Скульптура – это отрасль изобразительного искусства , работающая в трех измерениях . Скульптура – это трехмерное произведение искусства, которое физически представлено в размерах высоты, ширины и глубины. Это одно из пластических искусств . В прочных скульптурных процессах первоначально использовалась резьба (удаление материала) и моделирование (добавление материала, например глины) по камню , металлу , керамике , дереву и другим материалам, но со времен модернизма возникла почти полная свобода материалов и процессов. . Широкий спектр материалов может быть обработан методом удаления, например, резьбой, собран с помощью сварки или моделирования, а также отлит в форму или отлит .
Скульптура из камня сохраняется гораздо лучше, чем произведения искусства из скоропортящихся материалов, и часто представляет собой большинство сохранившихся произведений (кроме керамики ) древних культур, хотя, наоборот, традиции скульптуры из дерева, возможно, почти полностью исчезли. Однако самая древняя скульптура была ярко раскрашена, и она утеряна. [2]
Скульптура занимала центральное место в религиозной преданности во многих культурах, и до недавних столетий большие скульптуры, создание которых было слишком дорого для частных лиц, обычно были выражением религии или политики. К культурам, чьи скульптуры сохранились в большом количестве, относятся культуры древнего Средиземноморья, Индии и Китая, а также многие культуры Центральной и Южной Америки и Африки.
Западная традиция скульптуры зародилась в Древней Греции , и многие считают, что Греция создавала великие шедевры классического периода . В средние века готическая скульптура олицетворяла агонию и страсти христианской веры. Возрождение классических моделей в эпоху Возрождения привело к появлению знаменитых скульптур , таких как статуя Давида Микеланджело . Модернистская скульптура отошла от традиционных процессов и акцента на изображении человеческого тела, создав искусственные скульптуры и представив найденные объекты как законченные произведения искусства.
Различие между скульптурой «круглой формы», отдельно стоящей скульптурой, такой как статуи , не прикрепленные, за исключением, возможно, основания, к какой-либо другой поверхности, и различными типами рельефа , которые по крайней мере частично прикреплены к фоновой поверхности. Рельеф часто классифицируют по степени выступания от стены на низкий или барельеф , горельеф , а иногда и промежуточный срединный рельеф . Затонувший рельеф — это техника, использовавшаяся только в Древнем Египте . Рельеф является обычным скульптурным средством для больших групп фигур и повествовательных сюжетов, которые трудно выполнить в круглом виде, и является типичной техникой, используемой как для архитектурной скульптуры , прикрепляемой к зданиям, так и для мелкомасштабной скульптуры, украшающей другие объекты. как и во многих гончарных изделиях , изделиях из металла и ювелирных изделиях . Рельефная скульптура может также украшать стелы , вертикальные плиты, обычно из камня, часто также содержащие надписи.
Еще одно основное различие - между методами субтрактивной резьбы, при которых материал удаляется из существующего блока или куска, например, камня или дерева, и методами моделирования, которые придают форму или создают произведение из материала. Такие методы, как литье , штамповка и формование, используют промежуточную матрицу, содержащую конструкцию для производства работы; многие из них позволяют производить несколько экземпляров.
Термин «скульптура» часто используется в основном для описания больших произведений, которые иногда называют монументальной скульптурой , имея в виду одну или обе скульптуры, которые являются большими или прикреплены к зданию. Но этот термин правильно охватывает многие виды небольших работ в трех измерениях с использованием одних и тех же техник, включая монеты и медали , резьбу по твердому камню - термин для небольших резных фигурок на камне, которые могут потребовать детальной работы.
Очень большая или «колоссальная» статуя имела непреходящую привлекательность со времен античности ; Самая большая за всю историю наблюдений высотой 182 м (597 футов) — это Индийская Статуя Единства 2018 года . Другой грандиозной формой портретной скульптуры является конная статуя всадника на лошади, ставшая редкостью в последние десятилетия. Самыми маленькими формами портретной скульптуры в натуральную величину являются «голова», показывающая именно это, или бюст , изображение человека по грудь вверх. Малые формы скульптуры включают статуэтку , обычно статую высотой не более 18 дюймов (46 см), а для рельефов - плакетку , медаль или монету.
Современное искусство добавило ряд нетрадиционных форм скульптуры, в том числе звуковую скульптуру , световую скульптуру , экологическое искусство , экологическую скульптуру , скульптуру уличного искусства , кинетическую скульптуру (включающую аспекты физического движения ), лэнд-арт и скульптуру, специфичную для конкретного места. искусство . Скульптура является важной формой публичного искусства . Коллекцию скульптур в садовой обстановке можно назвать садом скульптур . Существует также мнение, что здания представляют собой разновидность скульптуры: Константин Брынкушь описывает архитектуру как «обитаемую скульптуру». [ нужна цитата ]
Одна из наиболее распространенных целей скульптуры – это та или иная форма ассоциации с религией. Культовые изображения распространены во многих культурах, хотя они часто не являются колоссальными статуями божеств, характерными для древнегреческого искусства , такими как статуя Зевса в Олимпии . Реальные культовые изображения в самых сокровенных святилищах египетских храмов , из которых ни одно не сохранилось, были, по-видимому, довольно небольшими, даже в самых крупных храмах. То же самое часто происходит и в индуизме , где наиболее распространена очень простая и древняя форма лингама . Буддизм принес скульптуру религиозных деятелей в Восточную Азию, где, по-видимому, ранее не существовало аналогичной традиции, хотя, опять же, простые формы, такие как би и конг , вероятно, имели религиозное значение.
Маленькие скульптуры как личное имущество восходят к самому раннему доисторическому искусству, а использование очень больших скульптур в качестве публичного искусства , особенно для того, чтобы произвести впечатление на зрителя силой правителя, восходит, по крайней мере, к Великому Сфинксу , созданному примерно 4500 лет назад. В археологии и истории искусства появление, а иногда и исчезновение крупных или монументальных скульптур в культуре рассматривается как имеющее большое значение, хотя отслеживание появления часто осложняется предполагаемым существованием скульптур из дерева и других скоропортящихся материалов, о которых нет никаких записей. останки; [3]
Тотемный столб является примером традиции монументальной деревянной скульптуры, не оставляющей следов для археологии. Способность мобилизовать ресурсы для создания монументальной скульптуры путем транспортировки обычно очень тяжелых материалов и организации оплаты труда тех, кто обычно считается скульпторами, работающими полный рабочий день, считается признаком относительно развитой культуры с точки зрения социальной организации. Недавние неожиданные открытия древних китайских фигур бронзового века в Саньсиндуе , некоторые из которых более чем в два раза превышали человеческий рост, нарушили многие представления о ранней китайской цивилизации, поскольку ранее были известны только гораздо меньшие бронзовые изделия. [4]
Некоторые, несомненно, развитые культуры, такие как цивилизация долины Инда , по-видимому, вообще не имели монументальной скульптуры, хотя производили очень сложные статуэтки и печати. Культура Миссисипи, похоже, продвигалась к использованию небольших каменных фигурок, когда она рухнула. Другие культуры, такие как Древний Египет и культура острова Пасхи , похоже, с самого раннего этапа выделяли огромные ресурсы на создание очень крупномасштабной монументальной скульптуры.
Коллекционирование скульптуры, в том числе более ранних периодов, насчитывает около 2000 лет в Греции, Китае и Мезоамерике, и многие коллекции были доступны для полупубличной экспозиции задолго до того, как был изобретен современный музей . С 20-го века относительно ограниченный круг предметов, встречающихся в большой скульптуре, значительно расширился за счет абстрактных предметов и использования или изображения любого типа предметов, которые теперь стали обычным явлением. Сегодня большая часть скульптур создается для периодических экспозиций в галереях и музеях, и возможность транспортировать и хранить все более крупные произведения является решающим фактором при их строительстве.
Маленькие декоративные фигурки , чаще всего из керамики, сегодня так же популярны (хотя, как ни странно, современное искусство ими пренебрегает ) , как и в эпоху рококо , или в древней Греции, когда фигурки Танагры были основной отраслью промышленности, или в Восточной Азии и доколумбовой эпохе. искусство . Небольшие скульптурные приспособления для мебели и других предметов восходят к глубокой древности, как, например, в слоновой кости Нимруда , слоновой кости Беграма и находках из гробницы Тутанхамона .
Портретная скульптура зародилась в Египте , где на палитре Нармера изображен правитель 32-го века до нашей эры, и в Месопотамии , где сохранились 27 статуй Гудеа , правившего Лагашем ок. 2144–2124 гг. до н.э. В Древней Греции и Риме установка портретной статуи в общественном месте была чуть ли не высшим знаком чести и амбициями элиты, которую тоже можно было изображать на монете. [5]
В других культурах, таких как Египет и Ближний Восток, общественные статуи были почти исключительно прерогативой правителя, а других богатых людей изображали только в их гробницах. Правители, как правило, единственные люди, у которых были портреты в доколумбовых культурах, начиная с колоссальных голов ольмеков, появившихся около 3000 лет назад. Портретная скульптура Восточной Азии была полностью религиозной: статуями увековечивались выдающиеся священнослужители, особенно основатели монастырей, но не правители или предки. Средиземноморская традиция возродилась, первоначально только для изображений гробниц и монет, в средние века, но значительно расширилась в эпоху Возрождения, когда были изобретены новые формы, такие как медаль с личным портретом .
Животные, наряду с человеческой фигурой, являются самым ранним объектом скульптуры и всегда были популярными, иногда реалистичными, но часто воображаемыми монстрами; в Китае животные и монстры — чуть ли не единственные традиционные сюжеты каменных скульптур вне гробниц и храмов. Царство растений важно только в украшениях и декоративных рельефах, но они образуют почти всю крупную скульптуру византийского и исламского искусства и очень важны в большинстве евразийских традиций, где такие мотивы, как пальметта и завиток виноградной лозы, перешли на восток и в исламское искусство. западе на протяжении более двух тысячелетий.
Одна из форм скульптур, встречающаяся во многих доисторических культурах по всему миру, представляет собой специально увеличенные версии обычных инструментов, оружия или сосудов, созданных из непрактичных драгоценных материалов либо для той или иной формы церемониального использования или демонстрации, либо в качестве подношений. Нефрит или другие виды зеленого камня использовались в Китае, ольмекской Мексике и неолитической Европе , а в ранней Месопотамии из камня изготавливались большие керамические изделия. Бронза использовалась в Европе и Китае для изготовления больших топоров и клинков, таких как Оксбороский кортик .
Материалы, используемые в скульптуре, разнообразны и менялись на протяжении истории. Классическими материалами, обладающими исключительной долговечностью, являются металл, особенно бронза , камень и керамика, а дерево, кость и рога — менее прочные, но более дешевые варианты. Драгоценные материалы, такие как золото , серебро , нефрит и слоновая кость , часто используются для небольших роскошных работ, а иногда и для более крупных, как в хризелефантиновых статуях. Для более широкого потребления в скульптуре использовались более распространенные и менее дорогие материалы, включая лиственные породы (такие как дуб , самшит/самшит и липа/липа ); терракота и другая керамика , воск (очень распространенный материал для моделей для литья и получения оттисков цилиндрических печатей и гравированных драгоценных камней), а также литые металлы, такие как олово и цинк (спелтер). Но в составе скульптур использовалось огромное количество других материалов, как в этнографических и древних произведениях, так и в современных.
Скульптуры часто раскрашивают , но обычно теряют краску от времени или реставраторов. При создании скульптуры использовалось множество различных техник живописи, в том числе темпера , масляная живопись , позолота , краска для дома, аэрозоль, эмаль и пескоструйная обработка. [2] [6]
Многие скульпторы ищут новые способы и материалы для создания произведений искусства. Одна из самых известных скульптур Пабло Пикассо включала детали велосипеда . Александр Колдер и другие модернисты эффектно использовали окрашенную сталь . С 1960-х годов также используются акрил и другие пластмассы. Энди Голдсуорси создает свои необычайно эфемерные скульптуры практически полностью из натуральных материалов в естественной обстановке. Некоторые скульптуры, такие как ледяная скульптура , скульптура из песка и газовая скульптура , намеренно недолговечны. Скульпторы последних лет использовали витражи , инструменты, детали машин, фурнитуру и потребительскую упаковку для создания своих работ. Скульпторы иногда используют найденные предметы , а камни китайских учёных ценятся уже много столетий.
Каменная скульптура – это древний вид деятельности, при котором кускам грубого природного камня придают форму путем контролируемого удаления камня . Благодаря постоянству материала можно найти свидетельства того, что даже самые ранние общества занимались той или иной формой обработки камня, хотя не во всех регионах мира имеется такое изобилие хорошего камня для резьбы, как в Египте, Греции, Индии и большей части Европы. . Петроглифы (также называемые наскальными рисунками), возможно, являются самой ранней формой: изображения, созданные путем удаления части поверхности камня, которая остается на месте , путем надрезания, выкалывания, резьбы и шлифования. Монументальная скульптура охватывает крупные произведения, а также архитектурную скульптуру , прикрепленную к зданиям. Резьба по твердому камню — это резьба для художественных целей полудрагоценных камней, таких как нефрит , агат , оникс , горный хрусталь , сард или сердолик , а также общий термин для объекта, изготовленного таким способом. Алебастр или минеральный гипс — это мягкий минерал, который легко вырезать для небольших работ, и при этом он относительно прочен. Гравированные драгоценные камни — это небольшие резные драгоценные камни, в том числе камеи , первоначально использовавшиеся в качестве перстней-печатей .
Копирование оригинальной статуи в камне, что было очень важно для древнегреческих статуй, которые почти все известны по копиям, традиционно достигалось « наведением », а также другими методами от руки. Указание включало в себя установку сетки из веревочных квадратов на деревянной раме, окружающей оригинал, а затем измерение положения на сетке и расстояния между сеткой и статуей ряда отдельных точек, а затем использование этой информации для вырезания блока из которого сделана копия. [8]
Бронза и родственные ей медные сплавы — старейшие и до сих пор самые популярные металлы для изготовления литых металлических скульптур; Литую бронзовую скульптуру часто называют просто «бронзой». Обычные бронзовые сплавы обладают необычным и желательным свойством слегка расширяться непосредственно перед затвердеванием, заполняя таким образом мельчайшие детали формы. Их прочность и отсутствие хрупкости (пластичности) являются преимуществом при создании фигур в действии, особенно по сравнению с различными керамическими или каменными материалами ( несколько примеров см. В мраморной скульптуре ). Золото — самый мягкий и драгоценный металл, очень важный в ювелирном деле ; серебро достаточно мягкое, чтобы его можно было обрабатывать молотками и другими инструментами, а также отливать ; Репуссе и чеканка относятся к числу техник, используемых в изготовлении золота и серебра .
Литье — это группа производственных процессов, при которых жидкий материал (бронза, медь, стекло, алюминий, железо) заливают (обычно) в форму, содержащую полую полость желаемой формы, а затем дают ему затвердеть. Затем твердая отливка выбрасывается или разламывается для завершения процесса [9] , хотя готовая отливка может последовать заключительной стадией «холодной обработки». Литье может использоваться для получения горячих жидких металлов или различных материалов, которые затвердевают в холодном состоянии после смешивания компонентов (таких как эпоксидные смолы , бетон , гипс и глина ). Литье чаще всего используется для изготовления сложных форм, которые в противном случае было бы сложно или неэкономично изготовить другими методами. Самая старая сохранившаяся отливка — медная месопотамская лягушка, датированная 3200 годом до нашей эры. [10] Конкретные методы включают литье по выплавляемым моделям , литье в гипсовые формы и литье в песчаные формы .
Сварка — это процесс, при котором различные части металла соединяются вместе для создания различных форм и конструкций. Существует множество различных видов сварки, таких как кислородно-топливная сварка , сварка палкой , сварка MIG и сварка TIG . Газокислородная сварка, вероятно, является наиболее распространенным методом сварки при создании стальных скульптур, поскольку его проще всего использовать для придания формы стали, а также для создания чистых и менее заметных соединений стали. Ключом к сварке кислородом является равномерный нагрев каждого соединяемого куска металла до тех пор, пока он не станет красным и не засияет. Как только этот блеск появится на каждой детали, этот блеск вскоре превратится в «лужу», в которой металл разжижается, и сварщик должен соединить эти ванны, плавя металл. После остывания место соединения луж теперь представляет собой сплошной кусок металла. При создании кислородно-топливных скульптур также широко используется ковка. Ковка — это процесс нагрева металла до определенной точки, чтобы он стал настолько мягким, что ему можно было придать различные формы. Одним из очень распространенных примеров является нагревание конца стального стержня и удары молотком по нагретому докрасна наконечнику, когда он находится на наковальне, чтобы сформировать острие. В перерывах между ударами молотка ковальщик вращает стержень и постепенно формирует заостренную точку на тупом конце стального стержня.
Стекло можно использовать для скульптуры с помощью самых разных методов работы, хотя его использование для больших произведений стало недавней разработкой. Его можно вырезать, хотя и со значительными трудностями; Кубок Римского Ликурга практически уникален. [11] Существуют различные способы формования стекла : горячее литье может осуществляться путем заливки расплавленного стекла в формы, созданные путем прессования форм в песок, резной графит или детализированные формы из гипса/кремнезема. Литье стекла в печи включает в себя нагревание кусков стекла в печи до тех пор, пока они не станут жидкими и не перетекут в ожидающую форму, находящуюся под ней в печи. Горячее стекло также можно выдувать и/или лепить с помощью ручных инструментов либо в виде твердой массы, либо как часть выдутого объекта. Более современные методы включают долбление и склеивание листового стекла с помощью полимерных силикатов и ультрафиолетового излучения. [12]
Керамика является одним из старейших материалов для скульптуры, а глина является средой, из которой многие скульптуры, отлитые из металла, изначально моделируются для литья. Скульпторы часто создают небольшие предварительные работы, называемые макетами , из эфемерных материалов, таких как парижский гипс , воск, необожженная глина или пластилин . [13] Многие культуры производили керамику, которая сочетает в себе функцию сосуда со скульптурной формой, а маленькие статуэтки часто были так же популярны, как и в современной западной культуре. Штампы и формы использовались большинством древних цивилизаций, от Древнего Рима и Месопотамии до Китая. [14]
Резьба по дереву практикуется чрезвычайно широко, но сохраняется гораздо хуже, чем другие основные материалы, поскольку она уязвима для гниения, повреждения насекомыми и огня. Таким образом, оно представляет собой важный скрытый элемент в истории искусства многих культур. [3] В большинстве частей мира деревянная скульптура на открытом воздухе не живет долго, поэтому мы плохо представляем, как развивалась традиция тотемных столбов . Многие из наиболее важных скульптур Китая и Японии, в частности, выполнены из дерева, а также подавляющее большинство скульптур Африки , Океании и других регионов.
Древесина легкая, поэтому подходит для масок и других скульптур, предназначенных для переноски, и может содержать очень мелкие детали. Кроме того, с ним гораздо легче работать, чем с камнем. Его очень часто красили после резьбы, но краска изнашивается хуже, чем дерево, и часто отсутствует в сохранившихся деталях. Окрашенное дерево часто технически называют «деревом и полихромией ». Обычно на дерево наносится слой левкаса или штукатурки, а затем на него наносится краска.
Трехмерные работы, включающие нетрадиционные материалы, такие как ткань, мех, пластик, резина и нейлон, которые таким образом можно набивать, шить, подвешивать, драпировать или ткать, известны как мягкие скульптуры . Среди известных создателей мягких скульптур Клаас Ольденбург , Яёи Кусама , Ева Гессе , Сара Лукас и Магдалена Абаканович . [15]
Во всем мире скульпторы обычно были торговцами, чьи работы не подписаны; в некоторых традициях, например в Китае, где скульптура не разделяла престижа литературной живописи , это повлияло на статус самой скульптуры. [16] Даже в Древней Греции , где такие скульпторы, как Фидий , прославились, они, похоже, сохранили почти тот же социальный статус, что и другие ремесленники, и, возможно, не намного большее финансовое вознаграждение, хотя некоторые подписывали свои работы. [17] В средние века такие художники, как Гислебертус XII века, иногда подписывали свои работы, и их искали в разных городах, особенно начиная с Треченто в Италии, с такими фигурами, как Арнольфо ди Камбио и Никола Пизано и его сын. Джованни . Ювелиры и ювелиры, работавшие с драгоценными материалами и часто выполнявшие функции банкиров, принадлежали к могущественным гильдиям и имели значительный статус, часто занимая гражданские должности. Многие скульпторы также занимались другими видами искусства; Андреа дель Верроккьо также рисовал, а архитекторами были Джованни Пизано , Микеланджело и Якопо Сансовино . Некоторые скульпторы содержали большие мастерские. Даже в эпоху Возрождения Леонардо да Винчи и другие считали, что физическая природа произведения снижает статус скульптуры в искусстве, хотя репутация Микеланджело, возможно, положила конец этой давней идее.
Художники Высокого Возрождения, такие как Микеланджело, Леоне Леони и Джамболонья , могли разбогатеть, облагородиться и войти в круг принцев после периода острых споров по поводу относительного статуса скульптуры и живописи. [18] Большая часть декоративной скульптуры на зданиях оставалась ремеслом, но скульпторы, производившие отдельные произведения, были признаны наравне с художниками. Начиная с XVIII века и ранее, скульптура также привлекала студентов из среднего класса, хотя и медленнее, чем живопись. Женщинам-скульпторам потребовалось больше времени, чем женщинам-художникам, и они были менее заметными до 20 века.
Аниконизм зародился в иудаизме , который не принимал фигуративную скульптуру до 19 века, [19] прежде чем распространился на христианство , которое первоначально принимало большие скульптуры. В христианстве и буддизме скульптура приобрела большое значение. Восточно- христианское православие никогда не принимало монументальную скульптуру, а ислам последовательно отвергал почти всю фигуративную скульптуру, за исключением очень маленьких фигурок в рельефах и некоторых фигурок животных, выполняющих полезную функцию, таких как знаменитые львы, поддерживающие фонтан в Альгамбре . Многие формы протестантизма также не одобряют религиозную скульптуру. Было много иконоборчества в скульптуре по религиозным мотивам, от ранних христиан и Бельденшторма протестантской Реформации до разрушения талибами Будд в Бамиане в 2001 году .
Самые ранние бесспорные образцы скульптуры принадлежат ориньякской культуре , располагавшейся в Европе и Юго-Западной Азии и действовавшей в начале верхнего палеолита . Помимо создания некоторых из самых ранних известных наскальных рисунков , люди этой культуры разработали изящные каменные орудия, изготовили подвески, браслеты, бусы из слоновой кости и костяные флейты, а также трехмерные статуэтки. [20] [21]
Левенменш высотой 30 см, найденный в районе Холенштайн-Штадель в Германии, представляет собой антропоморфную фигуру человека-льва, вырезанную из шерстистой бивни мамонта. Он был датирован примерно 35–40 000 лет назад, что делает его, наряду с Венерой Холе-Фельс , старейшими из известных неоспоримых образцов скульптуры. [22]
Большая часть сохранившегося доисторического искусства представляет собой небольшие переносные скульптуры, а также небольшую группу женских фигурок Венеры , таких как Венера Виллендорфская (24–26 000 лет назад), найденные по всей Центральной Европе. [23] Плавающий северный олень , созданный около 13 000 лет назад, является одним из лучших из множества мадленских резных фигурок из костей или рогов животных в искусстве верхнего палеолита , хотя их численность превосходит гравированные произведения, которые иногда классифицируются как скульптуры. . [24] Две из крупнейших доисторических скульптур можно найти в пещерах Тюк-д'Одобер во Франции, где около 12–17 000 лет назад искусный скульптор использовал каменный инструмент, похожий на лопаточку, и пальцы, чтобы вылепить из глины пару крупных бизонов. против известняковой скалы. [25]
С началом мезолита в Европе фигуративная скульптура значительно сократилась [26] и оставалась менее распространенным элементом в искусстве, чем рельефное украшение практических предметов вплоть до римского периода, несмотря на некоторые произведения, такие как котел Гундеструпа из европейского железного века и Солнечная колесница Трундхольма бронзового века . [27]
С древнего Ближнего Востока каменный человек Урфа в натуральную величину из современной Турции датируется примерно 9000 годом до нашей эры, а статуи Айн-Газаль - примерно 7200 и 6500 годами до нашей эры. Они из современного Иордана , сделаны из известковой штукатурки и тростника и примерно в половину натурального размера; здесь 15 статуй, некоторые с двумя головами, расположенными рядом, и 15 бюстов. Маленькие глиняные фигурки людей и животных встречаются во многих местах Ближнего Востока, начиная с докерамического неолита , и представляют собой начало более или менее непрерывной традиции в регионе.
В период протолитерации в Месопотамии , где доминировал Урук , создавались сложные произведения искусства, такие как ваза Варка и цилиндрические печати . Гуэннольская львица — выдающаяся небольшая фигурка из известняка из Элама , датируемая примерно 3000–2800 гг. до н. э., наполовину человек, наполовину львица. [28] Чуть позже появляется ряд фигур большеглазых жрецов и верующих, в основном из алебастра и высотой до фута, посещавших храмовые культовые изображения божества, но очень немногие из них сохранились. [29] Скульптуры шумерского и аккадского периода обычно имели большие вытаращенные глаза и длинные бороды у мужчин. Многие шедевры были также найдены на Королевском кладбище в Уре (ок. 2650 г. до н. э.), в том числе две фигуры Барана в чаще , Медного Быка и голова быка на одной из Лир Ура . [30]
Месопотамское искусство сохранилось во многих последующих периодах, предшествовавших восхождению Неоассирийской империи в X веке до нашей эры, в различных формах: цилиндрические печати , относительно небольшие круглые фигурки и рельефы различных размеров, включая дешевые керамика для дома, часть религиозная, а часть, очевидно, нет. [31] Рельеф Берни представляет собой необычайно сложную и относительно большую (20 х 15 дюймов, 50 х 37 см) терракотовую доску с изображением обнаженной крылатой богини с ногами хищной птицы и сопровождающими ее совами и львами. Он датируется 18 или 19 веком до нашей эры, а также может быть отлит в форму. [32] Каменные стелы , вотивные подношения или, вероятно, посвященные победам и показывающие праздники, также встречаются в храмах, в которых, в отличие от более официальных, отсутствуют надписи, которые бы их объясняли; [33] фрагментарная Стела Стервятников является ранним примером письменного типа, [34] и ассирийский Черный обелиск Салманасара III — большой и прочный поздний. [35]
Завоевание всей Месопотамии и значительной части прилегающей территории ассирийцами привело к созданию более крупного и богатого государства, чем тот регион, который когда-либо был известен раньше, и к появлению очень грандиозных произведений искусства во дворцах и общественных местах, несомненно, отчасти призванных соответствовать великолепию искусства ассирийцев. соседняя Египетская империя. В отличие от более ранних государств, ассирийцы могли использовать легко обрабатываемый камень из северного Ирака, и делали это в больших количествах. Ассирийцы разработали стиль чрезвычайно крупных схем очень мелких повествовательных барельефов из камня для дворцов со сценами войны или охоты; Британский музей располагает выдающейся коллекцией, в том числе львиной охотой Ашшурбанипала и лахишскими рельефами , изображающими кампанию. Они создали очень мало круглых скульптур, за исключением колоссальных фигур-хранителей ламассу с человеческой головой , которые высечены горельефом на двух сторонах прямоугольного блока, с фактически круглыми головами (а также с пятью ногами, так что оба представления кажутся полными). Еще до того, как они стали доминировать в регионе, они продолжили традицию цилиндрических уплотнений, создавая зачастую исключительно энергичный и изысканный дизайн. [36]
Монументальная скульптура Древнего Египта известна во всем мире, но изысканных и тонких небольших произведений существует гораздо больше. Египтяне использовали своеобразную технику затопленного рельефа , которая хорошо подходит для очень яркого солнечного света. Основные фигуры на рельефах придерживаются той же условности фигур, что и в живописи, с раздвинутыми ногами (там, где они не сидят) и головой, показанной сбоку, а туловище спереди, и стандартным набором пропорций, составляющих фигуру, с использованием 18 «кулаки» от земли до линии роста волос на лбу. [37] Это появляется еще в Палитре Нармера из династии I. Однако там, как и везде, это соглашение не используется для второстепенных фигур, показанных занятыми какой-либо деятельностью, таких как пленники и трупы. [38] Другие конвенции делают статуи мужчин темнее, чем женские. Очень традиционализированные портретные статуи появляются уже во времена II династии, до 2780 г. до н.э., [39] и, за исключением искусства Амарнского периода Ахкенатона , [40] и некоторых других периодов , таких как Династия XII, идеализированные черты правителей Как и другие египетские художественные традиции, мало что изменилось до греческого завоевания. [41]
Египетские фараоны всегда считались божествами, но другие божества встречаются в больших статуях гораздо реже, за исключением тех случаев, когда они изображают фараона как другое божество; однако другие божества часто изображаются на картинах и рельефах. Знаменитый ряд из четырех колоссальных статуй возле главного храма в Абу-Симбеле изображает Рамсеса II , типичная схема, хотя здесь исключительно большая. [42] Маленькие фигурки божеств или их персонификации животных очень распространены и встречаются в популярных материалах, таких как керамика. Самые крупные скульптуры сохранились из египетских храмов или гробниц; самое позднее при IV династии (2680–2565 гг. до н.э.) идея статуи Ка прочно утвердилась. Их помещали в гробницы как место упокоения части души ка , и поэтому у нас есть немало менее традиционализированных статуй зажиточных администраторов и их жен, многие из которых сделаны из дерева, поскольку Египет — одно из немногих мест в мире. мир, где климат позволяет древесине сохраняться на протяжении тысячелетий. Особенно натуралистичны так называемые резервные головы , простые безволосые головы. Ранние гробницы также содержали небольшие модели рабов, животных, зданий и предметов, таких как лодки, необходимые умершему для продолжения его образа жизни в загробном мире, а также более поздние фигурки Ушабти . [43]
Первый самобытный стиль древнегреческой скульптуры развился в кикладский период раннего бронзового века (3-е тысячелетие до н.э.), когда мраморные фигуры, обычно женские и маленькие, представлены в элегантно упрощенном геометрическом стиле. Наиболее типичной является поза стоя со скрещенными впереди руками, но и другие фигуры показаны в других позах, в том числе сложная фигура арфиста, сидящего на стуле. [44]
Последующие минойская и микенская культуры развили скульптуру дальше под влиянием Сирии и других стран, но курос появился в более поздний архаический период , примерно с 650 г. до н.э. Это большие стоячие статуи обнаженных юношей, встречающиеся в храмах и гробницах, с корой как одетым женским эквивалентом, с тщательно уложенными волосами; у обоих « архаичная улыбка ». Похоже, они выполняли ряд функций, возможно, иногда изображая божеств, а иногда и человека, похороненного в могиле, как в случае с Кроисосом Куросом . На них явно повлияли египетский и сирийский стили, но греческие художники были гораздо более готовы экспериментировать в рамках этого стиля.
В течение VI века греческая скульптура быстро развивалась, становясь более натуралистической и с гораздо более активными и разнообразными позами фигур в повествовательных сценах, хотя все еще в рамках идеализированных условностей. Скульптурные фронтоны были добавлены к храмам , в том числе к Парфенону в Афинах, где остатки фронтона возрастом около 520 г. с круглыми фигурами, к счастью, использовались в качестве заполнения новых зданий после персидского разграбления в 480 г. до н. э. и были обнаружены в 1880-х гг. свежее невыветренное состояние. Другие значительные остатки архитектурной скульптуры происходят из Пестума в Италии, Корфу , Дельф и храма Афеи на Эгине (большая часть которого сейчас находится в Мюнхене ). [45] Большинство греческих скульптур изначально включали хотя бы немного цвета; Музей глиптотек Ny Carlsberg в Копенгагене, Дания, провел обширное исследование и воссоздание оригинальных цветов. [46] [47]
Оригинальных остатков первой фазы классического периода, часто называемого суровым стилем, меньше ; отдельно стоящие статуи теперь в основном изготавливались из бронзы, которая всегда имела ценность как металлолом. Суровый стиль просуществовал примерно с 500 в рельефах, а вскоре после 480 в статуях до примерно 450. Относительно жесткие позы фигур расслабились, а асимметричные поворотные положения и наклонные виды стали обычным явлением, и их намеренно искали. Это сочеталось с лучшим пониманием анатомии и гармоничной структуры скульптурных фигур, а также стремлением к натуралистическому изображению как цели, которой раньше не было. Раскопки в храме Зевса в Олимпии с 1829 года выявили самую большую группу останков, примерно из 460, многие из которых находятся в Лувре . [48]
Период «высокой классики» длился всего несколько десятилетий, примерно с 450 по 400 гг., но оказал огромное влияние на искусство и сохраняет особый престиж, несмотря на очень ограниченное количество сохранившихся оригинальных произведений. Самыми известными работами являются мраморы Парфенона , традиционно (со времен Плутарха ) выполненные командой под руководством самого известного древнегреческого скульптора Фидия , действовавшего примерно в 465–425 годах, который в свое время был более известен своей колоссальной хризоэлефантиновой статуей Зевса. в Олимпии (ок. 432 г.) одно из семи чудес Древнего мира , его Афина Парфенос (438 г.), культовое изображение Парфенона , и Афина Промахос , колоссальная бронзовая фигура, стоявшая рядом с Парфеноном; все они утеряны, но известны по многим изображениям. Ему также приписывают создателя некоторых бронзовых статуй в натуральную величину, известных только по более поздним копиям, идентификация которых является спорной, включая Людовизи Гермеса . [49]
Высокий классический стиль продолжал развивать реализм и изысканность человеческой фигуры, совершенствовал изображение драпировки (одежды), используя ее для усиления эффекта активных поз. Выражение лица обычно было очень сдержанным, даже в боевых сценах. Композиция групп фигур на рельефах и фронтонах сочетала в себе сложность и гармонию, что оказало постоянное влияние на западное искусство. Рельеф действительно мог быть очень высоким, как на иллюстрации Парфенона ниже, где большая часть ноги воина полностью отделена от фона, как и недостающие части; Такая высота рельефа делала скульптуры более подверженными повреждениям. [50] В стиле позднего классицизма была разработана отдельно стоящая обнаженная женская статуя, предположительно нововведение Праксителя , и разработаны все более сложные и тонкие позы, которые были интересны, если смотреть с разных точек зрения, а также более выразительные лица; обе тенденции должны были пойти гораздо дальше в эллинистический период. [51]
Эллинистический период традиционно отсчитывается со смерти Александра Великого в 323 г. до н. э. и заканчивается либо окончательным завоеванием центра Греции Римом в 146 г. до н. Битва при Акциуме в 31 г. до н.э., которая также знаменует конец республиканского Рима . [52] Таким образом, он намного длиннее, чем предыдущие периоды, и включает в себя, по крайней мере, две основные фазы: «пергаменский» стиль экспериментов, изобилие и некоторую сентиментальность и вульгарность, а во 2 веке до нашей эры классицистический возврат к более строгой простоте. и элегантность; за пределами таких обобщений датировка обычно очень неопределенна, особенно когда известны только более поздние копии, как это обычно бывает. Первоначальный стиль Пергама не был особенно связан с Пергамом , от которого он получил свое название, но очень богатые короли этого государства были одними из первых, кто собирал и копировал классическую скульптуру, а также заказал множество новых работ, в том числе знаменитый Пергамский алтарь. чья скульптура сейчас в основном находится в Берлине и является примером нового стиля, как и Мавзолей в Галикарнасе (еще одно из семи чудес света), знаменитый Лаокоон и его сыновья в музеях Ватикана , поздний образец, и бронзовый оригинал « Умирающего» . Галлия (показана вверху), которая, как мы знаем, была частью группы, фактически заказанной для Пергама примерно в 228 г. до н. э., копией которой также была Галлия Людовизи . Группа под названием « Бык Фарнезе» , возможно, мраморный оригинал II века, еще больше и сложнее, [53]
Эллинистическая скульптура значительно расширила диапазон представленных сюжетов, отчасти в результате большего общего процветания и появления очень богатого класса, у которого были большие дома, украшенные скульптурой, хотя мы знаем, что некоторые примеры предметов, которые кажутся наиболее подходящими для дома, , например, детей с животными, на самом деле помещали в храмы или другие общественные места. На гораздо более популярном рынке домашних украшений были фигурки Танагры и фигурки из других центров, где небольшие керамические фигурки производились в промышленных масштабах, некоторые религиозные, а другие изображали животных и элегантно одетых женщин. Скульпторы стали более технически опытными в изображении выражений лица, передающих самые разные эмоции, и портретной живописи людей, а также представителей разных возрастов и рас. Рельефы Мавзолея в этом отношении весьма нетипичны; большая часть работ была отдельно стоящей, и групповые композиции с несколькими фигурами, которые можно было увидеть в раунде, такие как Лаокоон и пергамская группа, празднующая победу над галлами, стали популярными, что раньше было редкостью. « Фавн Барберини» , изображающий распростертого спящего сатира , предположительно после выпивки, является примером морального расслабления того периода и готовности создавать большие и дорогие скульптуры сюжетов, не дотягивающих до героического. [54]
После завоеваний Александра эллинистическая культура доминировала при дворах большей части Ближнего Востока и некоторых стран Центральной Азии и все чаще перенималась европейской элитой, особенно в Италии, где греческие колонии первоначально контролировали большую часть Юга. Эллинистическое искусство и художники распространились очень широко и оказали особенное влияние в расширяющейся Римской республике и когда она столкнулась с буддизмом в самых восточных частях эллинистической области. Массивный так называемый саркофаг Александра , найденный в Сидоне в современном Ливане, вероятно, был изготовлен там в начале этого периода греческими художниками-эмигрантами для эллинизированного персидского губернатора. [55] Богатство того периода привело к значительному увеличению производства роскошных форм небольшой скульптуры, включая гравированные драгоценные камни и камеи, ювелирные изделия, а также изделия из золота и серебра.
.JPG/1280px-0_Apollon_du_Belv%C3%A9d%C3%A8re_-_Cortile_Ottagono_-_Museo_Pio-Clementino_-_Vatican_(2).JPG)
Раннеримское искусство находилось под влиянием искусства Греции и соседних этрусков , которые сами находились под сильным влиянием своих греческих торговых партнеров. Этрусской специальностью были терракотовые изображения гробниц в натуральную величину , обычно лежащие на крышке саркофага , подпертые на один локоть, в позе обедающего в тот период. Когда расширяющаяся Римская республика начала завоевывать территорию Греции, сначала в Южной Италии, а затем и во всем эллинистическом мире, за исключением парфянского Дальнего Востока, официальная и патрицианская скульптура стала в значительной степени продолжением эллинистического стиля, из которого трудно выделить конкретно римские элементы. распутать, тем более, что большая часть греческой скульптуры сохранилась только в копиях римского периода. [56] Ко II веку до н.э. «большинство скульпторов, работавших в Риме» были греками, [57] часто порабощенными во время завоеваний, таких как Коринф (146 г. до н.э.), а скульпторы продолжали быть в основном греками, часто рабами, чьи имена записываются очень редко. Огромное количество греческих статуй было импортировано в Рим либо в качестве добычи, либо в результате вымогательства или торговли, а храмы часто украшались повторно использованными греческими произведениями искусства. [58]
Родной итальянский стиль можно увидеть в надгробных памятниках, на которых очень часто были изображены портретные бюсты зажиточных римлян среднего класса, а портретная живопись, возможно, является главной силой римской скульптуры. Не сохранилось традиций масок предков, которые носили в процессиях на похоронах великих семей и иным образом выставляли дома, но многие из сохранившихся бюстов, должно быть, изображают фигуры предков, возможно, из больших семейных гробниц, таких как Гробница Сципионов или более поздняя мавзолея за пределами города. Знаменитая бронзовая голова, предположительно Луция Юния Брута, датирована очень по-разному, но считается очень редким пережитком италийского стиля времен Республики, выполненным из предпочтительной бронзы. [59] Столь же суровые и сильные головы можно увидеть на монетах Поздней республики, а в имперский период монеты и бюсты, разосланные по Империи для размещения в базиликах провинциальных городов, были основной визуальной формой имперской пропаганды; даже в Лондиниуме была почти колоссальная статуя Нерона , хотя и намного меньшая, чем 30-метровый Колосс Нерона в Риме, ныне утерянный. [60]
Римляне, как правило, не пытались конкурировать с отдельно стоящими греческими произведениями о героических подвигах из истории или мифологии, но с самого начала создавали рельефные исторические произведения, кульминацией которых стали великие римские триумфальные колонны с непрерывными повествовательными рельефами, вьющимися вокруг них, из которых те в память о Траяне (113 г. н. э.) и Марке Аврелии (к 193 г.) сохранились в Риме, где Ara Pacis («Алтарь мира», 13 г. до н. э.) представляет собой официальный греко-римский стиль в его самом классическом и изысканном виде. Среди других важных примеров - ранее повторно использованные рельефы на Арке Константина и основании Колонны Антонина Пия (161), [61] Рельефы Кампаны были более дешевыми керамическими версиями мраморных рельефов, а вкус к рельефам исходил от имперских императоров. период расширился до саркофага. Все формы роскошной небольшой скульптуры продолжали пользоваться покровительством, а качество могло быть чрезвычайно высоким, как в серебряной чашке Уоррена , стеклянной чаше Ликурга и больших камеях, таких как Джемма Августа , Камея Гонзаги и « Великая камея Франции ». [62] Для гораздо более широкой части населения лепные рельефные украшения керамических сосудов и небольшие фигурки производились в больших количествах и часто значительного качества. [63]
Пройдя через фазу «барокко» конца 2-го века, [64] в 3-м веке, римское искусство в значительной степени отказалось или просто стало неспособным создавать скульптуру в классической традиции, и причины этого изменения до сих пор широко обсуждаются. Даже самые важные императорские памятники теперь изображали приземистые, большеглазые фигуры в суровом фронтальном стиле, в простых композициях, подчеркивающих мощь в ущерб изяществу. Контраст хорошо иллюстрируется Аркой Константина 315 года в Риме, которая сочетает в себе секции в новом стиле с медальонами в более раннем греко-римском стиле, взятыми из других мест, и четырьмя тетрархами ( ок. 305 г. ) из новой столицы Рима. Константинополь , ныне Венеция. Эрнст Китцингер обнаружил в обоих памятниках одни и те же «короткие пропорции, угловатые движения, расположение частей посредством симметрии и повторения, а также передачу черт и складок драпировки посредством разрезов, а не моделирования... Отличительной чертой стиля, где бы он ни появлялся, является подчеркнутая жесткость, тяжесть и угловатость — словом, почти полный отказ от классической традиции». [65]
Эта революция стиля незадолго до того периода, когда христианство было принято римским государством и подавляющим большинством людей, что привело к концу большой религиозной скульптуры, когда большие статуи теперь использовались только для императоров. Однако богатые христиане продолжали заказывать рельефы для саркофагов, как в саркофаге Юния Басса , а очень маленькая скульптура, особенно из слоновой кости, была продолжена христианами, опираясь на стиль консульского диптиха . [66]
Ранние христиане были против монументальной религиозной скульптуры, хотя и продолжали римские традиции в портретных бюстах и рельефах саркофагов , а также в более мелких объектах, таких как консульский диптих. Подобные предметы, часто изготовленные из ценных материалов, также были основными скульптурными традициями (насколько известно) варварских цивилизаций периода миграции , о чем свидетельствуют предметы, найденные в погребальном сокровище VI века в Саттон-Ху , и ювелирные изделия. скифского искусства и гибридных христианских и звериных произведений островного искусства . Следуя продолжающейся византийской традиции, искусство Каролингов возродило резьбу по слоновой кости, часто в виде панелей для переплетов великих иллюминированных рукописей , а также головок посохов и других мелких деталей.
Византийское искусство , хотя и производило великолепные рельефы из слоновой кости и архитектурную декоративную резьбу, никогда не возвращалось к монументальной скульптуре или даже к небольшой круглой скульптуре. [67] Однако на Западе в период Каролингов и Оттона началось производство монументальных статуй в судах и крупных церквях. Это постепенно распространилось; к концу 10-го и 11-го веков в англосаксонских церквях имеются записи о нескольких скульптурах, по-видимому, в натуральную величину, вероятно, из драгоценного металла вокруг деревянной рамы, таких как Золотая Мадонна Эссена . Ни одного англосаксонского образца не сохранилось, [68] а сохранившиеся крупные неархитектурные скульптуры возрастом менее 1000 лет исключительно редки. Самым лучшим из них является Крест Геро 965–970 годов, представляющий собой распятие , которое, очевидно, было самым распространенным типом скульптуры; Карл Великий установил один из них в Палатинской капелле в Аахене около 800 года. Их популярность продолжала расти, особенно в Германии и Италии. Рунические камни скандинавского мира, пиктские камни Шотландии и, возможно , высокие крестовые рельефы христианской Великобритании были северными скульптурными традициями, которые связали период христианизации.
Начиная примерно с 1000 года нашей эры, во всей Европе произошло возрождение художественного производства, чему способствовал общий экономический рост производства и торговли, и новый стиль романского искусства был первым средневековым стилем, который использовался во всей Западной Европе. Новые соборы и паломнические церкви все чаще украшались архитектурными каменными рельефами, а также развивались новые направления скульптуры, такие как тимпан над церковными дверями в 12 веке и обитаемая столица с фигурами и часто повествовательными сценами. Выдающиеся церкви аббатства со скульптурой включают во Франции Везле и Муассак, а также Силосы в Испании . [69]
Романское искусство характеризовалось очень энергичным стилем как в скульптуре, так и в живописи. Капители колонн никогда не были более интересными, чем в этот период, когда на них часто вырезали полные сцены с несколькими фигурами. [70] Большое деревянное распятие было немецким нововведением в самом начале периода, как и отдельно стоящие статуи Мадонны на троне, но горельеф был , прежде всего, скульптурным способом того периода. Композиции обычно имели небольшую глубину и должны были быть гибкими, чтобы втиснуться в формы капителей и церковных типанумов; Напряжение между плотно охватывающей рамой, из которой иногда вырывается композиция, является постоянной темой в романском искусстве. Фигуры по-прежнему часто различались по размеру в зависимости от их важности. Портретной живописи почти не существовало.
Предметы из драгоценных материалов, таких как слоновая кость и металл, имели в тот период очень высокий статус, гораздо более высокий, чем монументальная скульптура — мы знаем имена большего числа их создателей, чем художники, иллюминаторы или архитекторы-каменщики. Металлические изделия, в том числе украшения эмалью , стали очень сложными, и сохранилось множество впечатляющих святынь, созданных для хранения реликвий, из которых самым известным является Храм Трех королей в Кельнском соборе работы Николая Верденского . Бронзовый подсвечник Глостера и латунный шрифт 1108–1117 годов, ныне находящийся в Льеже, представляют собой превосходные, очень разные по стилю образцы металлического литья, первый из которых был очень сложным и энергичным, основанным на рукописной живописи, тогда как шрифт демонстрирует наиболее яркий стиль Мосана. классический и величественный. Бронзовые двери, триумфальная колонна и другие детали собора Хильдесхайма , двери Гнезно и двери базилики Сан-Дзено в Вероне являются другими значительными пережитками. Акваманила , емкость для воды для мытья, по -видимому, была завезена в Европу в 11 веке и часто принимала фантастические зооморфные формы; сохранившиеся образцы в основном изготовлены из латуни. Многие восковые оттиски впечатляющих печатей сохранились на грамотах и документах, хотя романские монеты, как правило, не представляют большого эстетического интереса. [71]
Монастырский крест — это необычно большое распятие из слоновой кости со сложной резьбой, включающее множество фигур пророков и других людей, которое приписывают одному из относительно немногих известных художников, мастеру Гюго , который также освещал рукописи. Как и многие другие произведения, изначально он был частично окрашен. Шахматные фигуры Льюиса представляют собой хорошо сохранившиеся образцы небольших изделий из слоновой кости, от которых осталось много кусочков или фрагментов от посохов , бляшек, нательных крестов и подобных предметов.
Готический период по существу определяется готической архитектурой и не полностью соответствует развитию стиля скульптуры ни в его начале, ни в конце. На фасадах больших церквей, особенно вокруг дверей, по-прежнему были большие типаны, а вокруг них располагались ряды скульптурных фигур. Статуи на западном (королевском) портале Шартрского собора ( ок. 1145 г. ) демонстрируют элегантное, но преувеличенное удлинение колонн, но статуи на южном портале трансепта , датированные 1215–1220 гг., демонстрируют более натуралистический стиль и возрастающее отделение от стены позади. и некоторое понимание классической традиции. Эти тенденции были продолжены в западном портале Реймского собора несколько лет спустя, где фигуры почти круглые, что стало обычным явлением по мере распространения готики по Европе. [72]
В Италии Никола Пизано (1258–1278) и его сын Джованни разработали стиль, который часто называют проторенессансом , с безошибочным влиянием римских саркофагов и сложных и многолюдных композиций, включая сочувственное обращение с наготой, в рельефных панелях на их Сиенском соборе. Кафедра (1265–1268 гг.), Кафедра в Пизанском баптистерии (1260 г.), Фонтана Маджоре в Перудже и кафедра Джованни в Пистойе 1301 года . Еще одно возрождение классического стиля наблюдается в интернациональных готических работах Клауса Слютера и его последователи в Бургундии и Фландрии около 1400 года . [74] Поздняя готическая скульптура продолжалась на Севере, с модой на очень большие деревянные скульптурные алтари со все более виртуозной резьбой и большим количеством волнующих выразительных фигур; большинство сохранившихся примеров находятся в Германии, после большого иконоборчества в других местах. Тильман Рименшнейдер , Фейт Стосс и другие продолжали этот стиль вплоть до 16 века, постепенно впитывая влияние итальянского Возрождения. [75]
Изображения гробниц в натуральную величину из камня или алебастра стали популярными среди богатых, и появились грандиозные многоуровневые гробницы, причем гробницы Скалигеров в Вероне были настолько большими, что их пришлось перенести за пределы церкви. К 15 веку существовала промышленность, экспортирующая Ноттингемские алебастровые алтарные рельефы группами панелей по большей части Европы для экономичных приходов, которые не могли позволить себе каменные ретаблы. [76] Мелкая резьба, предназначенная в основном для мирского и часто женского рынка, стала значительной отраслью промышленности в Париже и некоторых других центрах. Типы изделий из слоновой кости включали небольшие религиозные полиптихи , отдельные фигурки, особенно Богородицы , футляры для зеркал, гребни и сложные шкатулки со сценами из романов , которые использовались в качестве подарков на помолвку. [77] Очень богатые люди собирали экстравагантно сложные, украшенные драгоценными камнями и эмалью металлические изделия, как светские, так и религиозные, такие как Реликварий Святого Шипа герцога Беррийского , пока у них не закончились деньги, когда их снова переплавили за наличные. [78]
Собственно скульптуру эпохи Возрождения часто начинают со знаменитого конкурса на двери флорентийского баптистерия в 1403 году, в результате которого сохранились пробные модели, представленные победителем Лоренцо Гиберти и Филиппо Брунеллески . Двери Гиберти все еще на месте, но их, несомненно, затмила его вторая пара для другого входа, так называемых Врат Рая , которые перенесли его с 1425 по 1452 год, и представляют собой ослепительно уверенно классифицирующие композиции с различной глубиной рельефа, позволяющие использовать обширный фон. . [79] За прошедшие годы первый помощник Гиберти Донателло разработал оригинальные статуи, в том числе его Давидов из мрамора (1408–09) и бронзы (1440-е годы), а также его конную статую Гаттамелаты , а также рельефы. [80] Ведущей фигурой в более поздний период был Андреа дель Верроккьо , наиболее известный своей конной статуей Бартоломео Коллеони в Венеции; [81] его ученик Леонардо да Винчи разработал скульптуру лошади в 1482 году « Лошадь для Милана» , но ему удалось создать только 24-футовую (7,3 м) глиняную модель, которая была разрушена французскими лучниками в 1499 году, а другие его амбициозные скульптурные планы были никогда не завершался. [82]
Этот период был отмечен значительным увеличением покровительства скульптуры со стороны государства в отношении общественного искусства и со стороны богатых людей в отношении своих домов; особенно в Италии, общественная скульптура остается важнейшим элементом облика исторических центров городов. Церковная скульптура в основном перемещалась внутрь, тогда как общественные памятники снаружи стали обычным явлением. Портретная скульптура, обычно в виде бюста, стала популярной в Италии около 1450 года: неаполитанец Франческо Лаурана специализировался на молодых женщинах в медитативных позах, в то время как Антонио Росселлино и другие чаще изображали деловых людей с шишковатыми лицами, а также маленьких детей. [83] Портретная медаль , изобретенная Пизанелло , также часто изображала женщин; рельефные плакетки были еще одной новой небольшой формой скульптуры из литого металла.
Микеланджело был активным скульптором примерно с 1500 по 1520 годы, и его великие шедевры, в том числе «Давид» , «Пьета» , «Моисей », а также произведения для гробницы Папы Юлия II и капеллы Медичи , не могли быть проигнорированы последующими скульпторами. Его культовый Давид (1504 г.) имеет позу контрапоста , заимствованную из классической скульптуры. Он отличается от предыдущих изображений сюжета тем, что Давид изображен перед битвой с Голиафом, а не после поражения гиганта. Вместо того, чтобы показывать себя победителем, как это сделали Донателло и Вероккьо, Дэвид выглядит напряженным и готовым к бою. [84]
Как и в живописи, ранняя итальянская скульптура маньеризма была в значительной степени попыткой найти оригинальный стиль, который превзошел бы достижения Высокого Возрождения , которое в скульптуре, по сути, означало Микеланджело, и большая часть борьбы за достижение этого велась в комиссиях по заполнению другие места на площади Синьории во Флоренции, рядом с Давидом Микеланджело . Баччо Бандинелли перенял проект « Геркулеса и Какуса» от самого мастера, но он был немногим более популярен, чем сейчас, и Бенвенуто Челлини злонамеренно сравнивал его с «мешком дынь», хотя, по-видимому, он имел длительный эффект. впервые вводит рельефные панели на постаментах статуй. Как и в других работах его и других маньеристов, в ней удалено гораздо больше исходного блока, чем это сделал бы Микеланджело. [85] Бронзовый Персей Челлини с головой Медузы, безусловно, является шедевром, спроектированным с восемью углами обзора, еще одной характеристикой маньеризма, но действительно манерным по сравнению с Давидами Микеланджело и Донателло. [86] Первоначально он был ювелиром, его знаменитая золотая и эмалированная солонка (1543 г.) была его первой скульптурой и показывает его талант во всей красе. [87] Как показывают эти примеры, в этот период расширился диапазон светских сюжетов для больших произведений за пределы портретов, причем особое предпочтение отдавалось мифологическим фигурам; раньше они в основном встречались в небольших произведениях.
Маленькие бронзовые фигурки для кабинетов коллекционеров , часто мифологические сюжеты с обнаженной натурой, были популярной формой эпохи Возрождения, в которой Джамболонья , первоначально фламандец , но живший во Флоренции, преуспел во второй половине века, также создавая скульптуры в натуральную величину, две из которых присоединились к Коллекция на площади Синьории. Он и его последователи разработали элегантные удлиненные примеры figura serpentinata , часто состоящих из двух переплетенных фигур, которые были интересны со всех сторон. [88]
.jpg/1280px-Apollo_and_Daphne_(Bernini).jpg)
В скульптуре барокко группы фигур приобрели новое значение, появилось динамичное движение и энергия человеческих форм — они вращались вокруг пустого центрального вихря или простирались наружу, в окружающее пространство. Скульптура в стиле барокко часто имела несколько идеальных углов обзора и отражала общее продолжение эпохи Возрождения, переход от рельефа к скульптуре, созданной в круглой форме и предназначенной для размещения в центре большого пространства - сложные фонтаны, такие как Fontana dei Quattro Бернини. Фиуми (Рим, 1651 г.) или сады Версаля были специализацией барокко. Стиль барокко идеально подходил для скульптуры: Джан Лоренцо Бернини был доминирующей фигурой того времени в таких произведениях, как « Экстаз святой Терезы» (1647–1652). [89] Многие скульптуры в стиле барокко добавляли внескульптурные элементы, например, скрытое освещение или фонтаны, или объединяли скульптуру и архитектуру, чтобы создать преобразующий опыт для зрителя. Художники считали себя приверженцами классической традиции, но восхищались эллинистической , а затем и римской скульптурой, а не скульптурой более «классических» периодов, как они видны сегодня. [90]
Протестантская Реформация почти полностью прекратила развитие религиозной скульптуры в большей части Северной Европы, и хотя светская скульптура, особенно портретные бюсты и надгробные памятники , продолжалась, Золотой век Голландии не имеет значимого скульптурного компонента за пределами ювелирного дела. [91] Частично в результате прямой реакции скульптура была столь же заметна в римском католицизме , как и в позднем средневековье. Статуи правителей и знати становились все более популярными. В 18 веке большая часть скульптуры продолжалась в стиле барокко — фонтан Треви был завершен только в 1762 году. Стиль рококо лучше подходил для небольших произведений и, возможно, нашел свою идеальную скульптурную форму в раннем европейском фарфоре , а также в декоративных схемах интерьера из дерева или гипса, таких как как те, что находятся во французских внутренних интерьерах, а также в австрийских и баварских паломнических церквях . [92]
Неоклассический стиль , пришедший в конце 18 века, уделял большое внимание скульптуре. Жан-Антуан Гудон иллюстрирует проницательную портретную скульптуру, которую может создать этот стиль, а Антонио Канова обнажает идеалистический аспект этого движения. Неоклассический период был одним из величайших периодов общественной скульптуры, хотя его «классическими» прототипами, скорее всего, были римские копии эллинистических скульптур. В скульптуре наиболее знакомые представители — итальянец Антонио Канова , англичанин Джон Флаксман и датчанин Бертель Торвальдсен . Европейская неоклассическая манера также прижилась в Соединенных Штатах, где ее вершина произошла несколько позже и проиллюстрирована скульптурами Хайрама Пауэрса .
.jpeg/1280px-Gandhara_Buddha_(tnm).jpeg)
Греко-буддийское искусство — это художественное проявление греко-буддизма , культурного синкретизма между классической греческой культурой и буддизмом , который развивался в течение почти 1000 лет в Центральной Азии, между завоеваниями Александра Македонского в 4 веке до нашей эры. и исламские завоевания VII века н.э. Греко-буддийское искусство характеризуется сильным идеалистическим реализмом эллинистического искусства и первыми изображениями Будды в человеческой форме, которые помогли определить художественный (и особенно скульптурный) канон буддийского искусства на всем азиатском континенте до настоящего времени. Хотя датировка неизвестна, похоже, что сильно эллинистические стили сохранялись на Востоке в течение нескольких столетий после того, как они пришли в упадок в Средиземноморье, вплоть до V века нашей эры. Некоторые аспекты греческого искусства были переняты, в то время как другие не распространились за пределы греко-буддийского региона; в частности, стоящая фигура, часто в расслабленной позе и согнутой одной ногой, а также летающие амуры или победители, которые стали популярны по всей Азии как апсары . Греческое украшение листвой также оказало влияние: появились индийские версии коринфской столицы . [93]
Истоки греко-буддийского искусства следует искать в эллинистическом греко-бактрийском царстве (250–130 гг. до н. э.), расположенном на территории современного Афганистана , из которого эллинистическая культура распространилась на Индийский субконтинент с созданием небольшого Индо-греческого царства ( 180–10 гг. до н. э.). При индо-греках , а затем и кушанах взаимодействие греческой и буддийской культуры процветало в районе Гандхары , на территории сегодняшнего северного Пакистана, прежде чем распространиться дальше в Индию, оказав влияние на искусство Матхуры , а затем и на индуистское искусство империи Гуптов. , который должен был распространиться на остальную часть Юго-Восточной Азии. Влияние греко-буддийского искусства также распространилось на север, в сторону Центральной Азии , сильно повлияв на искусство Таримской котловины и пещер Дуньхуана и, в конечном итоге, на скульптурные фигуры в Китае, Корее и Японии. [94]
Китайские ритуальные бронзы династий Шан и Западная Чжоу датируются периодом более тысячи лет, начиная с ок. 1500 г. до н.э. , и оказали постоянное влияние на китайское искусство . Они отлиты со сложным узором и зооморфным декором, но избегают человеческих фигур, в отличие от огромных фигур, только недавно обнаруженных в Саньсиндуе . [95] Впечатляющая Терракотовая армия была собрана для гробницы Цинь Шихуанди , первого императора объединенного Китая с 221 по 210 гг. образ жизни в загробной жизни, как при жизни, заменяющий настоящие жертвоприношения очень ранних периодов. Меньшие фигурки из керамики или дерева помещались в гробницы на протяжении многих столетий после этого, достигнув пика качества в гробницах династии Тан . [96] Традиция необычно больших керамических фигур сохранилась в Китае, от фигурок гробниц Тан Саньцай до более поздних буддийских статуй, таких как набор глазурованных керамических луоханов Исяня почти в натуральную величину, а также более поздние фигурки для храмов и гробниц. Они пришли на смену более ранним аналогам из дерева.
Религии коренных народов Китая обычно не используют культовые изображения божеств и даже не представляют их, а большая религиозная скульптура почти полностью буддийская, датируется в основном 4-14 веками и первоначально использует греко-буддийские модели, прибывающие по Шелковому пути . Буддизм также является контекстом всех крупных портретных скульптур; В отличие от некоторых других регионов, в средневековом Китае даже нарисованные изображения императора считались личными. Императорские гробницы имеют впечатляющие проходы, заполненные реальными и мифологическими животными в масштабе, соответствующем Египту, а меньшие версии украшают храмы и дворцы. [97]
Небольшие буддийские фигурки и группы производились с очень высоким качеством в различных средствах, [98] как и рельефное украшение всех видов предметов, особенно из металла и нефрита . [99] В более ранние периоды большое количество скульптур было вырезано из живой скалы в паломнических пещерных комплексах, а также в виде наружных скальных рельефов . В основном они были изначально нарисованы. В отличие от художников -литераторов , скульпторы всех мастей считались ремесленниками, и записано очень мало имен. [100] Начиная с династии Мин , статуэтки религиозных и светских деятелей производились из китайского фарфора и других материалов, что стало важным экспортным товаром.
.JPG/1280px-Man_blowing_conch_(Wanli_Reign_Period).JPG)
К концу длительного периода неолита Дзёмон некоторые керамические сосуды были «окаймлены пламенем» с экстравагантными расширениями по краю, которые можно назвать только скульптурными, [103] и были изготовлены очень стилизованные керамические фигурки догу , многие из которых имели характерный «снежный узор». -выпучив глаза. В период Кофун (3-6 века н.э.) терракотовые фигуры людей и животных ханива в упрощенном стиле воздвигались возле важных гробниц. Приход буддизма в VI веке принес с собой сложные традиции скульптуры, китайские стили, передаваемые через Корею. Хорю-дзи VII века и его содержимое сохранились более неповрежденными, чем любой восточноазиатский буддийский храм того времени, с работами, включая Троицу Шака 623 года из бронзы, изображающую исторического Будду в окружении двух бодхисаттв, а также царей-хранителей Четыре направления . [104]
Дзёчо считается одним из величайших буддийских скульпторов не только периода Хэйан , но и в истории буддийских статуй в Японии. Дзёчо изменил форму тела статуй Будды, усовершенствовав технику «ёсэги дзкури» (寄木造り), которая представляет собой комбинацию нескольких пород дерева. Мирное выражение и изящная фигура изготовленной им статуи Будды завершили японский стиль скульптуры статуй Будды под названием «Дзётё ё» (стиль Дзёчо, 定朝様) и определили стиль японских буддийских статуй позднего периода. Его достижение резко подняло социальный статус бусси (буддийского скульптора) в Японии. [105]
В период Камакура клан Минамото основал сёгунат Камакура , и класс самураев впервые фактически управлял Японией. Преемники Дзёчо, скульпторы школы буддийских статуй Кэй , создавали реалистичные и динамичные статуи, соответствующие вкусам самураев, а японская буддийская скульптура достигла своего расцвета. Ункей , Кайкей и Танкей были знамениты, и они сделали много новых статуй Будды во многих храмах, таких как Кофуку-дзи , где многие статуи Будды были потеряны в войнах и пожарах. [106]
Почти вся последующая значительная крупная скульптура в Японии была буддийской, с некоторыми синтоистскими эквивалентами, а после упадка буддизма в Японии в 15 веке монументальная скульптура стала в основном архитектурным украшением и менее значимой. [107] Однако скульптурные работы в декоративном искусстве были развиты до замечательного уровня технических достижений и изысканности в небольших предметах, таких как инро и нэцкэ из многих материалов, а также металлических тосогу или креплениях японских мечей . В 19 веке существовала экспортная промышленность небольших бронзовых скульптур чрезвычайной виртуозности, статуэток из слоновой кости и фарфора, а также других типов небольшой скульптуры, все больше подчеркивающих технические достижения.
,_gupta_period,_krishna_battling_the_horse_demon_keshi,_5th_century.JPG/1280px-Met,_india_(uttar_pradesh),_gupta_period,_krishna_battling_the_horse_demon_keshi,_5th_century.JPG)
Первая известная скульптура на Индийском субконтиненте принадлежит цивилизации долины Инда (3300–1700 гг. До н. э.) и найдена в местах в Мохенджо-Даро и Хараппе на территории современного Пакистана . К ним относятся знаменитая маленькая бронзовая танцовщица и так называемый Царь-Жрец . Однако такие фигурки из бронзы и камня редки, и их значительно превосходят по численности керамические фигурки и каменные печати, часто с очень точно изображенными животными или божествами. После краха цивилизации долины Инда до буддийской эпохи сохранилось мало свидетельств о скульптуре, за исключением клада медных фигур (несколько спорных) ок. 1500 г. до н.э. из Даймабада . [108] Таким образом, великая традиция индийской монументальной каменной скульптуры, по-видимому, зародилась по сравнению с другими культурами, а развитие индийской цивилизации произошло относительно поздно, во время правления Ашоки с 270 по 232 год до нашей эры, и Столпы Ашоки , которые он воздвиг. вокруг Индии, неся его указы и увенчанные знаменитыми скульптурами животных, в основном львов, шесть из которых сохранились. [109] Большое количество фигуративной скульптуры, в основном рельефной, сохранилось из ранних буддийских паломнических ступ, прежде всего Санчи ; они, вероятно, возникли из традиции использования дерева, которая также охватывала индуизм . [110]
Индуистские, джайнские и буддийские скульптуры Матхуры из розового песчаника I-III веков нашей эры отражали как местные индийские традиции, так и западные влияния, полученные через греко-буддийское искусство Гандхары, и фактически заложили основу для последующей индийской религиозной скульптуры. [110] Этот стиль был разработан и распространен на большей части территории Индии во времена Империи Гуптов ( ок. 320–550 ), которая остается «классическим» периодом для индийской скульптуры , охватывающей более ранние пещеры Эллора , [111] хотя пещеры Элефанта , вероятно, чуть позже. [112] Позже крупномасштабная скульптура остается почти исключительно религиозной и, как правило, довольно консервативной, часто возвращаясь к простым стоячим позам божеств, хотя сопутствующие духи, такие как апсары и якши , часто принимают чувственно изогнутые позы. Резьба часто очень детализированная, со сложной подложкой позади главной фигуры с горельефом. Знаменитые бронзовые изделия династии Чола ( ок. 850–1250 ) из южной Индии, многие из которых были предназначены для ношения в процессиях, включают культовую форму Шивы в образе Натараджи [113] с массивными гранитными резными фигурками Махабалипурама , датируемыми предыдущей Паллавой . династия. [114]
Скульптура региона, как правило, характеризуется высокой степенью орнаментации, как это видно на великих памятниках индуистской и буддийской кхмерской скульптуры (9-13 веков) в Ангкор-Вате и других местах, огромном буддийском комплексе 9-го века в Боробудуре в Ява и индуистские памятники Бали . [115] Оба они включают в себя множество рельефов, а также фигур в раунде; В Боробудуре 2672 рельефных панели, 504 статуи Будды, многие из которых полускрыты в ажурных ступах , и множество крупных фигур-хранителей.
В Таиланде и Лаосе скульптура состояла в основном из изображений Будды , часто позолоченных, как крупных для храмов и монастырей, так и небольших фигурок для частных домов. Традиционная скульптура в Мьянме возникла еще до периода Багана . Как и везде в регионе, большая часть деревянных скульптур периодов Багана и Авы утеряна.
В традиционных анитистских скульптурах с Филиппин преобладают анитистские конструкции, отражающие используемую среду и задействованную культуру, но при этом подчеркиваемые средой, в которой обычно размещаются такие скульптуры. Христианские и исламские скульптуры с Филиппин имеют разные мотивы по сравнению с другими христианскими и исламскими скульптурами в других местах. В более поздние периоды китайское влияние преобладало во Вьетнаме, Лаосе и Камбодже, и со всего региона сохранилось больше деревянных скульптур.
Ислам известен как аниконический , поэтому подавляющее большинство скульптур представляют собой арабески , рельефные или ажурные украшения, основанные на растительных мотивах, но тяготеющие к геометрическим абстрактным формам. На самом раннем фасаде Мшатты (740-е годы), ныне в основном в Берлине , внутри плотных арабесок с высоким рельефом изображены животные, а фигуры животных и людей в основном с низким рельефом встречаются в сочетании с украшениями на многих более поздних произведениях из различных материалов. включая изделия из металла, слоновой кости и керамики. [116]
Круглые фигурки животных часто были приемлемы для произведений, используемых в частном контексте, если объект был явно практичным, поэтому средневековое исламское искусство содержит много металлических животных, которые представляют собой акваманилы , курильницы или подставки для фонтанов, как в случае с каменными львами, поддерживающими знаменитого в Альгамбре , кульминацией которого является самая большая известная средневековая исламская фигура животного, Пизанский грифон . Точно так же роскошные резные изделия из твердого камня , такие как рукояти кинжалов и чашки, могут быть выполнены в виде животных, особенно в искусстве Великих Моголов . Степень приемлемости такого смягчения строгих исламских правил варьируется в зависимости от периода и региона: исламская Испания , Персия и Индия часто лидируют в послаблениях и обычно наиболее высока в придворных условиях. [117]
Исторически, за исключением некоторых монументальных египетских скульптур, большая часть африканских скульптур была создана из дерева и других органических материалов, которые не сохранились ранее, чем несколько столетий назад; более старые керамические фигурки найдены в ряде мест. Маски — важный элемент в искусстве многих народов, наряду с человеческими фигурами, часто сильно стилизованными. Существует огромное разнообразие стилей, часто различающихся в одном и том же контексте происхождения в зависимости от использования объекта, но очевидны широкие региональные тенденции; скульптура наиболее распространена среди «групп оседлых земледельцев на территориях, дренированных реками Нигер и Конго » в Западной Африке. [118] Прямые изображения божеств относительно редки, но маски, в частности, изготавливаются или часто изготавливались для религиозных церемоний; сегодня многие из них созданы для туристов как «аэропортовое искусство». [119] Африканские маски оказали влияние на европейское модернистское искусство, которое было вдохновлено отсутствием заботы о натуралистических изображениях.
Нубийское королевство Куш в современном Судане находилось в тесном и часто враждебном контакте с Египтом и создавало монументальную скульптуру , в основном производную от стилей севера. В Западной Африке самые ранние известные скульптуры относятся к культуре Нок , которая процветала между 500 г. до н.э. и 500 г. н.э. в современной Нигерии, с глиняными фигурками, обычно с удлиненными телами и угловатыми формами. Более поздние культуры Западной Африки разработали бронзовое литье для рельефов для украшения дворцов, таких как знаменитые бенинские бронзы , и очень прекрасные натуралистические королевские головы из города Ифе йоруба из терракоты и металла XII–XIV веков. Золотые гири Акан представляют собой разновидность небольших металлических скульптур, созданных в период 1400–1900 годов, некоторые из которых, по-видимому, представляют собой пословицы и поэтому содержат элемент повествования, редкий в африканской скульптуре, а королевские регалии включали впечатляющие элементы золотой скульптуры. [120]
Многие западноафриканские фигурки используются в религиозных ритуалах и часто покрываются материалами, наносимыми на них для церемониальных подношений. Народы того же региона, говорящие на манде , изготавливают куски дерева с широкими плоскими поверхностями, а руки и ноги имеют форму цилиндров. Однако в Центральной Африке к основным отличительным характеристикам относятся лица в форме сердца, изогнутые внутрь и украшенные узорами из кругов и точек.
Население Великих африканских озер не известно своими скульптурами. [118] Тем не менее, одним из стилей региона являются скульптуры на столбах, вырезанные в форме человека и украшенные геометрическими формами, а на вершинах вырезаны фигуры животных, людей и различных предметов. Эти шесты ставятся рядом с могилами и ассоциируются со смертью и миром предков. Культура, известная из Великого Зимбабве, оставила более впечатляющие здания, чем скульптуры, но восемь птиц Зимбабве из мыльного камня , по-видимому, имели особое значение и были установлены на монолитах . Современные зимбабвийские скульпторы из мыльного камня добились значительного международного успеха . Самые старые известные глиняные фигурки Южной Африки датируются 400–600 годами нашей эры и имеют цилиндрические головы, сочетающие в себе черты человека и животного.
Создание скульптур в Эфиопии и Эритрее восходит к ее древнему прошлому, с царствами Дэмт и Аксум . Христианское искусство возникло в Эфиопии с переходом из язычества в христианство в IV веке нашей эры, во время правления короля Эзаны Аксумского . [121] Христианские образы украшали церкви в ассумский период и в более поздние эпохи. [122] Например, в Лалибеле святые в натуральную величину были вырезаны в церкви Бет-Голгофа; по традиции они были изготовлены во время правления правителя Загве Гебре Мескеля Лалибелы в 12 веке, но, скорее всего, они были изготовлены в 15 веке во времена династии Соломоновых Островов . [123] Однако церковь Святого Георгия в Лалибеле , один из нескольких примеров скальной архитектуры в Лалибеле, содержащей замысловатую резьбу, была построена в 10–13 веках, как доказано археологией. [124]
В древнем Судане развитие скульптуры простирается от простой керамики культуры Керма , начавшейся около 2500 г. Эфиопский Аксум). [125] [126] Помимо керамических изделий, культура Керма также производила мебель со скульптурами, например, золотые копыта крупного рогатого скота в качестве ножек кроватей. [125] Скульптура во времена Кушского царства включала статуи в натуральную величину (особенно королей и королев), фигурки меньшего размера (чаще всего изображающие королевских слуг) и рельефы из камня, на которые повлияла современная древнеегипетская скульптурная традиция. [127] [128]
Скульптура в современной Латинской Америке развивалась в двух отдельных и различных областях: Мезоамерике на севере и Перу на юге. В обеих областях скульптура изначально была из камня, а затем из терракоты и металла, поскольку цивилизации в этих областях стали более технологически развитыми. [129] Мезоамериканский регион произвел более монументальную скульптуру, от массивных блочных произведений культур ольмеков и тольтеков до великолепных барельефов , которые характеризуют культуры майя и ацтеков . В Андском регионе скульптуры обычно были небольшими, но часто демонстрировали превосходное мастерство.
В Северной Америке из дерева изготавливали тотемные столбы , маски, утварь, военные каноэ и множество других предметов, с явными различиями в разных культурах и регионах. Наиболее развитыми стилями являются стили северо-западного побережья Тихого океана , где развилась группа сложных и сильно стилизованных формальных стилей, которые легли в основу традиции, которая продолжается и сегодня. Помимо знаменитых тотемных столбов, расписные и резные фасады домов дополнялись резными столбами внутри и снаружи, а также погребальными фигурами и другими предметами. Среди инуитов Крайнего Севера до сих пор сохраняются традиционные стили резьбы по слоновой кости и мыльному камню. [130]
Приход европейской католической культуры легко адаптировал местные навыки к преобладающему стилю барокко , создав чрезвычайно сложные ретабло и другие, в основном церковные скульптуры, в различных гибридных стилях. [131] Самым известным из таких примеров в Канаде является алтарь базилики Нотр-Дам в Монреале, Квебек, который был вырезан крестьянскими рабочими . Позже художники, обученные в западной академической традиции, следовали европейским стилям, пока в конце 19 века они снова не начали опираться на местные влияния, особенно в мексиканском гротескном стиле барокко, известном как чурригереск . Аборигены также адаптировали церковную скульптуру в вариациях плотницкой готики ; Одним из известных примеров является церковь Святого Креста в Скукумчак-Хот-Спрингс, Британская Колумбия .
История скульптуры в Соединенных Штатах после прибытия европейцев отражает фундамент страны 18-го века, основанный на римских республиканских гражданских ценностях и протестантском христианстве . По сравнению с территориями, колонизированными испанцами, скульптура в британских колониях развивалась чрезвычайно медленно, почти не имея места в церквях, и получила толчок только из-за необходимости утвердить свое гражданство после обретения независимости. Американская скульптура середины-конца XIX века часто была классической, часто романтической, но демонстрировала склонность к драматическому, повествовательному, почти журналистскому реализму. Общественные здания в последней четверти XIX и первой половине XX века часто служили архитектурным фоном для скульптуры, особенно рельефной. К 1930-м годам стал популярным международный стиль архитектуры, дизайна и ар-деко, характеризующийся работами Пола Мэншипа , Ли Лори и других. К 1950-м годам традиционное образование в области скульптуры будет почти полностью заменено интересом к абстрактному дизайну под влиянием Баухауза . Минималистская скульптура заменила фигуру в общественных местах, и архитекторы почти полностью перестали использовать скульптуру в своих проектах. Современные скульпторы (21 век) используют как классические, так и абстрактные конструкции. Начиная с 1980-х годов произошел возврат к фигуративной общественной скульптуре; к 2000 году многие из новых общественных произведений в Соединенных Штатах имели фигуративный дизайн.
Современный классицизм во многом контрастировал с классической скульптурой XIX века, которая характеризовалась приверженностью к натурализму ( Антуан-Луи Барье ) — мелодраматической ( Франсуа Рюд ) сентиментальностью ( Жан-Батист Карпо ) — или своего рода величественной грандиозностью ( Лорд Лейтон ). В течение столетия было выбрано несколько различных направлений классической традиции, но изучение живой модели и постренессансной традиции по-прежнему оставалось для них фундаментальным.Огюст Роден был самым известным европейским скульптором начала 20 века. [132] [133] Его часто считают скульптурным импрессионистом , как и его учеников, в том числе Камиллу Клодель и Хьюго Рейнхольда , пытающихся смоделировать мимолетный момент обычной жизни. Современный классицизм проявлял меньший интерес к натурализму и больший интерес к формальной стилизации. Больше внимания уделялось ритмам объемов и пространств, а также больше внимания контрастным качествам поверхности (открытая, закрытая, плоская, сломанная и т. д.), в то время как меньше внимания уделялось повествованию и убедительным деталям анатомии или костюма. . Больше внимания уделялось психологическому эффекту, чем физическому реализму, и использовались влияния более ранних стилей мира.
Среди ранних мастеров современного классицизма: Аристид Майоль , Александр Матвеев , Жозеф Бернар , Антуан Бурдель , Георг Кольбе , Либеро Андреотти , Густав Вигеланд , Ян Стурса , Константин Бранкузи . В течение столетия современный классицизм был принят в качестве национального стиля двух великих европейских тоталитарных империй: нацистской Германии и Советской России , которые использовали работы более ранних художников, таких как Кольбе и Вильгельм Лембрук в Германии [134] и Матвеев в Россия. За 70 лет существования СССР новые поколения скульпторов были обучены и выбраны в рамках их системы, и был разработан особый стиль - социалистический реализм , который вернулся к акценту XIX века на мелодраме и натурализму.
Классическое обучение было искоренено из художественного образования в Западной Европе (и Америке) к 1970 году, а классические варианты 20-го века были маргинализированы в истории модернизма. Но классицизм оставался основой художественного образования в советских академиях до 1990 года, обеспечивая основу для выразительного изобразительного искусства по всей Восточной Европе и некоторым частям Ближнего Востока. К 2000 году европейская классическая традиция сохраняет широкую привлекательность для публики, но ожидает, что образовательная традиция возродит ее современное развитие.
Некоторые элементы современной классики стали либо более декоративными/арт-деко ( Поль Мэншип , Хосе де Крифт , Карл Миллес ), либо более абстрактно стилизованными, либо более выразительными (и готическими) ( Антон Ханак , Вильгельм Лембрук , Эрнст Барлах , Артуро Мартини ) — или превратились в больше к эпохе Возрождения ( Джакомо Манзо , Венанцо Крочетти ) или остался прежним ( Шарль Деспио , Марсель Гимон ).
Модернистские скульптурные движения включают кубизм , геометрическую абстракцию , де Стиль , супрематизм , конструктивизм , дадаизм , сюрреализм , футуризм , формализм , абстрактный экспрессионизм , поп-арт , минимализм , лэнд-арт и искусство инсталляции среди других.
В начале 20-го века Пабло Пикассо произвел революцию в искусстве скульптуры, когда начал создавать свои конструкции, объединяя разрозненные объекты и материалы в одно построенное произведение скульптуры; скульптурный эквивалент коллажа в двухмерном искусстве. Появление сюрреализма привело к тому, что «скульптурой» иногда стали называть вещи, которые раньше так не назывались, например, «непроизвольная скульптура» в нескольких смыслах, включая куляж . В последующие годы Пикассо стал плодовитым гончаром , что привело, с интересом к исторической керамике со всего мира, к возрождению керамического искусства с такими фигурами, как Джордж Э. Ор , а затем Питер Вулкос , Кеннет Прайс и Роберт Арнесон . Марсель Дюшан придумал использование « найденного объекта » (по-французски: objet trouvé) или реди-мейда из таких произведений, как «Фонтан» (1917).
Точно так же работы Константина Брынкушь в начале века проложили путь для более поздней абстрактной скульптуры. Бунтуя против натурализма Родена и его современников конца XIX века, Брынкуши свел предметы к их сути, о чем свидетельствуют элегантно изысканные формы его серии «Птица в космосе » (1924). [135]
Влияние Брынкуши с его словарем редукции и абстракции наблюдается на протяжении 1930-х и 1940-х годов и иллюстрируется такими художниками, как Гастон Лашез , сэр Джейкоб Эпштейн , Генри Мур , Альберто Джакометти , Хоан Миро , Хулио Гонсалес , Пабло Серрано , Жак Липшиц . 136] , а к 1940-м годам абстрактная скульптура подверглась влиянию и расширению Александра Колдера , Лена Лая , Жана Тэнгли и Фредерика Кислера , которые были пионерами кинетического искусства .
Скульпторы-модернисты в значительной степени упустили огромный бум в паблик-арте, вызванный спросом на военные мемориалы в честь двух мировых войн, но с 1950-х годов общественность и заказчики стали более комфортно относиться к модернистской скульптуре, и крупные общественные комиссии, как абстрактные, так и фигуративные, стали обычным явлением. . Пикассо было поручено сделать макет для огромной общественной скульптуры высотой 50 футов (15 м), так называемого Чикаго Пикассо (1967). Его замысел был неоднозначным и несколько спорным, и что представляет собой фигура, неясно; это может быть птица, лошадь, женщина или совершенно абстрактная фигура.
В конце 1950-х и 1960-х годах скульпторы-абстракционисты начали экспериментировать с широким спектром новых материалов и различными подходами к созданию своих работ. Сюрреалистические образы, антропоморфная абстракция, новые материалы и комбинации новых источников энергии, разнообразных поверхностей и объектов стали характерными для многих новых модернистских скульптур. Совместные проекты с ландшафтными дизайнерами, архитекторами и ландшафтными архитекторами расширили внешний вид территории и контекстную интеграцию. Такие художники, как Исаму Ногучи , Дэвид Смит , Александр Колдер , Жан Тэнгли , Ричард Липпольд , Джордж Рики , Луиза Буржуа , Филип Павиа и Луиза Невельсон , стали характеризовать облик современной скульптуры.
К 1960-м годам преобладали абстрактный экспрессионизм , геометрическая абстракция и минимализм , который сводит скульптуру к ее наиболее существенным и фундаментальным чертам. Некоторые работы этого периода: работы Дэвида Смита в Куби и сварные стальные работы сэра Энтони Каро , а также сварные скульптуры самых разных скульпторов, крупномасштабные работы Джона Чемберлена и масштабные экологические инсталляции. Марк ди Суверо . Среди других минималистов — Тони Смит , Дональд Джадд, Роберт Моррис , Энн Труитт , Джакомо Беневелли , Арнальдо Помодоро , Ричард Серра , Дэн Флавин , Карл Андре и Джон Сафер , которые добавили движения и монументальности к теме чистоты линий. [137]
В 1960-х и 1970-х годах фигуративная скульптура художников-модернистов в стилизованных формах была создана такими художниками, как Леонард Баскин , Эрнест Трова , Джордж Сигал , Марисоль Эскобар , Пол Тек , Роберт Грэм в классическом артикулированном стиле, а Фернандо Ботеро привнес «негабаритный» стиль своей картины. фигуры» в монументальные скульптуры.
,_MIT_Campus.JPG/1280px-Jacques_Lipchitz,_Birth_of_the_Muses_(1944-1950),_MIT_Campus.JPG)
Произведения искусства , специфичные для конкретного места и окружающей среды , представлены художниками: Энди Голдсуорси , Уолтером Де Марией , [139] Ричардом Лонгом , Ричардом Серра , Робертом Ирвином , [140] Джорджем Рики , а также Христо и Жанной-Клод привели современную абстрактную скульптуру в новых направлениях. Художники создавали экологические скульптуры на обширных площадках в рамках группы проектов « Лэнд-арт на американском Западе ». Эти скульптурные работы экологического масштаба в стиле лэнд-арт или «земное искусство» представлены такими художниками, как Роберт Смитсон , Майкл Хейзер , Джеймс Террелл ( Кратер Родена ). Ева Гессе , Сол Левитт , Джеки Уинзор , Кейт Сонньер , Брюс Науман и Деннис Оппенгейм среди других были пионерами постминималистской скульптуры.
Также в 1960-х и 1970-х годах такие разные художники, как Эдуардо Паолоцци , Крисса , Клаас Ольденбург , Джордж Сигал , Эдвард Кинхольц , Нам Джун Пайк , Вольф Фостелл , Дуэйн Хэнсон и Джон ДеАндреа исследовали абстракцию, образность и фигурацию через видеоарт , окружающую среду, свет. скульптура и инсталляция по-новому.
Концептуальное искусство — это искусство, в котором концепция(и) или идея(и), включенные в произведение, имеют приоритет над традиционными эстетическими и материальными соображениями. Среди работ Йозефа Кошута «Один и три стула» и «Дуб» Майкла Крейга -Мартина , а также работы Йозефа Бойса , Джеймса Террелла и Яцека Тылицки .
Некоторые современные формы скульптуры теперь практикуются на открытом воздухе, например, экологическое искусство и экологическая скульптура , часто на виду у зрителей. Световая скульптура , скульптура уличного искусства и искусство, ориентированное на конкретные места, также часто используют окружающую среду. Ледяная скульптура — это форма эфемерной скульптуры, в которой в качестве сырья используется лед. Он популярен в Китае, Японии, Канаде, Швеции и России. Ледяные скульптуры используются в качестве декоративного элемента в некоторых кухнях, особенно в Азии. Кинетические скульптуры — это скульптуры, предназначенные для движения, к которым относятся мобили . Снежные скульптуры обычно вырезаются из цельного куска снега размером от 6 до 15 футов (от 1,8 до 4,6 м) с каждой стороны и весом около 20–30 тонн. Снег плотно упаковывается в форму после того, как он был создан искусственным путем или собран с земли после снегопада. Звуковые скульптуры принимают форму внутренних звуковых инсталляций, наружных инсталляций, таких как эоловые арфы, автоматы, или находятся более или менее рядом с обычными музыкальными инструментами. Звуковая скульптура часто зависит от конкретного места. Художественные игрушки стали еще одним форматом для современных художников с конца 1990-х годов, например, игрушки, созданные Такаши Мураками и Кид Роботом , разработанные Майклом Лау или сделанные вручную Майклом Ливиттом (художником) . [141]
Скульптуры чувствительны к условиям окружающей среды, таким как температура , влажность и воздействие света и ультрафиолета . Кислотные дожди также могут нанести ущерб некоторым строительным материалам и историческим памятникам. Это происходит, когда серная кислота под дождем вступает в химическую реакцию с соединениями кальция в камнях (известняке, песчанике, мраморе и граните) с образованием гипса , который затем отслаивается. Сильное загрязнение воздуха также наносит ущерб историческим памятникам.
В любое время многие современные скульптуры обычно выставлялись в общественных местах; Кража не была проблемой, поскольку предметы можно было сразу узнать. В начале 21 века стоимость металла выросла до такой степени, что кража массивных бронзовых скульптур за стоимость металла стала проблемой; скульптуру стоимостью в миллионы украли и переплавили из-за относительно низкой стоимости металла, составляющей лишь небольшую часть стоимости произведения искусства. [142]
,_c._645-635_BC,_British_Museum_(16722368932).jpg/1280px-thumbnail.jpg)
_and_queen.jpg/1280px-King_Menkaura_(Mycerinus)_and_queen.jpg)
_(Room_4).jpg/1280px-BM,_AES_Egyptian_Sulpture_~_Colossal_bust_of_Ramesses_II,_the_'Younger_Memnon'_(1250_BC)_(Room_4).jpg)
_MET_DT263.jpg/1280px-Marble_statue_of_a_kouros_(youth)_MET_DT263.jpg)
.jpg/1280px-Cathedral_of_Ourense_(Spain).jpg)
_MET_DT2883.jpg/1280px-Benjamin_Franklin_(1706%E2%80%931790)_MET_DT2883.jpg)
![Золотой олень с головой орла и еще десятью головами в рогах. Предмет, вдохновленный искусством гор Сибирского Алтая, возможно, Пазырыка, обнаружен на стоянке Налинггаоту, уезд Шэньму, недалеко от Сианя, Китай.[101] Возможно, от «гуннов, живших в прериях Северного Китая». Датируется IV-III веками до нашей эры,[101] или периодом династии Хань.[102] Музей истории Шэньси.[102]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/cb/Gold_monster.jpg/1280px-Gold_monster.jpg)
.jpg/1280px-China_-_Beijing_12_-_lion_outside_the_Tibetan_Monastery_(134036069).jpg)
),_Parshvanatha,_Neminatha,_and_Mahavira)_LACMA_M.85.55_(1_of_4).jpg/1280px-Shrine_with_Four_Jinas_(Rishabhanatha_(Adinatha)),_Parshvanatha,_Neminatha,_and_Mahavira)_LACMA_M.85.55_(1_of_4).jpg)
.jpg/1280px-Borobudur_-_Buddha_Statue_-_035_Dhyana_Mudra,_Amitabha_(11679385166).jpg)
.jpg/1280px-Mschatta-Fassade_(Pergamonmuseum).jpg)
.jpg/1280px-Masque_probablement_Bobo-Burkina_Faso_(2).jpg)
.jpg/1280px-Ancient_Figurine,_National_Museum,_Addis_Ababa,_Ethiopia_(2130296832).jpg)
.jpg/1280px-Axumite_Jar_Spout_(2822628227).jpg)
![Один из семи святых в натуральную величину, вырезанных на стене церкви Бет-Голгофа, Лалибела, 15 век (традиционно считается, что он был создан во время правления Гебре Мескеля Лалибелы)[123]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/85/Bet_Golgotha.jpg/1280px-Bet_Golgotha.jpg)
.jpg/1280px-Auguste_Rodin-Burghers_of_Calais_(photo).jpg)
,_partially_glazed_stoneware,_75_x_19_x_27_cm,_Mus%C3%A9e_d'Orsay,_Paris.jpg/1280px-Paul_Gauguin,_1894,_Oviri_(Sauvage),_partially_glazed_stoneware,_75_x_19_x_27_cm,_Mus%C3%A9e_d'Orsay,_Paris.jpg)
,_Nu_debout,_limestone,_95_x_33_x_17_cm,_Mus%C3%A9e_National_d'Art_Moderne.jpg/1280px-Andr%C3%A9_Derain,_1907_(Automne),_Nu_debout,_limestone,_95_x_33_x_17_cm,_Mus%C3%A9e_National_d'Art_Moderne.jpg)
,_plaster_lost,_photo_Galerie_Ren%C3%A9_Reichard,_Frankfurt,_72dpi.jpg/1280px-Joseph_Csaky,_1911-1912,_Deux_Femme_(Two_Women),_plaster_lost,_photo_Galerie_Ren%C3%A9_Reichard,_Frankfurt,_72dpi.jpg)
.jpg/1280px-Otto_Gutfreund_(Cellista).jpg)
_01.JPG){kind=link}
{{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка )
