рвения. В этой атмосфере создавались шедевры, соединившие в себе традиции, черпавшие вдохновение оттоновских художников: модели позднеантичного, каролингского и византийского происхождения. Сохранившееся оттоновское искусство в основном носит религиозный характер и представлено в виде иллюминированных рукописей и изделий из металла и создавалось в небольшом количестве центров для узкого круга покровителей в кругу императорского двора, а также для важных деятелей церкви. Однако большая часть его была предназначена для показа широкой публике, особенно паломникам. [129]

Стиль, как правило, величественный и тяжелый, иногда чрезмерный, и первоначально менее сложный, чем Каролингские эквиваленты, с меньшим прямым влиянием византийского искусства и меньшим пониманием его классических моделей, но около 1000 г. во многих произведениях проявляется поразительная интенсивность и выразительность, как «Торжественная монументальность сочетается с живой замкнутостью, неземной, мечтательностью с острым вниманием к действительности, поверхностными узорами плавных линий и насыщенными яркими красками со страстной эмоциональностью». [130]

романский

Романский стиль, первый общеевропейский стиль, возникший после Римской империи , охватывал период с середины десятого по тринадцатый век. В этот период произошло возрождение монументальных каменных сооружений со сложными структурными программами.

Романские церкви характеризуются жесткой артикуляцией и геометрической четкостью, объединенными в единое объемное целое. Архитектура строгая, но оживленная декоративной лепкой капителей и порталов, а также фресками в интерьерах. Геометрический и лиственный узор уступает место все более трехмерной фигуративной скульптуре.

Церковь Св. Михаила, Хильдесхайм , Германия, 1001–1030 гг., рассматривается некоторыми как протороманская церковь. [131] [ для проверки нужна цитата ]

С середины одиннадцатого до начала тринадцатого веков романские картины были двухмерными, отличались смелыми, линейными очертаниями и геометрией, особенно в обработке драпировок; художники подчеркивали симметрию и фронтальность. Практически все западные церкви были расписаны, но, вероятно, лишь немногие маляры были монахами; вместо этого большую часть этой работы выполнили странствующие художники. Основная блокировка выполнялась по влажной штукатурке земляными красками. Ограниченная палитра, в которой преобладали белая, красная, желтая охра и лазурь, использовалась для максимального визуального эффекта, а плотные цвета образовывали фон из полос - практика, зародившаяся в позднем классическом искусстве как попытка различить землю и небо.

В конце одиннадцатого и двенадцатого веков, в великую эпоху западного монашества, Европа пережила беспрецедентные экономические, социальные и политические изменения, которые привели к растущему богатству землевладельцев, включая монастыри. Спрос на книги рос, а экономическое богатство способствовало производству богато иллюстрированных рукописей .

Одним из выдающихся артефактов того времени является гобелен из Байе длиной 70 метров . [132] [133] [134] В нем изображены события, приведшие к нормандскому завоеванию Англии с главными героями Уильямом, герцогом Нормандии , и Гарольдом, графом Уэссекса, впоследствии королем Англии , и кульминацией которых стала битва при Гастингсе 1066 года. Считается, что он датируется 11 веком. Он рассказывает историю с точки зрения норманнов-завоевателей, но сейчас считается, что он был сделан в Англии - скорее всего, женщинами, хотя дизайнер неизвестен. Он расположен во Франции .

Готика

Готическое искусство развилось в Северной Франции из романского стиля в 12 веке нашей эры и сопровождалось одновременным развитием готической архитектуры . Он распространился на всю Западную Европу , а также на большую часть Южной и Центральной Европы , никогда полностью не стирая классические стили в Италии. В конце 14 века развился изысканный придворный стиль интернациональной готики , который продолжал развиваться до конца 15 века.

Кирпичная готика была особым стилем готической архитектуры, распространенным в Северо-Восточной и Центральной Европе , особенно в регионах Балтийского моря и вокруг него , где нет ресурсов стоячей породы. Здания в основном построены из кирпича .

Внушительные готические соборы с их скульптурными программами и витражами олицетворяют готический стиль. [140] Он отличается от романского стиля своими ребристыми сводами и использованием стрел . Вместо толстых романских стен готические здания тонкие и высокие. Винтовые лестницы в башнях характерны для готической архитектуры. [141]

Готическая живопись, большая часть которой выполнена темперой , а позже маслом на панели, а также фреской и со все более широкой палитрой второстепенных цветов, обычно считается более «натуралистической», чем романская. Была подчеркнута человечность религиозного повествования, индивидуализировано эмоциональное состояние героев. [142] Рост урбанистики средневековой экономики и рост числа клерикалов и светских покровителей привели к изменению характера арт- рынка , что можно увидеть в развитии иллюминации готических рукописей . В мастерских работали специалисты для различных элементов страницы, таких как фигуры или мотивы виноградной лозы по краям. [143]

Ренессанс

Термин «Ренессанс», охватывающий раннее, северное и высокое Возрождение, описывает «возрождение» в Европе нового интереса к классической античности . Впервые со времен античности искусство стало убедительно реалистичным. Помимо древнего прошлого, художники эпохи Возрождения также изучали природу, понимая человеческое тело, животных, растения, пространство, перспективу и качества света. Самой распространенной темой были религиозные сюжеты, но также создавались изображения мифологических историй. Также не было единого стиля эпохи Возрождения. Каждый художник разработал свой собственный визуальный язык под влиянием своих предшественников и современников.

Раннее Возрождение было периодом большой творческой и интеллектуальной деятельности, когда художники полностью порвали с параметрами византийского искусства . Принято считать, что оно началось во Флоренции на территории современной Италии в начале 15 века. Для него характерен всплеск интереса к классической литературе , философии и искусству, рост торговли, открытие новых континентов, новые изобретения. Произошло возрождение интереса к искусству и литературе Древнего Рима , а изучение древнегреческих и латинских текстов породило концепции индивидуализма и разума, которые стали известны как гуманизм . Гуманисты рассматривали жизнь в настоящем и подчеркивали важность индивидуального мышления, которое повлияло на подходы художников.

Несмотря на то, что остальная часть Западной Европы была тесно связана с Италией, особенно с Флоренцией, Римом и Венецией, она также участвовала в эпохе Возрождения. [147] Северное Возрождение произошло в Европе к северу от Альп с начала 15 века, после периода художественного взаимного оплодотворения между севером и югом, известного как «международная готика». Между Северным и Итальянским Возрождением была большая разница. Художники Севера не стремились возродить ценности Древней Греции и Рима, как итальянцы, в то время как на юге итальянские художники и меценаты были поражены эмпирическим исследованием природы и человеческого общества, а также глубокими красками, которых могли достичь северные художники. в недавно разработанной среде масляной краски . Протестантская Реформация усилила интерес северян к светской живописи, такой как портреты или пейзажи. Двумя ключевыми северными художниками являются Иероним Босх , известный своими сюрреалистическими картинами, наполненными гибридными существами, такими как « Сад земных наслаждений» , и Альбрехт Дюрер , который вывел новое искусство гравюры на новый уровень.

Высокое Возрождение произошло в конце 15 - начале 16 веков и на него повлиял тот факт, что по мере стабилизации папской власти в Риме несколько пап заказали искусство и архитектуру, решив воссоздать былую славу города. Рафаэль и Микеланджело создали для пап обширные и грандиозные проекты. Самым известным произведением искусства этой части эпохи Возрождения, вероятно, является потолок Сикстинской капеллы .

Маньеризм оторвался от идеалов гармонии и рационального подхода к искусству Высокого Возрождения, приняв преувеличенные формы, вытянутые пропорции и более яркие цвета. Оно развивалось в Италии между 1510 и 1520 годами среди художников, которые превыше всего ценили оригинальность. Название этого движения происходит от итальянского maniera , что означает «стиль или манера». Это слово должно было описать стандарт совершенства, достигнутый в эпоху Высокого Возрождения, которого теперь должно придерживаться все искусство, но на практике это привело к стилизации и искусству «показывать искусство», иногда с большим успехом, примером может служить творчество Рафаэля . ученик Джулио Романо . Маньеризм также использовался в более общем смысле для описания периода после Возрождения и предшествующего барокко. [148]

Барокко

Версальский дворец ( Версаль , Франция), одно из самых знаковых зданий в стиле барокко, ок.  1660–1715 , Луи Ле Вау и Жюль Ардуэн-Мансар.

17 век был периодом нестабильных перемен как в науке, благодаря изобретениям и разработкам, таким как телескоп или микроскоп , так и в религии, поскольку католическая контрреформация оспаривала растущую популярность протестантской веры. После протестантской Реформации католическая церковь отреагировала Контрреформацией , постановив, что искусство должно вдохновлять зрителей страстными религиозными темами.

После маньеризма и развития в результате религиозной напряженности по всей Европе, искусство барокко возникло в конце 16 века. Название, возможно, происходит от «barocco», португальского слова, обозначающего жемчуг неправильной формы, и описывает искусство, сочетающее в себе эмоции, динамизм и драму с ярким цветом, реализмом и сильными тональными контрастами. Между 1545 и 1563 годами на Тридентском соборе было решено, что религиозное искусство должно поощрять благочестие, реализм и точность и, привлекая внимание и сопереживание зрителей, прославлять католическую церковь и укреплять образ католицизма. В следующем столетии радикально новые стили искусства барокко охватили и развили модели Высокого Возрождения и открыли новые горизонты как в религиозном искусстве, так и в новых разновидностях светского искусства – прежде всего пейзажа. Барокко и его поздний вариант рококо были первыми по-настоящему глобальными стилями в искусстве, доминировавшими на протяжении более двух столетий в искусстве и архитектуре Европы, Латинской Америки и за ее пределами, примерно с 1580 по 1750 годы. Родился в живописных мастерских Болоньи и Рима . В 1580-х и 1590-х годах, а также в римских скульптурных и архитектурных мастерских во втором и третьем десятилетиях 17 века барокко стремительно распространилось по Италии , Испании и Португалии , Фландрии, Франции , Нидерландам, Англии, Скандинавии, России, как а также в центры Центральной и Восточной Европы от Мюнхена (Германия) до Вильнюса ( Литва ). Португальская , Испанская и Французская империи, а также голландская торговая сеть сыграли ведущую роль в распространении этих двух стилей в Америке, колониальной Африке и Азии, в таких местах, как Лима , Мозамбик , Гоа и Филиппины .

Так же, как картины и скульптуры, соборы и дворцы в стиле барокко также характеризуются использованием иллюзий и драмы. Они также часто используют драматические эффекты света и тени и имеют роскошные, богато украшенные интерьеры, которые стирают границы между архитектурой, живописью и скульптурой. Другой важной характеристикой архитектуры барокко было наличие динамизма, выраженного в кривых, Соломоновых колоннах и овалах. Во Франции барокко является синонимом правления Людовика XIV между 1643 и 1715 годами, поскольку во время его правления в Париже, Версале и других частях Франции было построено множество монументальных зданий, таких как Версальский дворец , Замок Мезон , Замок де Во-ле-Виконт , колоннада Лувра или Дом Инвалидов . Помимо самого здания, важную роль играет и пространство, в котором оно расположено. Здания в стиле барокко пытаются привлечь внимание зрителей и доминировать над своим окружением, будь то небольшие по размеру, как Сан-Карло алле Кваттро Фонтане в Риме, или массивные, как новый фасад собора Сантьяго-де-Компостела , спроектированный как башня. над городом. В этот период процветало и прикладное искусство. Мебель в стиле барокко могла быть столь же напыщенной, как и комнаты, которые она должна была украсить, а ее мотивы и приемы были тщательно выверены, чтобы согласовываться с общей декоративной программой архитектора. Одним из самых престижных производителей мебели был Андре Шарль Буль , известный своей техникой маркетри , состоящей из склеивания листов черепахового панциря и латуни и вырезания их для формирования рисунка. Его работы также украшались позолоченными бронзовыми оправами. Сложные гобелены изображали сцены, вдохновленные классической античностью , а мануфактура Савоннери производила большие высокодетализированные ковры для Лувра. Эти ковры с черным или желтым фоном имели центральный мотив или медальон . Китайский фарфор , фаянсовая посуда и зеркала, изготовленные на заводе Сен-Гобен (Франция), быстро распространились во всех княжеских дворцах и аристократических резиденциях Франции. Во времена правления Людовика XIV над каминными полками размещали большие зеркала , и эта тенденция сохранится еще долго после периода барокко. [163]

Рококо

Coiffure à l'Indépendance ou Le Triomphe de la Liberté, 1778 год, изображающая модную аристократическую женщину, наносящую последние штрихи в свой туалет [172].

Возникнув в ок. 1720 Париж, рококо характеризуется природными мотивами, мягкими цветами, изогнутыми линиями, асимметрией и темами, включая любовь, природу и беззаботные развлечения. Ее идеалами были деликатность, веселость, молодость и чувственность.

Начавшись во Франции как реакция на тяжелое барочное величие двора Людовика XIV в Версальском дворце , движение рококо стало ассоциироваться, в частности, с могущественной мадам де Помпадур (1721–1764), любовницей нового короля Людовика XV ( 1710–1774). Из-за этого стиль также был известен как «Помпадур». Название механизма происходит от французского «rocaille», что означает «камень», и относится к камням и ракушкам, украшающим интерьеры пещер, поскольку подобные формы раковин стали общей чертой дизайна рококо. Он начался как стиль дизайна и декоративного искусства и характеризовался элегантными плавными формами. За ней последовала архитектура, а затем живопись и скульптура. Французский художник, с которым чаще всего ассоциируется термин «рококо», — это Жан-Антуан Ватто , чьи пасторальные сцены, или галантные праздники , доминируют в начале 18 века.

Хотя в этом стиле есть несколько важных баварских церквей, таких как Вискирхе , рококо чаще всего ассоциируется со светскими зданиями, в основном с большими дворцами и салонами, где образованная элита встречалась для обсуждения литературных и философских идей. В Париже его популярность совпала с появлением салона как нового типа общественных собраний, места проведения которого часто оформлялись в стиле рококо. Среди наиболее характерно элегантных и изысканных примеров — Овальный салон принцессы отеля de Soubise , одного из самых красивых особняков 18-го века в Париже. Рококо внес кардинальные изменения в элитную мебель, поскольку отдавал предпочтение более мелким предметам с узкими, жилистыми рамами и более тонким, часто асимметричным декором, часто включая элементы шинуазри . Пристрастие к дальневосточным предметам (в основном китайским) привело к использованию в мебели китайских расписных и лакированных панелей.

Движение быстро распространилось по всей Европе и даже в Османской Турции и Китае благодаря книгам с орнаментами, включающим картуши , арабески и ракушки, а также дизайну стеновых панелей и каминов. Наибольшую популярность имели Жюст-Орель Мейсонье (1695–1750), Жак-Франсуа Блондель (1705–1774), Пьер-Эдме Бабель (1720–1775) и Франсуа де Кювилье (1695–1768). [173]

Неоклассицизм

Клятва Горациев , Жак-Луи Давид , 1784, холст, масло, Лувр [176]

Вдохновленный раскопками древнеримских городов Помпеи и Геркуланума в 1748 году, возник новый интерес к античному искусству. Неоклассицизм доминировал в западном искусстве с середины до конца 18 века и до 1830-х годов. Охватывая порядок и сдержанность, он развился в ответ на легкомыслие, гедонизм и упадок рококо и стал примером рационального мышления « Эпохи Просвещения » (также известной как «Эпоха разума»). Первоначально движение развивали не художники, а философы-просветители. Они просили заменить рококо стилем искусства рационального, нравственного и посвященного душе. [177] Это хорошо соответствовало восприятию классического искусства как воплощения реализма, сдержанности и порядка. Вдохновленные древнегреческим и римским искусством , классические исторические картины французского художника Николя Пуссена (1594–1665) и идеи немецкого писателя Антона Рафаэля Менгса (1728–1779) и немецкого археолога и искусствоведа Иоганна Иоахима Винкельмана (1717) –1768), неоклассицизм зародился в Риме, но вскоре распространился по всей Европе. К середине 18 века Рим стал главным центром Гранд-тура , и путешественники-аристократы отправлялись туда в поисках классических образов, чтобы воссоздать их в своих загородных поместьях, тем самым распространяя этот стиль по всей Европе, особенно в Англии и Франции. Тур также предоставил возможность собрать предметы классического антиквариата. Неоклассические картины, как правило, были наполнены фигурами, позирующими как классические статуи или рельефы, расположенными в местах, наполненных археологическими деталями. Этот стиль отдавал предпочтение греческому искусству перед римским, считая его более чистым и подлинно классическим по своей эстетической цели.

В 1789 году Франция была на пороге своей первой революции , и неоклассицизм стремился выразить свои патриотические чувства. Политика и искусство в этот период были тесно переплетены. Они считали, что искусство должно быть серьезным, и ценили рисунки выше живописи; Конечной целью были плавные контуры и рисование без заметных мазков. И живопись, и скульптура отличались спокойствием и сдержанностью, фокусировались на героических темах, выражали такие благородные понятия, как самопожертвование и национализм.

Это движение проложило путь романтизму , который появился, когда идеализм революции угас и после того, как наполеоновский период подошел к концу в начале 19 века. Однако неоклассицизм следует рассматривать не как противоположность романтизму, а в некотором смысле как его раннее проявление. [178] [179]

Западное искусство после 1770 года

Призрак блохи ; Уильям Блейк ; 1819 г.; темпера с золотом на панели (21,4 × 16,2 см); Тейт Британия, Лондон

Многие искусствоведы относят зарождение современного искусства к концу XVIII века, другие — к середине XIX века. Историк искусства Х. Гарвард Арнасон заявил, что «в течение ста лет произошла постепенная метаморфоза». [187] Такие события, как Эпоха Просвещения , революции и демократии в Америке и Франции , а также Промышленная революция , оказали далеко идущее влияние на западную культуру. Люди, товары, идеи и информация могли путешествовать между странами и континентами с беспрецедентной скоростью, и эти изменения отразились в искусстве. Изобретение фотографии в 1830-х годах еще больше изменило некоторые аспекты искусства, особенно живопись. К началу XIX века завершился долгий и постепенный сдвиг парадигмы: от готики, когда художники рассматривались как ремесленники, служащие церкви и монархиям, к идее искусства ради искусства, где идеи и видения Отдельные художники пользовались большим уважением под покровительством все более грамотного, богатого городского населения среднего и высшего класса, которое появлялось в течение 200 лет (особенно в Париже и Лондоне). В конце XVIII века возникла дихотомия между неоклассицизмом и романтизмом, которая разделяла и продолжала пронизывать практически каждое новое движение в современном искусстве: «Распространяясь, как волны, эти «измы» бросают вызов национальным, этническим и хронологическим границам; никогда нигде долго не доминируя. , они конкурируют или сливаются друг с другом, образуя бесконечно меняющиеся модели». [188]

Современное искусство последовательно движется к международному влиянию и обменам, от экзотического любопытства ориентализма и более глубокого влияния японизма к искусству Океании, Африки и Америки. И наоборот, современное искусство все больше выходит за пределы Западной Европы. В России и США искусство к концу XIX века развивалось до уровня, конкурирующего с ведущими европейскими странами. Многие из крупных движений возникли также в Латинской Америке, Австралии и Азии, а география и национальность с каждым десятилетием становились все более незначительными. К 20 веку во всем мире появились важные и влиятельные художники: например, Фухита (Япония), Аршил Горки (Армения), Диего Ривера и Фрида Кало (Мексика), Вифредо Лам (Куба), Эдвард Мунк (норвежец), Роберто Матта ( чилиец), Марк Ротко (американец литовского происхождения), Фернандо Ботеро Ангуло (Колумбия), Константин Бранкузи и Виктор Браунер (Румыния). [189] [190] [191] [192] [193]

19 век

Романтизм (ок. 1790–1880)

Английский пейзажный сад в Стоурхеде (Великобритания), 1740-е годы, автор Генри Хоар [194]
Странник над морем тумана автора Каспар Давид Фридрих

Романтизм возник в конце 18 века из немецкого движения «Штурм и натиск» и процветал в первой половине 19 века со значительными международными проявлениями в музыке, литературе и архитектуре, а также изобразительном искусстве. Оно возникло из разочарования в рационализме Просвещения XVIII века. Несмотря на то, что его часто рассматривают как противоположность неоклассицизму, в обоих движениях были некоторые стилистические совпадения, и многие художники-романтики были воодушевлены классицизмом. Движение сосредоточилось на сильных эмоциях, воображении и впечатляющей силе природы, более крупной и могущественной силе, чем сила человека, с ее потенциалом катастрофы. «Неоклассицизм — это новое возрождение классической античности… в то время как романтизм относится не к конкретному стилю, а к душевному состоянию, которое может проявляться множеством способов». [195]

Одним из самых ранних проявлений романтизма был английский пейзажный сад , тщательно спроектированный так, чтобы выглядеть естественным и резко контрастировать с формальными садами того времени. Концепция «естественного» английского сада в последующие десятилетия была принята по всей Европе и Америке. В архитектуре романтики часто обращались к альтернативным источникам, отличным от греческих и римских образцов, которыми восхищались неоклассики. Романтическая архитектура часто возрождала готические формы и другие стили, такие как экзотические восточные модели. Вестминстерский дворец ( здание парламента) в Лондоне является примером романтической архитектуры, которую также называют готическим возрождением . [195] В живописи романтизм иллюстрируется картинами Франсиско Гойи в Испании, Эжена Делакруа и Теодора Жерико во Франции, Уильяма Блейка , Генри Фюзели , Сэмюэля Палмера и Уильяма Тернера в Англии, Каспара Давида Фридриха и Филиппа Отто Рунге в Германии, Франческо Хайес в Италии, Йохан Кристиан Клауссен Даль в Норвегии и Томас Коул в Америке. Примеры скульпторов романтического периода включают Антуана-Луи Барье , Жана-Батиста Карпо , Огюста Прео и Франсуа Рюда . По мере того как романтизм исчерпал себя, некоторые аспекты движения превратились в символизм. [196] [197] [192] [198] [199]

Академизм

Академизм — это кодификация искусства в правила, которым можно научиться в художественных академиях. Он пропагандирует классические идеалы красоты и художественного совершенства. Также существовала очень строгая иерархия предметов. Вверху располагались картины, изображающие исторические события, в том числе библейские и классические , за ними следовали портрет и пейзаж . Внизу иерархии находились натюрморт и жанровая живопись . Николя Пуссен — художник, чьи произведения и теории сыграли важнейшую роль в развитии академизма. В центре просветительского проекта открытия основных принципов и идеалов искусства находились юдоли академизма.

В течение 18 века по всей Европе было основано множество академий, которые впоследствии будут доминировать в искусстве 19 века. Чтобы поступить в художественную академию, молодым художникам приходилось сдавать вступительные экзамены, и после поступления они должны были учиться там несколько лет. Большинство французских художественных движений XIX века были внешними или даже противостоявшими ценностям академизма.

Одними из самых важных художников французской академии были Вильям Бугро (1825–1905), Жан-Леон Жером (1824–1904), Александр Кабанель (1823–1889) и Тома Кутюр (1815–1879). Академическое искусство тесно связано с архитектурой изящных искусств , которая развивалась там же и придерживается аналогичного классицистического идеала. Стиль изящных искусств получил свое название от Школы изящных искусств в Париже, где он развивался и где учились многие из основных представителей этого стиля. [205] [206]

Возрождение и эклектика

Когда дело доходит до архитектуры и прикладного искусства, XIX век наиболее известен как век возрождения . Одним из самых известных стилей возрождения является готическое возрождение или неоготика, которая впервые появилась в середине 18 века в нескольких домах в Англии , таких как Strawberry Hill House в Лондоне. Однако эти дома были единичными случаями, поскольку в начале 19 века господствовал неоклассицизм . Позже, между 1830 и 1840 годами, под влиянием романтизма развились вкус и ностальгия по новому открытию прошлых стилей, начиная от Средневековья до XVIII века. Примерно до Первой мировой войны в мире архитектуры и прикладного искусства доминировали переосмысления прошлого. Появились ассоциации между стилями и типами зданий, например: египетский для тюрем, готический для церквей или возрождение эпохи Возрождения для банков и бирж. Этот выбор был результатом других ассоциаций: фараоны со смертью и вечностью , Средневековье с христианством или семья Медичи с подъемом банковского дела и современной торговли. Иногда эти стили также рассматривались с националистической точки зрения, исходя из идеи, что архитектура может представлять славу нации. Некоторые из них рассматривались как «национальные стили», например, готическое возрождение в Великобритании и немецких государствах или румынское возрождение в Румынии. Огастес Пьюгин называл готический стиль «абсолютным долгом» [211] английского архитектора, несмотря на то, что стиль имеет французское происхождение. Таким образом, архитектура и прикладное искусство использовались для создания ауры идеализированного славного прошлого. Некоторые архитекторы и дизайнеры связывали исторические стили, особенно средневековые, с идеализированной фантастической органичной жизнью, которую они ставили в сравнение с реальностью своего времени. [212]

Несмотря на широкое распространение возрожденчества, это не означает, что в этих работах не было оригинальности. Архитекторы, эбенисты и другие мастера, особенно во второй половине XIX века, создавали миксы стилей, извлекая и интерпретируя элементы, характерные для определенных эпох и областей. Эта практика известна как эклектика . Это стилистическое развитие произошло в период, когда конкуренция на Всемирных выставках побудила многие страны изобретать новые промышленные методы творчества.

Реализм (ок. 1830–1890)

Реализм возник в середине девятнадцатого века, ок. 1840 г., и имел аналоги в скульптуре, литературе и драме, что в литературе часто называют натурализмом . В живописи девятнадцатого века термин «реализм» больше относится к изображаемому предмету, чем к стилю или технике. Реалистические картины обычно представляют обычные места и людей, занятых повседневной деятельностью, в отличие от величественных идеализированных пейзажей, мифологических богов, библейских сюжетов, а также исторических личностей и событий, которые часто доминировали в живописи западной культуры. Курбе сказал: «Я не могу нарисовать ангела, потому что никогда его не видел». [195]

Реализм также был отчасти реакцией на зачастую драматические, экзотические и эмоционально заряженные произведения романтизма. Термин реализм применяется по отношению к идеализированным образам неоклассицизма и романтизированным образам романтизма. Такие художники, как Жан-Батист-Камиль Коро и Оноре Домье , имели свободные ассоциации с реализмом, как и члены Барбизонской школы , особенно Жан-Франсуа Милле , но, возможно, именно Гюстав Курбе был центральной фигурой в движении, идентифицируя себя как реалист, защищающий реализм и влияющий на молодых художников, таких как Эдуард Мане . Важным аспектом реализма была практика написания пейзажей на пленэре и ее последующее влияние на импрессионизм .

За пределами Франции примером реализма являются такие художники, как Вильгельм Лейбль в Германии, Форд Мэдокс Браун в Англии и Уинслоу Гомер в Соединенных Штатах. Историк искусства Х. Х. Арнасон писал: «Хронологическая последовательность неоклассицизма, романтизма и реализма представляет собой, конечно, лишь удобное наслоение движений или тенденций, настолько неразрывно связанных друг с другом и с предшествующими движениями, что невозможно сказать, где одно закончилось и началось другое», [213] и это становится еще более уместным и сложным, если проследить все движения и «измы» конца 19-го и начала 20-го веков. [214] [215] [216] [216] [217]

Импрессионизм (ок. 1865–1885)

Впечатление, Восход ; Клод Моне ; 1872 г.; масло на холсте; 48,1 х 62,8 см; Музей Мармоттан Моне (Париж) [220]

Импрессионизм возник во Франции под влиянием реализма , Барбизонской школы и художников на пленэре , таких как Эжен Буден , Камиль Коро , Шарль-Франсуа Добиньи и Йохан Бартольд Йонгкинд . Начиная с конца 1850-х годов, некоторые импрессионисты завели знакомства и дружбу, будучи студентами в Париже, особенно в свободной Швейцарской академии и студии Шарля Глейра . Их прогрессивные работы часто отвергались консервативным жюри престижных салонов Академии изящных искусств , форума, куда многие художники обращались, чтобы укрепить свою репутацию, а многие молодые художники были включены в широко разрекламированный, но высмеиваемый Салон отказников в 1863. В 1874 году они сформировали Анонимное кооперативное общество художников-художников, скульпторов, граверов, независимое от академии, и организовали первую из нескольких выставок импрессионистов в Париже, вплоть до 1886 года, когда была проведена их восьмая и последняя выставка. Важными фигурами в движении были Фредерик Базиль , Гюстав Кайботт , Мэри Кассат , Поль Сезанн , Эдгар Дега , Арман Гийомен , Эдуард Мане , Клод Моне , Берта Моризо , Камиль Писсарро , Пьер-Огюст Ренуар и Альфред Сислей . Хотя импрессионизм был в первую очередь движением художников, Дега и Ренуар также создавали скульптуры, а другие, такие как Огюст Роден и Медардо Россо , иногда связаны с импрессионизмом. К 1885 году импрессионизм достиг некоторой известности, и тем не менее молодое поколение уже раздвигало границы импрессионизма. Художники из России , Австралии , Америки и Латинской Америки вскоре переняли стиль импрессионизма. Некоторые из первых импрессионистов продолжали создавать значительные работы в 1910-х и 1920-х годах. [215] [221] [222]

Хотя это и не было беспрецедентным явлением, многие из использованных методов отличались от традиционных методов. Картины часто выполнялись за часы или дни с нанесением влажной краски на влажную краску (в отличие от краски, нанесенной мокрой на сухую краску, которая выполнялась за недели и месяцы). Вместо нанесения глазури и смешанных цветов, чистые цвета часто наносились рядом, толстыми, непрозрачными, импасто мазками; сливаются в глазах зрителя при наблюдении на расстоянии. Черный цвет использовался очень экономно или вообще не использовался, а определяющие линии заменялись тонкими цветными штрихами, образующими предметы, контуры и формы. Историк искусства Х.В. Янсон сказал: «Вместо того, чтобы усиливать иллюзию реального пространства, это усиливает единство реальной окрашенной поверхности». [195] Картины импрессионистов обычно изображают пейзажи, портреты, натюрморты, домашние сцены, повседневный отдых и ночную жизнь, и все это рассматривается в реалистической манере. Композиции часто основывались на необычных перспективах, выглядели спонтанными и откровенными. Картины обычно были лишены дидактического, символического или метафорического значения и редко затрагивали библейские, мифологические и исторические сюжеты, которые так высоко ценились академиями, или более темные психологические интересы, исследуемые символистами. Исследовались нюансы света, тени, атмосферы и отражения цветов от поверхностей, иногда подчеркивая изменения этих элементов во времени. Сама картина была предметом картины. Это было искусство ради искусства , идея, которая витала в воздухе в течение нескольких десятилетий, но, возможно, достигла нового максимума и последовательности в импрессионизме. [191] [215] [221] [222]

Символизм (ок. 1860–1915)

Символизм возник во Франции и Бельгии в 3-й четверти XIX века и в 1870-х годах распространился по Европе, а затем в меньшей степени и по Америке. Он развился из романтизма без четкой или определяющей точки разграничения, хотя поэзия, литература и, в частности, публикация « Цветов зла » Шарля Бодлера в 1857 году сыграли важную роль в развитии символизма. Оно имело международное выражение в поэзии, литературе, драме и музыке. В архитектуре прикладное искусство и символика декоративного искусства тесно связаны и пересекаются с модерном . Символизм часто неразрывно связан с другими движениями современного искусства, проявляясь и находя выражение в других стилях, таких как постимпрессионизм , «Наби » , декадентское движение , « Конец века» , «Ар нуво» , « Мюнхенский сецессион» , « Венский сецессион» , экспрессионизм и т. д. даже прерафаэлиты , сформировавшиеся раньше и влиявшие также на символику. Такие разные художники, как Джеймс Макнил Уистлер , Эжен Карьер , Фердинанд Ходлер , Фернан Кнопф , Джованни Сегантини , Люсьен Леви-Дюрмер , Жан Дельвиль и Джеймс Энсор , все имели разную степень связи с символизмом. Историк искусства Роберт Л. Делевой писал: «Символизм был не школой, а атмосферой того времени». [225] Он быстро начал угасать с появлением фовизма , кубизма , футуризма и в значительной степени рассеялся с началом Первой мировой войны, однако он нашел некоторое устойчивое развитие и актуальность в метафизической школе , которая, в свою очередь, имела глубокую влияние на сюрреализм. [225] [191] [226]

Сюжеты, темы и значения символистского искусства часто завуалированы и неясны, но в лучшем случае им удается глубоко резонировать на психологическом или эмоциональном уровне. Сюжеты часто представлены в виде метафор или аллегорий с целью вызвать у зрителя весьма субъективные, личные, интроспективные эмоции и идеи, без четкого определения или прямого обращения к предмету. Поэт Стефан Малларме писал: «Изобразите не вещь, а эффект, который она производит» [227] и «Назвать предмет — значит подавить три четверти удовольствия от стихотворения, которое делается понятным постепенно». [226] Английский художник Джордж Фредерик Уоттс заявил: «Я рисую идеи, а не вещи». [225] [191] [226]

Постимпрессионизм (ок. 1885–1910)

Воскресный полдень на острове Ла-Гранд-Жатт ; Жорж Сёра ; 1884–1886; масло на холсте; 2,08 х 3,08 м; Институт искусств Чикаго [230]

Постимпрессионизм — довольно неточный термин, применяемый к разным поколениям художников. В самом строгом смысле это относится к четырем очень влиятельным художникам: Полю Сезанну , [231] [232] Полю Гогену , [233] [234] Жоржу Сёра , [235] [236] и Винсенту Ван Гогу . [237] [238] Каждый из них прошел через фазу импрессионизма, но в конечном итоге появился с четырьмя очень оригинальными, но разными стилями. В совокупности их работы предвосхитили и часто непосредственно повлияли на большую часть авангардного искусства, появившегося до Первой мировой войны, включая фовизм, кубизм, экспрессионизм и раннюю абстракцию. Сезанн (оказавший особое влияние на кубизм) и Ван Гог работали в относительной изоляции, вдали от Парижа, в критические моменты своей карьеры, в то время как Сёра и Гоген работали в группах, более совместно, в ключевые моменты своего развития. Другой важный художник того периода — Тулуз-Лотрек , влиятельный живописец и график. [239] [240] В более широком смысле постимпрессионизм включает в себя поколение преимущественно французских и бельгийских художников, работавших в различных стилях и группах. Большинство из них в какой-то момент попали под влияние импрессионизма, но уже в середине 1880-х годов выдвинули свои работы за его пределы в ряд фракций, иногда как логическое развитие импрессионизма, иногда как реакцию против него. Постимпрессионисты обычно изображали импрессионистские сюжеты, но работы, особенно синтетизм, часто содержали символизм, спиритуализм и угрюмую атмосферу, которая редко появлялась в импрессионизме. Неестественные цвета, узоры, плоские равнины, странные перспективы и точки зрения, доведенные до крайности, — все это переместило центр модернизма на шаг ближе к абстракции со стандартом для экспериментов. [213] [241] [242]

Неоимпрессионизм ( Дивизионизм или Пуантилизм , ок. 1884–1894) исследовал свет и цвет на основе научных теорий цвета, создавая мозаику из мазков чистых цветов, иногда выложенных в ритмические узоры с линиями под влиянием модерна . Ведущими художниками были Жорж Сёра и Поль Синьяк , среди других - Анри-Эдмон Кросс , Максимилиан Люс , Альберт Дюбуа-Пийе , а какое-то время Писсарро и Ван Гог . Он оказал влияние на фовизм, а элементы стиля появились в экспрессионизме, кубизме и ранней абстракции. Синтезм ( Клуазонизм ок. 1888–1903) Клуазонизм был задуман Эмилем Бернаром и немедленно подхвачен и развит Полем Гогеном и другими в колонии художников в Пон-Авене (Бретань, Франция). Стиль напоминал перегородчатую эмаль или витраж с плоскими, яркими цветами, обведенными черными или темными цветами. Синтезм, примером которого являются работы Гогена и Поля Серюзье , представляет собой немного более широкий термин с меньшим акцентом на темные очертания и качества перегородчатой ​​эмали. Другие художники включают Куно Амье , Луи Анкетена , Шарля Филигера , Якоба Мейера де Хаана , Шарля Лаваля и Армана Сегена . Их творчество оказало большое влияние на фовизм и экспрессионизм. Les Nabis (ок. 1890–1905: на иврите пророки или иллюминаты) было более крупным движением во Франции и Бельгии, которое эклектично опиралось на прогрессивные элементы синтетизма, неоимпрессионизма, символизма и модерна. Возможно, более влиятельным, чем искусство, были многочисленные теории, манифесты и заразительный энтузиазм по поводу авангарда, задавшие тон распространению движений и «измов» в первой четверти 20-го века. La Revue Blanche часто публиковала Les Nabis и произведения символического содержания. Работы Эдуарда Вюйара , [243] [244] и Пьера Боннара , [245] [246] ок. 1890–1910 годы являются образцовыми для Les Nabis, хотя оба развивали свои стили и произвели значительную работу до 1940-х годов. Другие художники включают Морис Дени , Максим Детома , Мейер де Хаан , Анри-Габриэль Ибельс , Жорж Лакомб , Аристид Майоль ,Поль Рэнсон , Кер-Ксавье Руссель , Арман Сеген , Поль Серюзье , Феликс Валлоттон , Ян Веркаде и другие. [213] [241] [242]

Начало 20 века

История искусства XX века — это повествование о бесконечных возможностях и поиске новых стандартов, каждый из которых последовательно разрушается другим. Художественные движения фовизма , экспрессионизма , кубизма , абстрактного искусства , дадаизма и сюрреализма привели к дальнейшим исследованиям новых творческих стилей и способов выражения. Растущее глобальное взаимодействие в это время привело к аналогичному влиянию других культур на западное искусство, например, Пабло Пикассо находился под влиянием иберийской скульптуры , африканской скульптуры и примитивизма . Японизм и японские гравюры на дереве (которые сами находились под влиянием рисования Западного Возрождения) оказали огромное влияние на импрессионизм и последующее художественное развитие. Влиятельный пример, поданный интересом Поля Гогена к искусству Океании, и внезапная популярность среди знатоков в Париже начала 20-го века недавно открытых африканских фетиш-скульптур и других произведений неевропейских культур были подхвачены Пикассо, Анри Матиссом и многими другими. своих коллег. Позже, в 20 веке, популярность приобрели поп-арт и абстрактный экспрессионизм .

Модерн (ок. 1890–1914).

Станция метро Porte Dauphine (Париж), автор Гектор Гимар , 1900 год [247]

Ар-нуво ( по-французски : новое искусство ) было международным и широко распространенным движением в области искусства и дизайна, которое возникло в последние десятилетия 19-го века до Первой мировой войны в 1914 году. Оно приобрело международную известность благодаря Всемирной выставке 1900 года в Париже . Развиваясь почти одновременно в некоторых частях Европы и США, это была попытка создать уникальную и современную форму выражения, которая пробудила бы дух нового века. Оно проявилось в живописи, иллюстрации, скульптуре, ювелирных изделиях, изделиях из металла, стекле, керамике, текстиле, графическом дизайне, мебели, архитектуре, дизайне костюмов и моде. Художники модерна стремились поднять статус ремесла и дизайна до уровня изобразительного искусства .

Это движение тесно связано с извилистыми органическими формами, такими как цветы, виноградные лозы и листья, а также с насекомыми и животными, благодаря работам таких художников, как Альфонс Муха , Виктор Орта , Гектор Гимар , Антонио Гауди , Рене Лалик или Эмиль Галле . Проекты и здания в стиле модерн часто могут быть асимметричными. Несмотря на наличие отличительных характеристик, этот стиль также имел множество региональных и национальных интерпретаций.

Несмотря на то, что мода просуществовала недолго, она проложила путь современной архитектуре и дизайну 20 века. Это был первый архитектурный стиль, не имеющий исторических прецедентов. XIX век был известен практикой, известной как историзм , то есть использованием визуальных стилей, которые сознательно перекликаются со стилем предыдущей художественной эпохи. Между ц. В 1870 и 1900 годах произошел кризис историзма, во время которого историцистская культура подвергалась критике, одним из голосов был Фридрих Ницше в 1874 году, который диагностировал «злокачественный исторический пыл» как один из разрушительных симптомов современной культуры, отягощенной археологическими исследованиями. и вера в законы исторического прогресса. Несмотря на это, модерн также находился под сильным влиянием стилей прошлого, таких как кельтское , готическое и рококо , а также движения искусств и ремесел , эстетизма , символизма и особенно японского искусства . [248] [249]

Фовизм (ок. 1898–1909)

Фовизм возник из постимпрессионизма и постепенно превратился в первое крупное движение 20 века. Его зарождение произошло в 1895 году, когда Анри Матисс , старейшая и центральная фигура, вошел в студию Гюстава Моро в Школе изящных искусств . Там он встретил Жоржа Руо , Шарля Камуана , Анри Мангена и Альбера Марке . Марке сказал: «Еще в 1898 году мы с Матиссом работали в манере, которую позже назвали фовизмом. Первые выставки в Indepéndants, на которых мы были, я полагаю, единственными, кто рисовал в чистых тонах, относятся к 1901 году. ." [250] К 1902–03 круг художников-единомышленников расширился и включил в себя Жоржа Брака , Андре Дерена , Рауля Дюфи , Отона Фриса , Жана Метцингера , Жана Пюи , Луи Вальтата , Кеса ван Донгена и Мориса де Вламинка . В этот период в Париже прошел ряд влиятельных ретроспективных выставок: Сёра (1900, 1905), Ван Гог (1901, 1905), Тулуз-Лотрек (1902), Гоген (1906), Сезанн (1907), все они относительно неизвестны. общественность того времени. Матисс и Дерен собирали африканские резные фигурки, что было новым, но растущим любопытством того времени. Матисс провел лето 1904 года в Сен-Тропе, рисуя вместе с неоимпрессионистами Полем Синьяком и Анри-Эдмоном Кроссом , а в 1905 году - Камуаном, Мангеном и Марке. Художник регулярно демонстрировался в Салоне Независимых и Осеннем салоне 1903–1908 годов, а в 1905 году их работы произвели фурор и скандал. Матисс заявил: «Мы выставлялись в Осеннем салоне, Дерен, Манген, Марке, Пюи и некоторые другие были выставлены вместе в одной из больших галерей. В центре этой комнаты скульптор Марк выставил бюст ребенка. очень в итальянском стиле. Воксель [художественный критик Жиля Бласа ] вошел в комнату и сказал: «Ну! ну! Донателло в тумане диких зверей! [Donatello chez les fauves]». [251]Общественность не воспринимала это движение как единое целое, но после публикации его название прижилось. В отличие от импрессионистов и их долгой борьбы за признание, авангард к 1906–1907 годам имел активную аудиторию, а фовисты привлекали коллекционеров из Америки в Россию. Однако фовизм в значительной степени распался в 1908 году, когда появился кубизм, большая часть художников начала исследовать другие стили и двигаться в разных направлениях. Только Матисс и Дюфи продолжали исследовать фовизм до 1950-х годов. [250] [252] [253] [254] [255]

Фовист писал пейзажи на пленэре , интерьеры, фигуры и натюрморты, следуя образцам реализма, импрессионизма и постимпрессионизма. Краску они наносили рыхлыми мазками, густыми, неестественными, часто контрастными, яркими цветами, иногда прямо из тюбика. Влияние Гогена с его исследованием выразительных ценностей и пространственных аспектов узоров с использованием плоских, чистых цветов, а также его интерес к примитивизму , а также неоимпрессионизму были значительными. Матисс объяснял – цвет долгое время служил дополнением рисунка, художники эпохи Возрождения строили картину по линиям, добавляя впоследствии местный колорит – написав: «От Делакруа до Ван Гога и главным образом до Гогена, через импрессионистов, который расчистил почву, и Сезанна, который дал последний импульс и представил цветные объемы, мы можем проследить эту реабилитацию функции цвета, это восстановление его эмоциональной силы» [250]. Фовизм был кульминацией перехода от рисунка и линии как фундаментальные основы дизайна в живописи были переданы цвету, а свои сюжеты они изображали на грани абстракции. [250] [252] [253] [254] [255]

Экспрессионизм (ок. 1905–1930)

Улица, Берлин ; Эрнст Людвиг Кирхнер ; 1913 год; масло на холсте; 1,21 х 0,91 м; Музей современного искусства (Нью-Йорк) [257]

Экспрессионизм — международное движение в живописи, скульптуре, графике, поэзии, литературе, театре, кино и архитектуре. Некоторые связывают с этим движением Вторую венскую школу и другую музыку того периода. Большинство историков относят начало экспрессионизма к 1905 году с основанием Die Brücke . Однако некоторые художники создавали влиятельные работы в духе экспрессионизма c. 1885–1905, включая Ловиса Коринта , Джеймса Энсора , Кете Кольвиц , Паулу Модерсон-Беккер , Эдварда Мунка , Эмиля Нольде и Кристиана Рольфса среди других. Многие из этих художников позже выставлялись и сотрудничали с различными экспрессионистскими группами. Для экспрессионистской живописи характерна свободная, спонтанная, часто толстая, пастозная мазок. Это часто передавало то, как художник относился к своему предмету, в отличие от того, как он выглядел, ставя интуицию и внутренние чувства выше реалистичных представлений или теорий искусства. Экспрессионизм часто был пропитан тревогой или радостью, а также общим вовлечением в современную жизнь и социальные проблемы, которые часто отсутствовали в фокусе фовизма на дизайне и цвете, применяемом к нейтральным предметам. Особого внимания в экспрессионизме заслуживают гравюры на дереве . Экспрессионизм иногда может пересекаться и интегрироваться с другими стилями и движениями, такими как символизм , фовизм , кубизм , футуризм , абстракция и дадаизм . Несколько групп и фракций экспрессионистов возникали в разное время и в разных местах. [213] [242] [213] [258] [259]

Die Brücke (Мост: 1905–1913) стремилась соединить «все революционные и бурно развивающиеся элементы». [258] Он был основан четырьмя студентами-архитекторами Эрнстом Людвигом Кирхнером , Эрихом Хеккелем , Карлом Шмидт-Ротлуффом и Фрицем Блейлем . В одной студии в Дрездене они создавали картины, гравюры, гравюры и организовывали выставки, а летом отделялись, чтобы работать самостоятельно. Их первая выставка состоялась в 1905 году, к ней позже присоединились, среди прочих, Эмиль Нольде и Макс Пехштейн в 1906 году, а также Отто Мюллер в 1910 году. Влияния включали готическое искусство , примитивизм , модерн и события в Париже, особенно Ван Гога и фовизма . Группа переехала в Берлин в 1911 году, а затем распалась в 1913 году. Der Blaue Reiter (Синий всадник: 1911–1914), основанная Василием Кандинским и Францем Марком , была относительно неформальной группой, которая организовывала выставки искусства из Парижа и Европы, а также ну свои. Это была одна из серии все более прогрессивных групп, отделившихся от Академии художеств в Мюнхене, включая «Мюнхенский сецессион» в 1892 году (реалисты и импрессионисты), «Фалангу» в 1901 году (постимпрессионисты), Neue Kunstler Vereiningung в 1909 году и «Синий всадник» в 1911 году. Художник С последними двумя группами были связаны братья Бурлюки , Генрих Кампендонк , Алексей фон Явленский , Пауль Клее , Август Макке , Габриэле Мюнтер и Марианна фон Веревкин . Благозвучный альманах «Синий всадник» , сборник влиятельных эссе, и книга Кандинского « О духовном в искусстве» с его идеями о беспредметном искусстве были опубликованы в 1912 году. «Синий всадник» закончился с началом Первой мировой войны, в которой Маке и Марк оба умерли. [213] [242] [260] [258] [259]

Другие художники, такие как Оскар Кокошка , Эгон Шиле и Рихард Герстль , появились в Австрии. Французские художники Жорж Руо и Хаим Сутин были близки к этому движению. Среди скульпторов Эрнст Барлах , Вильгельм Лембрук , Герхард Маркс и Уильям Вауэр . Архитекторы, связанные с экспрессионизмом, включают Макса Берга , Германа Финстерлина , Иоганна Фридриха Хёгера , Мишеля де Клерка , Эриха Мендельсона , Ганса Пельцига , Ганса Шаруна , Рудольфа Штайнера и Бруно Таута . Der Sturm (Шторм 1910–1932) был журналом с большим количеством экспрессионистского содержания, основанным Гервартом Вальденом , с соответствующей галереей в Берлине, открытой в 1912 году, а также театральной труппой и школой, открытыми в 1918 году. Фильмы считались экспрессионистскими, некоторые считались классикой. включают «Кабинет доктора Калигари» ( Роберт Вине , 1920), «Носферату» ( Ф. В. Мурнау , 1922) и «Метрополис» ( Фриц Ланг , 1927). [213] [242] [260] [258] [259]

После Первой мировой войны у многих художников возникла тенденция ухода от авангарда, что можно увидеть в работах первых фовистов 1920-х годов, в неоклассические периоды Пикассо и Стравинского , а также в поздних работах Де Кирико . Эта тенденция получила название « Новая объективность» (ок. 1919–1933) в Германии, и, в отличие от ностальгического характера этой работы в других странах, она характеризовалась разочарованием и безжалостной социальной критикой. Художники новой объективности в основном вышли из среды экспрессионистов и дадаистов , включая Отто Дикса , Кристиана Шада , Рудольфа Шлихтера , Георга Шольца и Жанну Маммен . Макс Бекманн и Джордж Гросс какое-то время также были связаны с новой объективностью. Хотя Staatliches Bauhaus (Школа строительства: 1919–1933) не была по своей сути экспрессионистской, она была влиятельной немецкой школой, объединяющей ремесла, декоративное и изобразительное искусство. Перемещаясь из Веймара в Дессау и в Берлин, он со временем менялся и развивался. Среди директоров были архитекторы Вальтер Гропиус (1919–1928), Ханнес Мейер (1928–1930) и Людвиг Мис ван дер Роэ (1930–1933). В разные моменты в состав профессорско-преподавательского состава входили Йозеф Альберс , Тео ван Дусбург , Лионель Фейнингер , Йоханнес Иттен , Пауль Клее , Василий Кандинский , Эль Лисицкий , Герхард Маркс , Ласло Мохой-Надь , Оскар Шлеммер . Архитекторы Баухауза оказали большое влияние на международный стиль , который характеризовался упрощенными формами, отсутствием орнаментов, союзом дизайна и функциональности, а также идеей о том, что массовое производство может быть совместимо с личным художественным видением. Когда к власти пришла нацистская партия , современное искусство было названо « дегенеративным искусством », а Баухаус был закрыт в 1933 году, подчинив модернизм в Германии на несколько лет. [213] [242] [260] [258] [259]

Кубизм (ок. 1907–1914)

Кубизм заключался в отказе от перспективы, что ведет к новой организации пространства, где точки зрения умножаются, производя фрагментацию объекта, что делает очевидным предпочтение формы над содержанием изображения. Пабло Пикассо , Жорж Брак и другие художники-кубисты были вдохновлены скульптурами Иберии , Африки и Океании , выставленными в Лувре и этнографическом музее Трокадеро и которые предлагались на блошиных рынках и в торговых залах.

«Пикассо изучает объект так, как хирург рассекает труп», — писал критик и поэт Гийом Аполлинер в 1913 году. Пятью годами ранее Пабло Пикассо и Жорж Брак — друзья, коллеги и соперники — начали отвергать перспективный реализм как форму художественного вскрытия: совершенно революционный стиль живописи, который смотрел внутрь и вокруг предметов, представляя их аналитически, объективно и совершенно безлично. [265]

Арт-деко (ок. 1920–1940)

Арт-деко появился во Франции как стиль роскоши и современности. Вскоре она быстро распространилась по всему миру, особенно резко в Америке, став более упорядоченной в 1930-е годы. Стиль был назван в честь Международной выставки современного декоративного и промышленного искусства, проходившей в Париже в 1925 году. Его буйство и фантазия передали дух «ревущих 20-х годов» и позволили уйти от реалий Великой депрессии 1930-х годов. Он имел древнегреческое , римское , африканское , ацтекское и японское влияние, а также футуристическое , кубистское и Баухаузское влияние. Иногда он смешивался со стилем египетского возрождения из-за открытия в 1922 году гробницы Тутанхамона и вызванной этим египтомании . Двумя примерами этого являются кинотеатр Le Louxor Cinema в Париже, 1919–1921 гг., Анри Зипси, и Египетский театр в ДеКалбе ( Иллинойс , США), 1929–1930 гг., Элмер Ф. Бернс. В декоративном искусстве , в том числе в архитектуре, использовались барельефы, угловатые узоры и формы. Преобладающие материалы включают хром , латунь , полированную сталь и алюминий , инкрустированное дерево, камень и витражи.

Одними из наиболее важных художников ар-деко являются парижская польская художница Тамара де Лемпицка , французский художник-плакат украинского происхождения Адольф Жан-Мари Мурон, известный как Кассандр , и французский дизайнер мебели и декоратор интерьеров Эмиль-Жак Рульман . [267] [268]

Сюрреализм (ок. 1924–1966)

Сюрреализм возник как фракция дадаизма , официально объявив о своем возникновении в 1924 году « Манифестом сюрреализма» Андре Бретона . [269] Первоначально это была литературная группа поэтов и писателей в Париже, но вскоре она превратилась в международное движение, в которое входили художники, скульпторы, фотографы и кинематографисты. Второй Манифест Сюрреализма был опубликован в 1929 году . [270] Сюрреализм не нашел значительного выражения в прикладном или декоративном искусстве, архитектуре или музыке, хотя можно было выделить несколько отдельных примеров (например, шахматные наборы, мебель и Лас Позас ). Небольшая и недолговечная Метафизическая школа (ок. 1910–1921) с Джорджо де Кирико в качестве ее главной фигуры оказала большое влияние на сюрреализм. Сюрреалист исследовал множество новаторских техник, некоторые из которых были недавно разработаны в кубизме и дадаизме, другие были новыми, в том числе коллаж , найденные предметы, ассамбляж, случайная случайность, рентгенография (фотограммы), рисование на песке, капание и разбрасывание краски, декалькомания , фроттаж , фюмаж и ракляж. В сюрреалистическом искусстве преобладают два фундаментальных подхода. В первые годы доминировал автоматизм , который можно увидеть в работах таких художников, как Андре Массон и Жоан Миро . Другие художники, под влиянием работ Джорджо де Кирико, использовали более традиционные методы и средства, чтобы проиллюстрировать нефильтрованные мысли и нелепые сопоставления, в том числе Сальвадор Дали и Рене Магритт . Среди выдающихся художников - Жан Арп , Ханс Беллмер , Виктор Браунер , Луис Бунюэль , Джозеф Корнелл , Оскар Домингес , Макс Эрнст , Вифредо Лам , Ив Танги , Ман Рэй , Альберто Джакометти , Мерет Оппенгейм и Роберто Матта . Другими важными художниками, неофициально связанными с сюрреализмом, являются Марсель Дюшан , Пабло Пикассо и Фрида Кало . Сюрреалистические идеи и теории обсуждались в ряде журналов: La Revolution Surréaliste (1924–1929), Le Surrealisme au service de la Revolution (1930–1933), Minotaure (1933–1939), VVV .(1942–1944). Автоматические картины, созданные Андре Массоном и Жоаном Миро, а также поздно пришедшими к сюрреализму, такими как Роберто Матта и Аршил Горки, оказали значительное влияние на абстрактных экспрессионистов конца 1940-х годов. [271] [272 ] [273] [274] [275] [276]

С определенной непочтительностью и презрением дадаистов к традиционным политическим, религиозным и буржуазным ценностям западной культуры, которые, по их мнению, привели мир к Первой мировой войне (Бретон и другие члены-основатели были ветеранами); сюрреалист исследовал возможности, открытые Зигмундом Фрейдом в отношении подсознания: «Чистый психический автоматизм, с помощью которого человек намеревается выразить устно, письменно или каким-либо другим методом реальное функционирование разума. Диктовка мыслью, в отсутствие какого-либо контроля со стороны разума и вне каких-либо эстетических или моральных забот». [269] Сюрреализм стремился выразить чистую мысль, нефильтрованную и не подвергнутую цензуре политическими, религиозными, моральными или рациональными принципами. [271] [272 ] [273] [274] [275] [276]

Середина и конец 20 века

Пока Европа изо всех сил пыталась оправиться от Второй мировой войны, Америка обрела политическую, экономическую и культурную силу. В 1940-х и 1950-х годах абстрактный экспрессионизм стал первым специфически американским художественным движением, имевшим международное влияние. В результате фокус мира искусства сместился с Европы на Нью-Йорк. Абстрактные экспрессионисты представляли собой небольшую группу свободно связанных художников, которые имели схожие взгляды, но разные подходы. Они находились под влиянием сюрреализма и верили в спонтанность, свободу самовыражения и отказ от тем американской жизни, которые характеризовали национальное искусство последних десятилетий. Одним из самых известных представителей этого движения был Джексон Поллок , известный своими картинами, созданными путем разливания, разбрызгивания и капания краски на огромные холсты, лежащие на земле. Другие художники включают Виллема де Кунинга , Франца Клайна , Роберта Мазервелла , Барнетта Ньюмана , Марка Ротко и Клиффорда Стилла .

После Второй мировой войны потребительство и средства массовой информации резко возросли, и в результате поп-арт развился как в Лондоне, так и в Нью-Йорке. На лондонской выставке 1956 года слово «поп» использовалось в коллаже, созданном Ричардом Гамильтоном (1922–2011) из американских журналов. Поп-арт был реакцией на абстрактный экспрессионизм и интерпретировал идеи поп-культуры. Прославляя и комментируя потребительство, поп-артисты, как они стали известны, создавали красочные изображения, основанные на рекламе, средствах массовой информации и покупках, с участием кинозвезд, комиксов, флагов, упаковки и продуктов питания – вещей, которые нравятся всем, а не только горстке интеллектуалов. , может относиться к.

Термин «минимализм» не был новым, но он получил распространение в 1960-х годах, конкретно описывая стиль искусства, характеризующийся отстраненной сдержанностью. Зародившись в Нью-Йорке, оно было реакцией на абстрактный экспрессионизм, но оно также охватывало идеи конструктивизма о том, что искусство должно создаваться из современных материалов. Таким образом, художники-минималисты, в первую очередь скульпторы, часто использовали нетрадиционные материалы и методы производства, часто нанимая промышленных или специализированных производителей для производства работ по их спецификациям. Этот термин в основном использовался для описания группы американских скульпторов, которые по-новому оценили пространство вокруг себя, стремясь бросить вызов предположениям и представить знакомые объекты по-новому. Их работы не несут никакой символики или скрытого смысла, поскольку они пытаются дать зрителю возможность по-новому оценить искусство и пространство вокруг форм. В отличие от фигуральной скульптуры, на которой зритель фокусируется на комнате, в которой она стоит, минималистское искусство становится единым целым со своим пространством. Сосредоточив внимание на эффектах контекста и театральности зрительного опыта, минимализм оказал косвенное, но мощное влияние на более позднее развитие концептуального искусства и перформанса , а также послужил фоном для возникновения постмодернизма .

Несмотря на то, что концептуальное искусство возникло почти через 50 лет после идей Марселя Дюшана , оно показало, что искусство не всегда следует оценивать с эстетической точки зрения. Это никогда не было единое, сплоченное движение, а это общий термин, который сейчас охватывает несколько видов искусства и возник более или менее одновременно в Америке и Европе, впервые определённый в Нью-Йорке. Художники-концептуалисты пропагандируют искусство идей или концепций, предполагая, что они могут быть более ценными в современном мире, чем технические навыки или эстетика. Независимо от художественного средства произведения искусства, оно рассматривается как не более чем средство представления концепции. В самом крайнем случае концептуальное искусство полностью отказывается от физического объекта, используя устное или письменное сообщение для передачи идеи. [278] [279] [280]

Традиционно многие творческие действия, такие как шитье , ткачество и лоскутное шитье , считались женской работой , описывались как ремесла и отрицали престиж и общественное признание так называемых высоких или изобразительных искусств, таких как скульптура и живопись . Многие художники сейчас бросают вызов этой иерархии, либо расширяя сферу изобразительного искусства, такого как скульптура, создавая мягкие скульптуры с использованием нетрадиционных материалов и практик, либо восстанавливая и переопределяя материалы и методы так называемого ремесла, публично выставляя свои работы на выставках. музеи и галереи и тем самым повышая статус декоративно-прикладного искусства. [281] Художники двадцатого и двадцать первого веков, осуществившие это радикальное изменение, включают Марию Мартинес , Анни Альберс , Люси Ри , Ленор Тоуни , Луизу Буржуа , Мириам Шапиро , Фейт Рингголд , Магдалену Абаканович , Шейлу Хикс , Марву Ли Питчфорд-Джолли , Джуди. Чикаго и Диндга МакКэннон .

Смотрите также

Примечания

  1. ^ Хеншилвуд, Кристофер; и другие. (2002). «Появление современного человеческого поведения: гравюры среднего каменного века из Южной Африки». Наука . 295 (5558): 1278–1280. Бибкод : 2002Sci...295.1278H. дои : 10.1126/science.1067575. PMID  11786608. S2CID  31169551.
  2. ^ Хеншилвуд, Кристофер С.; д'Эррико, Франческо; Уоттс, Ян (2009). «Гравировка на охре с уровней среднего каменного века в пещере Бломбос, Южная Африка». Журнал эволюции человека . 57 (1): 27–47. doi :10.1016/j.jhevol.2009.01.005. ПМИД  19487016.
  3. ^ Тексье, П.Дж.; Порраз, Г.; Паркингтон, Дж.; Риго, JP; Поггенпол, К.; Миллер, К.; Триболо, К.; Картрайт, К.; Куденно, А.; Кляйн, Р.; Стил, Т.; Верна, К. (2010). «Традиция Ховисонс-Порта гравировать контейнеры из скорлупы страусиных яиц, датированные 60 000 лет назад, в приюте Дипклоф Рок, Южная Африка». Труды Национальной академии наук . 107 (14): 6180–6185. Бибкод : 2010PNAS..107.6180T. дои : 10.1073/pnas.0913047107 . ПМК 2851956 . ПМИД  20194764. 
  4. ^ «Африканская пещера содержит свидетельства существования доисторической фабрики по производству красок» . Нью-Йорк Таймс . 13 октября 2011 г.
  5. ^ «Площадь Станислава, площадь Карьер и площадь Альянс в Нанси». Центр всемирного наследия ЮНЕСКО . Организация Объединенных Наций по вопросам образования, науки и культуры . Проверено 17 октября 2021 г.
  6. ^ «Самое старое в мире изобразительное искусство теперь является официальным мировым сокровищем» .
  7. ^ «Найдены самые ранние музыкальные инструменты» . Новости BBC . 24 мая 2012 г.
  8. ^ Ходж 2017, с. 12; Фортенберри 2017, стр. 1 и 2.
  9. ^ Фортенберри 2017, с. 2.
  10. ^ Фортенберри 2017, с. 3.
  11. ^ Фортенберри 2017, с. 4, 5, 6, 9, 12, 13.
  12. ^ Гипсон, Феррен (2021). Музей высшего искусства . Файдон. стр. 20, 21. ISBN. 978-1-83866-2967.
  13. ^ Фартинг, Стивен (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta Urbană (на румынском языке). РАО. п. 20. ISBN 978-606-006-392-6.
  14. ^ ab Fortenberry 2017, с. 4.
  15. ^ Фортенберри 2017, с. 12.
  16. ^ Фортенберри 2017, с. 13.
  17. ^ 10 000 ЛЕТ ИСКУССТВА . Файдон. 2009. с. 66. ИСБН 978-0-7148-4969-0.
  18. ^ 10 000 ЛЕТ ИСКУССТВА . Файдон. 2009. с. 82. ИСБН 978-0-7148-4969-0.
  19. ^ Аскарате 1983, стр. 29–34.
  20. ^ Фортенберри 2017, с. 19.
  21. ^ 10 000 ЛЕТ ИСКУССТВА . Файдон. 2009. с. 48. ИСБН 978-0-7148-4969-0.
  22. ^ Фортенберри 2017, с. 16.
  23. ^ Роджерс, Гумучджян и Джонс 2014, стр. 30.
  24. ^ abcd Fortenberry 2017, с. 209.
  25. ^ Индия - История в объектах . Темза и Гудзон. 2022. с. 28. ISBN 978-0-500-48064-9.
  26. ^ Фортенберри 2017, с. 74.
  27. ^ abc Fortenberry 2017, с. 71.
  28. ^ Фартинг, Стивен (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta Urbană (на румынском языке). РАО. стр. 42, 43, 44. ISBN. 978-606-006-392-6.
  29. ^ Фортенберри 2017, с. 72.
  30. ^ аб Фартинг, Стивен (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta Urbană (на румынском языке). РАО. п. 44. ИСБН 978-606-006-392-6.
  31. ^ Никси, Кэтрин (2017). Темный век: христианское разрушение классического мира . Издательство Макмиллан . ISBN 978-0544800885.
  32. ^ Ходж 2017, с. 13.
  33. ^ Фортенберри 2017, с. 25.
  34. ^ Хопкинс 2014, с. 6.
  35. ^ Жуковский, Джон (2019). Хронология архитектуры . Темза и Гудзон. п. 23. ISBN 978-0-500-34356-2.
  36. ^ Винценц Бринкманн, Рене Дрейфус и Ульрике Кох-Бринкманни (2017). Боги в цвете – полихромия в древнем мире . Музеи изящных искусств Сан-Франциско, Почетный легион. п. 13. ISBN 978-3-7913-5707-2.
  37. ^ Фортенберри 2017, с. 30.
  38. ^ Фортенберри 2017, с. 33.
  39. ^ Смит, Дэвид Майкл (2017). Карманный музей - Древняя Греция . Темза и Гудзон. п. 163. ИСБН 978-0-500-51958-5.
  40. ^ Смит, Дэвид Майкл (2017). Карманный музей - Древняя Греция . Темза и Гудзон. п. 178. ИСБН 978-0-500-51958-5.
  41. ^ Сьюзан Вудфорд (2020). Греческое и римское искусство . Темза и Гудзон. п. 29. ISBN 978-0-500-29525-0.
  42. ^ аб Роджерс, Гумучджян и Джонс 2014, стр. 32.
  43. ^ Сьюзан Вудфорд (2020). Греческое и римское искусство . Темза и Гудзон. п. 265. ИСБН 978-0-500-29525-0.
  44. ^ Фортенберри 2017, с. 52.
  45. ^ Роджерс, Гумучджян и Джонс 2014, стр. 46.
  46. ^ Тойнби 1971, стр. 439–442.
  47. ^ Фортенберри 2017, с. 57, 56, 55.
  48. ^ Хопкинс 2014, с. 12; Ходж 2019, с. 16.
  49. ^ Джонатан, Глэнси (2006). Архитектура. Визуальная история . ДК, Случайный Дом Пингвинов . п. 63. ИСБН 978-0-2412-8843-6.
  50. ^ Ходж 2017, стр. 16 и 18.
  51. ^ Фортенберри 2017, с. 51.
  52. ^ Фортенберри 2017, с. 57.
  53. ^ Ирвинг 2019, с. 36.
  54. ^ Фортенберри 2017, с. 117.
  55. ^ ab Fortenberry 2017, с. 119.
  56. ^ Фортенберри 2017, с. 125.
  57. ^ Роджерс, Гумучджян и Джонс 2014, стр. 120.
  58. ^ Фортенберри 2017, с. 128.
  59. ^ Гипсон, Феррен (2021). Музей высшего искусства . Файдон. стр. 92, 93, 94. ISBN. 978-1-83866-2967.
  60. ^ Фортенберри 2017, с. 229, 232, 234.
  61. ^ Фартинг, Стивен (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta Urbană (на румынском языке). РАО. стр. 34, 35. ISBN. 978-606-006-392-6.
  62. ^ ab Fortenberry 2017, с. 229.
  63. ^ 10 000 ЛЕТ ИСКУССТВА . Файдон. 2009. с. 129. ИСБН 978-0-7148-4969-0.
  64. ^ Фортенберри 2017, с. 232.
  65. ^ 10 000 ЛЕТ ИСКУССТВА . Файдон. 2009. с. 174. ИСБН 978-0-7148-4969-0.
  66. ^ abc Fortenberry 2017, с. 234.
  67. ^ ab Fortenberry 2017, с. 238.
  68. ^ Гипсон, Феррен (2021). Музей высшего искусства . Файдон. п. 95. ИСБН 978-1-83866-2967.
  69. ^ Фортенберри 2017, с. 238, 239, 240.
  70. ^ Фартинг, Стивен (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta Urbană (на румынском языке). РАО. стр. 19, 113. ISBN. 978-606-006-392-6.
  71. ^ Фартинг, Стивен (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta Urbană (на румынском языке). РАО. п. 18. ISBN 978-606-006-392-6.
  72. ^ Фортенберри 2017, с. 240.
  73. ^ Фортенберри 2017, с. 241.
  74. ^ Тамара Талбот Райс (июль 2011 г.). Изобразительное искусство . Оксфорд.
  75. ^ Из, Фахир; Уайли, Террелл В.; Райс, Тамара Талбот (7 декабря 2023 г.). «Среднеазиатское искусство». Британника .
  76. ^ ab Fortenberry 2017, с. 66.
  77. ^ Фортенберри 2017, с. 67.
  78. ^ "Национальный музей азиатского искусства Гиме" . Знание искусств .
  79. ^ Баркман, Адам (2015). Понимание исламского искусства и архитектуры . Темза и Гудзон. п. 68. ИСБН 978-0-500-29171-9.
  80. ^ Баркман, Адам (2015). Понимание исламского искусства и архитектуры . Темза и Гудзон. п. 40. ИСБН 978-0-500-29171-9.
  81. ^ Кейко 2010, стр. 57–63.
  82. ^ Харл 1994, стр. 26–47, 105–117.
  83. ^ Харл 1994, стр. 59–70.
  84. ^ Ходж 2019, с. 15.
  85. ^ Фортенберри 2017, с. 210.
  86. ^ ab Fortenberry 2017, с. 213.
  87. ^ ab Fortenberry 2017, с. 215.
  88. ^ Роджерс, Гумучджян и Джонс 2014, стр. 114.
  89. ^ 10 000 ЛЕТ ИСКУССТВА . Файдон. 2009. с. 228. ИСБН 978-0-7148-4969-0.
  90. ^ Фортенберри 2017, с. 217.
  91. ^ Ходж 2019, с. 99.
  92. ^ Роджерс, Гумучджян и Джонс 2014, стр. 140.
  93. ^ Фортенберри 2017, с. 82.
  94. ^ Фортенберри 2017, с. 75.
  95. ^ Фортенберри 2017, с. 79.
  96. ^ Фортенберри 2017, с. 84.
  97. ^ Фортенберри 2017, с. 78.
  98. ^ Британский музей 2014, с. 159.
  99. ^ Роджерс, Гумучджян и Джонс 2014, стр. 242.
  100. ^ Роджерс, Гумучджян и Джонс 2014, стр. 144.
  101. ^ Фортенберри 2017, с. 105.
  102. ^ Фортенберри 2017, с. 103.
  103. ^ 신라 - Энциклопедия корейской культуры
  104. ^ 김홍도 인물 - Энциклопедия корейской культуры
  105. ^ 김홍도 회화 - Энциклопедия корейской культуры
  106. ^ ab Fortenberry 2017, с. 309.
  107. ^ Фортенберри 2017, с. 311.
  108. ^ abc Fortenberry 2017, с. 314.
  109. ^ Робертсон, Хаттон (2022). История искусства – от предыстории до наших дней – глобальный взгляд . Темза и Гудзон. п. 1040. ИСБН 978-0-500-02236-8.
  110. ^ Фортенберри 2017, с. 318.
  111. ^ Британский музей 2014, с. 65.
  112. ^ Британский музей 2014, с. 52.
  113. ^ Брант и др. 2018, с. 104.
  114. ^ Ходж 2017, с. 15.
  115. ^ Ходж 2019, с. 62.
  116. ^ Каварнос и Микелис 1956, с. 506.
  117. ^ Вайцманн 1981, с. ?.
  118. ^ Китцингер 1977, стр. 1–3.
  119. ^ Райс 1968; Вайцманн 1982.
  120. ^ Райс 1968, главы 15–17; Вейцманн 1982, главы 2–7; Эванс 2004, стр. 389–555.
  121. ^ Джордж Д. Хурмузиадис (1979). Cultura Greciei (на румынском языке). Редакция энциклопедическая и энциклопедическая. п. 92 и 93.
  122. ^ Хопкинс 2014, с. 17.
  123. ^ Фортенберри 2017, с. 108.
  124. ^ Фортенберри 2017, с. 114.
  125. ^ Фортенберри 2017, с. 115.
  126. ^ Фартинг, Стивен (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta Urbană (на румынском языке). РАО. п. 76. ИСБН 978-606-006-392-6.
  127. ^ «Словарь искусствоведов: Яничек, Губерт» . Проверено 18 июля 2013 г.
  128. ^ Сукале-Редлефсен, 524 г.
  129. ^ Беквит, 81–86; Ласко, 82 года; Додуэлл, 123–126.
  130. ↑ Хонор и Флеминг, 277.
  131. ^ Гарднер, Хелен ; Кляйнер, Фред С. (2009). Искусство Гарднера на протяжении веков: глобальная история (13-е изд.). Австралия: Томсон/Уодсворт .
  132. ^ Кавинесс 2001, с. 106.
  133. ^ Кослин 1990, стр. 28–29.
  134. ^ Мюссе и Бертран 1966, с. 23.
  135. ^ Фортенберри 2017, с. 146.
  136. ^ "Der Kaiserdom zu Speyer - Бауверк" . Архивировано из оригинала 02 января 2016 г. Проверено 3 марта 2009 г.
  137. ^ Ходж 2019, с. 24.
  138. ^ Фортенберри 2017, с. 147.
  139. ^ Фортенберри 2017, с. 144.
  140. ^ Фортенберри 2017, с. 149.
  141. ^ Граур 1970, стр. 52–53.
  142. ^ ab Fortenberry 2017, с. 151.
  143. ^ ab Fortenberry 2017, с. 152.
  144. ^ Фортенберри 2017, с. 153.
  145. ^ Мелвин, Джереми (2006). …isme Să Înțelegem Stilurile Arhitecturale (на румынском языке). Энциклопедия РАО. п. 39. ИСБН 973-717-075-Х.
  146. ^ Фортенберри 2017, с. 150.
  147. ^ Литтл, Стивен (2005). …isme Să Înțelegem Arta (на румынском языке). Энциклопедия РАО. п. 12. ISBN 973-717-041-5.
  148. ^ Ходж 2017, стр. 16, 17, 18, 19, 21; Фортенберри 2017, с. 156, 182, 188; Ходж 2019, с. 26.
  149. ^ Ходж 2019, с. 82.
  150. ^ Фортенберри 2017, с. 157.
  151. ^ Фортенберри 2017, с. 191.
  152. ^ Фортенберри 2017, с. 165.
  153. ^ Фортенберри 2017, с. 168.
  154. ^ Фортенберри 2017, с. 170.
  155. ^ Ходж 2019, с. 26.
  156. ^ Ходж 2017, с. 68.
  157. ^ Фортенберри 2017, с. 194.
  158. ^ Фортенберри 2017, с. 177.
  159. ^ Фортенберри 2017, с. 175.
  160. ^ Хопкинс 2014, с. 47.
  161. ^ Фортенберри 2017, с. 201.
  162. ^ Жакмар, Альберт (2012). Декоративное искусство . Паркстоун. п. 67. ИСБН 978-1-84484-899-7.
  163. ^ Ходж 2017, с. 23; Фортенберри 2017, с. 243; Хопкинс, 2014 г., стр. 70, 73, 84; Бейли, 2012, стр. 4, 205, 286; Граур 1970, стр. 175, 176.
  164. ^ Хопкинс 2014, с. 85.
  165. ^ Фортенберри 2017, с. 243.
  166. ^ Фортенберри 2017, с. 256.
  167. ^ Фортенберри 2017, с. 252.
  168. ^ Фортенберри 2017, с. 262.
  169. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 304. ИСБН 978-0-7148-7877-5.
  170. ^ Бэйли 2012, с. 238.
  171. ^ Бэйли 2012, с. 287.
  172. ^ Марни, Фогг (2013). Мода: вся история (на румынском языке). Темза и Гудзон. п. 111 и 112. ISBN 9780500291108.
  173. ^ Ходж 2017, с. 24; Фортенберри 2017, с. 256; Хопкинс, 2014 г., стр. 92, 95; Бейли, 2012, стр. 272, 288; Граур 1970, стр. 194, 195.
  174. ^ Фортенберри 2017, с. 265.
  175. ^ abc Fortenberry 2017, с. 267.
  176. ^ Фортенберри 2017, с. 276.
  177. ^ Фартинг, Стивен (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta Urbană (на румынском языке). РАО. п. 260. ИСБН 978-606-006-392-6.
  178. ^ Ходж 2017, с. 25; Фортенберри 2017, с. 273.
  179. ^ Бэйли 2012, с. 407.
  180. ^ де Мартин, Генри (1925). Le Style Louis XV (на французском языке). Фламмарион. п. 13.
  181. ^ Роджерс, Гумучджян и Джонс 2014, стр. 272.
  182. ^ Фортенберри 2017, с. 275.
  183. ^ Фортенберри 2017, с. 274.
  184. ^ Честь, Хью; Флеминг, Джон (2009). Всемирная история искусства – переработанное седьмое издание . Лоуренс Кинг. п. 616. ИСБН 978-1-85669-584-8.
  185. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 419. ИСБН 978-0-7148-7877-5.
  186. ^ Фортенберри 2017, с. 278.
  187. ^ Арнасон 1977, с. 740.
  188. ^ Янсон 1977, с. 767.
  189. ^ Старобинский 1964.
  190. ^ Кейзер 1965, с. ?.
  191. ^ abcd Ponente 1965, с. ?.
  192. ^ аб Томан 2000, с. ?.
  193. ^ Даваль 1979, с. 221.
  194. ^ Уэстон, Ричард (2011). 100 идей, которые изменили архитектуру . Лоуренс Кинг. п. 84. ИСБН 978-1-78627-567-7.
  195. ^ abcd Янсон 1977, с. ?.
  196. ^ Ходж 2017, с. 26.
  197. ^ Фартинг, Стивен (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta Urbană (на румынском языке). РАО. п. 267. ИСБН 978-606-006-392-6.
  198. ^ Брис 1981, с. ?.
  199. ^ Клэй 1981, с. ?.
  200. ^ Ходж 2019, с. 286.
  201. ^ Фортенберри 2017, с. 286.
  202. ^ Фортенберри 2017, с. 280.
  203. ^ Фортенберри 2017, с. 281.
  204. ^ Ходж 2019, с. 114.
  205. ^ Фартинг, Стивен (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta Urbană (на румынском языке). РАО. стр. 276, 277. ISBN. 978-606-006-392-6.
  206. ^ Литтл, Стивен (2005). …isme Să Încelegem Arta (на румынском языке). Рао. п. 64. ИСБН 973-717-041-5.
  207. ^ Роджерс, Гумучджян и Джонс 2014, стр. 296.
  208. ^ Фартинг, Стивен (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta Urbană (на румынском языке). РАО. п. 278. ИСБН 978-606-006-392-6.
  209. ^ Фартинг, Стивен (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta Urbană (на румынском языке). РАО. п. 277. ИСБН 978-606-006-392-6.
  210. ^ Виктория Кларк, изд. (2020). ЦВЕТОК: Исследование цветущего мира . Файдон. п. 28.
  211. ^ Лакхерст, Роджер (2021). ГОТИКА – Иллюстрированная история . Темза и Гудзон. п. 19. ISBN 978-0-500-25251-2.
  212. ^ Бергдолл 2000, стр. 139, 141, 142.
  213. ^ abcdefgh Арнасон 1977, с. ?.
  214. ^ Леймари 1962, с. ?.
  215. ^ abc Бланден 1976, стр. ?.
  216. ^ аб Клей 1973, стр. ?.
  217. ^ Фонс 1993, с. ?.
  218. ^ ab Fortenberry 2017, с. 289.
  219. ^ аб Фартинг, Стивен (2020). ARTA Istoria Artei de la pictura rupestră la arta Urbană (на румынском языке). РАО. п. 302. ИСБН 978-606-006-392-6.
  220. ^ abcdef Fortenberry 2017, с. 291.
  221. ^ ab Courthion 1979, с. ?.
  222. ^ аб Леймари 1955, с. ?.
  223. ^ abc Fortenberry 2017, с. 293.
  224. ^ Фортенберри 2017, с. 294.
  225. ^ abc Делевой 1978, с. ?.
  226. ^ abc Кассу 1979, с. ?.
  227. ^ Моррис, Родерик Конвей (16 марта 2007 г.). «Неуловимое символистское движение». Нью-Йорк Таймс . Архивировано из оригинала 30 апреля 2021 г. Проверено 30 апреля 2021 г.
  228. ^ abc Fortenberry 2017, с. 307.
  229. ^ "Одилон Редон. Зеленая смерть. Около 1905 года" . сайт moma.org . Проверено 28 апреля 2022 г.
  230. ^ abcd Fortenberry 2017, с. 305.
  231. ^ Рейнал 1954, с. ?.
  232. ^ Шапиро 1962, с. ?.
  233. ^ Эстьен 1953a, с. ?.
  234. ^ Голдуотер 1972, с. ?.
  235. ^ Куртион 1988, с. ?.
  236. ^ Александрийский 1980, с. ?.
  237. ^ Этьен 1953b, с. ?.
  238. ^ Шапиро 1950, с. ?.
  239. ^ Лассень 1950, с. ?.
  240. ^ Купер 1966, с. ?.
  241. ^ аб Рейнал 1953, с. ?.
  242. ^ abcdef Даваль 1979, стр. ?.
  243. ^ Престон 1974, с. ?.
  244. ^ Варнод 1989, с. ?.
  245. ^ Террасс 1964, с. ?.
  246. ^ Фермижье 1969, с. ?.
  247. ^ Хопкинс 2014, с. 141.
  248. ^ Бергдолл, Барри (2000). Европейская архитектура 1750–1890 гг . Издательство Оксфордского университета . стр. 269, 279. ISBN. 978-0-19-284222-0.
  249. ^ Ходж 2017, с. 31; Хопкинс, 2014 г., стр. 140, 141; Ходж 2019, с. 36.
  250. ^ abcd Леймари 1959, с. ?.
  251. ^ Клей 1978.
  252. ^ аб Клэй 1978, с. ?.
  253. ^ аб Диль, Гастон (1972) Фовисты: Библиотека великих художественных движений. Harry N. Abrams, Inc., Издательство, Нью-Йорк. 168 стр. ISBN 0-8109-0114-5 
  254. ^ аб Лассень 1959, с. ?.
  255. ^ аб Якобус, Дж. (1973) Матисс: Библиотека великих художников. Harry N. Abrams, Inc., Издательство, Нью-Йорк, 184 стр.
  256. ^ Демпси 2018, с. 31.
  257. ^ ab Fortenberry 2017, с. 335.
  258. ^ abcde Dube 1983, с. ?.
  259. ^ abcd Ричард 1978, с. ?.
  260. ^ abc Даваль 1980, с. ?.
  261. ^ Ходж 2017, с. 118.
  262. ^ Фортенберри 2017, с. 336.
  263. ^ Ходж 2019, с. 156.
  264. ^ Ходж 2017, с. 32.
  265. ^ abc Fortenberry 2017, с. 330.
  266. ^ ab Fortenberry 2017, с. 332.
  267. ^ Демпси 2018, с. 70.
  268. ^ Ходж 2019, с. 44.
  269. ^ аб Бретон 1924, с. ?.
  270. ^ Бретон 1929, с. ?.
  271. ^ аб Вальдберг 1962, с. ?.
  272. ^ аб Рубин 1968, с. ?.
  273. ^ аб Шниде 1974, с. ?.
  274. ^ аб Пассерон 1975, с. ?.
  275. ^ аб Пикон 1977, с. ?.
  276. ^ аб Жан 1980, с. ?.
  277. ^ Фортенберри 2017, с. 351.
  278. ^ Ходж 2017, стр. 42, 44, 46, 47.
  279. ^ Демпси 2018, стр. 104, 136.
  280. ^ Фортенберри 2017, с. 387.
  281. ^ Гипсон, Феррен (2022). Женское творчество: от женских искусств к феминистскому искусству . Лондон: Фрэнсис Линкольн. ISBN 978-0-7112-6465-6.

Рекомендации

дальнейшее чтение

Внешние ссылки

Викискладе есть медиафайлы по истории искусства .
В Wikiquote есть цитаты, связанные с историей искусства .
В Wikibooks есть книга на тему: История искусств.

Сроки