Скульптура — это раздел изобразительного искусства , который работает в трех измерениях . Скульптура — это трехмерное произведение искусства, которое физически представлено в измерениях высоты, ширины и глубины. Это одно из пластических искусств . Долговечные скульптурные процессы изначально использовали резьбу (удаление материала) и моделирование (добавление материала, такого как глина) в камне , металле , керамике , дереве и других материалах, но со времен модернизма появилась почти полная свобода материалов и процесса. Широкий спектр материалов может быть обработан путем удаления, например резьбы, собран с помощью сварки или моделирования, или отлит или отлит .
Скульптура из камня сохраняется гораздо лучше, чем произведения искусства из недолговечных материалов, и часто представляет собой большинство сохранившихся произведений (кроме керамики ) древних культур, хотя, наоборот, традиции скульптуры из дерева могли почти полностью исчезнуть. Однако большинство древних скульптур были ярко раскрашены, и это было утрачено. [2]
Скульптура занимала центральное место в религиозном поклонении во многих культурах, и до недавних столетий большие скульптуры, создание которых было слишком дорогим для частных лиц, обычно были выражением религии или политики. К культурам, скульптуры которых сохранились в больших количествах, относятся культуры древнего Средиземноморья, Индии и Китая, а также многие культуры Центральной и Южной Америки и Африки.
Западная традиция скульптуры зародилась в Древней Греции , и Греция широко рассматривается как страна, создавшая великие шедевры в классический период . В Средние века готическая скульптура представляла муки и страсти христианской веры. Возрождение классических моделей в эпоху Возрождения породило знаменитые скульптуры, такие как статуя Давида Микеланджело . Модернистская скульптура отошла от традиционных процессов и акцента на изображении человеческого тела, создавая сконструированные скульптуры и представляя найденные объекты как законченные произведения искусства.
Существует различие между скульптурой «в круге», отдельно стоящей скульптурой, такой как статуи , не прикрепленной, за исключением, возможно, основания, к какой-либо другой поверхности, и различными типами рельефа , которые, по крайней мере, частично прикреплены к фоновой поверхности. Рельеф часто классифицируется по степени выступания из стены на низкий или барельеф , высокий рельеф и иногда промежуточный средний рельеф . Утопленный рельеф — это техника, ограниченная Древним Египтом . Рельеф — это обычная скульптурная среда для больших групп фигур и повествовательных сюжетов, которые трудно выполнить в круге, и это типичная техника, используемая как для архитектурной скульптуры , которая прикреплена к зданиям, так и для мелкомасштабной скульптуры, украшающей другие объекты, как во многих керамических изделиях , изделиях из металла и ювелирных изделиях . Рельефная скульптура может также украшать стелы , вертикальные плиты, обычно из камня, часто также содержащие надписи.
Другое основное различие заключается в субтрактивных техниках резьбы, которые удаляют материал из существующего блока или куска, например, камня или дерева, и техниках моделирования, которые формируют или создают работу из материала. Такие техники, как литье , штамповка и формовка, используют промежуточную матрицу, содержащую дизайн, для создания работы; многие из них позволяют производить несколько копий.
Термин «скульптура» часто используется в основном для описания больших работ, которые иногда называют монументальной скульптурой , имея в виду либо большую скульптуру, либо скульптуру, прикрепленную к зданию. Но этот термин должным образом охватывает многие типы небольших работ в трех измерениях, использующих те же методы, включая монеты и медали , резьбу по твердому камню , термин для небольших резных фигур в камне, которые могут потребовать детальной работы.
Очень большая или «колоссальная» статуя имела неизменную привлекательность с древних времен ; самая большая из зарегистрированных — 182 м (597 футов) — это индийская статуя Единства 2018 года . Еще одна грандиозная форма портретной скульптуры — конная статуя всадника на лошади, которая стала редкостью в последние десятилетия. Наименьшие формы портретной скульптуры в натуральную величину — это «голова», показывающая только это, или бюст , изображение человека от груди вверх. К малым формам скульптуры относятся статуэтка , обычно статуя высотой не более 18 дюймов (46 см), а для рельефов — плакетка , медаль или монета.
Современное и современное искусство добавило ряд нетрадиционных форм скульптуры, включая звуковую скульптуру , световую скульптуру , экологическое искусство , экологическую скульптуру , уличную скульптуру , кинетическую скульптуру (включая аспекты физического движения ), лэнд-арт и сайт-специфическое искусство . Скульптура является важной формой общественного искусства . Коллекция скульптур в садовой обстановке может быть названа скульптурным садом . Существует также точка зрения, что здания являются типом скульптуры, а Константин Бранкузи описывает архитектуру как «обитаемую скульптуру». [ необходима ссылка ]
Одной из наиболее распространенных целей скульптуры является некоторая форма ассоциации с религией. Культовые изображения распространены во многих культурах, хотя они часто не являются колоссальными статуями божеств, которые характеризовали древнегреческое искусство , как статуя Зевса в Олимпии . Фактические культовые изображения в самых внутренних святилищах египетских храмов , из которых ни одно не сохранилось, были, очевидно, довольно маленькими, даже в самых больших храмах. То же самое часто верно и для индуизма , где очень простая и древняя форма лингама является наиболее распространенной. Буддизм принес скульптуру религиозных деятелей в Восточную Азию, где, похоже, не было более ранней эквивалентной традиции, хотя, опять же, простые формы, такие как би и конг , вероятно, имели религиозное значение.
Маленькие скульптуры как личные вещи восходят к самому раннему доисторическому искусству, а использование очень больших скульптур как публичного искусства , особенно для того, чтобы произвести впечатление на зрителя силой правителя, восходит по крайней мере к Большому Сфинксу , жившему около 4500 лет назад. В археологии и истории искусств появление, а иногда и исчезновение большой или монументальной скульптуры в культуре считается имеющим большое значение, хотя отслеживание появления часто осложняется предполагаемым существованием скульптуры из дерева и других недолговечных материалов, о которых не сохранилось никаких записей; [3]
Тотемный столб является примером традиции монументальной скульптуры из дерева, которая не оставила бы следов для археологии. Способность привлекать ресурсы для создания монументальной скульптуры, транспортируя обычно очень тяжелые материалы и организуя оплату того, что обычно считается штатными скульпторами, считается признаком относительно развитой культуры с точки зрения социальной организации. Недавние неожиданные открытия древних китайских фигур бронзового века в Саньсиндуе , некоторые из которых были больше, чем в два раза больше человеческого размера, нарушили многие представления о ранней китайской цивилизации, поскольку ранее были известны только гораздо меньшие бронзовые изделия. [4]
Некоторые несомненно развитые культуры, такие как цивилизация долины Инда , похоже, вообще не имели монументальной скульптуры, хотя производили очень сложные фигурки и печати. Миссисипская культура , похоже, прогрессировала в направлении ее использования с небольшими каменными фигурками, когда она рухнула. Другие культуры, такие как Древний Египет и культура острова Пасхи , похоже, выделяли огромные ресурсы на очень масштабную монументальную скульптуру с очень ранней стадии.
Коллекционирование скульптуры, в том числе более ранних периодов, насчитывает около 2000 лет в Греции, Китае и Мезоамерике, и многие коллекции были доступны для полупубличного показа задолго до изобретения современного музея . С 20-го века относительно ограниченный диапазон предметов, встречающихся в большой скульптуре, значительно расширился, с абстрактными предметами и использованием или представлением любого типа предмета, которые теперь стали обычным явлением. Сегодня многие скульптуры изготавливаются для периодической экспозиции в галереях и музеях, и возможность транспортировки и хранения все более крупных произведений является фактором при их создании.
Небольшие декоративные фигурки , чаще всего из керамики, сегодня так же популярны (хотя, как ни странно, игнорируются современным искусством ) , как и в эпоху рококо , или в Древней Греции, когда статуэтки Танагры были основной отраслью промышленности, или в восточноазиатском и доколумбовом искусстве . Небольшие скульптурные детали для мебели и других предметов восходят к глубокой древности, как, например, изделия из слоновой кости из Нимруда , изделия из слоновой кости из Беграма и находки из гробницы Тутанхамона .
Портретная скульптура зародилась в Египте , где на палетке Нармера изображен правитель 32-го века до н. э., и в Месопотамии , где сохранилось 27 статуй Гудеа , правившего Лагашем в 2144–2124 годах до н. э. В Древней Греции и Риме возведение портретной статуи в общественном месте было почти высшим знаком чести и амбицией элиты, которая также могла быть изображена на монете. [5]
В других культурах, таких как Египет и Ближний Восток, публичные статуи были почти исключительно привилегией правителя, а другие богатые люди изображались только в своих гробницах. Правители, как правило, являются единственными людьми, которым дарили портреты в доколумбовых культурах, начиная с колоссальных голов ольмеков примерно 3000 лет назад. Восточноазиатская портретная скульптура была полностью религиозной, причем ведущие священнослужители увековечивались статуями, особенно основатели монастырей, но не правители или предки. Средиземноморская традиция возродилась, изначально только для надгробных изображений и монет, в Средние века, но значительно расширилась в эпоху Возрождения, которая изобрела новые формы, такие как личная портретная медаль .
Животные, наряду с человеческой фигурой, являются самым ранним предметом для скульптуры и всегда были популярны, иногда реалистичны, но часто воображаемы монстрами; в Китае животные и монстры являются почти единственными традиционными предметами для каменной скульптуры за пределами гробниц и храмов. Царство растений важно только в ювелирных изделиях и декоративных рельефах, но они образуют почти всю большую скульптуру византийского искусства и исламского искусства и очень важны в большинстве евразийских традиций, где мотивы, такие как пальметта и виноградная лоза, передавались с востока на запад на протяжении более двух тысячелетий.
Одна из форм скульптуры, встречающаяся во многих доисторических культурах по всему миру, представляет собой специально увеличенные версии обычных инструментов, оружия или сосудов, созданные из непрактичных драгоценных материалов, либо для какой-либо формы церемониального использования или демонстрации, либо в качестве подношений. Нефрит или другие виды зеленого камня использовались в Китае, ольмекской Мексике и неолитической Европе , а в ранней Месопотамии большие керамические формы изготавливались из камня. Бронза использовалась в Европе и Китае для больших топоров и лезвий, таких как Оксборо Дирк .
Материалы, используемые в скульптуре, разнообразны и меняются на протяжении истории. Классическими материалами, обладающими исключительной прочностью, являются металл, особенно бронза , камень и керамика, а дерево, кость и олений рог являются менее прочными, но более дешевыми вариантами. Драгоценные материалы, такие как золото , серебро , нефрит и слоновая кость , часто используются для небольших роскошных работ, а иногда и для более крупных, как в хризелефантиновых статуях. Более распространенные и менее дорогие материалы использовались для скульптуры для более широкого потребления, включая твердые породы дерева (такие как дуб , самшит и известь/липа ); терракота и другая керамика , воск (очень распространенный материал для моделей для литья и получения оттисков цилиндрических печатей и гравированных драгоценных камней) и литые металлы, такие как олово и цинк (спельтер). Но огромное количество других материалов использовалось как часть скульптур, как в этнографических и древних работах, так и в современных.
Скульптуры часто раскрашивают , но обычно они теряют краску из-за времени или реставраторов. При изготовлении скульптуры использовались различные техники живописи, включая темперу , масляную живопись , позолоту , домашнюю краску, аэрозоль, эмаль и пескоструйную обработку. [2] [6]
Многие скульпторы ищут новые пути и материалы для создания искусства. Одна из самых известных скульптур Пабло Пикассо включала детали велосипеда . Александр Колдер и другие модернисты эффектно использовали окрашенную сталь . С 1960-х годов также использовались акрил и другие пластики. Энди Голдсуорси создает свои необычайно эфемерные скульптуры из почти полностью натуральных материалов в естественных условиях. Некоторые скульптуры, такие как ледяная скульптура , песчаная скульптура и газовая скульптура , намеренно недолговечны. Современные скульпторы использовали витражи , инструменты, детали машин, оборудование и потребительскую упаковку для создания своих работ. Скульпторы иногда используют найденные предметы , а китайские ученые камни ценятся на протяжении многих столетий.
Каменная скульптура — это древняя деятельность, в которой куски грубого натурального камня формируются путем контролируемого удаления камня . Благодаря постоянству материала можно найти доказательства того, что даже самые ранние общества занимались той или иной формой обработки камня, хотя не во всех регионах мира есть такое изобилие хорошего камня для резьбы, как в Египте, Греции, Индии и большей части Европы. Петроглифы (также называемые наскальными гравюрами), возможно, являются самой ранней формой: изображения, созданные путем удаления части поверхности камня, которая остается на месте , путем вырезания, выбивания, резьбы и шлифовки. Монументальная скульптура охватывает большие работы и архитектурную скульптуру , которая прикреплена к зданиям. Резьба по твердому камню — это резьба в художественных целях по полудрагоценным камням, таким как нефрит , агат , оникс , горный хрусталь , сард или сердолик , и общий термин для объекта, изготовленного таким образом. Алебастр или минеральный гипс — это мягкий минерал, который легко вырезать для небольших работ и который все еще относительно долговечен. Гравированные камни — это небольшие резные камни, в том числе камеи , изначально использовавшиеся в качестве колец-печатей .
Копирование оригинальной статуи в камне, что было очень важно для древнегреческих статуй, которые почти все известны по копиям, традиционно достигалось с помощью « указания », наряду с более свободными методами. Указание включало установку сетки из струнных квадратов на деревянной раме, окружающей оригинал, а затем измерение положения на сетке и расстояния между сеткой и статуей ряда отдельных точек, а затем использование этой информации для вырезания на блоке, с которого делается копия. [8]
Бронза и родственные ей медные сплавы являются старейшими и по-прежнему самыми популярными металлами для литых металлических скульптур; литую бронзовую скульптуру часто называют просто «бронзой». Обычные бронзовые сплавы обладают необычным и желанным свойством слегка расширяться непосредственно перед застыванием, таким образом заполняя мельчайшие детали формы. Их прочность и отсутствие хрупкости (пластичности) являются преимуществом при создании фигур в движении, особенно по сравнению с различными керамическими или каменными материалами (см. мраморную скульптуру для нескольких примеров). Золото — самый мягкий и самый драгоценный металл, и очень важно в ювелирном деле ; вместе с серебром оно достаточно мягкое, чтобы его можно было обрабатывать молотками и другими инструментами, а также литьем; штамповка и чеканка входят в число техник, используемых в золотом и серебряном деле .
Литье — это группа производственных процессов, при которых жидкий материал (бронза, медь, стекло, алюминий, железо) (обычно) заливается в форму, которая содержит полую полость желаемой формы, а затем застывает. Затем твердая отливка выталкивается или выламывается для завершения процесса, [9] хотя на готовой отливке может следовать заключительный этап «холодной обработки». Литье может использоваться для формирования горячих жидких металлов или различных материалов, которые застывают в холодном состоянии после смешивания компонентов (таких как эпоксидные смолы , бетон , гипс и глина ). Литье чаще всего используется для изготовления сложных форм, которые в противном случае было бы трудно или неэкономично изготовить другими методами. Самая старая сохранившаяся отливка — это медная месопотамская лягушка, датируемая 3200 годом до н. э. [10] Конкретные методы включают литье по выплавляемым моделям , литье в гипсовые формы и литье в песчаные формы .
Сварка — это процесс, при котором различные куски металла сплавляются вместе для создания различных форм и конструкций. Существует множество различных форм сварки, таких как кислородно-топливная сварка , электродная сварка , сварка MIG и сварка TIG . Кислородно-топливная сварка, вероятно, является наиболее распространенным методом сварки, когда дело доходит до создания стальных скульптур, поскольку она является наиболее простой в использовании для придания формы стали, а также для создания чистых и менее заметных соединений стали. Ключ к кислородно-топливной сварке заключается в равномерном нагревании каждого куска металла, который должен быть соединен, пока все они не станут красными и не начнут блестеть. Как только этот блеск появится на каждом куске, этот блеск вскоре станет «лужей», где металл расплавится, и сварщик должен заставить лужи соединиться, сплавив металл. После охлаждения место, где соединяются лужи, теперь представляет собой один сплошной кусок металла. Также в создании кислородно-топливных скульптур широко используется ковка. Ковка — это процесс нагрева металла до определенной точки, чтобы он стал достаточно мягким для придания ему различных форм. Один очень распространенный пример — нагревание конца стального стержня и удар молотком по раскаленному кончику на наковальне для формирования острия. Между взмахами молота кузнец вращает стержень и постепенно формирует заостренное острие из тупого конца стального стержня.
Стекло может использоваться для скульптуры с помощью широкого спектра рабочих техник, хотя его использование для крупных работ является недавним достижением. Его можно резать, хотя и со значительными трудностями; римская чаша Ликурга является практически уникальной. [11] Существуют различные способы формования стекла : горячее литье может быть выполнено путем заливки расплавленного стекла в формы, которые были созданы путем прессования форм в песок, резной графит или подробные гипсовые/кремнеземные формы. Литье стекла в печи включает нагревание кусков стекла в печи до тех пор, пока они не станут жидкими и не потекут в ожидающую форму под ним в печи. Горячее стекло также можно выдувать и/или формировать в горячем виде с помощью ручных инструментов либо в виде твердой массы, либо как часть выдуваемого объекта. Более поздние методы включают долбление и склеивание листового стекла с полимерными силикатами и УФ-излучением. [12]
Керамика является одним из древнейших материалов для скульптуры, а глина является средой, в которой изначально моделируются многие скульптуры, отлитые из металла, для литья. Скульпторы часто создают небольшие предварительные работы, называемые макетами , из недолговечных материалов, таких как гипс , воск, необожженная глина или пластилин . [13] Во многих культурах производилась керамика, которая совмещала функцию сосуда со скульптурной формой, и небольшие фигурки часто были так же популярны, как и в современной западной культуре. Штампы и формы использовались большинством древних цивилизаций, от Древнего Рима и Месопотамии до Китая. [14]
Резьба по дереву чрезвычайно широко практикуется, но сохраняется гораздо хуже, чем другие основные материалы, будучи уязвимой к гниению, повреждению насекомыми и огню. Поэтому она образует важный скрытый элемент в истории искусства многих культур. [3] Уличная деревянная скульптура не живет долго в большинстве частей света, поэтому мы мало знаем о том, как развивалась традиция тотемных столбов . Многие из самых важных скульптур Китая и Японии в частности сделаны из дерева, и подавляющее большинство африканской скульптуры , а также скульптуры Океании и других регионов.
Дерево легкое, поэтому подходит для масок и других скульптур, предназначенных для переноски, и может выдерживать очень мелкие детали. Его также гораздо легче обрабатывать, чем камень. Его очень часто красили после резьбы, но краска изнашивается хуже, чем дерево, и часто отсутствует в сохранившихся изделиях. Окрашенное дерево часто технически описывается как «дерево и полихромия ». Обычно на дерево наносится слой гипса или штукатурки, а затем на него наносится краска.
Трехмерные работы, включающие нетрадиционные материалы, такие как ткань, мех, пластик, резина и нейлон, которые таким образом могут быть набиты, сшиты, подвешены, задрапированы или сотканы, известны как мягкие скульптуры . Известными создателями мягких скульптур являются Клас Олденбург , Яёи Кусама , Ева Гессе , Сара Лукас и Магдалена Абаканович . [15]
Во всем мире скульпторы обычно были торговцами, чьи работы не подписывались; в некоторых традициях, например, в Китае, где скульптура не разделяла престижа литературной живописи , это повлияло на статус самой скульптуры. [16] Даже в Древней Греции , где такие скульпторы, как Фидий, стали знаменитыми, они, по-видимому, сохранили во многом тот же социальный статус, что и другие ремесленники, и, возможно, не намного большее финансовое вознаграждение, хотя некоторые подписывали свои работы. [17] В Средние века художники, такие как Гислеберт XII века, иногда подписывали свои работы и пользовались спросом в разных городах, особенно с Треченто и далее в Италии, с такими деятелями, как Арнольфо ди Камбио и Никола Пизано и его сын Джованни . Золотых дел мастера и ювелиры, работавшие с драгоценными материалами и часто по совместительству являвшиеся банкирами, принадлежали к могущественным гильдиям и имели значительный статус, часто занимая гражданские должности. Многие скульпторы также практиковали в других видах искусства; Андреа дель Верроккьо также писал картины, а Джованни Пизано , Микеланджело и Якопо Сансовино были архитекторами . Некоторые скульпторы имели большие мастерские. Даже в эпоху Возрождения физическая природа работы воспринималась Леонардо да Винчи и другими как подрывающая статус скульптуры в искусстве, хотя репутация Микеланджело, возможно, положила конец этой давней идее.
Из Высокого Возрождения художники, такие как Микеланджело, Леоне Леони и Джамболонья, смогли разбогатеть, получить дворянство и войти в круг принцев после периода острых споров об относительном статусе скульптуры и живописи. [18] Большая часть декоративной скульптуры на зданиях оставалась ремеслом, но скульпторы, создававшие отдельные произведения, были признаны наравне с художниками. С 18-го века или ранее скульптура также привлекала студентов из среднего класса, хотя это происходило медленнее, чем живопись. Женщины-скульпторы появлялись дольше, чем женщины-художницы, и были менее заметны до 20-го века.
Аниконизм возник в иудаизме , который не принимал фигуративную скульптуру до 19 века, [19] прежде чем распространился на христианство , которое изначально принимало большие скульптуры. В христианстве и буддизме скульптура стала очень значимой. Христианское восточное православие никогда не принимало монументальную скульптуру, а ислам последовательно отвергал почти всю фигуративную скульптуру, за исключением очень маленьких фигур в рельефах и некоторых фигур животных, которые выполняют полезную функцию, как, например, знаменитые львы, поддерживающие фонтан в Альгамбре . Многие формы протестантизма также не одобряют религиозную скульптуру. Было много иконоборчества скульптуры по религиозным мотивам, от ранних христиан и Beeldenstorm протестантской Реформации до разрушения Будды Бамиана в 2001 году талибами .
Самые ранние бесспорные примеры скульптуры принадлежат культуре Ориньяк , которая находилась в Европе и юго-западной Азии и была активна в начале верхнего палеолита . Помимо создания некоторых из самых ранних известных пещерных искусств , люди этой культуры разработали искусно обработанные каменные орудия, изготавливая подвески, браслеты, бусины из слоновой кости и костяные флейты, а также трехмерные фигурки. [20] [21]
Löwenmensch высотой 30 см, найденный в районе Холенштайн-Штадель в Германии, представляет собой антропоморфную фигуру льва-человека, вырезанную из шерстистой мамонтовой кости. Она была датирована примерно 35–40 000 лет до нашей эры, что делает ее, наряду с Венерой из Холе-Фельс , старейшими известными неоспоримыми образцами скульптуры. [22]
Большая часть сохранившегося доисторического искусства представляет собой небольшие переносные скульптуры, с небольшой группой женских фигурок Венеры, таких как Венера Виллендорфская (24–26 000 лет до н. э.), найденных по всей Центральной Европе. [23] Плывущий олень, возраст которого составляет около 13 000 лет, является одной из лучших из ряда резных фигурок Мадленской эпохи из кости или рогов животных в искусстве верхнего палеолита , хотя их превосходят по численности гравированные изделия, которые иногда классифицируются как скульптура. [24] Две из самых больших доисторических скульптур можно найти в пещерах Тюк д'Одобер во Франции, где около 12–17 000 лет назад искусный скульптор использовал похожий на лопатку каменный инструмент и пальцы, чтобы вылепить пару больших бизонов из глины на известняковой скале. [25]
С началом мезолита в Европе фигуративная скульптура значительно сократилась [26] и оставалась менее распространенным элементом в искусстве, чем рельефное украшение практических предметов вплоть до римского периода, несмотря на некоторые работы, такие как котел из Гундеструпа из европейского железного века и солнечная колесница Трундхольма из бронзового века . [27]
Из древнего Ближнего Востока , каменный человек Урфа размером больше человеческого роста из современной Турции происходит примерно из 9000 г. до н. э., и статуи 'Айн Газаль около 7200 и 6500 г. до н. э. Они из современной Иордании , сделаны из известковой штукатурки и тростника, и примерно в половину человеческого роста; есть 15 статуй, некоторые с двумя головами рядом, и 15 бюстов. Небольшие глиняные фигурки людей и животных находят во многих местах по всему Ближнему Востоку с докерамического неолита и представляют собой начало более или менее непрерывной традиции в регионе.
В период дописьменности в Месопотамии , где доминировал Урук , были созданы такие сложные работы, как ваза Варка и цилиндрические печати . Львица Гвенноль — выдающаяся небольшая известняковая фигурка из Элама , датируемая примерно 3000–2800 гг. до н. э., наполовину человек, наполовину львица. [28] Чуть позже появилось несколько фигур жрецов и верующих с большими глазами, в основном из алебастра и высотой до фута, которые посещали храмовые культовые изображения божества, но очень немногие из них сохранились. [29] Скульптуры шумерского и аккадского периодов, как правило, имели большие, пристально смотрящие глаза и длинные бороды у мужчин. Многие шедевры также были найдены на царском кладбище в Уре (ок. 2650 г. до н. э.), включая две фигуры Барана в чаще , Медного Быка и голову быка на одной из Лир Ура . [30]
Из многих последующих периодов до господства Неоассирийской империи в 10 веке до н. э. месопотамское искусство сохранилось в ряде форм: цилиндрические печати , относительно небольшие круглые фигуры и рельефы разных размеров, включая дешевые пластины из формованной керамики для дома, некоторые религиозные, а некоторые, по-видимому, нет. [31] Рельеф Берни — это необычайно сложная и относительно большая (20 x 15 дюймов, 50 x 37 см) терракотовая пластина с изображением обнаженной крылатой богини с ногами хищной птицы и сопровождающими ее совами и львами. Она относится к 18 или 19 веку до н. э. и также может быть формованной. [32] Каменные стелы , вотивные подношения или те, которые, вероятно, увековечивают победы и показывают пиры, также находят в храмах, которые, в отличие от более официальных, не имеют надписей, которые могли бы их объяснить; [33] фрагментарная Стела Стервятников является ранним примером надписанного типа, [34] а Ассирийский Черный Обелиск Салманасара III — большим и прочным поздним образцом. [35]
Завоевание всей Месопотамии и многих прилегающих территорий ассирийцами создало более крупное и богатое государство, чем регион знал прежде, и очень грандиозное искусство во дворцах и общественных местах, несомненно, отчасти призванное соответствовать великолепию искусства соседней египетской империи. В отличие от более ранних государств, ассирийцы могли использовать легко вырезанный камень из северного Ирака и делали это в большом количестве. Ассирийцы разработали стиль чрезвычайно больших схем очень тонко детализированных повествовательных низких рельефов в камне для дворцов, со сценами войны или охоты; в Британском музее есть выдающаяся коллекция, включая « Охоту на львов Ашшурбанипала» и рельефы Лахиса, показывающие кампанию. Они создали очень мало скульптур в круглой форме, за исключением колоссальных фигур стражей ламассу с человеческими головами , которые высечены в высоком рельефе на двух сторонах прямоугольного блока, с головами фактически в круглой форме (а также пятью ногами, так что оба вида кажутся завершенными). Еще до того, как они стали доминировать в регионе, они продолжили традицию цилиндрических печатей с дизайном, который часто был исключительно энергичным и изысканным. [36]
Монументальная скульптура Древнего Египта известна во всем мире, но изысканные и изящные небольшие работы существуют в гораздо большем количестве. Египтяне использовали отличительную технику утопленного рельефа , которая хорошо подходит для очень яркого солнечного света. Главные фигуры на рельефах придерживаются той же условности фигуры, что и в живописи, с разведенными ногами (где они не сидят) и головой, показанной сбоку, но туловищем спереди, и стандартным набором пропорций, составляющих фигуру, используя 18 «кулаков», чтобы пройти от земли до линии волос на лбу. [37] Это появляется уже в Палетке Нармера из I династии. Однако там, как и в других местах, условность не используется для второстепенных фигур, показанных занятыми какой-либо деятельностью, таких как пленники и трупы. [38] Другие условности делают статуи мужчин темнее, чем женские. Очень условные портретные статуи появляются уже со времен II династии, до 2780 г. до н. э. [39], и за исключением искусства амарнского периода Ахенатена [ 40] и некоторых других периодов, таких как XII династия, идеализированные черты правителей, как и другие египетские художественные условности, мало изменились до греческого завоевания. [41]
Египетские фараоны всегда считались божествами, но другие божества гораздо реже встречаются в больших статуях, за исключением случаев, когда они представляют фараона как другое божество; однако другие божества часто изображаются на картинах и рельефах. Знаменитый ряд из четырех колоссальных статуй снаружи главного храма в Абу-Симбеле каждая показывает Рамзеса II , типичную схему, хотя здесь исключительно большую. [42] Маленькие фигурки божеств или их олицетворения в виде животных очень распространены и встречаются в популярных материалах, таких как керамика. Большинство крупных скульптур сохранилось в египетских храмах или гробницах; самое позднее, к династии IV (2680–2565 гг. до н. э.) идея статуи Ка была прочно установлена. Их помещали в гробницы как место упокоения части души ка , и поэтому у нас есть большое количество менее условных статуй состоятельных администраторов и их жен, многие из которых сделаны из дерева, поскольку Египет является одним из немногих мест в мире, где климат позволяет дереву сохраняться на протяжении тысячелетий. Так называемые резервные головы , простые безволосые головы, особенно натуралистичны. Ранние гробницы также содержали небольшие модели рабов, животных, зданий и предметов, таких как лодки, необходимые умершему для продолжения его образа жизни в загробном мире, а также более поздние фигуры ушебти . [43]
Первый отличительный стиль древнегреческой скульптуры развился в раннем бронзовом веке Кикладского периода (3-е тысячелетие до н. э.), где мраморные фигуры, обычно женские и маленькие, представлены в элегантно упрощенном геометрическом стиле. Наиболее типичной является стоячая поза со скрещенными на груди руками, но другие фигуры показаны в других позах, включая сложную фигуру арфиста, сидящего на стуле. [44]
Последующие минойская и микенская культуры развили скульптуру еще больше, под влиянием Сирии и других мест, но именно в поздний архаический период, примерно с 650 г. до н. э., появился курос . Это большие стоящие статуи обнаженных юношей, которые можно найти в храмах и гробницах, с корой в качестве одетого женского эквивалента, с тщательно уложенными волосами; обе имеют « архаическую улыбку ». Кажется, они выполняли ряд функций, возможно, иногда представляя божеств, а иногда человека, похороненного в могиле, как в случае с куросом Кройсос . Они явно находятся под влиянием египетского и сирийского стилей, но греческие художники были гораздо более готовы экспериментировать в рамках этого стиля.
В течение VI века греческая скульптура быстро развивалась, становясь более натуралистической, с гораздо более активными и разнообразными позами фигур в повествовательных сценах, хотя все еще в пределах идеализированных условностей. Скульптурные фронтоны были добавлены к храмам , включая Парфенон в Афинах, где остатки фронтона около 520 с использованием фигур в круге были к счастью использованы в качестве заполнения для новых зданий после персидского разграбления в 480 г. до н. э. и восстановлены с 1880-х годов в свежем невыветренном состоянии. Другие значительные остатки архитектурной скульптуры происходят из Пестума в Италии, Корфу , Дельф и храма Афайи в Эгине (большая часть сейчас в Мюнхене ). [45] Большинство греческих скульптур изначально включали по крайней мере немного цвета; Музей Ny Carlsberg Glyptotek в Копенгагене, Дания, провел обширное исследование и воссоздание оригинальных цветов. [46] [47]
Меньше оригинальных останков от первой фазы классического периода, часто называемого суровым стилем ; отдельно стоящие статуи теперь в основном изготавливались из бронзы, которая всегда имела ценность как металлолом. Суровый стиль просуществовал примерно с 500 в рельефах и вскоре после 480 в статуях, примерно до 450. Относительно жесткие позы фигур смягчились, а асимметричные поворотные положения и косые виды стали обычным явлением и намеренно искались. Это сочеталось с лучшим пониманием анатомии и гармоничной структуры скульптурных фигур, а также стремлением к натуралистичному представлению как цели, чего раньше не было. Раскопки в храме Зевса в Олимпии с 1829 года выявили самую большую группу останков, примерно из 460, многие из которых находятся в Лувре . [48]
«Высокий классический» период продолжался всего несколько десятилетий с 450 по 400 год, но оказал огромное влияние на искусство и сохраняет особый престиж, несмотря на очень ограниченное количество оригинальных сохранившихся произведений. Наиболее известными работами являются мраморные скульптуры Парфенона , традиционно (со времен Плутарха ) выполненные командой под руководством самого известного древнегреческого скульптора Фидия , работавшего примерно с 465 по 425 год, который в свое время был более известен своей колоссальной хризоэлефантиновой статуей Зевса в Олимпии (ок. 432 г.), одним из семи чудес Древнего мира , его Афиной Парфенос (438 г.), культовым изображением Парфенона , и Афиной Промахос , колоссальной бронзовой фигурой, стоявшей рядом с Парфеноном; все они утеряны, но известны по многим изображениям. Его также считают создателем нескольких бронзовых статуй в натуральную величину, известных только по более поздним копиям, идентификация которых является спорной, включая статуи Гермеса Людовизи . [49]
Стиль высокой классики продолжал развивать реализм и изысканность в человеческой фигуре и улучшал изображение драпировки (одежды), используя ее для усиления воздействия активных поз. Выражения лиц обычно были очень сдержанными, даже в боевых сценах. Композиция групп фигур на рельефах и на фронтонах сочетала сложность и гармонию таким образом, что оказала постоянное влияние на западное искусство. Рельеф мог быть действительно очень высоким, как на иллюстрации Парфенона ниже, где большая часть ноги воина полностью отделена от фона, как и недостающие части; такой высокий рельеф делал скульптуры более подверженными повреждениям. [50] Стиль поздней классики развивал отдельно стоящую женскую обнаженную статую, предположительно нововведение Праксителя , и разрабатывал все более сложные и тонкие позы, которые были интересны при просмотре с разных сторон, а также более выразительные лица; обе тенденции должны были получить гораздо большее развитие в эллинистический период. [51]
Эллинистический период традиционно датируется смертью Александра Македонского в 323 г. до н. э. и заканчивается либо окончательным завоеванием греческих земель Римом в 146 г. до н. э., либо окончательным поражением последнего оставшегося государства-преемника империи Александра после битвы при Акциуме в 31 г. до н. э., что также знаменует конец республиканского Рима . [52] Таким образом, он намного длиннее предыдущих периодов и включает в себя по крайней мере две основные фазы: «пергамский» стиль экспериментирования, изобилия и некоторой сентиментальности и вульгарности, а во II в. до н. э. — классицистический возврат к более строгой простоте и элегантности; за пределами таких обобщений датировка, как правило, весьма неопределенна, особенно когда известны только более поздние копии, как это обычно и бывает. Первоначальный стиль Пергама не был особенно связан с Пергамом , от которого он получил свое название, но очень богатые короли этого государства были одними из первых, кто коллекционировал и также копировал классическую скульптуру, а также заказывал много новых работ, включая знаменитый Пергамский алтарь , скульптура которого сейчас в основном находится в Берлине и который является примером нового стиля, как и Мавзолей в Галикарнасе (еще одно из Семи чудес), знаменитый Лаокоон и его сыновья в Музеях Ватикана , поздний пример, и бронзовый оригинал Умирающего Галла (изображенный вверху), который, как мы знаем, был частью группы, фактически заказанной для Пергама примерно в 228 г. до н. э., с которой Галлия Людовизи также была копией. Группа, называемая Фарнезским Быком , возможно, мраморный оригинал II века, еще больше и сложнее, [53]
Эллинистическая скульптура значительно расширила круг представленных предметов, отчасти в результате большего общего благосостояния и появления очень богатого класса, у которого были большие дома, украшенные скульптурой, хотя мы знаем, что некоторые примеры предметов, которые кажутся наиболее подходящими для дома, такие как дети с животными, на самом деле размещались в храмах или других общественных местах. Для гораздо более популярного рынка домашнего декора были статуэтки из Танагры и из других центров, где небольшие керамические фигурки производились в промышленных масштабах, некоторые религиозные, но другие изображали животных и элегантно одетых женщин. Скульпторы стали более технически подкованными в представлении выражений лиц, передающих широкий спектр эмоций, и портретов людей, а также представляющих разные возрасты и расы. Рельефы из Мавзолея довольно нетипичны в этом отношении; большинство работ были отдельно стоящими, и групповые композиции с несколькими фигурами, которые можно было увидеть по кругу, такие как Лаокоон и пергамская группа, празднующая победу над галлами, стали популярными, что ранее было редкостью. « Фавн Барберини» , изображающий сатира , спящего, раскинувшись на земле, предположительно, после выпивки, является примером морального расслабления того периода и готовности создавать большие и дорогие скульптуры на темы, далекие от героических. [54]
После завоеваний Александра эллинистическая культура доминировала при дворах большей части Ближнего Востока и некоторых стран Центральной Азии , и все больше принималась европейской элитой, особенно в Италии, где греческие колонии изначально контролировали большую часть Юга. Эллинистическое искусство и художники распространились очень широко и были особенно влиятельны в расширяющейся Римской республике и когда она столкнулась с буддизмом в самых восточных расширениях эллинистической области. Массивный так называемый саркофаг Александра , найденный в Сидоне в современном Ливане, вероятно, был изготовлен там в начале периода греческими художниками-эмигрантами для эллинизированного персидского губернатора. [55] Богатство периода привело к значительному увеличению производства роскошных форм малой скульптуры, включая гравированные драгоценные камни и камеи, ювелирные изделия, а также золотые и серебряные изделия.
.JPG/1280px-0_Apollon_du_Belv%C3%A9d%C3%A8re_-_Cortile_Ottagono_-_Museo_Pio-Clementino_-_Vatican_(2).JPG)
Раннее римское искусство находилось под влиянием искусства Греции и соседних этрусков , которые сами находились под сильным влиянием своих греческих торговых партнеров. Этрусской специальностью были почти натуральная величина надгробных изображений из терракоты , обычно лежащих на крышке саркофага, подпертых одним локтем в позе обедающего в тот период. По мере того, как расширяющаяся Римская республика начала завоевывать греческую территорию, сначала в Южной Италии, а затем во всем эллинистическом мире, за исключением парфянского Дальнего Востока, официальная и патрицианская скульптура стала в значительной степени продолжением эллинистического стиля, от которого трудно отделить специфически римские элементы, тем более, что так много греческой скульптуры сохранилось только в копиях римского периода. [56] Ко II веку до н. э. «большинство скульпторов, работавших в Риме», были греками, [57] часто порабощенными в ходе завоеваний, таких как завоевание Коринфа (146 г. до н. э.), и скульпторы продолжали в основном быть греками, часто рабами, чьи имена очень редко регистрируются. Огромное количество греческих статуй было импортировано в Рим, будь то в качестве добычи или в результате вымогательства или торговли, и храмы часто украшались повторно использованными греческими произведениями. [58]
Исконный итальянский стиль можно увидеть в надгробных памятниках, которые очень часто представляли собой портретные бюсты зажиточных римлян среднего класса, и портретная живопись, возможно, является главной силой римской скульптуры. Не сохранилось никаких свидетельств традиции масок предков, которые носили в процессиях на похоронах великих семей и иным образом выставлялись дома, но многие из сохранившихся бюстов, должно быть, представляют собой предковых персонажей, возможно, из больших семейных гробниц, таких как гробница Сципионов или более поздние мавзолеи за пределами города. Знаменитая бронзовая голова, предположительно Луция Юния Брута, датируется очень по-разному, но считается очень редким пережитком италийского стиля в эпоху Республики, в предпочтительной среде бронзы. [59] Аналогичные суровые и сильные головы можно увидеть на монетах Поздней Республики, а в период Империи монеты, а также бюсты, рассылаемые по всей Империи для размещения в базиликах провинциальных городов, были основной визуальной формой имперской пропаганды; даже в Лондиниуме была почти колоссальная статуя Нерона , хотя и гораздо меньше, чем 30-метровый Колосс Нерона в Риме, ныне утраченный. [60]
Римляне, как правило, не пытались конкурировать с отдельно стоящими греческими произведениями героических подвигов из истории или мифологии, но с самого начала создавали исторические произведения в рельефе, достигнув кульминации в больших римских триумфальных колоннах с непрерывными повествовательными рельефами, обвивающимися вокруг них, из которых те, что посвящены Траяну (113 г. н. э.) и Марку Аврелию (около 193 г.), сохранились в Риме, где Ara Pacis («Алтарь мира», 13 г. до н. э.) представляет официальный греко-римский стиль в его наиболее классическом и изысканном виде. Среди других основных примеров — более ранние повторно использованные рельефы на арке Константина и основании колонны Антонина Пия (161 г.), [61] Рельефы Кампаны были более дешевыми керамическими версиями мраморных рельефов, и вкус к рельефу с имперского периода распространился на саркофаги. Все формы роскошной мелкой скульптуры продолжали пользоваться покровительством, и качество могло быть чрезвычайно высоким, как в серебряной чаше Уоррена , стеклянной чаше Ликурга и больших камеях, таких как Джемма Августа , камея Гонзага и « Большая камея Франции ». [62] Для гораздо более широкой части населения формованные рельефные украшения керамических сосудов и небольших статуэток производились в большом количестве и часто значительного качества. [63]
Пройдя через фазу «барокко» конца II века [64] , в III веке римское искусство в значительной степени отказалось или просто стало неспособным производить скульптуру в классической традиции, изменение, причины которого остаются широко обсуждаемыми. Даже самые важные императорские памятники теперь показывали приземистые, большеглазые фигуры в резком фронтальном стиле, в простых композициях, подчеркивающих силу за счет изящества. Контраст прекрасно проиллюстрирован в Арке Константина 315 года в Риме, которая сочетает секции в новом стиле с кругляшами в более раннем полном греко-римском стиле, взятом из других мест, и Четырех тетрархах ( ок. 305 г. ) из новой столицы Константинополя , ныне в Венеции. Эрнст Китцингер обнаружил в обоих памятниках одни и те же «приземистые пропорции, угловатые движения, упорядочение частей посредством симметрии и повторения, а также передачу черт и складок драпировки посредством надрезов, а не моделирования... Отличительной чертой стиля, где бы он ни появлялся, является подчеркнутая жесткость, тяжеловесность и угловатость — короче говоря, почти полное неприятие классической традиции» [65] .
Эта революция в стиле вскоре предшествовала периоду, когда христианство было принято Римским государством и подавляющим большинством людей, что привело к концу большой религиозной скульптуры, с большими статуями, которые теперь использовались только для императоров. Тем не менее, богатые христиане продолжали заказывать рельефы для саркофагов, как в саркофаге Юния Басса , и очень маленькую скульптуру, особенно из слоновой кости, продолжили христиане, основываясь на стиле консульского диптиха . [66]
Ранние христиане выступали против монументальной религиозной скульптуры, хотя римские традиции продолжались в портретных бюстах и рельефах саркофагов , а также в более мелких объектах, таких как консульский диптих. Такие объекты, часто из ценных материалов, также были основными скульптурными традициями (насколько известно) цивилизаций периода Великого переселения народов , как это видно по объектам, найденным в погребальном кладе VI века в Саттон-Ху , и ювелирным изделиям скифского искусства и гибридным христианским и животным стилям островного искусства . Следуя продолжающейся византийской традиции, каролингское искусство возродило резьбу по слоновой кости на Западе, часто в панелях для переплетов сокровищ больших иллюминированных рукописей , а также в головках посохов и других мелких приспособлениях.
Византийское искусство , хотя и создавало великолепные рельефы из слоновой кости и архитектурную декоративную резьбу, никогда не возвращалось к монументальной скульптуре или даже к небольшой круглой скульптуре. [67] Однако на Западе в периоды Каролингов и Оттонов началось производство монументальных статуй во дворах и крупных церквях. Это постепенно распространилось; к концу 10-го и 11-го века появились записи о нескольких скульптурах в натуральную величину в англосаксонских церквях, вероятно, из драгоценного металла вокруг деревянной рамы, как Золотая Мадонна Эссена . Ни один англосаксонский пример не сохранился, [68] а сохранившиеся крупные неархитектурные скульптуры до 1000 года исключительно редки. Гораздо лучшей является Крест Геро 965–970 годов, который представляет собой распятие , которое, очевидно, было самым распространенным типом скульптуры; Карл Великий установил один в Палатинской капелле в Аахене около 800 года. Они продолжали набирать популярность, особенно в Германии и Италии. Рунические камни скандинавского мира, пиктские камни Шотландии и, возможно, высокие крестовые рельефы христианской Великобритании были северными скульптурными традициями, которые перекинули мост через период христианизации.
Начиная примерно с 1000 года нашей эры, во всей Европе началось возрождение художественного производства, вызванное общим экономическим ростом производства и торговли, и новый стиль романского искусства стал первым средневековым стилем, который использовался во всей Западной Европе. Новые соборы и церкви паломников все чаще украшались архитектурными каменными рельефами, а также развивались новые направления скульптуры, такие как тимпан над церковными дверями в 12 веке и жилая столица с фигурами и часто повествовательными сценами. Выдающиеся церкви аббатств со скульптурой включают Везле и Муассак во Франции и Силос в Испании . [69]
Романское искусство характеризовалось очень энергичным стилем как в скульптуре, так и в живописи. Капители колонн никогда не были более захватывающими, чем в этот период, когда они часто были вырезаны с полными сценами с несколькими фигурами. [70] Большое деревянное распятие было немецким новшеством в самом начале периода, как и отдельно стоящие статуи Мадонны на троне, но высокий рельеф был прежде всего скульптурным способом периода. Композиции обычно имели небольшую глубину и должны были быть гибкими, чтобы втиснуться в формы капителей и церковных типанумов; напряжение между плотно охватывающей рамой, из которой композиция иногда вырывается, является повторяющейся темой в романском искусстве. Фигуры по-прежнему часто различались по размеру в зависимости от их важности, портретная живопись почти не существовала.
Предметы из драгоценных материалов, таких как слоновая кость и металл, имели очень высокий статус в этот период, гораздо более высокий, чем монументальная скульптура — мы знаем имена большего числа их создателей, чем художников, иллюминаторов или архитекторов-каменщиков. Металлообработка, включая декор из эмали , стала очень сложной, и сохранилось множество впечатляющих святилищ, сделанных для хранения реликвий, из которых самым известным является святилище Трех королей в Кельнском соборе Николая Верденского . Бронзовый подсвечник Глостера и латунная купель 1108–1117 годов, которые сейчас находятся в Льеже, являются великолепными примерами, очень разными по стилю, литья из металла, первый очень сложный и энергичный, с рисунком рукописной живописи, в то время как купель демонстрирует стиль Мосан в его наиболее классическом и величественном виде. Бронзовые двери, триумфальная колонна и другие элементы в соборе Хильдесхайма , двери Гнезно и двери базилики Сан-Дзено в Вероне являются другими существенными сохранившимися образцами. Акваманиль , емкость для воды для мытья, по -видимому, была завезена в Европу в XI веке и часто принимала фантастические зооморфные формы; сохранившиеся образцы в основном из латуни. Многие восковые оттиски впечатляющих печатей сохранились на грамотах и документах, хотя романские монеты, как правило, не представляют большого эстетического интереса. [71]
The Cloisters Cross is an unusually large ivory crucifix, with complex carving including many figures of prophets and others, which has been attributed to one of the relatively few artists whose name is known, Master Hugo, who also illuminated manuscripts. Like many pieces it was originally partly coloured. The Lewis chessmen are well-preserved examples of small ivories, of which many pieces or fragments remain from croziers, plaques, pectoral crosses and similar objects.
The Gothic period is essentially defined by Gothic architecture, and does not entirely fit with the development of style in sculpture in either its start or finish. The facades of large churches, especially around doors, continued to have large typanums, but also rows of sculpted figures spreading around them. The statues on the Western (Royal) Portal at Chartres Cathedral (c. 1145) show an elegant but exaggerated columnar elongation, but those on the south transept portal, from 1215 to 1220, show a more naturalistic style and increasing detachment from the wall behind, and some awareness of the classical tradition. These trends were continued in the west portal at Reims Cathedral of a few years later, where the figures are almost in the round, as became usual as Gothic spread across Europe.[72]
In Italy Nicola Pisano (1258–1278) and his son Giovanni developed a style that is often called Proto-Renaissance, with unmistakable influence from Roman sarcophagi and sophisticated and crowded compositions, including a sympathetic handling of nudity, in relief panels on their Siena Cathedral Pulpit (1265–68), Pulpit in the Pisa Baptistery (1260), the Fontana Maggiore in Perugia, and Giovanni's pulpit in Pistoia of 1301.[73] Another revival of classical style is seen in the International Gothic work of Claus Sluter and his followers in Burgundy and Flanders around 1400.[74] Late Gothic sculpture continued in the North, with a fashion for very large wooden sculpted altarpieces with increasingly virtuoso carving and large numbers agitated expressive figures; most surviving examples are in Germany, after much iconoclasm elsewhere. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss and others continued the style well into the 16th century, gradually absorbing Italian Renaissance influences.[75]
Life-size tomb effigies in stone or alabaster became popular for the wealthy, and grand multi-level tombs evolved, with the Scaliger Tombs of Verona so large they had to be moved outside the church. By the 15th century there was an industry exporting Nottingham alabaster altar reliefs in groups of panels over much of Europe for economical parishes who could not afford stone retables.[76] Small carvings, for a mainly lay and often female market, became a considerable industry in Paris and some other centres. Types of ivories included small devotional polyptychs, single figures, especially of the Virgin, mirror-cases, combs, and elaborate caskets with scenes from Romances, used as engagement presents.[77] The very wealthy collected extravagantly elaborate jewelled and enamelled metalwork, both secular and religious, like the Duc de Berry's Holy Thorn Reliquary, until they ran short of money, when they were melted down again for cash.[78]
Renaissance sculpture proper is often taken to begin with the famous competition for the doors of the Florence Baptistry in 1403, from which the trial models submitted by the winner, Lorenzo Ghiberti, and Filippo Brunelleschi survive. Ghiberti's doors are still in place, but were undoubtedly eclipsed by his second pair for the other entrance, the so-called Gates of Paradise, which took him from 1425 to 1452, and are dazzlingly confident classicizing compositions with varied depths of relief allowing extensive backgrounds.[79] The intervening years had seen Ghiberti's early assistant Donatello develop with seminal statues including his Davids in marble (1408–09) and bronze (1440s), and his Equestrian statue of Gattamelata, as well as reliefs.[80] A leading figure in the later period was Andrea del Verrocchio, best known for his equestrian statue of Bartolomeo Colleoni in Venice;[81] his pupil Leonardo da Vinci designed an equine sculpture in 1482 The Horse for Milan, but only succeeded in making a 24-foot (7.3 m) clay model which was destroyed by French archers in 1499, and his other ambitious sculptural plans were never completed.[82]
The period was marked by a great increase in patronage of sculpture by the state for public art and by the wealthy for their homes; especially in Italy, public sculpture remains a crucial element in the appearance of historic city centres. Church sculpture mostly moved inside just as outside public monuments became common. Portrait sculpture, usually in busts, became popular in Italy around 1450, with the Neapolitan Francesco Laurana specializing in young women in meditative poses, while Antonio Rossellino and others more often depicted knobbly-faced men of affairs, but also young children.[83] The portrait medal invented by Pisanello also often depicted women; relief plaquettes were another new small form of sculpture in cast metal.
Michelangelo was an active sculptor from about 1500 to 1520, and his great masterpieces including his David, Pietà, Moses, and pieces for the Tomb of Pope Julius II and Medici Chapel could not be ignored by subsequent sculptors. His iconic David (1504) has a contrapposto pose, borrowed from classical sculpture. It differs from previous representations of the subject in that David is depicted before his battle with Goliath and not after the giant's defeat. Instead of being shown victorious, as Donatello and Verocchio had done, David looks tense and battle ready.[84]
As in painting, early Italian Mannerist sculpture was very largely an attempt to find an original style that would top the achievement of the High Renaissance, which in sculpture essentially meant Michelangelo, and much of the struggle to achieve this was played out in commissions to fill other places in the Piazza della Signoria in Florence, next to Michelangelo's David. Baccio Bandinelli took over the project of Hercules and Cacus from the master himself, but it was little more popular than it is now, and maliciously compared by Benvenuto Cellini to "a sack of melons", though it had a long-lasting effect in apparently introducing relief panels on the pedestal of statues for the first time. Like other works of his, and other Mannerists, it removes far more of the original block than Michelangelo would have done.[85] Cellini's bronze Perseus with the head of Medusa is certainly a masterpiece, designed with eight angles of view, another Mannerist characteristic, but is indeed mannered compared to the Davids of Michelangelo and Donatello.[86] Originally a goldsmith, his famous gold and enamel Salt Cellar (1543) was his first sculpture, and shows his talent at its best.[87] As these examples show, the period extended the range of secular subjects for large works beyond portraits, with mythological figures especially favoured; previously these had mostly been found in small works.
Small bronze figures for collector's cabinets, often mythological subjects with nudes, were a popular Renaissance form at which Giambologna, originally Flemish but based in Florence, excelled in the later part of the century, also creating life-size sculptures, of which two joined the collection in the Piazza della Signoria. He and his followers devised elegant elongated examples of the figura serpentinata, often of two intertwined figures, that were interesting from all angles.[88]
.jpg/1280px-Apollo_and_Daphne_(Bernini).jpg)
In Baroque sculpture, groups of figures assumed new importance, and there was a dynamic movement and energy of human forms— they spiralled around an empty central vortex, or reached outwards into the surrounding space. Baroque sculpture often had multiple ideal viewing angles, and reflected a general continuation of the Renaissance move away from the relief to sculpture created in the round, and designed to be placed in the middle of a large space—elaborate fountains such as Bernini's Fontana dei Quattro Fiumi (Rome, 1651), or those in the Gardens of Versailles were a Baroque speciality. The Baroque style was perfectly suited to sculpture, with Gian Lorenzo Bernini the dominating figure of the age in works such as The Ecstasy of St Theresa (1647–1652).[89] Much Baroque sculpture added extra-sculptural elements, for example, concealed lighting, or water fountains, or fused sculpture and architecture to create a transformative experience for the viewer. Artists saw themselves as in the classical tradition, but admired Hellenistic and later Roman sculpture, rather than that of the more "Classical" periods as they are seen today.[90]
The Protestant Reformation brought an almost total stop to religious sculpture in much of Northern Europe, and though secular sculpture, especially for portrait busts and tomb monuments, continued, the Dutch Golden Age has no significant sculptural component outside goldsmithing.[91] Partly in direct reaction, sculpture was as prominent in Roman Catholicism as in the late Middle Ages. Statues of rulers and the nobility became increasingly popular. In the 18th century much sculpture continued on Baroque lines—the Trevi Fountain was only completed in 1762. Rococo style was better suited to smaller works, and arguably found its ideal sculptural form in early European porcelain, and interior decorative schemes in wood or plaster such as those in French domestic interiors and Austrian and Bavarian pilgrimage churches.[92]
The Neoclassical style that arrived in the late 18th century gave great emphasis to sculpture. Jean-Antoine Houdon exemplifies the penetrating portrait sculpture the style could produce, and Antonio Canova's nudes the idealist aspect of the movement. The Neoclassical period was one of the great ages of public sculpture, though its "classical" prototypes were more likely to be Roman copies of Hellenistic sculptures. In sculpture, the most familiar representatives are the Italian Antonio Canova, the Englishman John Flaxman and the Dane Bertel Thorvaldsen. The European neoclassical manner also took hold in the United States, where its pinnacle occurred somewhat later and is exemplified in the sculptures of Hiram Powers.
.jpeg/1280px-Gandhara_Buddha_(tnm).jpeg)
Greco-Buddhist art is the artistic manifestation of Greco-Buddhism, a cultural syncretism between the Classical Greek culture and Buddhism, which developed over a period of close to 1000 years in Central Asia, between the conquests of Alexander the Great in the 4th century BCE, and the Islamic conquests of the 7th century CE. Greco-Buddhist art is characterized by the strong idealistic realism of Hellenistic art and the first representations of the Buddha in human form, which have helped define the artistic (and particularly, sculptural) canon for Buddhist art throughout the Asian continent up to the present. Though dating is uncertain, it appears that strongly Hellenistic styles lingered in the East for several centuries after they had declined around the Mediterranean, as late as the 5th century CE. Some aspects of Greek art were adopted while others did not spread beyond the Greco-Buddhist area; in particular the standing figure, often with a relaxed pose and one leg flexed, and the flying cupids or victories, who became popular across Asia as apsaras. Greek foliage decoration was also influential, with Indian versions of the Corinthian capital appearing.[93]
The origins of Greco-Buddhist art are to be found in the Hellenistic Greco-Bactrian kingdom (250–130 BCE), located in today's Afghanistan, from which Hellenistic culture radiated into the Indian subcontinent with the establishment of the small Indo-Greek kingdom (180–10 BCE). Under the Indo-Greeks and then the Kushans, the interaction of Greek and Buddhist culture flourished in the area of Gandhara, in today's northern Pakistan, before spreading further into India, influencing the art of Mathura, and then the Hindu art of the Gupta empire, which was to extend to the rest of South-East Asia. The influence of Greco-Buddhist art also spread northward towards Central Asia, strongly affecting the art of the Tarim Basin and the Dunhuang Caves, and ultimately the sculpted figure in China, Korea, and Japan.[94]
Chinese ritual bronzes from the Shang and Western Zhou dynasties come from a period of over a thousand years from c. 1500 BCE, and have exerted a continuing influence over Chinese art. They are cast with complex patterned and zoomorphic decoration, but avoid the human figure, unlike the huge figures only recently discovered at Sanxingdui.[95] The spectacular Terracotta Army was assembled for the tomb of Qin Shi Huang, the first emperor of a unified China from 221 to 210 BCE, as a grand imperial version of the figures long placed in tombs to enable the deceased to enjoy the same lifestyle in the afterlife as when alive, replacing actual sacrifices of very early periods. Smaller figures in pottery or wood were placed in tombs for many centuries afterwards, reaching a peak of quality in Tang dynasty tomb figures.[96] The tradition of unusually large pottery figures persisted in China, through Tang sancai tomb figures to later Buddhist statues such as the near life-size set of Yixian glazed pottery luohans and later figures for temples and tombs. These came to replace earlier equivalents in wood.
Native Chinese religions do not usually use cult images of deities, or even represent them, and large religious sculpture is nearly all Buddhist, dating mostly from the 4th to the 14th century, and initially using Greco-Buddhist models arriving via the Silk Road. Buddhism is also the context of all large portrait sculpture; in total contrast to some other areas, in medieval China even painted images of the emperor were regarded as private. Imperial tombs have spectacular avenues of approach lined with real and mythological animals on a scale matching Egypt, and smaller versions decorate temples and palaces.[97]
Small Buddhist figures and groups were produced to a very high quality in a range of media,[98] as was relief decoration of all sorts of objects, especially in metalwork and jade.[99] In the earlier periods, large quantities of sculpture were cut from the living rock in pilgrimage cave-complexes, and as outside rock reliefs. These were mostly originally painted. In notable contrast to literati painters, sculptors of all sorts were regarded as artisans and very few names are recorded.[100] From the Ming dynasty onwards, statuettes of religious and secular figures were produced in Chinese porcelain and other media, which became an important export.
.JPG/1280px-Man_blowing_conch_(Wanli_Reign_Period).JPG)
Towards the end of the long Neolithic Jōmon period, some pottery vessels were "flame-rimmed" with extravagant extensions to the rim that can only be called sculptural,[103] and very stylized pottery dogū figures were produced, many with the characteristic "snow-goggle" eyes. During the Kofun period of the 3rd to 6th century CE, haniwa terracotta figures of humans and animals in a simplistic style were erected outside important tombs. The arrival of Buddhism in the 6th century brought with it sophisticated traditions in sculpture, Chinese styles mediated via Korea. The 7th-century Hōryū-ji and its contents have survived more intact than any East Asian Buddhist temple of its date, with works including a Shaka Trinity of 623 in bronze, showing the historical Buddha flanked by two bodhisattvas and also the Guardian Kings of the Four Directions.[104]
Jōchō is said to be one of the greatest Buddhist sculptors not only in Heian period but also in the history of Buddhist statues in Japan. Jōchō redefined the body shape of Buddha statues by perfecting the technique of "yosegi zukuri" (寄木造り) which is a combination of several woods. The peaceful expression and graceful figure of the Buddha statue that he made completed a Japanese style of sculpture of Buddha statues called "Jōchō yō" (Jōchō style, 定朝様) and determined the style of Japanese Buddhist statues of the later period. His achievement dramatically raised the social status of busshi (Buddhist sculptor) in Japan.[105]
In the Kamakura period, the Minamoto clan established the Kamakura shogunate and the samurai class virtually ruled Japan for the first time. Jocho's successors, sculptors of the Kei school of Buddhist statues, created realistic and dynamic statues to suit the tastes of samurai, and Japanese Buddhist sculpture reached its peak. Unkei, Kaikei, and Tankei were famous, and they made many new Buddha statues at many temples such as Kofuku-ji, where many Buddha statues had been lost in wars and fires.[106]
Almost all subsequent significant large sculpture in Japan was Buddhist, with some Shinto equivalents, and after Buddhism declined in Japan in the 15th century, monumental sculpture became largely architectural decoration and less significant.[107] However sculptural work in the decorative arts was developed to a remarkable level of technical achievement and refinement in small objects such as inro and netsuke in many materials, and metal tosogu or Japanese sword mountings. In the 19th century there were export industries of small bronze sculptures of extreme virtuosity, ivory and porcelain figurines, and other types of small sculpture, increasingly emphasizing technical accomplishment.
,_gupta_period,_krishna_battling_the_horse_demon_keshi,_5th_century.JPG/1280px-Met,_india_(uttar_pradesh),_gupta_period,_krishna_battling_the_horse_demon_keshi,_5th_century.JPG)
The first known sculpture in the Indian subcontinent is from the Indus Valley civilization (3300–1700 BCE), found in sites at Mohenjo-daro and Harappa in modern-day Pakistan. These include the famous small bronze female dancer and the so-called Priest-king. However, such figures in bronze and stone are rare and greatly outnumbered by pottery figurines and stone seals, often of animals or deities very finely depicted. After the collapse of the Indus Valley civilization there is little record of sculpture until the Buddhist era, apart from a hoard of copper figures of (somewhat controversially) c. 1500 BCE from Daimabad.[108] Thus the great tradition of Indian monumental sculpture in stone appears to begin, relative to other cultures, and the development of Indian civilization, relatively late, with the reign of Asoka from 270 to 232 BCE, and the Pillars of Ashoka he erected around India, carrying his edicts and topped by famous sculptures of animals, mostly lions, of which six survive.[109] Large amounts of figurative sculpture, mostly in relief, survive from Early Buddhist pilgrimage stupas, above all Sanchi; these probably developed out of a tradition using wood that also embraced Hinduism.[110]
The pink sandstone Hindu, Jain and Buddhist sculptures of Mathura from the 1st to 3rd centuries CE reflected both native Indian traditions and the Western influences received through the Greco-Buddhist art of Gandhara, and effectively established the basis for subsequent Indian religious sculpture.[110] The style was developed and diffused through most of India under the Gupta Empire (c. 320–550) which remains a "classical" period for Indian sculpture, covering the earlier Ellora Caves,[111] though the Elephanta Caves are probably slightly later.[112] Later large-scale sculpture remains almost exclusively religious, and generally rather conservative, often reverting to simple frontal standing poses for deities, though the attendant spirits such as apsaras and yakshi often have sensuously curving poses. Carving is often highly detailed, with an intricate backing behind the main figure in high relief. The celebrated bronzes of the Chola dynasty (c. 850–1250) from south India, many designed to be carried in processions, include the iconic form of Shiva as Nataraja,[113] with the massive granite carvings of Mahabalipuram dating from the previous Pallava dynasty.[114]
The sculpture of the region tends to be characterised by a high degree of ornamentation, as seen in the great monuments of Hindu and Buddhist Khmer sculpture (9th to 13th centuries) at Angkor Wat and elsewhere, the enormous 9th-century Buddhist complex at Borobudur in Java, and the Hindu monuments of Bali.[115] Both of these include many reliefs as well as figures in the round; Borobudur has 2,672 relief panels, 504 Buddha statues, many semi-concealed in openwork stupas, and many large guardian figures.
In Thailand and Laos, sculpture was mainly of Buddha images, often gilded, both large for temples and monasteries, and small figurines for private homes. Traditional sculpture in Myanmar emerged before the Bagan period. As elsewhere in the region, most of the wood sculptures of the Bagan and Ava periods have been lost.
Traditional Anitist sculptures from the Philippines are dominated by Anitist designs mirroring the medium used and the culture involved, while being highlighted by the environments where such sculptures are usually placed on. Christian and Islamic sculptures from the Philippines have different motifs compared to other Christian and Islamic sculptures elsewhere. In later periods Chinese influence predominated in Vietnam, Laos and Cambodia, and more wooden sculpture survives from across the region.
Islam is famously aniconic, so the vast majority of sculpture is arabesque decoration in relief or openwork, based on vegetable motifs, but tending to geometrical abstract forms. In the very early Mshatta Facade (740s), now mostly in Berlin, there are animals within the dense arabesques in high relief, and figures of animals and men in mostly low relief are found in conjunction with decoration on many later pieces in various materials, including metalwork, ivory and ceramics.[116]
Figures of animals in the round were often acceptable for works used in private contexts if the object was clearly practical, so medieval Islamic art contains many metal animals that are aquamaniles, incense burners or supporters for fountains, as in the stone lions supporting the famous one in the Alhambra, culminating in the largest medieval Islamic animal figure known, the Pisa Griffin. In the same way, luxury hardstone carvings such as dagger hilts and cups may be formed as animals, especially in Mughal art. The degree of acceptability of such relaxations of strict Islamic rules varies between periods and regions, with Islamic Spain, Persia and India often leading relaxation, and is typically highest in courtly contexts.[117]
Historically, with the exception of some monumental Egyptian sculpture, most African sculpture was created in wood and other organic materials that have not survived from earlier than a few centuries ago; older pottery figures are found from a number of areas. Masks are important elements in the art of many peoples, along with human figures, often highly stylized. There is a vast variety of styles, often varying within the same context of origin depending on the use of the object, but wide regional trends are apparent; sculpture is most common among "groups of settled cultivators in the areas drained by the Niger and Congo rivers" in West Africa.[118] Direct images of deities are relatively infrequent, but masks in particular are or were often made for religious ceremonies; today many are made for tourists as "airport art".[119] African masks were an influence on European Modernist art, which was inspired by their lack of concern for naturalistic depiction.
The Nubian Kingdom of Kush in modern Sudan was in close and often hostile contact with Egypt, and produced monumental sculpture mostly derivative of styles to the north. In West Africa, the earliest known sculptures are from the Nok culture which thrived between 500 BCE and 500 CE in modern Nigeria, with clay figures typically with elongated bodies and angular shapes. Later West African cultures developed bronze casting for reliefs to decorate palaces like the famous Benin Bronzes, and very fine naturalistic royal heads from around the Yoruba town of Ife in terracotta and metal from the 12th–14th centuries. Akan goldweights are a form of small metal sculptures produced over the period 1400–1900, some apparently representing proverbs and so with a narrative element rare in African sculpture, and royal regalia included impressive gold sculptured elements.[120]
Many West African figures are used in religious rituals and are often coated with materials placed on them for ceremonial offerings. The Mande-speaking peoples of the same region make pieces of wood with broad, flat surfaces and arms and legs are shaped like cylinders. In Central Africa, however, the main distinguishing characteristics include heart-shaped faces that are curved inward and display patterns of circles and dots.
Populations in the African Great Lakes are not known for their sculpture.[118] However, one style from the region is pole sculptures, carved in human shapes and decorated with geometric forms, while the tops are carved with figures of animals, people, and various objects. These poles are, then, placed next to graves and are associated with death and the ancestral world. The culture known from Great Zimbabwe left more impressive buildings than sculpture but the eight soapstone Zimbabwe Birds appear to have had a special significance and were mounted on monoliths. Modern Zimbabwean sculptors in soapstone have achieved considerable international success. Southern Africa's oldest known clay figures date from 400 to 600 CE and have cylindrical heads with a mixture of human and animal features.
The creation of sculptures in Ethiopia and Eritrea can be traced back to its ancient past with the kingdoms of Dʿmt and Aksum. Christian art was established in Ethiopia with the conversion from paganism to Christianity in the 4th century CE, during the reign of king Ezana of Axum.[121] Christian imagery decorated churches during the Asksumite period and later eras.[122] For instance, at Lalibela, life-size saints were carved into the Church of Bet Golgotha; by tradition these were made during the reign of the Zagwe ruler Gebre Mesqel Lalibela in the 12th century, but they were more likely crafted in the 15th century during the Solomonic dynasty.[123] However, the Church of Saint George, Lalibela, one of several examples of rock cut architecture at Lalibela containing intricate carvings, was built in the 10th–13th centuries as proven by archaeology.[124]
In ancient Sudan, the development of sculpture stretches from the simple pottery of the Kerma culture beginning around 2500 BCE to the monumental statuary and architecture of the Kingdom of Kush, its last phase—the Meroitic period—ending around 350 CE (with its conquest by Ethiopia's Aksum).[125][126] Beyond pottery items, the Kerma culture also made furniture that contained sculptures, such as gold cattle hoofs as the legs of beds.[125] Sculpture during the Kingdom of Kush included full-sized statues (especially of kings and queens), smaller figurines (most commonly depicting royal servants), and reliefs in stone, which were influenced by the contemporary ancient Egyptian sculptural tradition.[127][128]
Sculpture in present-day Latin America developed in two separate and distinct areas, Mesoamerica in the north and Peru in the south. In both areas, sculpture was initially of stone, and later of terracotta and metal as the civilizations in these areas became more technologically proficient.[129] The Mesoamerican region produced more monumental sculpture, from the massive block-like works of the Olmec and Toltec cultures, to the superb low reliefs that characterize the Mayan and Aztec cultures. In the Andean region, sculptures were typically small, but often show superb skill.
In North America, wood was sculpted for totem poles, masks, utensils, War canoes and a variety of other uses, with distinct variation between different cultures and regions. The most developed styles are those of the Pacific Northwest Coast, where a group of elaborate and highly stylized formal styles developed forming the basis of a tradition that continues today. In addition to the famous totem poles, painted and carved house fronts were complemented by carved posts inside and out, as well as mortuary figures and other items. Among the Inuit of the far north, traditional carving styles in ivory and soapstone are still continued.[130]
The arrival of European Catholic culture readily adapted local skills to the prevailing Baroque style, producing enormously elaborate retablos and other mostly church sculptures in a variety of hybrid styles.[131] The most famous of such examples in Canada is the altar area of the Notre Dame Basilica in Montreal, Quebec, which was carved by peasant habitant labourers. Later, artists trained in the Western academic tradition followed European styles until in the late 19th century they began to draw again on indigenous influences, notably in the Mexican baroque grotesque style known as Churrigueresque. Aboriginal peoples also adapted church sculpture in variations on Carpenter Gothic; one famous example is the Church of the Holy Cross in Skookumchuck Hot Springs, British Columbia.
The history of sculpture in the United States after Europeans' arrival reflects the country's 18th-century foundation in Roman republican civic values and Protestant Christianity. Compared to areas colonized by the Spanish, sculpture got off to an extremely slow start in the British colonies, with next to no place in churches, and was only given impetus by the need to assert nationality after independence. American sculpture of the mid- to late-19th century was often classical, often romantic, but showed a bent for a dramatic, narrative, almost journalistic realism. Public buildings during the last quarter of the 19th century and the first half of the 20th century often provided an architectural setting for sculpture, especially in relief. By the 1930s the International Style of architecture and design and art deco characterized by the work of Paul Manship and Lee Lawrie and others became popular. By the 1950s, traditional sculpture education would almost be completely replaced by a Bauhaus-influenced concern for abstract design. Minimalist sculpture replaced the figure in public settings and architects almost completely stopped using sculpture in or on their designs. Modern sculptors (21st century) use both classical and abstract inspired designs. Beginning in the 1980s, there was a swing back toward figurative public sculpture; by 2000, many of the new public pieces in the United States were figurative in design.
Modern classicism contrasted in many ways with the classical sculpture of the 19th century which was characterized by commitments to naturalism (Antoine-Louis Barye)—the melodramatic (François Rude) sentimentality (Jean-Baptiste Carpeaux)—or a kind of stately grandiosity (Lord Leighton). Several different directions in the classical tradition were taken as the century turned, but the study of the live model and the post-Renaissance tradition was still fundamental to them.Auguste Rodin was the most renowned European sculptor of the early 20th century.[132][133] He is often considered a sculptural Impressionist, as are his students including Camille Claudel, and Hugo Rheinhold, attempting to model of a fleeting moment of ordinary life. Modern classicism showed a lesser interest in naturalism and a greater interest in formal stylization. Greater attention was paid to the rhythms of volumes and spaces—as well as greater attention to the contrasting qualities of surface (open, closed, planar, broken etc.) while less attention was paid to story-telling and convincing details of anatomy or costume. Greater attention was given to psychological effect than to physical realism, and influences from earlier styles worldwide were used.
Early masters of modern classicism included: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brâncuși. As the century progressed, modern classicism was adopted as the national style of the two great European totalitarian empires: Nazi Germany and Soviet Russia, who co-opted the work of earlier artists such as Kolbe and Wilhelm Lehmbruck in Germany[134] and Matveyev in Russia. Over the 70 years of the USSR, new generations of sculptors were trained and chosen within their system, and a distinct style, socialist realism, developed, that returned to the 19th century's emphasis on melodrama and naturalism.
Classical training was rooted out of art education in Western Europe (and the Americas) by 1970 and the classical variants of the 20th century were marginalized in the history of modernism. But classicism continued as the foundation of art education in the Soviet academies until 1990, providing a foundation for expressive figurative art throughout eastern Europe and parts of the Middle East. By 2000, the European classical tradition retains a wide appeal to the public but awaits an educational tradition to revive its contemporary development.
Some of the modern classical became either more decorative/art deco (Paul Manship, Jose de Creeft, Carl Milles) or more abstractly stylized or more expressive (and Gothic) (Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini)—or turned more to the Renaissance (Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) or stayed the same (Charles Despiau, Marcel Gimond).
Modernist sculpture movements include Cubism, Geometric abstraction, De Stijl, Suprematism, Constructivism, Dadaism, Surrealism, Futurism, Formalism, Abstract expressionism, Pop-Art, Minimalism, Land art, and Installation art among others.
In the beginning of the 20th century, Pablo Picasso revolutionized the art of sculpture when he began creating his constructions fashioned by combining disparate objects and materials into one constructed piece of sculpture; the sculptural equivalent of the collage in two-dimensional art. The advent of Surrealism led to things occasionally being described as "sculpture" that would not have been so previously, such as "involuntary sculpture" in several senses, including coulage. In later years Picasso became a prolific potter, leading, with interest in historic pottery from around the world, to a revival of ceramic art, with figures such as George E. Ohr and subsequently Peter Voulkos, Kenneth Price, and Robert Arneson. Marcel Duchamp originated the use of the "found object" (French: objet trouvé) or readymade with pieces such as Fountain (1917).
Similarly, the work of Constantin Brâncuși at the beginning of the century paved the way for later abstract sculpture. In revolt against the naturalism of Rodin and his late-19th-century contemporaries, Brâncuși distilled subjects down to their essences as illustrated by the elegantly refined forms of his Bird in Space series (1924).[135]
Brâncuși's impact, with his vocabulary of reduction and abstraction, is seen throughout the 1930s and 1940s, and exemplified by artists such as Gaston Lachaise, Sir Jacob Epstein, Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González, Pablo Serrano, Jacques Lipchitz[136] and by the 1940s abstract sculpture was impacted and expanded by Alexander Calder, Len Lye, Jean Tinguely, and Frederick Kiesler who were pioneers of Kinetic art.
Modernist sculptors largely missed out on the huge boom in public art resulting from the demand for war memorials for the two World Wars, but from the 1950s the public and commissioning bodies became more comfortable with Modernist sculpture and large public commissions both abstract and figurative became common. Picasso was commissioned to make a maquette for a huge 50-foot (15 m)-high public sculpture, the so-called Chicago Picasso (1967). His design was ambiguous and somewhat controversial, and what the figure represents is not clear; it could be a bird, a horse, a woman or a totally abstract shape.
During the late 1950s and the 1960s abstract sculptors began experimenting with a wide array of new materials and different approaches to creating their work. Surrealist imagery, anthropomorphic abstraction, new materials and combinations of new energy sources and varied surfaces and objects became characteristic of much new modernist sculpture. Collaborative projects with landscape designers, architects, and landscape architects expanded the outdoor site and contextual integration. Artists such as Isamu Noguchi, David Smith, Alexander Calder, Jean Tinguely, Richard Lippold, George Rickey, Louise Bourgeois, Philip Pavia and Louise Nevelson came to characterize the look of modern sculpture.
By the 1960s Abstract expressionism, Geometric abstraction and Minimalism, which reduces sculpture to its most essential and fundamental features, predominated. Some works of the period are: the Cubi works of David Smith, and the welded steel works of Sir Anthony Caro, as well as welded sculpture by a large variety of sculptors, the large-scale work of John Chamberlain, and environmental installation scale works by Mark di Suvero. Other Minimalists include Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Anne Truitt, Giacomo Benevelli, Arnaldo Pomodoro, Richard Serra, Dan Flavin, Carl Andre, and John Safer who added motion and monumentality to the theme of purity of line.[137]
During the 1960s and 1970s figurative sculpture by modernist artists in stylized forms was made by artists such as Leonard Baskin, Ernest Trova, George Segal, Marisol Escobar, Paul Thek, Robert Graham in a classic articulated style, and Fernando Botero bringing his painting's 'oversized figures' into monumental sculptures.
,_MIT_Campus.JPG/1280px-Jacques_Lipchitz,_Birth_of_the_Muses_(1944-1950),_MIT_Campus.JPG)
Site specific and environmental art works are represented by artists: Andy Goldsworthy, Walter De Maria,[139] Richard Long, Richard Serra, Robert Irwin,[140] George Rickey and Christo and Jeanne-Claude led contemporary abstract sculpture in new directions. Artists created environmental sculpture on expansive sites in the 'land art in the American West' group of projects. These land art or 'earth art' environmental scale sculpture works exemplified by artists such as Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell (Roden Crater). Eva Hesse, Sol LeWitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, Bruce Nauman and Dennis Oppenheim among others were pioneers of Postminimalist sculpture.
Also during the 1960s and 1970s artists as diverse as Eduardo Paolozzi, Chryssa, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz, Nam June Paik, Wolf Vostell, Duane Hanson, and John DeAndrea explored abstraction, imagery and figuration through video art, environment, light sculpture, and installation art in new ways.
Conceptual art is art in which the concept(s) or idea(s) involved in the work take precedence over traditional aesthetic and material concerns. Works include One and Three Chairs, 1965, is by Joseph Kosuth, and An Oak Tree by Michael Craig-Martin, and those of Joseph Beuys, James Turrell and Jacek Tylicki.
Some modern sculpture forms are now practiced outdoors, as environmental art and environmental sculpture, often in full view of spectators. Light sculpture, street art sculpture and site-specific art also often make use of the environment. Ice sculpture is a form of ephemeral sculpture that uses ice as the raw material. It is popular in China, Japan, Canada, Sweden, and Russia. Ice sculptures feature decoratively in some cuisines, especially in Asia. Kinetic sculptures are sculptures that are designed to move, which include mobiles. Snow sculptures are usually carved out of a single block of snow about 6 to 15 feet (1.8 to 4.6 m) on each side and weighing about 20–30 tons. The snow is densely packed into a form after having been produced by artificial means or collected from the ground after a snowfall. Sound sculptures take the form of indoor sound installations, outdoor installations such as aeolian harps, automatons, or be more or less near conventional musical instruments. Sound sculpture is often site-specific. Art toys have become another format for contemporary artists since the late 1990s, such as those produced by Takashi Murakami and Kid Robot, designed by Michael Lau, or hand-made by Michael Leavitt (artist).[141]
Sculptures are sensitive to environmental conditions such as temperature, humidity and exposure to light and ultraviolet light. Acid rain can also cause damage to certain building materials and historical monuments. This results when sulfuric acid in the rain chemically reacts with the calcium compounds in the stones (limestone, sandstone, marble and granite) to create gypsum, which then flakes off. Severe air pollution also causes damage to historical monuments.
At any time many contemporary sculptures have usually been on display in public places; theft was not a problem as pieces were instantly recognisable. In the early 21st century the value of metal rose to such an extent that theft of massive bronze sculpture for the value of the metal became a problem; sculpture worth millions being stolen and melted down for the relatively low value of the metal, a tiny fraction of the value of the artwork.[142]
,_c._645-635_BC,_British_Museum_(16722368932).jpg/1280px-thumbnail.jpg)
_and_queen.jpg/1280px-King_Menkaura_(Mycerinus)_and_queen.jpg)
_(Room_4).jpg/1280px-BM,_AES_Egyptian_Sulpture_~_Colossal_bust_of_Ramesses_II,_the_'Younger_Memnon'_(1250_BC)_(Room_4).jpg)
_MET_DT263.jpg/1280px-Marble_statue_of_a_kouros_(youth)_MET_DT263.jpg)
.jpg/1280px-Cathedral_of_Ourense_(Spain).jpg)
_MET_DT2883.jpg/1280px-Benjamin_Franklin_(1706%E2%80%931790)_MET_DT2883.jpg)
![Gold stag with eagle's head, and ten further heads in the antlers. An object inspired by the art of the Siberian Altai mountain, possibly Pazyryk, unearthed at the site of Nalinggaotu, Shenmu County, near Xi'an, China.[101] Possibly from the "Hun people who lived in the prairie in Northern China". Dated to the 4th-3rd century BCE,[101] or Han dynasty period.[102] Shaanxi History Museum.[102]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/cb/Gold_monster.jpg/1280px-Gold_monster.jpg)
.jpg/1280px-China_-_Beijing_12_-_lion_outside_the_Tibetan_Monastery_(134036069).jpg)
),_Parshvanatha,_Neminatha,_and_Mahavira)_LACMA_M.85.55_(1_of_4).jpg/1280px-Shrine_with_Four_Jinas_(Rishabhanatha_(Adinatha)),_Parshvanatha,_Neminatha,_and_Mahavira)_LACMA_M.85.55_(1_of_4).jpg)
.jpg/1280px-Borobudur_-_Buddha_Statue_-_035_Dhyana_Mudra,_Amitabha_(11679385166).jpg)
.jpg/1280px-Mschatta-Fassade_(Pergamonmuseum).jpg)
.jpg/1280px-Masque_probablement_Bobo-Burkina_Faso_(2).jpg)
.jpg/1280px-Ancient_Figurine,_National_Museum,_Addis_Ababa,_Ethiopia_(2130296832).jpg)
.jpg/1280px-Axumite_Jar_Spout_(2822628227).jpg)
![One of the seven life-size saints carved into the wall of the Church of Bet Golgotha, Lalibela, 15th century (traditionally believed to have been made during the reign of Gebre Mesqel Lalibela)[123]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/85/Bet_Golgotha.jpg/1280px-Bet_Golgotha.jpg)
.jpg/1280px-Auguste_Rodin-Burghers_of_Calais_(photo).jpg)
,_partially_glazed_stoneware,_75_x_19_x_27_cm,_Mus%C3%A9e_d'Orsay,_Paris.jpg/1280px-Paul_Gauguin,_1894,_Oviri_(Sauvage),_partially_glazed_stoneware,_75_x_19_x_27_cm,_Mus%C3%A9e_d'Orsay,_Paris.jpg)
,_Nu_debout,_limestone,_95_x_33_x_17_cm,_Mus%C3%A9e_National_d'Art_Moderne.jpg/1280px-Andr%C3%A9_Derain,_1907_(Automne),_Nu_debout,_limestone,_95_x_33_x_17_cm,_Mus%C3%A9e_National_d'Art_Moderne.jpg)
,_plaster_lost,_photo_Galerie_Ren%C3%A9_Reichard,_Frankfurt,_72dpi.jpg/1280px-Joseph_Csaky,_1911-1912,_Deux_Femme_(Two_Women),_plaster_lost,_photo_Galerie_Ren%C3%A9_Reichard,_Frankfurt,_72dpi.jpg)
.jpg/1280px-Otto_Gutfreund_(Cellista).jpg)
_01.JPG){kind=link}
{{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link)
